R. Fentona. Wnętrze opactwa Tintern, koniec lat pięćdziesiątych XIX wieku
W 1848 roku w Wielkiej Brytanii powstało Bractwo Prerafaelitów – stowarzyszenie artystów utworzone przez Williama Hunta, Dantego Gabriela Rossettiego i Johna Millesa. Młodzi malarze sprzeciwiali się systemowi szkolnictwa akademickiego i konserwatywnym gustom społeczeństwa wiktoriańskiego.
Prerafaelici inspirowali się malarstwem włoskiego protorenesansu i XV wieku, stąd sama nazwa „Prerafaelici” – dosłownie „przed Rafaelem” (włoski artysta wysokiego renesansu Rafael Santi).
Wynalazek Fredericka Scotta Archera dotyczący mokrego procesu koloidowego, który zastąpił kalotyp, zbiegł się w czasie z powstaniem Bractwa Prerafaelitów. Członkowie bractwa entuzjastycznie przyjęli pojawienie się nowej metody. W czasach, gdy większość artystów uważała niesamowitą dokładność obrazu fotograficznego za wadę, Prerafaelici, którzy sami dążyli do skrupulatnego oddania szczegółów w malarstwie, podziwiali ten szczególny aspekt fotografii. Krytyk sztuki, który popierał idee prerafaelitów, John Ruskin, mówił o pierwszych dagerotypach, które kupił w Wenecji, jako o „małych skarbach”: mógł zabrać go ze sobą do zaczarowanej krainy.
Prerafaelici, podobnie jak wielu ówczesnych artystów, wykorzystywali fotografie jako etap przygotowawczy do tworzenia obrazów. Gabriel Rossetti wykonał serię fotografii Jane Morris, które stały się materiałem na przyszłe płótna artystki. Rossetti i William Morris wielokrotnie malowali i fotografowali tę kobietę, odnajdując w niej cechy romantycznej, średniowiecznej urody, którą tak podziwiali.
Kilka lat po powstaniu Bractwa Prerafaelitów w Anglii pojawił się ruch „Za wysoce artystyczną fotografią”. Organizatorami tego ruchu byli malarze Oscar Gustav Reilander (1813–1875) i Henry Peach Robinson (1830–1901), którzy byli blisko związani z prerafaelitami i podzielali swoje idee. Reilander i Robinson, podobnie jak prerafaelici, czerpali inspirację ze świata obrazów średniowiecznej literatury angielskiej, z twórczości angielskich poetów Williama Szekspira i Johna Miltona. W 1858 roku Robinson stworzył jedną ze swoich najlepszych fotografii, The Lady of Shalott, zbliżoną kompozycją do prerafaelickiego obrazu Ofelia autorstwa D. Millesa. Będąc zwolennikiem fotomontażu, Robinson wydrukował zdjęcie z dwóch negatywów: na jednym negatywie autor wziął modelkę w łodzi, na drugim uchwycił pejzaż.
Członkowie ruchu „Za fotografię wysoce artystyczną” interpretowali obraz jako obraz, w pełnej zgodzie z normami malarstwa akademickiego. W swojej książce Pictorial Effect in Photography (1869) Robinson odniósł się do zasad kompozycji, harmonii i równowagi niezbędnych do uzyskania „efektu malarskiego”: przy użyciu farby i ołówka.
Oscar Gustaf Reilander urodził się w Szwecji, studiował malarstwo we Włoszech i przeniósł się do Anglii w 1841 roku. Reilander zainteresował się fotografią w latach pięćdziesiątych XIX wieku. Sławę przyniosła mu alegoryczna kompozycja „Dwie drogi życia”, wystawiona w 1857 roku na Wystawie Skarbów Sztuki w Manchesterze. Fotografia została wykonana techniką fotomontażu, a Reilander potrzebował do jej wykonania 30 (!) negatywów. Jednak brak publicznego uznania sprawił, że porzucił pracochłonną technikę i zajął się fotografowaniem portretów. W przeciwieństwie do kompozycji alegorycznych, portrety Rejlandera są doskonalsze pod względem warsztatowym. Portret panny Mander jest jednym z najlepszych portretów Reilandera.
Najwyższą opinię o fotografii miał malarz Roger Fenton (1819–1869), który w 1853 r. założył nawet stowarzyszenie fotograficzne. Jego wczesne cykle fotograficzne z widokami Rosji, portretami rodziny królewskiej i reportażami z wojny krymskiej przyniosły mu międzynarodowe uznanie. Podejście Fentona do pejzażu związane jest z prerafaelitami i ich wizją: wysoka linia horyzontu, brak takich romantycznych urządzeń jak zamglenie, mgła itp. Fenton, podobnie jak prerafaelici, starał się podkreślić swoje umiejętności techniczne i śpiewał namacalną rzeczywistość krajobrazu. Mistrz podzielał też prerafaelickie zainteresowanie kobietami w egzotycznych strojach, co widać w „Nubijskich nosicielach wody” czy „Egipskich tańczących dziewczynach”.
