Niesamowite fakty
Hiperrealizm ołówkiem
Diego Fazio
Ten utalentowany 22-letni artysta nie przestaje zadziwiać i po raz kolejny udowadniać, że jego obrazy to nie fotografie i że wszystkie są rysowane ołówkiem.
Swoje prace, które publikuje w Internecie, podpisuje jako DiegoKoi. Ponieważ wciąż są tacy, którzy nie wierzą, że wszystko sam rysuje, musi dzielić się sekretami swojej kreatywności.
Artysta może już pochwalić się własnym stylem – wszelkie prace zaczyna od krawędzi kartki, nieświadomie naśladując drukarkę atramentową.
Jego głównymi narzędziami są ołówki i węgiel drzewny. Namalowanie portretu zajmuje Fazio około 200 godzin.
Obrazy olejne
Autor: Eloy Morales
Niesamowicie realistyczne autoportrety tworzy hiszpański malarz Eloy Morales.
Wszystkie obrazy malowane są farbą olejną. Przedstawia w nich siebie poplamionego farbami lub kremem do golenia, próbując w ten sposób uchwycić i przedstawić światło.
Praca nad obrazami jest bardzo skrupulatna. Autor pracuje powoli, starannie dobierając kolory i przetwarzając wszystkie szczegóły.
A jednak Morales zaprzecza, jakoby kładł nacisk na szczegóły. Twierdzi, że najważniejsze jest dla niego dobranie odpowiednich tonów.
Jeśli dokonasz precyzyjnego przejścia pomiędzy tonami, szczegóły pojawią się same.
Malowanie kredkami
autorstwa Jose Vergary
Jose Vergara to młody amerykański artysta z Teksasu. Jest autorem obrazów, z których każdy niezwykle wiernie oddaje ludzkie oko.
Vergara opanował umiejętność rysowania oczu i ich szczegółów, gdy miał zaledwie 12 lat.
Wszystkie hiperrealistyczne obrazy rysowane są zwykłymi kredkami.
Aby obrazy wyglądały jeszcze bardziej realistycznie, artysta dodaje do tęczówek odbicia obiektów, na które patrzy oko. Może to być horyzont lub góry.
Obrazy olejne
Roberta Bernardiego
Prace współczesnego 40-letniego artysty, urodzonego w Toddi we Włoszech, uderzają realizmem i szczegółowością.
Warto dodać, że rysować zaczął już we wczesnym dzieciństwie, a już w wieku 19 lat zainteresował się ruchem hiperrealistycznym i do dziś maluje obrazy olejne w tym stylu.
Obrazy akrylowe
Autor: Tom Martin
Ta młoda 28-letnia artystka pochodzi z Wakefield w Anglii. W 2008 roku ukończył z wyróżnieniem studia na Uniwersytecie w Huddersfield, uzyskując tytuł licencjata w dziedzinie sztuki i projektowania.
To, co przedstawia na swoich obrazach, ma związek z obrazami, które widzi na co dzień. Sam Tomek prowadzi zdrowy tryb życia, co wpływa na jego pracę.
W obrazach Martina można odnaleźć kawałek stali czy ułożone cukierki, a on w tym wszystkim odnajduje coś własnego, wyjątkowego.
Jego celem nie jest proste kopiowanie obrazu z fotografii, maluje obrazy przy użyciu kilku technik malarskich i modelarskich opracowanych przy użyciu nowoczesnych technologii.
Celem Martina jest sprawić, by widz uwierzył w rzeczy, które widzi przed sobą.
Obrazy olejne
Autor: Pedro Campos
Pedro Campos to hiszpański artysta mieszkający w Madrycie w Hiszpanii. Wszystkie jego obrazy są niezwykle podobne do fotografii, ale tak naprawdę wszystkie są malowane farbami olejnymi.
Kariera utalentowanego artysty rozpoczęła się w warsztatach twórczych, gdzie jeszcze w bardzo młodym wieku projektował kluby nocne i restauracje. Następnie pracował w agencjach reklamowych, ale jego miłość do hiperrealizmu i malarstwa przyszła prawdopodobnie w czasie, gdy zajmował się restauracją.
W wieku 30 lat zaczął poważnie myśleć o zostaniu niezależnym artystą. Dziś ma ponad czterdziestkę i jest uznanym mistrzem w swoim rzemiośle. Prace Camposa można oglądać w popularnej londyńskiej galerii sztuki Plus One.
Do swoich obrazów artysta wybiera przedmioty o specyficznej fakturze, na przykład błyszczące kule, błyszczące szkło itp. Wszystkim tym pozornie zwyczajnym, niepozornym przedmiotom daje nowe życie.
Obrazy wykonane długopisem
Samuela Silvy
Najciekawsze w pracach tego artysty jest to, że rysowane są wyłącznie długopisami – 8 kolorów.
Większość obrazów 29-letniego Silvy jest kopiowana z fotografii, które lubił najbardziej.
Aby narysować jeden portret, artysta potrzebuje około 30 godzin żmudnej pracy.
Warto zaznaczyć, że rysując długopisami artysta nie ma prawa popełnić błędu, bo... naprawienie tego będzie prawie niemożliwe.
Samuel nie miesza atramentu. Zamiast tego nakładane są warstwowo pociągnięcia różnych kolorów, co nadaje obrazowi efekt bogatej palety barw.
Młody artysta z zawodu jest prawnikiem, a rysowanie to tylko jego hobby. Pierwsze rysunki powstały w zeszytach już w czasach szkolnych.
Oprócz długopisów Samuel próbuje rysować kredą, ołówkiem, farbami olejnymi i akrylami.
Akwarele
Erica Christensena
Ten artysta samouk zaczął rysować w 1992 roku. Teraz Christensen jest jednym z najpopularniejszych i najmodniejszych artystów.
Eric jest między innymi jedynym jak dotąd artystą hiperrealistycznym na świecie malującym wyłącznie akwarelami.
Jego obrazy przedstawiają bezczynny tryb życia, motywujący do relaksu gdzieś w willi z lampką wina w dłoni.
Obrazy olejne
Luigiego Benedicentiego
Pochodzący z miasta Chieri Benedicenti postanowił połączyć swoje życie z realizmem. Urodził się 1 kwietnia 1948 roku, czyli już w latach siedemdziesiątych pracował w tym kierunku.
Niektóre z jego najsłynniejszych obrazów to te, na których szczegółowo przedstawiał ciasta, ciasta i kwiaty, a wyglądały tak wiernie, że chciało się jeść te ciasta.
Luigi ukończył szkołę artystyczną w Turynie w latach 70-tych. Wielu krytyków zaczęło dobrze wypowiadać się o jego obrazach, pojawili się także jego fani, jednak artyście nie spieszyło się z zamieszaniem związanym z wystawą.
Na początku lat 90. zdecydował się wystawić swoje prace na widok publiczny.
Sam autor twierdzi, że chce w swoich pracach przekazać wrażenia i wzruszenie drobnymi radościami, których sam doświadcza na co dzień, będąc wzorowym człowiekiem rodzinnym, dobrym przyjacielem i mieszkańcem małego włoskiego miasteczka.
Obrazy olejne i akwarele
autorstwa Gregory'ego Thielkera
Prace artysty Gregory'ego Tilkera, urodzonego w 1979 roku w New Jersey, przypominają podróż samochodem w chłodny, deszczowy wieczór.
W pracach Tilkera przez krople deszczu na przedniej szybie widać parkingi, samochody, autostrady i ulice.
Warto dodać, że Tilker studiował historię sztuki w Williams College i malarstwo na Uniwersytecie Waszyngtońskim.
Po przeprowadzce do Bostonu Gregory postanowił skupić się na pejzażach miejskich, które można zobaczyć w jego pracach.
Rysunki ołówkiem, kredą i węglem
autorstwa Paula Caddena
Możesz być zaskoczony, ale na prace słynnego szkockiego artysty Paula Caddena wpłynęła genialna radziecka rzeźbiarka Vera Mukhina.
Dominującą kolorystyką w jego obrazach są szarości i ciemnoszare, a narzędziem, jakim się posługuje, jest ołówek łupkowy, za pomocą którego przekazuje nawet najmniejsze krople wody zamrożone na twarzy człowieka.
Czasami Cadden podnosi kredę i węgiel drzewny, aby obraz był jeszcze bardziej realistyczny.
Warto dodać, że bohater czerpie ze zdjęć. Artysta twierdzi, że jego misją jest stworzenie żywej historii ze zwykłej, płaskiej fotografii.
Rysunki kolorowe ołówkiem
Marcello Barenghiego
Głównym tematem hiperrealistycznego artysty Marcello Berengiego są otaczające nas przedmioty.
Rysowane przez niego obrazy są tak realne, że wydaje się, że można podnieść wylosowaną paczkę żetonów lub ułożyć narysowaną kostkę Rubika.
Aby stworzyć jeden obraz, Marcello poświęca aż 6 godzin żmudnej pracy.
