Chaim Soutine to genialny szaleniec. Dawno, dawno temu był artysta Chaim Sutin Sutin, który obrazował imię pana młodego po francusku

04.09.2019

MIESZKAŁ TAM ARTYSTA CHAIM SUTIN

Grigorij Anisimow

Wielu artystów przybyłych z Rosji, którzy wyjechali w latach rewolucji, przed nią i po niej, przez długi czas uważano w swojej ojczyźnie, jakby nie istnieli. Mieszkali w Paryżu i byli klasyfikowani jako „artyści francuscy”. Chagall, Soutine, Zadkine, Lipchitz pozostawali poza uwagą historyków i krytyków sztuki. Chagall miał więcej szczęścia, reszta mniej. Ktoś trafnie nazwał ich cichymi geniuszami. Rzeczywiście tak jest. Soutine należy do tych zapomnianych. Nie ma o nim książek, albumów, monografii w języku rosyjskim. I napisał w dokumentach „rosyjski”, wskazał miejsce urodzenia – Rosję. Dzięki Ilji Ehrenburgowi: to on pierwszy napisał o Chaimie Soutine’u. Być może po raz pierwszy w naszym czasopiśmie ukazuje się esej o życiu i twórczości tego wielkiego artysty, który wpłynął na losy światowej sztuki.

Albo miód, albo gorzki kielich,

Albo ogień piekielny, albo świątynia,

Wszystko, co było jego, jest teraz twoje.

Wszystko jest dla Ciebie. Dedykowane tobie.

B. Okudżawa

Z małego, tajemniczego miejsca pod Mińskiem początkujący artysta Soutine trafił do Paryża. Marzył o tym mieście, pragnął tam pojechać, z pasją o nim marzył, z pasji, sam na sam ze sobą, bezpośrednio myślał o zdobyciu tam sławy. Potężna i obfita Ruś była dla młodzieży żydowskiej krajem szczególnie trudnym i okrutnym. Ale Soutine ją kochał, widział jej bezradność i naiwność, chociaż nigdy nie śpiewał jej jak Chagall, to znaczy nie wskrzeszał jej w swoich dziełach. Z pochodzącym z Rosji Chagallem Soutine kojarzony był z niezwykłym romantyzmem szczerości. Jeśli Chagall tworzył swoje słodkie bajki, to Soutine był Szekspirem w sztuce, odważnie uciekającym się do tragicznych kolorów, spoglądającym w otchłań piekła.

Żył prawie o połowę krócej niż Chagall, ale dorównał mu, choć jest na świecie znacznie mniej znany, a to oznacza tylko jedno: czas Soutine'a jeszcze nadejdzie.

Autoportret. 1917

Przez pierwsze dziesięć lat życia w Paryżu (przybył tam w 1912 r.) Soutine był głodny do granic możliwości, męczył się, wędrował. Paryż jest bardzo dobry, piękny, przytulny, uroczy i piękny, gdy masz w kieszeni franki. A Paryż jest odrażająco zimny i bezlitosny, gdy kieszeń jest pusta. Mogę poświadczyć z własnego doświadczenia.

W życiu Soutine’a nastąpiła gwałtowna zmiana, jak w bajce: przybył miły wujek i uszczęśliwił go. W 1922 roku amerykański filantrop i kolekcjoner kupił wszystkie dzieła Soutine’a za 20 000 franków.

Wraz z pojawieniem się pieniędzy Soutine niewiele się zmienił: nie był zbyt schludny, stronił od kobiet ze względu na swoją skrajną nieśmiałość. Ale przyjaciele zaopiekowali się nim, ubierali, stopniowo uczyli dobrych manier, wynajmowali mu przyzwoite mieszkanie. Coraz dalej od Soutine oddalały się jego rodzinne Smilovichi, gdzie był dziesiątym dzieckiem w rodzinie. Jego matka Sarah była dobrą kobietą i ledwo miała czas, aby nakarmić i służyć swojej dużej rodzinie. Ojciec był krawcem. Niektóre książki o Sutinie mówią, że jego ojciec miał na imię Borukh, w innych nazywa się go Salomon. Najprawdopodobniej oba są prawdziwe - prawdopodobnie ojciec artysty miał na imię Borukh-Sholom. Nie był ani wybitnym erudytą, ani człowiekiem nieskończenie wierzącym w siłę umysłu. Jako robotnik wierzył w swoje ręce i był jedynym żywicielem całej hordy głodnych ust.

Kiedy Khaim zainteresował się rysunkiem, jego ojciec zachęcał syna do nauki. Ale w ortodoksyjnym miejscu, gdzie ściśle przestrzegano praw religii, surowo zabraniano rysowania tego, co już stworzył Bg, dlatego Chaim został pobity nie raz, a gdy ruszył rysować rabina, został pobity do połowy do śmierci. Istnieje legenda, że dowiedział się o tym rabin i dał Soutine’owi dwadzieścia pięć rubli. Na którym udał się do Wilna i wstąpił do szkoły artystycznej.

Chudy, chudy, chorowity – taki był Chaim Soutine. Malował z zapałem, skulony w kącie. Powiedzieli też, że Soutine nie zdał egzaminu wstępnego za pierwszym razem. Rzucił się na kolana przed nauczycielami i błagał o pozwolenie na powtórkę. I przeszło. I zrobił.

Prawdopodobnie z powodu wiecznego niedożywienia Soutine miał wrzód żołądka, ciągle wił się z bólu. Na jego twarzy, otoczonej kudłatymi włosami, malowało się cierpienie. Szeroko nabrzmiałe nozdrza, grube czerwone usta i płonące oczy – taki był młody człowiek Soutine.

Od razu widać było jego różnice w stosunku do innych – szczególne napięcie, niezwykłe maniery, niezdarne ruchy. Ale instynkt artystyczny był w nim tak silny, że rysowanie zabrało go daleko od rzeczywistości, w magiczne światy fantazji, fikcji, gorącej wyobraźni. Kiedy malował, wydawało się, że umysł go całkowicie opuścił - nic nie widział, nic nie słyszał, nic nie rozumiał... Jego obrazy odzwierciedlały twarz i duszę artysty. Były kolorowe, niejednoznaczne, niezwykle wyraziste.

A. Modiglianiego. Portret Chaima Soutine’a. 1915

Nie ma sztuki bez natury osobowości twórcy. W tym sensie Soutine jest artystą niezwykle subiektywnym. Był to duży teatr, w którym gra jeden aktor. Istniał teatr doświadczeń Stanisławskiego. Był teatr alienacji Brechta, był teatr biomechaniki Meyerholda, teatr absurdu Ionesco. Soutine połączył wszystko w sobie i nadał wszystkiemu wrażliwą, przenikliwą i wnikliwą interpretację. Nie można go z nikim pomylić.

Ucieleśniał prawdę osobistych uczuć z taką siłą, że wciąż szokuje ludzi autentycznym dramatem.

Postrzegam Soutine'a jako tajemniczą, demoniczną postać. To nie Lewitan ze swoim jesiennym smutkiem, ani Wędrowcy z ich irytującym realizmem. Soutine to burza, żywioł, huragan. To nowy typ artysty, który zdziera skórę z przedmiotów, okazując się nie zawsze ładnym człowiekiem w środku. To samo czynili w literaturze Dostojewski i Tołstoj. Soutine czytał Balzaca. Poezja artystyczna tego pisarza przypadła mu do gustu: żadnych romantycznych ideałów. W pewnym sensie Balzac jest zgodny z naszymi czasami - zbudowali socjalizm, zbudowali go, ale nigdy go nie ukończyli i na pełnych obrotach wpadli w kapitalizm z jego drapieżnymi żółtymi kłami.

W Paryżu Soutine wstąpił do Akademii Cormon. Za głośną nazwą kryła się szkoła prywatna. Co więcej, jest płatne. Soutine nie miał pieniędzy. Pracował na pół etatu przy rozładunku wagonów i barek. Jego przyjaciel Modigliani dawał mu jednego franka dziennie. Potem upijali się razem w tanich kawiarniach. Soutine zasypiała przy stole lub na obskurnej kanapie z przypadkową dziewczyną. Rano Soutine upił się i zabrał się do pracy.

Malował swoje płótna gwałtownie, namiętnie, do końca dając z siebie wszystko. Odsunął się od sztalugi, gdy nogi nie mogły go już utrzymać.