Na szczególną uwagę zasługują fotografie dzieci wykonane przez Lewisa Carrolla (1832–1898). Autor Alicji w Krainie Czarów i Po drugiej stronie lustra, profesor matematyki na Uniwersytecie Oksfordzkim, Carroll (prawdziwe nazwisko Charles Lutwidge Dodgson) był także utalentowanym fotografem-amatorem. Dla Carrolla malowanie światłem było nie tylko rozrywką, ale wielką pasją, której poświęcił wiele czasu i której poświęcił kilka drobnych prac, a nawet wiersz „Fotograf Hiawatha” (1857):
Na ramieniu Hiawathy - Pudełko z palisandru: Urządzenie jest składane, Z desek i szkła, Zręcznie skręcone śrubami, Aby zmieścić się w skrzyni. Hiawatha wchodzi do trumny I otwiera zawiasy, Zamieniając małą szkatułkę W przebiegłą postać Jak z ksiąg Euklidesa. Stawia na statywie I wspina się pod czarnym baldachimem. Kucając, macha ręką: - No! Zamrażać! Błagam Cię! Bardzo dziwna czynność.
Pisarz poświęcił 25 lat "dziwnej" okupacji, podczas której tworzył wspaniałe portrety dziecięce, dając się poznać jako niezły znawca psychologii dziecięcej. Podobnie jak prerafaelici, którzy w poszukiwaniu ideału i piękna posuwali się coraz dalej w świat swojej fantazji, Carroll szukał swojej bajecznej Alicji w fotograficznym lustrze. Pani Julia Margaret Cameron (1815–1878) zajęła się fotografią w połowie lat 60. XIX wieku, kiedy jej córka dała jej aparat. „Chciałem uchwycić całe piękno, które mijało przede mną” — napisał Cameron — „i wreszcie moje pragnienie zostało spełnione”.
W latach 1874–75 Cameron na prośbę swojego przyjaciela Tennysona zilustrowała niektóre jego wiersze i wiersze. Kompozycja zdjęcia „Rozstanie Lancelota i Ginewry” jest zbliżona do kompozycji obrazów D. G. Rossettiego, ale Cameron nie ma dokładności w przekazywaniu szczegółów, która jest właściwa prerafaelitom. Zmiękczając wzór optyczny, Cameron osiąga w swoich pracach większą poezję.
Praca prerafaelitów i fotografów była ze sobą ściśle powiązana. A wpływ nie był jednostronny. Julia Cameron, rezygnując z precyzyjnego ustawiania ostrości, stworzyła wspaniałe studia fotograficzne. Rossetti, który wysoko cenił jej twórczość, zmienił styl pisania, dążąc następnie do większej generalizacji artystycznej. Gabriel Rossetti i John Milles wykorzystali fotografie do stworzenia swoich obrazów, a fotografowie z kolei zwrócili się ku tematom rozwiniętym przez prerafaelitów. Fotoportrety stworzone przez L. Carrolla, D. M. Camerona i O. G. Reilandera oddają nie tyle charakter, co nastroje i sny ich modelek - co jest typowe dla prerafaelizmu. Podejście do przedstawiania natury było takie samo: wczesne pejzaże prerafaelitów i pejzaże fotografów, takich jak na przykład Roger Fenton, są niezwykle dokładne i szczegółowe.
Prerafaelici to angielscy artyści William Holman Hunt (1827-1910), John Evret Millet (1829-96), poeta i artysta Dante Gabriel Rossetti (1828-82), którzy zjednoczyli się w 1848 roku w Bractwie Prerafaelitów.
W jej skład weszli także krytycy sztuki – brat Dantego Gabriela – William Michael Rossetti (1829-1919) i Frederick George Stephens (1828-1907), poeta i rzeźbiarz Thomas Uvulner (1825-92), artysta James Collinson (18257-81).
Zasady estetyczne prerafaelitów
Inicjały „PB” (Bractwo Prerafaelitów) po raz pierwszy pojawiły się na obrazie Hunta na wystawie Royal Academy of Arts w 1849 roku.
Estetyczne zasady prerafaelitów są romantycznym protestem przeciwko zimnemu akademizmowi, który dominował w malarstwie angielskim tamtych czasów.
Ich ideałem sztuki jest twórczość mistrzów średniowiecza i wczesnego renesansu (tj. okresu „prerafaelowego”) – Giotta, Fra Angelico, S. Botticellego, która przyciągnęła ich jako przykład naiwnego, bezpośredniego stosunek człowieka do natury. 
Prerafaelici nawoływali do przedstawiania natury w jej różnorodności, w pełnej gamie kolorystycznej, w przeciwieństwie do bladych zieleni i brązów artystów akademickich, którzy nigdy nie opuszczali pracowni. Religijny duch malarstwa prerafaelickiego przez prerafaelitów przeciwstawiał się indywidualizmowi, bezbożności artystów wysokiego renesansu i nowoczesnemu materializmowi. Pod tym względem byli pod wpływem Ruchu Oksfordzkiego. Zasada moralna aprobowana przez prerafaelitów znalazła wyraz w tematyce religijnej, w symbolicznej i mistycznej ikonografii.
Inspirujący autorzy prerafaelitów
Ulubieni autorzy, którzy inspirowali prerafaelitów – Dante, T. Malory, W. Shakespeare, romantyczni poeci W. Blake, J. Keats, P. B. Shelley, postrzegani jako esteci i mistycy, A. Tennyson ze swoimi średniowiecznymi fabułami i tematyką zmagania duchowych i zmysłowych początków, a zwłaszcza R. Browning z jego zainteresowaniem Italią, egzaltacją sztuki prerafaelowskiej, z ostrymi wątkami psychologicznymi.
