Starożytni rzeźbiarze starożytnej Grecji: imiona. Starożytne greckie rzeźby. Najsłynniejsze rzeźby - TOP10 Dbałość o detale

15.07.2019

planowanie wyjazd do Grecji, wiele osób interesuje się nie tylko komfortowymi hotelami, ale także fascynującą historią tego starożytnego kraju, którego integralną częścią są dzieła sztuki.

Wiele traktatów znanych historyków sztuki poświęconych jest konkretnie starożytnej rzeźbie greckiej, jako podstawowej gałęzi kultury światowej. Niestety wiele zabytków z tamtych czasów nie zachowało się w pierwotnej formie i znane są z późniejszych kopii. Studiując je, można prześledzić historię rozwoju greckiej sztuki pięknej od okresu homeryckiego do epoki hellenistycznej oraz wyróżnić najbardziej uderzające i znane dzieła każdego okresu.

Afrodyta z Milo

Słynna na całym świecie Afrodyta z wyspy Milos sięga okresu hellenistycznego w sztuce greckiej. W tym czasie, dzięki staraniom Aleksandra Wielkiego, kultura Hellady zaczęła rozprzestrzeniać się daleko poza Półwysep Bałkański, co znalazło zauważalne odzwierciedlenie w sztukach pięknych - rzeźby, obrazy i freski stały się bardziej realistyczne, a na nich twarze bogów mają ludzkie cechy - zrelaksowane pozy, abstrakcyjny wygląd, delikatny uśmiech.

Posąg Afrodyty lub jak ją nazywali Rzymianie, Wenus, wykonana jest ze śnieżnobiałego marmuru. Jego wysokość jest nieco większa od wzrostu człowieka i wynosi 2,03 metra. Posąg odkrył przypadkowo zwykły francuski żeglarz, który w 1820 roku wraz z miejscowym chłopem odkopał Afrodytę w pobliżu pozostałości starożytnego amfiteatru na wyspie Milos. W czasie transportu i sporów celnych posąg utracił ramiona i cokół, zachowała się jednak wzmianka o autorze wskazanego na nim arcydzieła: Agesander, syn Menidasa, mieszkaniec Antiochii.

Dziś, po gruntownej renowacji, Afrodyta jest wystawiana w Luwrze w Paryżu, co roku przyciągając swoim naturalnym pięknem miliony turystów.

Nike z Samotraki

Powstanie posągu bogini zwycięstwa Nike datuje się na II wiek p.n.e. Badania wykazały, że Nika została zainstalowana nad brzegiem morza na stromym klifie - jej marmurowe ubrania trzepoczą jak na wietrze, a nachylenie ciała reprezentuje ciągły ruch do przodu. Najcieńsze fałdy odzieży okrywają silne ciało bogini, a potężne skrzydła rozpościera się w radości i triumfie zwycięstwa.

Głowa i ręce posągu nie zachowały się, chociaż podczas wykopalisk w 1950 r. odkryto poszczególne fragmenty. W szczególności Karl Lehmann i grupa archeologów znaleźli prawą rękę bogini. Nike z Samotraki jest obecnie jednym z najwybitniejszych eksponatów Luwru. Jej ręka nigdy nie została włączona do ekspozycji ogólnej, renowacji poddano jedynie prawe skrzydło, które było wykonane z gipsu.

Laokoona i jego synów

Kompozycja rzeźbiarska przedstawiająca śmiertelne zmagania Laokoona, kapłana boga Apolla, i jego synów z dwoma wężami wysłanymi przez Apolla w odwecie za to, że Laokoon nie usłuchał jego woli i próbował uniemożliwić przedostanie się konia trojańskiego do miasta .

Posąg wykonano z brązu, jednak jego oryginał nie zachował się do dziś. W XV wieku na terenie „złotego domu” Nerona odnaleziono marmurową kopię rzeźby, która na polecenie papieża Juliusza II została zainstalowana w osobnej niszy watykańskiego Belwederu. W 1798 roku pomnik Laokoona przeniesiono do Paryża, lecz po upadku panowania Napoleona Brytyjczycy przywrócili go na pierwotne miejsce, gdzie stoi do dziś.

Kompozycja, przedstawiająca desperacką, śmiertelną walkę Laokoona z karą boską, zainspirowała wielu rzeźbiarzy późnego średniowiecza i renesansu i dała początek modzie na przedstawianie w malarstwie skomplikowanych, wirowych ruchów ludzkiego ciała.

Zeus z Przylądka Artemizjon

Posąg, znaleziony przez nurków w pobliżu przylądka Artemision, wykonany jest z brązu i jest jednym z nielicznych dzieł sztuki tego typu, które przetrwały do dziś w oryginalnej formie. Badacze nie są zgodni co do tego, czy rzeźba należy konkretnie do Zeusa, wierząc, że może również przedstawiać boga mórz, Posejdona.

Posąg ma 2,09 m wysokości i przedstawia najwyższego greckiego boga, który w słusznym gniewie podniósł prawą rękę, aby rzucić błyskawicę. Sama błyskawica nie zachowała się, ale na podstawie wielu mniejszych figur można ocenić, że miała wygląd płaskiego, bardzo wydłużonego dysku z brązu.

Przez prawie dwa tysiące lat przebywania pod wodą posąg pozostał prawie nieuszkodzony. Brakowało tylko oczu, które prawdopodobnie były wykonane z kości słoniowej i wysadzane drogimi kamieniami. To dzieło sztuki można zobaczyć w Narodowym Muzeum Archeologicznym, które znajduje się w Atenach.

Posąg Diadumena

Marmurowa kopia posągu z brązu przedstawiającego młodzieńca koronującego się diademem – symbolem sportowego zwycięstwa, zdobiła prawdopodobnie miejsce zawodów w Olimpii lub Delfach. Diademem w tym czasie był czerwony wełniany bandaż, który wraz z wieńcami laurowymi był wręczany zwycięzcom igrzysk olimpijskich. Autor dzieła, Poliklet, wykonał je w swoim ulubionym stylu – młody człowiek jest w lekkim ruchu, na jego twarzy widać całkowity spokój i skupienie. Zawodnik zachowuje się jak zasłużony zwycięzca – nie okazuje zmęczenia, choć jego organizm potrzebuje odpoczynku po walce. W rzeźbie autorowi udało się w bardzo naturalny sposób przekazać nie tylko drobne elementy, ale także ogólną pozycję ciała, prawidłowo rozkładając masę postaci. Pełna proporcjonalność bryły jest szczytem rozwoju tego okresu – klasycyzmu V wieku.

Choć oryginał z brązu nie zachował się do dziś, jego kopie można oglądać w wielu muzeach na całym świecie – Narodowym Muzeum Archeologicznym w Atenach, Luwrze, Metropolitan, czy British Museum.

Afrodyta Braschi

Marmurowy posąg Afrodyty przedstawia boginię miłości obnażającą się przed zażyciem legendarnej, często mitycznej kąpieli, która przywraca jej dziewictwo. Afrodyta trzyma w lewej ręce zdjęte ubrania, które delikatnie opadają na stojący nieopodal dzban. Z inżynierskiego punktu widzenia rozwiązanie to zwiększyło stabilność kruchego posągu i dało rzeźbiarzowi możliwość nadania mu bardziej zrelaksowanej pozy. Wyjątkowość Afrodyty Brasca polega na tym, że jest to pierwszy znany posąg bogini, którego autor postanowił przedstawić ją nago, co kiedyś uważano za niesłychaną śmiałość.

Istnieją legendy, według których rzeźbiarz Praksyteles stworzył Afrodytę na obraz swojej ukochanej, hetera Fryne. Gdy dowiedział się o tym jej dawny wielbiciel, mówca Euthyas, wywołał skandal, w wyniku którego Praksyteles został oskarżony o niewybaczalne bluźnierstwo. Na rozprawie obrońca, widząc, że jego argumenty nie zadowalają sędziego, zdarł z Phryne ubranie, aby pokazać obecnym, że tak doskonała sylwetka modelki po prostu nie może kryć mrocznej duszy. Sędziowie, będący zwolennikami koncepcji kalokagathii, zmuszeni byli do całkowitego uniewinnienia oskarżonych.

Oryginalny posąg przewieziono do Konstantynopola, gdzie zginął w pożarze. Do dziś zachowało się wiele kopii Afrodyty, ale wszystkie różnią się między sobą, ponieważ zostały zrekonstruowane na podstawie ustnych i pisemnych opisów oraz wizerunków na monetach.

Maraton młodzieży

Posąg młodzieńca wykonany jest z brązu i rzekomo przedstawia greckiego boga Hermesa, choć w rękach i ubraniu młodzieńca nie widać żadnych przesłanek ani jego atrybutów. Rzeźbę wydobyto z dna Zatoki Maratonskiej w 1925 roku i od tego czasu znajduje się na wystawie Narodowego Muzeum Archeologicznego w Atenach. Ze względu na to, że posąg znajdował się pod wodą, wszystkie jego elementy zachowały się w bardzo dobrym stanie.

Styl, w jakim wykonano rzeźbę, zdradza styl słynnego rzeźbiarza Praksytelesa. Młody człowiek stoi w pozycji zrelaksowanej, dłoń opiera o ścianę, przy której ustawiona była postać.

Dyskobolista

Posąg starożytnego greckiego rzeźbiarza Myrona nie zachował się w swojej pierwotnej formie, ale jest powszechnie znany na całym świecie dzięki swoim kopiom z brązu i marmuru. Rzeźba jest wyjątkowa, ponieważ jako pierwsza przedstawia osobę w złożonym, dynamicznym ruchu. Tak odważna decyzja autora stała się uderzającym przykładem dla jego naśladowców, którzy z nie mniejszym sukcesem stworzyli dzieła sztuki w stylu „Figura serpentinata” – specjalnej techniki przedstawiającej osobę lub zwierzę w często nienaturalnym, napiętym , ale bardzo wyrazista z punktu widzenia obserwatora poza.

Delficki woźnica

Brązowa rzeźba woźnicy została odkryta podczas wykopalisk w 1896 roku w Sanktuarium Apolla w Delfach i jest klasycznym przykładem sztuki starożytnej. Figura przedstawia starożytnego greckiego młodzieńca prowadzącego wóz Gry Pytyjskie.

Wyjątkowość rzeźby polega na tym, że zachowała się inkrustacja oczu kamieniami szlachetnymi. Rzęsy i usta młodzieńca ozdobione są miedzią, a opaska na głowę wykonana jest ze srebra i prawdopodobnie również posiadała inkrustację.

Czas powstania rzeźby teoretycznie przypada na styk archaizmu i wczesnej klasyki – jej pozę charakteryzuje sztywność i brak jakiegokolwiek śladu ruchu, natomiast głowa i twarz wykonane są z dość dużym realizmem. Podobnie jak w późniejszych rzeźbach.

Atena Partenos

Majestatyczny posąg bogini Ateny nie zachował się do dziś, istnieje jednak wiele jego kopii, odrestaurowanych zgodnie ze starożytnymi opisami. Rzeźba została wykonana w całości z kości słoniowej i złota, bez użycia kamienia czy brązu, i stała w głównej świątyni Aten – Partenonie. Charakterystyczną cechą bogini jest wysoki hełm ozdobiony trzema herbami.

Historia powstania posągu nie była pozbawiona fatalnych momentów: na tarczy bogini rzeźbiarz Fidiasz, oprócz obrazu bitwy z Amazonkami, umieścił swój portret w postaci słabego starca, który podnosi ciężki kamień obiema rękami. Ówczesna opinia publiczna dwuznacznie oceniła czyn Fidiasza, który kosztował go życie - rzeźbiarz został uwięziony, gdzie popełnił samobójstwo za pomocą trucizny.

Kultura grecka stała się założycielem rozwoju sztuk pięknych na całym świecie. Nawet dzisiaj, patrząc na niektóre współczesne obrazy i posągi, można dostrzec wpływ tej starożytnej kultury.

Starożytna Hellas stała się kolebką, w której aktywnie kultywowano kult ludzkiego piękna w jego fizycznych, moralnych i intelektualnych przejawach. Mieszkańcy Grecji tamtych czasów nie tylko czcili wielu bogów olimpijskich, ale także starali się jak najbardziej do nich upodobnić. Wszystko to znajduje odzwierciedlenie w posągach z brązu i marmuru - nie tylko przekazują wizerunek osoby lub bóstwa, ale także zbliżają je do siebie.

Choć wiele z posągów nie zachowało się do czasów współczesnych, ich dokładne kopie można oglądać w wielu muzeach na całym świecie.

Stolica Athos Karea

Karea (słowiańska nazwa Karen) jest stolicą państwa klasztornego Athos. Założona w IX wieku jest osadą składającą się z budynków klasztornych, położoną w centrum półwyspu Athos. Historycznie określane pod różnymi nazwami, takimi jak „Karean Lavra”, „Karean Skete”, „Królewski Klasztor Najświętszych Theotokos of Karey” itp.