Są dwie drogi życia: albo żyjesz, ciągnięty przez lekkomyślność, lekkomyślność, śmiałe marzenie, które nie daje ci spokoju w dzień i w nocy. Albo kierujesz się trzeźwą kalkulacją, poszukiwaniem lepszego życia, bezpiecznego i wygodnego. Ukochany przez Soutine’a Balzac przekonująco pokazał w swoich powieściach, że prawdziwej miłości nie można kupić za pieniądze, a wilcza moralność podważa wszelkie fundamenty, nawołuje do rozliczenia się z sumieniem. Samolubne aspiracje człowieka prowadzą do upadku. Wszechmogący obdarzył Soutine’a talentem wielkiej siły, ale pozbawił go zdrowia. Żył zaledwie pięćdziesiąt lat. Soutine poszła za głosem sumienia artysty, wybrańca Bożego i pracownika. Pracował niestrudzenie. Modigliani ciągle mu powtarzał: Soutine, jesteś genialnym artystą! A wiara Soutine'a w siebie wzmocniła się, pomogła przetrwać wszelkie trudności. Osiągnął szczyty kreatywności, które osiągają nieliczni. Wspiął się w góry. Daleko poniżej przeciętności roiło się od handlarzy dziełami sztuki wyglądających jak drobni sklepikarze. Zimni rzemieślnicy nie znają prawdziwej miłości, uniwersalnych namiętności.

Wspólnicy mają obojętne serca i lepkie, zachłanne palce. Soutine’owi wydawało się, że nie mają w ogóle serc, a jedynie tłoki. A on sam żył w obliczu zmęczenia, wznosząc się w duchu do boskiego kosmosu.

Ledwo nauczony posługiwania się chusteczką i noszenia jedwabnych koszul ze spinkami do mankietów, ten małomiasteczkowy chłopak zdał sobie sprawę, że wszystko musi przekroczyć siebie, aby być sobą. Nigdy nie wiedział, co zrobić, żeby odnieść sukces. Wiedział jednak, że jego malarstwo jest nowe i niezwykłe. Każdy jego portret, pejzaż, kompozycja, martwa natura z padliną zamordowanego byka stawała się znakiem, symbolem, uogólnionym obrazem natury. Czerwone mieczyki zdławiły się krzykiem, ludzie na jego obrazach wili się od wewnętrznych sprzeczności, zdawali się rozrywani od środka.

Malarstwo było dla Chaima Soutine’a sposobem na egzystencję, pokarmem dla duszy i powietrzem dla płuc. Gdyby zabrano mu farby i płótna, natychmiast umarłby na ławce w swojej pracowni. Malarstwo skrywało w sobie pierwiastek nieskończoności, choć był on tu, obok, w sercu i w tubach.

Dawno, dawno temu Michaił Kikoin, pochodzący ze wsi Reżyca w obwodzie witebskim, studiował w wileńskiej szkole artystycznej obok Sutina. Studiował tam także Paweł Krzemień, który przybył do Wilna ze wsi Żołudka. Ci wieśniacy, trzymani razem w Paryżu, byli prawdziwymi przyjaciółmi Soutine’a i ludźmi o podobnych poglądach. Zmywali naczynia, odkurzali cudze dywany, zamiatali ulice i pomagali sobie nawzajem przetrwać.

Modigliani osiedlił Soutine z rosyjskim rzeźbiarzem Oscarem Meshchaninovem. Pochodził z Witebska, w 1907 wyjechał do Paryża. Zanim Soutine przybył do Paryża, Meshchaninov zyskał uznanie. Przyjaźnił się z Picassem i Modiglianim, z Diego Riverą i Zadkine'em.

Oscar Meshchaninov był osobą niezwykle życzliwą, sympatyczną i otwartą. Soutine uwielbiał go za żywotność, narzekanie i skuteczność. Oscar mógł czytać Puszkina godzinami. Soutine zakochał się w Puszkinie. Nocą giganci malarstwa szeptali coś do Soutine’a. Wyraźnie słyszał ich głosy. Stały obok jego wezgłowia – duże, skupione i znaczące. Nadchodzi Tycjan. Cicho stanął obok mnie, odetchnął i przemówił, jakby kontynuując wieloletnią rozmowę: „Słuchaj, Chaimie, przyjrzyj się uważnie mojemu „Autoportretowi”, „Denarowi Cezarowi”, weź pod uwagę „Madonnę rodziny Pisaro” i „Wenus z Urbino”, Może to wystarczy... I zrozumiecie, że kunszt artysty jest szczególną łaską B-ga. To z nieba. Najbardziej brutalne malowanie farbami olejnymi, bez odpowiedniego talentu, może dać tylko brzydkie rezultaty.

Tusza. 1925

Soutine słuchał tych rozmawiających duchów. Na jego oczach napełniły się życiem, zaczęły migotać i świecić niczym instrumenty w samolocie nocą.

- Gdzie i kiedy się urodziłeś? – zapytał nagle ten groźny starzec ze zmarszczonymi brwiami. - Liczby i teren są zawsze ważne w życiu artysty. „Urodziłem się na Białorusi, w mieście Smilovichi, 13 stycznia 1893 roku” – natychmiast poinformował Sutin. Uśmiech Tycjana.

Więc jesteś Koziorożcem. Trzynaste liczby to najczęściej dobre dni, astrologia nie potwierdza przesądów na ich temat. Urodziłeś się blisko wody, prawda? - Tak, maestro, mamy Dvinę pod oknami.

„Pomyśl tylko, żyłem cztery wieki przed tobą!” I podoba mi się Twoje malowanie. Prawdziwy kolorysta. Giorgione i ja zrobiliśmy dużo koloru, stylu... Widziałem twoją wystawę w Nowym Jorku. Cienki. Ale za dużo bólu, cierpienia. Musimy wznieść się ponad osobiste, zapomnieć o kłopotach ...

„Dobrze, że rozmawiasz, Tycjanie” – Soutine poczuł się nagle rozgoryczony. - Nie znaliście głodu, kupowaliście domy, otaczał was luksus, lizały was bogate panie. I rozkazy – od Karola V, od papieża, od bogatych panów…

– O czym ty mówisz, draniu…

- Tak, poszedłbyś, Tycjanie, do ...

Duch nagle zniknął, zamiast niego pojawił się hałaśliwy Amedeo.

- Dlaczego jesteś taki zdezorientowany, Soutine? – zapytał wesoło Modi, wyciągając ze swojej torby wypchaną butelkę wina, chleba, sera i pomidorów.

– Amedeo, chyba rozmawiałem z Tycjanem… Pochwalił mnie za mój styl.

- Tak myślałem! Biedactwo jest całkowicie szalone! Musisz pilnie wypić łyk.

Modigliani nalał pełny kieliszek wina i podał Soutine'owi: - Wypij łyk!

Soutine pił wino. Ciepło rozeszło się po całym ciele. Nie chodziło tylko o ciepło wina, ale także o stopień przyjaźni. Gdyby nie Modi, Soutine miałby trudności. Modi opiekowała się nim z troską czułej matki. Załatwił mu mieszkanie, dał pieniądze.

Oczywiście Tycjanowi łatwo jest powiedzieć: miał domy, majątki, wille, dobrą rodzinę – syna Orazio, syna Pomponio, córkę Lavinii. Co mam? Syn - widmowy błękit kobaltowy. Córka - błękit pruski, drugi syn - czerwień kadmowa, fiolet. Dobrze, że przyjął mnie mój rodak Osip Zadkine. Zamieszkaliśmy z nim w piwnicy. W pobliżu znajdowały się słynne masakry na Boulevard Vaugirard. Tam dostałem zwłoki, chętnie mi pozowały. Następnie Modi umówił mnie dla Leopolda Zborowskiego na ulicę Józefa-Bara. Leo mnie kochał, ale jego żona Anna mnie nienawidziła. Zawsze tak jest, z żonami naszych znajomych, jeśli się z nimi nie prześpimy, na widowni jest ciężko, kłótliwie, nie do zniesienia.

Cukiernik. 1922

Ostatnio namalowałem „Martwa natura z rybą na talerzu”, „Dziewczyna w czerwonej sukience”, „Mieczyki”, „Autoportret”, „Szef kuchni”.

Wypracował się do tego stopnia, że gwiazdy zaczęły mu skakać przed oczami, obudził się w nocy zlany zimnym potem, wpatrzył się w ciemność, ponownie zapadł w sen.

