Portret Galiny Streletskiej w wieku 5 lat – ARTUR FONVIZIN.
Nowy album poświęcony twórczości ARTHURA FOVIZINA, który powinien trafić do sprzedaży w kwietniu tego roku, zawiera wspomnienia GALINY. Za jej zgodą publikuję ten tekst jako OGŁOSZENIE.
Galina Strelecka
ARTHUR FONVIZIN,MAMA,BABCIA
W 1948 roku Alla Mikhailovna Belyakova spotkała Fonvizina i namówiła go, aby uczył akwareli grupę architektów.
Alla Belyakova została „najbardziej ukochaną uczennicą”, a moja matka, Elena Chaus, „najpilniejszą uczennicą”. Tak ich nazwał mistrz.
Zajęcia z akwareli odbywały się u nas w domu, we wspólnym mieszkaniu przy Bulwarze Gogolewskim. Szczególnie pamiętam pierwszą lekcję. Panie przyszły ubrane jak do teatru i podekscytowane, jakby czekały na księcia z bajki. I tak wszedł, starszy wujek o wesołych, roześmianych oczach i tanecznym chodzie podszedł do pań (wśród których była moja babcia, Galina Kronidovna Chaus), rozejrzał się, zobaczył mnie, pięcioletnią dziewczynkę z wielką kokardą, podszedł i powiedział (bez głaskania po głowie, czego nie mogłem znieść): „Och! jakie loki! Muszę pisać."
Tego samego dnia Artur Władimirowicz namalował mój pierwszy portret. Wokół panowała pełna szacunku cisza, wszyscy z jakiegoś powodu zamarli, a mistrz podczas pracy nucił coś dla mnie niezrozumiałego.
Dopiero później, gdy Artur Władimirowicz namalował mój drugi portret na naszej daczy w Lianozowie, a miałem już dziesięć lat, uświadomiłem sobie, że on śpiewa. Była to piosenka z jego ulubionej bajki Hoffmanna „Zakhes, przezwisko Zinnober”: „Jak by ci pasowały te loki, gdybyś nie był takim obrzydliwym dziwakiem”.
Obserwowałem ruchy rąk mistrza, co przypomniało mi lot ptaków. A spojrzenie było bardzo przenikliwe, urzekające i tajemnicze. Mistrzowskie muśnięcie pędzla stworzyło mój wygląd: najpierw oczy, potem głowa i promień słońca we włosach, potem bukiet polnych kwiatów w dłoniach... Tło tworzyły duże strumienie kolorowej farby, które spajały całość cały portret. Obraz okazał się przestronny, delikatny i wcale nie sentymentalny. Ale najciekawsze jest to, że to znowu byłem ja!
I jak Artur Władimirowicz napisał do swojej matki! Przejrzysty, subtelny i od razu można było uchwycić jej ledwo zauważalny życzliwy uśmiech. Bardzo podobał mu się ten portret, podarowany matce przez Artura Władimirowicza i często, uśmiechając się chytrze, mówił: „Lena! Daj mi to." I uśmiechając się w ten sam sposób, moja mama odpowiedziała: „Nigdy, maestro!”
Artur Władimirowicz namalował portret swojej babci na daczy, kiedy mieszkał z nami przez prawie cały czerwiec. I bardzo się zdenerwowałem, dlaczego na portrecie mojej babci nie ma kwiatu we włosach mojej babci!
Na zajęciach z Fonvizinem panie malowały portrety i martwe natury, które mistrz tworzył już dawno temu, jak zawsze tańcząc i śpiewając. Kręciłem się i wszystko wydawało mi się jakimś nonsensem - wazon w tę stronę, wazon w tamtą stronę. Kogo to obchodzi!
Wymyślając kompozycje, Artur Władimirowicz tworzył jak czarodziej i magik. W całym mieszkaniu zgromadzono przedmioty do martwych natur, wiele z nich miało sławne pochodzenie: Gardner, Kuzniecow, Miśnia... I nie były to tylko lekcje akwareli, ale także wiedza o świecie sztuki. Pamiętam, jak Artur Władimirowicz mówił o mistrzu Holbeinie, artyście klasycznej sceny niemieckiego renesansu.
Na zajęciach zwykle obecny był gramofon. Grali płyty - często romanse uwielbiane przez Artura Władimirowicza:
Otwórz bramę powoli
I wejdź jak cień do cichego ogrodu.
Nie zapomnij o ciemniejszej pelerynie,
Załóż koronkę na głowę.
I było cudownie!
Po zajęciach babcia Galina Kronidovna zapaliła nasz słynny piec kaflowy, nakryła do stołu, postawiła herbatę, placek z wiązem, placki z mięsem, z kapustą, konfiturami i wszyscy pod przewodnictwem Fonvizina zasiedli do stołu. Drewno opałowe trzaskało w piecu, a płytki malachitowe lśniły. A wszystko to odbijało się w lustrze. Artur Władimirowicz w jakiś sposób się zmienił i ujawnił się jego drugi talent - gawędziarza. Było jednak dwóch gawędziarzy: Fonvizin i moja babcia. Artur Władimirowicz z humorem opowiadał o swoim życiu i studiach w Monachium, babcia o wielkim Ustiugu, gdzie się urodziła, o studiach na wyższych kursach kobiecych w Petersburgu.
Arturowi Władimirowiczowi bardzo się podobało na naszej daczy w Lianozowie. W ogrodzie było mnóstwo kwiatów, bardzo różnorodnych: bzy, piwonie, dzwonki, bratki. Fonvizin naprawdę lubił bzy, co do których również wyraził swoje uczucia:
Bzy jeszcze nie zakwitły,
Słodki oddech podnieca ich klatkę piersiową
Czasem masz ochotę paść na kolana.
Powiedz wiośnie: nie odchodź, zostań...