Saloniki w Grecji. Historia, zabytki (część piąta)

W Górnym Mieście Saloniki, na stromych zboczach górskich o wysokości 130 m, wznosi się klasztor Vlatadon. Położone jest w bardzo malowniczym miejscu - z jego dziedzińca rozpościera się piękny widok na miasto i bezkresne morze, nad którym przy dobrej pogodzie widać zarys majestatycznego Olimpu. Pawie od dawna zamieszkują dziedziniec klasztoru i w pewnym sensie stały się wizytówką Vlatadona.

wojna trojańska

Troja, miasto, którego istnienie przez wiele wieków powątpiewano, uważając je za wytwór wyobraźni twórców mitów, położona była nad brzegiem rzeki Helespont, zwanej obecnie Dardanelami. Cudowna legenda, której poświęcono wiele domysłów, domysłów, sporów, badań naukowych, wykopalisk archeologicznych, znajdowała się kilka kilometrów od wybrzeża, a na jej miejscu znajduje się obecnie niczym nie wyróżniające się tureckie miasto Hisarlyk.

dieta śródziemnomorska

Wakacje w Grecji

Wybitni rzeźbiarze V-IV wieku. PNE.

Pierwsi.

Rzeźba oczami Greków

Cechy dziedzictwa rzeźbiarskiego starożytnej Grecji.

Czas był szczególnie nieubłagany dla dzieł rzeźby greckiej. Dotarł do nas jedyny autentyczny grecki posąg z brązu epoki klasycznej – Delficki woźnica(ok. 470 pne ., Muzeum w Delfach ) (il. 96) i jedyny marmurowy posąg z tej samej epoki - Hermes z małym Dionizosem Praksyteles (Muzeum Olimpii) (il. 97). Oryginalne rzeźby z brązu zanikły już u schyłku starożytności (nalewane na monety, dzwony i późniejszą broń). Marmurowe posągi spalono wapnem. Zginęły prawie wszystkie greckie produkty wykonane z drewna, kości słoniowej, złota i srebra. Można zatem oceniać twórczość wielkich mistrzów, po pierwsze, po późniejszych kopiach, po drugie, przedstawioną w innym materiale niż ten w którym zostały poczęte.

Rzeźbiarskim obrazem dla Greków nie była tylko pewna bryła marmuru czy brązu, w której z łatwością można było rozpoznać mężczyznę, kobietę, młodzieńca itp. Całe myślenie artystyczne Greków było przeniknięte chęcią utożsamienia się z rzeźbą i architekturą prawa ogólne proporcje i harmonia, pragnienie rozsądnego piękna.

Dla przedstawicieli szkoły filozoficznej założonej przez Pitagorasa natura jest mimesis– imitacja harmonicznych układów liczbowych uwarunkowanych przez świat ludzki. Z kolei sama sztuka jest w pewnym stopniu mimesis natury, czyli naśladownictwem zarówno w sensie symulowania jej widocznej powłoki czy poszczególnych zjawisk, jak i w sensie ukazywania jej harmonijnej struktury. Oznacza to, że posąg był jednocześnie mimesis: podążając za naturą, wyrażał ukrytą harmonię wymiarowych relacji liczbowych, ujawniał racjonalność, strukturę itp. tkwiącą w Kosmosie i naturze. Dlatego dla Greka posąg nie tylko odtwarzał widoczną powłokę obrazu osoby, ale także harmonię, rozsądną proporcjonalność, piękno i porządek zawartego w nim świata.

„...Rzeźbiarze, tworząc bogów dłutem, wyjaśniali świat. Jakie jest to wyjaśnienie? Oto wyjaśnienie bogów poprzez człowieka. Rzeczywiście, żadna inna forma nie oddaje lepiej niewidzialnej i niezaprzeczalnej obecności bóstwa w świecie niż ciało mężczyzny i kobiety”, piękno ludzkiego ciała z nieskazitelną doskonałością wszystkich jego części, z jego proporcjami - to to najpiękniejsza rzecz, jaką człowiek może ofiarować nieśmiertelnym bogom, kierując się zasadą: najpiękniejsze - bogom.

Najwcześniejszy Za pomniki uważa się tzw xanas ( od słowa ociosany)– bożki rzeźbione z drewna .

Jeden z pierwszych zachowane greckie posągi – Hera z Samos, OK. połowa VI wieku PNE. (Paryż, Luwr).

Pierwszy był ateńskim rzeźbiarzem, o którym wiemy Antenor, rzeźbione marmurowe posągi Harmodiusza i Arystogeitona, którzy zabili tyrana Hipparcha w 514 rpne, wystawione na akropolu. Posągi zostały zabrane przez Persów podczas wojen grecko-perskich. W 477 p.n.e. Critias i Nesiod odtworzyli rzeźbiarską grupę tyranobójców (il. 98).

Pierwszy, któremu udało się w rzeźbie przenieść środek ciężkości ciała na jedną nogę i nadać bardziej naturalną pozę i gest postaci ludzkiej, był kierownikiem szkoły rzeźbiarskiej w Argos Agelad(6-5 wieków pne). Dzieła rzeźbiarza nie zachowały się.

kreacja pierwsza latająca postać przypisywany rzeźbiarzowi z połowy VI wieku. PNE. z wyspy Chios Arhermu. Wyrzeźbił posąg skrzydlatej Nike z Delos, uosabiającej zwycięstwo w bitwie i rywalizacji. Stopy Niki nie dotykały cokołu – rolę stojaka pełniły fałdy trzepoczącej tuniki.

Poliklet. Żył w drugiej połowie V wieku. PNE. Uważano, że najlepiej radzi sobie z wykonywaniem posągów ludzkich. „...Był Pitagorasem rzeźby, poszukującym boskiej matematyki proporcji i formy. Uważał, że wymiary każdej części doskonałego ciała należy odnieść w danej proporcji do wymiarów jakiejkolwiek innej jego części, np. palca wskazującego. Uważa się, że w swojej pracy teoretycznej „Kanon” („Miara”) Poliklet uogólnił główne prawa rzeźbiarskiego obrazu osoby i rozwinął prawo idealnych proporcji proporcjonalnych ciała ludzkiego. Po zastosowaniu swojej teorii we własnej twórczości (np. w posągu „Dorifor” („Włócznik”) (il. 99, 99-a), który cieszył się największą sławą w starożytności), rzeźbiarz stworzył nowy plastikowy język oparty na harmonii fizycznej, na idei postaci ludzkiej jako doskonałego mechanizmu, w którym wszystkie części są ze sobą funkcjonalnie powiązane.

Odkrycie Polikleitosa w rzeźbie to skrzyżowanie nierównomiernego ruchu ciała (o tym później).

Diadumen (grecki) zwieńczony wstęgą zwycięstwa) (ryc. 100).

MIRON. Urodzony w Eleuther (Boeotia), mieszkał w Atenach. Tworzył rzeźby dla ateńskiego Akropolu, świątyń w Delfach i Olimpii.

· Około roku 470 odlał w brązie najsłynniejszy ze wszystkich posągów sportowców – posąg Dyskoteka Lub Dyskobolista(Muzeum Termalne, kopia) (il. 101); „to całkowity cud męskiej budowy ciała: wszystkie ruchy mięśni, ścięgien i kości biorące udział w działaniu ciała są tutaj dokładnie badane: nogi…”; Miron „... kontemplował sportowca nie przed ani po zawodach, ale w momentach samych zmagań i swój plan w brązie zrealizował tak dobrze, że żaden inny rzeźbiarz w historii nie mógł go przewyższyć, przedstawiając męskie ciało w akcji”. Dyskobolista- to pierwsza próba przekazania ruchu nieruchomemu posągowi: w rzeźbie Myronowi udało się uchwycić ruch jego ręki przed rzuceniem dyskiem, kiedy cały ciężar ciała skierowany jest na prawą nogę, a lewą rękę utrzymuje sylwetkę w równowadze. Technika ta umożliwiła oddanie ruchu form, co pozwala widzowi prześledzić zmianę punktów widzenia.

Dyskobolista- jedyne zachowane (kopia) dzieło rzeźbiarza.

Starożytni uznawali, że Fidiasz najlepiej przedstawiał posągi bogów.

· Około 438 r. syn artysty Fidiasz stworzył słynną statuę „Atena Partenos” (Dziewica Atena). Na 1,5-metrowym marmurowym cokole w Świątyni Ateny Miasta (Partenon) na ateńskim Akropolu stał prawie 12-metrowy posąg bogini mądrości i czystości (il. 95). Fidiasz był jednym z pierwszych rzeźbiarzy, którzy zastosowali innowację z V wieku. BC, – cokół z płaskorzeźbą (scena narodzin Pandory). Fidiasz wykazał się wielką odwagą, wybierając na 160-metrowy fryz rzeźbiarski świątyni nie temat mitologiczny, ale obraz procesji panatenajskiej (gdzie sam lud ateński jest równorzędnym partnerem bogów zajmujących centralną część kompozycji) . Pod kierunkiem Fidiasza i częściowo samodzielnie wykonano dekorację rzeźbiarską. Rzeźbę umieszczono także na frontonach, wzdłuż fryzu zewnętrznej ściany wnętrza.

Oskarżony przez swoich ateńskich wrogów o kradzież Fidiasz został skazany, jednak mieszkańcy Olimpii wpłacili kaucję za mistrza pod warunkiem, że stworzy on posąg Zeusa dla świątyni o tej samej nazwie w słynnym sanktuarium. Tak pojawił się 18-metrowy posąg siedzącego boga piorunów. Na liście „cudów świata” sporządzonej w II wieku. PNE. Drugie miejsce zajął Antypator Sydonu, posąg Zeusa Olimpijskiego. O tym wybitnym zabytku wspominało ponad sześćdziesięciu (!) pisarzy starożytności. Grecki filozof Epiktet radził wszystkim, aby udali się do Olimpii, aby zobaczyć posąg Zeusa, ponieważ nazwał prawdziwym nieszczęściem umrzeć i nie zobaczyć go. Ponad pięć wieków później słynny rzymski mówca Kwintylian napisał: „Piękno posągu wprowadziło nawet coś do ogólnie przyjętej religii, gdyż wielkość stworzenia była godna Boga”.

Uważa się, że posąg Zeusa Olimpijskiego został powtórzony przez anonimowego rzeźbiarza rzymskiego, tworząc posąg Jowisza, przechowywany obecnie w Ermitażu (il. 102).

Los obu pomników jest smutny, ale zdecydowanie nieznany; istnieją informacje, że obaj zostali wywiezieni już w czasach chrześcijańskich do Konstantynopola, Zeus spłonął w pożarze pod koniec V wieku i Atena zmarł na początku XIII w.

Nie ma dokładnych informacji o losach Fidiasza.

PRAKSITEL.

OK. 390-330 PNE. Syn rzeźbiarza, Joński Praksyteles, pracował zarówno w marmurze, jak i brązie, do tego stopnia, że o zamówienia mistrza rywalizowało ponad dziesięć miast.

· Pierwsza starożytna greka nagi Hellenowie z całego Morza Śródziemnego przybywali, aby zobaczyć posąg bogini „Afrodyty z Knidos” (il. 103). Krążyła plotka, że patrząc na kanon kobiecego piękna, jaki już wtedy obowiązywał, mężczyźni popadli w „miłosne szaleństwo”. „…Przede wszystkim dziełami nie tylko Praksytelesa, ale i tych istniejących we wszechświecie w ogóle jest Wenus jego dzieła…” – pisał niemal cztery wieki później rzymski Pliniusz Starszy.

· O drugim, najsłynniejszym posągu - „Hermes z Dzieciątkiem Dionizosem”(il. 97) – zostało już powiedziane na samym początku pytania. Według mitu na rozkaz zazdrosnej Hery tytani porwali nieślubnego syna Zeusa Dionizosa i rozerwali go na kawałki. Babcia Dionizosa Rei przywróciła do życia wnuka. Aby ocalić syna, Zeus poprosił Hermesa, aby tymczasowo przemienił Dionizosa w koźlę lub baranka i przekazał go pięciu nimfom na wychowanie. Rzeźbiarz przedstawił Hermesa w chwili, gdy kierując się w stronę nimf, zatrzymał się, opierając się o drzewo i ofiarował małemu Dionizosowi kiść winogron (ręka posągu zaginęła). Dziecko umieszczono w jaskini na górze Nysa i tam Dionizos wynalazł wino.

Szczególnie zauważamy, że uczniowie Praksytelesa godnie kontynuowali dzieło swojego nauczyciela (il. 107).

Zaczynał jako prosty kotlarz w Sicyonie, a skończył jako nadworny rzeźbiarz Aleksandra Wielkiego. Jak wierzono w starożytności, autor półtora tysiąca posągów. Ustanowił nowy kanon rzeźbiarskich proporcji postaci, wprowadzając lekkie wydłużone proporcje i zmniejszając wielkość głowy. Lysippos zwykł mawiać, że dawni artyści „...przedstawiają ludzi takimi, jakimi są, a on – takimi, jakimi wydają się być”.<глазу>».

· „Apoxiomen” („Oczyszczanie”) (il. 108) - młody mężczyzna za pomocą skrobaczki oczyszcza się z oleju i piasku po wysiłku fizycznym.