Ciekawostką jest również fakt, że artysta sam filmuje cały proces powstawania rysunku, a następnie umieszcza w Internecie 3-minutowy film.
Włoski artysta Marcello Barenghi rysuje 50 euro
Wydawać by się mogło, że są to fotografie najwyższej klasy, jednak w rzeczywistości są to obrazy hiperrealistyczne, które z niezwykłą wyrazistością oddają rzeczywistość.
Jasna strona Mówiłem już o arcydziełach hiperrealizmu, które zadziwiają swoją wiarygodnością. Ale kreatywność artystów nie stoi w miejscu i stale podnoszą jakość swojej pracy. W pogoni za techniką i szczegółem osiągnęli niespotykane dotąd podobieństwo. Jednak duża wytrwałość i talent autorów sprawiają, że portrety te są czymś więcej niż tylko kopią fotografii. Zawierają życie, wizję artysty, emocje i iluzję świata, w którym żyjemy.
Linneę Strid
Linnea Strid urodziła się w 1983 roku w małej szwedzkiej wiosce. W wieku 16 lat jej rodzina przeprowadziła się do Hiszpanii, a w 2004 roku wrócili do Szwecji, gdzie przez 4 lata uczyła się w szkole artystycznej. Obecnie artysta porusza się w nurcie hiperrealizmu i bierze udział w wystawach na całym świecie.
Sewostyanowa Galina
Galina Sevostyanova jest artystką samoukiem z rosyjskiego miasta Kemerowo. Rysunkiem zainteresowałam się na poważnie w 2010 roku i od tego czasu osiągnęłam niesamowite sukcesy w technice i sztuce hiperrealizmu.
Juana Carlosa Manyaresa
Juan Carlos Magnaares urodził się w 1970 roku w Guadalajarze w Meksyku. Artysta samouk, swoją pierwszą wystawę zaprezentował w wieku 24 lat w galerii La Escalera. Z biegiem czasu jego nazwisko i piękne obrazy stały się dobrze znane w USA i za granicą.
Callie Haun
Niemiecka artystka Callie Haun znana jest na całym świecie przede wszystkim jako autorka szokujących i prowokujących dzieł. Rozpoczynając karierę w projektowaniu znaków, Culley stał się jednym z najbardziej szanowanych artystów hiperrealistycznych.
Patryk Kramer
Patrick Kramer urodził się w Kaysville w stanie Utah w USA. Artystka nie ogranicza się do jednego tematu i maluje wszystko: od klasycznych martwych natur i portretów po malownicze pejzaże i sceny miejskie.
Williama Lazosa
Kanadyjski artysta William Lazos od wielu lat pracuje nad tworzeniem hiperrealistycznych obrazów. Cechą charakterystyczną jego prac jest zachwycająca gra światła i cienia.
Damiena Loeba
Część krytyków zarzuca malarstwu hiperrealistów brak oryginalności, jednak prace artysty Damiena Loeba stanowią wyjątek od szeregu zasad. Za pomocą wielu detali podkreśla naturalne piękno kobiecego ciała, ze wszystkimi jego wadami i doskonałością.
Harriet White
Harriet White urodziła się w Taunton w Wielkiej Brytanii. Ukończyła miejscową szkołę artystyczną, gdzie doskonaliła swoje umiejętności związane z hiperrealizmem. Dziś jej prace wystawiane są głównie w galeriach komercyjnych.
Wincentego Fatauzo
Prace znanego australijskiego artysty Vincenta Fatauzo były wystawiane na całym świecie. Jego obraz Heath otrzymał nagrodę People's Choice Award w prestiżowym konkursie malarskim Archibald Prize 2008. Portret Heatha Ledgera powstał na kilka tygodni przed śmiercią aktora.
Philippe Munoz
Artysta samouk Philippe Munoz mieszka w Bristolu w Wielkiej Brytanii. Obrazy autora poświęcone są glamourowi i jego wpływowi na współczesne społeczeństwo. Jak sam Philip przyznaje, celem jego prac jest oddanie tętniącego życiem miasta, dlatego na portretach najczęściej można spotkać imprezowiczów i innych miłośników rozrywki.
Natalia Vogel
Większość obrazów Nathalie Vogel przedstawia tajemnicze kobiety, które urzekają swoim pięknem i tragedią. Cechą charakterystyczną wszystkich jej prac jest umiejętność subtelnego rozpoznawania języka ludzkiego ciała.
Robina Eleya
Robin Eley urodziła się w Wielkiej Brytanii, wychowała w Australii, a kształciła się w Ameryce. Każdy jego obraz to około 5 tygodni pracy, 90 godzin tygodniowo. Motywem przewodnim są ludzie zawinięci w celofan.
Iwana Franko Fragi
Hiszpański artysta Ivan Franco Fraga zdobył wykształcenie artystyczne na Uniwersytecie w Vigo w Hiszpanii. Jego prace wystawiane były w wielu galeriach w Hiszpanii i brały udział w różnorodnych konkursach.
Kang Kang Hoon
Koreański artysta Kang Kang Hoon wykorzystuje w swoich obrazach różnorodne tematy, łącząc je z zachwycającymi portretami ludzi.
Denisa Petersona
Denis Peterson uważany jest za jednego z założycieli ruchu hiperrealizmu w Stanach Zjednoczonych. Jego prace po raz pierwszy pojawiły się w Brooklyn Museum, Tate Modern i innych znanych miejscach. Artysta najchętniej maluje gwaszami i farbami akrylowymi.
Sharyl Luxenburg
Kanadyjska artystka Sharyl Luxenburg od 35 lat doskonali technikę w swojej twórczości. Jako główny materiał wykorzystuje mieszankę farb akrylowych i akwarelowych, dzięki czemu uzyskuje efekt „ziarnistości”. W swoich pracach stara się ukazać najdrobniejsze szczegóły ludzkiej twarzy i ciała.
Park Heng Jina
Koreański artysta Hyung Jin Park jest absolwentem Wydziału Sztuk Pięknych w Seulu, po czym część swoich prac wystawiał w galeriach w Pekinie. Obecnie mieszka w Nowym Jorku.
Ruth Tyson
Brytyjska artystka Ruth Tyson, podobnie jak wielu jej kolegów, nie ma wykształcenia artystycznego, ale ma dobry sposób wykonywania swoich prac. Rysuje ołówkami grafitowymi i akwarelowymi, ale czasami także maluje.
Katarzyna Zimnicka
Prawie nic nie wiadomo o 22-letniej polskiej artystce Katarinie Zimnickiej, ale realizm jej prac jest niesamowity.
Suzana Stojanović
Serbska artystka Suzana Stojanovic to jedna z najbardziej doświadczonych artystek hiperrealizmu. Pasjonuje się malarstwem już od 4 roku życia, z czasem stała się sławną artystką, której twórczość nie ogranicza się do jednej techniki i materiału. Suzana jest uczestniczką wielu międzynarodowych wystaw, gdzie jej prace zostały wysoko ocenione przez historyków sztuki i znawców.
Lesliego Harrisona
Amerykańska artystka Leslie Harrison od ponad 30 lat swojej kariery zawodowej tworzy wspaniałe realistyczne portrety zwierząt.
Rod Chase
Rod Chase to jeden z najlepszych i najbardziej znanych artystów hiperrealistycznych. Jako prawdziwy miłośnik swojej twórczości, był bardzo chwalony przez wielu swoich „współpracowników”. Nad każdym ze swoich obrazów spędza setki godzin i niesamowitych wysiłków. Jego płótna przedstawiają słynne zabytki USA i Wielkiej Brytanii.
Roda Pennera
Amerykański artysta Rod Penner mieszka w Teksasie i uwielbia przedstawiać małe miasteczka w tym stanie. Na swoich obrazach stara się uchwycić niespieszne życie i panujący spokój amerykańskiego buszu.
Pedro Camposa
Madrycki artysta Pedro Campos maluje na płótnie farbami olejnymi. Karierę zaczynał już jako chłopiec, w warsztatach kreatywnych projektujących kluby nocne. Osiągnąwszy wiek 30 lat, Pedro poważnie myślał o zostaniu niezależnym artystą. A dziś, mając 44 lata, jest już uznanym mistrzem, którego prace można oglądać w słynnej londyńskiej galerii sztuki Plus One.
Cheryl Kelly
Amerykańska artystka Cheryl Kelly maluje wyłącznie stare samochody. Dla Kelly jej miłość do samochodów to przede wszystkim głębokie, instynktowne zainteresowanie ich kształtem, a nie pasja do ryku silnika. Sama artystka tak opisuje swoją pasję: „Pierwszą rzeczą, która mnie urzeka, jest piękno. Mogę dosłownie zatracić się w odbiciach pięknych samochodów, gdy zatrzymują się na światłach”.
