(inż. Andy Warhol, 6 sierpnia 1928 - 22 lutego 1987, USA) - założyciel magazynu Interview, twórca i producent zespołu rockowego The Velvet Underground & Nico, artysta, fotograf, reżyser, dziennikarz, kolekcjoner. Kultowa postać w historii ruchu pop-artu i sztuki współczesnej.
Biografia i kariera
Dzieciństwo i wczesne lata
Andy Warhol (nazwisko rodowe - Andrey Warhola) urodził się 6 sierpnia 1928 roku w Pittsburghu w USA. Dorastał w religijnej rodzinie słowackich emigrantów Julii Zawatskiej i Andrieja Warhola seniora oraz dwóch braci, Jana i Pawła. Kiedy Andy miał 9 lat, rodzice dali mu aparat. Następnie przypomniał sobie, że „proces fotografowania go zachwycił”.
W wieku sześciu lat Andy Warhol uczęszczał na bezpłatne przygotowawcze zajęcia plastyczne w Carnegie Institute of Technology.
Kiedy Andy był w trzeciej klasie, zachorował na szkarlatynę, która doprowadziła do pląsawicy – zaburzenia układu nerwowego powodującego mimowolne ruchy kończyn. Zaczął się bać lekarzy i szpitali. Chłopiec przez miesiące nie uczęszczał do szkoły, po czym stał się wyrzutkiem w klasie. W okresach, gdy Andy był przykuty do łóżka, malował, kolekcjonował fotografie gwiazd filmowych, robił kolaże z wycinków prasowych.
W 1942 roku na zapalenie otrzewnej zmarł ojciec Andy’ego Warhola.
W 1945 roku Andy ukończył szkołę Shenley School i wstąpił do Carnegie Institute of Technology. Andrei Varhola senior przez całe życie oszczędzał pieniądze na edukację.
Warhol ukończył Carnegie Institute of Technology w 1949 roku, uzyskując tytuł licencjata sztuk pięknych. W tym samym roku przeniósł się do Nowego Jorku.
Początek przewoźnika
W 1949 roku Andy Warhol zaprojektował witryny domu towarowego Josepha Horna. Pod koniec tego samego roku zaczął pracować jako ilustrator w magazynach. Projektował kampanie reklamowe dla różnych projektów pocztówek i projektów okładek dla Columbia Records.
Na początku lat pięćdziesiątych Andy Warhol zarabiał około 100 000 dolarów rocznie. W 1952 roku przeniósł się z matką z Pittsburgha do Nowego Jorku. W tym samym roku Warhol otrzymał swoją pierwszą nagrodę w dziedzinie grafiki od Art Editors Club. W 1952 roku odbyła się tam mała wystawa Andy'ego Warhola. Zawierało piętnaście rysunków do dzieł Trumana Capote, które stały się bestsellerami.
W 1959 roku Andy Warhol zaprezentował swoje prace w Muzeum Solomona Guggenheima.
W latach 1959-1963 Andy Warhol wynajął najwyższe piętro budynku zlokalizowanego na Upper East Side na Manhattanie. Tutaj pracował, organizował wystawy i imprezy.
W 1961 roku Andy Warhol zaczął malować i tworzyć ilustracje pop-artu.
Rozkwit kreatywności
W 1960 roku Andy Warhol wyreżyserował ponad 300 filmów eksperymentalnych. Charakteryzowały się brakiem fabuły i odnosiły sukcesy jedynie w wąskich kręgach. Wiele filmów miało charakter erotyczny, niektóre odtwarzały określoną akcję z życia danej osoby. Za najsłynniejsze obrazy uznano „Kinoproby”, „Winyl”, „Chelsea Girls”.
„Zacząłem kręcić filmy z jednym aktorem. Przez kilka godzin palił, siedział, jadł, spał. Zrobiłem to, bo zdałem sobie sprawę, że widz idzie do kina głównie po to, żeby zobaczyć swojego ulubionego aktora. Więc dałem im tę szansę.”
W 1961 roku Andy Warhol rozpoczął produkcję zielonych butelek Coca-Coli i puszek do zupy Campbell. Stosował technikę sitodruku, za pomocą której można było w nieskończoność odtwarzać te same obrazy. Andy Warhol tak wyjaśnił dużą liczbę zdjęć butelek Coca-Coli: „każdy konsumuje ten produkt – prezydent kraju, Elizabeth Taylor i żebrak, który wie, że jego Coca-Cola nie jest gorsza od tej prezydenta”. Charakterystyczną cechą jego twórczości stała się monotonna powtarzalność - fotografie i rysunki przedstawiające butelki Coca-Coli zostały zastąpione portretami Elizabeth Taylor, Elvisa Presleya, Audrey Hepburn itp. Prace Andy'ego Warhola zasłynęły na całym świecie jako obiekt sztuki epoki masowej konsumpcji .
„Malowanie puszki samo w sobie nie jest prawdziwą sztuką. Ale autentyczne w przypadku Warhola jest to, że podniósł poziom produkcji zupy w puszce do poziomu tworzenia obrazów, nadając im masowy charakter. W swoich pracach reprodukował obraz kultury konsumpcyjnej.
Robert Hughes, historyk sztuki, artysta
W 1962 roku, po śmierci Marilyn Monroe, Andy Warhol stworzył słynny dyptyk Marilyn. Za pomocą sitodruku naniósł na płótno 50 identycznych wizerunków aktorki ze zdjęcia z 1953 roku wykonanego na planie filmu „Niagara”. Lewą stronę dyptyku stanowiło płótno z 25 kolorowymi wizerunkami Marilyn Monroe, prawa strona imitowała rozmyte negatywy. Panowała opinia, że Andy Warhol skojarzył kontrastujące części płótna z życiem i śmiercią aktorki.
W 1963 roku Andy Warhol kupił budynek na Manhattanie, wyposażył go w pracownię i nazwał „Factory”. Tutaj stworzył około 2000 obrazów. W Fabryce zgromadziło się wiele niezwykłych osób, takich jak Edie Sedgwick, Holly Woodlaw, Viva, Gerard Malanga, które pomagały mu w tworzeniu nowych projektów.
W 1963 roku Andy Warhol zaprezentował cykl dzieł Pięć Śmierci, których łączy temat śmierci i katastrof.
W 1965 roku Andy Warhol pokazywał swoje prace na wystawach w Nowym Jorku, Paryżu, Mediolanie, Turynie, Essen, Sztokholmie, Buenos Aires i Toronto.