Artur Władimirowicz bez końca malował ogród swojej babci i byłem zdumiony - malował te same piwonie dziesiątki razy i zawsze były inne. Nauczył mnie patrzeć na kwiaty i dopasowywać je do martwej natury.Jego ulubionym miejscem był domek letniskowy, opleciony wiciokrzewem z pomarańczowymi kwiatami. Tutaj jego uczniowie malowali kwiaty, dyskutowali o swojej pracy i słuchali krytyki mistrza. Potem usiedli przy długim stole pod starym, rozłożystym dębem. Artur Władimirowicz nazwał go Starym Rycerzem i przypomniał wiersze Feta:
Wokół ciebie niewidzialnym ruchem
Przestrzeń twoich korzeni pełza.
I w ich krzywych odstępach,
Gniazduje na wzgórzu niezapominajek
Odważniej patrzą w dal stepów.
Moja matka przyjaźniła się z Natalią Osipovną, żoną Artura Władimirowicza, uroczą kobietą o absolutnie oszałamiającym uśmiechu. Bardzo podobało mi się chodzenie do Fonvizinów, aby pogratulować mistrzowi jego urodzin, 30 grudnia. Natalia Osipowna pokazała mi eleganckie lalki autorstwa Artura Władimirowicza, jako modele do ilustrowania bajek. Z biegiem lat zdałem sobie sprawę, że Artur Władimirowicz mógł stworzyć taki obraz tylko dzięki dziecięcemu postrzeganiu świata.
Metoda A. V. Fonvizina
Rozważana metoda malarstwa akwarelowego nosi imię wspaniałego artysty Artura Władimirowicza Fonvizina, który pracował w niesamowity, niepowtarzalny sposób. I choć panuje opinia, że Fonvizin jest tradycyjny w swoich pracach, to najprawdopodobniej można to przypisać temu, że artysta nie używał bieli, nie łączył gwaszu z akwarelami, czyli tradycyjnie posługiwał się czystą akwarelą.
Poza tym jego prace mają głęboko indywidualny charakter.
Właśnie z tego powodu można by nie brać pod uwagę jego metody malarstwa akwarelowego, gdyby nie wielu naśladowców, a raczej naśladowców wśród kolejnych pokoleń artystów, zwłaszcza współczesnych młodych akwarelistów.
Niektórzy artyści i historycy sztuki uważają, że Fonvizin malował akwarele na mokrej powierzchni papieru. To nie jest prawda. Artysta nie pracuje na zwilżonym papierze, gdy jest całkowicie zdany na łaskę kaprysów farby rozlewającej się po mokrym papierze.
Zachowały się wspomnienia współczesnych artysty, jego modeli, którzy obserwowali twórczość mistrza. Można uważnie przyjrzeć się jego pracom w Galerii Trietiakowskiej i na różnych wystawach.
A.V. Fonvizin pisał na ręcznie robionym papierze Whatman GOZNAK o lekkim ziarnie, przyczepiając go do tabliczki za pomocą guzików, których ślad pozostał na dziele.
Wydaje się, że autor nie wykonał rysunku przygotowawczego ołówkiem, lecz zaczął rysować cienką końcówką pędzla, obrysowując jedynie drobne kontury tego, co zostało przedstawione, o czym świadczą niedokończone prace.
Jednak ta niekompletność sprawia raczej wrażenie szczególnej lakoniczności, właściwej jego twórczości. Następnie, zebrawszy dużą ilość wody z farbą za pomocą dużego pędzla, delikatnie wcierał ją w powierzchnię papieru, dodając inne kolory, aby uzyskać wymagany złożony ton, czyli uzyskano swego rodzaju paletę w samym dziele. Artysta z wielkim wprawą kontrolował za pomocą pędzla szerokie smugi koloru, naprzemiennie z ciemnymi i jasnymi obszarami, czasem pozostawiając papier niemal nietknięty.
Tu i ówdzie artysta na wyschniętej powierzchni poprzedniej warstwy wprowadzał akcenty kolorystyczne, czasem bardzo nieznaczne, wręcz kropkowe, aby podkreślić kształt lub plamę koloru. W portretach najczęściej podkreślane są oczy i usta.
Na niektórych pracach widać, jak artysta, przyjmując aktywny kolor, który na pierwszy rzut oka wyróżnia się na tle ogólnej tonacji płachty, z czcią i ruchem pędzla nałożył na jej powierzchnię szeroką kreskę.
W późniejszych pracach A. V. Fonvizin lekko zacierał niektóre obszary kolorystyczne, łącząc je z wyraźnymi wypełnieniami, a także nałożył na siebie kilka warstw koloru. Jego prace nie sprawiają jednak wrażenia wielowarstwowych akwareli, zachowują niesamowitą świeżość, przejrzystość i świetlistość.
Podsumowując, chciałbym dodać, co następuje. Patrząc na akwarele współczesnych młodych artystów, których pasją jest twórczość A. V. Fonvizina, chciałbym wierzyć, że ostatecznie uda im się przejść od naśladowania wielkiego mistrza, raczej formalnie, do głębokiego zrozumienia jego twórczości i wykorzystując podstawowe, fundamentalne podejścia artysty do akwareli, tworzą własne, niepowtarzalne dzieła.
(1882-1973)
A.V. Fonvizin urodził się w rodzinie leśniczego. Rozpoczął naukę w Moskiewskiej Szkole Malarstwa i Wystaw Artystycznych w 1901 roku, ale został wydalony wraz z dwoma przyjaciółmi, M.F. Larionowem i S.Yu Sudeikinem, za zorganizowanie wystawy, na którą władze nie pozwoliły.
W latach 1904-06. kontynuował naukę w Niemczech, w prywatnych warsztatach w Monachium.
W pierwszej dekadzie stulecia był aktywnym i prominentnym uczestnikiem prestiżowych wystaw, takich jak Salony „Błękitna Róża”, „Wianek”, „Złote Runo”, „Wianek-Stephanos”, „Świat Sztuki”.