Jasona de Graafa
Kanadyjski artysta hiperrealistyczny Jason de Graaf urodził się w 1971 roku w Montrealu. Autor zachwycających martwych natur tak mówi o swojej twórczości: „Moim głównym pragnieniem jest stworzenie iluzji głębi i obecności, co w fotografii jest bardzo trudne do osiągnięcia”.
Steve'a Millsa
Artysta hiperrealistyczny Steve Mills pochodzi z Bostonu. Swoją pierwszą pracę sprzedał w wieku 11 lat. Według Millsa zawsze fascynowało go dokładne badanie i studiowanie rzeczy, na które ludzie nie zwracają uwagi w zwykłym życiu. Na tym właśnie skupia się w swoich pracach, zmuszając widza do zwrócenia uwagi na fakturę i grę światła w szklanym słoju.
20 artystów gotowych zmierzyć się z kamerą
Jasna strona Mówiłem już wcześniej o kilku utalentowanych autorach, których prace uderzają wiarygodnością. Wydawać by się mogło, że są to fotografie najwyższej klasy, jednak w rzeczywistości są to obrazy hiperrealistyczne, które z niezwykłą wyrazistością oddają rzeczywistość.
Tworzenie takich fotorealistycznych rysunków wymaga sporo czasu, ponieważ dosłownie każdy najmniejszy szczegół musi być narysowany bardzo dokładnie. Artyści spędzają dziesiątki, a nawet setki godzin nad każdym obrazem, zanim zaprezentują swoje dzieło krytykom. Niezwykła wytrwałość i talent autorów sprawiają, że te portrety są czymś więcej niż tylko kopią fotografii. Zawierają życie, wizję artysty, emocje i iluzję świata, w którym żyjemy.
Diego Fazio
Pojawieniu się w Internecie każdego nowego obrazu artysty Diego Facio towarzyszy fala komentarzy w duchu „nie wierzę, że to rysunek”, „nieprzekonujący” i wszystko w tym samym duchu. 22-letni mistrz rysunku ołówkiem musiał podzielić się tajnikami swojej kreatywności. Hiperrealista samouk Diego Fazio zaczynał od szkiców tatuaży. Zainspirowany twórczością japońskich artystów okresu Edo, w szczególności wielkiego Katsushiki Hokusai, Diego zaczął doskonalić swoje umiejętności, rozwijając własną technikę rysunkową. Działa jak drukarka atramentowa, zaczynając rysować od krawędzi arkusza. Używa prostych ołówków i węgla drzewnego. Stworzenie jednego portretu zajmuje artyście 200 godzin pracy.
Yigala Ozeriego
Yigal Ozeri to współczesny artysta z Nowego Jorku. Yigal niezwykle wiernie oddaje grę światła i cienia, odblasków i światła słonecznego, dzięki czemu po mistrzowsku tworzy iluzję fotografii. Proces tworzenia tych niesamowitych, hiperrealistycznych obrazów składa się z kilku etapów. Najpierw artysta fotografuje modele w ich naturalnym otoczeniu. Następnie w swoim warsztacie twórczym przetwarza i drukuje fotografie, a dopiero potem maluje. Yigal tworzy wiele obrazów w całych seriach, co jeszcze bardziej wprowadza w błąd co do autentyczności dzieł, co w sumie jest zrozumiałe – rzadki mistrz potrafi tak dokładnie stworzyć iluzję prawdziwego świata.
Gottfrieda Helnweina
Gottfried Helnwein jest austriackim i irlandzkim artystą. W swoich pracach posługuje się głównie akwarelą. Helnwein jest artystą konceptualnym. Pracował jako malarz, rysownik, fotograf, rzeźbiarz i artysta, wykorzystując wszystkie aspekty swojego talentu.
Kamalki Laureano
Meksykański hiperrealista Kamalky Laureano specjalizuje się w portrecie. Jak wszystkie dzieła hiperrealistów, obrazy Kamałki wyglądają fotograficznie naturalnie i naturalnie. Kamalki wykorzystuje technikę malowania farbami akrylowymi na płótnie. Dla niego praca to nie tylko imitacja fotografii, ale imitacja życia, które ucieleśnia na płótnie.
Mateusz Doust
Artysta Mattew Dust urodził się w 1984 roku w Santa Monica w Kalifornii (USA). Mimo młodego wieku jest już dość sławny. Wystawy jego realistycznych obrazów odbywają się na całym świecie i zdobią wiele znanych galerii.
Ricardo Garduno
Artysta Ricardo Garduno do realizacji swoich pomysłów wykorzystuje akwarele i pastele. Proces ten jest dość pracochłonny, ale wynik jest naprawdę imponujący.
Rubena Belloso
Światowej sławy artysta Ruben Belloso rysuje ludzi takimi, jakimi są, ze wszystkimi ich wadami i zaletami, nie pomijając ani jednej kreski, dokładnie rysując każdą zmarszczkę, każdą fałdę, każdy punkt twarzy i każdy włos na głowie. Portrety sprawiają wrażenie żywych. Potrafią nawiązać kontakt z widzem, śledzić każde jego spojrzenie i swobodnie kierować wzrok na Twoje emocje.
Szymon Hennessy
Brytyjski artysta Simon Hennessey maluje portrety w stylu hiperrealizmu, tworząc obrazy niemal nie do odróżnienia od fotografii. Pracuje głównie farbami akrylowymi. Jego prace są często wystawiane w różnych galeriach sztuki. „Moje obrazy odbierane są jako odbicie rzeczywistości, choć tak naprawdę tak nie jest, wykraczają poza granice sztuki w głąb własnej, abstrakcyjnej rzeczywistości. Wykorzystując aparat jako źródło prawdziwego obrazu, mogę tworzyć fałszywe iluzje, które odbierane są jako nasza własna rzeczywistość” – mówi o swojej twórczości artysta.
Kolejny turecki artysta, który wiernie odtwarza twarze ludzi na portretach. Obecnie wykłada podstawy ilustracji na wydziale projektowania graficznego.
Olga Larionowa
„Czy nadal wierzysz, że fotografia jest lepsza od portretu? Bardzo się mylisz! — pisze na swojej stronie autorka portretów Olga Larionova. Będąc z wykształcenia projektantką wnętrz i architektką, Olga przez całe życie uwielbiała rysować. Kilka lat temu zainteresowała się hiperrealizmem - szczegółowym odwzorowaniem przedstawianego obiektu, dzięki czemu rysunki wyglądają jak fotografia.
Tylko prosty ołówek średniej twardości i papier - nic więcej, czego autor użyłby w swojej pracy. I żadnego cieniowania, z wyjątkiem małych „obrazów” palcem i kawałkami łupków, aby stworzyć tekstury, nadać obrazom objętość, a portretom - realizm. Oczywiście większość czasu poświęca się na rysowanie szczegółów i drobiazgów, ponieważ bez nich obraz będzie po prostu niedokończony, a obraz będzie niekompletny.
Dirka Dzimirskiego
Najbardziej utalentowany niemiecki artysta Dirk Dzimirsky wykorzystuje w swoich pracach węgiel, ołówek i pastel. Jak większość geniuszy twórczości artystycznej, twórczość tego autora zasługuje na najwyższe uznanie.
Paula Caddena
Trudno w to uwierzyć, ale szkocki artysta Paul Cadden woli twórczość Very Mukhiny. Co więcej, wpływ genialnego radzieckiego rzeźbiarza zaczyna być odczuwalny, jeśli spojrzysz na jego obrazy bardzo abstrakcyjnie. Nie ma w nich nic niezrozumiałego: kolorystyka motywu głównego i jedynego jest absolutnie taka sama: szary i ciemnoszary. Nie ma tu nic dziwnego – jedynym narzędziem autora jest ołówek grafitowy. Wystarczy oddać efekt zamarzniętych na twarzy kropel wody dokładnie na chwilę. Nie ma wątpliwości co do geniuszu autora, dzieła te będą w najbliższej przyszłości poszukiwane w muzeum sztuki współczesnej.
Briana Drury’ego
Amerykański artysta Bryan Drury ukończył New York Academy of Art w 2007 roku i od tego czasu zajmuje się gatunkiem realizmu. Laureat wielu prestiżowych nagród w USA i Europie.
Eloya Moralesa
Eloy Morales Romiro to hiszpański artysta, który ma wyjątkowy talent do przedstawiania szczegółowych fotografii na płótnie. Autor tak mówi o swojej twórczości: „Interesuje mnie praca z rzeczywistością, odzwierciedlenie jej w moich obrazach, staram się trzymać linii, w której rzeczywistość w naturalnej formie współistnieje z moim światem wewnętrznym. Ważne jest dla mnie przekazywanie mojej wizji rzeczy poprzez obrazy. Wierzę w ogromną siłę wyobraźni i jej nieskończone możliwości.”
