Muzyka Włoch jest znana na całym świecie. Nie ma ani jednego kraju, ani kontynentu, gdzie nic o tym nie słyszano. Włochy uważane są za kolebkę sztuki muzycznej, kraj, który dał światu najwspanialszy gatunek – operę. W tym artykule podzielimy się z Państwem kilkoma ciekawymi informacjami z historii kultury muzycznej tego słonecznego stanu.
Czy istnieje granica doskonałości?
Opera La Scala w Mediolanie uważana jest za jeden z głównych symboli Włoch. Dlaczego zdobył takie uznanie i miłość całego świata? Wszystko nie jest proste – teatr jest we wszystkim doskonały. Niesamowicie piękny budynek, utrzymany w prostej stylistyce, doskonała akustyka, starannie przemyślany układ miejsc w luksusowo udekorowanej sali, zawsze najzdolniejsi wykonawcy i aktorzy, znakomici dyrygenci i jeszcze wspanialsza muzyka… No i najbardziej co ważne, uważa się, że teatr powstał w miejscu idealnym dla tej przestrzeni. A wszystko dlatego, że podczas wykopywania terenu pod jego budowę budowniczowie odkryli ogromny kawałek marmuru, na którym wyrzeźbiono najsłynniejszego aktora starożytnego Rzymu, mima Pyladesa. Takie znalezisko uznano za prawdziwy znak z góry, potwierdzający słuszność wyboru miejsca - ale jak inaczej, gdyby osobiście wskazał to jeden z największych tragików starożytności?
Ofiary pięknego śpiewu
A ten słoneczny kraj uważany jest również za kolebkę bel canto - wirtuozowskiego i eleganckiego stylu śpiewu, który podbił cały świat, stylu, bez którego muzyka barokowa we Włoszech jest nie do pomyślenia. I naprawdę, jak można pozostać obojętnym, skoro wszyscy śpiewacy tego stylu mają głos niemal doskonały? Niezwykle szeroka skala wokalna, wpływająca na bardzo wysokie dźwięki, genialna koloratura, najbardziej skomplikowane pasaże i po prostu niewyobrażalna długość oddechu. Wszystko byłoby dobrze, ale tę sztukę opanowali głównie mężczyźni.
Aby uczyć sztuki pięknego śpiewu, wybierano uzdolnionych chłopców i wysyłano ich do specjalnych placówek oświatowych. Tam młodzi śpiewacy przez kilka lat codziennie uczyli się śpiewu. Jeśli dziecko wykazywało wybitne zdolności wokalne, poddawano je kastracji, aby po tzw. „złamaniu” głosu jakość jego śpiewu nie uległa zmianie. Z takich dzieci wyrastali piosenkarze o fenomenalnych głosach. Jednym z najbardziej znanych śpiewaków kastrackich jest Carlo Broschi (Farinelli).
Skąd jednak wzięła się taka „moda” na przeprowadzanie z dziećmi tak strasznych operacji? Stamtąd, skąd, jak mówią, nie spodziewali się. Śpiewacy kastraci byli szkoleni od III wieku do śpiewania podczas nabożeństw. Kobietom surowo zabraniano udziału w śpiewie katolickim i konieczne były wysokie głosy. Rozkwit sztuki bel canto przypada na drugą połowę XVII wieku.
Kiedy nazwisko zobowiązuje
Jednym z najczęstszych nazwisk wśród twórców sztuki końca XV-XVI wieku jest Allegri. Być może nikt by na to nie zwrócił uwagi, gdyby nie bezpośredni związek tego słowa z terminem muzycznym. Allegro w muzyce służy do wskazania tempa, charakteru utworu muzycznego, a nawet jego części. Nic więc dziwnego, że wśród twórców deklarowanej epoki kilku kompozytorów nosiło takie nazwisko. Ale skupimy się tylko na jednym, najbardziej znanym.
Gregorio Allegri większość swojego życia poświęcił pracy w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, gdzie całkowicie poświęcił się muzyce kościelnej. Jego najsłynniejsze dzieło nosi tytuł Miserere. Nazwa dzieła pochodzi od pierwszego słowa jego tekstu – „Miserere” po łacinie oznacza „Zmiłuj się”. Uważany jest za wzór swoich czasów, za największe arcydzieło muzyki włoskiej. I być może to dzieło z czasem zostałoby zapomniane w historii muzyki, gdyby nie jeden, ale. Watykan surowo zabraniał kopiowania go i wynoszenia z kościoła, a w przypadku naruszenia dekretu groził ekskomuniką. I tak było, aż pewnego dnia W. A. Mozart usłyszał to dzieło. Kiedy wrócił do domu, spisał to z pamięci. Tak więc dzieło Allegriego ujrzało świat, a 14-letni geniusz nigdy nie został ukarany.
Oczywiście we włoskiej muzyce dawnej jest wiele ciekawych rzeczy, o których można by mówić więcej. Jest to największa i najcenniejsza warstwa kultury światowej, która wpłynęła na sztukę muzyczną całego świata. Odegrała dla naszego kraju szczególną rolę. Włosi nie tylko wprowadzili Rosjan w gatunek opery, ale także nauczyli rosyjskich kompozytorów jej komponowania. Ale to zupełnie inna, ale nie mniej interesująca historia.
Wideo: posłuchaj muzyki Włoch
Kulturowo patchwork Włochy dały światu niezrównanych mistrzów w dziedzinie sztuki. Ale sami włoscy twórcy genialni pozostawali pod wpływem kultury ludowej, m.in. melodyjne włoskie piosenki. Prawie wszystkie mają autorów, co jednak nie przeszkadza, aby nazwać je ludowymi.
Prawdopodobnie wynika to z wrodzonej miłości Włochów do tworzenia muzyki. To stwierdzenie dotyczy wszystkich regionów Włoch, od południowego Neapolu po północną Wenecję, co potwierdzają liczne festiwale piosenki odbywające się w tym kraju. Włoska piosenka jest znana i kochana na całym świecie: nasi rodzice wciąż pamiętają „Bella Chao” i „W drodze” - włoskie pieśni ludowe śpiewane przez muzułmanina Magomajewa, uznawanego za najlepszego wykonawcę piosenek w tym kraju.
Włoskie pieśni ludowe od niepamiętnych czasów
Jeśli język włoski rozwinął się już w X wieku, to badacze przypisują pojawienie się włoskich pieśni ludowych już na początku XIII wieku. Takie pieśni śpiewali w czasie wakacji na placach miast wędrowni żonglerzy i minstrele. Tematem była dla nich miłość lub historie rodzinne i domowe. Ich styl był nieco szorstki, co jest całkiem naturalne dla średniowiecza.
Najbardziej znaną piosenką, która do nas dotarła, jest „Contrasto” („Spór miłosny”) sycylijskiego Chullo d'Alcamo. Chodzi o dialog pomiędzy dziewczyną a zakochanym w niej młodym mężczyzną. Ponadto znane są podobne piosenki dialogowe: „Spór duszy z ciałem”, „Spór brunetki z blondynką”, „Spór frywolnego z mądrym”, „Spór między zimą a latem” .
W okresie renesansu wśród mieszkańców Włoch rozprzestrzeniła się moda na muzykowanie na co dzień. Zwykli mieszczanie gromadzili się w kręgach melomanów, gdzie grali na różnych instrumentach, komponowali słowa i melodie. Od tego czasu piosenki stały się powszechne wśród wszystkich grup ludności i brzmiały wszędzie we Włoszech.
Instrumenty muzyczne i włoskie pieśni ludowe
Mówiąc o folklorze, nie sposób nie wspomnieć o instrumentach, przy akompaniamencie których były wykonywane. Tutaj jest kilka z nich:
- Skrzypce, które swój nowoczesny wygląd zyskały w XV wieku. Ten instrument pochodzenia narodowego jest bardzo lubiany przez Włochów.
- Lutnia i jej pirenejska wersja vihuela. Instrumenty szarpane rozprzestrzeniły się po całych Włoszech w XIV wieku.
- Tamburyn. Rodzaj tamburynu, który przybył do Włoch z Prowansji. Tancerz towarzyszył im podczas występu tarantelli.
- Flet prosty. Rozpowszechnił się w XI wieku. Bardzo często używany przez wykonawcę wraz z tamburynem.
- Lira korbowa to mechaniczny instrument dęty, który stał się popularny we Włoszech w XVII wieku. Był szczególnie lubiany przez wędrownych muzyków, pamiętajcie Papa Carlo.
Włoska pieśń ludowa „Santa Lucia” – narodziny muzyki neapolitańskiej
Neapol to stolica regionu Kampania, najsłynniejsze miasto południowych Włoch i miejsce narodzin oszałamiająco lirycznej neapolitańskiej pieśni ludowej, pięknej „Santa Lucia”.
Niezwykle piękna przyroda, łagodny klimat i dogodne położenie nad brzegiem zatoki o tej samej nazwie sprawiły, że to miasto i okolice były niezwykle atrakcyjne dla licznych zdobywców i zwykłych osadników. Przez ponad 2500 lat miasto to przyjęło i przemyśleło na nowo wiele kultur, które nie mogły nie wpłynąć na muzyczne tradycje regionu.
Za początek neapolitańskiej pieśni ludowej uważa się początek XIII wieku, kiedy to pieśń „Słońce wschodzi” była bardzo popularna. To początek włoskiego renesansu. Czas szybkiego rozwoju miast włoskich i początek wyłaniania się świadomości ludzkiej z wieków ciemnych. W tym okresie ludzie przestali uważać tańce i pieśni za grzeszne, zaczęli cieszyć się życiem.
W XIV-XV w. Wśród ludności popularne były humorystyczne kuplety, które komponowano na temat danego dnia. W drugiej połowie XV wieku w Neapolu narodziła się vilanella (włoska pieśń wiejska) – kuplety wykonywane kilkoma głosami przy akompaniamencie lutni.
Jednak okres rozkwitu znanej nam pieśni ludowej neapolitańskiej przypada na XIX wiek. To właśnie w tym okresie Teodoro Cottrau opublikował najsłynniejszą włoską piosenkę „Santa Lucia”. Jest napisany w gatunku barkaroli (od słowa barka), co oznacza „pieśń wioślarza” lub „pieśń na wodzie”. Piosenka została wykonana w dialekcie neapolitańskim i była poświęcona pięknu nadmorskiego miasteczka Santa Lucia. Jest to pierwsze dzieło neapolitańskie przetłumaczone z dialektu na język włoski. Wykonali go Enrico Caruso, Elvis Presley, Robertino Loretti i wielu innych światowej sławy artystów.
Oryginalny tekst neapolitański
Comme se fr?cceca la luna chiena…
lo mare ride, ll'aria? Serena…
Vuje che facite 'mmiez'a la via?
Święta Łucja! Święta Łucja!
II Stu viento frisco, fa risciatare, chi v?’ spassarse j?nno pe’ mare…
E’ pronta e lesta la varca mia… Santa Lucia!
Święta Łucja! III La tanna? poczta pe'f? na cenę…
e quanno stace la panza chiena, non c'? la ménema melankonia!
Święta Łucja! Święta Łucja!
Pézzo accostare la varca mia?
Święta Łucja!
Święta Łucja!…
Klasyczny tekst włoski (Enrico Kossovich, 1849)
Sul mare luccica l'astro d'argento.
Sul mare luccica l'astro d'argento.
Placida? Londa, Prospero? odpowietrzę.
Święta Łucja! Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia! Święta Łucja!
Con questo zeffiro, bo? soave, och, co? Nawa Bello Star Sulla!
Su passegieri, venite via!
Święta Łucja!
Święta Łucja!
Su passegieri, venite via!
Święta Łucja!
Święta Łucja!
In fra le tende, bandir la cena In una sera cos? Serena,
Święta Łucja!
Święta Łucja!
Chi non dimanda, chi non desia.
Święta Łucja!
Święta Łucja!
Klacze? placida, ventos? karo,
Scordar fa i triboli al marinaro,
E va gridando con allegria,
Święta Łucja! Święta Łucja!
E va gridando con allegria,
Święta Łucja! Święta Łucja!
O dolce Napoli, o suol beatato,
Ove sorridere vole il creato,
Tu sei l'impero dell'armonia,
Święta Łucja! Święta Łucja!
Tu sei l'impero dell'armonia,
Święta Łucja! Święta Łucja!
Albo che spóźniony? Bella? la sera.
Spira un'auretta fresca e leggiera.
Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Święta Łucja!
Venite all'agile barchetta mia, Santa Lucia!
Święta Łucja!
Tekst rosyjski
Morze trochę oddycha
W sennym odpoczynku
Z daleka słychać szum fal.
Na niebie zaświeciły się wielkie gwiazdy, Santa Lucia, Santa Lucia!
Ach, co za wieczór - Gwiazdy i morze!
Delikatny wiatr wieje od podnóża.
Przynosi złote sny,
Święta Łucja, Święta Łucja!
Łódź jak łabędź
odpływa,
Gwiazdy na niebie
Świecą jasno.
cudowna piosenka
Słyszę w nocy
Święta Łucja,
Święta Łucja!
Wieczór nad morzem
Pełne tęsknoty
W milczeniu powtarzamy
Piosenka jest znana.
O mój Neapol
Podane przez krewnych
Święta Łucja,
Święta Łucja!
światło księżyca
Morze świeci.
Korzystny wiatr
Żagiel się podnosi.
Moja łódź jest lekka
Łopatki są duże...
Święta Łucja,
Święta Łucja!
Za kulisami
Łodzie odosobnione
Można uniknąć
Oczy nieskromne.
Jak usiąść
W taką noc?
Święta Łucja,
Święta Łucja!
Mój wspaniały Neapol
Och, piękna kraina
Gdzie się uśmiecha
Jesteśmy sklepieniem nieba.
Entuzjazm w duszy
Wlać nieziemskie...
Święta Łucja,
Święta Łucja!
Jesteśmy lekkimi piankami marshmallow
Pobiegnijmy w dal
I wzniesiemy się jak mewa nad wodę.
Och, nie strać
Złoty zegarek...
Święta Łucja,
Święta Łucja!
Morze jest spokojne
Wszyscy podziwiają
I biada marynarzom
Natychmiast zapomnij
Oni tylko śpiewają
Piosenki są porywające.
Święta Łucja,
Święta Łucja
Na co jeszcze czekasz?