Prerafaelici byli postrzegani w latach 1848-49 jako niebezpieczni, zuchwali rewolucjoniści i byli ostro krytykowani. W ich obronie przemawiał teoretyk sztuki John Ruskin (1819-1900), który został przyjacielem D. G. Rossettiego. W listach otwartych opublikowanych w „The Times” w 1851 i 1854 roku bronił ich przed oskarżeniami o sztuczne wskrzeszanie prymitywnego malarstwa średniowiecznego, upodobanie do abstrakcyjnej symboliki i obojętność na wszystko, co wykracza poza „piękne”.
Z Ruskinem łączyło prerafaelitów potępienie prozy i pragmatyki stosunków burżuazyjnych, idealizacja średniowiecznego rzemiosła. Później potępił ich „estetyzm” i odsunął się od nich. W okresie styczeń-kwiecień 1850 r. prerafaelici wydawali czasopismo (cztery numery) „Zarodek” z podtytułem „Rozważania o naturze poezji, literatury i sztuki”; dwa ostatnie numery otrzymały nowe tytuły: „Sztuka i poezja jako refleksje nad naturą”; jego redaktorem był WM Rossetti, który był także sekretarzem prerafaelitów. Do Prerafaelitów (ale nie byli członkami bractwa) -96), siostra D.G. oraz W. M. Rossetti - poetka Christina Rossetti (1830-94), która publikowała swoje wiersze w ich czasopiśmie.
Centralna postać prerafaelitów
Centralną postacią prerafaelitów jest D. G. Rossetti. W jego poezji, skupionej na pojedynku pierwiastków duchowych i zmysłowych jako odwiecznie sobie przeciwstawnych zasad w człowieku, charakterystycznej dla prerafaelitów oscylacji między mistycyzmem a gloryfikacją zmysłowości, próbie pogodzenia mistycyzmu i erotyzmu na gruncie przebóstwienie ciała, było najwyraźniej ucieleśnione. W DG Rossetti zmysłowość często wygrywa z duchowością. Uwielbiał odnosić się do Dantego, jego miłości do Beatrice. Fascynacja Dantego jest widoczna w jego książce tłumaczeń, The Early Italian Poets (1861). Religijny i mistyczny początek katolicyzmu był często przesłaniany w percepcji prerafaelitów przez czysto obrazowy obraz.
Splendor obrzędowości kościoła katolickiego, dziwaczne formy architektury gotyckiej czasami ich urzekały, niezależnie od zawartych w niej idei. Najbardziej konsekwentni w wyrażaniu religijnych poglądów katolickich są Hunt w malarstwie i K. Rossetti w poezji. W 1853 roku rozpada się Bractwo Prerafaelitów. Millais wyjechał do Szkocji, a po powrocie został artystą komercyjnym, malując portrety na zamówienie i obrazy sentymentalne. Hunt udał się do Palestyny w 1854 roku w poszukiwaniu bardziej realistycznego tła dla swoich religijnych obrazów i przez całe życie pozostał najbardziej konsekwentny. Uvulner wyjechał do Australii, Collinson przeszedł na katolicyzm w 1852 roku i wstąpił do wspólnoty religijnej.
Prerafaelici byli związani osobistą przyjaźnią i pokrewieństwem estetycznym z A. Swinburne'em, W. Paterem, O. Beardsleyem, O. Wilde'em i wywarli znaczący wpływ na „estetyzm” jako kierunek w literaturze i malarstwie lat 80. XIX wieku.
Słowo prerafaelita pochodzi od angielskie bractwo prerafaelitów.
(1828–1882), malarze William Holman Hunt (1827–1910), John Everett Millais (1829–1896), Thomas Woolner (1825–1892), James Collinson (1825–1881), William Rossetti (1829–1919), George Stevens (1817–1875), doświadczając wpływu F. M. Browna i J. Ruskina, starał się ożywić „naiwną religijność” sztuki średniowiecznej i wczesnego renesansu.
Starsi prerafaelici.
Opierając się na ideach historyka i krytyka sztuki Johna Ruskina (1819–1900), głoszącego zasadę „wierności Naturze”, artyści zjednoczeni wspólną ideą przeciwstawienia się zimnemu akademizmowi (którego korzeni upatrywali w sztuce Wysoki renesans) „żywej wiary” tzw. prymitywna sztuka włoska Trecento i Quattrocento. Prerafaelici zwrócili się nie tylko do tematów biblijnych, ale także do dzieł poezji i literatury klasycznej, do twórczości Dantego Alighieri (1265-1321), Williama Szekspira (1564-1616), Johna Keatsa (1795-1821).
Program Bractwa obejmował romantyczne odrzucenie społeczeństwa przemysłowego i kultury burżuazyjnej. Ich sztuka miała przyczynić się do odrodzenia duchowości w człowieku, czystości moralnej i religijności. Naśladowanie tradycji artystycznej sztuki włoskiej XV wieku. doprowadziło do połączenia skrupulatnego przekazu natury ze stylizacją i złożoną symboliką.
