Gustave Moreau Diomed pożarty przez swoje konie. Dziesięć przerażających obrazów znanych artystów, które nie każdy chce powiesić w swoim domu. Salvator Rosa „Kuszenia św. Antoniego”

10.07.2019

Diomedes wybuchnął śmiechem, nie spodziewając się takiej bezczelności ze strony przybysza, a roześmiawszy się dość, krzyknął do swoich żołnierzy:

Nakarm nim konie!

Nie wiadomo, dlaczego Herkules przybył osobiście do Diomedesa, być może tylko po to, aby zweryfikować okrucieństwo króla trackiego, a teraz otrzymał to potwierdzenie z pierwszej ręki. Nawet stu trackich wojowników nie zraniło półboga; zabił ich wszystkich. A Diomedes, trzęsąc się ze strachu, został złapany za kołnierz i wciągnięty do stajni.

Teraz i ty poznasz los wszystkich, których skazałeś!

Tymi słowami syn Zeusa, doświadczając słusznego gniewu, rzucił króla Bistonów na pożarcie swoim bestiom. Konie rozszarpały Diomedesa na strzępy jak wszystkich innych, których spotkały, bo nie rozpoznały żadnego pana. Następnie Herkules zabrał konie na statek swojego przyjaciela, gdzie powierzył ich straż swojemu przyjacielowi Abderze.

Być może nie doszłoby do tragedii, gdyby nie tracki wojownicy, którzy wyruszyli w pogoń za Herkulesem, chcąc pomścić króla. Bitwa z Trakami nie trwała długo, Herkules i jego towarzysze z łatwością odparli atak, lecz w tym czasie Abder niechcący zbliżył się do potwornych stworzeń, które rozerwały go na strzępy.

Po opłakiwaniu przyjaciela i pochowaniu go z honorami zespół wrócił do Argos. Eurystheus, widząc pyski koni umazane ludzką krwią, przeraził się i nakazał natychmiastowe wypuszczenie ich gdzieś daleko od miasta, w górach. Mówią, że zostały tam rozszarpane przez dzikie drapieżniki.

A w pobliżu miejsca, gdzie Herkules pochował Abderę, założono miasto nazwane jego imieniem.

W mitach o trudzie Herkulesa ósmym zadaniem, które musi wykonać bohater, jest kradzież klaczy Diomedesa, króla Tracji. Wydawać by się mogło, że kradzież koni powinna być dla syna boga sprawą prostą, a jednak to były konie, które zjadały ludzi. Nie wiedząc, że te konie są szalone, Herkules zostawia je ze swoimi towarzyszami, których krwiożercze zwierzęta zabiły i zjadły.

„Diomedes pożarty przez konie”. Gustave Moreau

W ramach kary dla Diomedesa za hodowanie takich potworów Herkules nakarmił go własnymi końmi. Fabuła ta stała się podstawą obrazu Moreau, na którym widać Herkulesa beztrosko przyglądającego się „zemście” koni na Diomedesie. Moreau słynie z symbolicznych obrazów o tematyce biblijnej i mitologicznej, ale żaden nie jest tak krwawy jak ten.

2. „Koszmar”. Henryk Fuseli

Gdy tylko Fuseli zaprezentował ten obraz publiczności, zasłynął z ukazania „przerażającego wpływu klątw na ludzkie sny”. Obraz stał się tak popularny, że Fuseli namalował kilka jego wersji. Głównym wątkiem jest demonstracja snu człowieka i koszmarów, które w nim widzi.

"Koszmar". Henryk Fuseli

Na tym płótnie można zobaczyć inkuba, męskiego demona, który uwodzi kobiety podczas snu. Siada na piersi śpiącej kobiety i powoduje, że ma ona jawnie seksualne sny. Jednak popularność obrazu wywołała wiele sprzeczności (w końcu epoka nie była tak „swobodna” w wyrażaniu swoich pragnień). W rezultacie płótno zostało wykorzystane w wielu satyrycznych obrazach epoki gruzińskiej i wiktoriańskiej.

„Wodny duch” Alfreda Kubina.

Niestety niewiele osób wie dziś o austriackim ilustratorze Alfredzie Kubinie. Tworzył przede wszystkim w stylu grafiki symbolistycznej i impresjonistycznej, zasłynął także z akwareli oraz rysunków tuszem i ołówkiem. Ma niewiele prac wykonanych farbami olejnymi, ale ten egzemplarz doskonale oddaje mroczny styl Kubańczyka. Niewiele jest obrazów, które tak dobrze oddają ponury i depresyjny nastrój. Co ciekawe, naziści nazwali twórczość Kubina „zdegenerowaną”.

4. „Judyta ścinająca Holofernesa”. Artemizja Gentileschi

Obraz ten jest bardzo podobny do dzieła Caravaggia, ale jest mniej znany. Sama Artemisia Gentileschi prowadziła fascynujące życie, a niektóre cechy charakteru biblijnej Judyty można dostrzec w samej artystce.