Raffaella Spence
Pod wrażeniem widoków wiejskich krajobrazów Umbrii Raphaella Spence zajęła się tworzeniem miejskich krajobrazów. W 2000 roku odbyła się jej pierwsza indywidualna wystawa we Włoszech, która spotkała się z uznaniem historyków sztuki i uznaniem wielu krytyków w prasie artystycznej. Obrazy artysty znajdują się w wielu kolekcjach prywatnych, publicznych i korporacyjnych w Stanach Zjednoczonych, Kanadzie, Anglii, Rosji, Włoszech, Austrii i Niemczech.
Samuela Silvy
29-letni portugalski prawnik Samuel Silva zdołał zaszokować i rozbawić niezliczone rzesze internautów na całym świecie, tworząc i zamieszczając oszałamiające zdjęcie rudowłosej dziewczyny, które wielu brało za fotografię.
Artysta samouk wyjaśnia, że podczas pracy nad swoimi rysunkami używa tylko ośmiu kolorów. „Mam osiem kolorowych długopisów i do tego rysunku użyłem sześciu z nich plus czarny. To są zwykłe długopisy.” Jednocześnie według Silvy nigdy nie miesza kolorów: po prostu nakłada kilkoma warstwami tuszu za pomocą pociągnięć, tworząc w ten sposób iluzję mieszania i iluzję użycia kolorów, których w rzeczywistości nie ma.
Jeśli mówimy bezpośrednio o pochodzeniu samego terminu, pojawił się on w latach siedemdziesiątych ubiegłego wieku na wystawie ówczesnej twórczości fotograficznej. Prawie 30 lat później tym terminem zaczęto określać oszałamiający nurt w działalności artystycznej.
Dodatkowo warto zwrócić uwagę na obecność tzw nowoczesny hiperrealizm, który w przeciwieństwie do swojego przodka nie stara się zbyt dokładnie oddać tego, co tak naprawdę jest na poziomie fotograficznym. Wszystkie sceny i obiekty w malarstwie hiperrealistycznym są w jakiś sposób szczegółowe, aby w rezultacie stworzyć iluzję rzeczywistości. Uważa się, że współczesny hiperrealizm ma swoje korzenie w filozofii Jeana Baudrillarda, w której można odnaleźć sformułowanie „symulacja czegoś, co tak naprawdę nigdy nie istniało”. Warto dodać, że w tym kierunku działają także inni artyści – reżyserzy, rzeźbiarze, a nawet ci sami fotografowie, którzy nie postrzegają tego ruchu jako bezpośredniej konkurencji.
Jak maluje artysta hiperrealistyczny
Zasadniczo używa się najprostszych materiałów: niektórzy rysują ołówkami, pisakami, długopisami, węglem, inni wszelkiego rodzaju farbami. Najciekawsze jest to, że większość mistrzów tego kierunku jest samoukami.
Proces pracy Diego Fazio, hiperrealisty-samouka, widać na poniższym zdjęciu. Mistrz działa jak drukarka atramentowa, zaczynając od lewego górnego rogu, użytymi materiałami są węgiel i ołówek. Jedna praca zajmuje ponad dwieście godzin:
Hiperrealizm ołówkiem
Świetny film! 4 godziny 23 minuty - i obraz jest gotowy! Zobacz jak powstaje cud (wersja przyspieszona)):
Artyści hiperrealizmu
Do najwybitniejszych i najbardziej znanych artystów tego gatunku należą Jacques Bodin, Chuck Close, Pedro Campos, Erik Christensen i inni.
Co ciekawe, wszystkich współczesnych mistrzów tego nurtu bardzo bawi fakt, że wielbiciele ich talentu i ci, którzy po raz pierwszy widzą ich obrazy, długo zastanawiają się, czy to prawdziwe dzieło pędzla czy fotografii .
Współcześni mistrzowie obejmują następujących specjalistów:
Milanie Marcello Baregni udaje się odtworzyć znane obiekty na papierze w ciągu 4-6 godzin.
Jeremy’ego Geddesa. Patrząc na jego prace, czasami wydaje się, że patrzymy na kolaż zdjęć wykonany w Photoshopie. Oczywiście tak nie jest, a jedynie umiejętne, a jednocześnie wyjątkowe wykorzystanie proporcji, charakterystyczne tylko dla tego mistrza.
Warto zaznaczyć, że artysta nie waha się wyjść poza płótno i wcale nie zamierza kierować się utartymi kanonami i prawami malarstwa. Jednocześnie zdaje się zmuszać zewnętrznego obserwatora do zainteresowania się tym, co się wydarzyło, celowo angażując go w ten proces.
Juana Francisco Casa. Na pierwszy rzut oka na zdjęcie tego artysty może się wydawać, że patrzymy na zdjęcie przechodzące przez prosty filtr Photoshopa. Jednak ta opinia jest błędna, ponieważ przed nami prawdziwe dzieło artysty. Najciekawsze jest to, że Juan tworzy swoje prace za pomocą prostego długopisu, a na jedną pracę potrzebuje średnio sześciu takich artykułów piśmienniczych.
Element naturalny jako taki zawsze interesował także artystów tego ruchu. Na przykład hiperrealistyczni malarze morscy za główny kierunek swojej działalności uważają umiejętność przedstawiania powierzchni morza i wody.
Ran Ortner. Amerykański artysta.
Co to jest hiperrealizm?
Realizm to styl malarstwa, którego celem jest przedstawienie świata takiego, jaki jest na obrazie. Przedrostek „hiper” oznacza więcej niż realizm. Styl ten narodził się pod wpływem fotografii – artyści postanowili sprawdzić swoje umiejętności: czy uda im się narysować obraz, który będzie wyglądał jak zdjęcie? I wielu się to udaje.Obrazy utrzymane w stylistyce hiperrealizmu zaskakują swoją prawdopodobieństwem. Każdy obraz jest wynikiem szczegółowej pracy nad każdym pociągnięciem. W wielu .
1. Luciano Ventrone
Luciano Ventrone to włoski artysta, który zyskał światowe uznanie jako realista. A potem postanowił poeksperymentować w stylu hiperrealizmu - i udało mu się. Sekret jego malarstwa tkwi w odpowiednim doborze kolorów. Artysta mówi:„Obraz to nie tylko przedmiot, który jest na nim namalowany. Prawdziwy obraz to kolor i światło przedmiotu.”.
Na tym zdjęciu widzimy tysiące odcieni błękitu. Wydaje się, że woda jest oświetlona, woda błyszczy w słońcu. Słońce jest za nami, świeci z tyłu, a przed nami ciemne niebo pokryte chmurami. Wszystko wydaje się bardzo realistyczne.
Już podczas studiów w szkole artystycznej artysta pokazał swój przyszły talent jako hiperrealista. Nauczyciele zauważyli zamiłowanie Ventrone'a do szczegółów, a niektóre jego rysunki znalazły się nawet w podręcznikach anatomii.
Artysta dopracował każdy szczegół granatu. Na każdym ziarenku owocu odbija się blask światła, dokładnie tak, jak ma to miejsce w życiu.
Ostatnio artysta zajmuje się martwą naturą. Umieszcza owoce pod jasnymi lampami, tak aby światło i cienie pięknie padały na przedmioty, a także je fotografuje, a podczas rysowania zawsze porównuje rysunek ze zdjęciem.
Zwróć uwagę na wazon: na pierwszy rzut oka wtapia się w tło. Ale jeśli przyjrzysz się uważnie, zobaczysz, jak starannie Luciano nad tym pracował.
Ventrone maluje trującymi farbami olejnymi. Trująca farba to starożytna tradycja artystyczna. Jeśli taka farba dostanie się na skórę, może spowodować oparzenia. Ale te kolory są najjaśniejsze i najwyższej jakości.
Czarne tło stanowi kontrast dla koloru czerwonego, a kolory grają szczególnie jasno.
2. Siergiej Geta
Sergey to nowoczesny grafik i malarz. Studiował w Kijowskim Instytucie Sztuki, mieszka i pracuje w Moskwie. Do hiperrealizmu doszedł inspirowany sztuką fotografii.Obraz nosi tytuł „Słoneczny dzień”. Wszyscy hiperrealiści mówią o znaczeniu oświetlenia w swoich obrazach. Tutaj „charakter” obrazu okazuje się nie zielenią, ale słońcem, światłem.
Na początku kopiowałem fotografie ołówkami - ołówkiem ołówkowym tworzyłem efekt fotografii na papierze. A potem zacząłem eksperymentować z różnymi technikami.
Obecnie Siergiej jest artystą światowej sławy, jego obrazy wystawiane są w Galerii Trietiakowskiej, muzeach we Wrocławiu w Polsce, Norymberdze w Niemczech, galeriach sztuki w Japonii i USA.
Kierunek, w którym działa Goeta, nazywany jest „realizmem ekologicznym”. Artysta uwielbia malować pejzaże - przyrodę, zieleń, wodę.
Liście spadają. I każda żyła gra w słońcu.