W 1966 roku Andy Warhol założył zespół rockowy The Velvet Underground & Nico.
Próba zamachu na Andy’ego Warhola
3 czerwca 1968 roku doszło do zamachu na Andy’ego Warhola. Valerie Solans, feministka pracująca w Fabryce, postrzeliła go 3 razy w brzuch. Następnie podeszła do kontrolera ruchu drogowego na ulicy, wyciągnęła broń i powiedziała: „Policja mnie szuka. Zastrzeliłem Andy'ego Warhola. Miał zbyt dużą kontrolę nad moim życiem.” Warhol nie zeznawał przeciwko niej. Za „napaść z premedytacją z zamiarem wyrządzenia szkody” sąd skazał Valerie Solanas na 3 lata więzienia i przymusowe leczenie w szpitalu psychiatrycznym. Andy Warhol uszkodził wszystkie narządy wewnętrzne, do końca życia zmuszony był nosić bandaż. Następnie zrobił zdjęcie, na którym artysta pokazał blizny po operacji.
Magazyn wywiadów
W 1969 roku Andy Warhol założył magazyn . Początkowo publikacja nosiła nazwę inter/View, co w tłumaczeniu oznaczało „między opiniami”. Magazyn był w całości poświęcony tematyce kina. W czasopiśmie publikowano wywiady z gwiazdami filmowymi i reżyserami, a także recenzje i recenzje.
W połowie lat 70. w kręgu zainteresowań magazynu znalazły się także materiały dotyczące mody, sztuki, muzyki, telewizji i innych aspektów popkultury. W Wywiadach zaczęły regularnie pojawiać się teksty o modelach i innych gwiazdach branży modowej. Osobliwością publikacji było to, że to nie dziennikarze przeprowadzali wywiady z gwiazdami, ale z innymi gwiazdami. Anjelica Huston rozmawiała z Mae West, Bianca Jagger – z Michaelem Jacksonem rozmawiał z liderem grupy Neptunes, Andym Warholem – z Trumanem Capote. Idea „tworzenia atmosfery swobodnej, szczerej rozmowy” należała do założyciela pisma, stała się znakiem rozpoznawczym pisma. W wywiadzie opublikowano zdjęcia stworzone przez Francesco Scavullo itp.
Inne projekty Andy'ego Warhola
W 1969 roku Andy Warhol stworzył film Flesh, a w 1970 nakręcił film Garbage. W obu utworach pojawił się element parodii kina komercyjnego. W latach 1966–1968 Andy Warhol nakręcił kilka filmów przedstawiających Velvet Underground. Wyprodukował także kilka albumów tej grupy i zaprojektował okładkę pierwszej płyty.
W latach siedemdziesiątych Andy Warhol zaczął malować portrety na zamówienie. Tworzył wizerunki Johna Lennona, Michaela Jacksona, Mohammeda Alego, Jane Fondy, Marlona Brando, Grace Jones, Mao Zedonga, Lizy Minnelli i innych. Andy Warhol sfotografował klienta na polaroidzie, wybrał najlepsze zdjęcie, powiększył je i przeniósł obraz na płótno metodą sitodruku. Następnie pomalował płótno farbami olejnymi.
W 1973 roku Andy Warhol zaczął zbierać przedmioty codziennego użytku – listy, gazety, pamiątki, ubrania, pocztówki itp. – i wkładać je do pudełek. Nazwał te zbiory „kapsułami czasu”.
Do 1987 roku było 610 skrzynek. Kapsuła Czasu znajduje się obecnie w Muzeum Andy’ego Warhola.
W 1975 roku Andy Warhol opublikował Filozofię Andy'ego Warhola. Z A do B i odwrotnie.
W 1979 roku Andy Warhol namalował samochód BMW (model M1).
„Próbowałem narysować, jak wygląda prędkość. Kiedy samochód się porusza, wszystkie linie i kolory się rozmazują.”
W połowie lat 80. MTV wyemitowało programy Andy'ego Warhola - Andy Warhol Television i Fifteen Minutes with Andy Warhol.
22 lutego 1987 roku Andy Warhol zmarł we śnie w Cornwell Medical Center na Manhattanie. gdzie przeszedł operację usunięcia pęcherzyka żółciowego. Jego bracia Paul i John przenieśli ciało do Pittsburgha i pochowali na terenie katolickiego kościoła Ducha Świętego. Podczas nabożeństwa żałobnego w katedrze św. Patryka w Nowym Jorku wzięło udział około dwóch tysięcy osób.
Majątek Andy'ego Warhola oszacowano na 600 milionów dolarów.
W 1989 roku, po śmierci Andy'ego Warhola, ukazały się "Dzienniki", czyli osobiste notatki artysty, które prowadził od lat 60. XX wieku.
Życie osobiste Andy'ego Warhola
Mimo że Andy Warhol był osobą publiczną, kluczową postacią drugiej połowy XX wieku, szczegóły jego życia osobistego nie są znane. Za najbliższą osobę uważał swoją matkę, z którą przez 20 lat mieszkał w tym samym mieszkaniu na Manhattanie. Nigdy otwarcie nie deklarował swojego homoseksualizmu, ale przyczynił się do rozwoju gejowskiego tematu kina amerykańskiego. Według wpisów w dzienniku Andy'ego Warhola nie utrzymywał on bliskich relacji ani z kobietą, ani z mężczyzną. Wiadomo o jego pociągu do Trumana Capote, do którego pisał listy miłosne.
„Miłość w fantazji jest znacznie lepsza niż miłość w rzeczywistości. Najbardziej ekscytującą rzeczą jest to, że zakochałeś się w kimś i nigdy nie uprawiałeś z nim seksu. Najbardziej szalone przyciąganie istnieje pomiędzy dwoma przeciwieństwami, które nigdy się nie spotykają.”
Za życia Andy Warhol używał makijażu, farbował włosy na słomkowy kolor, nosił peruki z czarnymi pasmami. Będąc właścicielem androgynicznego wyglądu, czasami fotografowano go w kobiecych sukienkach. Andy Warhol miał platoniczne romanse z Edie Sedgwick i modelką Nico.
Filmy o Andym Warholu
- 1995. „Zastrzeliłem Andy’ego Warhola”. Film oparty jest na prawdziwym wydarzeniu – zamachu Valerie Solans na Andy’ego Warhola.