Obrazy o tematyce biblijnej pochodzą z pierwszego okresu istnienia Bractwa: D. G. Rossetti Panna Marysia (1849), warsztat stolarski(1850), CE Collins Myśli zakonnicy(1850–1851). Prerafaelici stworzyli w sztukach wizualnych nowy typ kobiecego piękna – zdystansowany, spokojny, tajemniczy, który rozwinęli później artyści secesyjni: J. E. Milles Druhna(1851). D. G. Rossetti pracował szczególnie ciężko nad tym tematem, portretując swoją ukochaną Elżbietę Siddal, po której śmierci wyidealizował jej wizerunek, podobnie jak średniowieczni rycerze, śpiewając piękno pięknej damy: D. G. Rossetti Beata Beatrycze(1863–1864), JE Milles Marianna(1851), W. Morris Królowa Ginewra(1855). W pejzażu artyści byli wierni dokładności w przekazywaniu natury: W.H. Hunt koza ofiarna(1854), zagubiona owca(1855), JE Milles Ofelia (1852), ślepa dziewczyna (1856), Jesienne liście(1856), Artur Hughes (1832–1915) Kwietniowa miłość (1856).
Ważną rolę w twórczości prerafaelitów odgrywała grafika książkowa (grafika w czasopiśmie Germ, redagowanym przez D.G. Rossettiego, rysunki D.G. Rossettiego do publikacji The Music Teacher (1855) Williama Ellinghama).
Po udanej pierwszej wystawie prerafaelitów, która odbyła się w maju 1849 r., spadła na nich fala krytyki. Mimo późniejszego uznania ich pracy i sukcesów kolejnych wystaw Bractwo Prerafaelitów rozpada się (według jednej wersji w 1853 r., według innej w 1855 r.). Estetyczną stronę działalności Bractwa odziedziczyli młodsi prerafaelici.
Młodsi prerafaelici.
W 1856 roku D.G. Rossetti spotkał się z Williamem Morrisem (1834-1896) i Edwardem Burne-Jonesem (1833-1898), a spotkanie to zapoczątkowało nowy etap w rozwoju ruchu prerafaelitów, głównej idei czyli estetyzm, stylizacja form, erotyzm, kult piękna i artystyczny geniusz. Malarstwo prerafaelickie zaczęło się rozwijać w kierunku komplikacji płaskiej ornamentyki i mistycznej kolorystyki.
Idee i praktyka bractwa w dużym stopniu wpłynęły na rozwój symbolizmu w literaturze (W. Pater, O. Wilde). Z kolei idea „sztuki dla sztuki” Waltera Patera została wcielona w twórczość prerafaelitów.
Deklarowane przez Ruskina pragnienie czerpania przyjemności z pracy, zagubione we współczesnym społeczeństwie przemysłowym, znalazło odzwierciedlenie w obrazach o tematyce pracy: Henry Wallis (1830-1916) kruszarka do kamienia(1858), Ford Madox Brown (1821–1893) Praca(1852–1865), Williama Scotta (1811–1890) żelazo i węgiel (1860).
D. G. Rossetti pozostał wierny tematowi „pięknej damy”: Niebieska jedwabna sukienka(1866). W 1858 roku W. Morris tworzy swoje jedyne dzieło sztalugowe Królowa Ginewra. W 1889 roku na Wystawie Światowej w Paryżu Burne-Jones otrzymał za swój obraz Legię Honorową Król Cofetua i młoda żebraczka.
W 1890 r. założył wydawnictwo Kelmscott-press (które istniało do 1898 r.), zaprojektował wszystkie 66 wydanych przez wydawnictwo książek, w tym czcionki, inicjały, nakrycia głowy. Burne-Jones wykonał dla nich większość ilustracji.
Z późnego prerafaelizmu wyrósł styl Nowoczesność, który później stał się stylem międzynarodowym (we Włoszech sztuka ta nazywa się styl angielski(styl angielski), w Austrii - Styl secesyjny, w Niemczech - Jugendstil, we Francji - Nowoczesność, w stylu rosyjskim nowoczesny).
Charakterystyczny dla stylu Nowoczesność dekoracyjność, ornamentyka, erotyzm, wyrafinowana linia występują także u późnych prerafaelitów.
Ruch Sztuki i Rzemiosła.
Działalność W. Morrisa na rzecz odrodzenia sztuki i rzemiosła angielskiego miała szerszy charakter, skupiała wielu mistrzów, m.in. FM Brown, A. Hughes, arch. F. Webba, który dążył do odtworzenia produkcji ręcznej w przeciwieństwie do produkcji maszynowej, aby wprowadzić piękno w codzienność. Główną ideą Morrisa było przekonanie, że sztuki zdobnicze są równie ważne jak sztuki piękne, dążył do jedności sztuki i rzemiosła.
Nowy aspekt działalności narodził się w poszukiwaniach młodszych prerafaelitów w 1857 roku, kiedy Rossetti otrzymał zlecenie wymalowania centralnej sali obrad Związku Oksfordzkiego scenami z Życie króla Artura T. Malory'ego. Ta komisja umożliwiła zjednoczenie siedmiu artystów: Morrisa, Rossettiego, Burne-Jonesa, Arthura Hughesa Spencera Stanhope'a, Wala Princera i Hungerforda Pollena. Projekt nie powiódł się, fresk wkrótce częściowo się rozsypał, ale wszystkim podobał się społeczny aspekt wspólnej pracy.
