„Madonny” stały prostopadle do ogromnych okien, z których roztaczał się widok na Newę i Twierdzę Piotra i Pawła. Zatrzymując się przy każdym z nich, znalazłeś się jak w małej przegródce, w na wpół otwartym pudełku. Trochę odizolowany od wszystkich. Dostroiłem się do dialogu: doświadczony – z tajemnicami szaleńczego mistrzostwa, neofita – z imieniem geniusza. Przejście od jednej Madonny do drugiej wyglądało jak przewracanie strony książki.
„Madonna Benois” („Madonna z kwiatkiem”) była pierwsza w strumieniu widzów i dlatego mimowolnie wydawała się początkiem, „próbą pióra”, próbą. „Madonna Litta” dopełniła historię – kulminacją, „ostatnim słowem”.
Teraz wiszą z tyłu korytarza, na jego środku, nieco z dala od przyćmionego dywanu (w rzeczywistości są oczywiście w zaawansowanych technologicznie kapsułach, które dobrze je chronią, ale czasownik „powiesić” zawsze się przyda do obrazów). Są blisko – i to jest rewolucja. W ich przedstawieniu.
Tak, nurt trwa w ten sam sposób, a wzrok spotyka najpierw Madonnę Benois, a potem Madonnę Litta, ale nie sposób się przed nimi nie zatrzymać. A kiedy się zatrzymasz, ze względu na kulturową bezwładność czytania książek i komputera, rozglądasz się od lewej do prawej. Najpierw do „Madonny Litta”, potem do „Madonny Benois”. A ona, z tą oszałamiającą niebiesko-brązową tonacją, z kwiatkiem w rękach dziecka, połączeniem płatków oznaczającym krzyż, z tajemniczym ptakiem w lewej ręce (o którym chcesz się wszystkiego domyślać, a nie czytać) , z niedoskonałym czołem i wygolonymi brwiami, zwycięża niezwykle cytowaną i emblematyczną dla Ermitażu „Madonną Litta”. W którym, zdaniem części niemuzealnych ekspertów, obecna jest także ręka studenta.
Pluskając się w tłumie przed wielkimi obrazami, odczuwasz przyjemność, jakbyś miał udane małżeństwo – słuszny, mądry, piękny, uczciwy i wierny wybór pary młodej.
A sprawa z pewnością nie mogłaby się wydarzyć bez Michaiła Borysowicza Piotrowskiego. Osoba o rozpoznawalnym na całym świecie guście mogłaby odpowiedzieć na „Madonnę Litta”: „Przestań umieszczać to na okładkach wszystkich książek. Słuchaj, lepiej umieścić Florę Melzi”.
Ich obecna nowa lokalizacja jest bardziej modna, ciekawa i uczciwa. Zdjęcie: S. Ragin (c) Państwowe Muzeum Ermitażu
Można to więc ocenić także jako muzealny eksperyment dotyczący „zmiany gustu” i jego komplikacji. Jeśli Petersburg przywołuje Rossiego i Quarenghiego, to Ermitaż przywołuje Leonarda i Rembrandta. Wydawało mi się, że publiczność pozostająca przy Litta Madonna różni się od tej, która dłużej patrzy na Madonnę Benois. Modelki zatrzymują się u „Madonny Litta”, dbające o swoją indywidualność, a te bardziej inteligentne – u „...Benois”. Całkiem możliwe, że pytanie „Którą Madonnę lubisz najbardziej?” stanie się równie znane naszej publiczności kulturalnej jak pytanie: „Kogo kochasz bardziej, Tołstoja czy Dostojewskiego?”
Logo musi się zmienić. Nie powinno być żadnego symbolicznego poślizgu. Musimy z nimi żyć – z naszymi Leonardo Madonnami – kochać, zgadywać, zapominać, być zaskoczonym. Szukać i coś znaleźć. Jesteśmy tu jak w jakimś kulturowym mariażu: jesteśmy wezwani do pracy nad subtelnym odczuwaniem i zrozumieniem.
W sytuacji, gdy kraj zamykają sankcje, a my zmuszeni jesteśmy wyważyć drzwi z drugiej strony, dotkliwie pojawia się pytanie o naszą konkurencyjność. Kulturalne również. I nie tylko Ermitaż, którego konkurencyjności jeszcze długo nikt nie będzie kwestionował, ale także my, jego widzowie.