W latach dwudziestych XX wieku został członkiem stowarzyszenia Makovets, wykładał w pracowniach Tambow Proletkult w Niżnym Nowogrodzie Art College.
Na początku swojej twórczości operował w zgodzie z symboliką, w stylu tzw. prymitywu lirycznego. Płótna Fonvizina z tamtych czasów wyróżniają się wyjątkową gamą. To tak, jakby emanowało z nich jakieś migoczące, tajemnicze światło, wywołujące pewien stan umysłu. Są to jego „Oblubienica” (1902), „Leda”, „Kompozycja z postacią Chrystusa” (oba 1904).
Jednak dziś Fonvizin jest lepiej znany jako niezrównany wirtuoz malarstwa akwarelowego. Do lat trzydziestych XX wieku Ostatecznie wybrał dla siebie główną i ulubioną od tego czasu technikę akwareli, odsłonił romantycznie wzniosłą strukturę swojej twórczości, nakreślił wachlarz tematów kojarzących się z odświętnymi obrazami teatru i cyrku oraz ze wspomnieniami z dzieciństwa zanurzonymi w tęczowej mgle. Od razu w kolorze, bez przygotowania ołówkiem, maluje z życia zwiewne, jasne kwiatowe martwe natury, pejzaże topiące się we mgle, ale głównie portrety, preferując modelki.
Jego ulubionymi bohaterkami są aktorki, często w kostiumach teatralnych, związanych z konkretną rolą, zanurzone w podniosłej emocjonalnej atmosferze sceny („Portret D. V. Zerkalovej”, „Portret Yu. S. Glizera”, oba 1940 itd.). A jego dziecięca miłość do cyrku podyktowała mu niezliczone kolorowe szkice eleganckich jeźdźców, już nie w naturze, ale w fantazji (seria „Cyrk”, lata 40.-70. XX w.). Obrazy popularnych romansów rozpływających się w mgle barw (cykl „Pieśni i romanse”, lata 40.-60. XX w.) i wspomnienia z dzieciństwa z życia na prowincji („Przewoźnicy”, lata 40. XX w.) spowija romantyczna mgła. Obejmuje to również jego najlepsze prace w książce.
Tymczasem ani improwizacyjna, jakkolwiek beztroska swoboda malarstwa akwarelowego, ani romantyczna senność jego obrazów nie odpowiedziały na lata 30. i 40. XX wieku. oficjalnych wytycznych artystycznych, dlatego też twórczość Fonvizina była wówczas atakowana w prasie. A w czasie wojny został na jakiś czas zesłany do Kazachstanu ze względu na swoje niemieckie pochodzenie. A jednak artysta niezmiennie pozostawał wierny naturze swego talentu, do końca życia rozwijał i urozmaicał te same ulubione motywy.
Patrzę na starą fotografię i czuję dziwne podekscytowanie. Przez całe moje życie nie widziałem Alli Belyakovej. Ale tutaj widzę ją, jak właśnie przychodzi na świat, w ramionach swojej matki. Ojciec jest w pobliżu. 1914 Luty. I jak we śnie słyszę jej głos:
- Urodziłem się w oszałamiający słoneczny zimowy dzień. W pierwszy dzień Maslenicy, najbardziej radosnego rosyjskiego święta...
Opowiada to Marii Gusiewie, dziennikarce, która odwiedziła Ałłę Michajłownę w dniu jej dziewięćdziesiątych urodzin. Opowiada historię barwnie, wesoło, zadziwia jasnością umysłu i pamięcią.
- Miałem szczęście, nie wiem, na co zasługę. To było tak, jakby od moich narodzin w cudownej rodzinie spłynęła na mnie łaska z nieba. I to trwa przez całe moje życie.
Tymczasem w jej życiu upłynęły dwie wojny światowe, najbrutalniejsza rewolucja i najbardziej nieludzka ze wszystkich wojen – wojna domowa. Nie licząc represji stalinowskich, które zrujnowały los ojca, który pozostawił córkę z rodowodem absolutnie nie do przyjęcia w społeczeństwie sowieckim.
Alla Mikhailovna Belyakova, z domu Kukol-Yasnopolskaya, urodziła się w tej Rosji, gdzie wydawało się, że wszystko zostało dla niej stworzone. Nazwisko Kukol-Jasnopolski jest zapisane w księgach genealogicznych rosyjskiej arystokracji, istnieje od trzystu lat, obchodziło swoje urodziny wraz z królewskim domem Romanowów.
„Arystokratyczna rasa jest odczuwalna w Ałły Michajłownej” – pisze Maria Gusiewa. – Proste plecy, zadbane dłonie, wykwintne oczy, lekko zniesmaczona fałda ust: mówią, że to nie teraz czas. Nie ogląda telewizji, nie czyta prasy: „Śmieci!”
Mój ojciec, Michaił Nikołajewicz, przygotowywał się do kariery dyplomatycznej, znał francuski, chiński i japoński. Studiował w korpusie kadetów, gdzie zaprzyjaźnił się z Mikołajem Kujbyszewem, bratem Waleriana, i ta przyjaźń już w czasach sowieckich uratowała go nie raz. Ale i tak zginął... Poszedł na front I wojny światowej. W czasie rewolucji przeszedł na stronę bolszewików. Podczas wojny domowej walczył z Basmachi w Turkiestanie, gdzie później rodzina mieszkała w Taszkencie.
Przyszła artystka spędziła dzieciństwo i młodość w uzbeckim środowisku: mówiła po uzbecku, uwielbiała orientalną biżuterię, a nawet splatała włosy jak uzbecka kobieta. Z takimi warkoczami przyjechałam do Moskwy, żeby zapisać się na architekturę. Instytut, dowiedziawszy się o jej pochodzeniu, nawet nie przyjął jej dokumentów. I wkrótce przyszła wiadomość, że mój ojciec był więziony w Taszkencie. Dostała pracę w fabryce lamp jako kopistka. Następnie przeniosła się do Svyazproekt jako kreślarz. Zaprojektowane fabryki samolotów. Awans na technika architekta. Wysłali mnie na zaawansowane kursy szkoleniowe z zakresu architektury. Zanim jednak dostałem dyplom, wybuchła Wielka Wojna Ojczyźniana.