A kto przyszedł do mnie? Sam Michele, tak! Brwi, dzikie oczy i złamany nos. „No cóż, kolego” – powiedział mi Michał Anioł – „podjąłeś się tematu smutku, cierpienia, ścieków, piszesz zwłoki, zalewając je krwią. Do czego dążysz?

– Chcę przywrócić malarstwo do wielkich tradycji.

„To godne pochwały, przyjacielu. Czy widziałeś sufit Kaplicy Sykstyńskiej?

- Tylko reprodukcje.

„Zastanawiam się, co rozumieli ludzie XX wieku? Buonarroti zacisnął zęby i spojrzał na Soutine'a tymi swoimi strasznymi, przytłaczającymi oczami.

- Wielkość i moc, pogańska pasja i obraz Chrystusa jako potężnego sędziego! „To właśnie rozumiem” – powiedział stanowczo i żarliwie Soutine.

– Cel i znaczenie mojej sztuki są dla Was dostępne, więc mogę z Wami swobodnie rozmawiać…

Kiedy Soutine powiedział przyjaciołom, że w nocy przychodzili do niego wielcy mistrzowie i rozmawiali z nim, ci kręcili palcami po skroniach:

- Powinienem pić mniej!

Soutine zachichotał i pomyślał sobie, że przede wszystkim czeka na spotkanie we śnie z tą, którą kocha najbardziej. Oczywiście z Rembrandtem.

I Rembrandt przyszedł do niego. Kwadratowy, dobroduszny, w karmazynowym berecie i lekkim płaszczu przeciwdeszczowym, narzuconym na rzemieślniczą szatę ze szlufkami na ramionach. Usiadł wygodnie przy stole, zdjął beret, przygładził włosy, uśmiechnął się. Soutine pomocnie nalał wina do kieliszków.

Gość spojrzał na wino w świetle i po prostu powiedział, brzęcząc kieliszkami: - Do sztuki!

I chętnie opróżnił szklankę. - Ty i ja mamy ze sobą wiele wspólnego, Soutine, chociaż ty jesteś Żydem, a ja Holendrem. Ty jesteś z rodziny krawca, ja z rodziny młynarza. Oboje wcześniej uciekliśmy z domu, aby zostać artystami. Narodowość w sztuce nic nie znaczy!

Soutine i Paulette Jourdain z psem. 1927

„Wiedziałem dokładnie, co powiesz!” To dla mnie wielki zaszczyt widzieć Was, rozmawiać z Wami! Soutine'owi ścisnęło gardło.

Masz swój własny język, swój własny styl. Bez stylu nie ma artysty. Styl jest dzieckiem miłości. A miłość jest uzdrowicielem ducha. Prawdziwe malarstwo leczy człowieka lepiej niż jakiekolwiek lekarstwo. A złe malowanie rozprzestrzenia infekcję, czyni człowieka niepełnosprawnym. Powiem ci, Soutine, w zaufaniu: podoba mi się tragedia w twojej pracy. Masz wiele wspólnego z Adrianem Brouwerem. W Twoich pracach jest mistycyzm i tajemniczość. W malarstwie musi być tajemnica, tak jak w kobiecie, i w naturze. Są ukryte, a nie od razu ujawniane. To sprawia, że ich wiedza jest fascynująca. To, co szeroko otwarte, jest nudne...

Rembrandt pyta:

- Powiedziano mi, że studiowałeś moją pracę, pojechałeś do Holandii. Co to jest dla Ciebie? Na świecie jest wielu malarzy...

A co z Twoją kolorystyką? Nikt inny tego nie ma. Przecież ty, Tycjan, Rubens, Carracci są dla mnie przestarzałe. Zniknęły. A Rembrandt van Rijn jest jak jasna gwiazda na nocnym niebie.

- Dziękuję, bracie. Czułe słowo dla artysty to wspaniały prezent. W końcu spalamy się doszczętnie i co za to słyszymy?

Pozwól mi uścisnąć Ci dłoń. Soutine wyciągnął do niego rękę. I od razu podskoczył. W warsztacie nie było nikogo więcej. Dopiero w kącie na kanapie Paulina słodko chrapała. Wiedziała, jak uspokoić i pogłaskać każdego pijaka.

Drzewo pod wiatrem. 1942

Soutine naprawdę nie chciał tak od razu żegnać się z takim gościem, który przed chwilą u niego był, a który mówił tak inteligentnie, ważko, znacząco. Bez takich ludzi świat jest nudny, monotonny, dwuwymiarowy. Jak Rembrandt to powiedział? Ty, Soutine, powiadasz, wkładasz duszę w swoją pracę, podczas gdy inne konta tkwią w malarstwie, wklejasz swoje roszczenia, skąpstwo i swoją żabią śliskość. A ty jesteś duszą. A cóż jest na świecie cenniejszego, bardziej znaczącego i tajemniczego niż dusza? Nie ma nic więcej! Dobrze powiedziane. Mądry starzec. Uduchowiony. I jak mu się oczy świecą. Jak wilk, płoną. Ludzie nigdy się z nim nie rozstaną, nigdy. Będzie z nimi aż do końca życia na ziemi. Wieczny towarzysz, stały wędrowiec Aswerus.

Soutine dotknął ramienia Pauline, pragnął ciepła. Paulina, chcę jeść. Budzić się!

Wizja Rembrandta krążyła w umyśle Soutine’a jak film.

Choć Chaim Soutine mógł się komuś wydawać dzikusem, wzruszonym, zdzirą i pijakiem, ale w malarstwie był arystokratą i geniuszem, człowiekiem wolnym, dumnym i niezależnym. Śmiał się do siebie, gdy przypomniał sobie historie, że moskiewscy mecenasi zamawiali obrazy Matisse'a, dawali działki i powiedzieli artyście - zrób to dla nas w takim a takim terminie, inaczej wykonasz to w takim a takim rozmiarze i przywieziesz do Moskwy w grudniu. A Matisse próbował.

Soutine rozłożył tom Puszkina starannie zawinięty w gazetę i przeczytał: „Poeta sam wybiera tematy swoich piosenek, a tłum nie ma prawa kontrolować jego inspiracji…” Oto sprytny. Tak, takiego światła nie widziałem!

Tom ten ukazał się na bibule w 1899 roku z okazji stulecia urodzin poety. A Oscar Meshchaninov dał go Soutine’owi. Soutine nieskończenie cenił ten tom, a także samego Puszkina, którego po prostu ubóstwiał. Po pracy wyjął cenną książkę, przeczytał duże fragmenty wierszy, wiersze, sceny dramatyczne. I te słowa zadźwięczały w nim, drżał jak w gorączce. Za szorstkim wyglądem Soutine'a, który wyglądał jak zwykły człowiek, rzemieślnik, włóczęga, krył się inteligentny człowiek i doświadczony profesjonalista, który potrafił przekazać w malarstwie najsubtelniejsze odcienie złożonych stanów psychicznych.

Jeden z najwybitniejszych malarzy XX wieku, Chaim Soutine, do dziś pozostaje „rzeczą samą w sobie”. Od czasu do czasu organizują jego wystawy, a potem znowu na długo zapominają. Jego obrazy będą kupować arabscy szejkowie, rodzina Chaplinów, rodzina Rossellini. Nawet Pablo Picasso kupi i powiesi w swojej pracowni „Paryż nocą” Soutine’a. Co ich wszystkich fascynuje – chaos pociągnięć, linii, szczególna energia Sutinia, presja tragedii, nagość wszystkich żywych istot i rzeczy? Szczerze mówiąc, nie wiem. O to należało zapytać samego artystę lub jego żonę i dziewczynę, Marie-Berthe Orensch, która pozostała mu wierna do końca. Mówią, że subtelnie rozumiała te sprawy. Tak jak potrafi tylko kochające serce.

Soutine był dziecinnie ufny. Wierzył w siebie, w swoje ręce, jak jego ojciec, który potrafi uszyć garnitur dla najbardziej wybrednego tyrana. Ale za życia był darnerem, czyli naprawiał stare ubrania.

Dla Soutine’a praca malarza była głównym i jedynym prawem życia. Uświadomił sobie to, kiedy wspiął się na wysoką wieżę przeciwpożarową w ich mieście. Stamtąd otwierała się imponująca panorama, napełniająca duszę tak natchnioną rozkoszą, co dzieje się z mistrzem po udanej pracy lub po intymności z ukochaną.