Cicho na morzu.
Księżyc świeci
W niebieskiej przestrzeni
Moja łódź jest lekka
Łopatki są duże...
Święta Łucja,
Święta Łucja!
***
Posłuchaj włoskiej pieśni ludowej Santa Lucia w wykonaniu Anastasii Kozhukhovej:
Ponadto w naszym kraju znana jest również inna neapolitańska piosenka „Dicitencello vuie”, jesteśmy lepiej znani jako „Powiedz dziewczynie swojej dziewczynie”. Piosenka została napisana w 1930 roku przez kompozytora Rodolfo Falvo do słów Enzo Fusco. Wersja rosyjskojęzyczna została wykonana przez większość krajowych artystów, od Siergieja Lemeszewa po Walerija Leontiewa. Oprócz rosyjskiego piosenka ta została przetłumaczona na wiele innych języków.
Pieśni neapolitańskie są bezprecedensowo znane i kochane na całym świecie. Świadczy o tym incydent, który miał miejsce na igrzyskach olimpijskich w Antwerpii w 1920 roku. Podczas wręczania nagrody drużynie włoskiej okazało się, że belgijska orkiestra nie posiadała nut do hymnu Włoch. I wtedy orkiestra wybuchła „Och, moje słońce” („O sole mio”). Już przy pierwszych dźwiękach melodii obecni na stadionie kibice zaczęli śpiewać wraz ze słowami piosenki.
Mówiąc o tradycjach pieśniowych Neapolu i okolic, nie sposób nie wspomnieć o festiwalu Piedigrotta, który odbywa się co roku na początku września. Piedigrotta to grota położona niedaleko Neapolu, niegdyś pełniąca funkcję pogańskiego sanktuarium. W 1200 roku, w celu poświęcenia tego miejsca, wzniesiono tu kościół Najświętszej Marii Panny, który stał się znany jako Piedigrotta, co oznacza „u stóp groty”.
Z biegiem czasu kult religijny Najświętszej Maryi Panny i uroczystości ku jej czci przekształciły się w konkurs-festiwal piosenki. Podczas tego muzycznego festiwalu rywalizują najlepsi poeci ludowi i śpiewacy Neapolu. Czasem zdarza się, że dwa utwory uzyskują taką samą liczbę punktów. A potem publiczność dzieli się na dwa obozy, z których każdy jest gotowy bronić pięściami ulubionej melodii. Jeśli obie piosenki są naprawdę dobre, przyjaźń zwycięża i całe miasto nuci ulubione melodie.
Włoska piosenka ludowa „Happy”
Utwór należy do tekstów miłosnych, jednak słowa tekstu dostrzegają zdradę i wietrzność młodości. Historia opowiedziana jest z perspektywy dziewczyny, która niejako zwraca się do swojej przyjaciółki z pytaniem: czy wie, co kryje się za zalotnymi spojrzeniami wróżek na bale? Sama dziewczyna nie jest jeszcze w nikim zakochana i dlatego uważa się za najszczęśliwszą i „bardziej czarującą niż wszystkie królowe”. Młoda Włoszka spaceruje wśród stokrotek i fiołków, słucha śpiewu ptaków i śpiewa im o tym, jaka jest szczęśliwa i że tylko je chce kochać na zawsze.
Rzeczywiście trafnie zauważono, że dopóki miłość do drugiej osoby nie przerodzi się w bolesne przywiązanie, jest czas na cieszenie się życiem, przyrodą i wszystkimi wokół. Gdzie to wszystko zauważyć, kiedy płoniesz z zazdrości i niepokoju.
Posłuchaj włoskiej piosenki ludowej „Happy” w języku rosyjskim w wykonaniu Anastazji Teplakowej:
Humor we włoskich pieśniach ludowych: zaśpiewaj o „Pasta”
Lekki i wesoły włoski charakter przyczynił się do powszechnego stosowania humorystycznych piosenek. Wśród takich utworów warto zwrócić uwagę na piosenkę „Pasta”, poświęconą temu iście włoskiemu daniu. Śpiewając tę pieśń, sieroty i dzieci z biednych rodzin zarabiały na życie prosząc o jałmużnę od przechodniów. W zależności od płci wykonawcy istnieje wersja męska i żeńska tekstu. Utwór powstał w rytmie tarantelli.
Tarantella to taniec ludowy wykonywany od XV wieku. Z reguły tarantela opiera się na jednym rytmicznie powtarzającym się motywie. Co ciekawe, taniec do tej melodii uznawany był za środek leczniczy dla osób ukąszonych przez tarantulę. Muzycy od dawna wędrują po drogach Włoch, wykonując tę melodię specjalnie dla pacjentów z „tarantyzmem”.
Makaron (wersja męska) Przetłumaczone przez M. Ulitsky'ego
1. Mieszkam wśród ruin.
Bardziej wesoły niż smutny.
Mieszkam wśród ruin.
Bardziej wesoły niż smutny.
Chętnie oddam stolik nocny i domek z balkonem na makaron.
2. To pyszne danie jest dobrym przyjacielem zwykłych ludzi.
To pyszne danie jest dobrym przyjacielem zwykłych ludzi.
Ale ważne osoby jedzą też makaron z sosem.
3. Chcesz wiedzieć, jak przeżył umierający czerwony klaun?
Chcesz wiedzieć, jak przeżył umierający czerwony klaun?
Shutovskaya zdjął koronę i zamienił ją na makaron.
4. Śpiewamy naszą tarantellę, z kim mam iść na obiad?
Śpiewa nam tarantella, z kim mam iść na obiad?
Po prostu krzyknij: „Makaron!” - Towarzysze pojawią się natychmiast.
Makaron (wersja żeńska)
Jestem czarniejszy niż oliwka
Jestem samotnie wędrujący bezdomny
I przy dźwiękach tamburynu
Jestem gotowy tańczyć cały dzień
Zaśpiewam Ci Tarantellę
Po prostu bądź miły
Daj Soldo i kup
Makaron, makaron.
Mój przyjaciel Pulcinello
W serce trafiła strzała
Tylko że nie chciałem, żeby Pulcinello została żoną.
Prawie się zastrzelił
Prawie wyskoczyłem z balkonu
Ale został wyleczony z pasji,
Właśnie połykam makaron.
Zabrałem brata na wycieczkę,
Po nim ukochany odszedł,
Jak zrobić żołnierzy
Czy wszystkim nic się nie stało?
Aby armaty nie strzelały,
Trzeba wyjąć wszystkie naboje,
Zamiast kul wylecieć
Makaron, makaron.
Jeśli czujesz się trochę smutny
Jeśli dokucza Ci choroba,
Albo czasami żołądek jest pusty,
Makaron jest dla Ciebie dobry!
Do widzenia, Signoritas,
Do widzenia, panowie Donnas,
Musisz być bardzo pełny
A ja czekam na makaron!
Maccheroni
1. Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.
Io mi sono un poveretto senza casa e senza letto.
Venderei i miei canzoni per un sol piatto da maccheroni.
2. Pulcinella mezzo spędziło vole a fare il testimento.
Pulcinella mezzo spędziło vole fare il testimento.
Kup avesse dai padroni un Grosso Piatto di Maccheroni.
3. Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Ho veduto un buon Tenente che cambiava col Sergente.
Le spalline pe'galloni per un sol piatto di maccheroni.
4. Tarantella si e cantata,
due carlini si e pagata.
Tarantella i kantata,
due carlini si e pagata.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de'maccheroni.
Sono allegro, o compagnoni,
ne comperemo de'maccheroni.
***
Posłuchaj włoskiej piosenki ludowej „Pasta” w języku rosyjskim w wykonaniu Anny Zhikhalenko:
Weneckie pieśni na wodzie
Oprócz południowego Neapolu, Wenecja, północna perła Włoch, wyróżnia się wspaniałymi i niesamowitymi tradycjami pieśniowymi. Mówimy przede wszystkim o pieśniach gondolierów. Te motywy miłosne należą do gatunku barkaroli. Są bardzo melodyjni i niespieszni.
Silny i piękny głos gondoliera zdaje się odbijać echem w powolnych uderzeniach wioseł po wodzie. Co dziwne, aż do XVIII wieku barkarola nie cieszyła się należytą uwagą ze strony profesjonalnych muzyków. Jednak w następnym stuleciu to zaniedbanie zostało z nawiązką nadrobione. Czajkowski, Mendelssohn, Chopin, Glinka to tylko niewielka grupa muzycznych geniuszy, których zachwyciła wenecka pieśń ludowa i włączyli jej motywy do swoich nieśmiertelnych dzieł.
Niestety nowoczesność negatywnie wpływa na tradycje weneckie, w tym na barkarolę. I tak np. na prośbę turystów gondolierzy często śpiewają pieśń neapolitańską „O Sole Mio”, choć Stowarzyszenie Gondolierów sprzeciwia się jej wykonaniu, gdyż nie jest ona wenecka.
Pieśń partyzantów włoskich „Bella Chao”
Również słynna piosenka partyzancka „Bella Chao” („Goodbye Beauty”) cieszy się niespotykaną popularnością. Śpiewali ją członkowie ruchu oporu podczas II wojny światowej. To prawda, że nie był dystrybuowany w całych Włoszech, ale tylko na północy kraju, w Apeninach.
Uważa się, że tekst piosenki został napisany przez ratownika medycznego lub lekarza. A melodia jest wyraźnie zaczerpnięta ze starej piosenki dla dzieci „Sleeping Potion”. Choć według Luciano Granozziego, profesora historii nowożytnej na Uniwersytecie w Katanii, „Bella ciao” do 1945 roku była wykonywana tylko przez określone grupy partyzantów w okolicach Bolonii.
E picchia picchia
porticella
E picchia picchia
E picchia picchia
la porticella dicendo: „Oi bella, mi vieni a aprir”.
Con una mano kwietnia?
la porta e con la bocca
la glide? unbacin.
La gh'ha dato un bacio cos? tanto forte che
la suoi mamma la l'ha wysłał?.
Ma cos'hai fatto, figliola mia,
che tutto il mondo parla mal di te?
Ma lascia czysty che
il mondo 'l diga: io voglio amare chi mi ama me.
Io voglio amare quel giovanotto ch'l'ha
Fatt sett'anni di prigion dla mnie.
L'ha fatt sett'anni e sette
mesi e sette giorni di prigion dla mnie.
El Prigione
ja? tanto scura,
moja fa paura,
la mi fa morir
Bella chao (jedna z opcji)
Obudziłem się dzisiaj rano
Obudziłem się dzisiaj rano
I widziałem wroga przez okno!
Och, partyzanci, weźcie mnie
Och, piękna ciao, piękna ciao, piękna ciao, ciao, ciao!
Och, partyzanci, weźcie mnie
Czuję, że moja śmierć jest blisko!
Jeśli moim przeznaczeniem jest zginąć w bitwie
Och, piękna ciao, piękna ciao, piękna ciao, ciao, ciao!
Jeśli jest mi przeznaczone umrzeć w bitwie – Pochowaj mnie.
Zakopać w wysokich górach?
Och, piękna ciao, piękna ciao, piękna ciao, ciao, ciao!
Zakopać w wysokich górach?
W cieniu czerwonego kwiatu!
Och, piękna ciao, piękna ciao, piękna ciao, ciao, ciao!
Przechodzi przechodzień, zobaczy kwiat
„Piękny – powie – kwiat!”
Taka będzie pamięć partyzanta
Och, piękna ciao, piękna ciao, piękna ciao, ciao, ciao!
Taka będzie pamięć partyzanta
Cóż za wolność upadła odważnie!
***
Posłuchajcie pieśni partyzantów włoskich „Bella, ciao” w wykonaniu Chóru Piatnickiego:
Ulubioną przez wszystkich piosenką partyzancką była „Fischia il vento” („Wiatr wieje”), miała ona wyraźnie komunistyczny charakter. Dlatego po zakończeniu wojny, w celach ideologicznych, rząd włoski zaczął promować piosenkę „Bella Chao”. Za co można mu tylko dziękować. W każdym razie piosenka zyskała światową sławę pod koniec lat czterdziestych, po I Międzynarodowym Festiwalu Młodzieży i Studentów, który odbył się w Pradze latem 1947 roku. Potem wielokrotnie wykonywali go wybitni i mniej znani piosenkarze z całego świata.
Tematyka włoskiej muzyki ludowej jest tak obszerna, że nie da się jej ująć w jednym artykule. Wynika to z faktu, że cała historia Włoch znalazła swoje odzwierciedlenie w pieśniach ludowych. Niezwykle melodyjny język, luksusowa przyroda i burzliwa historia rozwoju kraju dały światu takie zjawisko kulturowe, jak włoska piosenka ludowa.
← ←Chcesz usłyszeć, jak Twoi znajomi dziękują za udostępnienie im ciekawych i wartościowych materiałów? Następnie kliknij teraz jeden z przycisków mediów społecznościowych po lewej stronie!
Zapisz się do kanału RSS lub otrzymuj nowe artykuły e-mailem.
Mandolina to strunowy instrument muzyczny szarpany. Jej wygląd datuje się na XVI wiek, a jej ojczyzną stały się kolorowe Włochy. Mandolina to instrument muzyczny bardzo podobny wyglądem do lutni, ponieważ ma również kształt gruszki. Różni się od lutni tym, że ma mniej strun i krótszą szyjkę.
Zasadniczo mandolina zawsze miała cztery sparowane struny (tzw. mandolina neapolitańska), a lutnia, w zależności od epoki, miała sześć lub więcej strun. Oprócz tego typu mandoliny znane są również inne jej typy:
- Sycylijski – z płaskim dnem i czterema potrójnymi strunami;
- Milanese – z sześcioma strunami, buduj oktawę wyżej niż gitarowa;
- Genueńczyk – mandolina pięciostrunowa;
- Florencki.
Jak grać na mandolinie
Zwykle na mandolinie gra się kostką, a raczej kostką. Chociaż zdarza się, że bawią się palcami. Dźwięk mandoliny jest wyjątkowy - szybkie i wielokrotne powtarzanie dźwięku (tremolo) tłumaczy się tym, że po dotknięciu strun dźwięk szybko zanika, to znaczy okazuje się krótki. Dlatego też, aby wydłużyć dźwięk i uzyskać rzekomo przeciągniętą nutę, stosuje się tremolo.
