Sukces edukacji i szkolenia w dużej mierze zależy od metod i technik stosowanych przez nauczyciela do przekazywania dzieciom określonych treści, kształtowania ich wiedzy, umiejętności i umiejętności, a także rozwijania umiejętności w określonej dziedzinie działalności.

Pod metodami nauczania sztuk pięknych i projektowania rozumiemy system działań nauczyciela, który organizuje zajęcia praktyczne i poznawcze dzieci, którego celem jest opanowanie treści określonych w Federalnym Państwowym Standardzie Edukacyjnym dla Podstawowej Edukacji Ogólnej.

Metody szkoleniowe nazywane są indywidualnymi szczegółami, składnikami metody.

Tradycyjnie metody nauczania klasyfikuje się ze względu na źródło, z którego dzieci czerpią wiedzę, umiejętności i zdolności, ze względu na sposób, w jaki ta wiedza, umiejętności i zdolności są prezentowane.

Ponieważ dzieci w wieku szkolnym zdobywają wiedzę w procesie bezpośredniego postrzegania przedmiotów i zjawisk otaczającej rzeczywistości oraz z przekazów nauczyciela (wyjaśnienia, opowieści), a także w bezpośrednich działaniach praktycznych (projektowanie, modelowanie, rysowanie itp.). ), wyróżnia się metody:

wizualny;

werbalny;

Praktyczny.

Jest to tradycyjna klasyfikacja. Ostatnio opracowano nową klasyfikację metod. Autorami nowej klasyfikacji są: Lerner I.Ya., Skatkin M.N. obejmuje następujące metody nauczania:

informacyjny - receptywny;

rozrodczy;

badania;

heurystyczny;

sposób prezentacji problemu

Metoda informacyjno-recepcyjna obejmuje następujące techniki:

oglądanie;

obserwacja;

wycieczka;

próbka nauczyciela;

wystawa nauczyciela.

Metoda werbalna obejmuje:

opowieść, historia sztuki;

wykorzystanie próbek nauczycieli;

słowo artystyczne.

Metoda reprodukcyjna to metoda mająca na celu utrwalenie wiedzy i umiejętności dzieci. Jest to metoda ćwiczeń, która doprowadza umiejętności do automatyzmu. Obejmuje:

otrzymanie powtórki;

praca nad szkicami;

wykonywanie ruchów kształtujących ręką.

Metoda heurystyczna ma na celu uzewnętrznienie niezależności w dowolnym momencie pracy w klasie, tj. Nauczyciel prosi dziecko o samodzielne wykonanie części pracy.

Metoda badawcza ma na celu rozwój u dzieci nie tylko samodzielności, ale także wyobraźni i kreatywności. Nauczyciel oferuje samodzielne wykonanie nie jakiejkolwiek części, ale całej pracy. Sposób prezentacji problemu, zdaniem dydaktyków, nie może być stosowany w nauczaniu młodszych uczniów: ma zastosowanie tylko do starszych uczniów.

W swoich działaniach nauczyciel wykorzystuje różnorodne metody i techniki rysowania, modelowania, stosowania i projektowania.

Zatem w rysunku główną techniką na pierwszych zajęciach jest pokazanie, jak należy używać ołówków i farb. Najskuteczniejszą techniką są ruchy bierne, gdy dziecko nie działa samodzielnie, ale z pomocą. Efektowna gra ruchowa obrazkowa o jednolitym, rytmicznym charakterze z wymową słów: „w przód i w tył”, „góra – dół” itp. Technika ta pozwala skojarzyć obraz przedmiotu z ruchem obrazowym.

Najważniejszą techniką metodologiczną jest wykorzystanie instrumentów literackich i muzycznych. Inną metodą pracy w klasach podstawowych jest współtworzenie nauczyciela z dziećmi.

W klasach niższych na zajęciach z rysunku aktywnie wykorzystuje się metodę informacyjną. Skuteczny sposób na poznanie kształtu przedmiotu jest szczególnie przydatny przed zajęciami: dzieci okrążają kształt rękami, bawią się flagami, piłeczkami, piłeczkami, czują ich kontury. Takie zbadanie tematu tworzy jego pełniejszy obraz.

Skuteczna jest także technika badania obiektu poprzez przesuwanie dłonią po jego konturze i pokazywanie tego ruchu w powietrzu.