3. Patryk Kramer
Artysta urodził się w Ameryce, w stanie Utah. Rysuje obrazy ze zdjęć. Najpierw wymyśla, co chce narysować, fotografuje to, wybiera najlepsze z kilku zdjęć, obrabia je trochę w Photoshopie i zaczyna rysować.
Wiele osób ma pytanie - po co rysować dokładnie tak samo, jak wygląda na zdjęciu. Patrick tłumaczy to tak: jeśli widz w galerii widzi zdjęcie, nawet bardzo piękne, patrzy na nie przez kilka sekund i idzie dalej. Kiedy jednak zamiast fotografii pojawia się obraz i odbiorca to rozumie - jest zachwycony, podchodzi bliżej, stara się uważniej przyjrzeć obrazowi, zobaczyć, gdzie na płótnie znajduje się farba...
Obraz nosi tytuł „Trzy szklanki”. Malowany olejem. Zwróć uwagę na tło - jest rozmyte, podobnie jak tło na zdjęciu podczas fotografowania obiektów z bliska. Dzięki takim szczegółom uzyskuje się hiperrealistyczny obraz.
4. Harriet White
Harriet White to brytyjska artystka. Rysuje głównie portrety. Jej styl nazywa się makrohiperrealizmem. Oznacza to, że namalowane na obrazie twarze sprawiają wrażenie, jakby zostały „sfotografowane” z bardzo bliskiej odległości.Tutaj, jak na każdym zdjęciu, jest „ostrość”. Rzęsy widzimy wyraźnie, ale wszystko za nimi jest rozmazane.
Obrazy Harriet cieszą się popularnością wśród prywatnych kolekcjonerów.
Artystka umiejętnie podchodzi do kolorystyki swoich obrazów – pracuje kontrastowo. Beż, kolor skóry, pełni rolę tła. A następnie dodawane są czarne i jasne kolory makijażu.
Dzięki „rozmyciu” kolorów pojawia się efekt ruchu. Wydaje się, że zdjęcie uchwyciło przypadkowy moment, modelki nie pozowały, ale czuły się swobodnie.
5. Suzanna Stojanović
Suzanna Stojanovic to serbska artystka, która od dzieciństwa interesuje się malarstwem. W wieku 11 lat zaczęła malować w technice olejnej. Później opanowała wszystkie możliwe techniki, próbowała się w akwarelach, mozaikach, pastelach, grafice, malarstwie ikon, grawerowaniu, a nawet rzeźbie.Na tym zdjęciu szczególnie widać zainteresowanie artysty rzeźbą. Figury koni są „rzeźbiarskie”. Tutaj widzimy zamrożony moment.
Ponadto artystka zajmowała się twórczością literacką i muzyką – brała udział w wielu konkursach muzycznych. Pierwszą kompozycję muzyczną napisała w wieku 15 lat. Jednak pomimo tak szerokiego zainteresowania powołaniem Suzanne pozostaje malarstwo. Wiele jej obrazów znajduje się w kolekcjach prywatnych i publicznych w USA, Szwajcarii, Włoszech, Danii, Serbii, Chorwacji, Czarnogórze, Słowenii i Macedonii.
Rozmyte tło sprawia, że czuje się prędkość, z jaką pędzi koń:
Artysta rysuje konie i dokładnie bada ich anatomię. Najpopularniejszy cykl obrazów artysty nosi tytuł „Magiczny świat koni”. Ciekawym rozwiązaniem jest stylizacja obrazu na stare zdjęcie:
Obecnie artysta pracuje nad nowym cyklem obrazów i pisze opowiadania. Marzeniem artystki jest spróbowanie swoich sił w realizacji filmów animowanych.
6. Andrzej Talbot
Andrew Talbot to współczesny artysta pochodzący z Anglii. Rysuje martwe natury.
Dzięki jasnym kolorom powstaje efekt obecności – wydaje się, że przedmioty leżą tuż przed nami. Zwróć uwagę, jak wiarygodnie artysta przekazał na stole odbicie każdego cukierka. Właśnie takie małe rzeczy składają się na hiperrealistyczny obraz. Każdy szczegół jest tutaj ważny.
W tym roku Andrew znalazł się na liście 15 najlepszych hiperrealistów na świecie.
7. Rafaella Spence
Raffaella Spence to włoska artystka. Jej hobby to podróże, dlatego artystka chętnie pracuje nad pejzażami, przenosząc wrażenia z podróży na papier.
Takie prace budzą szczery podziw. Artysta zwrócił uwagę na każdy wieżowiec, każde okno, a nawet framugę okienną. Nad takimi obrazami trzeba pracować bardzo długo, ale wynik jest tego wart.
A to niebo nad miastem nie pozostawi nikogo obojętnym:
8. Yanni Floros
Yanni Floros to artystka z Australii. Jego prace wystawiane były w galeriach w Berlinie, Sydney, Melbourne i Brisbane i zdobyły wiele nagród honorowych. Jego rysunki są stylizacją czarno-białych fotografii.Tutaj efekt fotograficzny występuje dzięki fałdom ubrań. Artysta starannie rozrysował każdą fałdę.
Yanni zajmuje się także malarstwem, rzeźbą i grafiką. Artysta w swoich hiperrealistycznych pracach przedstawia ludzi wykonujących różne czynności i pragnie pokazać, jak wpływają one na nasze życie i odczucia wobec świata.
Hiperrealizm staje się coraz bardziej popularny. Dlatego następnym razem, gdy odwiedzicie galerię i zobaczycie zdjęcie, nie ignorujcie jego opisu. Całkiem możliwe, że „zdjęcie” okaże się obrazem - i poznasz hiperrealizm w prawdziwym życiu.
Szukaj sztuki w życiu codziennym! Jeśli interesuje Cię życie znanych artystów, polecamy zajrzeć
„Wiem, że anatomia jest tu niewłaściwa, ale taki jest mój styl”, „Ten rysunek nie ma stylu”, „Podoba mi się twój styl!” Często używamy słowa „ styl", nie do końca rozumiejąc ich znaczenie. Podobnie jak "miłość" czy "sztuka" - nauczyliśmy się tych słów na pamięć, ale ich zdefiniowanie nie jest łatwe.
W tym artykule spróbuję przeanalizować pojęcie stylu: co to jest? Czy można go osądzić? Czy wszystkie style są równie dobre? Czy styl może ukryć brak talentu? Co sprawia, że styl jest realistyczny? Co jest złego w kopiowaniu czyjegoś stylu? I najważniejsze – jak wypracować własny styl?
Odpowiedzi na wszystkie te pytania kryją się w samej koncepcji rysunku. Jeśli nigdy nie próbowałeś zrozumieć, czym jest rysunek, odkrycia mogą Cię zaskoczyć!
Styl? Co za styl? Nie umiem nawet rysować!
Albo wiesz jak? Szanowni Państwo, mam zaszczyt przedstawić Państwu niezastąpiony poradnik rysowania!
Krok 1
Kup coś, co po naciśnięciu pozostawia ślady.
Krok 2
Dociśnij przedmiot do materiału (czegoś twardego, np. papieru, drewna, brudu itp.).
Krok 3
Przesuń obiekt z siłą potrzebną do utworzenia znaku.
1 - naciśnij, 2 - przesuńBrzmi absurdalnie? Ale taki jest rysunek! W jego podstawowej definicji nie ma piękna ani realizmu. Co więcej, rysować może każdy – nawet niewidomy!
To jest rysunek!Jednak ta czysto obiektywna definicja rysunku połączyła się z czymś bardziej niejasnym - stylem. Najczęściej kojarzony jest z jednym konkretnym stylem – realizmem. Z jakiegoś powodu wartość rysunku zaczęto określać w zależności od jego realizmu. Kiedy dziecku mówi się, że ma talent do rysowania, nie oznacza to, że ma ładne linie lub może dokończyć rysunek bez użycia gumki – oznacza to, że ludzie mogą rozpoznać, co rysuje!
Może to talent, a może determinacja.
Kiedy ktoś mówi: „Nie umiem rysować”, w większości przypadków nie ma na myśli nieumiejętności trzymania ołówka, braku czasu czy jakichś zahamowań. Tak naprawdę mają na myśli: „Nie wiem, jak przedstawić rzeczywistość na kartce papieru”. Jeśli zdali sobie z tego sprawę, ich problem jest łatwiejszy do rozwiązania – jeśli nie wiesz, jak coś zrobić, znajdź kogoś, kto to wie i ucz się od niego! Jednak osoba mówiąca „nie umiem rysować” nie używa tej figury retorycznej w tym samym znaczeniu, co w przypadku wyrażeń „nie umiem pływać/mówić po chińsku/grać w szachy [jeszcze]”. Sygnalizują beznadziejną niemożność - „niektórzy potrafią rysować, ale ja nie”. Skąd bierze się rozpacz?