Mandolina stała się szeroko znana poza granicami Włoch sto lat po jej powstaniu. Instrument ten bardzo się spodobał i szybko uzyskał status instrumentu ludowego. Do tej pory przechadza się po planecie, coraz bardziej zakorzeniając się we współczesnej kulturze.
Wiadomo nawet, że tak znany kompozytor jak Mozart w swojej operze Don Giovanni użył mandoliny w serenadzie.
Ponadto wiele współczesnych zespołów, kompozytorów i piosenkarzy używa tego instrumentu muzycznego, aby dać swego rodzaju „zapał” 
do ich kompozycji.
Przy pomocy mandoliny można doskonale zarówno akompaniować, jak i grać partie solowe. Znane są na przykład orkiestry neapolitańskie, których dźwięki łączą się z wieloma mandolinami różnej wielkości. Mandolina jest również używana w orkiestrach symfonicznych i operowych. Oprócz banjo mandolina jest również używana w amerykańskiej muzyce bluegrass i folku.
Jak już wspomniano, mandolina jest bardzo nietypowym instrumentem muzycznym i przez wielu jest kochana właśnie dlatego, że jej atutem jest tremolo, którego być może nie znajdziesz w innych instrumentach muzycznych.
Mandolina to instrument muzyczny będący jednym z najpopularniejszych w kategorii instrumentów ludowych. Być może niewiele instrumentów muzycznych może pochwalić się taką popularnością. Mandolina jest raczej tradycyjnie uważana za ludową, chociaż wielu kompozytorów wykorzystywało ją w swoich dziełach, nadając im szczególny urok i niepowtarzalność. Choć mandolina jest często wykorzystywana w orkiestrach, świetnie brzmi także jako niezależna partia muzyczna. Grane są na nim rozmaite etiudy i sztuki teatralne, przy akompaniamencie innych instrumentów.
Gdzie jeszcze mandolina stała się sławna
Stosunkowo szybko mandolina wyemigrowała z Włoch na północ Stanów Zjednoczonych i mocno zadomowiła się w lokalnej muzyce. W Europie instrument ten podbił Skandynawów, którzy nadali mandolinie szczególne, surowe brzmienie.
Mandolina ma instrumenty rodzinne. Są to mandala, buzuki i mandolina oktawowa. Harmonie rock and rolla naszych czasów są bardzo podobne do tej samej mandoliny.
Wiadomo, że członkowie grupy Led Zeppelin bardzo upodobali sobie dźwięk mandoliny i wykorzystywali go w swoich melodiach. Nawet Jimmy Page, członek zespołu, uzupełnił mandolinę mandalą i gryfem gitarowym. Nawet Paul McCartney wolał ten trudny instrument muzyczny.
Oprócz doskonałego brzmienia mandolina ma wiele niezaprzeczalnych zalet:
- harmonijna struktura;
- ścisłość;
- połączenie z innymi mandolinami lub ogólnie innymi instrumentami muzycznymi - gitarą, fletem blokowym.
Strojenie mandoliny jest nieco podobne do strojenia skrzypiec:
- pierwsza para strun jest nastrojona w mi 2. oktawy;
- druga para jest w la pierwszej oktawy,
- ponownie 1. oktawa;
- czwarta para strun jest solą małej oktawy.
Popularność mandoliny rośnie coraz bardziej. Na przykład członek grupy Aria, Vadimir Kholstinin, używa mandoliny w kompozycji muzycznej Paradise Lost. Jest również używany w metalowej operze grupy Epidemic (piosenka Walk Your Way) i Siergieja Mavrina (Makadash).
I słynna piosenka „Loosing my Religion” zespołu R.E.M. z wyjątkowym dźwiękiem mandoliny? Wydaje się, że jest znany niemal we wszystkich krajach świata.
Mandolina to instrument muzyczny dość tajemniczy. Sekret jej sukcesu wciąż nie został do końca ujawniony. Nawet jeśli od pojawienia się minęło ponad czterysta lat, absolutnie nie traci na popularności, a wręcz przeciwnie, zyskuje coraz więcej fanów. W dzisiejszych czasach jest coraz częściej stosowany w różnych gatunkach muzycznych.
Uderzające jest to, że mandolina jest w stanie idealnie wkomponować się w każdą kompozycję, przyciemnić lub podkreślić brzmienie niemal każdego instrumentu. Słysząc dźwięki tego nieco magicznego instrumentu, wydaje się, że zanurzasz się w starożytną epokę odważnych rycerzy, uroczych dam i dumnych królów.
Wideo: Jak brzmi mandolina
Początki muzyki włoskiej sięgają kultury muzycznej starożytnego Rzymu (patrz Muzyka starożytnego Rzymu). Muzyka grała stworzenia. rola w społeczeństwie., stan. życie Cesarstwa Rzymskiego, w życiu codziennym dec. segmenty populacji; muzyka była bogata i różnorodna. narzędzia. Próbki starożytnej muzyki rzymskiej do nas nie dotarły, ale rzadko. jego elementy zachowały się w średniowieczu. Chrystus. hymny i folklor muzyka tradycje. W IV wieku, kiedy chrześcijaństwo zostało uznane za państwo. religii Rzym wraz z Bizancjum stał się jednym z ośrodków rozwoju liturgii. śpiew, per-vonach. którego podstawą była psalmodia wywodząca się z Syrii i Palestyny. Arcybiskup Mediolanu Ambroży ugruntował praktykę antyfonalnego śpiewania hymnów (patrz Antyfona), przybliżając ich melodię do Nar. pochodzenie. Z jego imieniem związana jest szczególna tradycja zachodniego Chrystusa. kościół śpiew, zwany ambrozjańskim (patrz śpiew ambrozjański). w kon. W VI wieku za papieża Grzegorza I wypracowano solidne formy Chrystusa. liturgię i uporządkował jej muzy. strona. Powstała w tym samym czasie w Rzymie piosenkarka. szkoła („schola cantorum”) stała się rodzajem akademii śpiewaków kościelnych. pozew i najwyższy ustawodawca. autorytetem w tej dziedzinie. Grzegorzowi przypisano mi ujednolicenie i utrwalenie głównego. hymny liturgiczne. Jednak późniejsze badania wykazały, że jest to melodyjne. styl i formy tzw. Chorał gregoriański ukształtował się ostatecznie dopiero w VIII-IX wieku. rzymskokatolicki Kościół, dążąc do jednolitości kultu, zasadził ten styl jednogłowy. chór. śpiewając wśród wszystkich narodów nawróconych do Chrystusa. wiara. Proces ten dobiegł końca. XI w., kiedy to obowiązywała liturgia gregoriańska z odpowiednimi śpiewami. regulacje przyjęte w krajach Środkowego, Zachodniego. i Juz. Europa. Jednocześnie ustał także dalszy rozwój chorału gregoriańskiego, który zastygł w nonizmie. formy.
Z kon. I tysiąclecie naszej ery w wyniku częstych najazdów wroga na Włochy, a także wzmożonego ucisku papiestwa, który uniemożliwiał swobodną manifestację twórczości. inicjatywy, w I. m. przychodzi długo. stagnacji, przestaje odgrywać znaczącą rolę w muzyce powszechnej. rozwój Europy Państwa. Najważniejsze zmiany, jakie zaszły w Europie. muzyki przełomu I i II tysiąclecia, znajdują słabe i często spóźnione odbicie w I. m. Natomiast naukowcy-muzycy Zap. i północno-zachodniej. Europa już w IX wieku. dał uzasadnienie wczesnych form polifonii, najwybitniejszego włoskiego. muzyka średniowieczny teoretyk Guido d'Arezzo (XI w.) główną uwagę poświęcił jednogłowemu chorałowi gregoriańskiemu, jedynie na krótko dotykając organówum.o niezależnym wkładzie Włoch w rozwój gatunków polifonicznych tamtej epoki.Nowe powstanie I m. koniec XIII-XIV w. wiązał się z wczesnym renesansem, który odzwierciedlał rozwój tendencji humanistycznych, początek emancypacji osobowości ludzkiej spod ucisku dogmatów religijnych, bardziej swobodne i bezpośrednie postrzeganie świata w okres osłabienia władzy panów feudalnych i kształtowania się wczesnych stosunków kapitalistycznych. Pojęcie wczesnego renesansu odpowiada definicji przyjętej w historii muzyki Ars nova. Głównymi ośrodkami tego ruchu były miasta Centralnego oraz Włochy Północne - Florencja, Wenecja, Padwa - bardziej zaawansowane pod względem struktury społecznej i kultury niż regiony południowe, w których nadal mocno zachowały się stosunki feudalne. Miasta te przyciągały najzdolniejszych kompozytorów i muzyków wykonawczych. Powstały tu nowe gatunki i trendy stylistyczne.
Chęć wzmożonej ekspresji objawiła się w tekstach. hymny na cześć swobodnie interpretowanej religii. tematy - laudakh, które śpiewano w życiu codziennym i podczas religii. procesje. Już w kon. XII w. Powstały „bractwa laudystów”, których liczba wzrosła w XIII, a zwłaszcza w XIV wieku. Laudy kultywowano wśród mnichów zakonu franciszkanów, w opozycji do oficerów. Kościoła rzymskiego, czasami odzwierciedlały motywy protestu społecznego. Melodia pochwał jest związana z Nar. pochodzenie, inna rytmika. przejrzystość, przejrzystość struktury, dominująca główna kolorystyka. Niektóre z nich mają charakter zbliżony do tańca. piosenki.
We Florencji powstały nowe gatunki świeckich wielokątów. wok. muzyka przeznaczona do amatorskiego wykonania domowego: madrygal, caccha, ballata. To były 2 lub 3 gole. stroficzny utwory o prymacie melodycznym. głos górny, który wyróżniał się rytmiką. mobilność, mnóstwo kolorowych przejść. Madrygał - arystokratyczny. gatunek charakteryzujący się wyrafinowaniem poetyki i muz. budynek. Dominowała w nim subtelna erotyka. motywy, również ucieleśnione satyryczne. motywy, czasem o zabarwieniu politycznym. Treść caccia pierwotnie składała się z obrazków myśliwskich (stąd sama nazwa: caccia – łowiectwo), później jednak jej tematyka rozszerza się i obejmuje różnorodne sceny rodzajowe. Najpopularniejszym ze świeckich gatunków Ars nova jest ballata (pieśń taneczna, treścią zbliżona do madrygału).
Powszechny rozwój we Włoszech w XIV wieku. otrzymuje instr. muzyka. Główny instrumentami tamtych czasów były lutnia, harfa, skrzypce, flet, obój, trąbka, rozkład organów. typu (pozytywy, przenośne). Wykorzystywano je zarówno do akompaniamentu śpiewu, jak i do gry solowej lub zespołowej.
Powstanie Włocha Ars nova spada na Ser. XIV w. W latach 40. kreatywność się rozwija. działalność jej najwybitniejszych mistrzów – Giovanniego z Florencji i Jacopo z Bolonii. Szczególną sławę zyskał niewidomy wirtuoz organisty i kompozytora. F. Landino to osoba wszechstronnie utalentowana, poeta, muzyk i naukowiec, cieszący się szacunkiem w kręgach włoskich. humaniści. W jego twórczości związek z Nar. melodia zyskała większą swobodę wyrazu, czasem wyrafinowaną, kwiecistą i rytmiczną. różnorodność.
W epoce wysokiego renesansu (XVI w.) I. m. zajął wiodącą pozycję wśród Europejczyków. muzyka kultury. W atmosferze ogólnego rozkwitu sztuki. kultura intensywnie rozwinęła muzykowanie w stanie rozkładu. warstwy społeczeństwa. Jego ośrodki znajdowały się razem z kościołem. kaplice rzemieślnicze. stowarzyszenia cechowe, kręgi oświeconych miłośników literatury i sztuki, czasami nazywające siebie antykami. wzorcowe akademie. W wielu miasta utworzyły szkoły, które wprowadziły niepodległość. wkład w rozwój I. m. Wśród nich największe i najbardziej wpływowe są szkoły rzymska i wenecka. W centrum katolicyzmu – Rzymie, nowe formy sztuki, powołane do życia przez ruch renesansowy, często napotykały na opór Kościoła. władze. Ale pomimo zakazów i potępień, przez cały XV wiek. w rzymskokatolickim usługi boskie mocno ugruntowane mnogogol. śpiewanie. Sprzyjała temu działalność przedstawicieli szkoły francusko-flamandzkiej G. Dufaya, Josquina Despresa i innych kompozytorów, którzy w różnych okresach służyli w kaplicy papieskiej. W Kaplicy Sykstyńskiej (fundacja 1473) i chórze. kaplica katedry św. Piotr skupił najlepszych mistrzów kościoła. śpiewają nie tylko z Włoch, ale także z innych krajów. Sprawy kościelne. śpiew był wyjątkowy. uwagę na Soborze Trydenckim (1545-63), w którego postanowieniach potępiono nadmierny entuzjazm dla „figuratywnej” polifonii. muzyka, która utrudnia zrozumienie „świętych słów”, wysunięto żądanie prostoty i przejrzystości; zakazano wprowadzania do liturgii melodii świeckich. muzyka. Jednak wbrew woli Kościoła. władze do wypędzenia wszelkich nowinek ze śpiewu kultowego i, jeśli to możliwe, przywrócenia go do tradycji chorału gregoriańskiego, kompozytorzy szkoły rzymskiej stworzyli wysoko rozwiniętą polifonię. sztuka, w której najlepsze osiągnięcia polifonii francusko-flamandzkiej zostały zrealizowane i przemyślane w duchu estetyki renesansu. W produkcji kompozytorzy tego kompleksu szkolnego imitującego. technikę połączono z harmoniką akordową. magazyn, wielokątny faktura nabrała charakteru harmonijnej harmonii, początek melodyczny stał się bardziej samodzielny, często na pierwszy plan wysuwał się głos wyższy. Największym przedstawicielem szkoły rzymskiej jest Palestrina. Jego doskonale wyważoną, rozświetloną nastrojem, harmonijną sztukę porównuje się czasem z twórczością Rafaela. Będąc szczytem chóru. polifonia o ścisłym stylu, muzyka Palestriny zawiera jednocześnie rozwinięte elementy myślenia homofonicznego. Pragnienie równowagi pomiędzy zasadami horyzontalnymi i wertykalnymi charakteryzowało także innych kompozytorów tej szkoły: K. Festa, G. Animucci (który stał na czele kaplicy św. Piotra w latach 1555-71), Clemens-nie-Tata, uczniowie i zwolennicy Palestriny – J. Nanino, F. Anerio i inni.Do szkoły rzymskiej przylegali także Hiszpanie. kompozytorzy pracujący w kaplicy papieskiej: K. Morales, B. Escobedo, T. L. de Victoria (który otrzymał przydomek „hiszpańska Palestrina”).