Zatem głównymi zasadami metodologicznymi nauczania sztuk pięknych jest szereg cech:

1. Dostępność zadań.

Proces rysowania wiąże się z percepcją i badaniem obiektów rzeczywistości, ze zrozumieniem cech percepcji formy, otoczenia, oświetlenia, wpływu jednego koloru na drugi itp. O dużym zainteresowaniu dzieci rysunkiem wie każdy nauczyciel, każdemu znana jest odwaga, a czasem wielka ekspresja samodzielnych rysunków dzieci. W związku z tym czasami możliwości dzieci są przeceniane - stawiane są im przytłaczające zadania. Nie wychodzi im to na dobre.

Ale nie należy też lekceważyć możliwości uczniów, nadmiernie zawężać zadań, czy ograniczać zakresu przedstawianych obiektów. Wymagania takie mogłyby mieć miejsce w kopiowym systemie edukacji, jednak jest to nie do pogodzenia z zadaniami nauczania obrazu realistycznego, który opiera się na wizualnym postrzeganiu przedmiotów i zjawisk rzeczywistości.

Już od pierwszych kroków nauki rysowania, wraz z rozwojem postrzegania konkretnych obiektów i zjawisk rzeczywistości, dzieci wprowadzane są w zrozumienie elementów abstrakcji.

Im głębiej i pełniej dzieci poznają różne zjawiska rzeczywistości (np. perspektywę, oświetlenie), pojmują cechy percepcji wzrokowej, tym bardziej przystępne stają się metody analizy widzialnego kształtu obiektów, zrozumienie zasad konstruowania rysunek przenoszony jest z jednego obiektu na inny, o podobnej formie. Oprócz tego, wyciągając wnioski z obserwacji tego samego zjawiska na różnych obiektach i w różnych warunkach, uczniowie abstrahują konkretne idee w ogólne koncepcje i idee. Efektem każdego zadania powinien być rysunek, w którym uczeń w sposób możliwie najpełniejszy i przekonujący przekazuje przedmioty rzeczywistości.

W związku z tym o dostępności zadań w bardzo dużym stopniu determinuje charakter obrazu, do jakiego nauczyciel prowadzi uczniów przy rozwiązywaniu konkretnego problemu.

Zatem biorąc pod uwagę ogólny rozwój uczniów z wadą słuchu, rozwój ich zdolności wzrokowych determinuje dostępność zadań i wymagania dotyczące ich rysunków.

2. Kolejność zadań edukacyjnych

Określając kolejność zadań rysunkowych, należy wziąć pod uwagę specyfikę postrzegania przez uczniów obiektów rzeczywistości i procesu przedstawiania ich na płaszczyźnie.

Proces tworzenia obrazu przebiega w czasie, dzieli się na odrębne etapy. Dlatego nauczanie rysunku wiąże się z rozwojem umiejętności wyodrębniania przez uczniów poszczególnych stron w holistycznym obrazie wizualnym, aby przenieść je na płaszczyznę, nie tracąc przy tym całości.

Wraz z tym od samego początku nauki dzieci rozwijają umiejętność widzenia obiektów przedstawionych na rysunku (za liniami, kreskami, tonem, kolorem tak całościowo jak w rzeczywistości), a także porównywania obrazu z rzeczywistością, oceny rysunek na wszystkich etapach jego realizacji.

Na każdym etapie nauki, przy którymkolwiek z najprostszych zadań polegających na przekazywaniu holistycznych obrazów wizualnych obiektów, uczniowie zawsze otrzymują grupę zadań.

W nauczaniu rysunku ogromne znaczenie mają zadania liniowej konstrukcji kształtu obiektów na płaszczyźnie arkusza. Główny rozwój tych zadań wiąże się ze stopniowym opanowaniem przenoszenia w rysowaniu objętości obiektów i ich położenia w przestrzeni. Na zajęciach z malarstwa nacisk położony jest na analizę koloru, odzwierciedlenie własnych emocji związanych z danym kolorem.

3. Wymagania dotyczące rysunków uczniów.

Wymagania stawiane rysunkom uczniów można podzielić na dwie główne grupy odpowiadające różnym zadaniom edukacyjnym: wymagania związane z techniczną stroną pracy oraz wymagania związane z estetyczną stroną aktywności wizualnej:

Zatem wymagania techniczne mogą być następujące:

prawidłowe położenie rysunku na arkuszu;

przeniesienie proporcji obiektów zgodnie z przedstawioną rzeczywistością;

opanowanie linii i plamki jako sposobu przenoszenia kształtu obiektów na płaszczyznę;

przekazywanie charakterystycznych cech koloru przedmiotów.