„Judyta ścinająca głowę Holofernesowi”. Artemizja Gentileschi

Na obrazie, którego styl w dużej mierze pokrywa się z naturalizmem i przemocą Caravaggia, pojawia się jeszcze bardziej realistyczna scena ścięcia. W przypadku, gdy w obrazach Caravaggia trzeba szukać jakiegoś ukrytego znaczenia, u Gentileschiego jest ono wyraźnie widoczne na pierwszy rzut oka. Wyraz twarzy Holofernesa w tej wersji sugeruje, że wyraźnie popadł w odrętwienie w stanie nietrzeźwości, nie rozumiejąc, co się dzieje.

5. „Ręce stawiają mu opór”. Billa Stonehama

Obraz stał się internetową sensacją w 2000 roku, kiedy został wystawiony na sprzedaż w serwisie eBay. Sprzedawcy twierdzili, że dzieci na obrazie poruszały się w nocy i czasami wychodziły z obrazu. W Internecie zaczęły pojawiać się nawet strony poświęcone obrazowi, na których można było zobaczyć zbliżenia obrazu ukazujące przerażające historie związane z obrazem.

„Ręce stawiają mu opór”. Billa Stonehama.

Obojgu dzieciom brakuje oczu, ale być może najbardziej niepokojącą cechą obrazu są maleńkie dłonie przyciśnięte do szyby drzwi za dziećmi. Artystce zlecono namalowanie kontynuacji tego obrazu, przedstawiającej te same postacie kilkadziesiąt lat później.

6. „Portret Doriana Graya”. Iwana Albrighta

Ivan Albright malował w stylu „realizmu magicznego”, ale nie wszystkie jego obrazy są pełne fantastycznych zachcianek. Realizm magiczny w sztuce można najlepiej opisać jako realizm stylistyczny, którego celem jest przekazanie widzowi „wewnętrznej prawdy” przedmiotu.

„Obraz Doriana Graya”. Iwana Albrighta

Ten styl idealnie pasuje do fabuły tego obrazu. W powieści Oscara Wilde'a Portret Doriana Graya grzechy młodego człowieka znalazły odzwierciedlenie w jego obrazie, ale nie w jego charakterze. Obraz ten został zamówiony na potrzeby filmu MGM w 1945 roku na podstawie książki Wilde'a. W trakcie filmu portret ulega zużyciu, podobnie jak dusza młodego mężczyzny, dlatego zatrudniono Albrighta do wprowadzenia zmian w jego obrazie podczas kręcenia zdjęć.

7. „Klaun Pogo” Johna Wayne’a Gacy’ego

John Wayne Gacy był jednym z najbardziej znanych seryjnych morderców w historii Ameryki, który zabił co najmniej 33 młodych mężczyzn i nastolatków. Po aresztowaniu za te zbrodnie Gacy zajął się sztuką i malował w więzieniu aż do egzekucji. To zdjęcie przedstawia samego Gacy'ego w postaci jego alter ego - klauna Pogo.

„Klaun Pogo” Johna Wayne’a Gacy’ego.

Był przebrany za Pogo, którego Gacy zwykle zabawiał dzieci na wolności. Z pewnością nie jest to przykład wielkiej sztuki, a większość grozy tego obrazu w rzeczywistości opiera się na wiedzy o zbrodniach Gacy’ego. Warto zwrócić uwagę na spiczaste kąciki makijażu ust Gacy. Większość klaunów tego unika, ponieważ zwiększa to u każdej osoby utajoną koulrofobię (strach przed klaunami).

„Klaun Pogo” Johna Wayne’a Gacy’ego

Krzyk Edvarda Muncha to prawdopodobnie jeden z najsłynniejszych obrazów ekspresjonizmu, a zarazem jeden z najbardziej niepokojących. Jej centralna postać jest postrzegana jako wyraz egzystencjalnego niepokoju, z którym każdy musi się pogodzić. Biorąc pod uwagę popularność tego obrazu, być może nie warto go nawet szczegółowo opisywać.

9. „Trzy studia postaci u stóp Ukrzyżowania”. Franciszka Bacona

Bacon słynie ze swojej sztuki depresyjnej i tryptyków. Tryptyk z 1944 r. „Trzy studia postaci u stóp ukrzyżowania” uważany jest za pierwsze duże dzieło artystyczne Bacona. Postacie te symbolizują wiele źródeł, np. Furie z mitów greckich, postacie z tryptyku Grunewalda, a nawet film Pancernik Potiomkin.

„Trzy badania postaci u stóp ukrzyżowania”. Franciszka Bacona.

Wychudzony wyraz ich twarzy sprawia, że można odnieść wrażenie, że tłum drwi z Jezusa w drodze na egzekucję. W przeciwieństwie do wielu dzieł Bacona, które zostały skradzione i potajemnie wykupione przez miliarderów, ten tryptyk można oglądać w brytyjskiej galerii Tate. Bacon wrócił później do tej pracy i namalował jej dużą kopię.