Założycielem szkoły weneckiej był A. Willaert (z pochodzenia Holender), który w 1527 roku stał na czele kaplicy katedry św. Marka i był jego liderem przez 35 lat. Jego następcami byli C. de Pope i Hiszpan C. Merulo. Szkoła ta osiągnęła swój szczyt w twórczości A. Gabrieli i jego siostrzeńca J. Gabrieli. W przeciwieństwie do surowego i powściągliwego stylu pisania Palestriny i innych kompozytorów szkoły rzymskiej, sztukę Wenecjan charakteryzowała pompatyczna paleta dźwięków, mnóstwo jasnych kolorów. efekty. Szczególne znaczenie nabrała od nich zasada wielochoreizmu. Sprzeciw dwóch chórów, aranżacja. w różnych częściach kościoła, posłużył jako podstawa dynamiki. i kolorowe kontrasty. Stale zmieniająca się liczba głosów G. Gabrieli osiągnęła 20. Refren kontrastuje. brzmienia uzupełniono zmianą instr. barwę, a instrumenty nie tylko naśladowały głosy chóru, ale także występowały samodzielnie w przerwie. i łączenie odcinków. harmoniczny język nasycony był licznymi, często odważnymi jak na tamte czasy, chromatykami, które nadawały mu cechy wzmożonej ekspresji.
Twórczość mistrzów szkoły weneckiej odegrała dużą rolę w rozwoju nowych form instr. muzyka. W XVI wieku Znacząco wzbogaciła się sama kompozycja instrumentów, rozszerzyła się ich ekspresja. możliwości. Wzrosło znaczenie instrumentów smyczkowych o melodyjnym, ciepłym brzmieniu. To właśnie w tym okresie powstał klasyk. typ altówki; skrzypce, dawniej szeroko rozpowszechniona preim. w życiu ludowym zostaje prof. muzyka narzędzie. Jako instrumenty solowe wiodącą pozycję nadal zajmowały lutnie i organy. W latach 1507-09 wydawca muzyczny O. Petrucci wyd. Zachowały się 3 kolekcje utworów na lutnię. objawy uzależnienia od woka. polifonia typu motet. W przyszłości ta zależność słabnie, opracowywane są konkretne narzędzia. metody prezentacji. charakterystyczny dla XVI wieku. gatunki instr. solowych Muzyka - ricercar, fantasy, canzone, capriccio. W 1549 r. org. Ricercary Willarta. Idąc za nim, gatunek ten rozwinął J. Gabrieli, niektórzy ricercars to-rogo zbliżają się do fugi w prezentacji. W org. toccatas weneckich mistrzów odzwierciedlają wirtuozowski początek i zamiłowanie do swobodnej fantazji. W 1551 r. ukazał się w Wenecji zbiór artykułów. utwory taneczne Clavier. postać.
Z nazwiskami A. i J. Gabrieli wiąże się z pojawieniem się pierwszego niezależnego. próbki zespołu kameralnego i orkiestry. muzyka. Ich kompozycje na różne instr. składy (od 3 do 22 partii) zostały zjednoczone w sobotę. „Canzones and sonatas” („Canzoni e sonate…”, wydane w 1615 r. po śmierci kompozytorów). Spektakle te opierają się na zasadzie kontrastowego rozkładu. instr. grupy (zarówno jednorodne – łukowe, drewniane, mosiężne, jak i mieszane), które otrzymały następnie następują. występ w gatunku koncertowym.
Najpełniejszym i najżywszym wyrazem renesansowych idei w muzyce był madrygał, który rozkwitł ponownie w XVI wieku. Na ten najważniejszy gatunek świeckiego muzykowania w okresie renesansu zwrócono uwagę wielu. kompozytorzy. Madrygały pisali Wenecjanie A. Willart, K. de Pope, A. Gabrieli, mistrzowie szkoły rzymskiej K. Festus i Palestrina. Szkoły madrygalistów istniały w Mediolanie, Florencji, Ferrarze, Bolonii, Neapolu. Madrygał z XVI w różnił się od madrygału okresu Ars nova większym bogactwem i wyrafinowaniem poetyckim. treść, ale jego sferą pozostały teksty miłosne, często pastoralne, połączone z entuzjastycznym śpiewaniem o pięknie natury. Na rozwój madrygału duży wpływ miała poezja F. Petrarki (wiele jego wierszy zostało opatrzonych muzyką różnych autorów). Kompozytorzy madrygalistyczni sięgnęli po twórczość L. Ariosto, T. Tassa i innych najważniejszych poetów renesansu. W madrygałach z XVI w. Padło 4 lub 5 bramek. magazyn łączący w sobie elementy polifonii i homofonii. Główny melodyjny. głos był subtelny. odcienie, elastyczne przekazywanie poetyckich detali. tekst. Ogólna kompozycja była swobodna i nie podlegała strofii. zasada. Wśród mistrzów madrygału XVI wieku. wyróżniał się Holender J. Arkadelt, pracujący w Rzymie i Florencji. Jego madrygały, wydane w latach 1538-44 (6 ksiąg), były wielokrotnie wznawiane i reprodukowane w różnych wydaniach. drukowane i pisane odręcznie. spotkania. Najwyższy rozkwit tego gatunku wiąże się z kreatywnością. działalność L. Marenzio, C. Monteverdiego i C. Gesualdo di Venosa w con. 16 - błagam. XVII wiek Jeśli Marenzio charakteryzuje się sferą wyrafinowania. liryczny obrazy, następnie w Gesualdo di Venosa i Monteverdi madrygał jest udramatyzowany, obdarzony głęboką psychologią. wyrazu, zastosowali nowe, niezwykłe środki harmonii. język, wyostrzona intonacja. wokowa ekspresja. melodyka. Bogatą warstwę I. m. stanowią prycze. pieśni i tańce, wyróżniające się melodyjnością melodii, żywotnością, zapalającymi rytmami. Dla Włoch. Tańce charakteryzują się wielkością 6/8, 12/8 oraz szybkim, często porywczym tempem: saltarello (zachowały się zapisy z XIII-XIV w.), spokrewniony z lombardzkim (taniec lombardzki) i forlana (wenecki, friulijski). taniec), tarantella (taniec południowowłoski, który stał się narodowy). Obok tarantelli popularna jest siciliana (rozmiar ten sam, ale tempo umiarkowane, charakter melodii inny – pastoralny). Sycylijczykom bliska jest barkarola (pieśń weneckich gondolierów) i toskańskie rispetto (pieśń pochwalna, wyznanie miłości). Powszechnie znane są pieśni reklamacyjne – lamento (rodzaj lamentacji). Plastyczność i melodyjność melodii, żywy liryzm i często podkreślana wrażliwość są charakterystyczne dla powszechnych we Włoszech pieśni neapolitańskich.
Nar. Muzyka wywarła także wpływ na prof. muzyka kreacja. Największa prostota i bliskość pryczy. Gatunki frottola i villanella różniły się pochodzeniem.
Renesans dał impuls do rozwoju muzyki i teorii. myśli we Włoszech. Podstawa nowoczesności doktrynę harmonii sformułował J. Tsarlino. Środa stulecia. przeciwstawił się doktrynie progów, wprowadzając nowy system tonalny z 2 podstawami. inklinacje modalne - większe i mniejsze. W swoich sądach Zarlino opierał się przede wszystkim na bezpośredniej percepcji słuchowej, a nie na abstrakcyjnych scholastycznych obliczeniach i operacjach numerycznych.
Największe wydarzenie w I. m. na przełomie XVI i XVII wieku. narodziła się opera. Opera, która pojawiła się już u schyłku renesansu, jest jednak całkowicie związana z jej ideami i kulturą. Opera jako niezależna. Gatunek ten wyrósł z jednej strony z teatru. przedstawienia XVI-wieczne, którym towarzyszyła natomiast muzyka z madrygału. Muzykę do t-ra tworzyło wielu. znani kompozytorzy XVI w. Tak więc A. Gabrieli napisał chóry do tragedii Sofoklesa „Edyp” (1585, Vicenza). Jednym z poprzedników opery była sztuka A. Poliziano Opowieść o Orfeuszu (1480, Mantua). W madrygale rozwinęły się środki elastyczne i wyraziste. poetyckie wcielenia. tekst w muzyce. Powszechną praktyką wykonywania madrygałów przez jednego śpiewaka z instr. oprzeć się. zbliżył je do rodzaju woku. monodia, która stała się podstawą pierwszego włoskiego. opera. w kon. 16 wiek powstał gatunek komedii madrygałowej, w której naśladuje się. aktorstwu towarzyszył wok. epizody madrygałowe. Typowym przykładem tego gatunku jest Amphiparnassus O. Vecchiego (1594).
W 1581 r. pojawiła się polemika. traktat V. Galilei „Rozmowa o muzyce dawnej i nowej” („Dialogo della musica antica et délia moderna”), w którym śpiewany jest wok. recytację (na wzór antyczny) przeciwstawiano „barbarzyństwu” średniowiecza. polifonia. Ilustracją tego woka miał być fragment, który ułożył do muzyki z Boskiej Komedii Dantego. styl. Myśli Galilei znalazły poparcie wśród grupy poetów, muzyków i humanistów, którzy zjednoczyli się w 1580 roku z inicjatywy oświeconego florenckiego hrabiego J. Bardiego (tzw. Camerata florencka). Liderzy tego kręgu stworzyli pierwsze opery – „Daphne” (1597-98) i „Eurydyka” (1600) J. Periego do tekstu O. Rinucciniego. Solo woki. fragmenty tych oper z op. basso continuo jest podtrzymywane w recytacji. sposób, w chórach zachował się magazyn madrygału.
Kilka lata później muzyka do „Eurydyki” została napisana niezależnie przez piosenkarza i komp. J. Caccini, który był także autorem Sat. solowe pieśni kameralne z op. „Nowa muzyka” („Le nuove musiche”, 1601), osn. w tej samej stylistyce zasady. Ten styl pisania nazywano „nowym stylem” (Stile nuovo) lub „stylem dobrym” (Stile rarpresentativo).
Szturchać. Florentyńczycy są w pewnym stopniu racjonalni, głównie ze względu na swoją wartość. eksperymentalny. Genialne muzy tchnęły w operę prawdziwe życie. dramaturg, artysta o ogromnym talencie tragicznym C. Monteverdi. Do gatunku operowego zwrócił się już w wieku dorosłym, będąc już autorem wielu. duchowe op. i świeckie madrygały. Jego pierwsze opery Orfeusz (1607) i Ariadna (1608) powstały po. w Mantui. Po długiej przerwie Monteverdi ponownie wystąpił jako kompozytor operowy w Wenecji. Szczytem jego twórczości operowej jest „Koronacja Poppei” (1642), prod. prawdziwie szekspirowska siła, wyróżniająca się głębią dramatyzmu. ekspresję, mistrzowskie modelowanie charakterów, ostrość i intensywność sytuacji konfliktowych.
W Wenecji opera wyszła poza wąską arystokrację. kręgu koneserów i stał się widowiskiem publicznym. W 1637 roku otwarto tu pierwszy publiczny teatr operowy „San Cassiano” (w latach 1637-1800 powstało co najmniej 16 takich teatrów). Bardziej demokratyczny. Na charakter dzieł wpływał także skład publiczności. Mitologiczny temat ustąpił miejsca dominującemu miejscu historycznemu. historie z prawdziwą akcją. twarze, dramat i bohaterski początek przeplatał się z komedią, a czasem wręcz rażąco farsą. Wok. melodia nabrała większej melodyjności; epizody typu ariose. Cechy te, charakterystyczne już dla późnych oper Monteverdiego, rozwinęły się jeszcze w twórczości F. Cavalliego, autora 42 oper, z których najpopularniejszą był Jason (1649).
Opera w Rzymie nabrała swoistego kolorytu pod wpływem dominujących tu katolików. trendy. Razem z antykami mitologiczny fabuły („Śmierć Orfeusza” – „La morte d” Orfeo „S. Landi, 1619; „Łańcuch Adonisa” – „La Catаna d” Adone „D. Mazzocchi, 1626) weszły do religii opery. tematy poruszane w Chrystusie. plan moralizujący. Większość oznacza. szturchać. Szkoła rzymska – opera „Święty Aleksiej” Landiego (1632), która wyróżniała się melodyką. bogactwo i dramatyzm muzyki, bogactwo chórów rozwiniętych w fakturze. odcinki. W Rzymie pojawiły się pierwsze próbki komedii. gatunek opery: „Kto cierpi, niech ma nadzieję” („Che soffre, speri”, 1639) V. Mazzocchiego i M. Marazzoli oraz „Nie ma zła bez dobra” („Dal male il bene”, 1653) A. M. Abbatini i Marazzoli.
K ser. XVII wiek opera niemal całkowicie odeszła od zasad estetyki renesansowej, której broniła florencka kamerata. Świadczy o tym twórczość M. A. Honora, związanego z wenecką szkołą operową. W swoich pismach poruszał dramaty. cicha, melodyjna melodia została przeciwstawiona recytatywowi, wzrosła rola zaokrąglonych woków. liczb (często kosztem dramatycznego uzasadnienia działania). Opera honorowa „Złote jabłko” („Il porno d” oro”, 1667), wystawiona z przepychem w Wiedniu z okazji zaślubin cesarza Leopolda I, stała się prototypem uroczystych przedstawień dworskich, które od tego czasu rozpowszechniły się w Europie. „To już nie jest opera czysto włoska – pisze R. Rolland – to rodzaj międzynarodowej opery dworskiej.
