Bohaterowie z gier rysowanie etapowe. „projektowanie i rozwój postaci”

11.04.2019

Postać- fikcyjna animowana osoba o określonej postaci i unikalnych danych zewnętrznych. W sztukach wizualnych postacie dzielą się na dwie główne kategorie: animowane i statyczne. Zasadnicza różnica pomiędzy postacią animowaną a postacią statyczną polega na specjalnej konstrukcji postaci, dzięki której praca animatorów z bohaterem zostanie znacznie ułatwiona.

ROZWÓJ WIZERUNKU CHARAKTERU

Poszukiwanie wizerunku postaci jest najbardziej odpowiedzialnym i interesującym etapem. Wybierając obraz, należy wziąć pod uwagę nie tylko cechy osobiste bohatera, ale także jego harmonijne połączenie ze światem zewnętrznym. Poza tym postać musi być wyrazista i „nie oklepana”, mieć pewną dozę uroku.

Najpierw trzeba przestudiować materiały wprowadzające (TOR, scenariusz, opis literacki i reżyserski bohaterów), porozumieć się z reżyserem, który postara się jak najdokładniej przekazać artyście swoje przemyślenia. Zapoznanie się ze specyfiką stylu projektu, o której opowie scenograf lub reżyser, jeśli na etapie tworzenia postaci nie ma scenografa w projekcie. Bazując na wynikach znajomości projektu, warto wykonać serię szkiców, zapisując sobie kilka najważniejszych punktów, które przydadzą się w dalszej pracy z postacią.

Przede wszystkim należy przedstawić najjaśniejsze odcinki z przeczytanego scenariusza i spróbować wrzucić proste koncepcje najbardziej efektownych scen z głównym bohaterem. Odbywa się to, aby wyczuć główne cechy przyszłej postaci - jego masę, postawę, budowę ciała.

Kiedy już uda Ci się uchwycić odpowiadający Twoim zdaniem obraz, który ma rozmyte, ale mniej lub bardziej zrozumiałe kontury, możesz przystąpić do dopracowania stylu - szukania kształtu fryzur, ubrań, przedmiotów osobistych bez wchodzenia w szczegóły. Na tym etapie nie powinieneś trzymać się pomyślnie uzyskanego obrazu. Zadaniem artysty jest narysowanie wielu różnych, niepowiązanych ze sobą opcji., spośród których zostaną następnie wybrane te, które odniosły największy sukces.

Nie należy także zapominać, że postać powinna być łatwa do „odczytania” przez widza. Aby sprawdzić „czytelność” znaku wystarczy pomalować go na czarno., po czym sylwetka postaci powinna być rozpoznawalna i wyglądać całkiem efektownie.

Kolejnym etapem jest „bieganie” postaci.
Wybrana, choć na razie surowa wersja, rozgrywana jest w akcji. Aby to zrobić, musisz narysować postać w jej zwykłych pozach. Niepotrzebne szczegóły są eliminowane w trakcie pracy i zastępowane nowymi, bardziej odpowiednimi dla bohatera i najwygodniejszymi w obsłudze.

Ostatni etap tworzenia wizerunku postaci z reguły rozpoczyna się po zatwierdzeniu i dostosowaniu najbardziej odpowiedniej opcji wybranej przez reżysera (klienta). Teraz zadaniem artysty jest praca ze szczegółami i oddanie obrazu.

Ostatni szlif – malowanie postaci.
Ostatecznej wersji znaku w kolorze towarzyszą komentarze wskazujące wartości kolorów zastosowane dla każdego pojedynczego elementu obrazu w RGB lub CMYK (w zależności od oprogramowania użytego w projekcie). Zastosowanie nietradycyjnej stylistyki przy nakładaniu światła i cienia na postać oznacza dodatkowy rozwój schematu światło-cień.

CHARAKTERYSTYCZNE POZY POSTACI

Charakterystyczne pozy postaci uzupełniają opis literackiego wizerunku bohatera. Pomagają wizualnie ukazać charakter bohatera, jego zwyczaje i zachowania. Kluczowym zadaniem artysty jest jak najwierniejsze oddanie zamysłu reżysera, wyposażenie bohatera w jego (zgodnie ze scenariuszem) cechy.