Inne znane na całym świecie rzeźby i grupy rzeźb

· Wenus z Milo(il. 109). Epitet „Milo” wynika z faktu, że posąg odnaleziono na wyspie Milo w 1820 roku. Sam posąg, wysoki na ponad dwa metry, pochodzi z końca II wieku. BC, jest „przeróbką” posągu Praksytelesa.

· Nike z Samotraki(il. 110). Znaleziono w XIX wieku. na wyspie Samotraka. Posąg pochodzi z okresu około 190 roku p.n.e., kiedy to Grecy z wyspy Rodos odnieśli serię zwycięstw nad Antiochem III.

· „Laokoon”(il. 111).

Na przełomie II-I w. PNE. trzej rzeźbiarze - Agesander i jego synowie Polydor i Athenodorus - wyrzeźbili „z jednego kamienia” grupę rzeźb, która już w starożytności uważana była za „dzieło, które należy preferować nad wszelkimi dziełami zarówno malarstwa, jak i sztuki rzeźby w miedzi”.

Fabuła „Śmierci Laokoona i jego synów” związana jest z najsłynniejszym epizodem wojny trojańskiej. Jak wiadomo, Grecy, aby przedostać się do obleganego przez siebie miasta, zbudowali ogromnego, wydrążonego drewnianego konia, na który wspięło się kilkudziesięciu żołnierzy. Do Troi wysłano zwiadowcę wyszkolonego przez Odyseusza, który zwrócił się do króla Priama z przepowiednią: „... Jeśli pogardzasz tym świętym posągiem, Atena cię zniszczy, ale jeśli posąg wyląduje w Troi, to ty móc zjednoczyć wszystkie siły Azji, najechać Grecję i podbić Mykeny”. „To wszystko kłamstwo! To wszystko wymyślił Odyseusz” – zawołał Laokoon, kapłan świątyni Posejdona. Bóg Apollo (który był zły na Laokoona, że wbrew jego przysiędze się ożenił i miał dzieci), aby ostrzec Troję przed czekającym ją smutnym losem, zesłał dwa ogromne węże morskie, które najpierw udusiły bliźniaczych synów Laokoona, a potem, gdy pospieszył im z pomocą, i siebie. Ten straszny znak przekonał Trojan, że grecki zwiadowca mówił prawdę, a król Troi błędnie sądził, że Laokoon został ukarany za wbicie włóczni w drewnianego konia. Konia poświęcono Atenie, a Trojanie zaczęli ucztować, świętując swoje zwycięstwo. Wiadomo dalej: o północy przy ogniskach sygnałowych Grecy zsiedli z konia i zabili śpiących strażników twierdzy i pałacu Troi.

Oprócz mistrzostwa kompozycyjnego i doskonałości technicznej, ucieleśnienie gustów nowej ery - nowy był hellenizm: starzec, dzieci, bolesna walka, umierające jęki…

Kiedy w 1506 roku w ruinach łaźni cesarza Tytusa w Rzymie odnaleziono „Laokoona”, Michał Anioł powiedział, że jest to najlepszy posąg na świecie i zszokowany, bezskutecznie próbował… przywrócić złamaną prawą rękę centralnego postać. Sukces towarzyszył Lorenzo Berniniemu.

El Greco stworzył obraz oparty na fabule Laoocony. Winckelmanna, Lessinga, Goethego.

· Byk Farnese(il. 112, 113, 114, 115). Około 150 roku p.n.e w mieście Thralls, w Caria, bracia rzeźbiarze Apoloniusz i Tauriscus odlali grupę z brązu dla mieszkańców wyspy Rodos, znanej obecnie jako Byk Farnese(znaleziony w Termach Karakalli w Rzymie, odrestaurowany przez samego Michała Anioła i przechowywany przez pewien czas w pałacu Farnese). Według jednej wersji mitu Antiope, córka króla Teb Nyktajosa, zaszła w ciążę z Zeusem i uciekła przed gniewem ojca do króla Sikionu, który ją poślubił, co wywołało wojnę między obydwoma miastami. Tebańczycy zwyciężyli, a wuj Antiope sprowadził Antiope z powrotem do domu. Tam urodziła dwójkę bliźniaków, które natychmiast odebrał jej wspomniany wujek. W Tebach została niewolnicą swojej ciotki Dirki, która traktowała ją okrutnie. Antiope, nie mogąc znieść więzienia, zdołała uciec i spotkać się z dorosłymi synami, którzy brutalnie ukarali Dirkę: przywiązali ją do rogów dzikiego byka, który natychmiast się z nią rozprawił – pod aprobującym okiem zadowolonej Antiope. Dzieło wyróżnia się wirtuozerią w oddawaniu różnych kątów i dokładnością budowy anatomicznej figur.

· Kolos z Rodos.

Tak nazywał się posąg boga Heliosa na wyspie Rodos. Syn jednego z dowódców macedońskiego Antygona, Demetriusz, oblegał Rodos przy użyciu 7-piętrowych wież bojowych, ale został zmuszony do odwrotu, porzucając cały sprzęt wojskowy. Według opowieści Pliniusza Starszego, mieszkańcy wyspy otrzymali z jej sprzedaży fundusze, za które około 280 roku p.n.e. zbudowali ją obok portu. największy posąg starożytnego świata - 36-metrowy bóg słońca Helios autorstwa architekta Charesa, ucznia Lysipposa. Rodyjczycy czcili Heliosa jako patrona wyspy wyniesionej przez bogów z dna morza, a stolica Rodos była jego świętym miastem. Filon z Bizancjum podał, że do wykonania posągu zużyto 13 ton brązu i prawie 8 ton żelaza. Według badań angielskiej uczonej i rzeźbiarki Marion posąg nie został odlany. Jej podstawą były trzy masywne filary postawione na czworokątnych płytach kamiennych i spięte żelaznymi pasami; Od filarów promieniowały we wszystkich kierunkach żelazne pręty, do których zewnętrznych końców przymocowano żelazną ramę - otaczały one kamienne filary w równych odległościach, zamieniając je w ramę. Posąg budowano kawałek po kawałku z glinianego modelu przez ponad dziesięć lat. Według rekonstrukcji Helios miał na głowie koronę w postaci promieni słonecznych, prawą rękę przykładał do czoła, a lewą ręką trzymał płaszcz, który opadał na ziemię i służył jako punkt podparcia. Kolos zawalił się podczas trzęsienia ziemi w 227 (222) p.n.e., a jego fragmenty leżały przez ponad osiem wieków, aż Arabowie załadowali je na 900 (!) wielbłądów i wywieźli „materiały budowlane” na sprzedaż.

· Paeonia należy do posągu bogini Nike (ok. połowa V w. p.n.e.): postać jest pochylona lekko do przodu i równoważona dużym, falującym płaszczem w jaskrawych kolorach (il. 116).

Rzeźba grecka pozostawała w ścisłym związku z architekturą, harmonijnie współistniała. Artyści nie starali się odsuwać pomnika zbyt daleko od budynków. Grecy unikali stawiania pomników na środku placu. Zwykle umieszczano je wzdłuż jej krawędzi lub krawędzi świętej drogi, na tle budynku lub pomiędzy kolumnami. Ale w ten sposób pomnik nie był dostępny do ominięcia i wszechstronnego przeglądu.

Rzeźba Hellady utrzymywała ścisły i harmonijny związek z architekturą. Posągi Atlantydów (ryc. 117) i kariatydy (ryc. 56) zastąpiły kolumny lub inne pionowe wsporniki podtrzymujące belkowy strop.

Atlanta– posągi męskie podtrzymujące sufity budynków przymocowane do ściany. Według mitów grecki tytan, brat Prometeusza, miał utrzymać niebo na skrajnym zachodnim krańcu Ziemi w ramach kary za udział w walce tytanów z bogami.

Kariatyda- rzeźbiarski wizerunek stojącej postaci kobiecej. Jeśli na głowie posągu znajdował się kosz kwiatów lub owoców, wówczas nazywano go kanefora(od łac. nosiciel kosza). Pochodzenie słowa „kariatyda” wywodzi się albo od kariatyd – kapłanek świątyni Artemidy w Carii (Kariatyda to także imię nadane księżycowej matce Artemis Caria).

Wreszcie harmonia i koordynacja architektury i rzeźby przejawiała się w dekoracyjnym wykorzystaniu tej ostatniej. Są to metopy zdobione płaskorzeźbami (przęsła między belkami, których końce zamaskowane są tryglifami) (il. 117) oraz frontony z grupami rzeźb (il. 118, 119). Architektura stanowiła ramę dla rzeźby, a sam budynek został wzbogacony organiczną dynamiką rzeźby.

Rzeźby umieszczano na cokołach budynków (Ołtarz Pergamoński) (il. 120, 121), na podstawach i kapitelach kolumn (il. 11), na stelach nagrobnych (il. 122, 123) oraz wewnątrz podobnych stel (il. 122, 123). .68-n), pełniły funkcję stojaków na artykuły gospodarstwa domowego (il. 124, 125).

Były też posągi nagrobne (il. 68-c, 68-d).

Geneza i przyczyny cech rzeźby greckiej

Materiał i jego obróbka

Jednym z niezwykłych przykładów rzeźby z terakoty są figurki gatunkowe i nagrobne odnajdywane w grobach w pobliżu Tanagry (il. 126, 127), miasta we wschodniej Beocji. Terakota(z włoskiego terra – ziemia/glina i cotta – wypalane) nazywane są nieszkliwionymi wyrobami ceramicznymi i mają szerokie zastosowanie. Wysokość figurek wynosi od 5 do 30 centymetrów. Rozkwit tworzenia figurek przypada na III wiek. PNE.

Wykorzystanie kości słoniowej w dziełach sztuki ma długą tradycję w świecie greckim. W okresie klasycznym pojawiła się technika łączenia złota i kości słoniowej – chryzoelefantyna. W szczególności zawiera posągi Fidiasza - Ateny w Partenonie (il. 128) i Zeusa w Olimpii. Na przykład podstawa posągu Ateny została wyrzeźbiona z litego drewna, większość powierzchni pokryta była złotem, części przedstawiające nagie ciało i egidę pokryto płytkami z kości słoniowej. Do drewnianej podstawy przymocowano łuskowate płytki (o grubości około 1,5 mm) obracające się na prętach i można je było usunąć. Kość słoniowa, podobnie jak złoto, została przymocowana do drewnianych łusek. Wszystkie poszczególne części rzeźby – głowa, tarcza, wąż, włócznia, hełm – powstały osobno i przymocowane do podstawy posągu, ustawionej wcześniej i osadzonej na drewnianym cokole, wpuszczonym w kamienny cokół (ryc. 95). .

Twarz i ręce posągu Zeusa Olimpijskiego z wieńcem na głowie, Nike (Zwycięstwo) w prawej ręce i berłem z orłem w lewej zostały wykonane z kości słoniowej, a ubrania i buty ze złota. Aby chronić kość słoniową przed uszkodzeniami spowodowanymi wilgotnym klimatem Olimpii, kapłani obficie smarowali ją olejem.

Oprócz kości słoniowej do części wykorzystano wielokolorowe materiały. Na przykład gałkę oczną wykonywano z kolorowego kamienia, szkła lub srebra z granatową źrenicą (il. 129). Wiele posągów nadal ma wywiercone otwory do mocowania wieńców, wstążek i naszyjników.

Od VII wieku p.n.e. Grecy używali już marmuru (il. 130). Rzeźbiarze często dążyli do swobodnych póz i ruchów, ale obiektywnie były one nieosiągalne w jednym kawałku marmuru. Dlatego często spotyka się posągi składające się z kilku części. Korpus słynnej Wenus z Milo (il. 75) został wyrzeźbiony z marmuru pochodzącego z wyspy Paros, część ubrana została wykonana z innego rodzaju kamienia, ramiona wykonano z oddzielnych części, mocowanych metalowymi klamrami.

System obróbki kamienia.

W okresie archaicznym najpierw nadano bryle kamienia czworościenny kształt, a na jego płaszczyznach rzeźbiarz narysował rzut przyszłego posągu. Następnie zaczął rzeźbić jednocześnie z czterech stron, w warstwach pionowych i płaskich. Miało to dwie konsekwencje. Po pierwsze, posągi wyróżniały się całkowicie nieruchomą, prostą pozą, bez najmniejszego obrotu wokół własnej osi pionowej. Po drugie, niemal wszystkie archaiczne posągi mają na twarzy uśmiech, zupełnie niezależny od sytuacji, jaką przedstawia posąg (il. 131, 132). To dlatego, że metoda przetwarzanie twarzy jako płaszczyzny położonej pod kątem prostym do dwóch pozostałych płaszczyzn głowy doprowadziło do tego, że rysy twarzy (usta, kontur oczu, brwi) zostały zaokrąglone nie w głąb, ale ku górze.

O konstrukcji archaicznej postaci w dużej mierze decyduje metoda pracy rzeźbiarza – wstępne przygotowanie prostokątnego bloku kamienia – nie pozwalało to jednak na przedstawienie postaci np. z uniesionymi ramionami.