Z kon. XVII wiek wiodącą rolę w rozwoju Opera przeniosła się do Neapolu. Pierwszym znaczącym przedstawicielem neapolitańskiej szkoły operowej był F. Provencale, ale jej prawdziwym przywódcą był A. Scarlatti. Autor licznych dzieł operowych (ponad 100) aprobował typową strukturę włoską. opera seria, zachowana bez stworzeń. zmiany w kon. 18 wiek Zwierzchnictwo miejsce w tego typu operach zajmuje aria, zwykle w 3-częściowym da capo; recytatywowi przypisuje się rolę służebną, znaczenie chórów i zespołów zostaje zredukowane do minimum. Ale jasna melodyjka. Prezent Scarlattiego, polifoniczne rzemiosło. listy, niewątpliwy dramaturg. polot pozwolił kompozytorowi, mimo wszelkich ograniczeń, osiągnąć mocne, efektowne oddziaływanie. Scarlatti rozwinął i wzbogacił zarówno wokal, jak i instr. formy operowe. Rozwinął typową strukturę języka włoskiego. uwertura do opery (lub symfonii, zgodnie z wówczas przyjętą terminologią) z szybkimi odcinkami skrajnymi i powolnym odcinkiem środkowym, która stała się prototypem symfonii jako niezależnej. stęż. Pracuje.
W ścisłym związku z operą rozwinął się nowy gatunek muzyki pozaliturgicznej. religijny pozew - oratorium. Wywodzące się z religii odczyty, którym towarzyszy śpiew wielocelowy. głośno, uzyskała samowystarczalność. skończone formę w twórczości G. Carissimi. W oratoriach, pisanych głównie o tematyce biblijnej, wzbogacał rozwinięte w połowie formy operowe. XVII w., osiągnięcia chóru. stęż. styl. Wśród kompozytorów, którzy rozwinęli ten gatunek po Carissimim, wyróżniał się A. Stradella (jego osobowość stała się legendarna dzięki pełnej przygód biografii). Do oratorium wprowadził elementy dramatu. patos i cechy. Prawie wszyscy kompozytorzy szkoły neapolitańskiej zwracali uwagę na gatunek oratoryjny, choć w porównaniu z operą oratorium zajmowało w ich twórczości drugorzędne miejsce.
Gatunkiem pokrewnym oratorium jest kantata kameralna na jeden, czasem na 2 lub 3 głosy z ew. bas ciągły. W odróżnieniu od oratorium dominowały w nim teksty świeckie. Do najwybitniejszych mistrzów tego gatunku zalicza się Carissimi i L. Rossi (jeden z przedstawicieli rzymskiej szkoły operowej). Podobnie jak oratorium, grana kantata oznacza. rolę w rozwoju woka. formy, które stały się typowe dla opery neapolitańskiej.
W dziedzinie muzyki kultowej w XVII wieku. pragnienie zewnętrznej, ostentacyjnej wielkości, które osiągnął Ch. przyr. ze względu na ilości. efekt. Zasada wielochóru, opracowana przez mistrzów szkoły weneckiej, nabrała hiperbolii. skala. W niektórych produkcjach. wykorzystał do dwunastu 4-goli. chóry. Gigantyczny chór. kompozycje uzupełniały liczne i różne grupy instrumentów. Ten bogaty styl barokowy rozwinął się szczególnie w Rzymie, zastępując surowy, powściągliwy sposób bycia Palestriny i jego zwolenników. Do najwybitniejszych przedstawicieli późnej szkoły rzymskiej zaliczają się G. Allegri (autor słynnego „Miserere”, nagranego ze słuchu przez W. A. Mozarta), P. Agostini, A. M. Abbatini, O. Benevoli. Jednocześnie tzw. „styl koncertowy”, bliski śpiewowi ariozowo-recytatywnemu wczesnego języka włoskiego. opery, których przykładem są koncerty sakralne A. Bankieriego (1595) i L. Viadana (1602). (Jak się później okazało, bez wystarczających podstaw, Viadanie przypisywano wynalezienie basu cyfrowego.) W tym samym tekście pisali C. Monteverdi, Marco da Galliano, F. Cavalli, G. Legrenzi i inni kompozytorzy, którzy przenieśli się do kościoła sposób. elementy muzyczne opery lub kantaty kameralnej.
Intensywne poszukiwanie nowych form i środków muzycznych. ekspresja, podyktowana chęcią ucieleśnienia bogatego i wszechstronnego humanisty. merytorycznie, prowadzone były w zakresie instr. muzyka. Jeden z największych mistrzów org. i klawesynową muzyką okresu przedbachowskiego był J. Frescobaldi – błyskotliwy twórczy kompozytor. osobowość, genialny wirtuoz organów i klawesynu, który zasłynął w swojej ojczyźnie i innych krajach Europy. Państwa. Wprowadził tradycję. formy ricercar, fantazje, toccata, cechy intensywnej ekspresji i swobody uczuć, wzbogacona melodyka. i harmoniczne. język, rozwinięta polifonia. Faktura. W jego produkcji skrystalizowany klasyk. rodzaj fugi o wyraźnie określonych relacjach tonalnych i kompletności ogólnego planu. Kreatywność Frescobaldi – szczyt włoskiego. org. pozew sądowy. Jego nowatorskie podboje nie znalazły wybitnych naśladowców w samych Włoszech, były kontynuowane i rozwijane przez kompozytorów z innych krajów. Po włosku. instr. muzyka z drugiego piętra. XVII wiek wiodącą rolę przeszły na instrumenty smyczkowe, a przede wszystkim na skrzypce. Było to spowodowane rozkwitem sztuki skrzypcowej i udoskonalaniem samego instrumentu. W XVII-XVIII w. we Włoszech na pierwszy plan wysunęły się dynastie znanych lutników (rodziny Amati, Stradivari, Guarneri), których instrumenty wciąż pozostają niedoścignione. Wybitni wirtuozi skrzypiec byli w większości także kompozytorami, w ich twórczości utrwalano nowe techniki gry solowej na skrzypcach, rozwijały się nowe muzy. formy.
Na przełomie XVI-XVII w. w Wenecji rozwinął się gatunek sonaty trio – produkcja wieloczęściowa. na 2 instrumenty solowe (częściej - skrzypce, ale można je zastąpić innymi instrumentami o odpowiedniej tessiturze) i bas. Istniały 2 odmiany tego gatunku (obie należały do kręgu świeckiej muzyki kameralnej): „sonata kościelna” („sonata da chiesa”) – cykl 4-częściowy, w którym na przemian występowały części wolne i szybkie, oraz „sonata kameralna” („sonata da Camera”), który składał się z kilku. kawałki taneczne. charakteru, blisko apartamentu. Dalszy rozwój tych gatunków jest szczególnie ważny. rolę tę odegrała szkoła bolońska, która przedstawiła znakomitą konstelację mistrzów sztuki skrzypcowej. Wśród jej starszych przedstawicieli są M. Cazzati, J. Vitali, J. Bassani. Epoką w historii muzyki skrzypcowej i kameralnej była twórczość A. Corelliego (ucznia Bassaniego). Dojrzały okres jego działalności związany był z Rzymem, gdzie stworzył własną szkołę, reprezentowaną przez takie nazwiska jak P. Locatelli, F. Geminiani, J. Somis. W dziele Corelliego zakończono tworzenie sonaty trio. Rozszerzał i wzbogacał wykonawców. możliwości instrumentów smyczkowych. Jest także właścicielem cyklu sonat na skrzypce solo z op. klawesyn. Ten nowy gatunek, który powstał w con. Wiek XVII oznaczał koniec. twierdzenie monodyczne. zasada w instr. muzyka. Corelli wraz ze swoim współczesnym G. Torellim stworzyli Concerto Grosso, najważniejszą formę muzyki kameralnej i orkiestrowej aż do połowy XVIII wieku.
Oszukiwać. 17 - wcześnie 18 wiek wzrosła międzynarodowa chwała i władza I. m. Mn. zagraniczny muzyków ściągano do Włoch, aby dokończyć naukę i uzyskać aprobatę, która zapewniła uznanie w ich ojczyźnie. Jako pedagog zasłynął przede wszystkim muzykiem o wielkiej erudycji, komp. oraz teoretyk G. B. Martini (znany jako Padre Martini). Z jego rad korzystali K. V. Gluck, W. A. Mozart, A. Gretry. Dzięki niemu Filharmonia Bolońska. akademia stała się jednym z największych ośrodków muzycznych w Europie. Edukacja.
Włoski kompozytorzy XVIII w główny skupiony na operze. Tylko nieliczni z nich trzymali się z daleka od opery, która przyciągała szeroką publiczność ze wszystkich środowisk. Gigantyczny wolumen produkcji operowej tego stulecia został stworzony przez kompozytorów różnych skalę talentów, wśród której było wielu utalentowanych artystów. Popularności opery sprzyjał wysoki poziom woka. kultura. Piosenkarze przygotowywali się. przyr. w oranżeriach – sierocińcach, które powstały już w XVI wieku. W Neapolu i Wenecji – główne ośrodki Włoch. życie operowe w XVIII w. istniały 4 oranżerie, w których pracowały muzy. edukacją kierowali główni kompozytorzy. Piosenkarz i komp. F. Pistocchi założył w Bolonii (ok. 1700) spec. śpiewak szkoła. Znakomity wok. nauczycielem był N. Porpora, jeden z najpłodniejszych kompozytorów operowych szkoły neapolitańskiej. Wśród słynnych mistrzów sztuki bel canto XVIII wieku. - wykonawcy głównych mężczyzn. partie w operze seria castrato śpiewali A. Bernacchi, Caffarelli, F. Bernardi (pseudonim Senesino), Farinelli, G. Cresentini, który posiadał wirtuozowskiego woka. technika połączona z miękką i lekką barwą głosu; śpiewacy F. Bordoni, F. Cuzzoni, C. Gabrielli, V. Tesi.
Włoski opera cieszyła się przywilejami. pozycję w większości krajów Europy. stolice. Ona jest przyciągana. siła przejawiała się także w tym, że wielu kompozytorzy z innych krajów tworzyli opery w języku włoskim. tekstów, w duchu i tradycji szkoły neapolitańskiej. Przylegali do niego Hiszpanie D. Perez i D. Terradellas, Niemiec I. A. Hasse, Czech J. Myslivechek. Zgodnie z tą samą szkołą płynęła środkami. część działalności G. F. Handla i K. V. Glucka. Dla Włoch. sceny operowe pisali Rosjanie. kompozytorzy - M. S. Bieriezowski, P. A. Skokov, D. S. Bortnyansky.
Jednak już za życia dyrektora neapolitańskiej szkoły operowej A. Scarlattiego, twórcy opery seria, ujawniła się zawarta w niej sztuka. sprzeczności, żyto posłużyło jako pretekst do ostrej krytyki. wypowiedzi przeciwko niej. Na początku. lata 20 18 wiek pojawił się satyryk. broszura muzyczna teoretyka B. Marcello, w którym wyśmiewano absurdalne konwencje opera libre, zaniedbanie kompozytorów dramatu. sensu działania, aroganckiej ignorancji primadonn i śpiewaków-kastratów. Z braku głębokiej etyki. treści i nadużywanie efektów zewnętrznych krytykowano współczesność. im operę włoską. pedagog F. Algarotti w „Eseju o operze” („Saggio sopra l” opera in musica…”, 1754) i naukowiec-encyklopedysta E. Arteaga w dziele „Rewolucja włoskiego teatru muzycznego” („Le rivoluzioni del teatro musicale italiano dalla sua origine fino al presente”, t. 1-3, 1783-86).
Poeci libreciści A. Zeno i P. Metastasio opracowali stabilną strukturę historyczno-mitologiczną. cykle operowe, w których charakter dramatów był ściśle uregulowany. intrygi, liczba i relacje aktorów, rodzaje woka solowego. pomieszczenia i ich umiejscowienie na scenie. działanie. Kierując się prawami dramatu klasycystycznego, nadali operze jedność i harmonię kompozycyjną, uwolnili ją od mieszaniny tragizmu. elementy komediowe i farsowe. Jednocześnie teksty operowe tych dramaturgów naznaczone są cechami arystokratycznymi. waleczność, są napisane sztucznym, wyrafinowanym językiem. Seria Opera, isp. co często zbiegło się z nadejściem. uroczystości, miał zakończyć się obowiązkowym pomyślnym rozwiązaniem, uczucia jego bohaterów były warunkowe i nieprawdopodobne.
Wszystko R. 18 wiek pojawiła się tendencja do przełamywania utartych klisz opery seria i zacieśniania związku muzyki z dramatem. działanie. Doprowadziło to do wzmocnienia roli recytatywu towarzyszącego, wzbogacenia orka. kolorystykę, rozbudowę i dramatyzację refrenu. sceny. Te nowatorskie tendencje najdobitniej wyraziły się w twórczości N. Jommelliego i T. Traetty, którzy częściowo przygotowywali reformę operową Glucka. W operze „Ifigenia w Taurydzie” Traetcie udało się, zdaniem G. Aberta, „dotrzeć do samych bram muzycznego dramatu Glucka”. Kompozytorzy tzw. „Nowa szkoła neapolitańska” G. Sarti, P. Guglielmi i in. A. Sacchini i A. Salieri byli zagorzałymi zwolennikami i zwolennikami reformy Glucka.
Najsilniejsza opozycja jest warunkowo bohaterska. serial operowy był nową demokracją. gatunek opery buffa. O 17 i wcześnie. 18 wiek komiczny opera została zaprezentowana jedynie w formie pojedynczych próbek. Jak niezależny. gatunek ten zaczął nabierać kształtu wraz ze starszymi mistrzami szkoły neapolitańskiej L. Vinci i L. Leo. Pierwszy klasyk przykładem opery buffa jest Maid-Madame Pergolesiego (pierwotnie używana jako przerywnik między aktami jego własnego serialu operowego The Proud Captive , 1733). Realizm obrazów, żywotność i ostrość muz. cechy przyczyniły się do największej popularności przerywnika J. B. Pergolesiego w wielu innych. krajów, zwłaszcza we Francji, gdzie pełniła swoją funkcję. w 1752 r. stał się impulsem do pojawienia się ostrej estetyki. kontrowersje (patrz „Wojna Buffonów”) i przyczyniły się do powstania Francuzów. nat. typ komiksowy. opery.