Modny magazyn muzealny „Ermitaż” od niedawna publikuje na swoich łamach eseje z innej epoki – nieprofesjonalnego krytyka sztuki, dziennikarza niegdyś bardzo znanego i wpływowego „Gazety Literackiej” Jewgienija Bogata. Złapawszy w sobie niepokój, że „spokojnie odpoczywająca Madonna... cicho podniesie powieki i mnie nie rozpozna” i zdając sobie sprawę, że myślenie historyczno-sztukowe nie daje odpowiedzi na ten niepokój, podjął głębokie studium widza na temat „Człowiek przed wielkim obrazem”. Dziś tę kulturową tradycję, nie ściśle naukowej, miłosnej krytyki sztuki, kontynuuje na przykład genialna poetka Olga Sedakova w swoich „Listach o Rembrandcie”.
My też musimy do niego dołączyć.
Szczęśliwe oczy.
Wiersze w niezaufanych pamiętnikach i... na publicznych blogach.
Jest tylko jeden sposób godnego człowieka przystosowania się do szybko zmieniającej się rzeczywistości: triumf nad tym, co w niej najszybciej się zmienia.
Pozwolę sobie teraz nazwać Ermitaż... uniwersytetem adaptacji do szybko zmieniającego się świata. Na tej uczelni opanowanie bogactwa osiągniętego rozwoju pomoże człowiekowi wrócić do siebie (formuła Marksa) i wejść w przyszłość nie tracąc niczego, w koncentracji sił, jak wojownik, który rozumie poranek po pierwszym dniu wielkiego walcz, aby pomimo bólu spowodowanego ranami i stratą ukochanych towarzyszy, stał się tylko silniejszy i dzisiaj zwycięży.
Na tym uniwersytecie otwiera się szczególna duchowa czasoprzestrzeń dla tych, którzy nie są leniwi w odczuwaniu i myśleniu.
Jewgienij Bogat. Listy z Ermitażu
Mowa bezpośrednia
Michaił Piotrowski, dyrektor Ermitażu
Zgodziłem się, nalegałem, nalegałem, narobiłem kłopotów, napotkałem mnóstwo biurokracji, ale przewyższyliśmy te zdjęcia.
Choć uważa się, że ekspozycja w Ermitażu cały czas się zmienia, nie ma nic trudniejszego niż zmiana ekspozycji w Ermitażu. Zatem ta decyzja z jednej strony nie jest moja, ale zrodzona wspólnie, ale z drugiej strony oczywiście jest moja.
Takie zmiany są bardzo ważne dla dzisiejszego muzeum. Rzecz w muzeum nie istnieje sama, ale zawsze w kontekście muzealnym. Ten sam Leonardo da Vinci to jedno w jednym kontekście, drugie w innym.
Teraz „Madonna Benois” i „Madonna Litta” rozwinęły się, światło pada na nie w zupełnie inny sposób, inaczej się je czyta i bawi z publicznością. To ważny krok w kierunku nowszej ekspozycji, ale też koncentracji wszystkiego, co faktycznie dzieje się w muzeum. Zmiana dotyczy także przepływu osób. Przed tymi dwoma gablotami z ikonami przez cały czas stały tłumy ludzi. A teraz oni przechodzą, a my ograniczamy jeden z głównych problemów muzeum – tłumy.
Obrazy mają zupełnie nowe gabloty, nie tylko z klimatyzacją, ale ze specjalnym monitoringiem klimatu i dwoma stopniami ochrony klimatu. Zrobiliśmy już nowe folie na okna, bo światło z lewej strony to jedno, a światło w twarz to drugie. Dzieje się tak również rano, po południu i wieczorem. Ogólnie rzecz biorąc, w tym przeważaniu obrazów skupiało się całe znaczenie muzeum - sama rzecz, jej estetyka, przepływ ludzi, technologia, ochrona przed światłem, czytanie i zrozumienie obrazu przez zwiedzającego - i dlatego nie zdecydowano się na to w sekunda. I oczywiście decyzja reżysera była ważna.
Myślę, że „Benois Madonna” jest teraz naprawdę lepiej czytana, bo kiedy poszli po sobie, „Benois Madonna” została odczytana jako początek Leonarda, a „Madonna Litta” jako jego szczyt. „Madonna Litta” przez wiele lat była symbolem i najbardziej ukochanym obrazem Ermitażu. A „Madonna Benoit” właśnie teraz zaczęła grać zupełnie inaczej. To wspaniały obraz i tym lepiej.