- 2001. „Andy Warhol: gotowy obraz” . Dokument o twórczości Andy'ego Warhola.
- 2001. „Absolutna Warhola”. Dokument o życiu Andy'ego Warhola i jego rodziny.
- 2006. „Uwiodłem Andy’ego Warhola” („Dziewczyna z fabryki”). Zdjęcie przedstawia relację Andy'ego Warhola i jego muzy Edie Sedgwick.
Muzeum Andy’ego Warhola
W 1994 roku w Pittsburghu otwarto siedmiopiętrowe muzeum poświęcone życiu i twórczości Andy'ego Warhola. W galeriach znajduje się około 900 obrazów, 77 rzeźb, 4000 fotografii i 4350 filmów. Przechowywane są tu także oryginały jego wpisów do pamiętnika, peruk itp. Muzeum corocznie organizuje wystawy objazdowe w różnych krajach świata.
Wartość komercyjna Andy'ego Warhola
W 1995 roku seria obrazów „Puszka z zupą Campbella” została sprzedana Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku za 14 500 dolarów.
W 2004 roku Dyptyk Marilyn znalazł się na trzecim miejscu na liście 500 wybitnych dzieł sztuki współczesnej magazynu The Guardian. Obraz można obecnie oglądać w Tate Gallery w Liverpoolu.
W 2006 roku na aukcji sprzedano 1010 dzieł Andy’ego Warhola za łączną kwotę 199 milionów dolarów.
W 2008 roku płótno „Eight Elvis” zostało sprzedane za 100 milionów dolarów.
W 2010 roku łączna wartość sprzedaży dzieł Andy'ego Warhola przekroczyła 300 milionów dolarów.
W 2011 roku puszka zupy Campbella, jeden z pierwszych obrazów Warhola, została sprzedana na aukcji w Christie's za 10 milionów dolarów.
W 2012 roku Andy Warhol sprzedał na aukcji dzieła o wartości 380 milionów dolarów.
W 2013 roku najlepiej sprzedającymi się pracami są dzieła Andy'ego Warhola. Drugie miejsce zajmują obrazy Pabla Picassa.
Interpretacja pop-artowych obrazów Andy’ego Warhola w XXI wieku
W 2011 roku firma The Campbell Soup Company wypuściła limitowaną edycję zup w puszkach Campbell's. Jego wydanie zbiegło się z pięćdziesiątą rocznicą ukazania się tytułowego cyklu obrazów Andy'ego Warhola. Na cześć tej daty stworzono cztery opcje opakowań. Wszystkie puszki zostały pomalowane na kolory czerwony, niebieski, niebieski, zielony, żółty – takich właśnie tonów używał w swoich pracach Andy Warhol. Produkty prezentowane były w amerykańskiej sieci sklepów Target w cenie 75 centów za puszkę.
Opakowanie ozdobiono wizerunkami muz i cytatów Warhola. Koszt produktów kosmetycznych wahał się od 35 do 75 dolarów.
W 2012 roku w grudniowym numerze „Dujour” ukazała się sesja zdjęciowa poświęcona Warholowi i jego muzom. przymierzona na wizerunkach Edie Sedgwick, Nico, Candy Darling i samego Andy'ego.
Wywiad Andy'ego Warhola dla Glenna O'Briena (czerwiec 1977, opublikowany w magazynie Interview)
IŚĆ.: Jakie było Twoje pierwsze dzieło sztuki?
E.W.: Wycinam papierowe lalki.
IŚĆ.: Ile miałeś lat?
E.W.: Siedem.
IŚĆ.:Czy miałeś dobre oceny w szkole plastycznej?
E.W.: Tak, a nauczyciele mnie kochali.
IŚĆ.:Mówili, że masz naturalny talent?
E.W.: Coś w tym stylu. Nienaturalny talent.
IŚĆ.: Czy zajmowałeś się sztuką w szkole?
E.W.: Często chorowałem, więc aby nadrobić zaległości w programie, pojechałem do szkoły letniej. Miałem jedną lekcję plastyki.
IŚĆ.: Jak się bawiłeś, gdy byłeś nastolatkiem?
E.W.: Nie próbowałem się bawić. Tylko raz poszłam na koncert Franka Sinatry.
IŚĆ.: Jak zdecydowałeś się zostać artystą i przeprowadzić się do Nowego Jorku?
E.W.: Dostałem się do Carnegie Tech. Philip Pearlstein jechał na wakacje do Nowego Jorku, a ja pojechałem z nim. Wzięłam torbę i wsiedliśmy do autobusu. Pokazaliśmy portfolio po Nowym Jorku i liczyliśmy na to, że uda nam się dostać pracę. Tina Fredericks, która pracowała dla magazynu Glamour, powiedziała, że zatrudni mnie, gdy tylko ukończę szkołę średnią. To była moja pierwsza praca.
Oficjalna strona: www.warholstars.org
Oficjalna strona w języku rosyjskim: www.andy-warhol.ru
Strona internetowa muzeum: www.warhol.org
Strona Fundacji: www.warholfoundation.org
Andy Warhol to zwierciadło lat 70., geniusz pop-artu i sztuki komercyjnej. Ten artysta nigdy nie bał się monetyzacji swojej twórczości. A on musi się jeszcze wiele nauczyć. Dziś przygotowaliśmy dla Was TOP 10 najdroższych jego dzieł.
10 najdroższych obrazów Andy’ego Warhola. 1. Wypadek srebrnego samochodu (podwójna katastrofa) 1963
Sprzedany w listopadzie 2013 roku w Sotheby's za 105,4 miliona dolarów.
Andy’ego Warhole’a. „Srebrny wypadek samochodowy (podwójna katastrofa)”
10 najdroższych obrazów Andy’ego Warhola. 2. „Osiem Elvisów” w 1963 roku.
Sprzedany prywatnie przez francuskiego konsultanta ds. sztuki Philippe'a Segalota w październiku 2008 roku za 100 milionów dolarów. Była to wówczas rekordowa kwota zapłacona za twórczość Andy’ego Warhola.
Andy’ego Warhole’a. „Osiem Elvisów”
10 najdroższych obrazów Andy’ego Warhola. 3. „Potrójny Elvis (typ Ferus)” („Potrójny Elvis (Ferus Tipe)”), 1963.