Mieczyk. 1919

Sądząc po obrazie, Soutine zawsze bezpośrednio i odważnie patrzył w oczy swojemu losowi. Miał wszystko, żeby zbudować utopię z kwiatów i róż, przywołać w sobie czwarte marzenie Wiery Pawłownej, tak bogato i słodko opisane przez Czernyszewskiego. Ale bardziej uwierzył Balzacowi, który patrzył na ciemność i nieczystości, aż do krwi w oczach. A złote wersety Puszkina podniosły go na duchu, pomogły mu namalować obrazy, w których ciepło boskiego oddechu łączyło się z miłością i pasją.

Był wdzięczny swoim przyjaciołom, dzięki nim, ich pomocy, stał się tym, kim się stał. Przykład poświęcenia artysty, sumienia mistrza, honoru i godności sztuki XX wieku. „Wszyscy artyści godni Cechu św. Łukasza powinni być towarzyszami, braterstwem…” Wydaje się, że Rembrandt powiedział mu to podczas ich krótkiego spotkania. Dlaczego stary rzeźbiarz i dobroduszny Alfred Boucher kupili budynki przy ulicy Gdańskiej, założyli tam ul dla artystów? Przecież mógł zaoszczędzić pieniądze, wydać je na dziewczyny i drogie żarcie, zabawić ciało?

Tak mu podpowiadało serce, tak nakazywało sumienie. To samo wołanie usłyszał artysta Soutine. Jego pędzel ożywiał obrazy wykonane w surowym stylu. Zachowywał się jak chirurg, patolog, pozbawiony uczuć. Zachowywał się pewnie i skutecznie. Aby w pełni zrozumieć Soutine’a, wystarczy zacytować jeden wiersz. Oto jest.

Czy pamiętasz to

co widzieliśmy latem?

Mój aniele, pamiętasz?

Ten koń jest martwy w świetle

białe światło

Wśród czerwieniejącej trawy?

Na wpół zgniła rozłożyła nogi,

Jak dziewczyna na placu,

Bezwstydnie, brzuchem do góry, połóż się

Przy drodze

Obraźliwie wydzielająca się ropa.

A słońce wypaliło tę zgniliznę z nieba,

Aby spalić pozostałości na popiół

I tak ta wielka Natura połączyła się w jedną

Odłączono, zaakceptowano.

A ty piękność i zgnilizna cię dotkną,

I zgnijesz do szpiku kości

Odziani w kwiaty pod żałobnymi modlitwami,

Ekstrakcja kości trumiennych.

(Przetłumaczone z francuskiego przez V. Levika)

Został napisany przez Charlesa Baudelaire’a. Zmarł w 1867 roku, kiedy Soutine jeszcze się nie urodził, umarł przekonany o niezwyciężoności zła, w zepsuciu życia.

Całe pokolenie pisarzy i x

Artyści pierwszych trzydziestu lat XX wieku byli bywalcami paryskich kawiarni „Rotonde”, „Dome”, „Toulouse Negro”. Nie przychodzili tam mokasynowie i kloszardy, ale ludzie, którzy wykonali dobrą robotę. Można o tym przeczytać u Hemingwaya, Ehrenburga, Popławskiego. Otwórz Ehrenburg, a znajdziesz tam wersety bezpośrednio związane z rozmową o Soutine'u i jego braciach. „Aby pobudzić zwykłe słowa, aby płótno lub kamień ożyły, potrzebny jest oddech, pasja, a artysta szybciej się wypala - żyje dla dwojga, bo oprócz kreatywności ma własne kręcone, poplątane życie, jak wszyscy ludzie, nic mniej”. Paryska pisarka Gertrude Stein uważała, że ci ludzie to stracone pokolenie. To ona ukuła określenie „lekkomyślny”. Nic się nie stało! Czy Soutine i Chagall, Pascin i Sterenberg, Hemingway i Ehrenburg, Scott Fitzgerald i Modigliani zginęli? Dla kogo? Żyli pasją tworzenia, pracowali jak szaleni, wzbogacali ludzkość.

Panna młoda. 1925

Używając definicji Hemingwaya, ich talent był tak naturalny, jak wzór pyłku na skrzydłach motyla. W XXI wieku ten wzór nie został wymazany ani wyblakły. Tworzyli arcydzieła, choć nie zawsze mieli pieniądze, żeby się odpowiednio odżywiać. Soutine mówił, że głód i bezinteresowność rodzą arcydzieła, a nie sytość i dobre samopoczucie.

Rembrandt miał obraz przedstawiający zwłoki martwego byka. Piękno i różnorodność faktur zwyciężyły nad poczuciem nieprzyjemnej i brzydkiej fabuły. Wszystkie odcienie czerwieni na zdjęciu nasiliły się i pogłębiły obecność surowego mięsa, a kozłki na niebieskawych ścięgnach rozbłysły, a potem zamigotały. Tylko on mógł tak pisać.

I wiele lat później Soutine podjął ten temat i rozwiązał go wielokrotnie z niesamowitą tragedią. Okazało się, że martwa natura w jego rękach to nie martwa natura, ale żywa - z zapachami, formami pełnymi ruchu, z niesamowitymi przejściami linii w objętość. Imiennik Soutine'a, Chaim-Jakow Lipszitz, był zakłopotany: „Słuchaj, Soutine, obejrzawszy wystarczająco dużo twojego malarstwa, mogę rzeźbić po tobie. Za pomocą tomów w przestrzeni rysuję światło. Rzeźba sztalugowa, podobnie jak prawdziwe malarstwo, ma charakter całkowicie autonomiczny i do niej równoległy. Są niezbędne człowiekowi jak słońce.

Od Jacques’a Lipchitza Soutine badał ekspresyjną deformację natury. W tym nie miał sobie równych. A deformacja nie zakłócała obrazów emocjonalnych. To nie przypadek, że Modigliani namalował portrety Lipchitza i Soutine’a, którzy stali się filarami sztuki współczesnej o międzynarodowym uznaniu. Podobnie jak sam Amedeo.

Soutine niestrudzenie pisał tusze mięsne, oskubaną dziczyznę, ryby na talerzu, kurczaki. Żaden inny artysta nie miał tak wielu prac związanych z jedzeniem. Ten człowiek jest dobrze odżywiony. Zmarł 9 sierpnia 1943 w Paryżu na zapalenie otrzewnej. Miasto było okupowane. W obawie przed niemiecką policją wielu przyjaciół nie mogło wyjść na zewnątrz. Jedna osoba przeszła za trumną Soutine’a. To był Picasso.

Sutyn. 1927

Został pochowany na cmentarzu w Montparnasse.

Soutine zaczął od Wilna. Następnie w Paryżu miał własny warsztat na Place Clem, z widokiem na Sekwanę. Przypomniało mu to zamyśloną Dvinę z dzieciństwa.

Soutine pokazał grozę rzeczywistości, w której wszystko podlega nieludzkim prawom. Ale najwyraźniej nie wszystko, jeśli jest miejsce pod słońcem dla ludzi takich jak Soutine. Nie bez powodu można zaliczyć tego mistrza do realizmu magicznego. To wyjątkowy, indywidualny styl, wzburzone pisanie, rozpalone do białości malarstwo, niekończąca się ekspresja, gdy pędzel tworzy na płótnie nie ćwiczenia, ale prawdziwą muzykę.

„Kiedy głodowałem, nauczyłem się znacznie lepiej rozumieć Cezana” – zauważył Hemingway. Ludzie nauczyli się rozumieć Soutine’a, przynajmniej płacą za to miliony. Zrozumienie jest prologiem miłości.

Pan młody. 1928

P.S. Ciężko chory Modigliani powiedział Leopoldowi Zbrowskiemu: nie martw się, w osobie Soutine’a zostawiam ci geniusza. Nieskory do komplementów Konstantin Korovin uważał Soutine'a za jednego z pięciu najlepszych artystów na świecie. Modigliani namalował wspaniały portret młodego Soutine’a (1917). Zupełnie nie przypomina „Autoportretu” Soutine’a. Przedstawił się jako straszny, niezdarny, a nawet brzydki, jak Kałmuk. W Modiglianim jego przyjaciel Soutine jest spokojny, zrównoważony, w pewnym sensie nawet przystojny, z rękami złożonymi na kolanach. Kiedyś zapytano Soutine’a: – Żyłeś ciężko, prawda, czy byłeś nieszczęśliwy w życiu?

- Skąd to masz? Zawsze byłem szczęśliwym człowiekiem! – brzmiała odpowiedź Soutine’a. Mówiono to żarliwie, choć stanowiło to wyzwanie.