Nie tracąc kontaktu z Nar. korzenie, włoski. opera buffa rozwinęła dalsze, bardziej rozwinięte formy. W odróżnieniu od opery seria, w której dominował solowy wok. początek, w komiksie Zespoły odgrywają w operze ogromne znaczenie. Najbardziej rozwinięte zespoły trafiały do żywiołowych, szybko rozwijających się finałów, będących swoistym węzłem komediowej intrygi. Za twórcę tego typu efektownych zespołów finałowych uważany jest N. Logroshino. K. Goldoni, największy Włoch, miał owocny wpływ na rozwój opery buffa. komik XVIII wieku, który w swojej twórczości odzwierciedlał idee realizmu oświeceniowego. Był autorem szeregu dzieł operowych, do większości z których muzykę napisał jeden z najwybitniejszych mistrzów języka włoskiego. komiczny Opera Wenecka B. Galuppi. W latach 60. 18 wiek tendencje sentymentalistyczne przejawiają się w operze buffa (np. opera N. Piccinniego na podstawie tekstu Goldoniego „Chekkina, czyli dobra córka”, 1760, Rzym). Opera buffa zbliża się do typu „dramatu filistyńskiego”, czy „łzawej komedii”, odzwierciedlającej moralność. ideały trzeciego stanu w przededniu Wielkiego Francuza. rewolucja.
Twórczość N. Piccinniego, G. Paisiello i D. Cimarosy to ostatni, najwyższy etap rozwoju opery buffa w XVIII wieku. Ich produkcje łączą elementy komediowe z wrażliwością. żałosne, melodyjne bogactwo form, żywiołowość, wdzięk i ruchliwość muzyki, zachowały się w repertuarze operowym. Kompozytorzy ci pod wieloma względami nawiązali kontakt z Mozartem i przygotowali dzieło jednego z najwybitniejszych Włochów. kompozytorzy operowi następnego stulecia G. Rossini. Pewne cechy opery buffa przejęła późna opera seria, co wpłynęło na większą elastyczność jej form, prostotę i bezpośredniość melodii. wyrażenia.
Oznacza. Wniesiono wkład włoski. kompozytorzy XVIII w w trakcie rozwijania instr. gatunki muzyka. W dziedzinie sztuki skrzypcowej największym mistrzem po Corellim był J. Tartini. Kontynuując, w ślad za poprzednikami, kultywując gatunki sonaty skrzypcowej solo i sonaty trio, nadał im nową, żywą wyrazistość, wzbogacił sposoby gry na skrzypcach i rozszerzył typową dla tamtych czasów skalę jej brzmienia. Tartini stworzył własną szkołę, zwaną Padwą (od miasta Padwa, w którym spędził większość swojego życia). Jego uczniami byli: P. Nardini, P. Albergi, D. Ferrari. Na 2. piętrze. 18 wiek rozwinięty wirtuozowski występ. i kreatywny. działalność G. Pugnaniego, największego Włocha. skrzypek klasyczny. era. Wśród jego licznych G. B. Viotti zasłynął szczególnie ze swoich uczniów, w twórczości których czasami można już poczuć się romantycznie. trendy.
Gatunek Ork. Concerto Grosso odważne i oryginalne. A. Vivaldi działał jako artysta nowatorski. Udramatyzował tę formę, wprowadził ją wraz z dynamiką. kontrastujące tematycznie duże i małe grupy instrumentów (tutti i Concertino). kontrasty wewnątrz części, ustaliła trzyczęściową strukturę cyklu, zachowaną w klasyce. instr. koncert. (Koncerty skrzypcowe Vivaldiego zostały wysoko ocenione przez J.S. Bacha, który zaaranżował część z nich na klawesyn, a także na organy.)
W sonatach triowych J. B. Pergolesiego widoczne są cechy przedklasyczności. „szalony” styl. Ich lekka, przejrzysta faktura jest niemal w całości homofoniczna, melodia wyróżnia się delikatną melodyjnością i wdziękiem. Jeden z kompozytorów, którzy bezpośrednio przygotowywali rozkwit klasyki. instr. muzyki, był G. Sammartini (autor 78 symfonii, wielu sonat i koncertów na różne instrumenty), charakterem swojej twórczości bliski przedstawicielom szkoły mannheimskiej i wczesnych wiedeńskich. L. Boccherini łączył w swojej twórczości elementy szarmanckiej wrażliwości z przedromantycznością. podekscytowany patosem i bliskością pryczy. źródła. ogłoszenie. wiolonczelista, wzbogacił literaturę wiolonczelową solo, był jednym z twórców klasyki. typ kwartetu smyczkowego.
Artysta jest żywy i bogaty twórczo. fantasy D. Scarlatti rozwinął i zaktualizował strukturę figuratywną oraz środki wyrazu muzyki clavier. Jego sonaty klawesynowe (autor nazwał je „ćwiczeniami” – „Essercizi per gravicembalo”), uderzające różnorodnością charakteru i technik prezentacji, stanowią swego rodzaju encyklopedię sztuki klawesynowej tamtej epoki. W jasnej i zwięzłej formie sonaty Scarlattiego są wyostrzone tematycznie. kontrasty są wyraźnie określone. fragmenty ekspozycji sonatowej. Po Scarlattim sonata clavier rozwinęła się w utworach B. Galuppiego, D. Albertiego (którego imię kojarzy się z definicją basów albertyńskich), J. Rutiniego, P. Paradisiego, D. Cimarosy. M. Clementi, opanowawszy część manier D. Scarlattiego (co znalazło wyraz zwłaszcza w stworzeniu 12 sonat „w stylu Scarlattiego”), następnie zbliża się do mistrzów rozwiniętej klasyki. stylu, a czasem dochodzi do początków romantyzmu. wirtuozeria.
Nową erę w historii sztuki skrzypcowej otworzył N. Paganini. Jako wykonawca i kompozytor był malarzem typowo romantycznym. magazyn. Jego gra stworzyła nieodparte połączenie wielkiej wirtuozerii z ognistą wyobraźnią i pasją. Mn. szturchać. Paganini („24 Kaprysy” na skrzypce solo, koncerty na skrzypce i orkiestrę itp.) to wciąż niedoścignione przykłady wirtuozowskiej literatury skrzypcowej. Wywarli wpływ nie tylko na cały dalszy rozwój muzyki skrzypcowej XIX wieku, ale także na twórczość największych przedstawicieli romantyzmu. pianistyka - F. Chopin, R. Schumann, F. Liszt.
Paganini był ostatnim z wielkich Włochów. rzemieślnicy, którzy zajmowali się instr. muzyka. W 19-stym wieku uwaga kompozytorów i publiczności była niemal całkowicie przykuta do opery. Na przełomie XVIII i XIX w. Opera we Włoszech przeżywała okres dobrze znanej stagnacji. Tradycyjny typy opery seria i opera buffa wyczerpały już wówczas swoje możliwości i nie mogły się rozwijać. Kreatywność największego Włocha. Kompozytor operowy tego czasu G. Spontini działał poza granicami Włoch (we Francji i Niemczech). Próby S. Mayra (z narodowości Niemca) podtrzymania tradycji opery seria (poprzez zaszczepienie pewnych zapożyczonych elementów) okazały się eklektyczne. F. Paer, skłaniający się ku operze buffa, nie wniósł do tego gatunku niczego zasadniczo nowego w porównaniu z twórczością Paisiello i Cimarosy. (Nazwisko Paera przeszło do historii muzyki jako autor opery opartej na tekście J. Bouilly'ego „Leonora, czyli miłość małżeńska”, z którego powstało libre „Fidelio” Beethovena.)
Włoski rozkwit. opery z XIX w kojarzono z działalnością G. Rossiniego, kompozytora obdarzonego niewyczerpaną melodią. pomysłowość, żywy, porywczy temperament i niepowtarzalna dramaturgia. talent. Jego twórczość odzwierciedlała ogólny rozwój Włochów. kultury, spowodowanej rozwojem patriotyzmu. nat.-wyzwolić. aspiracje. Głęboko demokratyczny., Nar. Twórczość operowa Rossiniego w swych początkach skierowana była do szerokiego grona słuchaczy. Ożywił narodowość rodzaj opery buffa i tchnął w nią nowe życie, zaostrzając i pogłębiając charakter akcji. jednostek, przybliżając je do rzeczywistości. Jego „Cyrulik sewilski” (1816) jest szczytem twórczości włoskiej. komiczny opery. Rossini łączy początek komediowy z satyrycznym, libre. niektóre jego opery zawierają bezpośrednie aluzje do społeczeństw. i polityczne sytuacja tamtych czasów. W operach dramaty bohaterskie. charakteru, przełamał zamrożone klisze opery seria, szczególnie przywiązując szczególną wagę do chóru. początek. Ludzie są szeroko rozwinięci. sceny z ostatniej opery Rossiniego „William Tell” (1829) w okresie wyzwolenia narodowego. fabuła interpretowana romantycznie. plan.
Romantyk ma żywy wyraz. trendy w twórczości V. Belliniego i G. Donizettiego, których działalność rozwinęła się w latach 30. XX wieku. XIX w., kiedy to ruch nat. Renesans (Risorgimento) we Włoszech wszedł w decydującą fazę walki o jedność i ustroju politycznego. niepodległość kraju. W operach Belliniego „Norma” (1831), „Purytanie” (1835) wyraźnie słychać wyzwolenie narodowe. motywy, choć główny nacisk kompozytor kładzie na osobisty dramat bohaterów. Bellini był mistrzem ekspresji. romantyczny cantilena, którą podziwiali M. I. Glinka i F. Chopin. Donizetti ma ochotę na mocne dramaty. skutki i ostre sytuacje czasami kończyły się sztucznym melodramatyzmem. Dlatego jego wielki romantyk. opery („Lukrecja Borgia” według V. Hugo, 1833; „Luciadi Lammermoor” według V. Scotta, 1835) okazały się mniej opłacalne niż inscenizacja. gatunek komediowy („Napój miłosny”, 1832; „Don Pasquale”, 1843), w którym tradycje. Typ włoski. opera-buffa zyskała nowe cechy: wzrosło znaczenie tła gatunkowego, melodia została wzbogacona o intonacje codziennego romansu i pieśni.
Twórczość J. S. Mercadante, G. Paciniego i niektórych innych kompozytorów tego samego okresu nie różniła się niezależnością. cechy indywidualne, ale odzwierciedlał ogólną tendencję do dramatyzacji formy operowej i wzbogacania ekspresji muzycznej. fundusze. Pod tym względem byli spontaniczni. poprzednicy G. Verdiego – jednego z najwybitniejszych dramaturgów operowych nie tylko we Włoszech, ale także w muzyce światowej. t-ra.
Wczesne opery Verdiego, które pojawiły się na scenie w latach 40. XIX-wieczny, jeszcze nie do końca niezależny stylistycznie („Nabucco”, „Lombardowie w pierwszej krucjacie”, „Ernani”), swoim patriotycznym podejściem wzbudzał entuzjastyczny entuzjazm publiczności. patos, romantyczny uniesienia uczuć, ducha bohaterstwa i umiłowania wolności. W produkcji lata 50 („Rigoletto”, „Trubadur”, „La Traviata”) osiągnął świetną psychikę. głębia obrazów, siła i prawdziwość ucieleśnienia ostrych, intensywnych konfliktów duchowych. Wok. List Verdiego zostaje uwolniony od zewnętrznej wirtuozerii, pasażu zdobniczego, stając się organicznie integralnym elementem melodyki. linia, nabyta ekspresowa. oznaczający. W operach lat 60. i 70. („Don Carlos”, „Aida”) stara się jeszcze bardziej ukazać szerokie warstwy dramatu. działania w muzyce, wzmacnianie roli orkiestry, wzbogacanie muz. język. W jednej ze swoich ostatnich oper – „Otello” (1886) Verdi doszedł do kreacji skończonej. muzyka dramat, w którym muzyka jest nierozerwalnie związana z akcją i elastycznie oddaje całą jej psychologię. odcienie.
Zwolennicy Verdiego, m.in. A. Ponchielli, autor popularnej opery Gioconda (1876), nie wzbogacił swoich zasad operowych o nowe stworzenia. osiągnięcia. Jednocześnie twórczość Verdiego spotkała się ze sprzeciwem zwolenników wagnerowskiego dramatu muzycznego. reformy. Wagneryzm nie miał jednak we Włoszech głębokich korzeni; wpływ Wagnera u niektórych kompozytorów znalazł odzwierciedlenie nie tyle w zasadach dramaturgii operowej, ile w technikach harmonijkowych. i ork. listy. Tendencje wagnerowskie znalazły odzwierciedlenie w operze „Mefistofeles” Boito (1868), który później oddalił się od skrajności entuzjazmu Wagnera.
w kon. 19 wiek Verismo stało się powszechne we Włoszech. Ogromny sukces Honoru wsi Mascagniego (1890) i Pagliacci Leoncavallo (1892) przyczynił się do utrwalenia tego nurtu jako dominującego w języku włoskim. dzieło operowe. U. Giordano (wśród jego dzieł opera Andre Chenier, 1896), do weryzmu dołączył F. Cilea.
Z tym trendem kojarzona była także twórczość największego włoskiego artysty. kompozytor operowy według Verdiego - G. Puccini. Jego produkcja. zwykle święte. dramat zwykłych ludzi, ukazany na barwnym tle codzienności. Jednocześnie opery Pucciniego są wolne od cech naturalistycznych właściwych weryzmowi. do cholery, są bardziej subtelne pod względem psychologicznym. analizę, przenikliwy liryzm i elegancję pisarstwa. Wierni najlepszym włoskim tradycjom. bel canto, Puccini zaostrzył recytację. wokowa ekspresja. melodyki, dążył do bardziej szczegółowego odwzorowania niuansów mowy w śpiewie. Kolorowy akordeon. i ork. język jego oper zawiera pewne elementy impresjonizmu. W swoich pierwszych dojrzałych produkcjach. („Bohemia”, 1896; „Tosca”, 1900) Puccini do dziś kojarzy się z językiem włoskim. tradycji operowej XIX wieku, później jego styl stał się bardziej skomplikowany, środki wyrazu nabrały większej ostrości i skupienia. Dziwne zjawisko we Włoszech. opera art-ve – dzieło E. Wolfa-Ferrariego, który próbował unowocześnić klasykę. rodzaj opery buffa, łączący jej tradycje. formy ze stylistyką środki późnego romantyzmu („Ciekawe kobiety”, 1903; „Czterej tyrani”, 1906, na podstawie wątków Goldoniego). R. Zandonai, podążając drogą weryzmu, zbliżył się do niektórych nowych muz. prądy XX wieku.