Drugi sposób obróbki kamienia związany jest z przejściem od archaicznego do klasycznego i stał się dominujący w rzeźbie greckiej. Istotą metody jest chęć ustalenia objętości ciała, jego krzywizn i przejść. Rzeźbiarz zdawał się chodzić swoim dłutem po całym posągu. Uderzenia archaiki układane były w pionowych rzędach, ciosy klasyków sięgały w głąb, układały się okrągło, po przekątnej w połączeniu ze zwojami, występami i kierunkami formy.

Stopniowo posąg zwrócił się w stronę widza nie tylko z prostą twarzą i profilem, ale także z bardziej złożonymi obrotami w trzech czwartych, nabrał dynamiki i zaczął wydawać się obracać wokół własnej osi. Stała się posągiem, który nie miał tyłu, którego nie można było oprzeć o ścianę ani wstawić we wnękę.

Rzeźba z brązu.

W okresie klasycznym wyrzeźbienie w marmurze nagiej postaci z swobodnie wyciągniętą nogą bez specjalnego wsparcia było bardzo trudne. Dopiero brąz pozwolił na nadanie figurze dowolnej pozycji. Większość starożytnych mistrzów odlała go z brązu (il. 133, 134). Jak?

Zastosowaną metodą odlewania był proces zwany „woskiem traconym”. Figurę uformowaną z gliny pokryto grubą warstwą wosku, następnie warstwą gliny z wieloma otworami, przez które wypływał roztopiony w piecu wosk; Od góry formę wypełniono brązem, aż metal wypełnił całą przestrzeń zajmowaną wcześniej przez wosk. Posąg ochłodzono i usunięto górną warstwę gliny. Na koniec przeprowadzono szlifowanie, polerowanie, lakierowanie, malowanie lub złocenie.

Oczy posągu z brązu inkrustowano szklistą pastą i kolorowym kamieniem, a fryzury lub dekoracje wykonywano ze stopu brązu o innym odcieniu; usta często złocono lub pokrywano złotymi płytkami.

Wcześniej, na przełomie VII-VI w. p.n.e., ze względu na potrzebę oszczędzania brązu, w Grecji rozpowszechniła się technika wykonywania posągów, kiedy drewniane figury przybijano blachami z brązu. Podobna technika była znana na Wschodzie, zamiast brązu używano tylko złota.

Polichromować.

Grecy malowali odsłonięte części korpusu rzeźb w kolorze cielistym, ubrania w kolorze czerwonym i niebieskim, a broń w kolorze złotym. Oczy zostały namalowane na marmurze.

Zastosowanie materiałów kolorowych w rzeźbie. Oprócz połączenia złota i kości słoniowej Grecy używali wielobarwnego materiału, ale głównie w detalach. Na przykład gałka oczna była wykonana z kolorowego kamienia, szkła lub srebra z granatową źrenicą. Wargi posągu z brązu były często złocone lub pokryte złotymi płytkami. Wiele greckich posągów ma wywiercone otwory do mocowania wieńców, wstążek i naszyjników. Figurki Tanagry były w całości pomalowane, zwykle w odcieniach fioletu, błękitu i złota.

Rola kompozycji plastycznej.

Przez cały czas jednym z najważniejszych problemów stojących przed rzeźbiarzem było obliczenie kształtu i wielkości cokołu oraz dopasowanie posągu i cokołu do krajobrazu i oprawy architektonicznej.

Hellenowie na ogół preferowali niezbyt wysokie cokoły. W V wieku PNE. jego wysokość zwykle nie przekraczała poziomu klatki piersiowej osoby średniej wielkości. W następnym stuleciu cokoły miały najczęściej kształt schodkowy, złożony z kilku poziomych płyt.

Rzeźbiarz już na początku swojej pracy musiał wziąć pod uwagę punkt widzenia, z którego będzie postrzegany posąg, optyczną relację pomiędzy posągiem a widzem. W ten sposób rzemieślnicy dokładnie obliczyli efekt optyczny posągów umieszczonych na frontonie. Na Partenonie skrócono dolną część postaci siedzących posągów i wydłużono górną część ciała. Jeśli postać znajdowała się w ostrym przechyleniu, wówczas jej ręce i nogi ulegały skróceniu lub wydłużeniu, w zależności od pozycji sylwetki.

Motywy ruchu w rzeźbie

Rzeźba archaiczna znała tylko jeden rodzaj ruchu – ruch działania. Uzasadniało to motyw jakiegoś działania: bohater rzuca dyskiem, bierze udział w bitwie, zawodach itp. Jeśli nie ma żadnej akcji, posąg jest całkowicie nieruchomy. Mięśnie podano jako uogólnione, tułów jest nieruchomy, ręce i nogi działają w jakiś sposób jeden stronę ciała.

Poliklet uważany jest za wynalazcę innego rodzaju ruchu. Esencja „ruch przestrzenny” w tym sensie, że oznacza ruch w przestrzeni, ale bez widocznego celu, bez określonego motywu tematycznego. Ale wszystkie członki ciała pędzą albo do przodu, albo wokół własnej osi.

Grecki rzeźbiarz starał się „przedstawić” ruch. Pokazywał gesty, chód, napięcie mięśni Funkcje ruchy.

Rzeźba grecka uosabia harmonię ludzkiej woli i ciała, rzeźba gotycka ucieleśnia energię emocjonalną człowieka, rzeźbę Michała Anioła charakteryzuje walka woli i uczuć. Rzeźba grecka często unika nadmiernego napięcia fizycznego, a jeśli już z niego korzysta, to zawsze jest prosta i jednostronna. Przeciwnie, Michał Anioł maksymalnie napina mięśnie i to w różnych, czasem przeciwnych kierunkach. Stąd geniusz renesansu miał swój ulubiony ruch spiralny, rotacyjny, postrzegany jako głęboki konflikt psychologiczny.

Dowiedz się więcej o ewolucji rodzajów ruchu.

Poszukiwanie dynamiki zaczyna się od stóp posągu. Pierwszą oznaką ruchu jest ruch lewej nogi do przodu. Całą podeszwą twardo stąpa po podłożu. Ruch rejestrowany jest tylko na szkielecie i kończynach. Ale przez cały okres archaiczny tułów pozostaje nieruchomy. Ramiona i nogi działają po jednej stronie ciała, prawej lub lewej.

W epoce klasycznej Poliklet rozwiązuje problem ruchu poprzecznego. Jego istotą jest nowa równowaga organizmu. Jego ciężar spoczywa na jednej nodze, druga jest wolna od funkcji podporowych. Rzeźbiarz cofa wolną nogę, dotykając ziemi jedynie czubkami palców. W rezultacie prawa i lewa strona ciała w kolanach i biodrach znajdują się na różnych wysokościach, ale aby zachować równowagę, ciała znajdują się w odwrotnej proporcji: jeśli prawe kolano jest wyżej niż lewe, to prawe ramię jest niżej niż lewy. Ruchoma równowaga symetrycznych części ciała stała się ulubionym motywem sztuki starożytnej (il. 135).

U Mirona w „Discoballu” cały ciężar ciała spada na prawą nogę, lewa ledwo dotyka ziemi.

Pod koniec IV wieku. PNE. Lizyp zapewnia maksymalną swobodę ruchu. Ruch ciała rozwija się po przekątnej („zapaśnik Borghesa”), może obracać się wokół własnej osi, a kończyny są skierowane w różnych kierunkach.

Plastyczna ekspresja rzeźby klasycznej.

W epoce hellenistycznej pojawiło się pragnienie maksymalnej wyrazistości, energetycznych wypukłości i zakamarków formy. Tak pojawiły się mięśnie sportowca Herkulesa (ryc. 136).

Zwiększona jest dynamika tułowia. Zaczyna się wyginać w lewo i prawo. W Apoksyomen Lysippos (il. 82) związek pomiędzy elementami podpartymi i wolnymi okazuje się niemal nieuchwytny. W ten sposób powstało nowe zjawisko – absolutnie okrągły posąg, po którym trzeba chodzić. Na koniec zwróćmy uwagę na charakterystyczną cechę rzeźby greckiej – przewagę ruchu od środka na zewnątrz, w stronę celu zewnętrznego.

Greccy rzeźbiarze najpierw zindywidualizowali posiedzenie statua. Podstawą zmiany jakościowej jest zupełnie inne umiejscowienie posągu. Wrażenie indywidualnej postawy jest powstaniem wariantu, gdy osoba siedzi na czubku siedziska nie całym ciałem i nie całym siedziskiem. Kiedy siedzenie opadło poniżej kolan siedzącej osoby, powstała zrelaksowana i swobodna poza. Powstało bogactwo kontrastów – skrzyżowane ramiona, noga umieszczona na nodze, ciało siedzącej osoby obraca się i wygina.

Ubrania i draperie.

Koncepcję twórczą rzeźbiarza wyznacza ważny problem - ubrania i draperie. Jego elementy aktywnie uczestniczą w życiu posągu i jego ruchu - charakter ubioru, rytm jego fałd, sylwetka, rozkład światła i cienia.

Jednym z głównych celów draperii w rzeźbie jest cel funkcjonalny ubioru (to znaczy jego związek z ludzkim ciałem). W rzeźbie greckiej cel ten znalazł najżywsze ucieleśnienie. W epoce klasycznej sprzeczność między ubraniem a ciałem przekształciła się w harmonijną interakcję. Ubrania powtarzały, podkreślały, uzupełniały, a czasem zmieniały formy i ruchy ciała w rytmie ich fałd (il. 136-a).

W swobodnej interpretacji ubioru bardzo pomogła sama natura greckiego ubioru. Czworokątny lub okrągły kawałek materii nabierał kształtu dopiero z udrapowanego przez niego ciała. To nie krój, ale sposób noszenia i użytkowania decydował o charakterze ubioru. Podstawowe zasady ubioru pozostały prawie niezmienione. Zmienił się jedynie materiał, wysokość paska, sposób drapowania, kształt klamry itp.

Styl klasyczny rozwinął podstawową zasadę draperii. Długie, proste, pionowe plisy podkreślają i jednocześnie ukrywają pochyloną nogę, swobodna nogawka modelowana jest poprzez ubranie z lekkimi fałdami. W połowie V wieku. PNE. rzeźbiarze również rozwiązali taki problem - prześwit ciała przez ubranie we wszystkich jego krzywiznach.

Draperia była bogata i różnorodna, ale emocjonalna interpretacja ubioru była obca rzeźbie. Artyści ucieleśniali bliski kontakt ubioru z ciałem, ale nie było związku między ubraniem a stanem umysłu człowieka. Ubiór charakteryzował działalność posągu, ale nie odzwierciedlał jego nastrojów i przeżyć.

We współczesnej odzieży europejskiej punktem podparcia są ramiona i biodra. Odzież grecka Inny w istocie: nie pasuje - to drapowany. Plastyczność draperii ceniono znacznie wyżej niż koszt tkaniny i piękno ozdoby, piękno ubioru tkwiło w jego wdzięku.

Grecy jońscy jako pierwsi zastosowali draperie jako element rzeźbiarski. W rzeźbach egipskich ubrania są zamrożone. Hellenowie zaczęli przedstawiać fałdy materiału, wykorzystując ubrania, aby ukazać piękno ludzkiego ciała.

W epoce klasycznej sprzeczność między ubraniem a ciałem przekształciła się w harmonijną interakcję. Ubrania powtarzały się, podkreślały i uzupełniały kształty i ruchy ciała rytmem ich fałd.

Podstawową zasadą draperii helleńskiej jest to, że długie, proste, pionowe fałdy podkreślają i jednocześnie zakrywają nogę podpierającą, wolną nogę modeluje się poprzez ubranie z lekkimi fałdami.

Ogólnie draperia była bogata i różnorodna, ale emocjonalna interpretacja ubioru była obca rzeźbie greckiej. Kontakt odzieży z ciałem nie był powiązany ze stanem umysłu danej osoby. Ubrania charakteryzowały działalność posągu, ale nie odzwierciedlały jego nastrojów i przeżyć.

Grupa rzeźbiarska (posągowa). Jeśli sens kompozycji ujawni się tylko z jednego punktu widzenia, posągi są od siebie odizolowane, niezależne, można je od siebie odsuwać, ustawiać na osobnych cokołach, tak aby w efekcie końcowym istniały niezależnie od siebie. innej, to takiej kompozycji nie można nazwać autentyczną grupą posągową. W Grecji w epoce stylu klasycznego grupa rzeźbiarska osiąga etap ucieleśniania ludzkich relacji między postaciami, wspólnego działania i wspólnego doświadczenia.

Problem światła w rzeźbie.

Światło w rzeźbie (podobnie jak w architekturze) wpływa nie tyle na samą formę, co na wrażenie, jakie oko odbiera od niej. Relacja pomiędzy światłem a formą plastyczną determinuje obróbkę powierzchni. Po drugie, ustawiając rzeźbę, artysta musi wziąć pod uwagę określone źródło światła. Materiały o chropowatej i nieprzejrzystej powierzchni (drewno, częściowo wapień) wymagają bezpośredniego światła (nadaje to formom wyraźny i wyrazisty charakter). Marmur charakteryzuje się przezroczystym światłem. Główny efekt rzeźb Praxitelesa opiera się na kontraście światła bezpośredniego i przejrzystego.