Sprzedany w listopadzie 2014 r. Dzieło to – jedno z dwóch sprzedanych przez Thomasa Ammanna do niemieckiego kasyna w latach 70. – stało się głównym przedmiotem aukcji Christie’s.
Andy’ego Warhole’a. „Potrójny Elvis (typ Ferusa)”
10 najdroższych obrazów Andy’ego Warhola. 4. „Turkusowa Marilyn” („Turkusowa Marilyn”) 1964.
Jako jeden z kilku portretów Marilyn Monroe autorstwa Andy'ego Warhola, został kupiony w maju 2007 roku przez kolekcjonera Stephena Cohena za pośrednictwem Larry Gagosian Gallery za około 80 milionów dolarów.
Andy’ego Warhole’a. „Turkusowa Marilyn”
10 najdroższych obrazów Andy’ego Warhola. 5. „Wypadek ekologicznego samochodu” w 1963 r
Został również sprzedany w maju 2007 roku w Nowym Jorku na aukcji Christie's za rekordową cenę aukcyjną 71,7 miliona dolarów przez kolekcjonera Philipa Niarkosa, syna greckiego magnata żeglugowego Stavrosa Niarkosa.
Andy’ego Warhole’a. „Wypadek ekologicznego samochodu”
10 najdroższych obrazów Andy’ego Warhola. 6. Cztery Marlony (1966)
Obraz został sprzedany w listopadzie 2014 roku w Christie's za 69,6 miliona dolarów, a na aukcji dzieło zostało połączone z Potrójnym Elvisem.
Andy’ego Warhole’a. „Cztery Marlony”
10 najdroższych obrazów Andy’ego Warhola. 7. Mężczyźni w jej życiu (1962)
Czarno-biały portret Elizabeth Taylor, przedstawiający ją z trzecim mężem Mikiem Toddem i przyszłym mężem Eddiem Fisherem, został sprzedany anonimowemu nabywcy w Nowym Jorku w firmie Philipps de Pury & Co za 63,4 miliona dolarów. Praca została wysłana do pewnej rodziny Mughrabi.
Andy’ego Warhole’a. „Mężczyźni w jej życiu”
10 najdroższych obrazów Andy’ego Warhola. 8. „Race Riot” (w czterech częściach) 1964.
Obraz został sprzedany w maju 2014 roku na aukcji Christie's za 62,8 miliona dolarów jednemu nabywcy, który wykonał z niego kompletne dzieło.
Andy Warhol „Zamieszki na wyścigu”
10 najdroższych obrazów Andy’ego Warhola. 9. „200 banknotów jednodolarowych” („200 banknotów jednodolarowych”), 1962.
W listopadzie 2009 roku obraz został sprzedany w Sotheby's anonimowemu nabywcy za 43,8 miliona dolarów, zakupu dokonano w Londynie za pośrednictwem kolekcjonerki Pauline Karpidas, która kupiła dzieło w 1986 roku za jedyne 385 000 dolarów.
miasta Springfield w stanie Missouri.
Obecnie nazwisko tego wybitnego mistrza stało się prawdziwym symbolem całego kierunku, który zwykle określa się terminem „pop-art”. Co jednak pozwoliło temu wybitnemu Amerykaninowi osiągnąć tak imponujące uznanie? Zrozumieć to można jedynie patrząc w przeszłość wielkiego artysty.
Wczesne lata, dzieciństwo i rodzina Andy’ego Warhola
Nasz dzisiejszy bohater urodził się w mieście Pittsburgh (Pensylwania) i stał się czwartym dzieckiem w dużej rodzinie imigrantów z Europy Wschodniej. Według najbardziej wiarygodnych danych miejscem narodzin jego rodziny była Słowacja, jednak w niektórych źródłach można odnaleźć także odniesienia do ukraińskich korzeni artysty.Rodzice przyszłego artysty przenieśli się do Stanów Zjednoczonych na początku XX wieku. Ojciec Andy'ego pracował w kopalni węgla kamiennego, a jego matka była gospodynią domową.
Miłość do rysunku i sztuk pięknych przyszła do naszego Andy'ego już we wczesnym dzieciństwie. W trzeciej klasie przyszły sławny artysta zachorował na pląsawicę Sydenhama i przez około rok pozostawał przykuty do łóżka. Zespół ten wpływa na mięśnie i prowadzi do niekontrolowanych ruchów kończyn. W tym okresie zaczął „zabijać czas”, rysując wszelkiego rodzaju portrety, pejzaże, a także wykonując kolaże ze starych wycinków prasowych.
Warto zauważyć, że już w tamtych czasach Warhol zaczął rysować najzwyklejsze przedmioty otaczającego go świata - zapalone lampy, paczki papierosów, breloczki do kluczy i wiele innych. Następnie artysta przyznaje, że w tym okresie rozpoczęło się kształtowanie jego tożsamości korporacyjnej, która pozostała z nim do końca jego dni i przyniosła mu wielki sukces i sławę.
Po ukończeniu szkoły średniej Andy wstąpił do Carnegie Mellon Institute of Technology, gdzie rozpoczął naukę grafiki i podstaw ilustracji komercyjnej. Według niektórych wiarygodnych źródeł Andy był w czasie studiów jednym z najbardziej utalentowanych uczniów w swojej grupie. Sukcesom akademickim towarzyszyła jednak wyraźna niemożność nawiązania kontaktu z rówieśnikami i nauczycielami.
Biografia Andy'ego Warhola
Po ukończeniu studiów na kierunku projektowanie graficzne nasz młody Andy przeprowadził się do Nowego Jorku, gdzie dostał pracę jako dekorator okien. W tym okresie rysował plakaty reklamowe, kartki świąteczne, a także zajmował się ogólną dekoracją stoisk. Jakiś czas później zaczął owocnie współpracować ze słynnymi błyszczącymi publikacjami Harper's Bazaar i Vogue, gdzie pracował jako ilustrator.
Kariera artystyczna Andy'ego Warhola
Pierwszy sukces młody artysta osiągnął już w 1950 roku, kiedy z sukcesem wykorzystał plamy artystyczne przy tworzeniu reklamy I. Młynarz. Potem zaczął często otrzymywać lukratywne kontrakty. Jego honorarium stale rośnie. 
W 1952 roku Andy zorganizował swoją pierwszą pełnowymiarową wystawę, która od razu przyniosła mu wielki sukces. W 1956 roku Warhol został pomyślnie przyjęty do Klubu Redaktorów Sztuki, a jakiś czas później zaczął tworzyć swoje pierwsze obrazy wykonane metodą sitodruku.