10. „Guernica” Pablo Picasso

26 kwietnia 1937 roku niemiecki Legion Condor, ochotnicza jednostka Luftwaffe, pod dowództwem hiszpańskich nacjonalistów, zbombardował miasto Guernica, doszczętnie je niszcząc. Historia zerwania przez Niemców paktu o nieinterwencji podczas hiszpańskiej wojny domowej została niemal natychmiast opublikowana w prasie.

„Trzy badania postaci u stóp ukrzyżowania”. Franciszka Bacona

Hiszpańscy Republikanie zlecili Picassowi namalowanie muralu przedstawiającego bombardowanie miasta na Wystawę Światową w Paryżu. Od pierwszego pokazu obraz stał się symbolem okrucieństwa i cierpień wojny. Być może najbardziej uderzającą częścią dzieła jest postać po lewej stronie – krzycząca kobieta tuląca martwe dziecko.

W imię sztuki Gustave Moreaudobrowolnie odizolował się od społeczeństwa. Tajemnica, jaką otaczał swoje życie, zamieniła się w legendę o samym artyście.

Życie Gustave’a Moreau (1826 - 1898), podobnie jak jego twórczość, wydaje się całkowicie oderwana od realiów życia Francuzów w XIX wieku. Ograniczywszy swoje grono towarzyskie do członków rodziny i bliskich przyjaciół, artysta poświęcił się całkowicie malarstwu. Mając niezłe dochody ze swoich płócien, nie interesowały go zmiany mody na rynku sztuki. Słynny francuski pisarz-symbolista Huysmans bardzo trafnie nazwał Moreau „pustelnikiem, który osiadł w samym sercu Paryża”.

Edyp i Sfinks (1864)

Moreau urodził się 6 kwietnia 1826 roku w Paryżu. Jego ojciec, Louis Moreau, był architektem, którego zadaniem było utrzymanie budynków użyteczności publicznej i pomników miasta. Śmierć jedynej siostry Moreau, Camille, zjednoczyła rodzinę. Matka artystki, Polina, była całym sercem przywiązana do syna i owdowiała, nie rozstając się z nim aż do swojej śmierci w 1884 roku.

Już od najmłodszych lat rodzice zachęcali dziecko do rysowania i zapoznawali go ze sztuką klasyczną. Gustave dużo czytał, uwielbiał przeglądać albumy z reprodukcjami arcydzieł ze zbiorów Luwru, a w 1844 roku po ukończeniu szkoły uzyskał tytuł licencjata – rzadkie osiągnięcie młodego mieszczanina. Zadowolony z sukcesów syna, Louis Moreau skierował go do pracowni neoklasycznego artysty François-Edouarda Picota (1786-1868), gdzie młody Moreau przeszedł niezbędne przygotowanie, aby wstąpić do Szkoły Sztuk Pięknych, gdzie pomyślnie zdał egzaminy w 1846

Św. Jerzy i smok (1890)

Gryf (1865)

Szkolenie tutaj było niezwykle konserwatywne i polegało głównie na kopiowaniu odlewów gipsowych ze starożytnych posągów, rysowaniu aktów męskich, studiowaniu anatomii, perspektywy i historii malarstwa. W międzyczasie Moreau był coraz bardziej zafascynowany kolorowymi obrazami Delacroix, a zwłaszcza jego naśladowcy Theodore'a Chasserio. Po nieudanej próbie zdobycia prestiżowej nagrody Prix de Rome (szkoła wysłała zwycięzców tego konkursu na własny koszt na studia do Rzymu), Moro opuścił szkołę w 1849 roku.

Młody artysta zwrócił swoją uwagę na Salon, coroczną oficjalną wystawę, na którą starał się przyjść każdy początkujący w nadziei, że zostanie zauważony przez krytyków. Obrazy prezentowane przez Moreau na Salonie w latach pięćdziesiątych XIX w., np. „Pieśń nad pieśniami” (1853), ujawniały silny wpływ Chasserio – wykonane w sposób romantyczny, wyróżniały się przenikliwym kolorem i szaloną erotyzmem.

Moreau nigdy nie zaprzeczył, że dużą część swojej pracy zawdzięcza Chasserio, swojemu przyjacielowi, który wcześnie zmarł (w wieku 37 lat). Wstrząśnięty śmiercią Moreau zadedykował jego pamięci obraz „Młodość i śmierć”.

Salome tańczy przed Herodem (1876)

Jednak wielbiciele twórczości Moreau odebrali w jego nowych pracach wezwanie do wyzwolenia wyobraźni. Stał się idolem pisarzy symbolistycznych, m.in. Huysmansa, Lorraina i Péladana. Moreau nie zgodził się jednak z faktem, że zaliczono go do grona symbolistów, w każdym razie gdy w 1892 roku Péladan poprosił Moreau o napisanie pochwalnej recenzji salonu Symbolistów Róży i Krzyża, artysta stanowczo odmówił

Tymczasem niepochlebna sława Moro nie pozbawiła go prywatnych klientów, którzy w dalszym ciągu kupowali jego niewielkie płótna, malowane najczęściej o tematyce mitologicznej i religijnej. W latach 1879–1883 stworzył czterokrotnie więcej obrazów niż przez poprzednie 18 lat (najbardziej dochodowy był dla niego cykl 64 akwareli, stworzonych na podstawie bajek La Fontaine’a dla bogacza z Marsylii Anthony’ego Roya – za każdą akwarelę Moro otrzymał od 1000 do 1500 franków). I kariera artysty nabrała rozpędu.