Chaim Soutine nie drgnął. Tak, był szczęśliwym człowiekiem. Czy twórca może być nieszczęśliwy? Prawie całkowicie ślepy Michał Anioł, Mozart dławiący się swoimi planami, głuchy Beethoven, doprowadzony do śmierci Puszkin – czy byli nieszczęśliwi?

Katedra w Chartres. 1932

Zadaj im takie pytanie – każdy odpowiedziałby jak Soutine. Prowadziła ich przez życie pasja, kreatywność, a nie pieniądze dyktowały im działania, a nie zysk o jakim marzyli. Mieszczanie, mieszczanie, filistyni są nieszczęśliwi, ale twórcy noszą w sobie szczęście. Tkają to ze zwodniczej, zawodnej sieci, ale ich biografie często przypominają żywoty świętych.

Soutine nie zaznał duchowego odpoczynku. Kreatywność go spaliła. Z pędzlem w dłoni był niezwykle oświecony. Najmądrzejszy Puszkin pisał o takich ludziach: „A serce znów płonie i kocha, bo nie może powstrzymać się od miłości”. Mówi się przy konkretnej okazji, o miłości do jednej kobiety. Ale Puszkin jest taki, że tym słowom można nadać zupełnie inne znaczenie.

Można to przypisać każdemu prawdziwemu artyście. Rzeczywiście artysta to nie zawód. To jest przeznaczenie!

Miesięcznik i wydawnictwo literacko-dziennikarskie.

Żadna z dziwnych historii o tym artyście nie zaprzecza innej i nie wydaje się przesadą, ale wszystkie razem składają się na legendę o ekscentrycznym żebraku mającym obsesję na punkcie malarstwa, który zdobył światowe uznanie… i zdawał się tego nie zauważać . Styl życia Soutine’a, sięgający groteski, wydaje się być kontynuacją jego obrazów, a może wręcz przeciwnie – ich początkiem.

Chaim Soutine urodził się w 1893 roku w prowincjonalnym białoruskim miasteczku Smilowicze, w biednej, wielodzietnej rodzinie. Jego bliskim nawet nie przyszło do głowy, żeby chłopiec z pobożnej rodziny żydowskiej został artystą i złamał religijny zakaz przedstawiania „stworzeń z duszą”. Chaim malował węglem ściennym ściany, kradł z domu naczynia, aby je sprzedać i za uzyskane pieniądze kupić ołówki. Ani kara, ani bicie nie były w stanie odwrócić go od ulubionej rozrywki. Krótki pobyt w Mińsku, gdzie młody Soutine pracował jako retuszer w studiu fotograficznym, zakończył się dramatycznie: namalował portret rabina, za co został dotkliwie pobity przez syna. Jednak pieniądze otrzymane przez sąd jako zadośćuczynienie za pobicie pozwoliły młodemu człowiekowi wyjechać do Wilna, gdzie ostatecznie rozpoczął naukę w szkole artystycznej. W 1913 roku, po dwóch latach studiów, Soutine wyjechał do Paryża: w Imperium Rosyjskim droga do dużych miast była dla niego zamknięta, ponieważ przepływ Żydów ograniczał osławiony Pale of Settlement.

flądra i pomidory

Osiadł na Montparnasse, w legendarnym „Ulu”: tak nazywał się dawny pawilon wystawowy, przebudowany na tanie pracownie artystyczne. Wielu przyszłych celebrytów, a wówczas nieznanych, zubożałych artystów, przybywających do Paryża z całego świata, przywiozło do tego „Ula” „miód” swojej twórczości. Wśród tych samych, co Soutine, imigrantów z Rosji był Marc Chagall. Dręczony brakiem pieniędzy Soutine był gotowy na każdą pracę: próbował pracować jako ładowacz, robotnik, model, ale zewsząd go wypędzano - po prostu nie mógł robić nic innego niż malowanie.

Wyobraźcie sobie Soutine’a z czasów The Hive. Nieśmiały prowincjusz, który tak naprawdę nie umiał mówić ani po rosyjsku (ojczystym językiem Soutine'a był jidysz), ani w dodatku po francusku, dla wielu wydawał się niepiśmiennym ignorantem. Niezdarny, niechlujny, z „oczami upolowanej bestii” (Ilya Erenburg), w znoszonym płaszczu narzuconym na nagie ciało… „Absolutnie dziki człowiek” – opisał Soutine’a jeden z jego współczesnych.

zwariowany

W nocy walił do drzwi sąsiadów, żądając, aby dali mu choć kawałek chleba. Zdobywszy jednak parę śledzi i cebulę, natychmiast zajął się martwą naturą i chociaż umysł nękał go głód, nie dotknął jedzenia, dopóki nie ukończył pracy. Ze wszystkimi starał się płacić swoimi obrazami: z ludźmi, od których pożyczał pieniądze, z policjantem, który na komisariacie traktował go ze zrozumieniem (Soutine został zabrany na policję, gdy znaleziono go śpiącego w śmietniku).

Modelki, wyczerpane wielogodzinnymi sesjami, płakały i odmawiały współpracy z nim. Sąsiedzi uciekli, nie mogąc znieść zapachu rozkładającego się mięsa, które Soutine w gorące letnie dni przynosił martwym naturom z rzeźni znajdującej się obok „Ula”. A on, nie zauważając smrodu, stanął nago przed sztalugami i delikatnie dotknął pędzlem płótna, jakby to było żywe ciało.

„Dziki człowiek” dużo czytał i pilnie się uczył: niezbyt długo – w Szkole Sztuk Pięknych i stale – w salach muzealnych. „Kiedy podeszli do niego, odskoczył na bok. Patrzył na obrazy mistrzów przeszłości, jak wierzący w wizerunki świętych” – wspomina francuski krytyk Voldemar Georges, który spotkał w muzeum Soutine’a. Rembrandt był jego idolem. Soutine trzykrotnie podróżował do Amsterdamu, aby obejrzeć obrazy Rembrandta w Rijksmuseum i twierdził, że rozmawia z wielkim Holendrem we śnie.

Martwa natura z rybami

Od Soutine’a, który swoją ekstrawagancją zszokował nawet paryską bohemę, wielu się odwróciło, ale byli też przyjaciele. Najbliższym przyjacielem stał się Amedeo Modigliani, który od pierwszej minuty znajomości rozpoznał w Soutine geniusza. Przyjaźń ta nie trwała długo (Modigliani zmarł w 1920 r.), ale okazała się fatalna dla Soutine’a. Modigliani przedstawił Soutine’a kolekcjonerowi Leopoldowi Zborowskiemu i rzeźbiarzowi Oscarowi Meshchaninovowi. Obaj otaczali artystę opieką: Zborowski zaczął wystawiać obrazy Soutine’a i wysłał go do pracy na południu Francji, Meszczaninow zapewnił mu swój warsztat. To właśnie na płótnie Zborowskiego w Soutine w 1922 roku zobaczył go amerykański kolekcjoner Albert Barnes i natychmiast wykupił wszystkie dzieła. Tak więc sława i dobrobyt przyszły do Soutine: nastąpiły udane wystawy w Paryżu, Chicago, Nowym Jorku, Londynie, opublikowano małą monografię, pojawił się doskonały warsztat z widokiem na Sekwanę. Ale sława i dobrobyt nie zmieniły artysty: nadal nie martwił się o życie, nie interesowało go nic poza malarstwem. Kiedy już sprzedane obrazy przestały mu się podobać, Soutine starał się je odkupić od właścicieli, aby je zniszczyć.

Druga wojna światowa zastała Soutine we Francji. Nie zgodził się na emigrację do USA, mimo że miał taką możliwość. Uciekając przed napadami na Żydów, mieszkał na fałszywych dokumentach w małym miasteczku, dwukrotnie próbował zgłosić się na ochotnika na front. Chaim Soutine zmarł w 1943 roku na zapalenie otrzewnej: pogłębił się wrzód żołądka – pozostałość po głodnych latach „Ula”. Zmarł, gdy potajemnie przewieziono go do Paryża, ukryty w karawanie pogrzebowym, gdzie czekał chirurg, gotowy wbrew zakazom władz wykonać doraźną operację pacjentowi pochodzenia żydowskiego. Według tych samych fałszywych dokumentów Soutine został pochowany na cmentarzu Montparnasse. Tylko nieliczni nie bali się przyjść, żeby go pożegnać, a wśród nich był Pablo Picasso.