Powrót z ewakuacji do Moskwy zbiegł się z prawdziwym cudem: przyjaciele pomogli mi dostać pracę na Akademii Architektury, o której nawet nie marzyłem. Jak ze statku na bal znalazłem się w towarzystwie znakomicie wykształconych i utalentowanych ludzi. A potem ze zdziwieniem odkryłem, że przyciągam uwagę wszystkich. Ałła Michajłowna była rzeczywiście bardzo widoczna: czarnowłosa piękność, o promiennych oczach, chodzie baletnicy, wdzięku i godności w każdym ruchu…
Do ich kręgu włączono znanych architektów i krytyków sztuki, nie ukrywając swoich sympatii. Aleksander Georgiewicz Gabrichevsky, który żartobliwie i poważnie nazwał ją „energią słoneczną”, polecił Ałłę Michajłowną swoim przyjaciołom, słynnym pianistom Heinrichowi Gustavovichowi Neuhausowi i Władimirowi Władimirowiczowi Sofronickiemu. I zanurzyła się w świat muzyki, co później zabrzmiało w jej akwarelach.
Zrobiła niesamowite wrażenie na kreatywnych ludziach. Nie tylko ze względu na urodę. W tej kobiecie było coś, co urzekło mnie raz na zawsze. Dzieje się tak, gdy inteligencja, uroda i talent szczęśliwie łączą się w człowieku. Kiedyś została zaproszona na koncert Światosława Richtera, a przed koncertem została przedstawiona mistrzowi. Tego wieczoru była niezwykle piękna. Miała na sobie koralową i czarną sukienkę w stylu japońskim. Widząc ją, Richter nagle skrzyżował ramiona na piersi i jakoś się skurczył. (Mówią, że tak się zachowywał, gdy coś go szczególnie podziwiało). Gdy już opamiętał się, zapytał: „Powiedz mi, kto jest Twoim ulubionym kompozytorem?” - Debussy'ego. Richter nigdy nie grał na bisach na swoich koncertach. Wyobraźcie sobie zdumienie melomanów, gdy po zakończeniu koncertu podniósł rękę, aby uspokoić rozentuzjazmowaną publiczność i oznajmił: „Debussy!”
Kontakt ze wspaniałymi ludźmi, którzy uznali ją za równą duchowi i talentowi, w najkrótszym możliwym czasie zapewnił jej poziom edukacji artystycznej, jakiego nie znalazłaby w żadnym instytucie. Pracowaliśmy z Allą Michajłowną poważnie i entuzjastycznie. Koneser literatury Boris Georgievich Makeev otworzył przed nią świat poezji. Odtąd codziennie uczyła się na pamięć wiersza. W jej pamięci zachowały się setki wierszy poetów z całego świata. A kiedy przyszedł czas na akwarele, wiersze i jej obrazy stały się ze sobą powiązane, w pełnym tego słowa znaczeniu.
A zbliżał się czas akwareli. Los przygotowywał spotkanie dla Alli Belyakovej, z którego nigdy nie ucieknie. I jakby to przewidując, była już obciążona pracą w Akademii, gdzie projektowano nudne sowieckie socjalistyczne miasta. Architekt Rachel Moiseevna Smolenskaya, z którą Belyakova pracowała nad tym samym projektem, wychwyciła jej nastrój. A kiedyś powiedziała: „Widzę, że się nudzisz. Chcesz zająć się akwarelą?
I pewnego pięknego dnia zabrała Allę do swojego przyjaciela, akwarelisty Arthura Fonvizina.
Był rok 1948. Artur Władimirowicz wrócił z zesłania do Kazachstanu, gdzie na początku wojny jako „Niemiec” został zesłany. Ogłoszony w 1937 roku „formalistą”, nadal uchodził za wroga sztuki radzieckiej. Niezrównany ilustrator książek nie znalazł pracy w żadnym wydawnictwie. O wystawach i zakupach jego obrazów nie mogło być mowy. Mieszkał w ogromnym mieszkaniu komunalnym, w ośmiometrowej izbie służby, z żoną i synem Seryozha.
„Pamiętam, że byłem w tym małym pokoju z jednym oknem wychodzącym na ceglaną ścianę” – powiedział mi Siergiej. „Ojciec pisał przy stole niedaleko tego okna, które błyszczało zardzewiałą cegłą. Tylko on potrafił tworzyć świetliste akwarele nawet w takich warunkach.”
Syna Fonvizina poznałem podczas pracy nad albumem wielkiego akwarelisty. Zobaczyłam setki akwareli, nikomu wcześniej nieznanych, i doznałam całkowitego szoku. Mogę sobie wyobrazić wrażenie, jakie ta fantastyczna sztuka wywarła na Ałły Belyakowej, która została wezwana z góry, aby została akwarelistką i spadkobierczynią genialnego mistrza.
To było jak udar słoneczny. Przed jej wzrokiem przesuwały się jeden po drugim tajemniczo migoczące obrazy, na których jakby z mgły wspomnień wypłynęły konie cyrkowe w pióropuszach z splecionymi ogonami, niosąc jeźdźców lekkich jak ważki w wieczność; krajobrazy spowite mgłą, wypełnione powietrzem i słońcem, świeciły; i kwiaty, kwiaty, kwiaty...
„Zakochałam się w jego akwarelach od razu, na śmierć i na zawsze” – wspomina Belyakova. „Postanowiłem: będę się od niego uczyć”.