Istnieją również wymagania dotyczące rysunków uczniów związanych z perspektywicznym obrazem obiektów:

przedstawiając przedmioty z natury, przekazuj zjawiska perspektywiczne tak, jak są one widoczne dla ucznia z jego punktu widzenia;

począwszy od trzeciego stopnia czerpania z natury poszczególnych prostokątnych obiektów, aby z określonego punktu widzenia oddać redukcje powierzchni obiektów obróconych w głąb, bez naruszania struktury i proporcji;

prawidłowo przekazać kierunek linii podstawy i góry obiektów, biorąc pod uwagę poziom wzroku oraz koordynować górę i dół przedstawionego obiektu na rysunku, koncentrując się na pewnym poziomie widzenia;

przekazywać dalszą granicę płaszczyzny poziomej, na której znajdują się obiekty;

rysując grupy obiektów z życia, przenieś na arkusz podstawy obiektów bliskich poniżej, podstawy obiektów odległych - powyżej, zgodnie ze specyficznymi relacjami przestrzennymi obiektów w przyrodzie.

4. Świadomość i emocjonalność procesu edukacyjnego.

Aby osiągnąć dobre wyniki w nauczaniu rysunku, obok prawidłowego doboru zadań, bardzo ważną rolę odgrywa wykorzystanie przez nauczyciela wszelkich możliwości dydaktycznych i edukacyjnych tkwiących w rysunku, jako w procesie rozwijania potrzeb estetycznych. Jego możliwości są bardzo szerokie, gdyż proces rysowania jest znaczącym przeniesieniem rzeczywistości, dzięki nie tylko percepcji wzrokowej, ale także zrozumieniu jej istoty, świadomości jej cech.

Głównymi przesłankami działania procesu edukacyjnego jest zrozumienie przez dzieci zadań obrazu i emocjonalne podejście zarówno do natury, jak i do samego procesu rysowania.

Aby poprawić jakość całego procesu rysowania, należy wzbudzić w dzieciach postawę emocjonalną, wzbudzić radosne oczekiwanie na ciekawą pracę. Oprócz tego zainteresowanie powinno być utrwalone i wspierane walorami estetycznymi samej natury - jej kształtem, kolorem, powierzchnią, sposobem ustawienia, oświetlenia, na jakim tle się znajduje i czy jest wyraźnie widoczna dla malujących. Muszą zobaczyć cechy natury, zrozumieć je, dowiedzieć się, co jest im znane w przedmiotach i ich położeniu w przestrzeni, co jest nowe.

Początkowe postrzeganie natury jest zwykle całościowe. Bardzo ważne jest, aby było emocjonalne. Ma to ogromny wpływ na dalszy rozwój percepcji związanej z analizą przyrody.

Rozpoczynając rysowanie należy obudzić w uczniach emocjonalny stosunek do tematu. Nauczyciel może skierować uwagę uczniów na oglądanie obrazów, słuchanie muzyki itp. Uzupełniając się, te środki oddziaływania emocjonalnego będą stopniowo prowadzić dzieci do pełniejszego postrzegania rzeczywistości, a także do wyboru dostępnych im środków reprezentacji.

Na różnych etapach nauki dzieci zazwyczaj doświadczają poczucia radości i satysfakcji estetycznej z pracy. Ważnym punktem w sztukach wizualnych jest refleksja, tworzenie elementu oceniającego. Analizując swoje rysunki w trakcie pracy i rysunki kolegów pod koniec pracy, uczniowie uczą się nie tylko przekazywać otaczającą rzeczywistość za pomocą plastyki, ale także świadomości pojęć „piękne - brzydkie”, „dobrze - źle”… Daje to nauczycielowi możliwość rozwinięcia gustu uczniów, zapoznania ich z kulturą materialną nowoczesności i przeszłości, doskonalenia umiejętności technicznych.

Metody nauczania sztuk pięknych

Obecnie istnieje bardzo duża liczba technik rysunkowych. A z tego, jak uczymy dzieci rysować, a teraz dorośli również zaczęli uczyć się wielu sztuk, ważne jest, aby wiedzieć, jak prawidłowo uczyć?