Charakterystyczne pozy postaci to „Naturalne” (łatwe), „Nawykowe” (odruchowe) i „Inscenizacja” (emocjonalne):

- "naturalne pozy"- są to spokojne stany postaci w pozycji stojącej z podparciem na jednej nodze. Rzadziej podtrzymują obie nogi, z równomiernie rozłożonym środkiem ciężkości.

- "Nawykowe postawy" - charakterystyczne dla bohatera pozycje ciała, przyjmowane odruchowo zgodnie z nastrojem postaci, np.: zamyślenie, podekscytowanie, zmęczenie.

- "Inscenizowane pozy„- celowo przerysowane pozy przyjmowane przez bohatera w obecności osoby trzeciej, np.: flirt, zachwyt, zaskoczenie, wstyd.

Niezależnie od rodzaju poza powinna być dość jasna i wyrazista. Pożądany efekt osiąga się poprzez postawę*, ułożenie rąk i nóg, pozycję głowy, mimikę i gesty.

Ciekawy fakt:

Tworząc postacie, wielu artystów nieumyślnie nadaje swoim postaciom zniekształconą, medycznie rzecz biorąc, postawę. Jeśli weźmiemy pod uwagę różne typy postawy według F. Staffela, wówczas krzywizna kręgosłupa jest nieodłączna dla prawie wszystkich typów:

- "Plano-wklęsły„Plecy są typowe dla kobiet. Takie wygięcie pleców dobrze podkreśla kobiece kształty w talii i biodrach;

- "płaskie plecy„typowe dla wojska, kiedy trzeba przesadzić z łożyskiem;

- "Zaokrąglone plecy”z reguły należy do chudego, niepewnego siebie młodego mężczyzny lub wysokiego, szczupłego starca;

- Potwory z potężnym tułowiem mają „wklęsły, okrągły grzbiet”.

Kliknij na obrazek, aby obejrzeć go w pełnym rozmiarze i 100% jakości.

Pozycja głowy w połączeniu z mimiką i gestami bardziej wyraziście oddaje nastrój postaci. Głowa ma pięć podstawowych pozycji: prosto, w dół, w górę, w górę, na boki, na bok.

Pozycja głowy postaci jest bezpośrednio powiązana z jej nastrojem. Na przykład: podniesiona głowa podkreśli pewność siebie, arogancję lub marzycielstwo; pominięte - wściekłość i agresja, zmęczenie lub smutek; lekko opuszczony z przechyleniem na bok – zawstydzenie i flirt, a w pozycji wyprostowanej – zdziwienie, strach lub irytacja. Mimo pewnego schematu istnieją techniki, które naruszają te zasady, ale można to już uznać za wyjątek od reguły.

W przeciwieństwie do doświadczonych artystów, którzy polegają na swoim doświadczeniu i intuicji, nowicjusze nie będą nie na miejscu, jeśli zapoznają się ze specjalną literaturą z zakresu psychologii mimiki i gestów, zwłaszcza że temat ten jest dość interesujący i pomaga artyście zidentyfikować pewne wzorce w ludzkie zachowanie na własną rękę.

BUDOWANIE CHARAKTERU

Tworząc animowaną postać, artysta musi nie tylko wyobrazić sobie, jak postać będzie się poruszać, ale także jasno wyjaśnić to animatorowi, który później będzie z nią pracować. Aby to zrobić, postać jest rozkładana na tak zwane „półfabrykaty”, po czym schemat budowania postaci.

Jak wiemy, każdy złożony obiekt składa się z prostych kształtów (koła, owale, trójkąty, prostokąty). Zadaniem artysty jest szczegółowe rozłożenie swojej postaci na proste formy, pokazanie, jak łączą się one na liniach osiowych i doprecyzowanie proporcji. Schemat budowy postaci powinien być prosty, logiczny, wygodny i zrozumiały. Im bardziej kompetentnie przemyślany zostanie schemat budowy, tym łatwiej będzie dalsza praca z postacią. Warto zaznaczyć, że technika tworzenia postaci jest indywidualna dla każdego artysty – niektórzy od razu budują postać podczas jej tworzenia, inni rysują postać bez budowania, skupiając się na swoim doświadczeniu i intuicji. Niemniej jednak, niezależnie od techniki tworzenia postaci, nadal konieczne będzie jej rozłożenie na „blanki”, chyba że mówimy oczywiście o specjalnym stylu animacji, gdzie ważny jest tylko obraz, a budowanie postaci nie odgrywa dużej roli .

Tak może wyglądać postać.