Sceneria. Cagnes-sur-Mer

Słowa z Hamleta Szekspira „czas się rozłączył” – „przemieszczenie wieku” (w przekładzie A. Radłowej) wydają się najlepszym epigrafem twórczości Soutine’a, ujętej w ramy dwóch wojen światowych. Jego portrety, martwe natury, pejzaże przepojone są poczuciem nieuniknionej katastrofalnej natury życia. Prawdopodobnie naprawdę był obdarzony jakąś super wrażliwą „zwierzęcą” intuicją i podświadomie wychwytywał całą tragedię, cały horror swojej epoki, jak zwierzęta odczuwają zbliżającą się klęskę żywiołową.

Dlaczego mieszkając w Ulu, całymi godzinami obserwował, co dzieje się w rzeźni obok? Dlaczego ze wszystkich obrazów Rembrandta, które widział w Luwrze, Soutine wolał obraz z 1655 r. „Zarżnięte zwłoki byka”? Dlaczego spośród wszystkich kolorów to właśnie krwista czerwień wprowadzała go w stan niemal bolesnej ekstazy i zdominowała jego twórczość? Szkarłatne ubrania i fotele, ceglastoczerwone ściany, czerwone pomidory, czerwone kwiaty, płonące wnętrze obranych ze skóry tusz wołowych... Odpowiedź nasuwa się sama: świat wydawał się artyście gigantyczną rzeźnią, nieuchronnie skazującą całe życie na zagładę.

Soutine zdaje się ożywiać materię: przybory kuchenne, instrumenty muzyczne, rośliny – wszystko pod jego pędzlem zamienia się w cierpiące, wrażliwe ciało. Skrzypce z wąską talią i opadającą szyją wyglądają jak zbesztana dziewczyna („Martwa natura ze skrzypcami”, 1922), mieczyki przypominają krwawiące rany („Mieczyk”, 1919), łyżeczki leżące na stole przypominają nagie wielkogłowe ciała, cebula z korzeniami wygląda jak bezlitośnie wyrwany ząb („Martwa natura z wazą”, 1916), głodne widelce łapczywie i żałośnie sięgają po jedzenie („Martwa natura ze śledziem”, 1916), a co Soutine zrobił z ciszą , idylliczne francuskie miasteczka! drzewa wiją się i bezradnie wirują swoje potargane liście na huraganowym wietrze./.../ Na jego obrazach schludne francuskie krajobrazy tracą swój zwykły wygląd: domy, ziemia, drzewa są powykręcane i wyrwane ze swoich miejsc. Z malarstwa w malarstwie powtarza się ten obsesyjny motyw wymuszonego, gwałtownego ruchu ”- pisze badacz twórczości artysty Michaił German.

Pan młody w czerwieni

W martwych naturach Soutine'a nie ma „martwej” natury. Wszystkie te ukrzyżowane byki („Byk oskórowany” 1924, „Tusz”, 1925), ptaki i króliki zawieszone do góry nogami („Kurczak i pomidory”, 1924, „Wiszący królik”, 1923), ogarnięte śmiertelnym strachem przed rybami na talerzach („Martwa natura z rybami”, 1921, „Ryba i pomidory”, 1927) są zabijane, ale wcale nie martwe. Ich oczy, oczy ofiar, żyją nadal – patrzą ze strachem, wyrzutem. A tymi samymi na wpół szalonymi, pełnymi napięcia oczami patrzą na nas bohaterowie portretów Soutine’a – dzieci o twarzach starców, kobiety wyglądające jak małpy, gońcy, kucharze („Szaleństwo”, 1919, „Dziewczyna z lalką”, 1919, „Kucharka z czerwonym szalikiem”, 1922, „Kobieta w czerwieni”, 1923, „Posłaniec”, 1928). I podobnie jak nogi zabitych kurczaków, ich ręce są skręcone; głowy, twarze, ciała są zdeformowane niczym wypięta ziemia i przechylone domy w pejzażach Sutina.

Soutine byłby najmroczniejszym z malarzy, gdyby cała ta wirująca, krzycząca jaskrawymi kolorami, namacalna, gęsta materia nie była tak piękna. Ta ekstaza, ten zachwyt, który zdumiewał każdego, kto widział, jak pracuje Soutine, odbił się na jego płótnach.

Martwa natura z cebulą

Jest artystą bardzo kompletnym. Już w najwcześniejszych dziełach paryskich Soutine występował jako malarz o ugruntowanej pozycji, mający własne spojrzenie na świat, a w przyszłości – niezależnie od tego, czy żył w biedzie, czy prosperował – ten pogląd, pełen współczucia i podziwu, nie uległ zmianie. Nie interesowały go innowacje jako takie, formalne poszukiwania, które tak urzekły np. Picassa. Charakterystyczne zniekształcenia natury, po których dzieła Soutine'a są od razu rozpoznawalne, były naturalnym sposobem wyrażenia ogarniającego artystę uczucia powszechnego bólu. Twórczość Soutine'a trudno przypisać jakiemukolwiek nurtowi artystycznemu: nie wpisuje się w uporządkowaną według różnych kierunków - „izmów” historię sztuki XX wieku, tak jak sam artysta nie wpisywał się w uporządkowany bieg życia.

Dziś obrazy Chaima Soutine’a są coraz droższe na aukcjach, konto sięga milionów dolarów i chociaż jego nazwisko jest mniej znane opinii publicznej niż nazwiska Chagalla i Modiglianiego, historycy sztuki i kolekcjonerzy wystawiają dzieła Soutine’a na na równi z dziełami jego wielkich współczesnych.

Podgląd: Amedeo Modigliani. Portret Chaima Soutine'a (fragment)

flądra i pomidory

zwariowany

Martwa natura z rybami

Sceneria. Cagnes-sur-Mer

Pan młody w czerwieni

Martwa natura z cebulą

Podgląd: Amedeo Modigliani. Portret Chaima Soutine'a (fragment)

O dziwactwach szalonego artysty Chaima Soutine’a były legendy: „Wszystkie swoje obrazy malował nago, rysował jedzenie przed zjedzeniem, nawet jeśli był bardzo głodny, zachowywał się absurdalnie w stosunku do kobiet, wyglądał niechlujnie i zawsze żył w strasznym bałaganie”- tak go zapamiętali współcześni. I czy mógł sobie wyobrazić, że z biegiem czasu jego dzieło, sprzedane wcześniej przez niego za grosze, znajdzie się na liście najdroższych obrazów świata, szacowanej na dziesiątki milionów dolarów.

Wielu artystów, którzy w latach rewolucji opuścili Rosję, było przez długi czas zupełnie nieznanych w swojej ojczyźnie. Mieszkając w Paryżu, nazywali siebie „francuskimi artystami”. Są wśród nich Marc Chagall, Chaim Soutine, Zadkine, Lipchitz i inni „cichi geniusze”, którzy pozostali poza uwagą rosyjskich historyków sztuki. Chaim Solomonowicz Sutin również znalazł się w gronie zapomnianych przez swoją ojczyznę, ale przez całe życie w dokumentach zapisywał „rosyjski”, a w rubryce „Rosja” wpisano miejsce urodzenia.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219413060.jpg" alt=" Tusza byka. Cena: 28 165 750 dolarów. Autor: Khaim Soutine." title="Tusza byka. Cena: 28 165 750 dolarów

Artysta jest powszechnie znany publiczności w Ameryce i na Zachodzie, jego obrazy zdobią największe muzea i galerie świata, a unikatowe obrazy Chaima Soutine’a stale pojawiają się na aukcjach. Na przykład w 2016 roku Bull Carcass sprzedano za 28,165 mln dolarów, dwa lata wcześniej Valet za 16,9 mln dolarów, Little Confectioner za 18 mln dolarów, a Bride za 15,6 mln dolarów.Dziś wielu kolekcjonerów w Rosji pragnie mieć w swojej kolekcji dzieła ten wyjątkowy artysta, dorównujący tak znanym postaciom światowej sztuki jak Van Gogh, Munch, Picasso.

oskórowany byk

oskórowany byk
Płótno, olej. 129,8 x 75. Christie’s. (2006). Cena: 7 848 000 funtów.