W tej pracy kontrolnej rozważymy okresy historyczne, epoki różnych cywilizacji i spróbujemy zrozumieć, co jest tak ważne i konieczne dla naszego pokolenia ludzi żyjącego w epoce technologii informatycznych, w czasach, gdy maszyny są w stanie wykonać wiele Funkcje. Ale to jest nasz problem z tobą, żelazo nie jest w stanie przekazać tak wielu emocji i przeżyć, do jakich zdolna jest ludzka umiejętność w dziedzinie sztuki. Ważne jest, aby umieć zrozumieć różnicę pomiędzy tym, co robi się z duszą i ciepłem, a tym, co jest fabrycznie, wytłoczone w tysiącach egzemplarzy, ale bez duszy.

„Historia metod nauczania rysunku to nie tylko zbiór interesujących i wiarygodnych faktów, to przede wszystkim historia rozwoju idei i poglądów pedagogicznych” – pisze Rostowcew w swojej książce o badaniu metod rysowania w językach obcych krajów „historia metod nauczania nie tylko opowiada o przeszłości, ale także utrwala zgromadzone doświadczenia poprzednich pokoleń, pomaga prawidłowo rozwiązywać współczesne problemy.

Era społeczeństwa prymitywnego.

Już we wczesnym okresie prymitywnym ludzie zaczęli uczyć się rysować. Za pomocą wyraźnych linii na powierzchni kości lub ściany jaskini osoba pewną i pewną ręką odtwarzała różne przedmioty, zwierzęta, a nawet ludzi.

Aby uzyskać tak wyraźne obrazy, musiał wyćwiczyć wzrok i stanowczość dłoni. Od takich momentów i w naszych czasach rozpoczyna się szkolenie w szkołach artystycznych i szkołach artystycznych. Uczymy się także kontrolować ruch ręki, koordynując go z okiem i umysłem.

Być może przyswajanie umiejętności w starożytności miało charakter bezpośredniej, żywej obserwacji i naśladownictwa. Kiedy mężczyzna malował zwierzęta i sceny myśliwskie, zainteresowana młodzież z uwagą śledziła jego fascynującą twórczość. Być może niektórzy od razu zaczęli go naśladować, inni później powtarzali metody pracy. Te same techniki wykorzystujemy prowadząc różne kursy mistrzowskie i zajęcia otwarte.

W okresie neolitu tendencja realistyczna wykazuje tendencję spadkową. Rzemieślnicy stopniowo tracą umiejętność prawidłowego oddania form przedmiotów, obrazy stają się coraz bardziej schematyczne i warunkowe, prymitywny artysta nabywa umiejętność abstrakcji, uogólniania, rozumienia podstaw kształtowania, dostrzegania podobieństw i różnic w naturze kształtu obiekty. To także zadania, które mają miejsce w naszych czasach, kiedy uczy się robić stylizowane, uproszczone rysunki, zwłaszcza dla tych, którzy zajmują się projektowaniem.

Pod koniec okresu starożytnego ówczesny artysta przestrzegał pewnych kanonizowanych form i zasad, których uczył swojego ucznia. I mamy też to, różne podręczniki i tabele do nauki rysowania.

Epoka starożytnego Egiptu.

Starożytny Egipt to czas, w którym po raz pierwszy powstały specjalne szkoły artystyczne, z przejrzystym systemem nauczania, z jasną metodologią nauczania rysunku. Szkoły te uczyły zasad i praw konstruowania obrazu i wymagały od uczniów ścisłego ich przestrzegania.

Opracowano kanony do przedstawiania osoby, kwiatu lotosu, świętych zwierząt i różnych przedmiotów. Te raz na zawsze ustalone kanony z jednej strony pomagały początkującemu artyście w szybkim opanowaniu procesu konstruowania obrazu przedmiotów, z drugiej zaś krępowały i ograniczały jego możliwości twórcze. Ta technika jest dla nas interesująca, ponieważ naszym zdaniem na początku rysowania można tę technikę zastosować, opowiadając, pokazując, a nawet można zapamiętać zasady konstruowania wielu obiektów i istot żywych, aby osiągnąć większy realizm w rysunku rysunek.

Przedstawiając postać ludzką, gliniana powierzchnia tablicy została po raz pierwszy narysowana przez Egipcjan cienkimi liniami w równe kwadraty. Komórki te posłużyły uczniowi za wytyczne dotyczące prawidłowego przedstawienia postaci ludzkiej. Na gotowym rysunku komórki te uległy zniszczeniu: zmiażdżono je palcem i dokładnie wypoziomowano powierzchnię deski.