Jak Alla Belyakova, która została jego ulubioną uczennicą, spotkała tego dnia Arthura Fonvizina?.. Myślę, że to jej wrażenie pokrywa się z jedynym rzeczywistym portretem artysty, z którym zostawiła nam jego żona, Natalia Osipovna Fonvizina pierwszego dnia ich spotkanie. „Małe, źle ubrane, duże, szare oczy, w których jest dziwna mieszanka nieśmiałości i żądzy przygód. Nagle zaczął śpiewać „Suzanne”. To właśnie dzięki tej piosence poczułam dokładnie, kim był i zawsze będzie ten człowiek: bezradny, unoszący się z prądem, z dziecięcą radością w duszy, z niemiecką naiwnością i czysto rosyjską prostotą. Natalya Osipovna nie myliła się: Fonvizin naprawdę pozostał taki przez całe życie.
Uwielbiał kobiety, podarował portrety wszystkim swoim bohaterkom - aktorkom i baletnicom. Poetyzował kobiety, uwielbiał je, cicho i bezinteresownie. Alla Belyakova oczarowała go. Jednak namówienie jej, aby udzielała lekcji, zajęło jej dużo czasu. „Przez cały rok nie mogłam się zdecydować” – powiedziała. - W końcu postawił kilka warunków: zebrać krąg uczniów, eskortować ich z domu na zajęcia i z powrotem - był strasznie krótkowzroczny. Zebrałam koło, zabezpieczyłam zapłatę przez Akademię, znalazłam pokój w Lenince…” Pierwsza lekcja odbyła się 8 marca jako prezent dla kobiety, w której od razu wyczułam niezwykły talent. Ogarnęła wszystko w locie. I z takim pragnieniem poszła w akwarelę, że wkrótce porzuciła zarówno Akademię, jak i architekturę. Wśród wierszy, na które znajdowała jeszcze czas, nagle natrafiła na taki, który niezwykle wpisywał się w jej poszukiwania siebie jako artystki. Był to wiersz Jacques’a Préverta „Jak narysować ptaka”:
Najpierw narysuj komórkę
Z szeroko otwartymi drzwiami.
Następnie coś narysuj
Bardzo potrzebne ptakowi...
Czasami przychodzi szybko
I siedzi na żerdzie w klatce,
Czasem mijają lata.
Nie trać ducha, poczekaj...
Gwiazdą przewodnią, motywem przewodnim jej twórczości stał się „Ptak” Prevert. Uczyłam się i malowałam całymi dniami, aż do zgaśnięcia światła, wypróbowując wszystkie gatunki dostępne akwarelom. A ona czekała i czekała, aż „ptak” odleci. (...)
„Jak uczył? – wspominała w krótkich, lakonicznych notatkach, które stały się swego rodzaju podręcznikiem dla przyszłych akwarelistów. – Nie zwilżaj papieru, użyj dużej ilości wody na pędzlu, aby akwarela rozpłynęła się bez wysiłku, nie wykonuj rysunku przygotowawczego, ponieważ prawdziwa akwarela i rysunek nigdy się nie pokrywają. Rysunek – geometria, akwarela – muzyka, poezja, ruch! Fonvizin dał mi poczucie rytmu i koloru. Nauczył mnie inscenizować martwą naturę. To jest najtrudniejsza rzecz. Dopóki w przedstawieniu nie złapiemy niezbędnego rytmu naprzemiennych kolorowych plam, obraz nie powstanie. Pisz tylko z życia, nie wymyślaj najróżniejszych kleksów i papek.
Godzina praktyki... Z podziwem przyglądała się fantastycznym umiejętnościom nauczyciela. Arthur Fonvizin wziął w rękę około dwudziestu różnych pędzli i szybko pisał, wyrywając z garści jeden po drugim. Porównywano go do orkiestry: „Artur Fonvizin gra na rękach jak na instrumentach”.
Alla weszła w swoje akwarele z taką czcią, z jaką Marina Cwietajewa weszła kiedyś w poezję: (...) „Jarzębina została oświetlona czerwonym pędzlem./Liście opadły - urodziłem się”. I namalowała całą serię jarzębiny, umieszczając te linie poety pod jednym z obrazów, nadając szczególne znaczenie słowom „Urodziłem się”. I choć urodziła się w lutym, tytuł obrazu sugerował, że urodziła się jako artystka.
Odtąd wszystko, co Alla Belyakova widzi i czuje, wszystko, czym oddycha, staje się akwarelą. Nieustannie tworzy martwe natury, odnajdując nowe formy i zestawienia. Maluje jabłka, gruszki, winogrona, arbuzy... Ale najbardziej żywe, najbardziej organiczne i harmonijne, najpiękniejsze są kwiaty. (...)
W pokojach Alli Belyakovej w dziesiątkach wazonów pojawiły się wspaniałe bukiety. W niektórych znajdowały się suszone kwiaty, utrwalające pamięć o wczoraj, w innych - żywe, czekające na pędzel artysty. Zewsząd pojawiały się kwiaty: z daczy pod Mozhajskiem, wyhodowane przez samą artystkę, prezenty od przyjaciół... (...)
Marina Cwietajewa znalazła w kwiatach związek z kosmosem i nazwała je „niebiańskimi gośćmi”. Zapewniła, że „piosenkarka we śnie odkryła prawo gwiazdy i formułę kwiatu”. Przez „piosenkarkę” miała na myśli poetę. Ale gdybym zobaczył obrazy Belyakowej, być może zrozumiałem, kim jest „piosenkarka”. Alla Belyakova odkryła „formułę kwiatową” nie we śnie, ale w rzeczywistości.