Ermitaż potrafi zachwycać także wystawami sztuki współczesnej. Przykro nam, że nasza ostatnia wystawa sztuki współczesnej, Arte Povera, nie została głośno odebrana. Były o tym artykuły w specjalnych pismach, ale warto więcej, bo przedstawiono na nim bardzo mocne rzeczy, to taki manifest. Ale wystawy sztuki współczesnej – o ile nie będzie skandalu – nie brzmią głośno.
Dwa małe obrazy są wystawione w hali 214 Ermitażu. Są to dzieła Leonarda da Vinci (1452-1519). Trudno przecenić znaczenie tej wieloaspektowej postaci, wszechogarniającego geniuszu renesansu – artysty, myśliciela, naukowca, wynalazcy. W osobie Leonarda da Vinci ucieleśniały się najodważniejsze i najbardziej cenione aspiracje jego współczesnych, ludzi renesansu - epoki największej postępowej rewolucji. Leonardo wytrwale i niestrudzenie stara się poznać i dokładnie zrozumieć prawdziwy, ziemski świat - piękny świat otaczający człowieka; zrozumieć schemat życia przyrody, uchwycić odcienie światła i kolory przedmiotów i powietrza; opanować mechanikę ruchu i istnienia ludzkiego ciała - najpiękniejszego stworzenia natury; wreszcie spójrz w duszę, w wewnętrzny świat człowieka i zrozum ten wewnętrzny świat w nierozerwalnym związku z życiem materialnym, zwróć uwagę na gesty i spojrzenia, które ujawniają duchowe ruchy człowieka.
Leonardo da Vinci urodził się w 1452 roku w małym miasteczku Vinci. Od 14 roku życia mieszkał i studiował we Florencji, której różnorodne życie kulturalne pomogło rozwinąć jego zainteresowania naukowe i artystyczne. Leonardo da Vinci spędził lata 1482-1499 w Mediolanie, pracując jako naukowiec, wynalazca, rzeźbiarz i malarz. W tym czasie jego wpływ na współczesną sztukę włoską stał się bardzo znaczący. Pod koniec życia Leonardo wyjechał do Francji, gdzie zabrał ze sobą swoje ulubione dzieła.
Do dziś zachowało się niewiele obrazów Leonarda da Vinci, a dwa z nich, przechowywane w Ermitażu, stanowią znaczącą część jego artystycznego dziedzictwa. Obydwa są napisane na ten sam temat: Madonna z Dzieciątkiem. Nie zachowały się już żadne obrazy Leonarda na ten temat.
Młody Leonardo da Vinci przede wszystkim przełamuje tę barierę. Wybiera dla swojej Madonny twarz prostą, nie błyszczącą pięknem, dobitnie młodzieńczą, śmiejącą się wesoło; mocno rzeźbi sylwetkę, która wyraźnie wyróżnia się na tle półmroku pokoju i sprawia, że fałdy ubioru zarysowują budowę ciała. Jednocześnie, uwalniając się od zwykłej sztywności starych obrazów na ten temat, Leonardo nadaje „Kwiatowej Madonnie” charakter sceny rodzajowej. Młoda matka podaje dziecku kwiatek, on z niepokojem wyciąga po niego dłonie, ale nie może go od razu chwycić, a ona śmieje się z jego niezdarnych ruchów, podziwiając jednocześnie urok syna. Osiągając wrażenie rzeczywistości życiowej, Leonardo starannie rozwija renderowanie reliefu i objętości postaci. Zauważa wiele gradacji oświetlenia: półcień, cień głęboki, ale przejrzysty, a tam, gdzie zasłona cienia gęstnieje najbardziej – na policzku, na dłoni dziecka – przerywa ją lekkim pasem refleksu, odbicia. Światło gra także na jedwabnych klapach płaszcza, na broszce zdobiącej suknię matki; W rozpiętości okna przejrzyste niebo stwarza wrażenie nieskończonej odległości.
W tej wczesnej twórczości Leonardo da Vinci stosuje już nową jak na tamte czasy technikę malarską: obraz został namalowany farbami olejnymi, co pozwoliło uzyskać większą przezroczystość i większą różnorodność faktury niż tempera.