Portret rzeźbiarski

Rzeźba okresu archaicznego, zgodnie z egipską zasadą frontalności, była sakralna; rzeźby współczesnych były dozwolone w przypadkach, gdy zostały uświęcone śmiercią lub zwycięstwem w zawodach sportowych. Pomnik ku czci zwycięzcy olimpijskiego nie przedstawiał konkretnego mistrza, ale takiego, jakim był chciałbym być. Delficki woźnica, jest to np. idealny, a nie konkretny portret zwycięzcy konkursu.

Przedstawiona płaskorzeźba nagrobna Tylko osoba.

Dzieje się tak dlatego, że harmonijny rozwój fizyczny i duchowy był przez Greków postrzegany jako warunek osiągnięcia zarówno harmonii estetycznej, jak i obywatelsko-bohaterskiej użyteczności człowieka. Dlatego starożytnym wydawało się całkiem naturalne ucieleśnianie w posągach, na przykład sportowców, nie indywidualnych cech konkretnej osobowości, ale istotnych, typowych, wartościowych i uniwersalnych cech doskonałej osoby (lub każdej osoby): siła, zręczność, energia, proporcjonalna uroda ciała itp. Indywidualność była postrzegana jako przypadkowe odchylenie od normy. Dlatego nie tylko sztuka grecka, ale także cała sztuka starożytna była wolna od prywatności, zwłaszcza w wizerunkach legendarnych bohaterów bogów.

Do tego należy dodać, dlaczego przez długi czas zadania indywidualnej mimiki były obce rzeźbie greckiej. Był to kult nagości ciało oraz wypracowanie unikalnego ideału głowy i twarzy (tzw Profil grecki) – kontur nosa w linii prostej stanowi kontynuację konturu czoła (il. 137, 138).

Na koniec zwróćmy uwagę na paradoksalną rzecz: w Grecji dużą wagę przywiązywano do jednostki, tego, co wyjątkowe, z drugiej strony, na przykład portretu, uważano go za przestępstwo państwowe. Bo rolę jednostki w klasycznej kulturze starożytnej pełni „bohater zbiorowy” – polis.

Istniały dwa główne typy wizerunków człowieka epoki archaicznej: surowa, młodzieńcza, naga, atletyczna sylwetka z zaciśniętymi pięściami - kuros(il. 139, 140, 141) i skromnie ubrana kobieta, jedną ręką podnoszącą fałdy sukni, drugą ofiarującą bogom dar, - kora(il. 142, 143). W ten sposób można przedstawić zarówno zwykłych śmiertelników, jak i bogów. W dzisiejszych czasach kourosy często nazywano „Apollosem”; obecnie przyjmuje się, że były to wizerunki sportowców lub nagrobki. Lekko wysunięta do przodu lewa noga kouros wskazuje na wpływy egipskie. Kora ( grecki. dziewczyna) to nowoczesne określenie postaci kobiecych epoki archaicznej. Rzeźby te służyły jako wota przynoszone do sanktuarium. W przeciwieństwie do kouros, figurki kor były udrapowane.

W pierwszej połowie V w. PNE. wykształcił się określony typ twarzy: zaokrąglony owal, prosty grzbiet nosa, prosta linia czoła i nosa, gładki łuk brwi wystający ponad migdałowe oczy, raczej opuchnięte usta i brak uśmiechu. Włosy potraktowano miękkimi, falistymi pasmami, podkreślającymi kształt czaszki („delficki woźnica”).

Brat Lysipposa, Lysistratus, jako pierwszy wyrzeźbił twarze na podobieństwo portretów, w tym celu wykonał nawet gipsowe odlewy żywych twarzy.

W drugiej połowie V w. PNE. Poliklet opracował prawo idealnych proporcjonalnych składników ciała ludzkiego. W rzeźbie wszelkie proporcje ludzkiego ciała zostały obliczone w najdrobniejszych szczegółach. Ręka – 1/10 wysokości, głowa – 1/8, stopa i głowa z szyją – 1/6, ramię do łokcia – ¼. Czoło, nos i usta wraz z brodą są równej wysokości, od czubka głowy do oczu - tak samo jak od oczu do końca brody. Odległość od czubka głowy do pępka i od pępka do palców stóp oblicza się w taki sam sposób, jak odległość od pępka do palców u nóg do pełnej wysokości – 38:62 – „złoty podział”.

Posągów rzymskich nie można mylić z greckimi. Rzymianie całą swoją siłę mają w twarzy, a ciało jest pod nią tylko podporą; gdy konieczna była wymiana posągu cesarza, można było zdjąć starą głowę i przymocować nową. W języku greckim każdy szczegół ciała odpowiada wyrazowi twarzy.

Ale wyraz twarzy rzeźby klasycznej był uogólniony i niejasny. Na przykład archeolodzy czasami popełniali błędy, próbując określić płeć na podstawie głów posągów. W portrecie Peryklesa rzeźbiarz Kresilaus ograniczył się do idealnej, tradycyjnej budowy głowy (zamaskującej zwężającą się ku górze głowę Peryklesa hełmem) (il. 144).

W V wieku PNE. pojawia się formularz portretowy - herma(145, 146, 147) - czworościenny filar zwężający się ku dołowi, zwieńczony lekko stylizowanym portretem. Czasami hermy kończyły się dwiema głowami (filozofów, poetów) - takie hermy umieszczano w bibliotekach i domach prywatnych.

Portrety greckie, także pełnometrażowe, pojawiają się dopiero w drugiej połowie IV wieku. PNE. Sztuka klasyczna ucieleśniała charakter człowieka i właściwości Boga nie poprzez wyraz twarzy czy mimikę, ale poprzez pozę, chód i określone cechy.

Ogólnie rzecz biorąc, dominującą właściwością greckiego portretu jest wyraz woli, chęć działania. Ale prawie nic nie można powiedzieć o uczuciach i doświadczeniach przedstawionych osób. Portret skierowany był do obywateli i potomności. Wyraz uśmiechu czy zapomnienia był obcy portretowi greckiemu. W Grecji praktycznie nie ma portretów kobiet, przede wszystkim mistrzowie przedstawiali naukowców i artystów.

O ikonografii stworzeń boskich i mitologicznych.

W czasach starożytnych bożkiem był prosty kamienny lub drewniany filar.

W drewnie poświęcony xoanakh, wielkości mężczyzny, nieruchomy, z zamkniętymi oczami i rękami przyciśniętymi do boków, pomalowany na biało lub cynobrem, główne artykulacje postaci ludzkiej są już zarysowane. Według A. Bonnarda, prymitywny Grek, prymitywnie wycinając wizerunki bogów, aby im oddawać cześć, mimo to nadawał im ludzki wygląd - oznaczało to wyczarowywanie ich, pozbawianie ich szkodliwej mocy.

Następnie zaczęto izolować górną część ciała, przy czym dolna część zachowała swój pierwotny kształt. Tak wyglądały te wczesne hermy– bożki poświęcone Hermesowi (il. 147-a). Umieszczano je w miejscach publicznych zarówno w celach dekoracyjnych, jak i jako znaki graniczne i oznaczniki do pomiaru odległości między osadami.

Spójrzmy na przykład rzeźb Afrodyty (rzymskiej Wenus), aby zobaczyć, jakie zmiany w plastycznym wcieleniu wizerunku bogini (ciało, ubranie, draperia, akcenty) miały miejsce. Według mitu Afrodyta (dosł. „zrodzony z pianki”), bogini miłości, piękna, wiecznej wiosny i życia, małżeństw i heter, wyłoniła się nago z morskiej piany i na muszli dotarła do brzegu (il. 148, 149).

U Wenus z Milo talia osy jest niezgodna z pełnym ciałem i stromymi biodrami. Venus Kalipiga („Wenus z pięknymi pośladkami”) i nadal przyciąga widzów, tylko w Muzeum Archeologicznym w Neapolu ( chory. . 150). Greckich kolonistów podziwiano za ich klasyczne proporcje i cechy. Afrodyta z Syrakuz(il. 151), a Rzymianie - Wenus Belweder(il. 152) i Wenus Kapitolińska(il. 152-a).

...Po około dwóch tysiącleciach jednym z najważniejszych dzieł wybitnego rzeźbiarza Antonia Canovy stanie się pełnometrażowy rzeźbiarski wizerunek księżniczki Paoliny Borghese, siostry cesarza Napoleona, w postaci bogini Wenus Vitrix (il. 152 -B). Wcielenie kobiety na obraz Wenus miało miejsce także w malarstwie (il. 152-c).

Silena, w mitologii miłośnik muzyki, tańca, a później wina, może być przedstawiany z końskimi uszami, ogonem i kopytami, może być istotą mądrą, przyjazną lub może być lubieżna (il. 153-a).

W epoce hellenistycznej pojawiają się posągi-kolosy bogów. Był to Kolos z Rodos – posąg boga Heliosa na wyspie Rodos (wspomniano już wcześniej).

Relief, jego rodzaje, styl i typ klasyczny.

Uważa się, że grecki relief powstał z dwóch źródeł: z konturu, rysunku sylwetki oraz z okrągłego posągu. Podstawową zasadą reliefu jest to, że wszystkie jego najbardziej wypukłe części znajdują się, jeśli to możliwe, na pierwotnej powierzchni kamiennej płyty.

Do ukształtowania się klasycznego stylu reliefu przyczyniły się dwie techniki: obraz postaci ludzkiej w obrocie o trzy czwarte (jak gdyby połączenie kontrastu profilu i frontu) oraz optyczna redukcja obiektu w przestrzeni (skrócenie perspektywiczne).

Rodzaje ulgi. Typ klasyczny powstał w Grecji. Jego charakterystyczne cechy są następujące. Płaskorzeźba przedstawia zazwyczaj tylko osobę i stara się zachować czystość przedniej i tylnej płaszczyzny. Tylna powierzchnia to abstrakcyjne tło, gładka, wolna płaszczyzna. Dla przodu (wyimaginowanego) jest to typowe: postacie ukazane są w jednym planie, przesuwając się obok widza, wszystkie wypukłe części postaci są skupione dokładnie na płaszczyźnie przedniej. Po drugie, mistrzowie pragną trzymać głowy wszystkich postaci na tej samej wysokości (nawet gdy niektóre postacie stoją, inne siedzą) i unikać wolnej przestrzeni nad ich głowami. Po trzecie, nie ma specjalnego obramowania, zazwyczaj jest to lekko profilowana podstawa pod figury.

Od IV wieku PNE. Na nagrobkach znajdują się płaskorzeźby (il. 154). Groby rodzinne przedstawiały sceny z życia zmarłych.

Zadanie wypełniania metop figurami reliefowymi wiązało się z koniecznością łączenia w pary – dlatego ulubionym tematem rzeźb metopowych stały się walki, zwłaszcza pomiędzy ludźmi a centaurami lub amazonkami. Fryz joński charakteryzował się ciągłością, dlatego naturalnym tematem stała się procesja lub spotkanie. A ponieważ puste przestrzenie między głowami zaburzyłyby wrażenie ciągłości, powstaje izokefalia– wymóg przedstawienia wszystkich głów na tej samej wysokości.

Płaskorzeźba wotywna (poświęcająca) istniała także w Grecji (il. 156).

W jednym z hymnów homeryckich znajduje się wzmianka o narodzinach Dionizosa w pobliżu rzeki Alfeusz, która przepływa przez Olimpię. Posąg Hermesa odnaleziono stosunkowo niedawno w olimpijskiej świątyni Hery, w 1877 roku.

Tam. s. 221.

Dekret Duranta V. op. s. 331.

Tam. s. 332, 331.

Prawdziwym nieszczęściem był dekret (edykt) władcy Królestwa Ostrogotów we Włoszech, Teodoryka, w sprawie zniszczenia świątyni Zeusa w Olimpii.

Kwintylian. Edukacja mówcy. XII, 10.7.

Zobacz: Sokołow G.I. Olimpia. M.: Sztuka, 1981. s. 147.

Według jednej wersji około 360 r. p.n.e. miasto Kos zamówiło rzeźbę Afrodyty z kamienia. Ale podczas egzekucji posągu mieszkańcy Kos byli oburzeni: bogini była naga. Następnie miasto Knidos kupiło posąg.

Rzymska kopia Afrodyty z Knidos znajduje się w Muzeum Watykańskim.

Wyjaśniono według: Graves R. Mity starożytnej Grecji. M.: Postęp, 1992. s. 73-74.

Pliniusz Starszy. Naturalna nauka. XXXIV, 65.

Tam. XXXVI, 37.

Stwierdzono zgodnie z: Dekretem Gravesa R. op. s. 514-516.

Sztuka Świata. Starożytne cywilizacje: słownik tematyczny. M.: Kraft, 2004. s. 374.