W 1860 roku ukończono słynny „Red House” (Red House) (architekt Philip Webb) w Bexleyheath, który otrzymał swoją nazwę ze względu na kolor cegły, z której został zbudowany. Dom stał się centrum kręgu literackiego i artystycznego oraz pierwszym przykładem połączenia celów funkcjonalnych i estetycznych, które zapoczątkowały Ruch Sztuki i Rzemiosła. W. Morris i jego przyjaciele sami malowali sufity i ściany domu, tworzyli szkice mebli, draperii, witraży i gobelinów. Morris, Marshall, Faulkner & Co. pojawił się w 1861 roku. W przedsięwzięciu uczestniczyło siedmiu partnerów: Morris, Rossetti, Burne-Jones, Webb, artysta Ford Medox Brown, Peter Paul Marshall, inżynier i artysta-amator oraz Charles Faulkner, profesor matematyki na Uniwersytecie Oksfordzkim. Pierwszymi zamówieniami firmy były witraże, kraty-tapety. W 1866 roku firma dekoruje Zbrojownię i Sale Gobelinów w Pałacu św. Jakuba w Londynie. W 1867 roku W. Morris, Burne-Jones i Webb dekorują zieloną jadalnię w South Kensington Museum (Victoria and Albert Museum).
Do 1875 roku datuje się pierwsze eksperymenty z barwieniem tkanin. W tym samym roku następuje reorganizacja firmy pod nazwą „Morris and Co”, w związku z tym, że Morris zostaje jej jedynym dyrektorem. W 1878 roku Morris kupił 5-piętrowy dom w Hammersmith, przemianował go na Kelmscott House, zainstalował tam krosna i rozpoczął pracę nad gobelinami i ręcznie robionymi dywanami. W 1881 roku firma przeniosła się do Merton Abbey, starej fabryki, gdzie utworzono warsztaty do produkcji witraży, barwienia, drukowania i tkactwa. W tym samym roku firma wykonuje dekoracje Sali Tronowej Pałacu św. Jakuba.
Odrodzenie rzemiosła, wyzwanie tradycyjnej hierarchii sztuk, podkreślenie społecznego znaczenia sposobu produkcji zaowocowało założeniem w 1883 roku przez W. Crane'a i L. Daya Cechu Robotników Sztuki, który stał się ośrodkiem Londyńskiego Ruchu Sztuki i Rzemiosła. W 1888 roku Walter Crane zdefiniował cel Ruchu Sztuki i Rzemiosła jako „przekształcenie artystów w rzemieślników i rzemieślników w artystów”. Towarzystwo Sztuki i Rzemiosła zostało założone w 1888 roku, a pierwsza wystawa odbyła się w tym samym roku. Na drugiej wystawie Towarzystwa W. Morris wystawiał gobeliny i malowane tkaniny bawełniane.
„Ruch Sztuki i Rzemiosła” stworzył model działalności kolejnych ugrupowań artystycznych w ostatniej ćwierci XIX wieku.
Sztuka prerafaelitów wchłaniała różne style i nurty, wpływając na życie artystyczne nie tylko XIX, ale i XX wieku.
Mock, Rousseau i Voltaire, wszędzie śmiało rzućcie swoje drwiące, śmiejące się, wiecznie szydercze spojrzenie, Pod wiatr rzucasz garść piasku pełną, Ten sam wiatr ci go natychmiast odrzuci. Odzwierciedlając wzory w ziarnach boskiego światła, będzie mógł zamienić je wszystkie w drogocenne kamienie, I odrzuciwszy piasek, zaślepi bezwstydne oczy, I drogi Izraela zabłysną i zabłysną. Atomy Demokryta, punkty, które pędzą, kłócą się, Lekkie drobinki Newtonowskiej dziecięcej zabawy, To tylko ziarenka piasku na brzegu Morza Czerwonego, Gdzie Izrael rozpostarł swoje złote namioty. Williama Blake'a
Malarstwo prerafaelitów
Druga połowa XIX wieku. Sztuka staje się coraz bardziej realistyczna.
Główny temat sztuki jest widzialny, słyszalny, namacalny..
Ale w połowie stulecia, a dokładniej w 1849 roku, w racjonalistycznej wiktoriańskiej Anglii, której atmosfera bardzo sprzyjała takiemu stanowi rzeczy, powstało stowarzyszenie artystów, którzy przeciwstawiali mu światy własnej wyobraźni, na wzór baśni.
To właśnie w tej epoce angielski profesor matematyki Lewis Carroll wymyślił świat Lustra
SIR JOHNA EVERETTA MILLESA
nazywali siebie bractwem prerafaelitów, w przeciwieństwie do artystów akademickich, którzy uważali się za naśladowców wielkiego Włocha.