Włoska doskonałość. opera o 19 - błagam. XX wiek kojarzono z genialnym rozkwitem woka. kultura. Włoskie tradycje. bel canto, które ukształtowało się w XIX wieku, jest dalej rozwijane w sztuce kilku. pokoleń śpiewaków, którzy cieszyli się światową sławą. Jednocześnie ich wykonanie nabiera nowych cech, staje się bardziej liryczne i dramatycznie wyraziste. Ostatni wybitny przedstawiciel maniery czysto wirtuozowskiej, poświęcającej dramaty. treści ze względu na piękno dźwięku i techniczne. mobilność głosu, był A. Catalani. Wśród mistrzów języka włoskiego wok. szkoła I piętro. XIX w., powstały na podstawie twórczości operowej Rossiniego, Belliniego i Donizettiego, - śpiewacy Giuditta i Giulia Grisi, G. Pasta, śpiewacy G. Mario, J. B. Rubini. Na 2. piętrze. 19 wiek zaproponowano plejada śpiewaków „Verdiego”, do której należeli śpiewacy A. Bosio, B. i C. Marchisio, A. Patti, śpiewacy M. Battistini, A. Masini, J. Anselmi, F. Tamagno, E Tamberlik i inni.W XX wieku. chwałę Włoch opery wspierali śpiewacy A. Barbi, G. Bellinchoni, A. Galli-Curci, T. Dal Monte, E. i L. Tetrazzini, śpiewacy G. De Luca, B. Gigli, E. Caruso, T. Skipa, Titta Ruffo i inni
Z kon. 19 wiek znaczenie opery w twórczości włoskiej. kompozytorów słabnie i pojawia się tendencja do przesuwania centrum uwagi w sferę instr. gatunki. Odrodzenie aktywnej kreatywności. zainteresowanie instr. popularyzację muzyki zapewniła działalność J. Sgambatiego (uznanego w Europie pianisty i dyrygenta) oraz J. Martucciego. Jednak twórczość obu kompozytorów, która rozwinęła się pod wpływem F. Liszta i R. Wagnera, nie była wystarczająco samodzielna.
Jako zwiastun nowej estetyki. idee i zasady stylistyczne wywarły ogromny wpływ na rozwój całej Europy. muzyka XX wieku w wykonaniu F. Busoniego – jednego z najwybitniejszych pianistów swoich czasów, wybitnego kompozytora i teoretyka sztuki. Wysunął koncepcję „nowego klasycyzmu”, który przeciwstawił z jednej strony impresjonizmowi. z drugiej strony płynność obrazów, nieuchwytność odcieni, „anarchia” i „arbitralność” atonalizmu Schönberga. Twoja kreatywność. Zasady Busoniego znalazły zastosowanie w takich utworach jak „Fantazja kontrapunktowa” (1921), „Improwizacja na chórze Bacha” na 2 fp. (1916), a także opery „Arlekin, czyli okno”, „Turandot” (obie zrealizowane w 1917 r.), w których porzucił rozwinięty wok. styl ich włoskiego. poprzedników i starał się zbliżyć do typu starych pryczy. komedia lub farsa.
Wzorem neoklasycyzmu, dzieło włoskie. kompozytorów, czasami łączonych pod nazwą. „zespoły lat 80. XIX wieku” – I. Pizzetti, J. F. Malipiero, A. Casella. Starali się ożywić tradycje wielkiego nat. muzyka przeszłości, nawiązując do form i stylistyki. przyjęcia włoskie. barokowy i melodyjny chorał gregoriański. Propagandysta i badacz muzyki dawnej, wyd. Malipiero. kol. prace C. Monteverdiego, instr. szturchać. A. Vivaldi i zapomniane dziedzictwo wielu innych. włoski. kompozytorów XVII i XVIII wieku W swojej twórczości wykorzystuje formy starej barokowej sonaty, ricercaru itp. Jego opera, osn. wyrazić. wok. recytacja i skąpy oznacza org. sopr., odzwierciedlają początek lat 20-tych. reakcja na weryzm. Neoklasyczne tendencje w twórczości Caselli objawiły się w „Particie” na fortepian. z orkiestrą (1925), suita „Scarlattiana” (1926), jakiś teatr muzyczny. szturchać. (np. opera kameralna Opowieść o Orfeuszu, 1932). Jednak przeszedł na język włoski. folklor (rapsodia na orkiestrę „Włochy”, 1909). Jego kolorowy ork. list powstał w dużej mierze pod wpływem języka rosyjskiego. i francuski szkół (hołdem dla pasji do muzyki rosyjskiej była orkiestracja „Islamey” Bałakiriewa). Pizzetti wprowadził do swoich oper elementy religijno-moralizujące i nasycił muzy. intonacje językowe chorału gregoriańskiego, nie zrywając jednocześnie z tradycjami języka włoskiego. szkoła operowa w XIX w Kilka szczególne miejsce w tym gronie kompozytorów zajmuje dzieło O. Respighi, mistrza orków. malarstwo dźwiękowe (wpływ na kształtowanie się jego twórczości miały zajęcia z N. A. Rimskim-Korsakowem). w symfie. Wiersze Respighiego („Fontanna rzymska”, 1916; „The Pines of Rome”, 1924) dają żywe obrazy pryczy. życie i przyroda. Tendencje neoklasyczne jedynie częściowo znalazły odzwierciedlenie w jego późniejszej twórczości. Zauważalna rola w And. m. 1 piętro. XX wiek wcielili się w F. Alfano, najwybitniejszego przedstawiciela kierunku werystycznego (opera Zmartwychwstanie na podstawie powieści L. N. Tołstoja, 1904), który następnie ewoluował w stronę impresjonizmu; M. Castelnuovo-Tedesco i V. Rieti, na początku żyto. II wojna światowa 1939-45 na tle politycznym. motywami opuścili ojczyznę i osiedlili się w Stanach Zjednoczonych.
Na przełomie lat 40. XX wiek zauważalne zmiany stylistyczne zachodzą w I. m. Tendencje neoklasycyzmu zastępują nurty rozwijające w takiej czy innej formie zasady nowej szkoły wiedeńskiej. Cechą charakterystyczną w tym zakresie jest kreatywność. ewolucja G. Petrassiego, który doświadczywszy wpływu A. Caselli i I. F. Strawińskiego przeszedł najpierw na stanowisko swobodnej atonalności, a następnie do ścisłej dodekafonii. Największym kompozytorem tego okresu I. m. jest L. Dallapikkola, którego twórczość wzbudziła szerokie zainteresowanie po II wojnie światowej. W jego produkcji Lata 40. i 50 manifestują się cechy ekspresjonizmu, pokrewieństwo. twórczość A. Berga. Najlepsi z nich ucieleśniają humanistę. protest przeciwko tyranii i okrucieństwu (tryptyk chórowy „Pieśni więźniów”, 1938-1941; opera „Więzień”, 1944-48), co nadawało im pewną antyfaszystowską orientację.
Wśród kompozytorów młodszego pokolenia, które wyłoniło się na pierwszy plan po II wojnie światowej, zasłynęli L. Berio, S. Bussotti, F. Donatoni, N. Castiglioni, B. Maderna, R. Malipiero i inni. Ich twórczość kojarzona jest z rozkład. nurtów awangardy - serializmu postweberowskiego, sonorystyki (patrz Muzyka serialowa, Sonoryzm), aleatoryzmu i jest hołdem dla formalnych poszukiwań nowych środków dźwiękowych. Berio i Maderna osn. w 1954 w Mediolanie „Studio Fonologiczne”, które prowadziło eksperymenty w dziedzinie muzyki elektronicznej. Jednocześnie niektórzy z tych kompozytorów starają się łączyć tzw. nowe środki wyrazu muzyki. awangarda z formami gatunkowymi i technikami muzycznymi XVI-XVII wieku.
Szczególne miejsce w nowoczesnym I. m. należy do komunistycznego kompozytora, aktywnego bojownika o pokój L. Nono. W swojej pracy zwraca się do najostrzejszych tematów naszych czasów, próbując ucieleśnić idee międzynarodowe. braterstwo i solidarność mas pracujących, protest przeciwko imperializmowi. ucisku i agresji. Jednak środki sztuki awangardowej, którymi posługuje się Nono, często stoją w sprzeczności z jego pragnieniem bezpośredniości. podniecenie wpływ na ogół społeczeństwa.
Z dala od tendencji awangardowych stoi J. K. Menotti – Włoch. kompozytor mieszkający i pracujący w USA. W jego twórczości, kojarzonej głównie z muzyką operową, elementy weryzmu nabierają pewnego ekspresjonistycznego zabarwienia, zaś poszukiwania prawdziwej intonacji mowy prowadzą go do częściowego zbliżenia się z MP Musorgskim.
W muzyce Teatr operowy nadal odgrywa ważną rolę w życiu Włoch. Jednym z najwybitniejszych zespołów operowych na świecie jest La Scala w Mediolanie, która istnieje od 1778 roku. Do najstarszych oper we Włoszech należą także San Carlo w Neapolu (założona w 1737 r.), Fenice w Wenecji (założona w 1792 r.). Duża sztuka. na znaczeniu zyskała Opera Rzymska (otwarta w 1880 r. pod nazwą centrum handlowe Costanzi, od 1946 r. – Opera Rzymska). Wśród najwybitniejszych współczesnych włoski. artyści operowi – śpiewacy G. Simionato, R. Scotto, A. Stella, R. Tebaldi, M. Freni; śpiewacy G. Becky, T. Gobbi, M. Del Monaco, F. Corelli, G. Di Stefano.
Wielki wpływ na rozwój opery i symfonii. kultury we Włoszech była działalność A. Toscaniniego, jednego z najwybitniejszych dyrygentów XX wieku. Wybitni przedstawiciele branży muzycznej. dyrygentami są P. Argento, V. De Sabata, G. Cantelli, T. Serafin, R. Fasano, V. Ferrero, C. Cecchi; pianista A. Benedetti Michelangeli; skrzypek J. DeVito; wiolonczelista E. Mainardi.
Od początku XX wiek intensywny rozwój nastąpił we Włoszech muz.-issledovat. i krytyczne myśl. Oznacza. wkład w naukę muzyki. dziedzictwo stworzyli muzykolodzy G. Barblan (prezes Włoskiego Towarzystwa Muzykologicznego), A. Bonaventure, J. M. Gatti, A. Della Corte, G. Pannain, J. Radiciotti, L. Torchi, F. Torrefranca i inni M. Dzafred i M. Mila w większości pracują. w dziedzinie muzyki. krytyka. We Włoszech publikowanych jest wiele muz. czasopisma m.in. „Rivista Musicale italiana” (Turyn, Mediolan, 1894-1932, 1936-1943, 1946-), „Musica d” oggi” (Mediolan, 1919-40, 1958-), „La Rassegna Musicale” (Turyn, 1928-40 ; Rzym, 1941-1943, 1947-62), „Bolletino Bibliografico Musicale” (Mediolan, 1926-33, 1952-), „Il Convegno Musicale” (Turyn, 1964-) i inne.
Opublikowano wiele encyklopedii poświęconych muzyka i t-ru, m.in. „Enciclopedia della musica” (w. 1-4, Mil., 1963-64), „Enciclopedia dello spettacolo” (w. 1-9, Roma, 1954-62).
Wśród wyjątkowych muzyka uch. Do największych instytucji należą konserwatoria: „Santa Cecilia” w Rzymie (założona w 1876 r. jako liceum muzyczne, od 1919 r. – konserwatorium); imienia G. B. Martini w Bolonii (od 1942; założone w 1804 jako liceum muzyczne, od 1914 otrzymało status konserwatorium); ich. Benedetto Marcello w Wenecji (od 1940 r., założone w 1877 r. jako liceum muzyczne, od 1916 r. utożsamiane z uczelnią wyższą); Milanskaya (założona w 1808 r., nazwana na cześć G. Verdiego w 1901 r.); ich. L. Cherubiniego we Florencji (założony w 1849 r. jako instytut muzyczny, następnie szkoła muzyczna, Akademia Muzyczna, od 1912 r. – konserwatorium). prof. muzycy kształcą się także w Instytucie Historii Muzyki na uniwersytetach, Papieskim Ambrozjańskim Instytucie Muzyki Sakralnej itp. W tych podręcznikach. instytucjach, a także w Instytucie Badań nad Dziedzictwem Verdiego prowadzone są muzykolodzy. Stanowisko. Założenie International w Wenecji. Włoski ośrodek propagandowy music, która corocznie organizuje letnie kursy („Wakacje Muzyczne”) w zakresie nauki starożytnego języka włoskiego. muzyka. Biblioteka Amvrosian, biblioteka Konserwatorium w Mediolanie, posiada bogaty zbiór notatek i książek o muzyce. Powszechnie znane są repozytoria starożytnych instrumentów, nut i ksiąg (skupione są w bibliotece Akademii Filharmonii Bolońskiej, w bibliotece G. B. Martiniego oraz w Archiwum Kaplicy San Petronio w Bolonii). Najbogatsze materiały dotyczące historii języka włoskiego. muzyka ma Narodowy. biblioteka Marciana, biblioteka Fundacji D. Cini i Muzeum Muzyki. instrumentów w konserwatorium w Wenecji.
We Włoszech jest ich wielu muzyka organizacje i wykonawcy. zespoły. Regularne objawy. koncerty dają: orkiestry t-ditch „La Scala” i „Fenice”, Nat. akademia „Santa Cecilia” we Włoszech. radio i telewizja w Rzymie, orkiestra Towarzystwa „Muzyki Popołudniowej” („Рommerigi musicali”), która występuje jako premier. z hiszpańskiego nowoczesny muzykę, orkiestry kameralne „Angelicum” i „Virtuosi of Rome”, stowarzyszenie „Ambrose Polyphony”, które promuje muzykę średniowiecza, renesansu i baroku, a także orkiestrę Bolońskiego t-ra „Comunale”, Bolońska Orkiestra Kameralna i inne zespoły.