Odyseusz pokonuje zalotników (szczegóły)

Sam Moreau nie chciał przyznać, że jest albo wyjątkowy, albo nie na czasie, a w dodatku niezrozumiały. Widział siebie jako artystę-myśliciela, ale jednocześnie, co szczególnie podkreślał, na pierwszym miejscu stawiał kolor, linię i formę, a nie obrazy werbalne. Chcąc uchronić się przed niechcianymi interpretacjami, często opatrywał swoje obrazy szczegółowymi komentarzami i szczerze żałował, że „nie było dotąd ani jednej osoby, która mogłaby poważnie porozmawiać o moim malarstwie”.

Herkules i Hydra Lernejska (1876)

Moreau zawsze zwracał szczególną uwagę na dzieła dawnych mistrzów, te same „stare bukłaki”, do których, zgodnie z definicją Redona, chciał nalać swoje „nowe wino”. Moro przez wiele lat studiował arcydzieła artystów zachodnioeuropejskich, a przede wszystkim przedstawicieli włoskiego renesansu, ale aspekty heroiczne i monumentalne interesowały go znacznie mniej niż duchowa i mistyczna strona twórczości jego wielkich poprzedników.

Moro darzył największym szacunkiem Leonarda da Vinci, który w XIX wieku. uważany za prekursora europejskiego romantyzmu. W domu Moreau przechowywano reprodukcje wszystkich obrazów Leonarda prezentowanych w Luwrze, do których artysta często się zwracał, zwłaszcza gdy potrzebował przedstawić skalisty pejzaż (jak na przykład na obrazach „Orfeusz” i „Prometeusz”) lub zniewieściałych mężczyzn które przypominały te stworzone przez Leonarda, wizerunek św. Jana. „Nigdy nie nauczyłbym się wyrażać siebie” – powie Moreau, już dojrzały artysta, „bez ciągłych medytacji przed dziełami geniuszy: Madonną Sykstyńską i niektórymi dziełami Leonarda”.

Tracka dziewczyna z głową Orfeusza na lirze (1864)

Podziw Moreau dla mistrzów renesansu był charakterystyczny dla wielu artystów XIX wieku. W tym czasie nawet tak klasyczni artyści jak Ingres poszukiwali nowych tematów, nietypowych dla malarstwa klasycznego, a szybki rozwój kolonialnego imperium francuskiego wzbudził zainteresowanie widzów, zwłaszcza ludzi kreatywnych, wszystkim, co egzotyczne.

Paw narzekający na Juno (1881)

Archiwa Muzeum Gustave'a Moreau ujawniają niesamowitą szerokość zainteresowań artysty - od średniowiecznych gobelinów po antyczne wazony, od japońskich drzeworytów po erotyczną rzeźbę indyjską. W przeciwieństwie do Ingresa, który ograniczał się wyłącznie do źródeł historycznych, Moreau odważnie łączył na płótnie obrazy zaczerpnięte z różnych kultur i epok. Jego„Jednorożce”na przykład wydają się być zapożyczone z galerii malarstwa średniowiecznego, a obraz „Objawienie” to prawdziwy zbiór orientalnej egzotyki.

Jednorożce (1887-88)

Moreau świadomie starał się maksymalnie nasycić swoje obrazy niesamowitymi detalami, taką miał strategię, którą nazwał „koniecznością luksusu”. Moreau nad swoimi obrazami pracował długo, czasem kilka lat, dodając coraz to nowe detale, które mnożyły się na płótnie niczym odbicia w lustrach. Kiedy artysta nie miał już wystarczająco dużo miejsca na płótnie, obszył dodatkowe paski. Stało się tak na przykład z obrazem „Jowisz i Semele” oraz z niedokończonym obrazem „Jazon i Argonauci”.

Diomedes pożarty przez swoje konie (1865)

Związki Moreau z modernizmem są jednak o wiele bardziej złożone i subtelne, niż wydawało się to dekadentom, którzy uwielbiali jego twórczość. Uczniowie Moreau ze Szkoły Sztuk Pięknych, Matisse i Rouault, zawsze mówili o swoim nauczycielu z wielką ciepłem i wdzięcznością, a jego pracownię często nazywano „kolebką modernizmu”. Dla Redona modernizm Moreau polegał na „podążaniu za własną naturą”. To właśnie tę cechę w połączeniu z umiejętnością wyrażania siebie Moreau starał się w każdy możliwy sposób rozwijać u swoich uczniów. Uczył ich nie tylko tradycyjnych podstaw rzemiosła i kopiowania arcydzieł Luwru, ale także niezależności twórczej – a lekcje mistrza nie poszły na marne. Matisse i Rouault należeli do założycieli Fowizmu, pierwszego wpływowego ruchu artystycznego XX wieku opartego na klasycznych ideach dotyczących koloru i formy. I tak Moreau, który sprawiał wrażenie zagorzałego konserwatysty, stał się ojcem chrzestnym ruchu, który otworzył nowe horyzonty w malarstwie XX wieku.