W tym czasie utalentowany artysta zarabiał około stu tysięcy dolarów rocznie, pozostając według tego wskaźnika jednym z odnoszących największe sukcesy autorów swoich czasów.
W drugiej połowie lat pięćdziesiątych zaczął po raz pierwszy zajmować się fotografią, ale przede wszystkim nadal pozostawały mu sztuki piękne.
W 1960 roku Andy Warhol stworzył projekty puszek Coca-Coli, za co otrzymał kilka kolejnych dużych czeków. W tym okresie nasz dzisiejszy bohater zaczął tworzyć cykl obrazów przedstawiających wytwory kultury masowej, które wkrótce stały się jego „wizytówką”.
Odcinek o Andym Warholu z filmu „O czym rozmawiają mężczyźni”
W latach 1960-1962 artysta zaprezentował publiczności cykl prac przedstawiających puszki zupy Campbella. Następnie powstał cykl prac „Zielone butelki Coca-Coli”.
Prace z początku lat 60. XX w. prezentowane były w galerii sztuki Stabl i od razu zyskały dużą popularność. W tym okresie ktoś nazywał obrazy artysty odzwierciedleniem kultury masowej konsumpcji, a ktoś po prostu mówił o niezwykłej umiejętności artysty odnajdywania estetyki w zwykłych rzeczach.
W 1963 roku Andy Warhol kupił stary opuszczony budynek w Nowym Jorku i założył tu coś w rodzaju własnego warsztatu. Miejsce to nazwano „Fabryką” i bardzo szybko stało się odskocznią do tworzenia i prezentacji dzieł znanego autora. Uznany mistrz zatrudniwszy zespół młodych artystów, polecił im odtworzyć własne dzieła, czyniąc w ten sposób sztukę produktem masowej konsumpcji.
W połowie lat sześćdziesiątych Warhol zaczął interesować się alternatywnymi formami sztuki. Swoje prace tworzy z tektury, starych puszek, opakowań po proszku. Ponadto w tym okresie utalentowany autor zaczął kręcić swoje pierwsze filmy.
Jednak nie zawsze można było przypisać te prace do dziedziny kinematografii. Obecnie coraz częściej krótkie szkice filmowe artysty uznawane są za mieszczące się w obszarze tej samej sztuki alternatywnej, gdyż wiele filmów mistrza nie miało nawet jasnej fabuły.
Próba zamachu i ostatnie lata życia Andy'ego Warhola
3 czerwca 1968 roku feministka i była modelka Warhola Valerie Solanas wkroczyła do „Fabryki” artysty i kilkakrotnie postrzeliła go w brzuch. Artysta przeżył śmierć kliniczną i długą operację, która jednak pomogła mu uratować życie. Po wyzdrowieniu po odniesionych obrażeniach odmówił składania zeznań przeciwko swojemu byłemu modelowi, dlatego Valerie otrzymała tylko trzy lata więzienia. 
Po zamachu Andy Warhol bardzo się zmienił. Często malował prace związane w ten czy inny sposób ze śmiercią. Duży wpływ na niego miała śmierć Marilyn Monroe, co zaowocowało napisaniem jego najsłynniejszego obrazu poświęconego aktorce. W dalszej kolejności dzieła tego okresu zostaną wyróżnione przez koneserów sztuki jako odrębny etap twórczości autora.
Służba sztuce w życiu artysty trwała do końca jego dni. W 1987 roku na zatrzymanie akcji serca zmarł we śnie wielki i niepojęty Andy Warhol. Miał wówczas pięćdziesiąt osiem lat.
Życie osobiste Andy'ego Warhola
Przez długi czas plotki przypisywały wielkiemu artyście romans z jego przyjaciółką i muzą Edie Sedgwick. Stanowili połówki jednej całości - ubierali się tak samo, farbowali włosy na ten sam kolor, pojawiali się wszędzie razem. 
Andy i jego muza poznali się w 1965 roku, kiedy Eddie po raz pierwszy przybył do „Fabryki” artysty. Zagrała w kilku jego filmach i choć często nie były one dostępne dla szerokiego grona widzów, prasa zaczęła częściej pisać o modelce.
„Uwiodłem Andy’ego Warhola” (zwiastun filmu)
Jednak ten związek zakończył się w pewnym momencie z niewyjaśnionego powodu, prawdopodobnie z powodu nadmiernego zażywania narkotyków przez Edie.
Andy Warhol zawsze dbał o prywatność swojego życia osobistego. Chociaż większość badaczy zgadza się, że wielki artysta był gejem, nie jest to pewne.
Uważany za jednego z najsłynniejszych artystów amerykańskich. Ale zwykłych ludzi pociągała nie tyle jego praca, ile styl życia. Skandale, odważne wypowiedzi w prasie. Wszystko to działało na wizerunek króla pop-artu. Wydawało się, że urodził się i wychował w tym środowisku, w którym panowała odwieczna atmosfera święta, a każdego dnia świeciły nowe gwiazdy.
Dzieciństwo i młodość przyszłej gwiazdy
Tylko nieliczni wiedzieli, że około dwadzieścia lat temu Andy Warhol, którego obrazy stały się szalenie popularne, był zupełnie inną osobą. Urodził się w przemysłowym Pittsburghu w 1928 roku w prostej rodzinie emigrantów ze Słowacji. I często zastanawiał się, dlaczego życie było dla niego takie niesprawiedliwe. Ktoś kąpie się w luksusie, a on musi nosić ubrania dla swoich starszych braci. W końcu nie jest gorszy od dzieci bogatych. Co więcej, natura nagrodziła go talentem. Był świetny w rysowaniu.
W tysiąc dziewięćset czterdziestym siódmym przyszły artysta Andy Warhol wstąpił na Politechnikę na Wydziale Sztuki Projektowania. Jego rodzice przeznaczyli wszystkie swoje oszczędności na jego edukację. Andy był po prostu szczęśliwy. W końcu wpadł w twórczą atmosferę.
Co więcej, wielu kolegów i nauczycieli podziwiało talent Andy'ego Warhola. Jego prace były pełne energii, dosłownie tchnęły życie. I nikt nie domyślił się, że ten zdolny facet miał dalekosiężne plany. Chciał nie tylko rysować, ale także zarabiać na tym ogromne pieniądze.