Albo z legendy, która głosi, że wszystkie kobiety z regionu Caria w Azji Mniejszej zostały sprzedane w niewolę za wsparcie Karian dla Persów podczas wojny - a kariatydy stały się tego obrazem. Zobacz: Dekret Gravesa R. op. s. 153.

Na przykład posąg boga snu Hypnosa.

Bonnar A. Cywilizacja grecka. s. 211.

Mademoiselle Lange, przedstawiona na obrazie, była aktorką.

Drugi typ płaskorzeźby miał miejsce w epoce hellenistycznej. Swobodny („malowniczy”) relief to negacja płaszczyzny tła, złączenie figur z tłem w jedną optyczną całość. Ten typ nie jest powiązany z normami równości głowy ( izokefalia), tło często przedstawia krajobraz lub struktury architektoniczne

Rozkwit sztuki starożytnej Grecji. Sztuka starożytnej Grecji osiągnęła swój szczyt w V-IV wieku p.n.e. mi. To właśnie w tym stosunkowo krótkim czasie powstało wiele najwspanialszych dzieł sztuki greckiej, które do dziś zdobią wiele muzeów na całym świecie. W tym okresie swoje dzieła tworzyli znani greccy mistrzowie: architekci, rzeźbiarze, artyści. W Atenach i innych miastach Grecji wznoszono arcydzieła architektury, które na wiele stuleci stały się standardem piękna i wzorami do naśladowania.

Architektura starożytnej Grecji. Grecy przywiązywali dużą wagę do wyglądu swoich miast i dbali o ich dekorację. Budowali majestatyczne świątynie i wspaniałe budynki użyteczności publicznej, dekorowali place portykami z białego marmuru i wieloma pięknymi rzeźbami.

Najważniejszymi budynkami każdego starożytnego greckiego miasta były świątynie, zwłaszcza te poświęcone bogu patronowi miasta. W świątyniach Hellenowie nie tylko składali ofiary bogom, ale także przechowywali skarbiec miasta, składali w ofierze drogie dary i trofea wojenne. W święta na placu przed świątyniami odbywały się wspaniałe ceremonie i uroczyste procesje. Mieszczanie starali się, aby ich kościoły były jak najbardziej eleganckie. W ich budowę zaangażowani byli najlepsi budowniczowie i architekci, rzeźbiarze i artyści, wykorzystano najdroższy śnieżnobiały marmur. Świątynie były najpiękniejszymi budynkami w każdym greckim mieście. Świątynia była zwieńczeniem starożytnej architektury greckiej. Uosabiał wszystkie najlepsze osiągnięcia budowniczych i architektów Hellady. Wzniesiona została na kamiennej platformie schodkowej i miała kształt prostokąta. Zwieńczony był u góry szerokim dachem dwuspadowym wspartym na rzędach wysokich kolumn. Początkowo były bardzo mocne i zwieńczone kwadratową płytą. Takie kolumny nazywano doryckimi. Później Grecy nauczyli się rzeźbić cieńsze i smuklejsze kolumny jońskie, wyróżniające się dwoma wdzięcznymi kamiennymi lokami wieńczącymi je na górze.

Ryż. Kolumny doryckie i jońskie

Świątynia grecka miała dwa frontony. Zdobiono je zazwyczaj posągami i płaskorzeźbami. Wewnątrz każdej greckiej świątyni znajdował się posąg bóstwa, któremu była poświęcona. Najdoskonalszym przykładem świątyni greckiej jest Partenon, wzniesiony na Akropolu w Atenach w V wieku p.n.e. mi. architekt Kallikrates i słynny rzeźbiarz Fidiasz.

Ryż. Partenon

Rzeźba. Rzeźbiarze przedstawiali nie tylko bogów i bohaterów, ale także wielkich ludzi, sławnych generałów, znanych aktorów, dramaturgów i sportowców. Grecy dekorowali posągami place i centralne ulice miast, świątynie, budynki użyteczności publicznej i teatry. Na przykład w Atenach za czasów Peryklesa było ich tak dużo, że Hellenowie nawet żartowali: „W Atenach jest więcej posągów niż mieszkańców”. Materiał, z którego rzeźbiarze wykonywali swoje dzieła, był bardzo różnorodny. Rzeźbiono je z drewna, rzeźbiono z marmuru, odlewano z miedzi i brązu. Posągi marmurowe malowano zazwyczaj na kolor cielisty, a drewniane często pokrywano cienkimi płytkami z kości słoniowej, co nadawało im także odcień ludzkiej skóry. W oczy rzeźb często osadzano błyszczące klejnoty. Starożytni greccy rzeźbiarze nauczyli się nie tylko dokładnie oddawać postacie ludzkie, ale także przedstawiać je w ruchu. Na twarzach swoich bohaterów starali się uchwycić napięcie walki, radość zwycięstwa i gorycz porażki. Współcześni twierdzili, że posągi największych greckich mistrzów były tak doskonałe, że sprawiały wrażenie żywych. Rzeźbiarze w swoich pracach starali się ucieleśnić obrazy, które budzą nie tylko podziw, ale także chęć bycia takimi jak oni. Gloryfikowali piękną, zdrową, harmonijnie rozwiniętą osobę i piękno jej ciała. Ideałem prawdziwego obywatela byli silni mężczyźni – wojownicy, obrońcy i wojownicy – z potężnymi, wydatnymi mięśniami. Rzeźby kobiece były ucieleśnieniem wdzięku i piękna.

Ryż. Bogini Atena. Starożytna grecka rzeźba

Jednym z najwybitniejszych starożytnych rzeźbiarzy greckich był Fidiasz, który brał udział w budowie majestatycznego Partenonu i stworzył słynny posąg bogini Ateny, który zdobił ateński Akropol. Za najlepsze dzieło słynnego mistrza Grecy uważali 12-metrowy posąg Zeusa, wykonany dla świątyni tego boga w mieście Olimpia. Fidiasz wykonał ramę z drewna, pokrył twarz, ramiona i klatkę piersiową rzeźby płytami z kości słoniowej, a ubrania, włosy i brodę Zeusa odlał z czystego złota. Grecy uważali posąg Zeusa Olimpijskiego za jeden z cudów świata.

Jakie jeszcze cuda świata znasz?

Starożytne greckie malarstwo. W przeciwieństwie do dzieł rzeźbiarzy, dzieła starożytnych greckich artystów prawie nie przetrwały do naszych czasów. Wiemy o nich głównie ze słów starożytnych autorów. W Helladzie rozwinęła się sztuka malowania na glinie i deskach. Domy wielu bogatych ludzi w Grecji ozdobiono kolorowymi freskami i wyszukanymi mozaikami.

Ryż. Filozofowie greccy. Starożytna mozaika

Rozwój malarstwa starożytnej Grecji możemy ocenić także na podstawie zachowanych dzieł malarzy wazowych. Zwykle malowali sceny z mitów i legend, wizerunki bogów i bohaterów Hellady, epizody bitew Hellenów z barbarzyńcami. Często artyści filmowali sceny z Odysei i Iliady, a także przedstawiali to, co widzieli w życiu codziennym. W VI wieku p.n.e. mi. Vaso-skrybowie nanosili wzory na wazony specjalnie przygotowanym czarnym lakierem. Tłem dla tych obrazów był naturalny czerwonawy kolor naczyń glinianych. Takie wazony są zwykle nazywane wazonami z czarnymi figurami. Później, pod koniec VI wieku p.n.e. e. tło obrazu zaczęto malować czarnym lakierem, ale dla postaci pozostawiono kolor gliny. Takie rysunki okazały się bardzo szczegółowe, a ciała ludzi nabrały bardziej naturalnego czerwonawego koloru. Wazony te nazywane są wazonami czerwonofigurowymi. Werniks używany przez malarzy wazowych był bardzo trwały, nie blakł pod wpływem promieni słonecznych i nie latał od czasu do czasu. Namalowane przez niego naczynia do dziś wyglądają, jakby dopiero co wyszły z rąk starożytnego mistrza.

Ryż. Wazon z czarną figurą

Ryż. Wazon czerwonofigurowy

Światowe znaczenie sztuki starożytnej Grecji. Sztuka Hellady odcisnęła piętno na sztuce wielu narodów świata. Największe arcydzieła architektury starożytnej Grecji stały się wzorem do naśladowania dla wielu pokoleń architektów starożytnych i współczesnych. Idąc za przykładem swoich prostych, ale jednocześnie bardzo majestatycznych i surowych budynków, wznieśli własne budowle. I do tej pory w wielu otaczających nas nowoczesnych budynkach możemy zobaczyć elementy starożytnego greckiego stylu architektonicznego: frontony, fryzy, portyki i kolumny.

Nie mniejszy wpływ na rozwój sztuki światowej miały greckie malarstwo i rzeźba. Artyści i rzeźbiarze z wielu krajów świata tworzyli swoje dzieła w oparciu o wątki greckich mistrzów, często je naśladując, a nawet kopiując.

Podsumujmy to

V-IV wieki p.n.e mi. były okresem największego rozkwitu sztuki starożytnej Grecji. Prace starożytnych greckich mistrzów wywarły ogromny wpływ na rozwój sztuki wielu krajów i narodów.

Szczyt- trójkątna przestrzeń pomiędzy dachem dwuspadowym a okapem budynku.

V-IV wieki p.n.e mi. Rozkwit sztuki starożytnej Grecji.

Pierwsza połowa VI wieku p.n.e. mi. Wygląd ceramiki czarnofigurowej.

Druga połowa VI wieku p.n.e. mi. Wygląd ceramiki czerwonofigurowej.

Pytania i zadania

W jakich stuleciach rozkwitła sztuka starożytnej Grecji? Korzystając z podpisów ilustracji i tekstu podręcznika, wymień słynnych mistrzów starożytnej Grecji i ich dzieła sztuki.
Opisz budowę starożytnej greckiej świątyni.
Jakie cechy mężczyzn i kobiet starali się ucieleśnić w swoich dziełach greccy rzeźbiarze? Co było tego przyczyną?
Kiedy powstała ceramika czarnofigurowa i czerwonofigurowa i czym się różniły?

Najsłynniejsze dzieła starożytnej rzeźby greckiej.

Wybitni rzeźbiarze V-IV wieku. PNE.

Pierwsi.

Rzeźba oczami Greków

Cechy dziedzictwa rzeźbiarskiego starożytnej Grecji.

Czas był szczególnie nieubłagany dla dzieł rzeźby greckiej. Dotarł do nas jedyny autentyczny grecki posąg z brązu epoki klasycznej – Delficki woźnica(ok. 470 ᴦ. Pne ., Muzeum w Delfach ) (il. 96) i jedyny marmurowy posąg z tej samej epoki - Hermes z małym Dionizosem Praksyteles (Muzeum Olimpii) (il. 97). Oryginalne rzeźby z brązu zanikły już u schyłku starożytności (nalewane na monety, dzwony i późniejszą broń). Marmurowe posągi spalono wapnem. Prawie wszystkie greckie produkty wykonane z drewna, kości słoniowej, złota i srebra zaginęły. Z tego powodu dzieła wielkich mistrzów możemy oceniać, po pierwsze, po późnych kopiach, po drugie, przedstawionych w innym materiale niż ten w którym zostały poczęte.

Dla Greków obraz rzeźbiarski nie był jedynie pewną bryłą marmuru czy brązu, w której z łatwością można było rozpoznać mężczyznę, kobietę, młodość itp. Całe myślenie artystyczne Greków było przeniknięte chęcią utożsamienia się z rzeźbą i architekturą prawa ogólne proporcje i harmonia, pragnienie rozsądnego piękna.

Dla przedstawicieli szkoły filozoficznej założonej przez Pitagorasa natura jest mimesis– imitacja harmonicznych układów liczbowych uwarunkowanych przez świat ludzki. Z kolei sama sztuka jest w pewnym stopniu mimesis natury, czyli naśladownictwem zarówno w sensie symulowania jej widocznej powłoki czy poszczególnych zjawisk, jak i w sensie ukazywania jej harmonijnej struktury. Oznacza to, że posąg był jednocześnie mimesis: podążając za naturą, wyrażał ukrytą harmonię wymiarowych relacji liczbowych, ujawniał racjonalność, strukturę itp. tkwiącą w Kosmosie i naturze. Z tego powodu dla Greka posąg odwzorowywał nie tylko widoczną powłokę wizerunku osoby, ale także harmonię, rozsądną proporcjonalność, piękno i porządek ucieleśnionego w nim świata.

``...Rzeźbiarze, tworząc bogów dłutem, wyjaśniali świat.
Opublikowano na ref.rf
Jakie jest to wyjaśnienie? Oto wyjaśnienie bogów poprzez człowieka. Rzeczywiście, żadna inna forma nie oddaje lepiej niewidzialnej i niezaprzeczalnej obecności bóstwa w świecie niż ciało mężczyzny i kobiety, piękno ludzkiego ciała z nieskazitelną doskonałością wszystkich jego części, z jego proporcjami - to jest najpiękniejszą rzeczą, jaką ludzie mogą ofiarować nieśmiertelnym bogom, kierując się zasadą: najpiękniejsze - bogom.