Matka karmi dziecko piersią, wpatrując się w nie zamyślonym, czułym spojrzeniem; dziecko pełne zdrowia i nieświadomej energii porusza się w ramionach matki, kręci się, porusza nogami. Wygląda jak jego matka: ma tę samą ciemną karnację i te same złote paski. Podziwia go, pogrążona w myślach, skupiając całą moc swoich uczuć na dziecku. Nawet pobieżne spojrzenie wyłapuje w „Madonnie Litta” właśnie tę pełnię uczuć i skupiony nastrój. Jeśli jednak uświadomimy sobie, w jaki sposób Leonardo osiąga tę wyrazistość, przekonamy się, że artysta dojrzałej fazy renesansu stosuje bardzo uogólniony, bardzo lakoniczny sposób przedstawiania. Twarz Madonny zwrócona jest do widza z profilu; widzimy tylko jedno oko, nawet jego źrenica nie jest narysowana; warg nie można nazwać uśmiechniętymi, jedynie cień w kąciku ust zdaje się sugerować uśmiech gotowy do pojawienia się, a jednocześnie samo pochylenie głowy, cienie przesuwające się po twarzy, domysłowe spojrzenie stwarzają to wrażenie duchowości, które Leonardo tak bardzo kochał i umiał wywoływać.
Kończąc etap długich poszukiwań w sztuce renesansu, artysta, opierając się na pewnym i trafnym ucieleśnieniu tego, co widzialne, tworzy poetycki obraz, w którym odrzuca się to, co przypadkowe i małostkowe, a wybiera te cechy, które pomagają stworzyć ekscytujący i wzniosły pomysł na osobę. Leonardo da Vinci niejako łączy w jedną całość odmienne wysiłki swoich współczesnych i pod wieloma względami wyprzedza sztukę włoską na nowy poziom.
Berezina V.N., Livshits N.A. Sztuka Europy Zachodniej XII-XX w., Iz-vo Gos. Ermitaż., L. 1963
Leonardo da Vinci dał światu wiele arcydzieł w dziedzinie nauki, medycyny i inżynierii. Nie mniej ceniony jest jego wkład w sztukę.
Obraz Da Vinci uważany jest za światowy klasyk, a każdy z nich jest symbolem renesansu.
Dzieła można podziwiać w Ermitażu, Luwrze, Uffizi, a także w innych instytucjach w różnych krajach.
Tytuły i krótkie opisy obrazów
Współczesny Ermitaż mieszczący się w Petersburgu mieści w swoich ścianach dwa obrazy Leonarda:
- „Madonna Benois”;
- „Madonna Litta”.
Obie prace znajdują się w sali nr 214 Wielkiego (Starego) Ermitażu.
„Madonna Benois” – fot
Madonna Benois, zwana często Madonną Kwiatową, została namalowana około 1478 roku, podczas pobytu młodego da Vinci we Florencji. Już wtedy geniusz inaczej patrzył na świat, dlatego stworzył dla Madonny prostą, młodzieńczą i niezbyt piękną twarz. Inni artyści malowali ją jako dorosłą i dobitnie piękną.
Mistrz wyszedł także poza portret, tworząc scenę rodzajową. Dzieciątko Jezus nie tylko siedzi na kolanach swojej matki, ale bawi się kwiatkiem, który mu podaje. Młodej dziewczynie wydaje się to urocze, delikatny uśmiech zamarza na jej ustach, a ciepło jest wyraźnie widoczne w jej oczach.
„Madonna Litta” – fot
Mistrz stworzył Madonnę Littę w 1490 roku. Przedstawione na nim postacie – Madonna i Dzieciątko Jezus – radykalnie różnią się od tych umieszczonych na obrazie „Benois Madonna”. Teraz dziewczyna wygląda starzej, surowiej. W jej oczach, tak jak poprzednio, można odczytać miłość i czułość, lecz pozostał jedynie cień uśmiechu, a naiwność w jej spojrzeniu ustąpiła miejsca zamyśleniu. Dziecko ma loki na głowie, podczas gdy Jezus z Madonny Benoita jest łysy. Artysta dodał do nowego obrazu pejzaż za oknami, zanurzając się w atmosferze spokoju.