Początek działalności twórczej
Zaraz po ukończeniu studiów w 1949 roku Andy przenosi się do Nowego Jorku. Było to miasto, w którym – jak wierzył – każdy może zostać gwiazdą. I pierwsze co zrobił, to kupił biały elegancki garnitur i zabrał się za szukanie pracy. Andy Warhol wszystkie otrzymane zamówienia wykonał talentem i terminowo. I wszyscy jego przywódcy byli z niego bardzo zadowoleni.
Nagle skromny młodzieniec pokazał kolejną wyjątkową cechę. Lepiej niż wielu artystów uchwycił koniunkturę rynkową. I intuicyjnie czułam, jak umiejętnie i pięknie zaprezentować obraz reklamowy.
Jego pierwszą pracą zawodową było stworzenie ilustracji do artykułu „Sukces”. To była praca dla magazynu Glamour. Rok później wykonał plakat antynarkotykowy do mało znanego programu młodzieżowego o problemach młodzieżowych, który od razu zyskał na popularności, a sam plakat został uznany za najlepszą reklamę roku.
Całkowita zmiana wizerunku
Opłaty Andy'ego gwałtownie wzrosły. Ale chciał sławy, publicznego uznania i świeckiego życia. Następnie Andy Warhol, którego obrazy słusznie uważane są dziś za najlepsze w pop-artie, postanawia całkowicie zmienić swój wizerunek i styl pracy.
Teraz nie opuścił ani jednej imprezy modowej. Wkrótce staje się swoim własnym wśród artystycznej publiczności. Uważany był za zabawnego faceta, obiecującego artystę. Ale Warholowi się to nie podobało. Takich jak on było wielu, ale on chciał być tym jedynym.
Pojawienie się nowego kierunku w sztuce
W tym czasie w Ameryce zaczął pojawiać się pop-art. Kierunek, w którym obiektem do malowania może stać się wszystko. Wycinki z gazet, krzykliwe reklamy lub postacie z kreskówek. Andy nigdy nie bał się eksperymentować. I zaczął pracować w tym kierunku.
W 1952 roku odbyła się jego pierwsza wystawa indywidualna w Nowym Jorku. Ale nie odniosła sukcesu. Andy nie rozpaczał. Nadal poszukiwał nowych obrazów i technik, próbował nowych kombinacji kolorów i nadal uczęszczał na liczne imprezy.
W 1962 roku w Los Angeles otwarto kolejną wystawę prac Andy'ego Warhola. Obrazy na nim zaintrygowały wielu, którzy przybyli na widownię. Ekspozycje przypominały półki supermarketów. Na ścianach wisiały obrazy z wizerunkami Coca-Coli, dolarów, puszek zup. I powtarzane w kółko.
Jednak szok szybko ustąpił miejsca zachwytowi. To było dokładnie to, na co wszyscy czekali. Błyszczące etykiety produktów, amerykańskie piękno. Co dziwne, ale przed Andym Warholem nikomu nie przyszło do głowy, aby przedstawić to, przed czym kłaniają się miliony Amerykanów: świat pieniędzy i rzeczy.
Narodziny nowego króla
Tak więc w ciągu zaledwie kilku godzin od mało znanego artysty reklamowego, choć zarabiającego około stu pięćdziesięciu tysięcy rocznie, Andy Warhol, którego obrazy zrobiły furorę, stał się królem pop-artu.
Już na wystawie zapytano go, co zamierza teraz malować. A Andy bez wahania odpowiedział, że być może nawet Nie narysowała Marilyn Monroe. Do druku wybrał farby kwasowe.
Słynne obrazy Andy’ego Warhola. Obrazy fotograficzne
Wizerunek aktorki okazał się dziwny. Cytrynowe włosy i jaskrawo pomalowane usta. Nikt nigdy w ten sposób nie narysował głównego symbolu seksu w Hollywood. W końcu wszyscy są przyzwyczajeni do uważania jej za piękną pustą lalkę. W rzeczywistości była głęboko nieszczęśliwą kobietą. Artystka po raz kolejny subtelnie oddała nastrój milionów.
Po jej śmierci Monroe stała się idolką. A wszystkie przedmioty, na których widnieje ten wizerunek, stały się szalenie popularne, łącznie z tą pracą – zdjęciem Marilyn Monroe. Andy Warhol zainspirował się tym pomysłem i uznając, że idzie w dobrym kierunku, stworzył całą serię portretów idoli lat sześćdziesiątych: króla rock and rolla Elvisa Presleya, aktorki Elizabeth Taylor, boksera i wielu innych inne gwiazdy. Ludzie stali się obrazami.
Tysiące nowych portretów
Nigdy nie zmuszał swoich modelek do pozowania. Po co spędzać długie godziny w warsztacie, jeśli masz polaroid? Andy całkowicie porzucił farby olejne. Jaki jest sens, gdy jest sitodruk. Twarz wykonana tą techniką wyszła perfekcyjnie. Żadnych zmarszczek, żadnych pryszczy, nie. Dokładnie tak, jak lubią to mieszkańcy miasta.
Ponadto za pomocą tej techniki można było wykonać nie jeden portret, ale setki, a nawet tysiące. Portrety Andy'ego Warhola zaczęły cieszyć się niesamowitą popularnością. I nie ukrywał, że miał przed sobą nowy cel. Chciał umieścić sztukę współczesną na przenośniku. A w 1963 roku otworzył własną fabrykę.
Budowa własnej fabryki
Pomieszczenie to, pomalowane na srebrno, było jednocześnie klubem, apartamentem i warsztatem. Przyjeżdżali tu artyści, muzycy, reżyserzy i po prostu bystre osobistości. Ktoś tańczył, śpiewał, inni po prostu omawiali najnowsze wiadomości, a Andy w tym czasie tworzył. To prawda, że lwią część pracy wykonali asystenci. Wycięto szablony, wlano do nich farbę. Warhol jedynie kierował tym procesem.
Nikogo do swojej fabryki nie zapraszał. Sami tam przyszli i byli szczęśliwi, jeśli mogli się przydać Andy'emu Warholowi. Otaczając się dziwnymi ludźmi, czerpał inspirację z tej atmosfery.