Nierzadko zdarzają się przypadki, gdy konieczna jest adaptacja (adaptacja) statycznej postaci z ilustracji do projektu animacyjnego. Aby to zrobić, wystarczy przebudować postać, rozbijając ją na „puste miejsca”, upraszczając jednocześnie drobne szczegóły.

Przykład statycznej postaci przystosowanej (dostosowanej) do animacji.

Kliknij na obrazek, aby obejrzeć go w pełnym rozmiarze i 100% jakości.

Zwierzęta traktuje się w taki sam sposób jak ludzi.

EMOCJE CHARAKTERÓW

Każda postać powinna być w stanie wyrazić swoje emocje w związku z bieżącymi wydarzeniami.. Im jaśniejszy i bardziej różnorodny jest wyraz twarzy postaci, tym ciekawiej można pokonać jego reakcję na określone wydarzenie. Styl postaci wyznacza ramy, w ramach których powstają emocje w przesadnej formie, których stopień zależy od „kreskówkowości” postaci.

W zależności od złożoności projektu mapa emocji może być bardzo różna. Konkretne emocje i ich ilość wymaganą w konkretnym projekcie określa zwykle zakres zadań.

WYJAŚNIENIE SZCZEGÓŁÓW

Dodatki, elementy ubioru i fryzura postaci odgrywają ważną rolę w tworzeniu niepowtarzalnego, zapadającego w pamięć wizerunku. W procesie opracowywania szczegółów ważne jest nie tylko wizualne urzeczywistnienie idei rozmieszczenia dodatkowych elementów na obrazie postaci, ale także wyjaśnienie, jak te szczegóły „działają”. Artysta musi zrozumieć funkcjonalny cel wymyślonych przez siebie elementów, ich praktyczne zastosowanie, interakcję z postacią, sposób, w jaki będą się poruszać w animacji, aby przekazać to wizualnie w zestawie dokumentów dotyczących rozwoju postaci.

Aby wyjaśnić szczegóły, tworzone są dodatkowe arkusze.

TABELA PORÓWNAWCZA

Tablica porównawcza znaków (linijka) - arkusz w linie, na którym są umieszczeni wszyscy bohaterowie filmu animowanego w taki sposób, że za pomocą linii porównawczych lub siatki skali można wyraźnie wykazać proporcjonalne stosunki znaków ( przede wszystkim ich wysokość).

Postacie epizodyczne z reguły nie są uwzględniane w tabeli porównawczej. Dla nich tworzony jest osobny arkusz, powiązany z „linijką” za pomocą siatki skali. Lub dokonuje się porównania z bohaterem ze stołu (z którym wchodzi w interakcję postać epizodyczna).

Przyjemność tworzenia postaci z kreskówek jest niezmierzona. Tworzenie i rozwój postaci to nie tylko rysowanie jej sylwetki: każda postać ma swój własny kształt, cechy osobiste i cechy charakterystyczne. Świetne, jeśli znasz już podstawowe proporcje głowy i przedstawianie emocji. Ale ta wiedza jest bezużyteczna, jeśli nie wiesz, jak narysować tułów postaci. Artysta musi wziąć pod uwagę wszystkie te szczegóły, aby stworzyć postać wiarygodną dla widza.

Istnieje kilka różnych stylów postaci z kreskówek, takich jak „doodle” i „chuligan”. Chcesz dowiedzieć się o nich więcej? Tego właśnie nauczę Cię na tej lekcji.

1. Jak zacząć

Nawiasem mówiąc, kroki, które dzisiaj podejmiemy, są bardzo proste. Najpierw narysuj podstawowy kształt figury, a następnie dodaj cechy i inne części ciała. Jest to procedura, którą należy zastosować, niezależnie od tego, czy rysujesz osobę, zwierzę, czy nawet przedmiot, który postanawiasz ożywić (na przykład zrobić uśmiechnięty kubek).

Każdy wykonany przez Ciebie rysunek będzie zależał od Twojej pracy w fazie szkicowania. Na tym etapie powinieneś poprawiać swój szkic, aż będziesz zadowolony z efektu końcowego.

Kiedy już ustalisz proporcje, kolejnym krokiem będzie rozwinięcie ekspresji w ruchach ciała, rękach i nogach. Tylko jedna pozycja ręki może opowiedzieć całą historię.

Dłonie to rozległy i złożony temat (nawet w animacji), który zasługuje na osobną lekcję.