Cały rosyjski ogród zdawał się rozkwitać na nowo w jej akwarelach. Oto daleka od pełnej listy kwiatów i drzew, które znalazłem na obrazach Alli Belyakovej: bzu, czeremchy i jarzębiny, chabry, dzwonki i stokrotki, floks, piwonie i hortensje, lilie, żonkile i tulipany, konwalie , dalie i astry, bratki, koniczyny, paprocie, malwy, słoneczniki... I coraz częściej nauczycielka nadawała jej słynne znaki „Fonvizin”. Własną ręką napisał bezpośrednio na jej obrazach: „Artur Fonvizin postawił ocenę piątą”. I podpisał się, jakby też ten obraz namalował. I wreszcie do niej poleciał „ptak” Jacques’a Préverta, na który tak długo czekała, nie tracąc ducha. I czekając, nadal postępowała zgodnie z radą poety:
Kiedy ptak przyleci do ciebie,
Cicho zamknij drzwi szczotką,
Ostrożnie wymaż klatkę.
Następnie narysuj drzewo,
Po wybraniu żądanej gałęzi dla ptaka,
Narysuj zielone liście
Świeżość wiatru i pieszczota słońca.
I czekaj, czekaj, w takim razie
Aby ptak śpiewał...
Pochwały nauczyciela nie przyprawiły mnie o zawrót głowy, ale dodały odwagi. A Alla Belyakova zaczęła opanowywać portret. Najpierw pomalowałam się w sylwestra, przebrana i w kapeluszu klauna. Pokazałem nauczycielowi „Autoportret noworoczny”. Fonvizin uśmiechnął się i nagle, patrząc na nią, powiedział zawstydzony: „Podoba mi się twój zielony kapelusz. Chciałbym to napisać.” Roześmiała się, zdjęła kapelusz i podała mu: „Napisz”. - Nie, ty to załóż. Myślę, że wyjdzie mi to lepiej, jeśli napiszę to z tobą.
Malował niesamowite portrety kobiet. Alla była zdumiona dokładnością i odwagą tych jego zdjęć, których modelkami były słynne piękne aktorki. To była tajemnica. Fonvizin był osobą nieśmiałą i skromną, zwłaszcza w stosunku do kobiet. Ale patrząc na jego portrety kobiet, nie mogłam powstrzymać się od myśli: tylko prawdziwy mężczyzna mógłby zobaczyć taką kobietę.
I wtedy ją zobaczył.
Za „Zielonym Kapeluszem” znajdowały się dziesiątki portretów, cała galeria wizerunków Alli Belyakovej. W jej archiwum znajdowało się ich ponad pięćdziesiąt, przypuszcza się jednak, że znajdują się one także w zbiorach prywatnych. Jak wytłumaczyć tak niezwykłe pragnienie artysty – malowania, bez zmęczenia, tego samego modelu przez ćwierć wieku? Myślę, że mając niesamowitą charyzmę, Belyakova naładowała Fonvizina energią życiową podczas tych sesji. Nie była aktorką, ale na każdej sesji go zaskakiwała: była albo Rzymianką, albo Salome, albo Bacchante. A we współczesnych strojach pokazywała tak różne twarze i postacie, że niezmiennie fascynowała artystkę. Ale oto, co jest zaskakujące: przy tak wielu portretach akwarelowych nie znalazłem ani jednego zdjęcia Belyakowej z Fonvizinem! Co więcej, nigdzie ich nie znalazłem: ani wśród jej przyjaciół, ani wśród jej uczniów.
Mówią, że Natalia Osipowna była strasznie zazdrosna. I nie jest to zaskakujące. Pamiętała, jak wielkim szokiem był dla niej jej własny akwarelowy portret, namalowany przez Fonvizina w jednym z pierwszych dni ich znajomości. Była także artystką, uczyła się u słynnego Maszkowa. I według mistrza było obiecujące. Ale widząc ten swój portret, złożyła wszystkie swoje nadzieje u stóp Artura.
Natalia Osipowna martwiła się na próżno. Czystość relacji Belyakovej i Fonvizina nie budzi wątpliwości. Oczywiście byli dla siebie kimś więcej niż nauczycielem i uczniem. Więcej niż przyjaciele. Była jego muzą.
Dante śpiewał Beatrice przez całe życie. Dopóki jego ręka trzymała pędzel, Arthur Fonvizin pisał do Alli Belyakov.
Wpływ Fonvizina na nią był ogromny. Ale to on zauważył i docenił, że nie próbowała go ślepo naśladować. Szukałam własnego pisma, własnego stylu, własnego podejścia do akwareli. Była w ciągłym ruchu i szczęście sprzyjało jej.
W 1955 roku w teatrze Romen na swojej pierwszej osobistej wystawie do Alli Belyakovej podszedł siwy mężczyzna o niezwykle żywych, przenikliwych oczach. To był Robert Falk. Oczywiście, że o nim słyszała. Genialny artysta, podobnie jak Fonvizin, został sklasyfikowany przez oficjalną sztukę jako „formalista”. Pochwaliłam jej pracę. I nagle zaoferował swoją pomoc w nauce w swoim warsztacie. Z radością się zgodziłem. Przez dwa lata uczyła się u Falka, przejmując od niego poczucie przestrzeni i ruchu w malarstwie.Porównując swoich dwóch nauczycieli, Alla Belyakova zauważyła kiedyś: „Artur Fonvizin to bajka, impuls, inspiracja; Robert Falk – filozofia, rozum.”
Ale zgodzili się co do jednego. Fonvizin powiedział: „Muzyka i poezja są dla młodych ludzi, a malarstwo dla dorosłych”. Falk pomyślał: „Ci rodzice są głupi, którzy oddają swoje dzieci pod opiekę miernych nauczycieli. Trzeba pokazywać dzieciom, jak piękny jest świat, zabierać je do muzeów. Jeśli chcą rysować na poważnie, sami zaczną to robić, gdy dorosną. Za obrazem musi kryć się duchowy świat, w każdym dziele trzeba czuć dziedzictwo kultury całego świata.”