Ta metoda jest bardzo podobna do naszej, gdy przenosimy szkic do dużego formatu. Stosujemy również siatkę, ponieważ ta metoda pomaga poprawnie przenieść rysunek i bez zmiany jego proporcji, a jedynie zwiększyć skalę.

Wiek starożytności.

Greccy artyści zapożyczyli od Egipcjan metodę badania proporcjonalnych wzorców budowy sylwetki ludzkiej - obliczenia matematyczne. Ale jednocześnie Grecy, badając przyrodę, obserwując piękno nagiego ludzkiego ciała, znaleźli wiele uroku i harmonii, co nie jest przypadkiem, że bogowie zaczęli być przedstawiani na obraz i podobieństwo ludzi.

Ważne jest również, abyśmy nauczyli się odczuwać, a nie tylko mechanicznie przekazywać podobieństwo obiektów.

Za pierwszego malarza sztalugowego uważa się Apollodora z Aten, który wprowadził do techniki malarskiej mieszanie kolorów między sobą i ich gradację według światła i cienia.

Stało się to w V wieku p.n.e. mi. Czy ktoś może wątpić w słuszność takiego użycia kolorów we współczesnej naturalistycznej szkole artystycznej? Nauka prawidłowego łączenia kolorów jest ważnym zadaniem.

Zeuxis, artysta starożytnej Grecji, w oparciu o studia nad naturą, próbował znaleźć i ustalić ideał i kanon piękna. Tego uczy współczesna szkoła rysunku - naucz się tworzyć kompozycję przy użyciu naturalnego materiału.

Linia na rysunku odegrała kluczową rolę w epoce starożytnej Grecji. Przedstawiając przedmiot, artysta musiał wyraźnie, bez zbędnych kresek i zawijasów, zarysować liniami kształt przedmiotu. A tego można było dokonać jedynie w wyniku wieloletniej nauki. Greccy artyści opanowali wysoką technikę rysunku, doskonale znali kształt i budowę ludzkiego ciała.

Czy nie uczymy się czerpać z natury, zapamiętywać proporcje? Jest to ważne, jeśli chcemy opanować poprawny rysunek akademicki.

Greccy artyści po raz pierwszy w historii rozwoju rysunku edukacyjnego wprowadzili światłocień i podali przykłady perspektywicznej konstrukcji obrazu na płaszczyźnie, kładąc podwaliny pod realistyczne czerpanie z życia.

Greccy artyści-wychowawcy ustalili właściwą metodę nauczania rysunku, która opierała się na czerpaniu z życia. Po raz pierwszy wśród Greków rysunek jako przedmiot akademicki otrzymuje właściwy kierunek. Pod tym względem na szczególną uwagę zasługuje szkoła rysunku Sikyon i jej faktyczny przywódca – Pamphilus, dzięki któremu rysunek zaczęto uważać za przedmiot kształcenia ogólnego i wprowadzono go we wszystkich szkołach ogólnokształcących w Grecji. Jako pierwszy zrozumiał, że rysunek rozwija myślenie przestrzenne i reprezentację figuratywną, niezbędne ludziom wszelkich zawodów.

Dzisiejsi nauczyciele i dzieci w szkołach ogólnokształcących starają się zapomnieć o tym jakże istotnym fakcie. Z roku na rok coraz mniej godzin przeznacza się na naukę sztuki. A to, jak widzimy, jest ważną lekcją w rozwoju dziecka.

W epoce Cesarstwa Rzymskiego artysta-nauczyciel mniej myślał o wysokich problemach twórczości artystycznej, interesował się głównie rzemieślniczą i techniczną stroną sprawy. Dlatego w nauczaniu rysunku, kopiowania z próbek dominowało mechaniczne powtarzanie metod pracy, co z kolei zmuszało artystów rzymskich do coraz większego odchodzenia od tych głęboko przemyślanych metod nauczania.

Ten moment zasługuje na naszą uwagę, bo zawsze musimy pamiętać, że to co tworzymy własnymi rękami, wkładamy w to nasze emocje. Nie powinieneś na ślepo powtarzać za kimś bez myślenia i odczuwania. Jeśli chcemy zrobić coś, co sprawi, że wielu pomyśli o życiu - to jest zadanie naszej pracy. I niech mniej wykształceni ludzie korzystają ze zwykłego stemplowania.

Epoka średniowiecza.

W średniowieczu osiągnięcia sztuki realistycznej poszły w zapomnienie. Artyści nie znali ani zasad konstruowania obrazu na płaszczyźnie, którymi posługiwali się wielcy mistrzowie starożytnej Grecji, ani osiągnięć w dziedzinie metod nauczania, przy pomocy których wychowali wspaniałych rysowników i malarzy.