Krótko mówiąc, w procesie tworzenia postaci nie ma tajemnic. 95% artystów tworzy postacie i robi to, przechodząc przez określone kroki, ponieważ to znacznie ułatwia ten proces!

2. Proporcje

Proporcje są jednym z najważniejszych czynników, które należy wziąć pod uwagę podczas tworzenia postaci. Artysta musi pamiętać o względnych proporcjach części ciała, ponieważ na tej podstawie określamy cechy strukturalne naszych bohaterów. Na przykład tyran ma wojowniczy charakter, więc będzie miał małą głowę, ale jego klatka piersiowa będzie imponująca! Jego ręce i nogi są mocne i wyraźnie zarysowane, podobnie jak duże kości policzkowe. Natomiast skromny charakter opiera się na proporcjach dziecka, z większą głową niż tułowiem. A wszystko to w okrągłych kształtach! Inne części, takie jak czoło i duże oczy, są odpowiedzialne za określenie kruchości danej osoby. I tak dalej...

Studia animacji w większości używają zaokrąglonych kształtów, aby ocenić wzrost postaci. Na przykład: Głowa dziecka, zwykle większa niż pozostałe części. Ale dorosła postać ma inne proporcje, które zależą od płci i formy fizycznej bohatera.

Psychodeliczna kreskówka? To wygląda jak.

Projektując (lub animując) ciało postaci, dobrym pomysłem jest szkicowanie na osobnych kartkach papieru. Dzięki temu możesz mieć przed oczami próbkę jego proporcji podczas szkicowania innych pozycji i działań.

Przykład rotacji

Bardzo ważne jest rysowanie postaci w różnych pozach, sytuacjach i ubraniach, aż znajdziesz dla niej idealne proporcje.

Przykłady rysunków szczeniąt.

3. Ciało to gruszka!

Powszechną praktyką wśród projektantów jest wykorzystywanie kształtu gruszki – lub podobnych obiektów – do budowania kształtu ciała, co wynika z powszechnych skojarzeń. Tak naprawdę jest to powszechna technika w studiach animacji, ponieważ nad tą samą postacią może pracować kilku różnych artystów i nadal trzeba zachować odpowiednie proporcje.

Powyższy przykład pokazuje skuteczność tej techniki. Korzystając z jednego szablonu, możesz narysować kilka różnych postaci! Powodem, dla którego stosuje się rysowanie oparte na wzorach, jest to, że dana osoba ma natychmiastowe skojarzenie. Zwłaszcza w przypadku dzieci, gdy wszystko należy uprościć, aby było łatwo zrozumiałe. Narysowanie ciała w kształcie gruszki pozwala zachować dynamiczny wygląd i czyni naszego bohatera ciekawszym!

4. Dodawanie szkieletu

Teraz, gdy wiemy, jak zdefiniować kształt, musimy zdefiniować strukturę szkieletu. Jeśli rysujesz dowolną postać w stylu kreskówki, musisz zrozumieć podstawowe różnice w budowie mięśni i szkieletu dla różnych kategorii, takich jak koty, ptaki i ludzie. Wiedza ta jest istotna i prowadzi do ustalenia położenia stawów bohatera, takich jak łokcie i kolana.

Zwróć uwagę na główne elementy: zaokrąglone kształty - korpus w kształcie gruszki - położenie połączeń.

Jeśli chodzi o animację, należy pamiętać, że w każdej tworzonej przez nas scenie musimy opowiedzieć historię. Nie ma większego znaczenia, czy mówimy o fotografiach, czy o obrazie realistycznym. Ponieważ ludzie zadziwiająco potrafią ukrywać swoje prawdziwe motywy.

W animacji jest inaczej. Stan fizyczny i postawa twojej postaci powinny dobrze „czytać” bez dialogów i otoczenia. Z tego powodu jest to tak urzekający i czarujący styl artystyczny!

Naucz się opowiadać historię w swoich szkicach, a odniesiesz sukces jako rysownik.

Podsumowując:

Oszacuj proporcje swojej postaci za pomocą okrągłych kształtów;
Uogólnij ciało, korzystając ze słynnej reguły gruszki;
Śledź linie prowadzące, które pokazują główną pozycję stworzeń;
Zakończ budowanie swojej postaci, dodając ostatnie elementy do głównej konstrukcji, którą zbudowałeś.