Ostatni romantyk XIX wieku, Gustave Moreau, nazywał swoją sztukę „namiętną ciszą”. W jego pracach ostra kolorystyka harmonijnie łączyła się z ekspresją obrazów mitologicznych i biblijnych. "Nigdy nie szukałem snów w rzeczywistości ani rzeczywistości w snach. Dałem wolność wyobraźni" - lubił powtarzać Moreau, uważając fantazję za jedną z najważniejszych sił duszy. Krytycy postrzegali go jako przedstawiciela symboliki, choć sam artysta wielokrotnie i zdecydowanie odrzucał tę etykietę. I bez względu na to, jak bardzo Moreau polegał na grze swojej wyobraźni, zawsze dokładnie i głęboko przemyślał kolor i kompozycję płócien, wszystkie cechy linii i kształtów i nigdy nie bał się najśmielszych eksperymentów.

Autoportret (1850)

W imię sztuki Gustave Moreau dobrowolnie odizolował się od społeczeństwa. Tajemnica, jaką otaczał swoje życie, zamieniła się w legendę o samym artyście.

Już od najmłodszych lat rodzice zachęcali dziecko do rysowania i zapoznawali go ze sztuką klasyczną. Gustave dużo czytał, uwielbiał przeglądać albumy z reprodukcjami arcydzieł ze zbiorów Luwru, a w 1844 roku po ukończeniu szkoły uzyskał tytuł licencjata – rzadkie osiągnięcie młodego mieszczanina. Zadowolony z sukcesów syna Louis Moreau skierował go do pracowni neoklasycznego artysty François-Edouarda Picota (1786-1868), gdzie młody Moreau przeszedł niezbędne przygotowanie, aby wstąpić do Szkoły Sztuk Pięknych, gdzie pomyślnie zdał egzaminy w 1846.

Św. Jerzy i smok (1890)

Gryf (1865)

Wpływ Théodore'a Chasserio jest również widoczny w dwóch dużych płótnach, które Moreau zaczął malować w latach pięćdziesiątych XIX wieku: Zalotnicy Penelopy i Córki Tezeusza. Pracując nad tymi ogromnymi obrazami z dużą ilością szczegółów, prawie nigdy nie opuszczał pracowni. Jednak to duże zapotrzebowanie na siebie później często stawało się powodem, dla którego artysta pozostawił swoje dzieło niedokończone.

Próbując uzupełnić lukę w edukacji, Moro jesienią 1857 roku udał się na dwuletnią podróż do Włoch. Artysta zafascynowany tym krajem wykonał setki kopii i szkiców arcydzieł mistrzów renesansu. W Rzymie zakochał się w dziełach Michała Anioła, we Florencji w freskach Andrei del Sarto i Fra Angelico, w Wenecji z wściekłością kopiował Carpaccio, a w Neapolu studiował słynne freski z Pompei i Herkulanum. W Rzymie młody człowiek poznał Edgara Degasa i niejednokrotnie wspólnie wykonywali szkice. Zainspirowany twórczą atmosferą Moreau napisał do przyjaciela w Paryżu: „Odtąd i na zawsze zostanę pustelnikiem... Jestem przekonany, że nic mnie nie zwróci z tej drogi”.

Pari (Święty Słoń). 1881-82

Wracając do domu jesienią 1859 roku, Gustave Moreau zaczął z zapałem pisać, ale czekały go zmiany. W tym czasie poznał guwernantkę, która pracowała w domu niedaleko jego warsztatu. Młoda kobieta nazywała się Alexandrina Duret. Moreau zakochał się i choć kategorycznie odmówił zawarcia małżeństwa, pozostał jej wierny przez ponad 30 lat. Po śmierci Aleksandriny w 1890 roku artysta zadedykował jej jeden ze swoich najlepszych obrazów – „Orfeusz przy grobie Eurydyki”.

Orfeusz przy grobie Eurydyki (1890)

W 1862 roku zmarł ojciec artysty, nie wiedząc, jaki sukces czeka jego syna w nadchodzących dziesięcioleciach. W latach sześćdziesiątych XIX wieku Moreau namalował serię obrazów (co ciekawe, wszystkie miały format pionowy), które zostały bardzo dobrze przyjęte na Salonie. Najwięcej laurów przypadło wystawionemu w 1864 roku obrazowi „Edyp i Sfinks” (obraz został zakupiony na aukcji przez księcia Napoleona za 8 000 franków). Był to czas triumfu szkoły realistycznej, na której czele stał Courbet, a krytycy uznali Moreau za jednego z wybawicieli gatunku malarstwa historycznego.