Pewnego dnia ten niestrudzony poszukiwacz nowych pomysłów wpada na pomysł, aby sfilmować kamerą swojego śpiącego przyjaciela. Po obejrzeniu powstałego materiału Andy postanawia nakręcić film. Od tego dnia zdjęcia w fabryce trwały nieprzerwanie.
twórcza cisza
A lata siedemdziesiąte stały się dla Warhola latami spokoju. Wykonywał portrety dla zamożnych klientów oraz portretował nowych idoli: Lizę Minnelli, Dianę Ross, Johna Lennona i inne gwiazdy. Nadal był najlepiej opłacanym artystą. Nazywali go legendą.
Indywidualne wystawy Andy'ego Warhola odbywały się we Włoszech, Francji, Holandii. A w 1975 odwiedził nawet Moskwę, gdzie otwarto kolekcję ekspozycji sztuki współczesnej.
„Teraz, gdy wszystko zmienia się tak szybko, nie ma prawie szans, aby zachować nienaruszone obrazy swoich fantazji, zanim będziesz gotowy je spełnić”
© Andy’ego Warhola
Jeśli poświęcisz całe swoje życie na zaspokojenie obsesyjnej idei – co z tego wyniknie? Ponieważ amerykański sen ma wiele wspólnego z paranoją. Artysta i twórca pop-artu Andy Warhol w pogoni za sławą próbował wszelkich dostępnych sposobów wyrażania siebie: znamy jego sitodruk, filmy artystyczne, założony przez niego magazyn „Wywiad”. I nawet Marilyn Monroe jest znana wielu w kontekście swojej twórczości. Bez wątpienia jest to człowiek, który zmienił ideę sztuki całego kraju.
Kiedy życie w biednych emigracyjnych dzielnicach ma już za sobą, próżność przestaje być tak silną wadą. Całe życie Warhola było poświęcone promowaniu swojego nazwiska jako marki, a nawet gdy stał się światowej sławy reklamodawcą, to nie wystarczyło. Najbardziej kolorowe plakaty reklamowe są anonimowe, a Warhol szukał czegoś, co w najwyższym stopniu wyniesie jego imię.
Wtedy pojawiła się puszka zupy, która rzuciła świat na kolana. Nie była to pierwsza twórczość Warhola jako artysty, ale z pewnością to ona publicznie ogłosiła początek ery pop-artu. Trzydzieści dwa identyczne obrazy zupy w puszkach Campbella, zawieszone w rzędzie imitujące witrynę sklepową, trafiły do Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Los Angeles i, co zaskakujące, zostały zakupione niemal natychmiast. I tak po raz pierwszy przedmiot jednorazowego użytku umieszczony w białych ścianach muzeum sam stał się eksponatem sztuki.
Nagle świat chętnie zgodził się czcić znaki towarowe, tak jak kiedyś to miało miejsce w przypadku Biblii. Można to nazwać potępieniem stulecia: Warhol nieświadomie kazał Ameryce spojrzeć na siebie. Jednak to, co zobaczyli, nikogo nie przeraziło. Ktoś zareagował na ekstrawagancki rodzaj kreatywności jako nieszkodliwy żart, ktoś po prostu nie rozróżnił granic.
Społeczeństwo lat 60. chętnie przyjęło pragnienie, aby sztuka nie była uciążliwa i poważna. Powielone wizerunki puszek Coca-Coli jako symbol nie tylko epoki, ale i wolności? Łatwo. Pudełko płatków śniadaniowych na honorowym miejscu nad stołem w jadalni? Dlaczego nie? Teraz wielu pozwala sobie na protekcjonalny uśmiech: „Ale to są lata sześćdziesiąte, wtedy tego potrzebowali”. Jednak nawet rzut oka na naszą dekadę wystarczy, aby zobaczyć, że moda i design nadal skutecznie integrują zasady Warhola z masami.
Zasada tego jest fenomenalnie prosta: weź dowolny towar masowej konsumpcji i przedstaw go jako przedmiot intonowania poprzez wielokrotną reprodukcję. Warhol stworzył nawet własną „Fabrykę”, klub bohemy, którego najbliżsi naśladowcy zajmowali się produkcją niekończących się kopii metodą szablonową. W ciągu roku „Fabryka” dała Ameryce i światu tysiące (!) absolutnie identycznych obrazów puszek Coca-Coli, zupy Campbell, dolarów i innych znanych przedmiotów. Na „streamie” umieszczano także portrety znanych osobistości: Audrey Hepburn, Jacqueline Kennedy, a nawet Mao i Lenina, tradycyjnie wykonane w kwaśnych barwach.
„Kiedy Picasso umarł, przeczytałem w czasopiśmie, że stworzył w swoim życiu cztery tysiące arcydzieł, i pomyślałem: „Słuchaj, tyle mogę zrobić w jeden dzień”. Widzisz, biorąc pod uwagę sposób, w jaki je robię w mojej technice, naprawdę myślałem, że mógłbym zrobić cztery tysiące obrazów dziennie. I wszystkie będą arcydziełami, bo to będzie ten sam obraz.”” – napisał Warhol w swojej autobiografii „Od A do B i odwrotnie”.
Oczywiście jeden sitodruk na tysiąc wykonał sam Andy Warhol, ale to nie miało większego znaczenia: czy naprawdę ma znaczenie, kto naciśnie przycisk startu, powiedzmy, płatków śniadaniowych? Filozofia głównego ideologa pop-artu sprawiła, że sztukę, jak każdy inny produkt komercyjny, można wyłożyć na przenośnik taśmowy. Artysta natomiast może działać nie jako siła robocza, ale jako przedsiębiorca. Pod koniec lat 60. w „Fabryce” pojawiła się zagorzała feministka Valerie Solanas i trzykrotnie strzeliła Warholowi w brzuch. Przeżył, ale zmuszony do spędzenia czasu w szpitalu, z satysfakcją odnotował, że stworzył swego rodzaju kinetyczny biznes. Warsztat z powodzeniem kontynuował pracę bez niego.
Dużym błędem byłoby szukanie sensu w tego rodzaju biznesie: sztuka montażu jest całkowicie pozbawiona emocji. I nie jest to bynajmniej atak: sam Andy w wywiadzie na to pytanie „Czy wkładasz emocje w swoją pracę?” wzruszył ramionami ze znudzonym wyrazem twarzy. "NIE". "Ale jak?"- przywódca był oburzony. „Jaką emocję chciałbyś zobaczyć w puszce zupy Campbell’s?” Edie Sedgwick, muza Warhola, uniosła brwi. Sala roześmiała się. Wszyscy rozpaczliwie lubili uznawać pustkę i bezwartościowość istnienia, a także pustkę puszek.