5. Skręt gruszkowy

Czy „reguła gruszki” działa na wszystkie postacie, które stworzymy? Nie zawsze. Jeśli odwrócimy ten kształt, dodamy naszemu bohaterowi poczucia siły i mocy! Spójrz na poniższe przykłady:

Kruchy mały człowiek: ciało jest gruszką. Siłacz: ciało to odwrócona gruszka. Łatwe, prawda?

Czy potrafisz dostrzec różnice w „gruszkach” na tym zdjęciu?

Inną interesującą analogią, na której można oprzeć postacie, są obiekty przypominające pewne formy fizyczne, jak w poniższym przykładzie:

W zasadzie stosujemy również regułę gruszki. Po prostu używamy różnych form opartych na tej samej technice. Ty, jako artysta, możesz zastosować dowolną metodę, która najbardziej Ci odpowiada!

6. Twardy charakter

„Manekin” to taki, który chodzi na dwóch nogach (nawet na zwierzętach) i wygląda głupio, niezdarnie i ogólnie leniwie.

Postać ta jest często przedstawiana jako tchórz. Zwykle starają się trzymać z dala od kłopotów niż wszyscy inni. Można go również przedstawić jako kujona lub zdenerwowanego faceta.

Istnieje szablon, którym można się kierować podczas tworzenia postaci tego typu, ale nie jest to reguła definiująca i może się różnić w zależności od charakteru postaci.

Głowy są cieńsze;
Duże nosy (lub kagańce, jeśli jest to zwierzę);
Duże zęby;
Wąskie ramiona;
Praktycznie brak podbródka;
Zasada gruszki (nigdy do góry nogami, zawsze do góry!).

W zasadzie są to główne elementy potrzebne do stworzenia przyczółka. Baw się nim, aż opanujesz technikę na tyle, aby zastosować ją do dowolnej postaci.

Co? Lew na dwóch nogach? Czekaj... czy to głuptak?

Nie wszystkie zwierzęta, które chodzą jak ludzie, to „cycki”. Wiele z nich ma sarkastyczny lub ironiczny ton. Przykładami takich postaci są Woody Woodpecker i Bugs Bunny.

7. Zastosuj naszą wiedzę: tworzenie bohaterskiej postaci

Teraz narysujemy razem postać w oparciu o to, czego się nauczyliśmy. Zacznijmy!

Krok 1

Zacznę rysować jako bardzo przybliżony szkic. Nie bój się szkicować, dopóki nie znajdziesz idealnych proporcji. To jest jak gra!

Zaczęliśmy od narysowania głowy i ciała za pomocą okrągłych kształtów:

Zauważ, że bez większego wysiłku ustaliliśmy proporcje naszego charakteru.

Zauważ, że zastosowaliśmy tutaj regułę odwróconej gruszki, ponieważ nasz bohater jest silny!

Krok 2

Dodajmy teraz linie pokazujące położenie stawów szkieletu. Zauważ, że nadajemy naszemu bohaterowi typową pozę, w której ciężar ciała spoczywa na jednej nodze.

Bardzo ważne jest zaznaczenie okolicy miednicy w kształcie misy, gdyż dzięki temu łatwiej będzie dostrzec ruch. Ten ruch w biodrach doda dynamiki pozie.

Krok 3

Świetnie! Dodajmy teraz rysy twarzy i mięśnie naszego bohatera.

Ślini się... A to tylko szkic!

Aby zbudować mięśnie, musisz mieć podstawową wiedzę z anatomii. W przeciwnym razie trudno będzie ci poprawnie dodać objętość w miejscach, w których jest to konieczne.

Krok 4

Po zdefiniowaniu ogólnej struktury możemy dodać ubrania.

Świetnie! Nasz bohater jest skończony! Dodając garnitur, świetne dodatki osiągnęliśmy świetny efekt. Czy możesz opowiedzieć historię za pomocą tego zdjęcia?

Świetna robota, udało ci się!

Cóż, to wszystko! Omówiliśmy proces rysowania ciała postaci w stylu kreskówkowym. Ponadto nauczyliśmy się wykorzystywać okrągłe i owalne kształty do kształtowania ciała postaci. Dowiedzieliśmy się także, czym różni się typ bohaterski/silny/chuligan od bezradnego/kruchego oraz jak zastosować technikę gruszki, aby osiągnąć te rezultaty. I w końcu odkryliśmy, jak zastosować technikę „doodle” w przypadku ludzi i zwierząt. I w końcu stworzyliśmy od podstaw bohaterską postać!