Wojna francusko-pruska, która wybuchła w 1870 roku, i późniejsze wydarzenia wokół Komuny Paryskiej wywarły głęboki wpływ na Moreau. Przez kilka lat, aż do 1876 roku, nie wystawiał na Salonie, a nawet odmawiał udziału w dekoracji Panteonu. Kiedy artysta w końcu wrócił do Salonu, zaprezentował dwa obrazy powstałe o tej samej tematyce – trudny do postrzegania obraz olejny, „Salome” i duża akwarela "Zjawisko", co spotkało się z dezaprobatą krytyków.

Obraz Moreau jest niezwykłą interpretacją biblijnej sceny, w której piękna Salome tańczy przed królem Herodem, który obiecał spełnić jej wszelkie pragnienia tym tańcem. Za namową Matki Herodiady Salome poprosiła króla o głowę Jana Chrzciciela. Królowa chciała więc zemścić się na Janie Chrzcicielu, który potępił jej małżeństwo z Herodem. W arcydziele Moreau głowa Jana Chrzciciela jest przedstawiona jako wizja, ukazująca się Salome w aureoli niebiańskiego światła. Niektórzy krytycy uważają, że obraz przedstawia moment poprzedzający ścięcie Jana Chrzciciela i dlatego Salome widzi konsekwencje swojego czynu. Inni uważają, że scena przedstawiona przez artystę ma miejsce po egzekucji świętego. Tak czy inaczej, na tym ciemnym, szczegółowym płótnie widzimy, jak Salome jest zszokowana niesamowitym duchem unoszącym się w powietrzu.
Oczy Johna skierowane są bezpośrednio na Salome, a gęste strumienie krwi spływają po długich włosach Forerunnera na podłogę. Jego odcięta głowa unosi się w powietrzu, otoczona jasnym blaskiem. Na tę aureolę składają się promieniste promienie – tak malowano blask w średniowieczu i renesansie – to właśnie ostre promienie dodatkowo podkreślają niepokojącą atmosferę obrazu.

Salome tańczy przed Herodem (1876)

Jednak wielbiciele twórczości Moreau odebrali w jego nowych pracach wezwanie do wyzwolenia wyobraźni. Stał się idolem pisarzy symbolistycznych, m.in. Huysmansa, Lorraina i Péladana. Moreau nie zgodził się jednak z faktem, że zaliczono go do grona symbolistów, w każdym razie gdy w 1892 roku Péladan poprosił Moreau o napisanie pochwalnej recenzji salonu symbolistycznego „Róża i Krzyż”, artysta stanowczo odmówił.

Święty Sebastian i anioł (1876)

W 1888 roku został wybrany na członka Akademii Sztuk Pięknych, a w 1892 roku 66-letni Moreau został kierownikiem jednej z trzech pracowni Szkoły Sztuk Pięknych. Jego uczniami byli młodzi artyści, którzy zasłynęli już w XX wieku – Georges Rouault, Henri Matisse, Albert Marquet.

XIX wieku stan zdrowia Moreau znacznie się pogorszył i zaczął myśleć o zakończeniu kariery. Artysta postanowił wrócić do niedokończonych prac i zaprosił do pomocy kilku swoich uczniów, w tym swojego ulubionego Rouaulta. W tym samym czasie Moreau rozpoczął swoje ostatnie arcydzieło, Jupiter i Semele.

Jedyne, do czego dążył teraz artysta, to przekształcenie swojego domu w muzeum pamięci. Spieszył się, z zapałem wyznaczał przyszłe położenie obrazów, układał je, wieszał – ale niestety nie miał czasu. Moreau zmarł na raka 18 kwietnia 1898 roku i został pochowany na cmentarzu Montparnasse w tym samym grobie z rodzicami. Zapisał państwu swój dwór wraz z pracownią, w której przechowywano około 1200 obrazów i akwareli oraz ponad 10 000 rysunków.

Gustave Moreau zawsze pisał, co chciał. Czerpiąc inspirację z fotografii i czasopism, średniowiecznych gobelinów, starożytnych rzeźb i sztuki orientalnej, był w stanie stworzyć swój własny fantastyczny świat, istniejący poza czasem.

Muzy opuszczające ojca Apolla (1868)

Patrząc przez pryzmat historii sztuki, twórczość Moreau może wydawać się anachroniczna i dziwna. Zamiłowanie artysty do tematów mitologicznych i jego dziwaczny styl malarstwa nie pasowały do czasów rozkwitu realizmu i pojawienia się impresjonizmu. Jednak za życia Moreau jego obrazy uznano za odważne i innowacyjne. Oglądanie akwareli Moreau "Faeton" Na Wystawie Światowej w 1878 r. zszokowany dziełem artysta Odilon Redon napisał: „Dzieło to jest w stanie wlać nowe wino do bukłaków dawnej sztuki. Wizja artysty wyróżnia się świeżością i nowością... Jednocześnie czasem podąża za skłonnościami swojej natury”.