Pomimo pozornej bezsensowności pop-artu, nadal można prześledzić pewną filozofię. Wcześniej nawet prostemu laikowi nie przyszło do głowy, że sztuka może być czymś innym niż pojedynczym dziełem, wykonanym w niepowtarzalny sposób autora. Warhol kazał społeczeństwu kulturalnemu zadać pytanie: dlaczego sztuka nie miałaby być masowa? Pochodzący z rodziny imigrantów był szczególnie przywiązany do głównej idei błogosławionej Ameryki: równości.
„Oglądasz telewizję, widzisz Coca-Colę i wiesz, że prezydent pije Coca-Colę, Liz Taylor pije Coca-Colę i pomyśl tylko, że ty też możesz pić Coca-Colę! Wszystko to jest naprawdę zgodne z amerykańską ideą równości”. stwierdził Warhol.
Rekordy występów „Factory” ustanowione nie tylko na polu artystycznym i wizualnym. Naturalnie „romans z telewizorem”, jak to określił Warhol, przerodził się w produkcję filmową. W ciągu pięciu lat powstało ponad czterysta „Screen Testów” – trzyminutowych filmów, na których przed kamerą siedzieli w milczeniu przyjaciele, znajomi artysty, przypadkowi goście i gwiazdy. "Co muszę zrobić?"– pytanie było często zadawane. "Nic. Po prostu bądź sobą".
W jasnym, kontrastowym świetle i pod szczególną uwagą, niektórzy rozglądali się, inni zaciągali się papierosem. Ktoś ze znudzonym spojrzeniem przykładał szklaną butelkę Coca-Coli, ktoś żuł gumę. Jane Holzer myła zęby. James Rosenquist obrócił się na krześle. Nakręcone ze standardową szybkością filmu, na prośbę Warhola, filmy były wyświetlane z połową szybkości szesnastu klatek na sekundę, co nadało obrazowi nieco magnetyczny charakter. Wobec braku dźwięku, scenariusza i pomysłu charakter bohaterów został bezlitośnie obnażony i ukazany w oderwaniu od obrazów tworzonych lub narzucanych przez dziennikarzy.
Filmy fabularne również były całkowicie warholowskie. Ośmiogodzinny film ukazujący szczyt Empire State Building, pięciogodzinny sen poety Johna Giorno, trzygodzinna opowieść o przygodach nowojorskich prostytutek, półgodzinny film o prowokacyjnym tytule „Blow Job” " pokazujący jedynie zbliżenie mężczyzny stojącego pod ścianą i zapalającego papierosa w dwudziestej piątej minucie. Filmy nie zyskały dużej popularności, ale nie można odmówić im znaczącego wkładu w powstanie kina podziemnego.
Niezależnie od tego, czym pasjonował się Warhol w poszukiwaniu nowych sposobów przyciągania uwagi i poszerzania granic tego, co ogólnie przyjęte, zawsze szczególny nacisk kładziono na serializację, powtarzanie, akumulację. Dosłownie wszystko, co otaczało artystę, znalazło się w zasięgu aparatu 16 mm. Jego polaroidem zrobiono tysiące zdjęć.
Długość taśm zawierających nagrania wszystkich rozmów i osobistych refleksji jest nie do zmierzenia. Życie samo w sobie stało się drobiazgowym przedmiotem kolekcjonerskim. Kiedy pewnego dnia znajomy, który nie dostał roli w nowym, eksperymentalnym filmie, wrócił do domu, przyjął LCD i wyskoczył przez okno, Warhol był oburzony: „Dlaczego mi nic nie powiedział? Moglibyśmy sfilmować jego upadek”.. Dokumentacja fotograficzna, wideo czy audio została poddana bez wyjątku wszystkiemu, co się wydarzyło.
W latach osiemdziesiątych, po śmierci Warhola, dziennikarze niczym sępy zaczęli patroszyć jego życie osobiste, które wcześniej było starannie ukrywane. Jeśli kogokolwiek można określić mianem „dziwnego”, to Warhol jest idealnym kandydatem. Teraz wszyscy chcieli uzyskać wyjaśnienie jego ekscentrycznego wyglądu, radykalnej kreatywności i ekscentrycznych działań. Nagłe odkrycie sześciuset dziesięciu pudełek „śmieci Andy’ego”, jak go nazywali asystenci, gdy nie znali jeszcze ich wartości, było prawdziwą kpiną ze strony tych, którzy postawili sobie za cel opowiedzenie nieco więcej o Warholu. Andy sam wspominał o tych „kapsułach czasu” w swoich pamiętnikach, ale nikt nie mógł sobie wyobrazić, jak ogromną część swojej codzienności zamknął w zwykłych kartonowych pudełkach.
„Wyobraźcie sobie, że studiujecie jego biografię, próbując odnaleźć istotę życia codziennego i czasu, a nagle Warhol daje wam 610 pudełek surowca do pracy. To tak dużo, absurdalna kwota, że nie wszystko jest dopięte na ostatni guzik. I tam znajdziesz skarby. Cienki, rzadki sitodruk na płótnie, jeden z pierwszych, jakie Andy Warhol wykonał jako artysta, został znaleziony w pudełku pełnym nieotwartej poczty, czasopism, płyt Velvet Underground i mapy wyjaśniającej, jak dostać się do miejsca odbywającej się tam imprezy .– napisała niezależna kuratorka z Nowego Jorku Ingrid Schaffner.
„Kapsuły Czasu” są swego rodzaju zbiorową pamięcią lat 70. i 80., ale jednocześnie udowadniają, że życia nie da się w pełni wyjaśnić, tak jak nie ma kolekcji w pełni kompletnej.
To dość ironiczne, że Warhol, który tak bardzo podziwiał celebrytów, nie zauważył, kiedy sam stał się jednym z nich. Znany ilustrator reklamowy, artysta, filmowiec, kolekcjoner, geniusz pop-artu i kina undergroundowego, zyskał sławę większą niż wszystkie jego dzieła. Można to potraktować inaczej: pytanie, co ma dziś prawo nazywać się sztuką, jest dziś bardziej dotkliwe niż kiedykolwiek.
„Mówią, że czas wszystko zmieni, ale za każdym razem okazuje się, że wszystko trzeba zmienić samemu”
© Andy’ego Warhola