Chaim Soutine to tajemnicza i demoniczna postać w historii sztuki. Ze słów naocznych świadków
"Писал он свои холсты бурно, горячо, выкладываясь до конца. Отходил от мольберта, когда уже ноги его не держали" !}. I zawsze malował nago... „nie dlatego, że był ekshibicjonistą – nie było pieniędzy na ubrania. W pracy zdejmował rzeczy, żeby się nie zużyły”. Chaim podziwiał styl pisania wielu współczesnych mu artystów, nigdy jednak nie przyłączył się do żadnego z ruchów awangardowych powstających i rozwijających się w tym czasie w Paryżu,

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/0Sutin-0028.jpg" alt="Autoportret. (1918).

Jeszcze całkiem młody, w 1913 roku z miasteczka Smilowicze pod Mińskiem początkujący artysta wyjechał do Paryża, o którym marzył, gdzie myślał o zdobyciu sławy. A gdzie potem przez wiele lat żył w biedzie, nie mając pieniędzy ani na jedzenie, ani na ubranie, bezinteresownie malował swoje płótna, nie interesując się niczym dookoła. Jego modelkami były prostytutki, wizerunki martwych natur – zbutwiałe zwłoki z pobliskiej rzeźni. A żeby kupić płótna i farby, sprzedawał swoje prace za grosze.

Chaim, stale niedożywiony, przynosił jedzenie ze sklepu i cierpiąc z głodu, najpierw je dociągał, a dopiero potem jadł… Wpadł w opętanie, śliniąc się na myśl o zbliżającym się „królewskim obiedzie”… jego umysł zdawał się całkowicie odchodzić niego - nic, czego nie widziałem, nie słyszałem, nie rozumiałem...

W Paryżu Haim zaprzyjaźnił się z Amedeo Modiglianim i innymi artystami mieszkającymi w artystycznej gminie Ula. Przyjaciele zaopiekowali się nim, ubrali go, stopniowo uczyli dobrych manier i wynajęli mu przyzwoite miejsce do życia. Bardzo szybko on i Amadeo zostali bliskimi przyjaciółmi, a Włoch stale dawał Soutine'owi trochę pieniędzy, przedstawiał go odpowiednim ludziom i przyprowadzał modele. Modigliani nazwał Chaima geniuszem, wspierał trudne lata paryskiej emigracji i namalował jego portret. W rezultacie Soutine stał się jedną z najwybitniejszych postaci „szkoły paryskiej” sztuki.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/0Sutin-0026.jpg" alt=" Czerwone schody w Caen. (1923). Olej na płótnie. 73 x 54 Christie's. (2007). Cena: 3 283 333 funtów." title="Czerwone schody w Kanie. (1923). Płótno, olej. Christie's 73 x 54 (2007). Cena: 3 283 333 funtów" border="0" vspace="5">!}

Mimo wielkich pieniędzy i sławy trzydzieści wystaw sztuki za życia artysty nie zmieniło sposobu życia samego Chaima. Artysta nigdy nie wiedział, co zrobić, aby odnieść sukces. Ale wiedział na pewno, że jego malarstwo jest nowe i niezwykłe.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/0Sutin-0015.jpg" alt="Kobieta w czerwieni.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/0Sutin-0027.jpg" alt="Kamerdyner. OK. 1927–1928 Płótno, olej. 109,2 x 63,2. tak"s.(2010). Цена: 7 881 250 фунтов" title="Kamerdyner. OK. 1927–1928 Płótno, olej. 109,2 x 63,2. tak"s.(2010). Цена: 7 881 250 фунтов" border="0" vspace="5">!}

Kamerdyner. OK. 1927–1928 Płótno, olej. 109,2 x 63,2. Sotheby "s. (2010). Cena: 7 881 250 funtów

Khaim dużo pisał, a kolory na jego płótnach nie przestały „krzyczeć”, ale w życiu dręczyły go napady bólu żołądka: dał się odczuć wrzód powstały w wyniku ciągłego głodu. W sierpniu 1943 roku przeszedł operację, lecz nic nie dało się już zrobić. Marie Orange i artyści Pablo Picasso, Jean Cocteau i Max Jacob odprowadzali go po raz ostatni w okupowanym Paryżu.

Na wystawie w Muzeum Puszkina

Można przeczytać o kilku fascynujących kartach z życia i twórczości bliskiego przyjaciela i rodaka Khaima Soutine’a – słynnego artysty

Współczesny Picasso i Modiglianiego, artysta niespokojny i ekspresyjny, autor niepokojących i nieproporcjonalnych obrazów, które wpłynęły na twórczość Kooninga, Rothko, Pollocka i Bacona (których prace również znalazły się na wystawie retrospektywnej). Na prośbę „Wioski” Aleksiej Pawperow opowiedział o głównych etapach życia i twórczości malarza.

Aleksiej Pawperow

Śmiłowicz

Głód, dzieciństwo na wsi i alkohol

Artysta Chaim Soutine urodził się w zubożałej białoruskiej wsi Smilovichi w 1893 roku. Dzieciństwo spędził w biedzie, brudzie, nieporządku. Soutine był jedenastym dzieckiem w żydowskiej rodzinie nisko opłacanego krawca, który często był niegrzeczny i okrutny wobec swoich domowników. Był stale niedożywiony – czasami chwytał cebulę, ziemniaka czy kawałek chleba i uciekał do lasu, chował się między drzewami, nocował w polu, by w końcu wrócić do domu i przyjąć nieuniknioną karę.

Soutine rekompensował nudę i nieznośność otaczającej rzeczywistości potężną pracą wyobraźni - dziecko dużo obserwowało przyrodę, przekształcało swoje wrażenia w urzekające fantastyczne formy, mogło wybuchnąć łzami z powodu niezwykle żywych wydarzeń. Z biegiem czasu bliscy rozpoznali w nim zamiłowanie do rzemiosła artystycznego. Dzięki wsparciu miejscowego rabina i kochającej matki Sutin rezygnuje z kontynuowania rodzinnego biznesu – wraz z innym przyszłym malarzem Szkoły Paryskiej, Michaiłem Kikoinem, jadą do Mińska, aby uczyć się sztuki miejscowego artysty Krugera. Rok później młodzi ludzie kontynuują naukę w Wilnie, gdzie spotykają nową osobę o podobnych poglądach – Pawła (Pinkhusa) Kremena. Po trzech latach mentorzy Soutine'a wysyłają go do Paryża. Antysemityzm w ówczesnym Imperium Rosyjskim nadal jest utrwalony na poziomie państwowym – europejska stolica sztuki jest bliżej zubożałego żydowskiego artysty niż Petersburg.

Już w Wilnie Soutine zaczyna pić. Uzależnienie od alkoholu i związane z nim przewlekłe dolegliwości będą go prześladować do końca życia i ostatecznie spowodować niespodziewaną śmierć.

„Zielona sukienka”. 1920–1921

"Ul"

Znajomość Modiglianiego

Soutine jako ostatni ze swoich towarzyszy przeprowadził się do Paryża - prawdopodobnie stało się to w latach 1912–1913. Z jedną torbą rzeczy pojawił się na progu warsztatu Krzemienia. Soutine nie tylko nie znał francuskiego, ale z wielkim trudem mówił nawet po rosyjsku. Artysta zaczął mieszkać i pracować w „Ulu” – międzynarodowej gminie twórczej w Passage Danzig. Wśród jego nowych znajomych są Marc Chagall, Constantin Brancusi, Fernand Léger, Robert Delaunay. Artyści żyją w atmosferze ciągłej wymiany twórczej, bardziej opłacalna okazuje się też wspólna praca – modelkę można zatrudnić za pulę pieniędzy.

Soutine rozwija szczególnie ciepłą przyjaźń z Amedeo Modiglianim. Różnica między nimi jest uderzająca: Soutine to ledwo wiążący koniec z końcem, nieporządny, dziwny i nietowarzyski prowincjusz. Modigliani to dandys, elegancki i czarujący Włoch, koneser malarstwa, recytujący z pamięci sonety Dantego. Niemniej jednak zaczęli się komunikować, Modigliani został osobistym przewodnikiem Soutine'a po Luwrze. Po „Ulu” przyjaciele przez jakiś czas pracowali w okolicy, Modigliani dwukrotnie namalował portret Soutine'a.

Życie Soutine'a toczy się w ciągłej dyskusji i rozumieniu sztuki. Nocami przesiaduje w tanich paryskich kawiarniach, które pracują całą noc, popijając wino i dyskutując o malarstwie swoim i innych.