Redon, podobnie jak wielu ówczesnych krytyków, główną zasługę Moreau widział w tym, że potrafił nadać nowy kierunek tradycyjnemu malarstwu, zbudować pomost między przeszłością a przyszłością. Pisarz symbolistyczny Huysmans, autor kultowej dekadenckiej powieści „Wprost przeciwnie” (1884), uważał Moreau za „wyjątkowego artystę”, który nie miał „ani prawdziwych poprzedników, ani potencjalnych naśladowców”.

Nie wszyscy oczywiście myśleli tak samo. Krytycy Salonu często nazywali styl Moreau „ekscentrycznym”. Już w 1864 roku, kiedy artysta pokazał „Edypa i Sfinksa” – pierwszy obraz, który naprawdę przyciągnął uwagę krytyków – jeden z nich zauważył, że to płótno przypomina mu „mieszankę tematów Mantegny, stworzoną przez niemieckiego studenta, który odpoczywał, pracując nad lekturą Schopenhauera”.

Odyseusz pokonujący zalotników (1852)

Odyseusz pokonuje zalotników (szczegóły)

Herkules i Hydra Lernejska (1876)

Tracka dziewczyna z głową Orfeusza na lirze (1864)

Paw narzekający na Juno (1881)

Archiwa Muzeum Gustave'a Moreau ujawniają niesamowitą szerokość zainteresowań artysty - od średniowiecznych gobelinów po antyczne wazony, od japońskich drzeworytów po erotyczną rzeźbę indyjską. W przeciwieństwie do Ingresa, który ograniczał się wyłącznie do źródeł historycznych, Moreau odważnie łączył na płótnie obrazy zaczerpnięte z różnych kultur i epok. Jego „Jednorożce” na przykład wydają się być zapożyczone z galerii malarstwa średniowiecznego, a obraz „Objawienie” to prawdziwy zbiór orientalnej egzotyki.

Jednorożce (1887-88)

Stosunek Moreau do malarstwa przypominał stosunek jego wielkiego współczesnego Wagnera do jego poematów symfonicznych - obu twórcom najtrudniej było doprowadzić swoje dzieła do ostatniego akordu. Idol Moro, Leonardo da Vinci, również pozostawił wiele dzieł niedokończonych. Obrazy prezentowane na wystawie Muzeum Gustave'a Moreau wyraźnie pokazują, że artysta nie był w stanie w pełni urzeczywistnić na płótnie swoich zamierzonych obrazów.

Z biegiem lat Moreau coraz bardziej wierzył, że pozostał ostatnim strażnikiem tradycji i rzadko wypowiadał się przychylnie o współczesnych artystach, nawet tych, z którymi się przyjaźnił. Moreau uważał, że malarstwo impresjonistów jest powierzchowne, pozbawione moralności i nie może powstrzymać się od doprowadzenia tych artystów do duchowej śmierci.

Diomedes pożarty przez swoje konie (1865)

Autoportret (1850)

Świat malarstwa jest pełen naprawdę pięknych płócien, patrząc na nie, chce się żyć i cieszyć się otaczającym światem. Wielcy artyści wiedzieli dużo o pięknie i starali się je przekazać na wszystkie dostępne sposoby. Tym bardziej zaskakuje widok takich zdjęć, które mrożą krew w żyłach i sprawiają, że chce się ciągle rozglądać z niepokojem. Nie sposób nie zastanawiać się, co siedziało w głowie twórcy, gdy tworzył to przez wiele miesięcy. Dlaczego zdecydował się przekazać w swoim dziele nie triumf życia, ale okropności śmierci, wojny i występków. Jest kilka obrazów, które po obejrzeniu przez jakiś czas nie będą w stanie pozbyć się lodowatego horroru.

Johann Heinrich Fussli „Koszmar”

Prawdopodobnie „Koszmar” to najtrafniejsza nazwa tego, co jest przedstawione na obrazku. Demoniczna postać na piersi śpiącej kobiety bardzo dobrze oddaje uczucie, kiedy budzisz się w środku nocy ze strasznego snu i przez długi czas nie możesz dojść do siebie.

Hieronim Bosch „Ogród rozkoszy ziemskich”

Sam obraz jest przerażający i fakt, że ostrzega nas przed strasznym i nieznanym, co może się wydarzyć, jeśli ulegniemy pokusie grzechu. Bosch był wielkim mistrzem straszenia widza, ale to arcydzieło malarstwa nie tylko przeraża, ale bezpośrednio zagraża każdemu, kto wątpi w istnienie piekła.

Gustav Moreau „Diomedes pożarty przez swoje konie”

Wszyscy pamiętamy mity i legendy starożytnej Grecji, dlatego ten obraz jest niczym więcej niż ilustracją jednej z 12 prac Herkulesa. Konie pożerające swego pana to groźne i niekontrolowane zwierzęta, których Herkules potrzebował, aby dokonać kolejnego wyczynu.