Jak powiedzieliśmy, istnieją dwie definicje malarstwa: robienie śladów na materiale i robienie śladów, które wyglądają jak coś prawdziwego. Dla ambitnego artysty pomieszanie tych dwóch znaczeń może być zabójcze. Wiesz, że rysowanie jest łatwe(pocieranie ołówkiem po papierze), ale jednocześnie nie możesz tego zrobić (narysuj smoka). Czyż nie jest to magiczna sztuka, którą posiadają niektórzy ludzie?
Podstawowe rysowanie i rysowanie ze stylemTeraz zrobiłeś pierwszy krok w kierunku zrozumienia całego szumu wokół słowa „talent”. Utalentowana osoba nie „rodzi się z umiejętnością, której nie można się nauczyć”. Talent to rodzaj predyspozycji, a nie to, co myślisz i nie ogranicza się do sztuki.
Stwórzmy przykład. Pilotowanie samolotu jest łatwe, prawda? Wystarczy usiąść, poruszyć dźwigniami sterującymi i od czasu do czasu wcisnąć najróżniejsze przyciski... Nie, nikt Ci tego nie powie. Można się domyślić, że do sterowania samolotem potrzebna jest duża wiedza. Utalentowany pilot nie rodzi się z tą wiedzą – rodzi się jednak z czymś mniejszym, na przykład dobrym refleksem czy opanowaniem. Te małe atuty mogą mu pomóc w wielu zawodach, a jeśli zostanie pilotem, dobrze mu się przydadzą.
Talent w zawodach „praktycznych” najczęściej kojarzony jest z nabytymi umiejętnościami. Nawet jeśli mówisz, że pilot lub kierowca ma talent, postrzegasz to jako wisienkę na torcie – coś, co odróżnia go od innych dobrych pilotów i kierowców. Natomiast jeśli chodzi o zawody artystyczne... tutaj sytuacja jest odmienna. „Twoja praca jest piękna, masz talent!” – mówią ludzie każdemu dobremu artyście, dając do zrozumienia, że bez talentu nie będzie można dobrze rysować. A jeśli nie potrafisz dobrze rysować, to na pewno dlatego, że nie masz talentu, a jako artysta jesteś skazany na porażkę. Dobry powód do rozpaczy, prawda?
A - kierowca, B - artysta; 1 - zły, 2 - dobry, 3 - utalentowanyPowtarzam jeszcze raz – nie ma czegoś takiego jak „talent rysunkowy”. Podobnie jak w przypadku pilota, możesz urodzić się (lub wychować!) z małymi ogólnymi cechami, takimi jak cierpliwość, wrażliwość, ciekawość, perfekcjonizm lub upór. Może ich być więcej, a łączy je jedno – nie są specyficzne, nie są przypisane do jednej konkretnej umiejętności, ale wpływają na dość szerokie obszary życia. Możesz ich użyć, aby zostać wielkim artystą, ale nie musisz. Możesz zostać programistą lub zegarmistrzem i nigdy nie dotykać ołówka.
Wierzę, że większość z tych cech można w ten czy inny sposób wykorzystać w sztuce. To, co naprawdę się liczy, to realizacja: rysowanie wymaga aktywnej nauki- to nie magia, to tak samo trudna umiejętność jak nauka latania samolotem. Jestem poważny! Trzeba zdobyć podstawową wiedzę nie tylko z zakresu projektowania, ale także z takich dziedzin jak medycyna, architektura, matematyka i fizyka. A kiedy zrozumiesz, czym jest rysunek, przejdźmy do jego części, której jeszcze nie wiesz, jak stworzyć - realizmu.
Realizm
Pierwotnie realizm to styl tworzenia czegoś, co nasz mózg identyfikuje jako „prawdziwe” lub „bliskie rzeczywistości”. Można śmiało powiedzieć, że rzeźba jest realistyczna, ale co z dwuwymiarową kartką papieru z kilkoma plamami? Jak może przypominać cokolwiek prawdziwego? Opisałem to w, ale tutaj chcę przyjrzeć się temu tematowi szczegółowo.
Nasz mózg tworzy rzeczywistość, którą postrzegamy, z serii nieruchomych, dwuwymiarowych obrazów tworzonych w każdym ułamku sekundy. Głębię tworzy się poprzez porównanie dwóch zdjęć zrobionych w tym samym momencie, ale w nieco innych pozycjach (nie jest to jedyny sposób na uzyskanie głębi, bo nawet jednym okiem potrafimy ją dość dobrze kontrolować). Zatem rysunek można uznać za „migawkę mózgu”, którą wyciągnięto, aby każdy mógł ją obejrzeć po upływie chwili i miejsca, w którym został wykonany.
Wynika z tego kilka problemów:
- Choć wszystkie migawki są przechowywane w naszym mózgu, nasza świadomość nie jest na tyle szybka, aby je w ten sposób przetwarzać.Tak jak nie widzimy poszczególnych klatek w filmie, tak nie zauważamy poszczególnych migawek - widzimy akcję, jaką wykonują zmiany pomiędzy ich.
- Rzeczywistość, którą widzimy, składa się z tak wielu różnych migawek, że stale się zmienia. Jeden szybki ruch głową i zdajesz sobie sprawę, jak coś wielkiego mogłoby być, gdybyś podszedł bliżej (nawet jeśli w tej chwili wydaje się to małe). Perspektywa jest na tyle integralną częścią naszej rzeczywistości, że nie wyobrażamy sobie świata bez niej – mimo że nasza perspektywa nie istnieje poza naszymi głowami!
- Rzeczywistości nie da się namalować – jedno zdjęcie jej nie tworzy. Dlatego każdy rysunek jest czymś w rodzaju kompromisu i symulacji rzeczywistości - zazwyczaj kilka ujęć łączy się w jedno, aby dopełnić obraz.
- Na tym samym zdjęciu nie można poruszać oczami. Nie można patrzeć na coś nieostrego – nabiera ono ostrości, gdy tylko dotkniesz tego wzrokiem, zmieniając całe otoczenie. Zatem rysunek jest zamrożonym wycinkiem czyjegoś mózgu i kiedy na niego patrzysz, nie jesteś oryginalnym widzem!
Istnieje wiele poziomów realizmu. Nasze mózgi są zaprogramowane na dostrzeganie wzorców, dzięki czemu możemy zobaczyć rzeczy, których w rzeczywistości nie ma, na przykład twarz na Marsie lub znaki wykonane z liści herbaty. Dlatego stosunkowo łatwo jest osiągnąć podstawowy poziom realizmu bez dużej wiedzy – nasz mózg wybacza błędy. Jedną z oznak „talentu rysunkowego” może być umiejętność bardzo skutecznego tworzenia tych wzorów, ale nie jest to umiejętność, ale przypuszczenie. To, że przypadkowo nacisnąłeś jakiś przycisk i uruchomiłeś silnik, nie oznacza, że możesz prowadzić!
Różnicę między talentem do tworzenia wzorów a prawdziwą umiejętnością łatwo dostrzec – jeśli mocno przywiążesz się do każdego swojego dobrego rysunku i boisz się, że jeśli go stracisz, nigdy więcej go nie narysujesz, to taki będzie rezultat talentu. Umiejętności nie zależy od szczęścia!
Poziomy realizmu są tworzone przez różne elementy, które nasz mózg stara się rozpoznać. Niektóre z nich są ważniejsze od innych i różnią się w zależności od osoby.
Kontury zewnętrzne
Linie są znaczeniem rysunku. Nie są one jednak podobne do zewnętrznych konturów. Kontur zewnętrzny to indywidualna linia oddzielająca „wewnątrz” i „na zewnątrz”. Dobrze dostrzegamy kontury zewnętrzne, nawet jeśli w naturze nie występują one w postaci linii. Są one całkowicie dowolne – każdy artysta może zastosować inną liczbę linii konturowych dla tego samego obiektu.
To pierwszy moment, w którym pojawia się styl. Jeśli coś jest dowolne, każdy może stworzyć własną wersję i żadna z nich nie będzie mniej lub bardziej poprawna przez nią samą. Musimy znaleźć inny standard oceny i to właśnie zwykle robimy: używamy etykiet takich jak „realistyczny” (bardzo podobny do czegoś prawdziwego), „kreskówka” (oszczędne linie, symboliczne kształty) lub „manga” (charakterystyczny styl japoński ).
Jeśli różnica między realizmem a kreskówką jest tak wielka, dlaczego każdy nierealistyczny styl wygląda „poprawnie” i przyjemnie dla oka?
Każdy styl wynika z zniekształcenia realizmu
Jeśli chcesz narysować kota, nie możesz stworzyć czegoś zupełnie nowego i powiedzieć, że to kot (chyba że jesteś surrealistą, ale nawet wtedy twoją intencją powinno być Nie narysuj kota). Musisz wziąć wszystkie specyficzne cechy kota i zmienić je, aby stworzyć nową wersję zwierzęcia. I, aby łamać zasady, musisz je znać. Jeśli nigdy wcześniej nie rysowałeś kota i nigdy nie studiowałeś jego anatomii i proporcji, nie oczekuj, że Twój rysunek będzie wyglądał dobrze, nawet jeśli wolisz kreskówkowy wygląd. To tak, jakbyś chciał narysować powiększony samochód – nie możesz tego zrobić, jeśli nie wiesz, jak stworzyć oryginał.