„Madonna Litta” Leonarda da Vinci
„Madonna Litta” Leonarda da Vinci to jeden z najbardziej wzruszających i lirycznych obrazów Madonny na świecie. W malarstwie Leonarda tradycyjna symbolika chrześcijańska jest nierozerwalnie związana z manifestacją wysokich ludzkich uczuć - miłości, czułości i troski. Obraz nabyty został w 1864 roku od hrabiego Litta, właściciela rodzinnej galerii sztuki w Mediolanie i stanowi prawdziwą perłę Ermitażu.
☼ ☼ ☼„Pokutująca Maria Magdalena”, Tycjan
Istnieją cztery wersje tego słynnego obrazu. Jeden z nich przechowywany jest w Ermitażu, pozostałe w Muzeum Capodimonte (Neapol), w zbiorach Colnaghi (Londyn) i Candiani (Busto Arsizio). Wersja Hermitage uważana jest za najdoskonalszą. Wbrew kanonom kościelnym wielki artysta nie przedstawił wzniosłej grzesznicy w religijnej ekstazie, ale cierpiącą ziemską kobietę, wyczerpaną udręką psychiczną.
☼ ☼ ☼„Apostołowie Piotr i Paweł”, El Greco
Domenico Theotokopouli (El Greco) to jeden z najbardziej tajemniczych artystów późnego renesansu. Obraz „Apostołowie Piotr i Paweł” powstał w 1592 roku, jednak przez wiele lat pozostawał w zapomnieniu, a miłośnikom sztuki stał się znany dopiero 300 lat później. Nie tylko historycy sztuki, ale także teolodzy wciąż spierają się o ukryte w nim znaczenie i symbolikę. Wiadomo jedynie, że wizerunek apostoła Pawła jest nieco zmodyfikowanym autoportretem samego El Greco. Twarz Pawła malowana jest specjalną techniką, tak subtelną, że obraz nie zostaje zarejestrowany na zdjęciu rentgenowskim.
☼ ☼ ☼„Młody człowiek z lutnią”, Caravaggio (Michelangelo Merisi da Caravaggio)
Obraz Carvaggia „Młody człowiek z lutnią” przez długi czas był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista” – eksperci byli przekonani, że obraz przedstawia dziewczynę. Biograf artysty, Peter Robb, twierdził jednak, że obraz przedstawia przyjaciela artysty, Mario Minnitiego. Jest to jeden z pierwszych obrazów Caravaggia, w którym zastosowano oświetlenie kierunkowe, dzięki któremu mistrz stał się sławny. Aby uzyskać zamierzony efekt, malarz umieścił swoje modele w ciemnej piwnicy z jednym oknem i umieścił je pod padającym strumieniem światła.
☼ ☼ ☼„Danae”, Rembrandt Harmens van Rijn
Wiadomo, że Rembrandt napisał „Danae” nie na sprzedaż, ale dla siebie, a obraz opuścił jego dom dopiero wtedy, gdy cały majątek artysty został sprzedany za długi. Dzieło to przez wiele lat intrygowało krytyków sztuki: styl zdecydowanie odbiegał od daty powstania, a fabuła pełna była niewytłumaczalnych osobliwości. Zagadka została rozwiązana dopiero w połowie XX wieku, po wynalezieniu radiografii. Okazało się, że początkowo płótno przedstawiało żonę Rembrandta, Saskię, obok roześmianego anioła i spadającego z nieba złotego deszczu. Ale po śmierci ukochanej żony artysta przepisał obraz. Złoty deszcz zniknął, anioł posmutniał, a twarz Danae nabrała rysów Gertje Dirks, nowej dziewczyny mistrza.
☼ ☼ ☼„Powrót syna marnotrawnego”, Rembrandt Harmens van Rijn
„Powrót syna marnotrawnego” to jeden z ostatnich, najbardziej wyrazistych obrazów Rembrandta. Jej fabuła jest w pełni zgodna z kanonami ewangelickimi, jednak historycy sztuki wciąż próbują rozwikłać, co dokładnie kryje się w tonących w ciemności postaciach. Według jednej wersji obraz przedstawia jednocześnie dwie warstwy czasowe – syna marnotrawnego przed opuszczeniem domu i jego po powrocie.