Czy upewniłeś się już, że możesz narysować postać z kreskówki od stóp do głów? Nie mogę się doczekać spotkania z nim! Podziel się swoimi rysunkami poniżej, a jeśli masz jakieś pytania, chętnie odpowiem na nie w komentarzach.

Pytanie:

« Powiedz mi, proszę, czy masz gdzieś najbardziej przybliżony szkic, który pokazałby, od czego zacząć? W pewnym sensie, co pokazałoby, jak tworzysz swoją postać w oparciu o koła i trójkąty?

Naprawdę chcę wypracować swój własny styl, ale nie mogę obejść się bez kilku wskazówek od osoby, która wie, jak rysować tak pięknych ludzi».

Pytanie: « Mam takie pytanie: Kiedy rysuję tę samą postać kilka razy, po prostu wkurza mnie to, że za każdym razem wygląda inaczej.
Na miłość do wszystkiego, co święte, jak sprawić, by wszystkie postacie wyglądały tak samo w każdej części komiksu?»

Odpowiedź: Pytania te są w pewnym stopniu ze sobą powiązane, dlatego postaram się udzielić na nie ogólnej odpowiedzi.

1. Struktura obrazu.

Bardzo krótki opis tego, gdzie zaczynam (i kończę) rysowanie.

Istotą całego procesu jest rozpoczęcie od prostych kształtów i zakończenie szczegółowym rysunkiem. Na pierwszym rysunku wykonywany jest szkic w postaci podstawowych figur i linii odniesienia.
Przyniosę jasność. Na zdjęciu para idiotów biegających po polu kukurydzy.
Zaczynam od niechlujnego, prostego szkicu kształtów i linii odniesienia. Na tym etapie interesuje mnie tylko zewnętrzne podobieństwo postaci i udane przeniesienie dynamiki w ich pozach.

Najpierw pozbywam się niezrozumiałych gestów, nienaturalnych póz, absurdalnych proporcji i stopniowo „zaśmiecam” kompozycję, wypełniając rysunek.

Kiedy już jestem zadowolony z wstępnego rysunku, zaczynam go malować, rysując niektóre początkowe linie.
W tym momencie Twój rysunek prawdopodobnie zmieni się w coś okropnego. A wszystko dlatego, że jesteś brudnym, niechlujnym artystą.
Ale nie martw się. Tak to powinno byc.

Kiedy główny rysunek roboczy jest już gotowy, przystępuję do rysunku szczegółowego. Nie usuwam jeszcze początkowego szkicu, ponieważ pociągnięcia referencyjne, przedstawiające kontury postaci i ich ruchy, pomogą w szczegółowym renderowaniu. Pomogą ci dowiedzieć się, gdzie narysować szwy na ubraniach, gdzie dodać fałdy, jak włosy i futro powinny leżeć na tej czy innej części postaci itp.

Na tym zdjęciu pozbyłem się już wszystkich linii odniesienia, miejscami je zamazałem, a miejscami uczyniłem je wyraźniejszymi. Na tym etapie wolę pracować ołówkiem, ale częstą praktyką jest też najpierw tuszowanie rysunku, a następnie wymazywanie całej pracy ołówkiem.

2. Jednolitość charakteru.

Jak narysować tę samą postać z różnych perspektyw.

Niezależnie od pozycji głowy ustalone zasady pozostają takie same.

Te niebieskie linie na górnym rysunku, które sugerują kształt głowy i wskazują linie środkowe, wystarczą mi, aby wiedzieć, gdzie znajdują się pozostałe postacie, takie jak te zakreślone na czerwono na poniższym rysunku.

I na koniec otrzymujemy postać, która wygląda tak samo z różnych punktów widzenia. A wszystko dlatego, że tworzony jest na podstawie liczb, według tej samej zasady.

Na koniec, zawsze pamiętaj, że choć te początkowe techniki mogą pomóc Ci w szybkim postępie, nic nie zastąpi praktyki. Nie poddawaj się, jeśli ta technika nie zadziała za pierwszym razem... lub po 98 kolejnych próbach. Rysuj dalej.