Ideolodzy średniowiecznych sztuk pięknych odrzucili tendencje realistyczne, gdyż realistycznie oddana natura wywoływała w widzu wrażenie „ziemskie”.

Metodę tę możemy zastosować także wtedy, gdy chcemy przekazać w obrazie głębokie znaczenie fabularne, co wykorzystują artyści abstrakcjoniści.

W średniowieczu dużą wagę przywiązywano do kopiowania, ta metoda była główna na obrazie. Oto jedna z możliwości wykonania kopii: „Jeśli na odwrocie oryginału nie ma rysunku ani plam, połóż na nim niezaolejony papier, przyłóż pod światło, do okna lub ramy okna i, widząc wszystkie funkcje, narysuj je ostrożnie na papierze i zaznacz światła czerwoną farbą. Wykonane w ten sposób zdjęcie będzie podobne do oryginału w taki sam sposób jak pierwsze.

W naszych czasach również stosujemy tę metodę, opierając prześcieradła o okno lub kładąc je na szklanym blacie oświetlonym wiązką światła. Ta metoda kopiowania pozwala uzyskać bardzo dokładny wzór powtórzeń.

Metodą nauczania rysunku w warsztatach średniowiecznych było czysto rękodzieło: kopiowanie próbek i technik pracy mistrza. Nie praktykowano studiowania przyrody i przyrody w sensie akademickim. Rysunku uczył mistrz, który nie przestrzegał ścisłego systemu i jasnych metod nauczania. Większość uczniów uczyła się samodzielnie, przyglądając się uważnie twórczości mistrza.

Technikę tę mogą zastosować nauczyciele, którzy nie chcą uczyć ścisłych praw proporcji i perspektywy. Naszym zdaniem takie momenty nauczania rysunku mają zastosowanie w ramach kształcenia dodatkowego na zajęciach pozalekcyjnych, gdzie nie ma tak ściśle ustalonych zasad rysowania, jak w szkołach artystycznych.

Renesans.

Renesans jest ściśle powiązany ze sztuką starożytności. Ponieważ wszyscy główni mistrzowie badający wykopaliska starożytności inspirowali się tworzeniem swoich dzieł. Najlepsi mistrzowie sztuk pięknych zaczynają pracować nad problematyką rysunku, starają się ożywić kulturę starożytną, kolekcjonują i badają zabytki sztuki starożytnej. W swoich badaniach korzystają z osiągnięć optyki, matematyki i anatomii. Nauki o proporcjach, perspektywie i anatomii plastycznej znajdują się w centrum uwagi teoretyków i praktyków sztuki.

Oznacza to, że aby stworzyć wartościowy produkt w sztuce, nie wystarczy tylko poprawnie narysować, analizując temat. Ważne jest również poznanie jego konstrukcji, funkcji, wszystkich części wewnętrznych, aby móc poprawnie oddać charakter przedmiotu.

Cennino Cennini w swoim Traktacie o malarstwie napisał: „Wiedz, że aby się uczyć, potrzeba dużo czasu: dlatego już w dzieciństwie, przynajmniej przez rok, trzeba ćwiczyć rysowanie na tablicy. Następnie - zostać przez jakiś czas z nauczycielem w pracowni, aby móc pracować we wszystkich gałęziach naszej sztuki. Następnie - zacznij wycierać farby i rób to przez chwilę, następnie przeszlifuj gips, nabierz umiejętności gruntowania płyt gipsem, wykonaj reliefy z gipsu, zeskrobuj, złoć, dobrze słojuj. I tak powinno być przez sześć lat. Potem – kolejne sześć lat na praktykę malarstwa, dekorowanie zaprawami, pisanie złotych tkanin, praktykę pracy na ścianie, ciągłe rysowanie, nie opuszczając żadnych świąt i dni roboczych.

Tylko w ten sposób i w naszych czasach można opanować wszystkie subtelności produkcji dzieł. W szkołach artystycznych i na uczelniach wyższych uczniowie muszą nauczyć się wykonywać wszystkie etapy, od zrobienia noszy po namalowanie dzieła sztuki na płótnie. Jednocześnie staraj się nie opuszczać zajęć, pracować codziennie, nie zauważając weekendów i świąt.