Najwcześniejszy Za pomniki uważa się tzw xanas ( od słowa ociosany)– bożki rzeźbione z drewna .

Jeden z pierwszych zachowane greckie posągi – Hera z Samos, OK. połowa VI wieku PNE. (Paryż, Luwr).

Pierwszy był ateńskim rzeźbiarzem, o którym wiemy Antenor, wyrzeźbił marmurowe posągi Harmodiusza i Arystogeitona, którzy w 514 r. zabili tyrana Hipparcha. BC, wystawiony na akropolu. Posągi zostały zabrane przez Persów podczas wojen grecko-perskich. Przy 477 ᴦ. PNE. Critias i Nesiod odtworzyli rzeźbiarską grupę tyranobójców (il. 98).

kreacja pierwsza latająca postać przypisywany rzeźbiarzowi z połowy VI wieku. PNE. z wyspy Chios Arhermu. Wyrzeźbił posąg skrzydlatej „Nike z Delos”, która uosabiała zwycięstwo w bitwie i rywalizacji. Stopy Niki nie dotykały cokołu – rolę stojaka pełniły fałdy trzepoczącej tuniki.

Poliklet. Żył w drugiej połowie V wieku. PNE. Uważano, że najlepiej radzi sobie z wykonywaniem posągów ludzkich. „…Był Pitagorasem rzeźby, poszukującym boskiej matematyki proporcjonalności i formy. Uważał, że wielkość każdej części doskonałego ciała powinna być proporcjonalna do wielkości jakiejkolwiek innej jego części, powiedzmy, palca wskazującego. Uważa się, że w swojej pracy teoretycznej „Kanon” („Miara”) Poliklet uogólnił podstawowe prawa rzeźbiarskiego obrazu osoby i rozwinął prawo idealnych proporcjonalnych relacji ciała ludzkiego. Po zastosowaniu swojej teorii we własnej twórczości (m.in. w posągu ``Doriphor'' (```Włóczni-bearerets'') (il. 99, 99-a), który cieszył się największą sławą w starożytności), rzeźbiarz stworzył nowy język plastyczny oparty na o harmonii fizycznej, o idei postaci ludzkiej jako doskonałego mechanizmu, w którym wszystkie części są ze sobą funkcjonalnie powiązane.

Odkrycie Polikleitosa w rzeźbie to skrzyżowanie nierównomiernego ruchu ciała (o tym później).

Diadumen (grecki) zwieńczony wstęgą zwycięstwa) (ryc. 100).

MIRON. Urodzony w Eleuther (Boeotia), mieszkał w Atenach. Tworzył rzeźby dla ateńskiego Akropolu, świątyń w Delfach i Olimpii.

· Około 470 ᴦ. odlał z brązu najsłynniejszy ze wszystkich posągów sportowców - posąg Dyskoteka Lub Dyskobolista(Muzeum Termalne, kopia) (il. 101); „To całkowity cud męskiej budowy ciała: wszystkie ruchy mięśni, ścięgien i kości biorące udział w działaniu ciała są tutaj dokładnie badane: nogi…”; Myron „...przyglądał się sportowcowi nie przed ani po zawodach, ale w momentach samej walki i w brązie zrealizował swój plan tak dobrze, że żaden inny rzeźbiarz w historii nie mógł go prześcignąć w przedstawieniu męskiego ciała w akcji”. Dyskobolista- ϶ᴛᴏ pierwsza próba przekazania ruchu nieruchomemu posągowi: w rzeźbie Myronowi udało się uchwycić ruch ręki przed rzuceniem dyskiem, gdy cały ciężar ciała skierowany jest na prawą nogę, a lewą rękę utrzymuje sylwetkę w równowadze. Technika ta umożliwiła oddanie ruchu form, co pozwala widzowi prześledzić zmianę punktów widzenia.

Dyskobolista- jedyne zachowane (kopia) dzieło rzeźbiarza.

Starożytni uznawali, że Fidiasz najlepiej przedstawiał posągi bogów.

· Około 438 r. syn artysty Fidiasz stworzył słynną statuę „Atena Partenos” (Dziewica Atena). Na 1,5-metrowym marmurowym cokole w Świątyni Ateny Miasta (Partenon) na ateńskim Akropolu stał prawie 12-metrowy posąg bogini mądrości i czystości (il. 95). Fidiasz był jednym z pierwszych rzeźbiarzy, którzy zastosowali innowację z V wieku. BC, – cokół z płaskorzeźbą (scena narodzin Pandory). Fidiasz wykazał się wielką odwagą, wybierając na 160-metrowy fryz rzeźbiarski świątyni nie temat mitologiczny, ale obraz procesji panatenajskiej (gdzie sam lud ateński jest równorzędnym partnerem bogów zajmujących centralną część kompozycji) . Pod kierunkiem Fidiasza i częściowo samodzielnie wykonano dekorację rzeźbiarską.
Opublikowano na ref.rf
Rzeźbę umieszczono także na frontonach, wzdłuż fryzu zewnętrznej ściany wnętrza.

Oskarżony przez swoich ateńskich wrogów o kradzież Fidiasz został skazany, jednak mieszkańcy Olimpii wpłacili kaucję za mistrza pod warunkiem, że stworzy on posąg Zeusa dla świątyni o tej samej nazwie w słynnym sanktuarium. Tak pojawił się 18-metrowy posąg siedzącego boga piorunów. Na liście „cudów świata” sporządzonej w II w. n.e. PNE. Drugie miejsce zajął Antypator Sydonu, posąg Zeusa Olimpijskiego. O tym wybitnym zabytku wspominało ponad sześćdziesięciu (!) pisarzy starożytności. Grecki filozof Epiktet radził wszystkim, aby udali się do Olimpii, aby zobaczyć posąg Zeusa, ponieważ nazwał prawdziwym nieszczęściem umrzeć i nie zobaczyć go. Ponad pięć wieków później słynny rzymski mówca Kwintylian napisał: „Piękno posągu wprowadziło nawet coś do ogólnie przyjętej religii, gdyż wielkość stworzenia była godna Boga”.

Uważa się, że posąg Zeusa Olimpijskiego został powtórzony przez anonimowego rzeźbiarza rzymskiego, tworząc posąg Jowisza, przechowywany obecnie w Ermitażu (il. 102).

Nie ma dokładnych informacji o losach Fidiasza.

PRAKSITEL.

OK. 390-330 gᴦ. PNE. Syn rzeźbiarza, Joński Praksyteles, pracował zarówno w marmurze, jak i brązie, do tego stopnia, że o zamówienia mistrza rywalizowało ponad dziesięć miast.

· Pierwsza starożytna greka nagi Hellenowie z całego Morza Śródziemnego przybywali, aby zobaczyć posąg bogini „Afrodyty z Knidos” (il. 103). Krążyła plotka, że patrząc na kanon kobiecego piękna, jaki już wtedy obowiązywał, mężczyźni popadli w „miłosne szaleństwo”. „...Przede wszystkim dziełami nie tylko Praksytelesa, ale i tych istniejących we wszechświecie w ogóle jest Wenus jego dzieła…” – pisał niemal cztery wieki później rzymski Pliniusz Starszy.

· O drugim, najsłynniejszym posągu - „Hermes z małym Dionizosem”.(il. 97) – zostało już powiedziane na samym początku pytania. Według mitu na rozkaz zazdrosnej Hery tytani porwali nieślubnego syna Zeusa Dionizosa i rozerwali go na kawałki. Babcia Dionizosa Rei przywróciła do życia wnuka. Aby ocalić syna, Zeus poprosił Hermesa, aby tymczasowo przemienił Dionizosa w koźlę lub baranka i przekazał go pięciu nimfom na wychowanie. Rzeźbiarz przedstawił Hermesa w chwili, gdy kierując się w stronę nimf, zatrzymał się, opierając się o drzewo i ofiarował małemu Dionizosowi kiść winogron (ręka posągu zaginęła). Dziecko umieszczono w jaskini na górze Nysa i tam Dionizos wynalazł wino.

Szczególnie zauważamy, że uczniowie Praksytelesa godnie kontynuowali dzieło swojego nauczyciela (il. 107).

Zaczynał jako prosty kotlarz w Sicyonie, a skończył jako nadworny rzeźbiarz Aleksandra Wielkiego. Jak wierzono w starożytności, autor półtora tysiąca posągów. Ustanowił nowy kanon rzeźbiarskich proporcji postaci, wprowadzając lekkie, wydłużone proporcje i zmniejszając wielkość głowy. Lysippos zwykł mawiać, że poprzedni artyści „...przedstawiają ludzi takimi, jakimi są, a on – jakimi wydają się być”<глазу>ʼʼ.

· ʼʼApoxiomenʼʼ („Sprzątanie”) (il. 108) - młody mężczyzna za pomocą skrobaczki oczyszcza się z oleju i piasku po wysiłku fizycznym.

Inne znane na całym świecie rzeźby i grupy rzeźb

· Nike z Samotraki(il. 110). Znaleziono w XIX wieku. na wyspie Samotraka. Posąg pochodzi z około 190 ᴦ. p.n.e., kiedy Grecy z wyspy Rodos odnieśli serię zwycięstw nad Antiochem III.

· „Laokoona”.(il. 111).

Na przełomie II-I w. PNE. trzej rzeźbiarze – Agesander oraz jego synowie Polidorus i Athenodorus – wyrzeźbili „z jednego kamienia” grupę posągów, która już w starożytności uważana była za „dzieło, które należy preferować w stosunku do wszelkich dzieł zarówno malarstwa, jak i sztuki rzeźbienia w miedzi .”

Fabuła „Śmierci Laokoona i jego synów” związana jest z najsłynniejszym epizodem wojny trojańskiej. Jak wiadomo, Grecy, aby przedostać się do obleganego przez siebie miasta, zbudowali ogromnego, wydrążonego drewnianego konia, na który wspięło się kilkudziesięciu żołnierzy. Do Troi wysłany został szpieg wyszkolony przez Odyseusza, który zwrócił się do króla Priama w formie przepowiedni: „...Jeśli pogardzasz tym świętym posągiem, Atena cię zniszczy, ale jeśli posąg wyląduje w Troi, będziesz w stanie zjednoczyć wszystkie siły Azji, najechać Grecję i podbić Mykeny. „To wszystko kłamstwo! „Odyseusz to wszystko wymyślił” – zawołał Laokoon, kapłan świątyni Posejdona. Bóg Apollo (który był zły na Laokoona, że wbrew jego przysiędze się ożenił i miał dzieci), aby ostrzec Troję przed czekającym ją smutnym losem, zesłał dwa ogromne węże morskie, które najpierw udusiły bliźniaczych synów Laokoona, a potem, gdy pospieszył im z pomocą, i siebie. Ten straszny znak przekonał Trojan, że grecki zwiadowca mówił prawdę, a król Troi błędnie sądził, że Laokoon został ukarany za wbicie włóczni w drewnianego konia. Konia poświęcono Atenom, a Trojanie zaczęli ucztować, świętując swoje zwycięstwo. Wiadomo dalej: o północy przy ogniskach sygnałowych Grecy zsiedli z konia i zabili śpiących strażników twierdzy i pałacu Troi.

Oprócz mistrzostwa kompozycyjnego i doskonałości technicznej, ucieleśnienie gustów nowej ery - nowy był hellenizm: starzec, dzieci, bolesna walka, umierające jęki…

Kiedy w 1506 roku w ruinach łaźni cesarza Tytusa w Rzymie odnaleziono „Laokoona”, Michał Anioł stwierdził, że jest to najlepszy posąg na świecie i zszokowany bezskutecznie próbował… zregenerować złamaną prawą rękę centralnej postaci . Sukces towarzyszył Lorenzo Berniniemu.

El Greco stworzył obraz oparty na fabule Laoocony. Winckelmanna, Lessinga, Goethego.

· Byk Farnese(il. 112, 113, 114, 115). Około 150 ᴦ. PNE. w mieście Thralls, w Caria, bracia rzeźbiarze Apoloniusz i Tauriscus odlali grupę z brązu dla mieszkańców wyspy Rodos, znanej obecnie jako Byk Farnese(znaleziono go w Termach Karakalli w Rzymie, odrestaurowano przez samego Michała Anioła i przez pewien czas przechowywano w pałacu Farnese). Według jednej wersji mitu Antiope, córka króla Teb Nyktajosa, zaszła w ciążę z Zeusem i uciekła przed gniewem ojca do króla Sikionu, który ją poślubił, co wywołało wojnę między obydwoma miastami. Tebańczycy zwyciężyli, a wuj Antiope sprowadził Antiope z powrotem do domu. Tam urodziła dwójkę bliźniaków, które natychmiast odebrał jej wspomniany wujek. W Tebach została niewolnicą swojej ciotki Dirki, która traktowała ją okrutnie. Antiope, nie mogąc znieść więzienia, zdołała uciec i spotkać się z dorosłymi synami, którzy brutalnie ukarali Dirkę: przywiązali ją do rogów dzikiego byka, który natychmiast się z nią rozprawił – pod aprobującym okiem zadowolonej Antiope. Dzieło wyróżnia się wirtuozerią w oddawaniu różnych kątów i dokładnością budowy anatomicznej figur.