Sama nazwa tego stowarzyszenia, początkowo tajnego, wiele mówi o ideałach i celach tych młodych ludzi. Nic dziwnego, że nazywali swój krąg „Bractwem” – jako rodzaj zakonu monastycznego lub rycerskiego, wyrażając pragnienie czystości i duchowego napięcia sztuki średniowiecznej, a z definicji „Prerafaelitów” jasno wynika, jakim okresem się kierowali - przed Rafałem
Członkowie bractwa przenieśli się w inną epokę, do pięknego świata sztuki pogranicza, świata umierającego gotyku i rodzącego się renesansu, kiedy artyści byli „rzetelnymi wobec Boga” rzemieślnikami, do czasu, gdy dążenie do ideału nie było jeszcze pozbawili sztukę najważniejszego, ich zdaniem, - szczerości .
Uważali, że należy powrócić do pobożnego, prostego, naturalnego i naturalistycznego stylu artystów XIV-XV wieku. i, co ważniejsze, powrót do samej natury
Później prerafaelitów zaczęto nazywać nie tylko bezpośrednimi członkami bractwa, ale także innymi artystami, a także poetami i pisarzami wiktoriańskiej Anglii, którzy wyznawali podobne poglądy estetyczne.
Wzorem romantyków początku wieku czerpali inspirację z obrazów średniowiecza. W legendach, romansach rycerskich, pieśniach i sagach. I od samego początku obok magicznych wizerunków średniowiecznych legend powstały piękne twarze chrześcijańskich świętych i męczenników.
Nieco później do ich twórczości weszły motywy antyczne, ale ich interpretacja była uderzająco odmienna od zwykłej.
Nie kopiowali stylu średniowiecznego, ale starali się odtworzyć ducha średniowiecza i wczesnego renesansu.
Co było dla nich najważniejsze? Jest tylko jedna odpowiedź – piękno.
Nie bez powodu tworzenie absolutnie pięknych dzieł sztuki zaliczali do głównych zadań swojego stowarzyszenia. We wszystkich przedmiotach, które wzięli z rzeczywistości, aby zbudować swój świat, odnaleźli piękno, które z kolei świadczyło o boskiej wielkości i naturze, która miała transcendentne pochodzenie. Piękno było dla nich nicią Ariadny, która łączyła nasz świat ze światem Boskim.
Wcześni romantycy epoki wiktoriańskiej.
W latach 1848-49 Prerafaelici stworzyli wiele obrazów, które można łatwo odróżnić dzięki jasnym kolorom i wielu starannie pomalowanym detalom. Zwrócili się ku tematom, które nie były charakterystyczne dla naukowców: sceny biblijne, poezja średniowieczna (ballady, Chaucer), Szekspir, ballady ludowe, twórczość współczesnych poetów (np. John Keats) itp.
Każdy obraz był oznaczony tajnym znakiem PRB. Ich obrazy można nazwać naturalistycznymi, ale nie umieścili w tym słowie współczesnego znaczenia, ale ideę, że naśladując artystów trecento i quattrocento, trzeba pisać prosto, bez reguł, bez teorii.
Słynne „Zwiastowanie” Rossettiego
Dantego Gabriela Rossettiego. Zwiastowanie. 1850. Galeria Tate
Mistrzowie włoskiego renesansu przedstawiali Madonnę jako świętą, która nie miała nic wspólnego z codziennością.
Realistycznie przedstawiając Zwiastowanie, Rossetti złamał wszelkie tradycje. Jego Madonna to zwyczajna dziewczyna, zawstydzona i przerażona wiadomością, którą przyniósł jej Anioł. To niezwykłe podejście, które rozwścieczyło wielu miłośników sztuki, było zgodne z intencją prerafaelitów, by malować obrazy zgodnie z prawdą.
Publiczności nie podobał się obraz „Zwiastowanie”: artysta został oskarżony o naśladowanie starych włoskich mistrzów. Realizm obrazu wywołał silną dezaprobatę (m.in. Charlesa Dickensa),
Rossetti był podejrzany o sympatyzowanie z papiestwem.
Ale prerafaelici szybko zdobyli wielu wielbicieli, zwłaszcza wśród rosnącej klasy średniej środkowej i północnej Anglii. Członkowie „Bractwa” wyrażali swoje idee w artykułach, opowiadaniach i wierszach publikowanych w ich czasopiśmie „Rostok”, a pod koniec 1850 roku byli znani poza akademią.
"Beata Beatrix", "pomnik" miłości utraconej żony...
Beata Beatrycze. Marzenia dzienne.
Ogromny wpływ na jego życie i twórczość wywarło również małżeństwo i późniejsze samobójstwo jego żony, poetki i artystki Elżbiety Siddal. Była jego uczennicą, modelką, kochanką i głównym źródłem inspiracji. Rossetti kochał ją przez prawie 10 lat i wykonał z Elizabeth wiele szkiców, z których niektóre posłużyły później jako szkice do jego obrazów.
Dantego Gabriela Rossettiego. Beata Beatrycze. 1864-1870.
Melancholijna i chora na gruźlicę Lizzie zmarła dwa lata po ślubie z powodu przedawkowania opium.
„Ofelia” Johna Millaisa, kolejna tragiczna historia miłosna
Johna Millesa. Ofelia. 1852. Galeria Tate
Witraż w oknie został namalowany z natury, a każdy suchy liść został pomalowany z niesamowitą starannością. Potem do tego zdjęcia pozowała Lizzy Siddell, którą Milles zmusił do leżenia w wannie, aby jak najbardziej wiarygodnie pomalować mokre tkaniny i włosy (Lizzie oczywiście się przeziębiła).