"Duży kapelusz". 1923–1924

Deformacje

Krew, gnijące mięso i wyrazista abstrakcja

Soutine dobrze znał Pabla Picassa i zaczął pracować pod koniec kubizmu, ale w swojej twórczości okazał się bliższy niemieckim ekspresjonistom. Pierwsze prace artysty to naturalistyczne, powściągliwe pod względem kolorystycznym martwe natury „Cezanne’a”, w których podmiotowość widzenia jest ważniejsza od ścisłych praw perspektywy i kompozycji. W miarę rozwoju Soutine’a wzrastała ekspresja jego pisarstwa: ciała i twarze ludzi na portretach artysty wykrzywione są dysproporcjami i konwulsjami, domy w krajobrazach zdają się odrywać od ziemi, drzewa, budynki i ścieżki wessane są w wir uderzeń .

Malarstwo Soutine’a nawiedzają niepokojące obrazy. Bohaterowie jego obrazów noszą ślady zamętu i niedoskonałości. W latach dwudziestych artysta stworzył serię obrazów przedstawiających martwe zwierzęta - pozbawione skóry króliki, przerażająco oskubane ptaki. Apoteozą tej linii w jego twórczości były wspomnienia Rembrandta – wizerunki obdartych ze skóry tusz byków. Soutine malował wyłącznie z życia - w jego pracowni wisiały ogromne kawałki mięsa; gniły, wydzielały obrzydliwy zapach, przyciągały hordy much. Soutine nie zwracał uwagi na te wszystkie komplikacje i tylko od czasu do czasu polewał tuszę byczą krwią.

„Tusza byka”. 1924

Brutalne i ponure obrazy działały na nerwy klientów, czego Soutine doskonale zdawała sobie sprawę. Takie pragnienie obrazów graficznych można wytłumaczyć cechami biograficznymi, estetycznymi, ale także filozoficznymi. Podobnie jak Baudelaire, Soutine był w stanie zestetyzować każdy rzekomo odrażający przedmiot. Wiersze „przeklętego poety” śpiewały padlinę, dzieła Soutine’a emancypowały piękno rozdartego, krwawiącego mięsa. Z fascynacją obserwował krwawe walki bokserskie, przyglądał się witrynom rzeźników, nie stronił od wizyt w rzeźni. Soutine również akceptował harmonijne piękno włoskiego renesansu, uważał je jednak za zbyt wyważone i nudne.

Cechą charakterystyczną Soutine’a jest to, że nie rysował, czasami szkicował kompozycję węglem lub od razu przystępował do pracy z farbami. Trzonek pędzla rysował skomplikowane wzory w swoich pejzażach, tak jak Kokoschka kształtował farbę w swoich wyrazistych portretach za pomocą nacisku paznokcia. „Dojrzały” Soutine aktywnie wykorzystywał mocną czerwień – chociażby w dziele „Czerwony mieczyk”, który był punktem zwrotnym w jego twórczości, czy w słynnych „Czerwonych schodach”.

Temperament, neurotyczność i zamierzony zwrot w stronę abstrakcji w malarstwie Soutine'a stał się źródłem inspiracji dla Willema de Kooninga, Jacksona Pollocka, Marka Rothko, Francisa Bacona. „W powojennym Nowym Jorku Soutine został okrzyknięty prorokiem nowej, ekspresyjnej sztuki abstrakcyjnej. Artyści i krytycy widzieli w nim wróżbitę, pioniera nowego nurtu w malarstwie, prekursora de Kooninga i Pollocka. Odczytali na nowo dzieło Soutine’a, ale jednocześnie go nie zniekształcili, lecz przybliżyli, nadając mu zbliżenie. Kierując się ich logiką, twórczość Soutine'a to sztuka abstrakcyjna w szczegółach, a ogromne płótna abstrakcyjnych ekspresjonistów to zbliżenia” – wyjaśnia Claire Bernardi, kuratorka wystawy z Musée d'Orsay.

Starzy mistrzowie

Luwr i wpływ Rembrandta

Soutine nie lubił kopiować prac innych osób. Po krótkich próbach podjęcia kursów malarskich porzuca edukację akademicką i rozpoczyna samodzielną naukę. Luwr staje się jego główną instytucją – znika w salach muzeum, strasząc lokalnych dozorców wypowiadanymi na głos entuzjastycznymi uwagami. We wczesnych pracach artysty wyraźny jest wpływ zniekształceń kompozycyjnych Cezanne'a i wyrazistych pejzaży Van Gogha. Rembrandt stał się ulubionym rysownikiem Soutine’a. Artysta tylko dwukrotnie opuścił Francję, za każdym razem, aby zobaczyć obrazy swojego idola: Żydowską pannę młodą w Amsterdamie i Hendrikje Wejście do rzeki w Londynie. Soutine godzinami studiował te obrazy. Na początku lat 30., kiedy styl odnoszącego sukcesy artysty staje się spokojniejszy i zrównoważony, Soutine rysuje swoją wersję Hendrickiera, skopiowaną od pokojówki jego ówczesnych patronek, Marceliny i Madeleine Casten.

„Czerwone schody w Kanie”. 1923

„Martwa natura ze zboczem”. 1923–1924

Wśród innych najsłynniejszych nawiązań w twórczości Soutine'a można wskazać martwą naturę ze zboczem Chardin i obraz Courbeta „Dziewczyny nad Sekwaną”.

„Kobieta wchodząca do wody”. Około 1931 roku

"Autoportret". 1920–1921

Nerwowość

Brzydota i niechęć do własnych obrazów

Soutine była brzydka. Rosyjska artystka szkoły paryskiej, Maria Bronislavovna Vorobyova-Stebelskaya, opisała go następująco: „pogarbiony, z krótką szyją wciągniętą w ramiona, z dużymi rysami twarzy i ciężką szczęką, jak drewniana rzeźba wyrzeźbiona toporem prehistoryczny mistrz.” Soutine miał zepsute zęby, marszczący brwi, zaczerwienione powieki i nerwowe i drgające lewe oko. Jednak Vorobyova-Stebelskaya wspomina również, że „przede wszystkim uderzyły go jego małe, pełne wdzięku i słabe jak dłonie dziecka”. Soutine doskonale zdawał sobie sprawę ze swojej nieatrakcyjności i w przeciwieństwie do Modiglianiego bez żalu portretował siebie na autoportrecie.

Wobec obcych artysta często zachowywał się szorstko i niegrzecznie. Wielu postrzegało go jako osobę nerwową, wycofaną i nieprzyjazną. Wiadomo, że Leopold Zborowski, handlarz dziełami sztuki, który zrobił wiele dla artystów szkoły paryskiej, zdecydował się pewnego razu na bardzo brutalny sposób stymulowania swoich podopiecznych: zapewniając im wszystko

było to konieczne, Zborowski przez kilka dni trzymał artystów w zamknięciu. Jeśli uwięzienie Modiglianiego pomogło mu się skoncentrować i dokończyć pracę w krótkim czasie, wówczas Soutine zaczął się denerwować i chorować – albo ze wściekłością zaczął rozbijać pokój. Nie powiodło się, według Soutine'a, dzieło, które bezlitośnie zniszczył. Niezadowolony artysta podarł płótna, deptał je nogami. Aby to zrobić, odkupił wiele swoich wczesnych dzieł.

Jednak wobec przyjaciół i kolegów, którzy rozumieli powagę jego pracy, Soutine był bardzo miły i życzliwy. Nawet gdy stał się poszukiwanym, zamożnym artystą, często się przeprowadzał i nie potrafił stworzyć w domu przytulnej atmosfery. Wydawało się, że sprawy życia codziennego w ogóle go nie nurtują. Kiedy przeprowadził się do nowego mieszkania, Soutine niczego nie zmienił. Pomieszczenia szybko wypełniły się kurzem, brudem i stęchłym powietrzem.

Na zajęciach z rysunku w Akademii Rosyjskiej w Paryżu Soutine siedział za ścianą, ukrywając przed wszystkimi kartkę, na której malował. Malarstwo było jego jedyną pasją, artysta stwierdził nawet, że „ożenił się” ze swoim rzemiosłem – stała dziewczyna, czuła i ekonomiczna Niemka Gerda Groth, pojawiła się w jego życiu dopiero w 1937 roku. Na krótko przed śmiercią zostali rozdzieleni – trzy lata po spotkaniu Grotto został internowany przez władze francuskie, a w 1943 roku Chaim Soutine zmarł z powodu powikłań wrzodów żołądka.

Obrazy: Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina, Muzeum Sztuki Awangardowej