We Włoszech odbywa się wiele wydarzeń. muzyka festiwale i konkursy: Stażysta. nowoczesny festiwal muzyka (od 1930, Wenecja), „Florentyński Maj Muzyczny” (od 1933), „Festiwal Dwóch Światów” w Spoleto (od 1958, założony przez J.C. Menottiego), „Tydzień Nowej Muzyki” (od 1960, Palermo), fortepian konkurs. F. Busoniego w Bolzano (od 1949 corocznie), konkurs muzyczno-taneczny. G. B. Viottiego w Vercelli (od 1950 roku corocznie), dla nich konkurencja. A. Caselli w Neapolu (od 1952 r. co 2 lata, do 1960 r. uczestniczyli pianiści, od 1962 r. także kompozytorzy), konkurs skrzypcowy. N. Paganiniego w Genui (od 1954 corocznie), konkurs orkiestrowy. dyrygentów w Rzymie (od 1956 co 3 lata, powołana przez Akademię Narodową „Santa Cecilia”), Konkurs Pianistyczny. E. Pozzoli w Seregno (od 1959 co 2 lata), konkurs dla młodych dyrygentów. G. Cantelli w Novarze (od 1961 co 2 lata), konkurs wokalny „Verdi Voices” w Busseto (od 1961 corocznie), konkurs chórów. do nich zespoły. Guido d „Arezzo w Arezzo (założony w 1952 jako krajowy, od 1953 – międzynarodowy; corocznie znany także pod nazwą „Polyfonico”), konkurs wiolonczelowy G. Casado we Florencji (od 1969, co 2 lata).
Wśród Włochów muzyka ob-in - Korporacja Nowej Muzyki (sekcja Międzynarodowego Towarzystwa Muzyki Współczesnej; założona w 1917 jako Narodowe Towarzystwo Muzyczne, w 1919 przekształcona we Włoskie Towarzystwo Muzyki Współczesnej, od 1923 - Korporacja), Stowarzyszenie Muzyczne. biblioteki, Towarzystwo Muzykologiczne i inne. muzyka wydawnictwo i firma handlowa „Ricordi and Co.” (założona w 1808 r.), posiadająca oddziały w wielu innych. Państwa.
Literatura: Iwanow-Boretski M.V., Czytelnik muzyczny i historyczny, t. 1-2, M., 1933-36; własny, Materiały i dokumenty z historii muzyki, t. 2, M., 1934; Kuzniecow K. A., Portrety muzyczne i historyczne, ser. 1, M., 1937; Livanova T., Historia muzyki zachodnioeuropejskiej do 1789 r., M. - L., 1940; Gruber R. I., Ogólna historia muzyki, część pierwsza, M., 1956, 1965; Chochłowkina A., Opera Zachodnioeuropejska. Koniec XVIII – pierwsza połowa XIX wieku. Eseje, M., 1962; Historia europejskich studiów artystycznych: od starożytności do końca XVIII wieku, M., 1963; Historia historii sztuki europejskiej. Pierwsza połowa XIX wieku, Moskwa, 1965.
Na świecie jest wiele narodów, które porozumiewają się różnymi językami. Ale nie tylko słowa przemawiały do ludzi na przestrzeni dziejów. Aby uduchowić swoje emocje i myśli, w starożytności używano pieśni i tańców.
Sztuka tańca na tle rozwoju kulturalnego
Kultura włoska ma ogromne znaczenie na tle światowych osiągnięć. Początek jego szybkiego rozwoju zbiega się z narodzinami nowej ery – renesansu. Właściwie renesans powstaje właśnie we Włoszech i przez pewien czas rozwija się wewnętrznie, nie dotykając innych krajów. Jego pierwsze sukcesy przypadają na XIV-XV wiek. Później z Włoch rozprzestrzenili się po całej Europie. Rozwój folkloru rozpoczyna się także w XIV wieku. Świeży duch sztuki, odmienne podejście do świata i społeczeństwa, zmiana wartości znalazły bezpośrednie odzwierciedlenie w tańcach ludowych.
Wpływ renesansu: nowe pas i bale
W średniowieczu włoskie ruchy do muzyki wykonywano krok po kroku, płynnie, z kołysaniem. Renesans zmienił podejście do Boga, co znalazło odzwierciedlenie w folklorze. Tańce włoskie nabrały wigoru i żywych ruchów. Tak pas „do pełnej stopy” symbolizował ziemskie pochodzenie człowieka, jego związek z darami natury. A ruch „na palcach” lub „skokiem” identyfikował pragnienie Boga i Jego uwielbienia. Na nich opiera się włoskie dziedzictwo taneczne. Ich kombinacja nazywa się „balli” lub „ballo”.
Włoskie ludowe instrumenty muzyczne renesansu
Przy akompaniamencie wykonano utwory folklorystyczne. Wykorzystano do tego następujące narzędzia:
- Klawesyn (włoski „chembalo”). Pierwsza wzmianka: Włochy, XIV wiek.
- Tamburyn (rodzaj tamburynu, przodek współczesnego bębna). Tancerze używali go także podczas swoich ruchów.
- Skrzypce (instrument smyczkowy powstał w XV wieku). Jej włoską odmianą jest altówka.
- Lutnia (instrument szarpany)
- Fajki, flety i oboje.
odmiana tańca
Muzyczny świat Włoch nabrał różnorodności. Pojawienie się nowych instrumentów i melodii pobudziło energiczne ruchy do rytmu. Narodziły się i rozwinęły narodowe tańce włoskie. Tworzono ich nazwy, często w oparciu o zasadę terytorialną. Było ich wiele odmian. Główne znane dziś tańce włoskie to bergamasca, galliard, saltarella, pavane, tarantella i pizza.
Bergamasca: klasyczne partytury
Bergamasca to popularny włoski taniec ludowy z XVI-XVII wieku, który później wyszedł z mody, ale pozostawił po sobie odpowiednie dziedzictwo muzyczne. Region macierzysty: północne Włochy, prowincja Bergamo. Muzyka w tym tańcu jest wesoła, rytmiczna. Rozmiar licznika zegarowego jest złożonym poczwórnym. Ruchy są proste, płynne, sparowane, możliwe są w tym procesie zmiany pomiędzy parami. Początkowo taniec ludowy zakochał się w dworach w okresie renesansu.
Pierwszą literacką wzmiankę o nim można znaleźć w sztuce Williama Szekspira „Sen nocy letniej”. Pod koniec XVIII wieku Bergamasque płynnie przechodzi od folkloru tanecznego do dziedzictwa kulturowego. Wielu kompozytorów wykorzystywało ten styl w procesie pisania swoich dzieł: Marco Uccellini, Solomon Rossi, Girolamo Frescobaldi, Johann Sebastian Bach.
Pod koniec XIX wieku pojawiła się inna interpretacja bergamaski. Charakteryzowała się złożoną mieszaną wielkością metrum muzycznego, szybszym tempem (A. Piatti, C. Debussy). Do dziś zachowały się echa folklorystycznej bergamaski, którą z powodzeniem starają się urzeczywistnić w przedstawieniach baletowych i teatralnych, stosując odpowiedni stylistyczny akompaniament muzyczny.
Galliard: wesołe tańce
Galliard to stary taniec włoski, jeden z pierwszych tańców ludowych. Pojawił się w XV wieku. W tłumaczeniu oznacza „wesoły”. Właściwie jest bardzo wesoły, energiczny i rytmiczny. Jest to złożona kombinacja pięciu kroków i skoków. Jest to taniec ludowy w parach, który zyskał popularność na balach arystokratycznych we Włoszech, Francji, Anglii, Hiszpanii, Niemczech.
W XV-XVI wieku galiard stał się modny ze względu na komiczną formę, wesoły, spontaniczny rytm. Utracona popularność w wyniku ewolucji i transformacji w standardowy, prymitywny styl tańca dworskiego. Pod koniec XVII wieku całkowicie poświęciła się muzyce.
Galliarda pierwotna charakteryzuje się umiarkowanym tempem, długość metra jest prosta trójdzielna. W późniejszych okresach wykonywane są w odpowiednim rytmie. Jednocześnie charakterystyczna dla galiardy była złożona długość licznika muzycznego. Znane współczesne dzieła w tym stylu wyróżniają się wolniejszym i spokojniejszym tempem. Kompozytorzy wykorzystujący w swoich utworach muzykę galliardową: V. Galilei, V. Break, B. Donato, W. Byrd i inni.
Saltarella: zabawa weselna
Saltarella (saltarello) to najstarszy taniec włoski. Jest dość wesoło i rytmicznie. Towarzyszy mu kombinacja kroków, skoków, zwrotów i łuków. Pochodzenie: Od włoskiego słowa saltare, „skakać”. Pierwsza wzmianka o tego typu sztuce ludowej pochodzi z XII wieku. Pierwotnie był to taniec towarzyski z akompaniamentem muzycznym, w prostym metrum o dwóch lub trzech taktach. Od XVIII wieku płynnie odradza się w parną saltarellę do muzyki skomplikowanych liczników. Styl ten przetrwał do dziś.
W XIX-XX wieku – przekształcił się w masowy włoski taniec weselny, który tańczono podczas uroczystości z okazji zaślubin. nawiasem mówiąc, w tamtym czasie często zbiegały się one z czasem żniw. W XXI wieku - występował na niektórych karnawałach. Muzyka w tym stylu rozwinęła się w kompozycjach wielu autorów: F. Mendelssohna, G. Berlioza, A. Castellono, R. Barto, B. Bazurowa.
Pavane: pełna wdzięku powaga
Pavane to stary włoski taniec towarzyski wykonywany wyłącznie na dworze. Znana jest inna nazwa - padovana (od imienia Padova; od łacińskiego pava - paw). Taniec ten jest powolny, pełen wdzięku, uroczysty i ozdobny. Kombinacja ruchów składa się z pojedynczych i podwójnych kroków, dygnięć i okresowych zmian w położeniu partnerów względem siebie. Tańczyła nie tylko na balach, ale także na początku procesji czy ceremonii.
Włoska pawana, wchodząc na bale sądowe innych krajów, uległa zmianie. Stało się rodzajem „dialektu” tanecznego. Tak więc wpływy hiszpańskie doprowadziły do powstania „pavanilli”, a francuskie – do „passamezzo”. Muzyka, przy której wykonywano pas, była powolna, dwutaktowa. podkreślić rytm i ważne momenty kompozycji. Taniec stopniowo wychodził z mody, utrwalony w dziełach dziedzictwa muzycznego (P. Attenyan, I. Shein, C. Saint-Saens, M. Ravel).
Tarantella: uosobienie włoskiego temperamentu
Tarantella to włoski taniec ludowy, który przetrwał do dziś. Jest pełen pasji, energiczny, rytmiczny, wesoły, niestrudzony. Włoski taniec tarantelli jest znakiem rozpoznawczym mieszkańców. Polega na kombinacji skoków (m.in. w bok) z naprzemiennym wyrzucaniem nogi do przodu i do tyłu. Został nazwany na cześć miasta Taranto. Istnieje również inna wersja. Mówiono, że ukąszeni ludzie zapadają na chorobę – tarantyzm. Choroba była bardzo podobna do wścieklizny, z której próbowano się wyleczyć nieprzerwanymi, szybkimi ruchami.
Muzyka wykonywana jest w metrum prostym potrójnym lub złożonym. Jest szybka i zabawna. Charakterystyka:
- Połączenie instrumentów głównych (w tym klawiszy) z dodatkowymi, które znajdują się w rękach tancerzy (tamburyny i kastaniety).
- Brak standardowej muzyki.
- Improwizacja instrumentów muzycznych w ramach znanego rytmu.
Rytm właściwy ruchom wykorzystywali w swoich kompozycjach F. Schubert, F. Chopin, F. Mendelssohn, P. Czajkowski. Tarantella to wciąż barwny taniec ludowy, którego podstawy zna każdy patriota. W XXI wieku nadal tańczy się go masowo podczas wesołych rodzinnych wakacji i wspaniałych wesel.
Pizzica: Mechaniczne starcie taneczne
Pizzica to szybki włoski taniec wywodzący się z tarantelli. Stał się kierunkiem tanecznym włoskiego folkloru ze względu na pojawienie się własnych charakterystycznych cech. Jeśli tarantella jest głównie tańcem masowym, wówczas pizza została wyłącznie sparowana. Jeszcze bardziej odlotowy i energiczny, otrzymał kilka wojowniczych notatek. Ruchy obu tancerzy przypominają pojedynek, w którym walczą wesołe rywalki.
Często wykonują ją panie z kilkoma panami po kolei. Jednocześnie wykonując energiczne ruchy, młoda dama wyraziła swoją oryginalność, niezależność, burzliwą kobiecość, w efekcie odrzucając każdy z nich. Kawalerzyści ulegli presji, demonstrując swój podziw dla kobiety. Taki indywidualny charakter jest charakterystyczny tylko dla pizzy. W pewnym sensie charakteryzuje namiętną włoską naturę. Pizza, która zyskała popularność w XVIII wieku, nie straciła jej do dziś. Do dziś wystawiany jest na jarmarkach i karnawałach, uroczystościach rodzinnych, przedstawieniach teatralnych i baletowych.
Pojawienie się nowego doprowadziło do stworzenia odpowiedniego akompaniamentu muzycznego. Pojawia się „pizzicato” – sposób wykonywania utworów na smyczkach, ale nie samym smyczkiem, ale opuszkami palców. W rezultacie pojawiają się zupełnie inne dźwięki i melodie.
Tańce włoskie w historii światowej choreografii
Wyrosłe ze sztuki ludowej, przenikające do arystokratycznych sal balowych, tańce zakochały się w społeczeństwie. Zaistniała potrzeba usystematyzowania i skonkretyzowania zajęć na potrzeby szkolenia amatorskiego i zawodowego. Pierwszymi choreografami teoretycznymi byli Włosi: Domenico da Piacenza (XIV-XV), Guglielmo Embreo, Fabrizio Caroso (XVI). Dzieła te, wraz z doskonaleniem ruchów i ich stylizacją, stały się podstawą światowego rozwoju baletu.
Tymczasem na początku tańczono saltarellę lub tarantellę wesołych, prostych mieszkańców wsi i miast. Temperament Włochów jest pełen pasji i życia. Epoka renesansu jest tajemnicza i majestatyczna. Cechy te charakteryzują tańce włoskie. Ich dziedzictwo jest podstawą rozwoju sztuki tańca na całym świecie. Ich cechy są odzwierciedleniem historii, charakteru, emocji i psychologii całego narodu na przestrzeni wieków.