Doktor historii sztuki Michaił Kiselev na swój sposób wyraził wpływ tego wspaniałego duetu na twórczość Alli Belyakovej: „Być może to Falk pomógł Belyakovej przezwyciężyć potężny wpływ Fonvizina, a nie stać się tylko jego naśladowcą. Zwróciłem jej uwagę na wyrazistość przestrzeni obrazowej tworzonej przez niuanse koloru. Wyjątkowe połączenie tych mistrzów zmieniło Allę Belyakovą w wielką artystkę, w akwarelistkę, co jest zjawiskiem bardzo rzadkim. (...)
Jej martwe natury i pejzaże zachwycają wirtuozowskim opanowaniem materiału. Każdy liść jest naładowany energią duchową. Najprostsze motywy przepełnione są romantyczną przemianą. Każde pociągnięcie jest zaznaczone z dokładnością, każda plamka koloru jest na swoim miejscu. Czystość palety, szlachetność i głębia światła – to wszystko przenosi nas w świat harmonii, marzeń, oświeconej lekkości bytu.”
Stoję pod pomnikiem Alli Belyakovej, na którym jej słowa mienią się złotem: „Kiedy maluję kwiaty akwarelą, staram się, aby były tak piękne jak poezja i muzyka. Chcę, żeby wszystko, co napiszę, było wspaniałe. To moje marzenie".
Jej marzenie się spełniło. „Ptak” poety podleciał do niej i zaczął śpiewać. I będzie śpiewać jeszcze długo.
...A jeśli ptak śpiewa,
To dobry znak.
Znak, że Twoje zdjęcie
Czy możesz być dumny
I możesz mieć swój podpis
Umieść go w rogu obrazu.
Leonida Lernera
Akwarela jest chyba najbardziej artystyczną techniką. Ręka musi być precyzyjna, ruchy mistrzowskie, pełne skupienie – żyć „teraz” – artysta chodząc po linie nie może popełniać błędów. Pewnie dlatego głównym tematem twórczości Fonvizina był cyrk i balet, które także żyją w czasie rzeczywistym, „teraz” na scenie – i „później” nic nie można poprawić.
Potrzebna jest bardzo duża precyzja, aby koń w odpowiednim momencie przeskoczył barierę w rytm muzyki i celnie wylądował. Artysta zdołał okiełznać wodę i farbę – dokładnie wie, dokąd spłynie każda kropla, więc zaskakuje wręcz: jak zrobić wytrenowaną wodę?
Artur Fonvizin.
Pochodził z Niemców bałtyckich (początkowo podpisywał swoje dzieła „von Wiesen”).
Studiował w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury pod kierunkiem M. Larionowa i S. Sudeikina. Razem z nimi został stamtąd wydalony za próbę „obalenia dawnej sztuki”.
W 1904 wyjechał na studia do Monachium, gdzie zaprzyjaźnił się z Konstantinem Zefirowem.
„Błękitna róża”, „Jack of Diamonds”, „World of Art”, „Makovets” - Fonvizin był członkiem prawie wszystkich znaczących stowarzyszeń artystycznych w Rosji na początku XX wieku.
1937 - wystawa osobista w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych...
A w 1937 r. – porażka „formalizmu” (w tym samym roku Muzeum otrzymało imię Puszkina).
Dlaczego tak nieszkodliwego artystę zniszczono (i w konsekwencji pozbawiono zamówień na ilustracje)? Żadnego kubizmu, żadnego ekspresjonizmu, żadnego rozbioru i analizy formy – czysta radość, świeżość i zdrowie! W końcu bez polityki! Ale dostałem to za bycie apolitycznym. Za cieszenie się kolorem, plamą, wirtuozerską linią, a nie „walkę o coś” – lub odwrotnie, przeciwko czemuś. Za bycie po prostu artystą.
Wolności nie można wybaczyć nigdzie i nigdy nikomu. Przypomnijmy Matisse’a, który mniej więcej w tym samym czasie był prześladowany przez „wolną krytykę francuską” za malowanie kobiet i kwiatów. Zamiast reagować na „nieludzkie czasy”, pisz surrealizm, udrękę i melancholię.
Krytycy Fonvizina byli oburzeni: naród radziecki nie może lubić takiej pozbawionej zasad sztuki, zresztą wykonanej w frywolnej technice akwareli! Zarzucano mu nawet, że pisał bez wstępnego szkicu ołówkiem. I nie wiedział z góry, dokąd wszystko pójdzie. „Wybrałam” kolor już na samym dziele, zamieniając go w paletę – tu i ówdzie zostawiłam czystą kartkę papieru, gdzieś pomalowałam pędzlem…
W latach 30. Fonvizin był ucieleśnieniem epoki Srebrnego Wieku, zaskakująco utrzymującym się, zachowującym swoje „nie z tego świata” pomimo wszystkich trudnych realiów świata. „Świat mnie łapał, ale mnie nie łapał”.
„Świat sztuki” - Fonvizin na zawsze zachował oddzielenie od prawdziwego życia, charakterystyczne dla członków tego stowarzyszenia. Podobnie jak jego studencki przyjaciel Siergiej Sudeikin, zamienia sztukę w arystokratyczną grę, w czystą muzykę kolorów..
Muzyka jest najbardziej idealną sztuką. Akwarele Fonvizina mają muzyczną formę i nie mają większego związku z rzeczywistością niż rosyjski romans.
Fonvizin bardzo lubił romanse – z przesadnymi namiętnościami i ospałością – i nasycał swoje prace ich konwencjonalną atmosferą.