☼ ☼ ☼„Dama w błękicie”, Thomas Gainsborough
„Dama w błękicie” to jedyny obraz wybitnego angielskiego artysty Thomasa Gainsborougha prezentowany w Rosji. Powszechnie przyjmuje się, że przedstawia księżną Elżbietę de Beaufort, córkę admirała Boscawena. Co ciekawe, choć księżna de Beaufort uważana jest za ucieleśnienie kobiecości i arystokratycznego wdzięku, jej matka Frances Boscawen była jedną z najbardziej zagorzałych zwolenniczek ruchu Bluestocking, który powstał w Wielkiej Brytanii w tamtych latach.
☼ ☼ ☼„Portret aktorki Jeanne Samary”, Pierre-Auguste Renoir
Portret aktorki teatralnej Comédie Française Jeanne Samari wypełniony jest niepowtarzalnymi błyskami jasnych, słonecznych kolorów. Jego historia jest dramatyczna – zaraz po napisaniu została niemal zniszczona. Gdy obraz był już gotowy, artysta zdecydował się wysłać go na wystawę. Kolory na płótnie były wciąż bardzo świeże, a Renoir go nie lakierował. Jednak pracownik przewożący obraz uznał, że artysta zrobił to z braku funduszy i sam położył warstwę werniksu na portrecie. W rezultacie kolory zaczęły płynąć, a Renoir musiał pilnie przepisać portret ponownie.
☼ ☼ ☼„Taniec”, Henri Matisse
Obraz „Taniec” namalowany jest wyłącznie trzema kolorami – niebieskim, zielonym i pomarańczowym. Powstał w 1910 roku na zamówienie moskiewskiego kolekcjonera Siergieja Szczukina jako panel dekoracyjny przeznaczony do dekoracji głównej klatki schodowej rezydencji. Po rewolucji październikowej kolekcja obrazów Szczukina została skonfiskowana, a „Taniec” trafił do Ermitażu. Obraz Ermitaż to druga i bardziej znana wersja obrazu „Taniec”. Pierwszy został namalowany w 1909 roku i obecnie znajduje się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.
☼ ☼ ☼„Pijący absynt”, Pablo Picasso
Obraz „Kochanek absyntu” należy do „niebieskiego” okresu twórczości Pabla Picassa, przepełnionego dotkliwym poczuciem bezdomności i samotności. To wyraziste, wzruszające dzieło sprowadził do Rosji moskiewski kolekcjoner Siergiej Szczukin. Do 1914 roku w zbiorach Szczekina znajdowało się 51 dzieł Picassa – była to największa na świecie prywatna kolekcja obrazów tego artysty. Krytycy tamtych lat nazywali Szczukina „szalonym” prosto w oczy, ale to jemu Ermitaż zawdzięczał fakt, że w swoich zbiorach znajdowały się najlepsze obrazy Picassa.
☼ ☼ ☼„Most Waterloo. Efekt mgły” – cykl londyński Claude’a Moneta
Obraz Claude’a Moneta „Most Waterloo. Efekt mgły” ma niezwykły efekt optyczny. Jeśli zbliżysz się do obrazu, nie da się rozróżnić niczego poza chaotycznymi pociągnięciami o niemal identycznym tonie. Ale w miarę oddalania się szczegóły obrazu zaczynają się stopniowo pojawiać, a z odległości około dwóch metrów przed widzem pojawia się wyraźna kompozycja, w której obiekty są ostro oddzielone od tła, a nawet ruch wody w odczuwa się rzekę. Eksperci nazywają ten obraz „magicznym”.
☼ ☼ ☼„Czarny kwadrat”, K. S. Malewicz
„Czarny kwadrat” Kazimierza Malewicza to jedno z najsłynniejszych dzieł rosyjskiego malarstwa awangardowego. Jest to żywe ucieleśnienie idei suprematyzmu – kierunku artystycznego, który wykorzystuje proste geometryczne kształty do opisu otaczających form, przestrzeni i ruchu. Pomimo zewnętrznej prostoty obrazu jest to głęboka koncepcja filozoficzna, która w naszych czasach stała się powszechna w organizacji przestrzeni w pomieszczeniach mieszkalnych i publicznych, projektowaniu i sztuce dekoracji.
Jeśli znajdziesz literówkę lub błąd, zaznacz zawierający ją fragment tekstu i naciśnij Ctrl + ↵
Zaliczany jest do „głównej ligi” światowych skarbów muzealnych. Jego kolekcja obejmuje trzy miliony eksponatów, a wspaniała kolekcja zapoczątkowana przez Katarzynę Wielką jest uzupełniana do dziś. Oferujemy krótką wycieczkę po Ermitażu i 10 obrazów, które musisz zobaczyć.
Leonardo da Vinci. Madonna z Dzieciątkiem (Benois Madonna)
Włochy, 1478–1480
Drugie imię pochodzi od nazwiska właścicieli obrazu. Wciąż nie wiadomo, w jakich okolicznościach dzieło wielkiego Leonarda trafiło do Rosji. Istnieje legenda, że rodzina Benoit kupiła go od wędrownego cyrku. Arcydzieło odziedziczyła Maria Sapozhnikova (po ślubie - Benoit) od ojca. W 1914 roku Ermitaż nabył od niej ten obraz. To prawda, że po rewolucji, w trudnych latach dwudziestych i trzydziestych, rząd ZSRR prawie sprzedał go Sekretarzowi Skarbu USA, zapalonemu kolekcjonerowi Andrew Mellonowi. Krytycy sztuki, którzy sprzeciwiali się tej sprzedaży, mieli szczęście: transakcja nie doszła do skutku.
Rafał. Madonna z Dzieciątkiem (Madonna Conestabile)
Włochy, około 1504 r
„Madonna z Dzieciątkiem” to jedno z wczesnych dzieł Rafaela. Aleksander II kupił ten obraz we Włoszech od hrabiego Conestabile dla swojej ukochanej żony Marii Aleksandrownej. W 1870 r. dar ten kosztował cesarza 310 tys. franków. Sprzedaż dzieła Rafaela oburzyła lokalną społeczność, jednak rząd włoski nie miał środków na zakup obrazu od właściciela. Majątek cesarzowej został natychmiast wystawiony w budynku Ermitażu.
Tycjanowski. Danae
Włochy, około 1554 r
Katarzyna II zakupiła obraz Tycjana w 1772 r. Obraz oparty jest na micie, w którym przepowiedziano królowi Akrisjuszowi, że zginie z rąk własnego wnuka, a aby tego uniknąć, uwięził swoją córkę Danae. Jednak zaradny bóg Zeus przeniknął ją jednak w postaci złotego ulewnego deszczu, po którym Danae urodziła syna, Perseusza.
Katarzyna II była oświeconą monarchą, miała doskonały gust i doskonale rozumiała, co dokładnie należy kupić do jej kolekcji. W Ermitażu znajduje się kilka innych obrazów o podobnej fabule. Na przykład „Danae” Ferwilta i „Danae” Rembrandta.
El Greco (Domenikos Theotokopoulos). Apostołowie Piotr i Paweł
Hiszpania, lata 1587–1592
Obraz został podarowany muzeum w 1911 roku przez Piotra Durnowa. Kilka lat wcześniej Durnovo pokazał to na wystawie Cesarskiego Towarzystwa Zachęty Sztuki. Wtedy El Greco, uważany za artystę bardzo przeciętnego, zaczął mówić o nim jako o geniuszu. W obrazie tym malarz, zawsze daleki od europejskiego akademizmu, okazał się szczególnie bliski tradycji bizantyjskiego malarstwa ikonowego. Starał się oddać świat duchowy i charaktery apostołów. Paweł (na czerwono) jest stanowczy, zdecydowany i pewny siebie, podczas gdy Piotr przeciwnie, wątpiący i niepewny... Uważa się, że El Greco uchwycił się na podobieństwo Pawła. Ale badacze wciąż się na ten temat spierają.
Caravaggia. Młody człowiek z lutnią
Włochy, 1595–1596
Caravaggio to słynny mistrz baroku, który swoim „pogrzebowym” światłem zmienił świadomość kilku pokoleń europejskich artystów. W Rosji przechowywana jest tylko jedna z jego prac, którą artysta namalował w młodości. Obrazy Caravaggia charakteryzuje pewien dramatyzm i tak jest w „Lutniście”. Notatnik przedstawiony na stole zawiera popularną wówczas melodię madrygałową Jacoba Arkadelta „Wiesz, że cię kocham”. A popękana lutnia w rękach młodego mężczyzny jest symbolem nieszczęśliwej miłości. Płótno zostało zakupione przez Aleksandra I w 1808 roku.
Petera Paula Rubensa. Portret pokojówki infantki Izabeli
Flandria, połowa lat dwudziestych XVII wieku
Wbrew nazwie uważa się, że jest to portret córki artysty, Clary Sereny, która zmarła w wieku 12 lat. Obraz powstał po śmierci dziewczynki. Artystka w subtelny sposób oddała puszyste włosy, delikatną skórę twarzy i zamyślone spojrzenie, od którego nie można oderwać wzroku. Przed widzem pojawia się duchowy i poetycki obraz.
Katarzyna II nabyła obraz do kolekcji Ermitażu w 1772 roku.
Rembrandta van Rijna. Powrót syna marnotrawnego
Holandia, około 1668 r
Katarzyna II kupiła jeden z najbardziej znanych i rozpoznawalnych obrazów Rembrandta w 1766 roku. Ewangeliczna przypowieść o synu marnotrawnym niepokoiła artystę przez całe życie: pierwsze rysunki i ryciny tej fabuły stworzył już w latach trzydziestych i czterdziestych XVII wieku, a malowanie obrazu rozpoczął w latach sześćdziesiątych XVII wieku. Płótno Rembrandta stało się inspiracją dla innych twórczych osobowości. Awangardowy kompozytor Benjamin Britten napisał operę inspirowaną tym dziełem. A reżyser Andriej Tarkowski zacytował „Powrót syna marnotrawnego” w jednej z końcowych scen Solaris.
Edgara Degasa. Place de la Concorde (wicehrabia Lepic z córkami przechodzącymi przez Place de la Concorde)
Francja, 1875
Obraz „Place de la Concorde” został po II wojnie światowej przewieziony do Rosji z Berlina, gdzie znajdował się w prywatnej kolekcji. Płótno jest o tyle ciekawe, że z jednej strony jest portretem, a z drugiej typowym impresjonistycznym szkicem gatunkowym z życia miasta. Degas wcielił się w swojego bliskiego przyjaciela, arystokratę Louisa Lepica, wraz z dwiema córkami. Wielopostaciowy portret wciąż kryje wiele tajemnic. Nie wiadomo, kiedy i w jakich okolicznościach powstał obraz. Historycy sztuki sugerują, że dzieło zostało namalowane w 1876 roku i nie na zamówienie. Artysta nigdy wcześniej ani później nie namalował podobnego obrazu. Potrzebując pieniędzy, sprzedał obraz hrabiemu Lepikowi, o czym nikt nie wiedział aż do końca XIX wieku. Po upadku Berlina w 1945 r. arcydzieło wraz z innymi dziełami „trofeum” zostało wysłane do Związku Radzieckiego i trafiło do Ermitażu.
Henryk Matisse. Taniec
Francja, 1909–1910
Obraz powstał na zamówienie Siergieja Szczukina, słynnego rosyjskiego kolekcjonera malarstwa francuskiego XIX i początku XX wieku. Kompozycja napisana jest na temat złotego wieku ludzkości i dlatego przedstawia nie konkretnych ludzi, ale symboliczne obrazy. Inspiracją dla Matisse'a były tańce ludowe, które jak wiadomo zawierają w sobie rytualizm działania pogańskiego. Matisse ucieleśniał wściekłość starożytnych bachanaliów w połączeniu czystych kolorów - czerwieni, błękitu i zieleni. Jako symbole Człowieka, Nieba i Ziemi. Obraz został przeniesiony do Ermitażu z moskiewskich zbiorów Państwowego Muzeum Nowej Sztuki Zachodniej w 1948 roku.
Wasilija Kandinsky’ego. Skład VI
Niemcy, 1913
W Ermitażu znajduje się cała sala poświęcona twórczości Wassily'ego Kandinsky'ego. „Kompozycja VI” powstała w Monachium w maju 1913 roku – rok przed wybuchem I wojny światowej. Dynamiczny, jasny obraz jest malowany swobodnymi i zamaszystymi pociągnięciami. Początkowo Kandinsky chciał nazwać to „Potopem”: abstrakcyjne płótno zostało oparte na historii biblijnej. Jednak później artysta porzucił ten pomysł, aby tytuł dzieła nie zakłócał percepcji widza. Płótno trafiło do muzeum z Państwowego Muzeum Nowej Sztuki Zachodniej w 1948 roku.
W materiale wykorzystano ilustracje z oficjalnej strony internetowej