Przedstawione na obrazie kwiaty z oszałamiającą botaniczną dokładnością mają również znaczenie symboliczne – nawiązują do tekstu sztuki. Strumień i kwiaty Milles namalował z natury. Najpierw umieścił na obrazie żonkile, ale potem dowiedział się, że o tej porze roku już nie kwitną i zamalował je.
I znowu szekspirowscy bohaterowie, tym razem „Klaudio i Izabela” (bohaterowie sztuki „Miarka za miarkę”) Holmana Hunta…
Klaudio i Izabela Szekspira z Miarki za miarkę 1850
Fabuła spektaklu sięga czasów popularnych w średniowieczu i renesansie
opowieść, bardzo powszechna nie tylko w formie tradycji ustnej, ale także w
przetwarzanie powieściowe i dramatyczne. Zasadniczo sprowadza się to do
pyta ukochana lub siostra skazanego na śmierć
sędziów za jego ułaskawienie; sędzia obiecuje spełnić jej prośbę, pod warunkiem, że
poświęci mu za to swoją niewinność. Po otrzymaniu pożądanego prezentu sędzia
nie mniej rozkazów wykonania kary; zgodnie ze skargą ofiary,
władca każe sprawcy poślubić swoją ofiarę, a po ceremonii zaślubin
wykonać go
Na właściwym gruncie angielskim opierały się one na poglądach Williama Blake'a i Johna Ruskina.
Jana Ruskina
Ruskin - teoretyk sztuki
Historyk sztuki Raskin nawoływał do szukania Boga w naturze, ale też obawiał się, że natura wkrótce zniknie w wyniku industrializacji i trzeba było uchwycić ją taką, jaką Bóg ją stworzył i „znaleźć w niej Jego sygnaturę”. Sam nie był wybitnym artystą, ale zapewnił prerafaelitom zaplecze ideowe. Podobały mu się aspiracje prerafaelitów i bronił ich metod przed atakami naukowców.
W religijnych i symbolicznych motywach młodych artystów prerafaelitów John Ruskin dostrzegł ważne odkrycie w sztuce, proponując zestaw niewzruszonych zasad nawołujących do studiowania natury i korzystania z osiągnięć nauki.
Ruskin:
„Czy nie dlatego, że kochamy nasze dzieła bardziej niż Jego, cenimy kolorowe szkło, a nie jasne chmury… A robiąc czcionki i wznosząc kolumny na Jego cześć… wyobrażamy sobie, że zostanie nam wybaczone haniebne zaniedbanie wzgórz i strumienie, którymi obdarzył nasze mieszkanie - ziemię"
Thomas Phillips Portret Williama Blake'a 1807
William Blake - harmonia natury, jego zdaniem, była tylko zapowiedzią czegoś więcej
wysoka harmonia, którą należy stworzyć holistycznie i uduchowioną
osobowość. To przekonanie z góry określiło twórcze zasady Blake'a.
Dla romantyków natura jest zwierciadłem duszy, dla Blake'a jest raczej księgą symboli.
Nie ceni ani blasku pejzażu, ani jego autentyczności, podobnie jak nie ceni psychologizmu.
Malarstwo Williama Blake'a.
Wszystko wokół niego postrzegane jest w świetle konfliktów duchowych,
a przede wszystkim przez pryzmat odwiecznego konfliktu mechanistycznego i wolnego
wizje. W naturze ujawnia tę samą bierność i mechanizm, co
i w życiu społecznym.
Usłysz głos Śpiewaka! Jego pieśń obudzi wasze serca Słowem Stwórcy – Słowem było, jest i będzie. Zagubione dusze Wołają, Płaczą nad wieczorną rosą I czarnym firmamentem - Znów zabłysną gwiazdy, Świat wyrwie się z ciemności dziecka! „Wróć, o Światła Ziemio, Otrząśnij się z zarośniętej ciemności! Noc jest zgniła, Mgiełka poranka Skrada się w bezwładnym bagnie. Nigdy nie znikaj!
W 1850 roku prerafaelici wydali pismo „Rostok”, w którym publikowali eksperymenty literackie, własne i swoich przyjaciół – w istocie dzięki temu magazynowi dowiedzieli się o nich. Ale nigdy nie mieli formalnego programu, a wszyscy artyści, których łączyła wspólna idea, byli bardzo różni. Dość powiedzieć, że w połowie lat pięćdziesiątych XIX wieku poszli własnymi drogami.
Pierwszymi dziełami Bractwa są dwa obrazy:
Isabella (1848-9, Milles) i dzieciństwo Marii (1848-9, Rossetti).
Oba są dość niezwykłe jak na tamte czasy.
Isabella John Everett Millais.
Na przykład w Izabeli nie ma perspektywy: wszystkie postacie siedzące przy stole są tej samej wielkości. Zastosowano niekonwencjonalną fabułę (raczej mroczne opowiadanie Boccaccia, opowiedziane przez Keatsa, o dwojgu kochankach, Lorenzo i Isabelli: Lorenzo był służącym w domu, w którym Isabella mieszkała z braćmi, a kiedy bracia dowiedzieli się, że Lorenzo i Isabella byli w sobie zakochani, młodzieniec został zabity; jego duch ukazał się dziewczynie i wskazał miejsce pochowania ciała, a Izabela poszła tam, wykopała głowę swojego kochanka i ukryła ją w doniczce z bazylią; jednak jego odebrali jej ją bracia, w końcu umarła) oraz liczne symbole (na W oknie stoi doniczka z tą samą bazylią, a przy niej splecione są dwie męczennice, „kwiat cierpienia”; Lorenzo serwuje Izabeli pomarańcza na talerzu, która przedstawia biblijną scenę ze ścięciem głowy).