„Trzy książki o malarstwie” zostały stworzone przez największego florenckiego architekta Leona Battistę Albertiego. Alberti postrzega rysowanie nie jako mechaniczne ćwiczenie, ale jako ćwiczenie umysłu. Ta mądra postawa i rysunek dały później Michałowi powód do powiedzenia: „Rysują głową, a nie rękami”. Bardzo ważna uwaga w praktyce rysowania. Trzeba przemyśleć, zdać sobie sprawę, jak iw jakiej kolejności pracować.

Cechą charakterystyczną metody nauczania rysunku w tej epoce była metoda osobistego pokazu.

Rada Albertiego, aby dawać obraz o dużych rozmiarach, również należy do wytycznych metodologicznych: „Słuchaj, po prostu tego nie rób, jak wielu, którzy uczą się rysować na małych tablicach. Chcę, żebyś ćwiczył na dużych rysunkach, prawie równych wielkością temu, co kopiujesz, bo na małych rysunkach każdy duży błąd łatwo jest ukryć, ale najmniejszy błąd jest doskonale widoczny na dużym rysunku.

Ten moment jest ważny, bo rzeczywiście, jeśli nauczysz się poprawnie przedstawiać w dużym formacie, to w mniejszym będzie to równie łatwe i poprawne.

Leonardo da Vinci wielokrotnie powtarzał, że teoria naukowa odgrywa kolosalną rolę w działaniach praktycznych, dlatego student musi najpierw przestudiować teorię, a potem przejść do praktyki, pisał: „Najpierw poznaj naukę, a potem zwróć się do praktyki, którą wytworzyła ta nauka”.

Z tego wynika, że ​​ważne jest nie tylko nauczenie się mechanicznego opanowania umiejętności rysowania, ale konieczne jest także przestudiowanie teorii. Książki są ważnym narzędziem do osiągnięcia sukcesu.

Leonardo radzi, jak najlepiej zorganizować naukę rysunku: „Mówię i potwierdzam, że rysowanie w towarzystwie jest o wiele lepsze niż w samotności i to z wielu powodów. Po pierwsze, będziesz zawstydzony, jeśli wśród rysowników będą na ciebie patrzeć, jakbyś nie radził sobie dobrze, i ten wstyd będzie powodem dobrego nauczania; po drugie, dobra zazdrość skłoni cię do znalezienia się wśród tych, którzy są bardziej chwaleni od ciebie, ponieważ pochwały innych będą cię pobudzać; a także to, co pożyczysz od pracy tych, którzy radzą sobie lepiej od ciebie.

Propozycja ta zawiera wiele pytań: liczbę uczniów w klasie, charakterystykę wieku itp. Ale już sam fakt, że na etapie nauczania ważne jest, aby być w zespole podobnie myślących osób, jest ważnym punktem w tworzeniu twórczego atmosfera.

Rozważymy twórczość innego artysty renesansowego, Albrechta Durera.

Szczególnie dużą wartość dla pedagogiki sztuki ma opracowana przez Dürera metoda generalizacji form (później zwana przycinaniem). Bardzo trudno jest oddać prawidłowy obraz perspektywiczny złożonej postaci, na przykład głowy, dłoni, postaci ludzkiej, a dla początkującego jest to po prostu niemożliwe. Ale jeśli złożoną formę maksymalnie uogólnisz na prostoliniowe formy geometryczne, wówczas z zadaniem z łatwością poradzą sobie nie tylko doświadczony, ale także początkujący artysta.

Nauczono nas tej metody, analizując figury i jej elementy, znajdujemy wiele figur geometrycznych, które upraszczają rysunek, unikając niepotrzebnych szczegółów.

W okresie renesansu metoda konstruktywnej analizy formy była szeroko stosowana przez artystów - nauczycieli. Wiele rysunków przekonująco o tym mówi, w tym rysunek Holbeina, który pokazuje nie tylko schemat struktury konstrukcyjnej głowy, ale także zmiany w widoku perspektywicznym konstrukcji na każdym zakręcie. Jeśli głowa jest pochylona w dół, wierzchołki łuków konstrukcyjnych są skierowane w dół; jeśli głowa zostanie odrzucona z powrotem do góry, wówczas wierzchołki łuków zostaną podniesione; jeśli głowa znajduje się na poziomie wzroku kreślarza, wówczas zamieniają się w równoległe linie.

Stosujemy tę wiedzę w praktyce, gdy trudno określić, czy głowa jest pochylona w dół, czy wyrzucona z powrotem do góry, wówczas znajomość wzorców budowy konstrukcyjnej głowy pomoże prawidłowo ustalić jej nachylenie i obrót na rysunku.