Rubens „Saturn pożerający swego syna”

To kolejne przedstawienie popularnego tematu w mitologii greckiej i rzymskiej. Saturn, w odpowiedzi na przepowiednię mówiącą, że jego dzieci obalą jego władzę, po prostu pochłonął każdego ze swoich synów po urodzeniu. Co ciekawe, nie tylko Rubens pokochał tę fabułę i przedstawił ją w jednym ze swoich dzieł.

Artemisia Gentileschi „Judyta ścinająca głowę Holofernesowi”

Ten obraz właściwie celebruje bohaterstwo, a nie samookaleczenie. Odważna wdowa imieniem Judith zabija Holofernesa, asyryjskiego generała, który groził zniszczeniem jej rodzinnego miasta. Sądząc po przedstawionym fabule, Judith nie miała umiejętności obcinania głów, ponieważ jej ofiara obudziła się w środku procesu.

Hans Memling „Piekło, lewy panel tryptyku „Ziemskie próżności”

Obraz ten jest tylko częścią dużego tryptyku, ostrzegającego przed grzechami i pokusami. Jeśli krótko przedstawimy główną ideę artysty, być może uda nam się powiedzieć „Pamiętaj o śmierci”. Czy po obejrzeniu obrazu Memlinga zapomnisz o tym?

Francis Bacon „Studium do portretu Innocentego X”

Trzeba przyznać, że artysta miał normalny stosunek do papieża Innocentego. Tyle, że w szkicu próbował przetestować kolory i przemyśleć na nowo słynną fabułę Diego Velazqueza, który także wcielił się w tę słynną postać historyczną. Jednak Bacon, jego zdaniem, nie odniósł sukcesu. Próby namalowania portretu papieża nazwał później głupimi.

Tycjan „Kara Marsjasza”

Najstraszniejszym szczegółem na tym obrazie nie jest nawet proces obdzierania ze skóry satyra imieniem Marsjasz, który został ukarany przez Apolla za przegraną kłótnię. Spójrzcie na tego pieska, który liże krew spływającą z nieszczęsnego pokonanego człowieka, który zresztą jeszcze żyje i przytomny znosi te męki.

William Bouguereau „Dante i Wergiliusz w piekle”

I znowu przed nami piekło, ukochane przez artystów wszystkich czasów i narodów. Tym razem - ósmy krąg z Boskiej Komedii Dantego. Pisarz wraz z towarzyszącym mu starożytnym rzymskim poetą Wergiliuszem obserwuje dwóch ukaranych grzeszników.

Francisco Goya „Saturn pożerający swego syna”

Oto kolejny obraz Saturna pożerającego swoje dzieci. Napisany przez słynnego miłośnika mrocznych tematów, Goyę, wygląda jeszcze bardziej przerażająco i przywołuje na myśl iście zwierzęcy horror. Wszystkie słynne horrory są niczym w porównaniu z obrazami Goi, to od dawna wiadomo. Ale ta fabuła przerosła wszelkie najgorsze obawy.

Salvator Rosa „Kuszenia św. Antoniego”

To jeden z wielu obrazów inspirowanych legendą o św. Antonim. Ten mnich udał się na pustynię, aby być bliżej Boga. Jednak nawet tam nie mógł uniknąć wszelkiego rodzaju pokus i machinacji diabła. Salvator Rosa widział to na swój sposób.

Francisco Goya „Klęski wojny”

Znowu Goya, którego obrazy oczywiście trzeba dozować, bo istnieje ryzyko szaleństwa. „Katastrofy wojny” to tylko jedna z 82 ilustracji na ten temat. Jeśli spojrzysz na ten koszmar, zobaczysz, że są to zwłoki wykastrowanych mężczyzn, z których głowa jednego wisi na drzewie. Goya starał się pokazać, że wojna jest najbardziej nieludzką rzeczą, jaka może przydarzyć się człowiekowi.

Theodore Gericault „Odcięte głowy”

Gericault po prostu uwielbiał rysować martwych ludzi. Współpracował nawet ze szpitalami i kostnicami, aby móc badać procesy zachodzące w ludziach po śmierci. W swojej pracowni obserwował rozkład różnych części ciała i to wszystko szkicował, abyśmy mogli teraz patrzeć i być przerażeni.

Hans Rudi Giger „Nekron IV”

Artysta Giger przez wiele lat nękał koszmary, a jego malarstwo było jedynym sposobem, aby w jakiś sposób to przemyśleć i przetrwać. Scenarzysta Dan O'Brannon po obejrzeniu obrazów Gigera zainspirował się do stworzenia filmu „Obcy” i nawet zatrudnił artystę do stworzenia szkiców.

Salvador Dali „Oblicze wojny”

Kolejna wariacja na temat okropności wojny, za pomocą której artyści starają się przekonać ludzkość, że nie ma nic gorszego. I patrząc na to zdjęcie, rozumiemy, że tak jest naprawdę. Salvador Dali namalował ten obraz po zakończeniu hiszpańskiej wojny domowej.