3. Jak narysować „ładnych chłopców”.

Sama istota atrakcyjności postaci (która zwykle zawiera w sobie pojęcie „ładności”) to już zupełnie odrębny temat – rozległy i w dodatku trudny do zmiażdżenia. Nie mogę tego tutaj opisać, jeśli w ogóle mogę, ale przynajmniej dam ci kilka wskazówek, o których warto pamiętać, jeśli chcesz stworzyć atrakcyjną postać:

- Atrakcyjność. Nie jest tajemnicą, że pewne proporcje są naturalnie atrakcyjne wizualnie. Pamiętaj o nich tworząc swoją postać. Często postacie okazują się urocze, jeśli są przedstawione zgodnie z proporcjami twarzy dziecka: wysokie czoło, pulchne policzki, duże oczy i inne rysy twarzy położone blisko siebie.

(Disney z reguły przyjął tę praktykę. Zatem rysowanie klasycznych znanych postaci pomoże ci zrozumieć, jak uatrakcyjnić własne postacie i ogólnie zapoznać się ze strukturą rysunku. Spróbuj narysować myśliwego z kreskówek Looney Tunes i Tex. Avory”, aby dowiedzieć się, jak tworzyć urocze i zabawne postacie, a nie słodkie i cukierkowe postacie).

- Czyszczenie. Zadbaj o to, aby twarz Twojej postaci nie stała się ponura i brzydka z powodu nadmiernej ilości niepotrzebnych linii. Zrozum znaczenie oszczędzania linii. Uprość szkic, aby podkreślić jego najważniejsze, atrakcyjne cechy; takie, które oddają istotę postaci i pozwalają oddać jej nastrój. Ułatwia to nie tylko wielokrotne rysowanie postaci pod różnymi kątami, ale także ułatwia jej czytanie.

- Ekspresyjność. Kluczem do tego, aby postać wyglądała przekonująco lub po prostu sympatycznie, jest osiągnięcie prostoty rysunku poprzez usunięcie niepotrzebnych linii, a także szczery i zrozumiały wyraz twarzy, który w pełni oddaje myśli i uczucia postaci. Dwuznaczny, pusty lub nieodróżnialny wyraz twarzy nie ma takiego uroku. Daj bohaterowi możliwość działania, reagowania i prawdziwego życia.

Kopiowanie tego tłumaczenia jest dozwolone wyłącznie z linkiem do tej strony.

Rainbowspacemilk lubi to

Główną publicznością oglądającą różnego rodzaju kreskówki są dzieci. Dobry rysownik to taki, który potrafi wyodrębnić podstawowe cechy przedmiotu lub osoby i uprościć je, aby przyciągnąć uwagę dziecka. Mistrzowie tacy jak Walt Disney, Hanna i Barbera, Chuck Jones, Jim Henson, Walter Lantz i wielu innych, studiując opinie i spostrzeżenia dzieci, osiągnęli fascynację całego świata swoimi magicznymi i wiecznymi postaciami. Na tej lekcji zastanowimy się, jak łatwo i poprawnie narysować postacie z kreskówek, z których będą zachwycone zarówno dzieci, jak i dorośli.

Ostateczna wersja będzie wyglądać następująco:

Szczegóły lekcji:

Złożoność:Średni
Szacowany czas realizacji: 2 godziny

Zrozumienie ludzkiej percepcji

Człowiek to istota posiadająca bardzo ciekawą cechę – potrafimy przekształcić detale tworzące bardzo złożoną konstrukcję czy przedmiot w dość prostą formę.

Czy potrafisz stwierdzić, że dwa poniższe obrazy przedstawiają ten sam obiekt?

Może wydawać się dziwne, że możesz spojrzeć na zdjęcie i powiedzieć, że to samochód.

Co dzieje się z większością ludzi, poza artystami, którzy nie potrafią wymazać z pamięci wszystkich szczegółów samochodu, widoku psa czy rysów twarzy dziecka? Zaczynają kojarzyć bardzo proste i prymitywne formy ze specyficznymi cechami każdego przedmiotu. Na przykład ile dzieci wróciło ze szkoły z taką kartką papieru w dłoni i powiedziało: „To mama i tata!”?

Nie chcesz tak rysować, prawda? Jeśli nie chcesz, weź ołówek i zacznij rysować!

1. Stworzenie pierwszej postaci

Podstawowym kształtem kreskówkowego kształtu będzie okrąg. Okrąg jest wszystkim, czego potrzeba. Z okręgu można wyznaczyć podstawowe proporcje głowy postaci.

Narysuj linie pionowe i poziome, które przecinają się w środku okręgu, jak na obrazku poniżej: