Andrew Wyeth: niepokojące amerykańskie piękno. Wyeth Andrew: biografia, kariera, życie osobiste Syn Andrew Wyetha, „Jamie” Wyeth

16.05.2021

Już od dawna chciałam zaprezentować malarstwo tego artysty, którego kocham od dzieciństwa...

I tak w końcu, przeszukawszy cały Internet, połączyłam dwa artykuły na jego temat, dodałam, że znalazłam coś, co mi się podoba i przedstawiam Wam do wglądu.

Wiatr od morza i zimno w plecy...Przeszywające na wskroś obrazy Andrew Wyetha (to pierwszy artykuł)

„Wielki kraj nie potrzebuje jasnych kolorów, ale jasnych ludzi. Wielkość tkwi w prostocie. A najprostszym i najbardziej naturalnym kolorem jest szary, kolor zwykłej ziemi, zdeptanej butem rolnika, której twarz, podobnie jak ziemia, została zwietrzała przez wiatr i pozbawiona koloru przez pot ten, który pracuje na roli”.

Andrzej Wyeth

„Jestem przekonany, że sztuka artysty może pokonać tylko taką odległość, jaką jest w stanie pokonać jego miłość” – napisał Wyeth.

Cóż, jego sztuka podbiła nie tylko planetę, ale także czas.

A fakt, że człowiek jest śmiertelny, istnieje tylko na Ziemi.

„W sztuce najważniejsze są emocje, ale muszą być one Twoje, tak jak Twoje trudności, Twoje udręki podczas tworzenia obrazu. Wielkim niebezpieczeństwem jest umiejętność przedstawiania twarzy, portretowania świerka. Natura nigdy nie może być formułą. Aby to napisać, muszę poczuć model”.

Andrzej Wyeth

„Panie, kiedy zaczynam naprawdę na coś patrzeć, na prosty przedmiot i zdawać sobie sprawę z jego ukrytego znaczenia, jeśli zaczynam to odczuwać, nie ma to końca”.

Andrzej Wyeth

„Córka Maggie”

„Uzyskuję poczucie wyobcowania pomiędzy modelką a publicznością. Ważne jest dla mnie, aby zachować w obrazie odrobinę tajemnicy”. Andrzej

Wyeth (Andrew Wyeth)

„Było tam gorąco, otworzyłam okno i nagle wiatr podniósł zasłonę, która nie poruszała się chyba od 30 lat. Boże, było fantastycznie! Cienka siatka tiulu tak szybko uniosła się z zakurzonej podłogi, jakby to nie był wiatr, ale duch, duch, dla którego otworzono drogę ucieczki. Potem czekałem półtora miesiąca na zachodni wiatr, ale na szczęście ta magiczna fala utkwiła mi w pamięci, co wywołało ciarki na plecach.”

Andrzej Wyeth

„Szukam rzeczywistości, prawdziwego odczucia obiektu, całej otaczającej go struktury… Zawsze chcę zobaczyć trzeci wymiar czegoś… Chcę ożywić przedmiot”.

Andrzej Wyeth

„Nie ma znaczenia, co dokładnie robisz, ważne, aby wszystko, czego dotkniesz, zmieniło kształt, stało się inne od tego, co było wcześniej, aby część ciebie pozostała w tym.”

Andrzej Wyeth

„Za dużo miejsca poświęcam fabule. Jeśli w końcu stanę się naprawdę wartościowym artystą, to tylko wtedy, gdy z tego zrezygnuję.

Andrzej Wyeth

„Możesz zobaczyć ten sam obiekt o każdej porze dnia lub w swojej wyobraźni w niezliczonych zmianach tonalnych. Ogólnie rzecz biorąc, nudne jest dla mnie pisanie tematów, które są dla mnie nowe. O wiele bardziej interesuje mnie przedstawienie w nowym świetle czegoś, co widziałem od lat.

Andrzej Wyeth

„I wtedy na szczycie wzgórza pojawiła się drobna postać w zielonym, niemodnym płaszczu z peleryną. Pokryte zeszłoroczną, uschniętą trawą, oświetlone oślepiającym zimowym światłem, to niekończące się wzgórze nagle się zbliżyło. W tej szczupłej kobiecie, której ręka wisiała w powietrzu, widziałem siebie, swoją niespokojną duszę.

Andrzej Wyeth

„Tak naprawdę nie mam pracowni. Wędruję po strychach ludzi, polach, piwnicach, wszędzie znajduję coś, co mnie zaprasza”.

Andrzej Wyeth

„Mój ojciec mówił: «Aby życie dziecka było twórcze, musi mieć swój własny świat, należący tylko do niego». Zacząłem rysować bardzo wcześnie, a mój ojciec wierzył, że artysta nie potrzebuje studiów: uczył mnie nauczyciel, który przychodził do mojego domu, sam mój ojciec i jego przyjaciele-artyści. I osiągnął swój cel. Jeszcze trochę i zostałbym na zawsze w lesie Sherwood Robin Hooda. Jeszcze się stamtąd wydostałem, ale poszedłem do swojego świata.

Andrzej Wyeth

„Jestem bardzo sceptyczny co do nastroju obrazu, jeśli nadano mu ten nastrój celowo”.

Andrzej Wyeth

„Mam silną romantyczną fantazję na temat różnych rzeczy i właśnie to przedstawiam. Ale robię to w sposób realistyczny. Jeśli nie możesz poprzeć swoich fantazji prawdą, efektem jest bardzo, powiedziałbym, pochylona sztuka.

Andrzej Wyeth

„Staram się reagować na wszystko – być jak rezonator, zawsze gotowy do wibrowania zgodnie z wibracjami emanującymi od czegoś lub kogoś. I często kątem oka łapię przelotne wrażenie tego, co widziałem, ekscytujący błysk…”

Andrzej Wyeth

„Nie mogę przekazać żadnych uczuć bez związku z tym miejscem. Tak naprawdę myślę, że twoja sztuka będzie wspanialsza, im bardziej pokochasz to, co przedstawiasz.

Andrzej Wyeth

„Widziałem wiele portretów, ludzie na nich wyglądali, jakby żyli – wszystkie zostały napisane bez śladu pasji. Szczegóły są dokładnie skopiowane. To jest straszne. Nigdy nie będziesz w stanie zrozumieć tych, którzy są przedstawieni, na zdjęciach nie ma życia.

Jest artysta, który chce zademonstrować swoją osobowość. Dla mnie wszystko, co piszę, nabiera znaczenia większego niż ja sam. Tylko szaleniec może podkreślić swoją wartość jako twórcy.”

Andrzej Wyeth

„Maluję te wzgórza wokół Chad’s Ford nie dlatego, że są lepsze niż wzgórza w innych miejscach, ale dlatego, że się tu urodziłem, tu mieszkałem – mają dla mnie pełne znaczenie”.

Andrzej Wyeth

„Świat Krystyny”

„Widzicie, ważna jest stała obecność na scenie. Muszę żyć w otoczeniu tego, o czym piszę. Wtedy w pewnym momencie zrozumiesz znaczenie. Kiedy pisałem Świat Christiny, pracowałem w terenie przez pięć miesięcy... Chciałbym napisać tylko pole bez Christiny i sprawić, by jej obecność była odczuwalna. Tworzenie tła jest jak budowanie domu, a potem w nim zamieszkanie... Jeśli się powstrzymasz i poczekasz na odpowiedni moment, to on może zdecydować o całej sprawie.”

Andrzej Wyeth

Domowy mistyk

Andrew Wyeth urodził się w 1917 roku w Pensylwanii, w małym miasteczku Chadds Ford. Jego ojciec, słynny ilustrator książek Newell Wyeth, nauczył syna rzemiosła i w wieku dwudziestu lat otworzył swoją pierwszą wystawę akwareli.

To się udało, wszystkie obrazy wystawione w Galerii Makbet zaskakująco szybko znalazły entuzjastycznych koneserów. Sukcesy nadal towarzyszyły młodemu artyście, a w 1955 roku został członkiem National Academy of Design i American Academy of Arts and Letters.

Nie tak szybko, ale zbliża się do niego międzynarodowe uznanie. I choć jego obrazy i wystawy podróżowały po całym świecie, sam Wyeth zawsze wyróżniał się niemal całkowitym brakiem zainteresowania jakimikolwiek wycieczkami czy podróżami.

Całe życie spędził tam, gdzie się urodził. A na letnie miesiące przeprowadził się do miasta Cushing w stanie Maine.

„Świadomie nie lubię podróżować” – napisał w swoich pamiętnikach Andrew Wyeth. „Po podróży nigdy nie wracasz taki sam – stajesz się bardziej erudycyjny… Boję się, że stracę coś ważnego dla mojej pracy, może naiwność.”

Nic dziwnego, że na wszystkich jego obrazach znajdują się krajobrazy tylko dwóch miejsc, a bohaterami obrazów są mieszkający w pobliżu sąsiedzi. Wybierając osobę, którą dobrze zna jako modelkę, szacunek wobec każdego – artysta prawie nigdy nie zmieniał tej zasady.

A malując przyrodę, zanim chwycił za pędzel, starał się ją jak najdokładniej poznać i potrafił godzinami leżeć na ziemi, wpatrując się w małą gałązkę czy kwiatek – „przyzwyczajać się do ich istnienia”.

Andrzej podniósł otaczającą rzeczywistość i życie codzienne do rangi najcenniejszej rzeczy, jaką można dać człowiekowi. Czasami wydaje się, że artysta zanurzając się w jakimkolwiek przedmiocie swojej twórczości, stara się natychmiast wniknąć w istotę wszystkich rzeczy.

I przekazuje to na płótnie tak trafnie, że niedostrzegalnie przekracza granicę pomiędzy widzialnym światem zewnętrznym i wewnętrznym. Nie bez powodu krytycy sztuki opisując jego twórczość zaczęli mówić o Andrzeju jako o „mistycznym hiperrealiście”.

Wszechświat Helgi

Każde dramatyczne wydarzenie w osobistej biografii jest zawsze wydarzeniem w przestrzeni artystycznej Wyeth. Jednym z takich wydarzeń było spotkanie z Helgą Testorf. Niemiecki emigrant pracujący na sąsiedniej farmie, wynajęty przez sąsiadów do pracy w domu, stał się osobą, dzięki której Wyeth odkrył i dostrzegł na płótnie to, co wydawało się całym Wszechświatem.

Efektem jest 247 obrazów na przestrzeni prawie 15 lat, których główną bohaterką jest kobieta o wydatnych kościach policzkowych, niczym nie wyróżniającej się pruskiej twarzy i szeroko rozstawionych oczach. Obrazy powstawały w tajemnicy przed wszystkimi, nawet przed żoną, a artysta nie wypowiadał się później ani na temat historii cyklu, ani okoliczności powstania dzieła.

Tylko raz w swoim pamiętniku opisał pierwszą chwilę tego spotkania, które wywróciło jego życie do góry nogami: „I wtedy na szczycie wzgórza pojawiła się drobna postać w zielonym, niemodnym płaszczu z peleryną.

Pokryte zeszłoroczną, uschniętą trawą, oświetlone oślepiającym zimowym światłem, wzgórze to uległo przemianie. W tej szczupłej kobiecie, której ręka wisiała w powietrzu, widziałem siebie, swoją niespokojną duszę.

Kiedy światu ukazał się cykl prac z Helgą Testorf, dziennikarze poprosili przynajmniej żonę artysty, aby opowiedziała coś na ten temat. Odpowiedziała: „Miał szczęście, że obrazy okazały się genialne, inaczej bym go zabiła”.

Sztuka Andrew Wyetha to sztuka bycia samotnym. I jest to znane każdemu. Tutaj na płótnie są tylko puste wzgórza i postać podróżnika poruszającego się nie po to, by zdobywać, ale by poddać i zaakceptować przestrzeń.

Wzrok współczesnego widza, przyzwyczajonego do przywoływania, jasnych obiektów, nie ma się do czego przyczepić – a bez tego wsparcia traci się równowagę i pogrąża się w sobie. Wtedy wibrująca intensywność pola życia, przenikająca cały świat, fascynuje widza.

„Jestem przekonany, że sztuka artysty może pokonać tylko taką odległość, jaką jest w stanie pokonać jego miłość” – napisał Wyeth. Cóż, jego sztuka podbiła nie tylko planetę, ale także czas. A fakt, że człowiek jest śmiertelny, istnieje tylko na Ziemi.

Artysta przeżył długie życie, pozostawił po sobie tysiące obrazów, a w wieku 91 lat, we śnie, w swoim domu odszedł do innego świata.

„W sztuce ważne jest, aby nie stracić czystości. Świadomie nie lubię podróżować.

Z podróży nigdy nie wracasz taki sam - stajesz się bardziej erudycyjny...

Boję się, że stracę w swojej pracy coś ważnego – może naiwność.”

Andrzej Wyeth

Tak pisze na swoim blogu artystka Maria Trudler

Ludzie chętnie podróżują, próbują podróżować po świecie, aby poznać siebie. Znam też jednego amerykańskiego artystę, który prawie nigdy nie podróżował, bo całe życie spędził w swoim rodzinnym mieście.

Nie otrzymał wykształcenia artystycznego, nie ukończył nawet szkoły średniej.

Był wycofany, prowadził pamiętnik i był przywiązany do swoich przyjaciół i znajomych. Nazywa się Andrew Wayeth.

Muszę przyznać, że ciągle zapominam jego imię. W Internecie znajduję go jedynie pod nazwą obrazu, który najbardziej mi się podoba – „Świat Christiny”. Obraz jest niesamowity.

Przez nią widzisz uczucia tej dziewczyny, jakbyś leżał na tym polu i patrzył na ten dom w oddali. Takie oszałamiające rzemiosło. Nie lubię realizmu w malarstwie.

Ale nie mogę oderwać wzroku od jego obrazów. Nie wiem, co na mnie tak działa. Są absolutnie fantastyczne. Wdychasz je i nie możesz się nimi nacieszyć. Jest w nich jakiś głęboki sekret. Na wpół otwarte.

To tak, jakbyś spojrzał trochę głębiej i wszystko stało się jasne. O życiu, śmierci, miłości, samotności. Wieczność... Prawie jak Rembrandt, przyćmione światło.

Poczucie światła i cienia, jak u głównych bohaterów obrazów, jest na równi z samotnością.

Z którego idziesz nad morze, wystawiając twarz na wiatr. Wbiegasz na pole.

Ukrywasz się, zwijając się w kłębek na łóżku. Stoisz przy oknie. Wspinasz się na dach domu i siedzisz tam godzinami. Atmosfera w jego pracach jest przeszywająca, aż wywołuje dreszcze i gęsią skórkę.

Wpisy w dzienniku są nie mniej mrożące krew w żyłach niż intymna powściągliwość obrazów.

Czytając jego myśli, widać romantyka, którego głównym celem jest pokazanie nie swojego błyskotliwego rzemiosła technicznego, ale namiętności uczuć. Powiedział, że nigdy nie pozwoliłby, żeby ktoś go obserwował, gdy malował. Malowanie jest dla niego czymś bardzo osobistym. Jak miłość.

Dlatego jego warsztat składa się z pól, piwnic, strychów, starych domów i łodzi.

Artysta malował akwarelą i temperą. Styl Andrew Wayetha określa się jako mistyczny hiperrealizm lub realizm magiczny. Zanim go poznałem, nie miałem pojęcia, że realizm może mieć tak nieopisane oddziaływanie.

Zwykłe, niepozorne fragmenty rzeczywistości, zwykłe przedmioty, portrety ukochanej Helgi – ale przeżywa to tak bardzo, że zaczyna się niepokoić. To tak, jakbyś wpadł w jego obrazy i zatracił się w nich.

Wszystko jest takie prawdziwe. Andrew Wyeth to mój ulubiony artysta realistyczny. Dla mnie stał się przykładem na to, że nawet poprzez fotograficzną rzeczywistość można pokazać swoje uczucia w taki sposób... To przeniknie.

Jak zimny, północny wiatr znad morza. Ale dopóki nie zobaczyłem jego obrazów, uważałem realizm za antypodę sztuki. Za powierzchowność, bezduszność.

To taka ironia losu. Nazwisko autora: Maria Trudler Data publikacji: 12.01.2012 Dyskusja: 41 komentarzy Kategorie:

Myśli o sztuce O Marii Trudler: Witam. Nazywam się Maria Trudler.

Jestem artystą. Kocham sztukę. We wszystkich formach i przejawach. Maluję, rysuję.

Prowadzę odręczny pamiętnik o kreatywności w czasie wolnym od rysowania.

Wybrane wpisy publikuję na blogu. Śledź na Twitterze Skontaktuj się z autorem

Malarstwo amerykańskie jest w Rosji praktycznie nieznane, wielu uważa, że w USA w ogóle nie ma sztuki, więc całkiem przypadkowo natknąłem się na legendarny obraz „Świat Christiny” artysty Andrew Wyetha - i byłem zdumiony do głębi. Andrew prawie całe swoje długie życie (1917 - 2009) spędził w Maine, malując głównie otaczającą go przyrodę i znanych mu ludzi. Z naukowego punktu widzenia pracował w stylu realizmu, w świetle współczesnej mody „realizmu magicznego” (od razu przypomniał mi się „realizm socrealizmu” innej epoki). Jego prace wywołały sceptyczną reakcję krytyków, ale niezmiennie podobały się zwykłym ludziom. W Ameryce nazywano go artystą zwykłych ludzi i piosenkarzem północy.

Świat Andrew Wyetha Christiny Świat Andrew Wyetha Christiny (1948)

Obraz przedstawia sąsiadkę artysty Christinę Olsen. Po tym, jak w dzieciństwie cierpiała na polio, nie mogła chodzić.

Christina mogłaby poruszać się na wózku inwalidzkim, ale wtedy musiałaby ciągle prosić bliskich, aby ją nieśli. Nie chciała im przeszkadzać, chciała nawet w ten sposób zachować swobodę ruchu, a co za tym idzie, pewną swobodę osobistą. Andrew Wyeth widział ją kiedyś z okna swojego warsztatu, jak czołgała się przez pole do domu. Artysta w pierwszej chwili chciał rzucić się na pomoc sąsiadowi, ale coś go powstrzymało. Zeznał później, że Christina swoimi absurdalnymi, ale uporczywymi ruchami w stronę domu przypomniała mu wyrzuconą na brzeg i zmiażdżoną muszlę homara, która nadal płynie w stronę morza. W jej ruchu dostrzegł kwintesencję wewnętrznej siły Christiny – duchową (niezniszczalną) skorupę, dzięki której z godnością znosiła cielesne słabości. To, co zobaczył, zainspirowało Andrew Wyetha tak bardzo, że zaczął tworzyć obraz. Potem Christina niejednokrotnie stała się postacią, wzorem dla obrazów artysty. Christina wydaje się młoda, choć miała wtedy 53 lata (zmarła w 1969 r.).

W 1965 roku z frustracją stwierdził nawet, że w Świecie Christiny jest „za dużo fabuły”. „Byłoby mi lepiej bez Christiny” – powiedział nie bez wyzwania.

Obraz ten nie tylko zadziwił współczesnych i wychwalał autora na całym świecie, ale także wywołał zaciekłe ataki krytyków. Jak zresztą cała jego twórczość. Wyeth był oburzony brakiem „oryginalności”, innowacyjności, „postępu”, krytyką społeczną i polityką oraz sprzeciwem wobec mody w sztuce lat powojennych. W kolejnych dziesięcioleciach zarzucano mu albo ilustracyjność, albo nadmierną wrażliwość, „głupi sentymentalizm”, płaczliwość, albo chorobliwe upodobanie do tego, co bolesne, okropne, wypaczone, patologiczne. Artystkę, która podbiła świat wiejskiej Ameryki, z pogardą porównywano do idolki gospodyń domowych Marthy Stewart, która w telewizji i w swoim magazynie poświęconym ekonomii domowej udziela porad, jak urządzić dom, jak smacznie gotować po amerykańsku. Albo że tworzy „podobiznę Williamsburga”, muzeum starożytności, które trzeba oglądać „z wysokości helikoptera”.

W 1940 roku Andrew Wyeth poślubił Betsy James, która wkrótce stała się „głową rodziny” artysty, wpływając na niego za życia jeszcze bardziej niż jego ojciec, zarządzając jego sprawami przez prawie siedemdziesiąt lat, udzielając praktycznych porad na temat malarstwa... co jednak nie przeszkodziło mu, człowiekowi z natury niezależnemu i „samotnemu”, w stworzeniu w tajemnicy przed nią wielu dzieł, o których dowiedziała się dopiero z biegiem lat.

Malował pejzaże i portrety zwykłych ludzi, których znał i kochał, rolników. W szczególności w latach 1940–1968 pozowali dla niego Christina Olsen i jej młodszy brat Alvaro, a w latach 1948–1979 malował portrety swoich przyjaciół Karla i Anny Körnerów. Niemiec Karol przeżył I wojnę światową, służył w armii niemieckiej... Za najlepszy ze swoich portretów uznał obraz „Karl” z 1948 roku.

Odległy grzmot („portret” żony) 1961

Gospodarstwo Koernerów stało się także muzeum i jest otwarte dla zwiedzających. Obie rodziny, Olsenowie i Koernerowie, dzięki artyście przeszły do historii sztuki. Przez wiele lat malował nagą sąsiadkę Sirę Erickson, ale akty, które stworzył, pokazał ludziom dopiero, gdy miała 21 lat. Zaczęła pozować mu nago w wieku 13 lat, nie czując się zawstydzona: „On zawsze jest w pracy, patrzy na ciebie jak na drzewo”. Tak wspomina swoją komunikację z „Andym” (bliscy ludzie po prostu go nazywali), gdy miała już 32 lata.

Uwielbiał malować akty. Nie korzystając z usług profesjonalnych modelek na wiejskich odludziach, prosił o pozowanie dla niego sąsiadów, młodszych i młodszych, którzy ufali jego skromności i czystości i nie wstydzili się go, jak to było w przypadku Siry Ericksona. Jednocześnie artysta nie chciał nikogo zawstydzać erotycznymi obrazami, zwłaszcza rodzin swoich dobrowolnych modeli, a nawet własnej żony. Dlatego płótna i rysunki wykonane „dla siebie” przechowywano latami, zanim wystawiono je na widok publiczny. Dochody ze sprzedaży dwóch, trzech obrazów rocznie zaspokajały jego potrzeby materialne i nie mógł spieszyć się z publikacją swoich dzieł.

Prace amerykańskiego artysty Andrew White'a urzekają, przyciągają jak magnes, pobudzają serce i duszę. Czarodziej pracujący w stylu realizmu magicznego. W Ameryce nazywany był artystą zwykłych ludzi i śpiewakiem północy, ja jednak uważam go za romantyka i ikonę sztuki amerykańskiej XX wieku.

Andrew Wyeth urodził się w 1917 roku w Pensylwanii jako syn ilustratora Newela Wyetha i artystki Henrietty Wyeth Heard. Jego ojciec, ilustrator książek Stevensona, Waltera Scotta i Fenimore’a Coopera, stał się w latach dwudziestych XX wieku tak sławny, że dom Wyethów odwiedzali Scott Fitzgerald, Mary Pickford i inne znane osobistości. Ale jego głównymi i stałymi gośćmi byli artyści. Pola i gaje w pobliżu domu były wyłożone sztalugami. Święta obchodzono teatralnie. W Halloween pojawiły się takie potwory, że młodsze dzieci drżały ze strachu, dopóki nie rozpoznały pod maską znanego im artysty. W Święta Bożego Narodzenia mój ojciec udając Świętego Mikołaja tupał nocą po dachu i spuszczał prezenty przez komin. Malował własnoręcznie wykonane kostiumy, a dzieci z entuzjazmem bawiły się w Indian Fenimore’a Coopera, Robin Hooda i piratów z Wyspy Skarbów.

W dokumencie „Prawdziwy świat Andrew Wyetha” (1980) artysta, wspominając ojca, opowiada ważniejsze szczegóły ze swojego dzieciństwa:„Zacząłem rysować bardzo wcześnie, a uczył mnie nauczyciel, który przychodził do mojego domu, sam mój ojciec i jego przyjaciele – mój ojciec wierzył, że artysta nie potrzebuje studiów. Mówił: „Aby życie dziecka było twórcze, musi mieć swój własny świat, należący tylko do niego”. I prawie osiągnął swój cel. Jeszcze trochę i zostałbym na zawsze w lesie Sherwood Robin Hooda. W końcu się stamtąd wydostałem, ale nie na studia, ale do swojego świata.

„Księżycowe szaleństwo”, 1982

Co to był za świat? Biograf Wyetha, Richard Meriman, daje o nim pewien wgląd:„Najważniejszą cechą twórczości Andrew Wyetha jest to, że artysta całe życie spędził tylko w dwóch miejscach: w Chadds Ford w Pensylwanii i na wybrzeżu oceanu w stanie Maine, gdzie rodzina miała letni dom. Tylko w tych dwóch miejscach malował Portrety wykonywał wyłącznie mieszkańców tych miejscowości - ich przyjaciół i sąsiadów. Jeśli więc o „świecie Andrew Wyetha” mówimy w ujęciu geograficznym, to jest on malutki. Ale inną cechą Andrzeja było to, że był w długim , bliski, intymny związek z ludźmi, których malował, z ich domami i widokami z okien. A do wszystkich swoich bohaterów żywił największe uczucia. Któregoś dnia odebrał telefon z Departamentu Stanu i powiedział, że chcą wystawić jego portrety czarnych w Związku Radzieckim. Andrew powiedział: „Nie maluję czerni. Maluję moich przyjaciół”. A on odmówił. Kiedyś go zapytałem, jak udało mu się przełożyć swoje emocje na płaszczyznę obrazów. Powiedział : „Jeśli uczucia są silne, ręka o tym wie”.

„Wyrwany z ziemi”, 1996

W Maine Andrew poznał Christinę Olson, pacjentkę z polio. Christina mogłaby poruszać się na wózku inwalidzkim, ale wtedy musiałaby ciągle prosić bliskich, aby ją nieśli. Nie chciała im przeszkadzać, chciała nawet w ten sposób zachować swobodę ruchu, a co za tym idzie, pewną swobodę osobistą. Andrew Wyeth widział ją kiedyś z okna swojego warsztatu, jak czołgała się przez pole do domu. Artysta w pierwszej chwili chciał rzucić się na pomoc sąsiadowi, ale coś go powstrzymało. Zeznał później, że Christina swoimi absurdalnymi, ale uporczywymi ruchami w stronę domu przypomniała mu wyrzuconą na brzeg i zmiażdżoną muszlę homara, która nadal płynie w stronę morza. W jej ruchu dostrzegł kwintesencję wewnętrznej siły Christiny – duchową (nie zmiażdżoną) skorupę, dzięki której z godnością znosiła cielesne słabości. To, co zobaczył, zainspirowało Andrew Wyetha tak bardzo, że zaczął tworzyć obraz. Potem Christina niejednokrotnie stała się postacią, wzorem dla obrazów artysty. Christina wydaje się młoda, choć miała wtedy 53 lata (zmarła w 1969 r.).Wyeth nigdy nie przedstawiał Christiny jako kaleki. Jej ciężki krzyż, cicha odwaga stały się cechami jego obrazów o niej: czary czarów w jej domu, pustka wzgórza… i nie tylko w obrazie „Świat Christiny”, którystał się amerykańskim symbolem.

„Świat Krystyny”, 1948

Z Christiną Olson kojarzony jest także jeden z najlepszych obrazów Wyetha „Wiatr od morza”. Któregoś dnia Wyeth wszedł na drugie piętro domu Christiny, gdzie ona sama nigdy nie była i gdzie nigdy nie sprzątali…”Było tam gorąco, otworzyłem okno i nagle wiatr podniósł zasłonę, która nie poruszała się chyba od trzydziestu lat. Boże, to było fantastyczne! Cienka siatka tiulu tak szybko uniosła się z zakurzonej podłogi, jakby to nie był wiatr, ale duch, duch, dla którego otworzono drogę ucieczki. Potem czekałem półtora miesiąca na zachodni wiatr, ale na szczęście ta magiczna fala utkwiła mi w pamięci, co wywołało ciarki na plecach.”A to zdjęcie wywołuje ciarki na plecach...

„Wiatr od morza”, 1947

To właśnie obraz „Świat Christiny” nie tylko zadziwił współczesnych i wychwalał autora na całym świecie, ale także wywołał ostre ataki krytyków. Jak zresztą cała jego twórczość. Wyeth był oburzony brakiem „oryginalności”, innowacyjności, „postępu”, krytyką społeczną i polityką oraz sprzeciwem wobec mody w sztuce lat powojennych. W kolejnych dziesięcioleciach zarzucano mu albo ilustracyjność, albo nadmierną wrażliwość, „głupi sentymentalizm”, płaczliwość, albo chorobliwe upodobanie do tego, co bolesne, okropne, wypaczone, patologiczne.

Andrew Wyeth spędzał długie godziny „w plenerze”: w lesie, nad brzegiem potoku, w upale latem, w mrozie zimą, w domu Olsonów czy na farmie sąsiadów Koernerów, których często malował . Nikt w rodzinie nie wiedział, dokąd i po co jedzie. Wolność i tajemnica pracy były jego przywilejem. Krewnym nie wolno było pytać, gdzie jest. Artyści zastanawiali się, dlaczego zajmuje się portretami, a nie maluje ze zdjęć. Tak artysta odpowiada w dokumencie „Prawdziwy świat Andrew Wyetha” z 1980 roku:"Ważne jest dla mnie, aby być stale obecnym na scenie akcji. Muszę żyć w otoczeniu tego, o czym piszę. Wtedy w pewnym momencie można pojąć sens. Kiedy pisałem "Świat Christiny", pracowałem nad pole przez pięć miesięcy. Zrobienie tła polega na zbudowaniu domu, a potem w nim zamieszkaniu. Jeśli się powstrzymasz, poczekasz na odpowiedni moment, on może zdecydować o całej sprawie.

W jaki sposób artysta technicznie osiągnął tak emocjonalny efekt? Zaczął od akwareli, ale przeszedł na starożytną temperę - farby proszkowe zmieszane z żółtkiem jaja. "Akwarela zbyt otwarcie ujawniła swoją porywczość – napisał biograf artysty Meriman. - Już widać, jak leci jego pędzel... wszystko jest w ruchu. Obraz jest zbyt szczery, zbyt szybki, jest niemal dzikim wyrazem uczuć. A temperę wykonuje się małymi, cienkimi pociągnięciami, bardzo precyzyjnie i szczegółowo. Dla Wyetha taka skrupulatność służyła jako kompresor uczuć. Zwodniczo gładka powłoka tempery przypomina pokrywkę kotła, z którego tryskają emocje.”

„Otwarte i zagubione”, 1964

Zaprzeczając realizmowi w swojej twórczości, nazywał siebie surrealistą: „Maluję nie to, co widzę, ale to, co czuję”. Powiedział, że nie czuje się przywiązany do żadnej szkoły, wierząc, że w kreatywności najważniejsza jest nie technika, ale napięcie emocjonalne.

„Pełnia księżyca”, 1980

W wyborze przedmiotów Wyeth niekoniecznie kierował się miłością czy podziwem, ale z pewnością silnym uczuciem. Na przykład Andrew bardziej bał się swojego niemieckiego sąsiada Karla Körnera, niż go kochał. Przywiązał się do Karla po śmierci ojca („Te same twarde niemieckie usta” – powiedział). Koernerowie podarowali Andrzejowi jasną szafę do swojej pracowni z haczykami do wieszania kiełbasek na suficie, a pod jednym z takich haków Wyeth wykonał portret Karla – wojownika, Niemca, dumnego człowieka – jeden z najlepszych portretów amerykańskich.

„Karol”, 1948

W rozmowie z magazynem Time artysta mówił o sobie: „Im dłużej przebywam z przedmiotem, rzeczą, żywą osobą towarzyszącą, czy pejzażem, tym bardziej widzę w nim to, czego wcześniej nie dostrzegałem, byłem ślepy I zaczynam wnikać w istotę, głębiej widzieć”.

Kiedy Wyeth miał dwadzieścia jeden lat, poznał w Maine osiemnastoletnią Betsy James, dziewczynę ze starej, szanowanej rodziny. Poddała go testowi – zabrała go na spotkanie ze sparaliżowaną Christiną Olson i inkwizycyjnie monitorowała jego reakcję. Przeprowadził także test – zaprosił Betsy na swoją małą wystawę i zapytał, czy coś jej się podoba. „Ten” – powiedziała Betsy i wskazała jedyny obraz, z którego Andrew był dumny. Następnego dnia oświadczył się Betsy, co zostało przyjęte.

Kiedy w 1963 roku poznałem jego żonę – mówi Meriman – pomyślałem, że jest najbardziej niesamowitą kobietą, jaką kiedykolwiek widziałem. Była taka piękna, taka urocza, wesoła, żywa. Czas spędzony z nią był zawsze przyjemnością. Dla Andrew ważne było również to, że całkowicie rozumiała jego pracę. Miała także rzadką umiejętność analizowania i omawiania obrazów z niesamowitą wnikliwością. Została menadżerką i agentką Andrew oraz nadała jego dziełom imiona. Jej wpływ i wkład w jego twórczość jest niezwykle ważny.

Ale będąc wolną i odważną duszą, Betsy, jak się wydaje, nie zauważyła, jak zniewoliła elfiego, kapryśnego ducha artysty, który także dążył do wolności. Energicznie i umiejętnie sprzedawała i rozpowszechniała jego obrazy, katalogowała je, tworzyła archiwum, aż dała Wyethowi poczucie (jak pisze), że jest „przedmiotem sprzedaży”. Najmłodszy z dwóch synów Wyethów, Jamie, również artysta, żartobliwie lub poważnie powiedział, że pewnego razu sięgnął do szuflady biurka i zobaczył fotografię swojego ojca z numerem na czole. Relacje między małżonkami stały się napięte, a Andrzej coraz częściej znikał ze swoimi sztalugami. Biograf mówi: „Któregoś dnia w domu Körnerów usłyszał nieznany głos mówiący po niemiecku. Do pomocy w domu zatrudniono Helgę, córkę znajomych Karla. Była młoda, piękna, naturalna i miała w sobie urok cudzoziemki. Andrzej był zainspirowany. Faktem jest, że niemal świadomie ułożył swoje życie w taki sposób, że nieustannie wytwarzało się w nim napięcie emocjonalne: zachwyt, strach, przeczucia i wszystko - niepohamowana, zaraźliwa siła... Rozpoczęto tajną pracę nad cyklem obrazów „Helga ”. Powiedział mnie i dwóm innym przyjaciołom: „Gdyby coś mi się stało, Koernowie mają na strychu kolekcję obrazów”. Gdyby wyjawił swój sekret Betsy, zabiłoby to jego wewnętrzne podekscytowanie i wtedy cała sprawa by się skończyła.

Tajne sesje trwały prawie dekadę. Można się tylko domyślać na temat relacji artysty ze swoim nowym modelem. Ale kiedy Betsy w końcu zobaczyła obrazy, była bardziej zraniona, niż Andrew mógł sobie wyobrazić. Dziennikarze byli przyzwyczajeni do nazywania Betsy „rzecznikiem Andrew Wyetha”, dlatego na otwarciu wystawy dręczyli ją pytaniem: „Co to wszystko znaczy?” A potem odpowiedziała krótko: „Miłość”. A potem mamy tylko strzępy informacji. W biografii Merimana „Sekretne życie Andrew Wyetha” czytamy: „Andrew rozmawiał o Betsy z przyjaciółmi, czasem z wyrzutami sumienia, czasem z irytacją: „Na co ona czekała? Żebym całe życie malował stare łodzie?!. Nie, wiem, jestem wężem w owsie. Jestem mistrzem podstępu. Artysta nie powinien się żenić – gdzie zaczyna się małżeństwo, kończy się romans. Jedynym mędrcem wśród amerykańskich artystów był Winslow Homer, który całe życie przeżył jako kawaler.

Mądra Betsy bezinteresownie oświadczyła, że „sztuka jest ważniejsza niż relacje”. Jednak po złożeniu tej mądrej wypowiedzi praktycznie opuściła dom. Większość czasu spędzała w Nowym Jorku lub w Maine, gdzie urządziła dom według własnych upodobań. Częściej do siebie dzwonili niż się widywali. Wyeth pisał do Helgi przez kolejne pięć lat, czyli w sumie piętnaście, ale...

Ostatecznie Wyeth wyczerpał to źródło. Dostał inne modele: Ann Call, Susan Miller. Wrócił do krajobrazów. Ale Helga nie jest Betsy, dla niej uwaga i miłość Andrew stały się jedynym sensem życia, a opuszczona przez Wyetha popadła w najgłębszą depresję. Wyeth zatrudnił dla niej pielęgniarkę, umieścił ją na kilka miesięcy w szpitalu psychiatrycznym, a ostatecznie zamieszkał z nią. „Mam teraz dwie żony” – powiedział znajomemu. „W moim wieku mogę robić, co chcę”. Albo zamieszkał z Helgą w swojej pracowni w budynku starej szkoły, albo zamieszkał z siostrą, po czym Helga znów popadła w depresję. Stary przyjaciel Andrew, William Phelps, napisał o nim w liście: „Andrew rozświetla ludzi, darzy ich ciepłymi uczuciami. Ale wątpię, czy je kocha.

Andrew Wyeth w pracy

W 2007 roku prezydent Bush wręczył mu Narodowy Medal Sztuki. Nie była to jego pierwsza nagroda: w 1963 roku jako pierwszy artysta w historii Ameryki otrzymał Prezydencki Medal Wolności, a w 1988 Złoty Medal Kongresu, najwyższe odznaczenie cywilne. Już w 1970 roku jego wystawa odbyła się w Białym Domu, pierwsza w historii kraju wystawa sztuki w rezydencji prezydenckiej za Nixona. Uznanie spotkało się nie tylko ze strony instytucji amerykańskich, ale także zagranicznych: był jednym z nielicznych „postępowych artystów amerykańskich”, których Moskwa powitała w czasach ostrych prześladowań „sztuki w łańcuchach” – pop-artu, sztuki abstrakcyjnej.

Retrospektywa prac Wyetha w Muzeum Sztuki w Filadelfii w 2006 roku przyciągnęła ponad 175 000 zwiedzających, ustanawiając światowy rekord frekwencji na wystawie współczesnego artysty. Ostatnie wyrazy uznania dla talentu Wyetha przyznano mu w 2007 roku. US National Medal of Arts, a od 2008 roku przestał pojawiać się publicznie i udzielać wywiadów. W odpowiedzi na prośby dziennikarzy, którzy chcieli się z nim spotkać, powiedział: „Wszystko, co mogłem powiedzieć, wisi już na ścianach”. Andrew Wyeth zmarł spokojnie we śnie w swoim domu w Chad's Ford 16 stycznia 2009 roku w wieku 91 lat.

Światowej sławy i jeden z najbardziej lubianych artystów konserwatywnej części społeczeństwa amerykańskiego, Andrzej Wyeth stał się jednym z najdroższych współczesnych artystów XX wieku. Jednocześnie jednak był jednym z najbardziej niedocenianych malarzy amerykańskich. Jego realistycznie napisana twórczość w dobie rozkwitu sztuki abstrakcyjnej i modernizmu wywołała burzę protestów i negatywnych reakcji wpływowych krytyków i krytyków sztuki. Ale amerykańska publiczność gromadziła się na wystawach jego prac, kuratorzy muzeów po cichu kupowali jego obrazy, aby nie uznano ich za retrogradację, a tylko koledzy artyści wiedzieli na pewno, że Andrew Wyeth był potężnym i tajemniczym talentem.

Przy tym wszystkim Andrzej nigdy nie był artystą modnym, przez wiele lat jego twórczość uznawana była za najbardziej kontrowersyjną w historii sztuki amerykańskiej ubiegłego stulecia. I choć krytycy zarzucali malarzowi brak wyobraźni i uleganie niskim gustom gospodyń domowych, te same gospodynie domowe odpowiedziały Wyethowi ze szczerą wdzięcznością i miłością. Wystawy jego prac, gdziekolwiek były wystawiane, zawsze były wyprzedane. „Opinia publiczna kocha Wyetha,– napisali w 1963 roku w nowojorskiej gazecie, – za to, że nosy jego bohaterów są tam, gdzie być powinny…” A działo się to w czasie, gdy Ameryka znajdowała się pod całkowitym wpływem modernizmu i sztuki abstrakcyjnej.

Artysta realista, wybitny przedstawiciel amerykańskiej sztuki plastycznej ubiegłego wieku, Andrew Newell Wyeth urodził się w 1917 roku w Chadds Ford w Pensylwanii w rodzinie ilustratora Newella Converse Wyetha, który zasłynął dzięki romantycznym ilustracjom książkowym. Co więcej, Andrew był bratem wynalazcy Nathaniela Wyetha i artystki Henrietty Wyeth Heard, a wreszcie ojcem artysty Jamiego Wyetha.

Andrew był najmłodszym dzieckiem w rodzinie. Obserwując pracę ojca, chłopiec bardzo wcześnie zaczął rysować. Newell zrobił wszystko, co możliwe, aby rozwinąć u swoich dzieci twórcze myślenie, wyobraźnię i kreatywność. Oprócz wychowywania własnych dzieci Newell hojnie dzielił się swoim doświadczeniem ze swoimi uczniami, których miał kilkunastu. Szczerze wierzył: „Aby życie dziecka było twórcze, musi mieć swój własny świat, który należy tylko do niego”.

Nic więc dziwnego, że Andrzej zaczął rysować niemal zanim zaczął mówić. Później, wspominając swój rozwój artystyczny, wśród swoich nauczycieli zawsze wymieniał ojca. I była w tym lwia część prawdy. Newell uznał, że artysta nie potrzebuje studiów i sam uczył syna sztuki, a pozostałych nauk chłopca uczył się u nauczyciela, który przyjeżdżał do jego domu.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219417240.jpg" alt="Autoportret.

Wiele zmieniło się w życiu 28-letniego artysty po tragicznym wydarzeniu, które miało miejsce w ich rodzinie: samochód Wyetha Seniora zderzył się na przejeździe kolejowym z pociągiem towarowym, co doprowadziło do jego śmierci. Odtąd ślad straty i pewnej tragedii jest zawsze obecny na płótnach Andrzeja.

Co więcej, już niezbyt towarzyski, stał się wycofany i resztę życia spędził jako odludek. I to był spory plus, to właśnie oderwanie od zgiełku świata pomogło artyście nie reagować ostro na ataki krytyki i nie zauważać, że gdzieś w pobliżu"ревет и беснуется двадцатый век". !}

I należy zauważyć, że artysta bardzo cenił samotny i wyważony sposób życia. Rzadko opuszczał Chadd's Ford, udając się tylko czasami w lecie do Cushing w stanie Maine, gdzie jego dom znajdował się na wybrzeżu. Mieszkając na przemian w Pensylwanii, teraz w Maine, malarz stworzył swoje niesamowite obrazy, które krytycy sztuki zaliczyli później do realizmu magicznego.

Artysta malował wyłącznie tereny tych dwóch miast, malował portrety jedynie ich mieszkańców. A mówiąc o „świecie Andrew Wyetha”, nawiązując do geografii, można powiedzieć, że był on bardzo malutki. Stałym tematem twórczości Wyetha zawsze było życie prowincjonalne i amerykańska przyroda. Zwykłe krajobrazy wiejskiego buszu, stare budynki i proste wnętrza, zwykli prowincjonalni ludzie, namalowani pędzlem Wyetha, wyglądają jak wizualni świadkowie narodowej historii Ameryki i archetypowe obrazy „amerykańskiego snu”.

Andrew zawsze wiedział, jak znaleźć i podkreślić poezję, filozofię i magię w prostych, ogorzałych twarzach sąsiadów i przyjaciół, a także w „ziemnych” krajobrazach amerykańskich prerii, które otwierają się z okien ich domów. Preferując technikę temperową, która pozwala na szczególnie drobne detale, mistrz kontynuował tradycje amerykańskiego romantyzmu i realizmu. Styl artysty pozostał praktycznie niezmienny przez całą jego karierę twórczą, choć z biegiem czasu obrazy Wyetha stały się bardziej symboliczne, zmierzając w stronę realizmu magicznego.

https://static.kulturologia.ru/files/u21941/219417643.jpg" alt=" Malowanie wnętrz autorstwa Andrew Wyetha." title="Malowanie wnętrz autorstwa Andrew Wyetha." border="0" vspace="5">!}

I na koniec chciałbym zauważyć, że w przeciwieństwie do swojego twórcy, obrazy Andrzeja podróżowały po całym świecie. Jego indywidualne wystawy odbywały się w wielu czołowych galeriach świata, m.in. w Rosji w 1987 roku, gdzie wystawa odniosła ogromny sukces.

W 2007 roku prezydent USA Bush Jr. osobiście wręczył artyście Medal Narodowy, najwyższe amerykańskie wyróżnienie w dziedzinie sztuki.

Dwa lata później, w wieku 91 lat, Andrew Wyeth zmarł we śnie w swoim domu w Chadds Ford. Krótko przed śmiercią powiedział: „Kiedy umrę, nie martw się o mnie. Chyba nie pójdę na swój pogrzeb. Pamiętaj to. Będę gdzieś daleko i będę kroczył nową ścieżką, dwa razy lepszą od starej.

Andrzej Wyeth. Świat Christiny. 1948 82 x 121 cm Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (MOMA)

„Świat Christiny” Andrew Wyetha (1917-2009) to ikoniczny obraz malarstwa amerykańskiego.

Dla Amerykanów ma to takie samo znaczenie jak dla nas Szyszkin czy Sierow.

Co więc w tym niezwykłego?

Tak, wszystko. I historia bohaterki. I technika w jakiej została wykonana. I jak obraz jest odbierany przez widza.

Pierwsze spojrzenie na „Świat Christiny”

Obrazy Wyetha są introwertyczne. Nie „wpadają w ramiona” widza od pierwszego wejrzenia. Ponieważ nie mają jasności.

Spalona trawa. Niemalowane, zniszczone domy. Wiatr. Jeden lub dwa przedmioty. Rzadko ludzie.

Andrzej Wyeth. Wiatr od morza. 1947 Galeria Narodowa Waszyngton, USA

Nie od razu zobaczysz w nich to, co najważniejsze. Trzeba wstać i przyjrzeć się bliżej. I dopiero po pewnym czasie zastanowisz się, co kryje się w drugiej warstwie obrazu.

Sam tego doświadczyłem.

„Świat Christiny” zobaczyłam, kiedy nie wiedziałam nic o artystce, a tym bardziej o jakiejś Christinie. I oczywiście zdjęcie NIE zostało mi od razu ujawnione.

Wydawało mi się, że przede mną stoi szczupła dziewczyna o gęstych włosach, odpoczywająca w pozycji bezczynnej. Wydawała się ekspresyjnie pochylać do przodu. Na tle wyblakłego krajobrazu, najwyraźniej po to, by nie odwracać uwagi od dziewczyny.

A gdy przyjrzałem się bliżej, miałem wrażenie, że dopadło mnie zimno. Jak mogłem zobaczyć bezczynność?

Włosy są brudne i nieuczesane, stąd iluzja grubości.

Andrzej Wyeth. Świat Christiny (fragment). MAMA 1948r

Jakie to jest szczupłe! Dziewczyna jest boleśnie chuda.

Na Twoich włosach widać szare pasma. Tak, to wcale nie jest dziewczyna (Christina miała wtedy ponad 50 lat)…

Potem przyjrzałem się bliżej jej palcom. Szarzy od kurzu wbijają się w ziemię. Najwyraźniej nie ma w tym nic romantycznego. To ciężka walka i mnóstwo wysiłku...

Następnie otwierasz komputer i czytasz o obrazku...

W ten sposób stopniowo się otwierała. Nie od razu. Ale uderzyło mnie to do głębi.

Jak zrodził się pomysł na „Świat Christiny”?

Pewnego dnia Andy Wyeth wyjrzał przez okno swojego letniego domu w Maine, niedaleko miasteczka Kushner.

I zobaczyłem kobiecą postać na polu. Leżała i najwyraźniej odpoczywała. I nagle postać zerwała się i... popełzła w stronę widocznej w oddali farmy. Przylgnęła palcami do ziemi i przeciągnęła nogi za sobą.

Wyatt zdał sobie sprawę, że to jego sąsiadka Christina Olson. Wiedział, że była częściowo sparaliżowana. Ale nie spodziewałam się, że będzie się tak poruszać po okolicy, bez wózka inwalidzkiego i osoby towarzyszącej.

W pierwszej chwili poczuł ukłucie litości i zapragnął pośpieszyć z pomocą. W końcu ta postać w różowej sukience i bolesnej szczupłości wyglądała jak homar. Wyrzucony na brzeg i zmiażdżony bezlitosnym butem. Ale on żył i z całych sił pełzał w poskręcanej skorupie...

Coś jednak powstrzymało artystę. Nie spieszył się z pomocą. Uświadomił sobie, że ta kobieta jej nie potrzebuje. To było jej codzienne wyzwanie rzucone losowi.

Krystyna Olson

Christina zachorowała na polio w wieku 3 lat. Przeżyła. Jednak jako nastolatka zaczęła mieć problemy zdrowotne. Zaczęła się potykać i upadać. Choroba postępowała. W wieku 30 lat ledwo mogła zrobić 2-3 kroki.

Nigdy nie została zdiagnozowana. Ale teraz lekarze, po zapoznaniu się z jej dokumentacją medyczną, uważają, że cierpiała na neuropatię ruchowo-czuciową. W którym w ciągu życia człowieka aktywność ruchowa stopniowo się pogarsza.

Na zdjęciu Christina ma 55 lat. Po tym będzie żyła jeszcze 20 lat. I będzie nadal bronił swojej wolności osobistej i niezależności od innych.

Andrzej Wyeth. Krystyna Olson. 1947 Curtis Gallery, Minneapolis

Tylko wyobraźnia. Christina nie mieszkała w mieszkaniu ze wszystkimi udogodnieniami. Mieszkała na farmie. Bez ciepłej wody, pralki, zmywarki i innych udogodnień cywilizacyjnych.

A mimo to była niezależna i niemal całkowicie zadbała o siebie. I nawet zajmowała się wieloma pracami porządkowymi.

O to właśnie chodzi w obrazku. O sile ducha. Mimo pozornie nieprzezwyciężonych okoliczności życiowych mężczyzna znalazł siłę, by żyć z godnością. Bez marudzenia i użalania się nad sobą.

Wyeth nie mógł powstrzymać się od namalowania tego obrazu. Historia Christiny prześladowała artystę. Ta mała postać na polu wciąż stała przed jego oczami.

Jak Wyeth stworzył świat Christiny

Wyethowi zajęło dużo czasu namalowanie tego obrazu. Przez całe pięć miesięcy pracował samotnie na jednym polu.

Artysta malował cienkim, suchym pędzlem. Na końcu składał się tylko z jednego włosa. Malowałem temperą (farbą żółtkową), która w przeciwieństwie do farby olejnej pozwala wypracować bardzo drobne detale.

Rozważał nawet, aby nie portretować Christiny na boisku. I tak, że sam przekazuje jej niewidzialną obecność.

Andrzej Wyeth. Świat Christiny (fragment). MAMA 1948r

I nawet gdy Christina pojawiła się na jego zdjęciu, przez długi czas nie chciał jej pokazać, co się stało. Bał się jej reakcji na zbyt realistyczne szczegóły: szare od kurzu palce, nienaturalnie wykręcone nogi.

W końcu nawet nie widziała szkiców. Oczywiście nie odważył się poprosić ją o pozowanie. Rolę tę pełniła żona.

A teraz obraz jest gotowy. Dlaczego „Mir”?

Naprawdę mamy wrażenie całego świata. Ze względu na łączoną perspektywę. Widzimy farmę w oddali oczami osoby na ziemi. Jakby od dołu. To sprawia, że dystans do niego wydaje się bardzo duży. Zwłaszcza dla osoby pełzającej po ziemi.

Jednocześnie widzimy samą Christinę z góry. Wyeth widział ją kiedyś na drugim piętrze swojego domu.

Rezultatem jest szeroka przestrzeń z odległym horyzontem, rozciągająca się najpierw w stronę Christiny, a potem od niej.

Ale miejsca w nim jest tak mało: pole, niebo i dom ze stodołą. To cały świat Christiny. Ogromny dla osoby niepełnosprawnej. Skromny i zarazem majestatyczny.

„Świat Krystyny” dzisiaj

Wyetha nigdy nie pociągały zwykłe ludzkie motywatory: pieniądze, sława, uznanie. Pracował we własnym tempie. A co najważniejsze w swoim własnym stylu.

To mocno zaskoczyło historyków i krytyków sztuki. Jak można pracować w stylu realizmu w dobie modernizmu?

Jak można wypisać każde źdźbło trawy, skoro główną „sztuczką” współczesnego malarstwa XX wieku jest zaniedbanie?

Ale Wyatt był obojętny na ich opinię. Pisał tak, jak chciał i jak czuł.

Ale muzea nadal kupowały jego prace. Cicho, bez zamieszania, żeby nie wyjść na staromodnego.