· Kolos z Rodos.

Tak nazywał się posąg boga Heliosa na wyspie Rodos. Syn jednego z dowódców macedońskiego Antygona, Demetriusz, oblegał Rodos przy użyciu 7-piętrowych wież bojowych, ale został zmuszony do odwrotu, porzucając cały sprzęt wojskowy. Według opowieści Pliniusza Starszego mieszkańcy wyspy otrzymali fundusze z jej sprzedaży, za co wznieśli około 280 ᴦ w pobliżu portu. PNE. największy posąg starożytnego świata - 36-metrowy bóg słońca Helios autorstwa architekta Charesa, ucznia Lysipposa. Rodyjczycy czcili Heliosa jako patrona wyspy wyniesionej przez bogów z dna morza, a stolica Rodos była jego świętym miastem. Filon z Bizancjum podał, że do wykonania posągu zużyto 13 ton brązu i prawie 8 ton żelaza. Według badań angielskiej uczonej i rzeźbiarki Marion posąg nie został odlany. Jej podstawą były trzy masywne filary postawione na czworokątnych płytach kamiennych i spięte żelaznymi pasami; Od filarów promieniowały we wszystkich kierunkach żelazne pręty, do których zewnętrznych końców przymocowano żelazną ramę - otaczały one kamienne filary w równych odległościach, zamieniając je w ramę. Posąg budowano kawałek po kawałku z glinianego modelu przez ponad dziesięć lat. Według rekonstrukcji Helios miał na głowie koronę w postaci promieni słonecznych, prawą rękę przykładał do czoła, a lewą ręką trzymał płaszcz, który opadał na ziemię i służył jako punkt podparcia. Kolos zawalił się podczas trzęsienia ziemi 227 (222) ᴦ. p.n.e., a jego ruiny leżały przez ponad osiem wieków, aż Arabowie załadowali je na 900 (!) wielbłądów i wywieźli „materiały budowlane” na sprzedaż.

· Paeonia należy do posągu bogini Nike (ok. połowa V w. p.n.e.): postać jest pochylona lekko do przodu i równoważona dużym, falującym płaszczem w jaskrawych kolorach (il. 116).

Atlanta– posągi męskie podtrzymujące sufity budynków przymocowane do ściany. Według mitów grecki tytan, brat Prometeusza, miał utrzymać niebo na skrajnych zachodnich krańcach Ziemi w ramach kary za udział w walce tytanów z bogami.

Kariatyda- rzeźbiarski wizerunek stojącej postaci kobiecej. Jeśli na głowie posągu znajdował się kosz kwiatów lub owoców, wówczas nazywano go kanefora(od łac. nosiciel kosza). Pochodzenie słowa „kariatyda” wywodzi się albo od kariatyd – kapłanek świątyni Artemidy w Carii (matka-księżyc Artemis Caria była również nazywana kariatydą).

Były też posągi nagrobne (il. 68-c, 68-d).

Geneza i przyczyny cech rzeźby greckiej

Materiał i jego obróbka

Od VII wieku p.n.e. Grecy używali już marmuru (il. 130). Rzeźbiarze często dążyli do swobodnych póz i ruchów, ale obiektywnie były one nieosiągalne w jednym kawałku marmuru. Z tego powodu często spotyka się posągi składające się z kilku części. Korpus słynnej Wenus z Milo (il. 75) został wyrzeźbiony z marmuru pochodzącego z wyspy Paros, część ubrana została wykonana z innego rodzaju kamienia, ramiona wykonano z oddzielnych części, mocowanych metalowymi klamrami.

System obróbki kamienia.

W okresie archaicznym najpierw nadano bryle kamienia czworościenny kształt, a na jego płaszczyznach rzeźbiarz narysował rzut przyszłego posągu. Następnie zacząłem rzeźbić jednocześnie z czterech stron, w warstwach pionowych i płaskich. Miało to dwie konsekwencje. Przede wszystkim posągi wyróżniały się całkowicie nieruchomą, prostą pozą, bez najmniejszego obrotu wokół własnej osi pionowej. Po drugie, niemal wszystkie archaiczne posągi mają na twarzy uśmiech, zupełnie niezależny od sytuacji, jaką przedstawia posąg (il. 131, 132). To dlatego, że metoda przetwarzanie twarzy jako płaszczyzny położonej pod kątem prostym do dwóch pozostałych płaszczyzn głowy doprowadziło do tego, że rysy twarzy (usta, kontur oczu, brwi) zostały zaokrąglone nie w głąb, ale ku górze.

O konstrukcji archaicznej postaci w dużej mierze decyduje metoda pracy rzeźbiarza – wstępne przygotowanie prostokątnego bloku kamienia – która nie pozwalała na przedstawienie postaci np. z uniesionymi ramionami.

Rzeźba z brązu.

Oczy posągu z brązu inkrustowano szklistą pastą i kolorowym kamieniem, a fryzury lub dekoracje wykonywano ze stopu brązu o innym odcieniu; usta często złocono lub pokrywano złotymi płytkami.

Wcześniej, na przełomie VII-VI w. p.n.e., ze względu na ogromne znaczenie oszczędzania brązu, w Grecji rozpowszechniła się technika wykonywania posągów, kiedy drewniane figury przybijano blachami z brązu. Podobna technika była znana na Wschodzie, zamiast brązu używano tylko złota.

Polichromować.

Grecy malowali odsłonięte części korpusu rzeźb w kolorze cielistym, ubrania w kolorze czerwonym i niebieskim, a broń w kolorze złotym. Oczy zostały namalowane na marmurze.

Rola kompozycji plastycznej.

Rzeźbiarz już na początku swojej pracy musiał wziąć pod uwagę punkt widzenia, z którego będzie postrzegany posąg, optyczną relację pomiędzy posągiem a widzem. W ten sposób rzemieślnicy dokładnie obliczyli efekt optyczny posągów umieszczonych na frontonie. Na Partenonie skrócono dolną część postaci siedzących posągów i wydłużono górną część ciała. Jeśli postać była mocno przechylona, jej ręce i nogi były skracane lub wydłużane w zależności od pozycji figury.

Motywy ruchu w rzeźbie

Polikleit uważany jest za wynalazcę innego rodzaju ruchu. Esencja „ruch przestrzenny” w tym sensie, że oznacza ruch w przestrzeni, ale bez widocznego celu, bez określonego motywu tematycznego. Ale wszystkie członki ciała funkcjonują, pędząc albo do przodu, albo wokół własnej osi.

Grecki rzeźbiarz starał się „przedstawić” ruch. Pokazywał gesty, chód, napięcie mięśni Funkcje ruchy.

Dowiedz się więcej o ewolucji rodzajów ruchu.

Poszukiwanie dynamiki zaczyna się od stóp posągu. Pierwszą oznaką ruchu jest ruch lewej nogi do przodu. Całą podeszwą twardo stąpa po podłożu. Ruch rejestrowany jest tylko na szkielecie i kończynach. Ale podczas wszystkich archaików tułów pozostaje nieruchomy. Ramiona i nogi działają po jednej stronie ciała, prawej lub lewej.

U Mirona w „Discoballu” cały ciężar ciała spada na prawą nogę, lewa ledwo dotyka ziemi.

Plastyczna ekspresja rzeźby klasycznej.

W epoce hellenistycznej pojawiło się pragnienie maksymalnej wyrazistości, energetycznych wypukłości i zakamarków formy. Tak pojawiły się mięśnie sportowca Herkulesa (ryc. 136).

Greccy rzeźbiarze najpierw zindywidualizowali posiedzenie statua. Podstawą zmiany jakościowej jest zupełnie inne umiejscowienie posągu. Wrażenie indywidualnej postawy polega na stworzeniu opcji, gdy osoba siedzi na czubku siedziska nie całym ciałem i nie całym siedziskiem. Kiedy siedzenie opadło poniżej kolan siedzącej osoby, powstała zrelaksowana i swobodna poza. Powstało bogactwo kontrastów – skrzyżowane ramiona, noga umieszczona na nodze, ciało siedzącej osoby obraca się i wygina.

Ubrania i draperie.

Jednym z podstawowych celów draperii w rzeźbie jest cel funkcjonalny ubioru (czyli jego związek z ciałem człowieka). W rzeźbie greckiej cel ten znalazł najżywsze ucieleśnienie. W epoce klasycznej sprzeczność między ubraniem a ciałem przekształciła się w harmonijną interakcję. Ubrania powtarzały, podkreślały, uzupełniały, a czasem zmieniały formy i ruchy ciała w rytmie ich fałd (il. 136-a).

Styl klasyczny rozwinął podstawową zasadę draperii. Długie, proste, pionowe plisy podkreślają i jednocześnie ukrywają pochyloną nogę, swobodna nogawka modelowana jest poprzez ubranie z lekkimi fałdami. W połowie V wieku. PNE. Rzeźbiarze rozwiązali także ten problem – ukazując ciało poprzez ubranie we wszystkich jego krągłościach.

Grupa rzeźbiarska (posągowa). Jeśli sens kompozycji ujawni się tylko z jednego punktu widzenia, posągi są od siebie odizolowane, niezależne, można je od siebie odsuwać, ustawiać na osobnych cokołach, tak aby w efekcie końcowym istniały niezależnie od siebie. inny, to taki skład nie może nazwać go prawdziwą grupą posągową. W Grecji w epoce stylu klasycznego grupa rzeźbiarska osiąga etap ucieleśniania ludzkich relacji między postaciami, wspólnego działania i wspólnego doświadczenia.

Problem światła w rzeźbie.

Portret rzeźbiarski

Przedstawiona płaskorzeźba nagrobna Tylko osoba.

Dzieje się tak dlatego, że harmonijny rozwój fizyczny i duchowy był przez Greków postrzegany jako warunek osiągnięcia zarówno harmonii estetycznej, jak i obywatelsko-bohaterskiej użyteczności człowieka. Z tego powodu starożytnym wydawało się całkowicie naturalne ucieleśnianie w posągach, na przykład sportowców, nie indywidualnych cech konkretnej osoby, ale istotnych, typowych, wartościowych i uniwersalnych cech doskonałej osoby (lub każdej osoby): siła, zręczność, energia, proporcjonalna uroda ciała itp. d. Indywidualność była postrzegana jako przypadkowe odchylenie od normy. Z tego powodu nie tylko sztuka grecka, ale cała sztuka starożytna była wolna od prywatności, zwłaszcza w wizerunkach legendarnych bohaterów i bogów.

Na koniec zwróćmy uwagę na rzecz paradoksalną: w Grecji przywiązywano dużą wagę do indywidualności, wyjątkowości, natomiast np. portretowanie uznawano za przestępstwo państwowe. Bo rolę jednostki w klasycznej kulturze starożytnej pełni „bohater zbiorowy” – polis.

Istniały dwa główne typy wizerunków człowieka epoki archaicznej: surowa, młodzieńcza, naga, atletyczna sylwetka z zaciśniętymi pięściami - kuros(il. 139, 140, 141) i skromnie ubrana kobieta, jedną ręką podnoszącą fałdy sukni, drugą ofiarującą bogom dar, - kora(il. 142, 143). W ten sposób można przedstawić zarówno zwykłych śmiertelników, jak i bogów. W czasach nowożytnych kouros często nazywano „Apollosem”; obecnie przyjmuje się, że były to wizerunki sportowców lub nagrobki. Lekko wysunięta do przodu lewa noga kouros wskazuje na wpływy egipskie. Kora ( grecki. dziewczyna) to nowoczesne określenie postaci kobiecych epoki archaicznej. Rzeźby te służyły jako wota przynoszone do sanktuarium. W przeciwieństwie do kouros, figurki kor były udrapowane.

W pierwszej połowie V w. PNE. wykształcił się określony typ twarzy: zaokrąglony owal, prosty grzbiet nosa, prosta linia czoła i nosa, gładki łuk brwi wystający ponad migdałowe oczy, raczej pulchne usta, brak uśmiechu. Włosy potraktowano miękkimi, falistymi pasmami podkreślającymi kształt czaszki („Delphic Charioteer”).

Brat Lysipposa, Lysistratus, jako pierwszy wyrzeźbił twarze na podobieństwo portretów, w tym celu wykonał nawet gipsowe odlewy żywych twarzy.

W drugiej połowie V w. PNE. Poliklet opracował prawo idealnych proporcjonalnych składników ciała ludzkiego. W rzeźbie wszystkie proporcje ludzkiego ciała zostały obliczone w najdrobniejszych szczegółach. Ręka – 1/10 wysokości, głowa – 1/8, stopa i głowa z szyją – 1/6, ramię do łokcia – ¼. Czoło, nos i usta wraz z brodą są równej wysokości, od czubka głowy do oczu - tak samo jak od oczu do końca brody. Odległość od korony do pępka i od pępka do palców stóp

Najsłynniejsze dzieła starożytnej rzeźby greckiej. - koncepcja i rodzaje. Klasyfikacja i cechy kategorii „Najsłynniejsze dzieła rzeźby starożytnej Grecji”. 2017, 2018.