Dzieciństwo Maryi Panny.
W Dzieciństwie Marii nie ma też perspektywy: figury Matki Boskiej i jej matki Anny na pierwszym planie są w rzeczywistości tej samej wielkości, co postać Joachima, ojca Marii, w drugim planie. Ciekawe, że sakralna fabuła jest przedstawiona jako całkiem codzienna i gdyby nie obecność anioła i aureoli nad naszymi głowami, moglibyśmy nie zrozumieć, że mamy przed sobą scenę z życia Matki Boskiej. Ten obraz jest również pełen symboli, które Rossetti w ogóle bardzo lubił: gołąb siedzący na kratce, symbol Ducha Świętego i przyszłego Zwiastowania; książki - symbol cnoty, lilia - czystość, splecione gałęzie palmy i dzikiej róży symbolizują siedem radości i siedem boleści Dziewicy, winogrona - komunię, lampę - pobożność. Wiele symboli, zwłaszcza Rossettiego, nie było tradycyjnych, więc artyści musieli je tłumaczyć publiczności; tutaj na przykład sonet jest napisany na ramie.
Ciąg dalszy nastąpi…
Prerafaelici (angielski) Prerafaelici słuchaj) to nurt w malarstwie i literaturze XIX wieku (początek 1850 r.). Sama nazwa prerafaelitów przypisywała artystów tego nurtu wcześniejszym artystom florenckim, takim jak Perugino, Giovanni Bellini i inni.Prerafaelici walczyli ze ślepym naśladownictwem sztuki klasycznej. Najbardziej znanymi postaciami tego gatunku byli: Dante Gabriel Rossetti, William Holman Hunt, John Everett Millais, Madox Brown, Edward Burne-Jones, William Morris, Arthur Hughes, Walter Crane, John William Waterhouse i inni.
Ruch został powołany Bractwo Prerafaelitów. W skład bractwa wchodzili: JE Millais, Holman Hunta, Dante Gabriel Rossetti, Michael Rossetti, Thomas Woolner, Frederick Stevens i James Collinson. Uważali, że nowoczesne malarstwo utknęło w ślepym zaułku i w ogóle się nie rozwija. Jedynym sposobem, aby temu zaradzić, rozważali powrót do wczesnej sztuki włoskiej, która istniała przed wielkim artystą Rafaelem. Uważali Rafaela za założyciela akademizmu, który naruszał szczerość i czystość malarstwa.
W swej istocie byli prawdziwą opozycją wobec nowoczesnego malarstwa. Po raz pierwszy skrót P.R.B. tj. Bractwo Prerafaelitów pojawiło się w Młodzieży Maryi Panny Rossettiego. Następnie pojawiła się na takich obrazach jak Isabella artysty JE Milleta i Rienzi artysty Holmana Hunta. Ponadto bractwo wydało własne czasopismo, które nosiło nazwę Sprout.
O powstaniu takiej dysydenckiej społeczności decydował sam system, ustanowione wówczas prawa malarstwa. W malarstwie brytyjskim istniał praktycznie jeden akademizm, który był kontrolowany przez Royal Academy of Arts. Ta oficjalna instytucja śledziła wszelkie nowinki, nowe trendy w sztuce i, można powiedzieć, odcinała dopływ wszystkiego, co nie wyglądało na akademizm. Ludzie zaczęli szczerze nudzić się abstrakcyjnie piękną naturą na wszystkich obrazach z rzędu, wydarzeniami dalekimi od rzeczywistości, wzorowymi wątkami mitologicznymi i religijnymi.
Prerafaelici zasadniczo czerpali z natury. Współcześni prerafaelitom widzieli na swoich obrazach prawdziwych krewnych i przyjaciół. Konwencje się skończyły. Artysta i jego model stali się równorzędnymi twórcami dzieła. Sprzedawczyni, która zgłosiła się na ochotnika do pozowania, mogła zostać królową, a lady Lilith była kobietą łatwych cnót.
Początkowo prerafaelici byli dość dobrze przyjmowani przez publiczność, ale potem spadła na nich fala krytyki za malowanie zupełnie nie do pomyślenia obrazów. Krytycy zaczęli się z nich śmiać za to, że niezgrabnie próbują naśladować styl dzieł mistrzów przeszłości. To, co kiedyś było czystym pragnieniem, stało się tylko imitacją i imitacją.
Prerafaelici uzyskali uznanie dzięki wsparciu niejakiego Ruskina. Potem ich sukces nabrał rozpędu. Obrazy zaczęły być rozchwytywane i wystawiane na międzynarodowych wystawach. Jednak mimo wszystko w 1853 r. bractwo się rozpadło. Artystów łączyło tylko zamiłowanie do historii, ale poza tym ich opinie były różne. W rezultacie wszyscy artyści rozstali się i prerafaelizm przestał istnieć.