Aleksander Łabas:
„Artur Władimirowicz należał do pokolenia starszego ode mnie. Zawsze jednak zachowywał świeżość, młodość i spontaniczność. Nie sposób tego nie zrozumieć, patrząc na jego wspaniałe prace, duże arkusze akwareli, znakomicie wykonane przez prawdziwego artystę. Artur Władimirowicz przez wiele lat żył i pracował w ciasnych warunkach, ale właśnie wtedy, w drugiej połowie lat 30., jego twórczy rozwój był szczególnie widoczny, kiedy zaczęła pojawiać się seria doskonałych dużych akwarelowych portretów - Ulanova, a po niej baletnice, aktorki, jeden portret następuje po drugim i jeden jest lepszy od drugiego. To właśnie za te portrety został zmiażdżony i nazwany formalistą”.
Arthur Fonvizin poświęcił się baletowi i cyrkowi – sztukom w swej istocie formalnym – ale malował portrety żywych ludzi. Dlatego też poza nawiasami pozostaje lekki posmak formalizmu: przecież Salome i grająca ją aktorka nie są ze sobą tak krótko powiązane (która mieszka w małym pokoju, chodzi do teatru do pracy, robi makijaż, a potem zmywa makijaż) ):
Kobieta jednak zawsze bawi się – przed widzem, przed lustrem – doskonaląc swoją formę, aby była jak najbardziej atrakcyjna. I Fonvizin bardzo dobrze odczytał tę jej postać - pisze o kobiecie, która marzy o zobaczeniu siebie:
Uratowały go kobiety – kiedy w czasie wojny Fonvizin jako Niemiec został wypędzony z Moskwy do Kazachstanu, jego powrót natychmiast zapewniły wielkie aktorki.
W 1944 roku artysta zlecił Teatrowi Dramatycznemu (obecnie Teatrowi Majakowskiego) wykonanie serii portretów artystów teatralnych.
Po wojnie wystawiał całkiem sporo (jak na radzieckiego artystę)
Larionow, który wyjechał do Paryża, napisał do Fonvizina: „Akwarela rozpieszcza! Zastanów się, z czego będziesz żył?” I muszę przyznać, że Larionow miał rację - Fonvizin, namalując w ciągu swojego życia ogromną liczbę akwareli, ledwo mógł związać koniec z końcem.
Ale wszystko dobrze się skończyło... W wieku 70 lat przeniósł się ze wspólnego mieszkania do osobnego mieszkania, a w wieku 85 lat otrzymał tytuł Zasłużonego Artysty.
Teraz żadna aukcja antyków nie jest kompletna bez jego dzieł.
Oto wspomnienia Galiny Streletskiej z powojennych lat życia.
Nie ma tu żadnych ważnych informacji, ale ważniejsza jest atmosfera:
„W 1948 roku Alla Mikhailovna Belyakova spotkała Fonvizina i namówiła go, aby uczył akwareli grupę architektów.
Alla Belyakova została „najbardziej ukochaną uczennicą”, a moja matka, Elena Chaus, „najpilniejszą uczennicą”. Tak ich nazwał mistrz.
Zajęcia z akwareli odbywały się u nas w domu, we wspólnym mieszkaniu przy Bulwarze Gogolewskim. Szczególnie pamiętam pierwszą lekcję. Panie przyszły ubrane jak do teatru i podekscytowane, jakby czekały na księcia z bajki. I tak wszedł, starszy wujek o wesołych, roześmianych oczach i tanecznym chodzie podszedł do pań, rozejrzał się, zobaczył mnie, pięcioletnią dziewczynkę z ogromnym kokardą, podeszła i powiedziała (bez klepania mnie po głowie, co Nie tolerowałem): „Och! jakie loki! Muszę pisać."
Na zajęciach z Fonvizinem panie malowały portrety i martwe natury, które mistrz tworzył już dawno temu, jak zawsze tańcząc i śpiewając. Kręciłem się i wszystko wydawało mi się jakimś nonsensem - wazon w tę stronę, wazon w tamtą stronę. Kogo to obchodzi!
Wymyślając kompozycje, Artur Władimirowicz tworzył jak czarodziej i magik. W całym mieszkaniu zgromadzono przedmioty do martwych natur, wiele z nich miało sławne pochodzenie: Gardner, Kuzniecow, Miśnia... I nie były to tylko lekcje akwareli, ale także wiedza o świecie sztuki. Pamiętam, jak Artur Władimirowicz mówił o mistrzu Holbeinie, artyście klasycznej sceny niemieckiego renesansu.
Na zajęciach zwykle obecny był gramofon. Grali płyty - często romanse uwielbiane przez Artura Władimirowicza:
Otwórz bramę powoli
I wejdź jak cień do cichego ogrodu.
Nie zapomnij o ciemniejszej pelerynie,
Załóż koronkę na głowę.
I było cudownie!
Po zajęciach babcia Galina Kronidovna zapaliła nasz słynny piec kaflowy, nakryła do stołu, postawiła herbatę, placek z wiązem, placki z mięsem, z kapustą, konfiturami i wszyscy pod przewodnictwem Fonvizina zasiedli do stołu. Drewno opałowe trzaskało w piecu, a płytki malachitowe lśniły. A wszystko to odbijało się w lustrze. Artur Władimirowicz w jakiś sposób się zmienił i ujawnił się jego drugi talent - gawędziarza.
Moja matka przyjaźniła się z Natalią Osipovną, żoną Artura Władimirowicza, uroczą kobietą o absolutnie oszałamiającym uśmiechu. Bardzo podobało mi się chodzenie do Fonvizinów, aby pogratulować mistrzowi jego urodzin, 30 grudnia. Natalia Osipowna pokazała mi eleganckie lalki autorstwa Artura Władimirowicza, jako modele do ilustrowania bajek. Z biegiem lat zdałem sobie sprawę, że Artur Władimirowicz mógł stworzyć taki obraz tylko dzięki dziecięcemu postrzeganiu świata.
Pewnego dnia do naszej klasy przyszedł Robert Rafailovich Falk, którego matka i Belyakova również czasami się uczyły. Falk zobaczył nasze portrety autorstwa Fonvizina i w zamyśleniu powiedział: „Akwarele Arthura to improwizacja wierszem”.