Każdy styl opiera się na zasadach
Wszystko musi mieć swój cel – nie można losowo przestawiać elementów. Dlatego początkujący mają zwykle problem z przerysowaniem swoich postaci – pierwszą pracą były domysły, a nawet jeśli wygląda to dobrze, artysta nie ma pojęcia dlaczego!
Kiedy Twój „styl” nie opiera się na żadnych zasadach, tak naprawdę nie jest to styl. Styl można opisać, a jeśli nie ma reguł dotyczących Twojego stylu, jak go opisać? „Styl pana X charakteryzuje się... tym, że został stworzony przez pana X.” Nie ma to większego sensu niż „cechą samochodu Y jest to, że wygląda jak samochód Y”. „Spontaniczny”, „swobodny” czy „szalony” nie są najlepszymi definicjami stylu. Musi istnieć jakaś definicja – przepis, z którego możesz korzystać wielokrotnie, nawet jeśli jesteś jedyną osobą, która zna go całkowicie.
Reguły sprawiają, że styl jest powtarzalny – to jest właśnie podstawa. Jeden rysunek nie tworzy stylu, musi być ich wiele. To prowadzi nas do następnego pytania:
Styl musi być zamierzony
Być może myślisz: „Powiedziałeś, że każdy styl wywodzi się z realizmu, ale co ze sztuką abstrakcyjną?”
Po pierwsze, sztuka to nie to samo, co styl. To pojęcie znacznie szersze i nie o nim tu mowa. W stylu ważne jest to, że można go opisać na wielu poziomach szczegółowości. Przykładowe drzewo może wyglądać następująco: rysunek > czarno-biały > manga > [tutaj opisz szczegóły stylu]. To samo w sztuce abstrakcyjnej: malarstwo > kolor > abstrakcja [tutaj opisz szczegóły stylu].
Po drugie, może to zabrzmieć niejasno, ale myślę, że abstrakcjonizm również wywodzi się z realizmu – jest jego zaprzeczeniem. Aby stworzyć coś abstrakcyjnego, musisz wiedzieć, co to jest nieabstrakcyjne. Jeśli chcesz namalować ciemny obraz, musisz wiedzieć, jakich kolorów unikać - musisz wiedzieć, co nie jest ciemne. Kot, który nie wygląda jak kot, bo nie przestudiowałeś jego anatomii, nie jest „sztuką abstrakcyjną”, to błąd. Jeśli ostateczny obraz jest zupełnie inny od tego, co masz w głowie i udajesz, że taki był Twój zamiar, to tylko siebie oszukujesz.
Złoty podział – miara piękna
To obszerny temat, ale zdecydowanie warty zgłębienia. Z reguły jest proporcja, elementy wyglądają prawidłowo, jeśli są zbudowane bez zachowania proporcji, i odwrotnie - wyglądają nieprawidłowo. Nasz mózg jest w jakiś sposób do tego przystosowany i nie da się tego zmienić. Za każdym kwiatem i liściem kryje się czysta matematyka i tę samą matematykę należy zastosować do wszystkiego, co tworzysz w swojej głowie, aby twój umysł zaakceptował to jako prawdę, nawet jeśli nie jest realistyczne.
Oczywiście mogą i powinny tu występować odchylenia (idealne piękno jest nudne, drobne defekty mogą być bardzo ładne), ale główna „korpus” przedmiotu powinien przynajmniej w przybliżeniu trzymać się tej zasady. Kiedy więc zmieniasz rozmiar głowy, aby stworzyć kształt kreskówki, istnieją rozmiary, które będą wyglądać dobrze i źle – możliwość ich zobaczenia bez mierzenia może być kolejną oznaką „talentu”, ale to też przychodzi z praktyką.
Proporcja pomiędzy A i B jest taka sama jak pomiędzy A+B i ADostosowanie
Jest coś, co może uratować Twój styl, niezależnie od tego, jak szalony i daleki jest od realizmu. To jest adaptacja – kiedy często patrzysz na coś dziwnego, staje się to dla ciebie normalne (ale nie dla innych). Jeśli więc przez dłuższy czas będziesz pokazywać swoją pracę tym samym przyjaciołom, w końcu zaczną ją rozumieć. Jeśli cię chwalą, możesz nabrać błędnego przekonania, że masz styl, którego inni nie rozumieją. Nie zamykaj się w swojej strefie komfortu, zamiast tego słuchaj opinii osób spoza Twojej grupy fanów. Tylko w ten sposób możesz rozwijać się jako artysta.
Jest jeszcze druga strona adaptacji. Mamy tendencję do postrzegania jako „normalne” tylko te rzeczy, które są nam znane. Dlatego poprawnie narysowany, ale mniej znany dinozaur może zostać odebrany jako niepoprawny anatomicznie, a anatomia kota zastosowana w przypadku lemura może zostać zignorowana. Ciekawostka: Cztery nogi i uszy umieszczone na czubku głowy nie są bardziej rozsądne niż trzy nogi i uszy z tyłu; można je często spotkać w naszym świecie i dlatego są postrzegane jako naturalne.
Światło i cień
Pierwszym celem widzenia było wyczucie światła i cienia. Nadal jesteśmy na nie bardzo wrażliwi i nie potrzebujemy konturów, aby widzieć kształty, gdy jest światło i cień. Może to być kolejny etap rysowania (cieniowanie liniami) lub pierwszy etap malowania.
Zauważyliśmy, że istnieją pewne przesłanki, które można zaliczyć do „talentu rysunkowego”, takie jak spokój, perfekcjonizm, umiejętność tworzenia wzorów i wyznaczania złotego podziału. Talent do malowania (i w ogóle do cieniowania) jest znacznie mniej powszechny. Opiera się na „oku do obserwacji”. Idea świata złożonego z konturów jest tak utwierdzona w naszych umysłach, że bardzo trudno jest faktycznie zobaczyć kształty tworzone przez światło i cień. Trzeba włożyć wiele wysiłku, aby wyobrazić sobie świat takim, jaki jest – pokryty plamami światła i cienia. A nawet wtedy próba rysowania w ten sposób może powodować ból mięśni mózgowych (tak czuję). Tak czy inaczej, warto spróbować – niechlujna grafika wykonana ze światła i cienia wygląda dla naszych oczu znacznie bardziej realistycznie niż skomplikowane, wyrafinowane dzieło sztuki wykonane wyłącznie z konturów.
Światło, cień i kształt, które tworzą, są tak samo otwarte na styl, jak kontury. Sam rozmiar i kształt pociągnięć pędzla daje szansę na stworzenie niezliczonych, zupełnie różnych interpretacji sceny. Dodając własny pomysł na rozmieszczenie światła i cienia, nie musisz się martwić, że wyjdzie nie do poznania. Przeczytaj więcej o świetle i cieniu i wyobraź sobie, jak możesz wykorzystać te wszystkie zasady, aby stworzyć swój własny styl!
Kolor
Kolor wspaniale poprawia widzenie, wnosząc do obrazu więcej nowych informacji. Teraz oprócz wartości otrzymujemy barwę, nasycenie i jasność. Im więcej elementów składa się na obraz, tym więcej możliwości stworzenia niepowtarzalnego stylu. Samo myślenie o wartości było uciążliwe, teraz dodaj do tego trzy nowe aspekty!
Możesz rysować realistycznie, ale nie musisz. Często spotykam artystów, którzy przodują w realistycznym rysowaniu (konturach), a następnie przechodzą do najbardziej realistycznych kolorów, jakie widzimy w naszym świecie. Nie jest to konieczne, a wręcz przybliża Cię do nudnego fotorealizmu! Problem z fotorealizmem (porozmawiamy o tym później) polega na tym, że styl wygląda tak samo niezależnie od tego, kto go używa. Jeśli pragniesz niepowtarzalnego stylu, który będzie należeć tylko do Ciebie, poeksperymentuj z zasadami. Musisz je oczywiście studiować, badać przyrodę i otaczające cię przedmioty, ale potem zmieniać to, czego się uczysz. Stwórz własne zasady!
Witam wszystkich z Apofiss! Styl tego artysty jest doskonałym przykładem zabawy z rzeczywistościąDetale
Może cię to zaskoczy, ale w malarstwie realistycznym, czy nawet w rysunku szczegóły nie są aż tak istotne. Ponieważ tak naprawdę nie widzimy migawek mózgu, a rysunek jest jedynie imitacją postrzeganej sceny, możemy podejmować różne działania, aby go stworzyć. Rysowanie wszystkiego tak, jak mogłoby wyglądać w ułamku sekundy, tylko okrada cię z prawdziwego znaczenia sytuacji. Wartość jest rozłożona na kilka, a nawet kilkadziesiąt migawek. A jeśli chcesz namalować obraz, a nie stworzyć film lub kreskówkę, musisz zastosować pewne techniki.
Może to być inna strona talentu - umiejętność przekształcenia akcji w nieruchomą scenę, zachowując jej wrażenia. Obsesja na punkcie szczegółów od samego początku może niechcący oddalić Cię od tego celu. Kiedy oglądamy daną scenę, pierwszą rzeczą, na którą zwracamy uwagę, jest pewne nieuchwytne wrażenie – widzimy ruch, bitwę, lśniące refleksy na ostrzu, zaczerwienienie krwi, a nie pojedyncze włosy na brodzie wojownika czy mistrzowskie elementy jego munduru.
Na tym „obrazie” są tylko plamy ciemnych i jasnych kolorów. To, co tu widzisz, tworzysz sam!Jest tu dużo miejsca na styl – pomiędzy bezkształtnymi plamami cienia a w pełni szczegółową sceną. Istnieje wiele sposobów na osiągnięcie tego „wyczucia”, a jeśli poświęcisz szczegóły, bardzo łatwo znajdziesz swój osobisty styl. Istnieje tylko jeden sposób realistycznego malowania szczegółów i nieskończona liczba sposobów na stworzenie ich wrażenia.
Fotorealizm
Jaka jest różnica między realizmem a fotorealizmem? Do tej pory omawialiśmy migawki robione przez mózg. A co jeśli ktoś zrobi zdjęcie prawdziwym aparatem? Fotografie stały się dla nas czymś bardzo powszechnym. Traktujemy je jako realne odwzorowanie rzeczywistości, nie zdając sobie sprawy, że aparat nie działa dokładnie tak, jak nasze oczy i mózg. Jesteśmy tak przyzwyczajeni do fotografii, że czasami wydają nam się one bardziej realistyczne niż sama rzeczywistość!
Fotorealizm nie jest najwyższą formą realizmu. To po prostu stworzenie rysunku z taką precyzją, że można go pomylić z fotografią. Ale powtarzam: zdjęcie to nie to samo, co migawka z mózgiem, aparat nie wychwytuje wszystkich złudzeń i nie jest tak dokładny, jak nam się wydawało. Ile razy próbowałeś zrobić zdjęcie czegoś, ale nie wyglądało to tak niesamowicie, jak to, co widziałeś gołym okiem (księżyc, wschód słońca)? Przy odrobinie wiedzy o fotografii możesz to naprawić, ale teraz idziesz o krok dalej i masz na celu stworzenie ulepszonej rzeczywistości - czegoś lepszego niż to, co możemy zobaczyć gołym okiem! I nie mówię tu o manipulacji zdjęciami – sam aparat potrafi „widzieć” świat na różne sposoby. A kiedy dodasz własne kolory, które nie istnieją w naturze, otrzymasz uroczy, ale nierealistyczny efekt! Dlatego uczenie się na podstawie zdjęć może nie przybliżyć Cię do realizmu!
1 - realizm, 2 - fotorealizmAle możesz powiedzieć: „Zdjęcia są tak realistyczne, że przedstawiają to samo”. To nieprawda, tylko myślisz, że są realistyczne. Zrób zdjęcie, a następnie spójrz na scenę gołym okiem – różnica może być imponująca. Istnieją różnice techniczne, takie jak odblask obiektywu (w naszych oczach nie wygląda to tak samo) lub kształt obszaru nieostrego (widzimy obydwoma oczami, więc obszar ten jest nie tylko rozmazany, ale także składa się z dwóch przesuniętych obrazów), ale są też subtelne różnice, różnice – aparat łapie tylko to, co jest przed nim, ale nasz mózg potrafi poszerzyć rzeczywistość. Nie da się zrobić zdjęcia oczami pełnymi łez, oczami przestraszonej osoby biegnącej nocą przez ciemny las. Nie tylko widzimy, ale także czujemy – a zdjęcie tego nie odda.
Poza tym: Mówiłem wcześniej, że rzeczywistości nie da się narysować. Jednocześnie aparat stara się uchwycić idealne ujęcie rzeczywistości. Nie sprawia to jednak, że zdjęcia są bardziej realne niż to, co widzimy – a właściwie one zbyt wiele obiektywne i pozbawione bardzo ważnej części naszej rzeczywistości. Przykładowo wyjście do restauracji to nie tylko wyprawa do drogiego miejsca w celu zaspokojenia głodu, ale także rzeczywistość to nie tylko zbiór sygnałów wizualnych.
Nie oznacza to oczywiście, że fotorealizm jest zły. Chcę po prostu polemizować z przekonaniem, że artysta malujący realistycznie powinien tworzyć swoje rysunki możliwie najbliżej jakości fotograficznej. To dwa różne style i żaden nie jest „lepszy” ani „krok wyżej”. Ważne jest także obserwowanie świata gołym okiem, a nie poleganie wyłącznie na zdjęciach. Wiem, że tak jest łatwiej, ale czasami wzięcie kartki papieru i samodzielne stworzenie efektu rozpraszania podpowierzchniowego będzie o wiele bardziej satysfakcjonujące. Studiując zarówno realizm, jak i fotorealizm, możesz stworzyć zupełnie nowy, niepowtarzalny styl.
Rysowanie z wyobraźni
A co z czymś, co tak naprawdę nie istnieje? Czy można to narysować realistycznie lub w jakimkolwiek stylu wywodzącym się z realizmu? Tak, ale trzeba je narysować w formie, jaką przyjęłyby w naszym świecie, Jeśli byłoby prawdziwe. Możesz powiedzieć: „Ale ja chcę użyć nierealistycznego stylu, na przykład smoka z nogami jak zapałki i ogromną okrągłą głową”. OK, ale zwróć uwagę na słowa: „nogi”, „głowa”. Są to obiekty naszego świata, posiadające pewną formę, jaką tu przybierają. To jest punkt wyjścia Twojej twórczości. Musisz wiedzieć, czym jest głowa, aby ją narysować, nawet jeśli chcesz stworzyć nowy rodzaj głowy.
Nawiasem mówiąc, chcę wyjaśnić jedną kwestię: dlaczego nie możesz narysować czegoś realistycznie, nawet jeśli wiesz, jak to wygląda? Możesz bardzo wyraźnie wyobrazić sobie konia w swojej głowie, ale na papierze będzie on wyglądał zupełnie źle. Powtórzę: czy nie jest to brak talentu?
Nie, to raczej mieszanina dwóch różnych procesów – identyfikacji i kreacji. Przyjrzyjmy się im dobrze w prostym pseudokodzie:
Identyfikacja
if (nogi = „długi, chudy, kopytny” ORAZ ciało = „duży, silny” ORAZ głowa = „podłużne” ORAZ ogon = długi, włochaty) to zwierzę = końKiedy widzisz zwierzę z zestawem cech zapisanych w twoim mózgu jako „koń”, rozpoznajesz w nim konia. To takie proste. Nie musisz znać każdej cechy konia, żeby ją rozpoznać, wystarczy kilka i już ją rozpoznasz. To samo dzieje się, gdy wizualizujesz w mózgu konia – nie widzisz nieznanych cech, a twój umysł sprytnie ukrywa ich nieobecność.
kreacja
if (zwierzę=koń) to nogi=x if (x="kopytne") to kopyto_width=? wysokość_kopyta=? kopyto_okrągłość=? długość_nogi=? szerokość_nogi=? wysokość_nogi=? długość_ciała=? szerokość_ciała=? wysokość_ciała=? długość_głowy=? szerokość_głowy=? wysokość_głowy=? ... Zupełnie inaczej wygląda sytuacja, gdy chcesz samodzielnie stworzyć konia. Nagle potrzebujesz wszystkich tych wskaźników i nie tylko! Zaczynasz rysować kopyto i nagle zdajesz sobie sprawę, że nie wiesz, jak ono wygląda, nawet jeśli możesz je rozpoznać wizualnie. Dlatego testy wielokrotnego wyboru są łatwiejsze!
1 - identyfikacja, 2 - kreacjaWszystkie problemy z kreacją wynikają z niewystarczającej bazy informacji o rzeczywistości w naszej głowie. Zbyt często tylko my myślimyże wiemy, jak coś wygląda, ale jeśli dotkniemy szczegółów, to ich brakuje. Kiedy czytasz książkę, nie widzisz każdego źdźbła trawy pod stopami bohatera, tak naprawdę czasami nawet nie wiesz, jak wygląda jego twarz (dopóki nie zobaczysz tego w filmie i nie porównasz swoich niejasnych przypuszczeń z rzeczywistością ). Masz wrażenie, że Twoja wizja świata książki jest kompletna, ale gdyby ktoś ją narysował i pokazał Ci, byłaby pełna luk. Jeśli chcesz stworzyć swój własny styl, zacznij od studiowania realizmu - zbierz bazę danych o wszystkim, co widzisz.