Dzieła mistrzów renesansu w dziedzinie perspektywy pomogły artystom uporać się z najtrudniejszym problemem konstruowania trójwymiarowego kształtu obiektów na płaszczyźnie. Udowodnili słuszność i aktualność swoich stanowisk zarówno teoretycznie, jak i praktycznie. Malarze renesansowi poświęcali także wiele uwagi studiowaniu anatomii plastycznej. Prawie wszyscy kreślarze byli zainteresowani prawami proporcjonalnego stosunku części ludzkiego ciała.

Mistrzowie renesansu umiejętnie wykorzystywali dane ze swoich obserwacji w praktyce sztuk pięknych. Ich prace zadziwiają głęboką znajomością anatomii, perspektywy i praw optyki.

Uznając dane naukowe za podstawę sztuk pięknych, artyści renesansu zwrócili szczególną uwagę na rysunek. Rysunek, jak mówili, zawiera wszystkie najważniejsze rzeczy potrzebne do udanej pracy twórczej.

Epoka XVII wieku.

Wiek XVII w historii metod nauczania rysunku należy uznać za okres kształtowania się rysunku jako przedmiotu akademickiego i rozwoju nowego systemu nauczania pedagogicznego – akademickiego. Najbardziej charakterystyczną cechą tego okresu jest tworzenie specjalnych instytucji edukacyjnych - akademii artystycznych i szkół artystycznych, w których poważnie ugruntowano nauczanie rysunku.

Szkoła akademicka w Carracci dała dobre wyniki. Każdy, kto ją ukończył, doskonale opanował każdy materiał rysunkowy, rozumiał znaczenie tonu, znał prawa perspektywy i anatomię plastyczną.

Po raz pierwszy w historii nauczania rysunku Carracci wprowadził w swojej Akademii nagrody za najlepsze wykonanie pracy pedagogicznej. Wyróżnianie najlepszych, zachęcanie do ich sukcesów to owocna metoda pracy z uczniami. Rozdając nagrody najlepszym uczniom, Carracci dopilnował, aby ci, którzy osiągnęli mniejsze sukcesy, dołożyli wszelkich starań, aby zwyciężyć i otrzymać nagrodę. Tego rodzaju rywalizacja zaszczepiła w każdym uczniu chęć bycia pierwszym.

Tę metodę zachęty stosuje się także współcześnie, co jest szczególnie istotne dla uczniów, gdy za dobre wyniki w nauce można uzyskać nie tylko przyjemną ocenę, ale i nagrody rzeczowe.

Tradycja stała się cechą charakterystyczną wszystkich kolejnych akademii. Studiując dziedzictwo i dostrzegając kulturę artystyczną swoich poprzedników, akademie przekazały to wszystko następnemu pokoleniu artystów, ściśle zachowując wspaniały i niewzruszony fundament, na którym ta tradycja została stworzona.

W okresie entuzjazmu dla nowych kierunków w sztukach wizualnych, który rozpoczął się pod koniec XIX wieku i nabrał szerokiego rozmachu w pierwszej ćwierci XX wieku, akademicki system edukacji poddawany był niekiedy niezasłużonej krytyce. Wielu artystów i historyków sztuki podeszło sceptycznie do akademickiego kierunku w sztuce.

Naszym zdaniem nic nowego i niezrozumiałego nie ma takiej wartości, jak zwykł mawiać jakiś „suchy akademizm”. Nie można tworzyć bez znajomości zasad. Tylko po dokładnym przestudiowaniu wszystkich wzorców można uzyskać realistyczny obraz akademicki. Ale potem, zgodnie z nastrojem każdego artysty, możesz iść na studia i stworzyć coś nowego, ekstrawaganckiego.

Rysunek to podstawa podstaw. Nie da się opanować rysunku bez poważnej wiedzy naukowej. Opanowując rysunek, uczeń jednocześnie poznaje świat. Możemy więc stwierdzić, że zajęcia z rysunku są przydatne dla każdego.

Wadą akademickiego systemu edukacji tamtych czasów był brak dbałości o indywidualność młodego artysty. Tutaj swoją rolę odegrała estetyka klasycyzmu, gdzie indywidualność jest całkowicie podporządkowana interesom narodu, państwa, co doprowadziło do idealizacji natury i człowieka, do odrzucenia przenoszenia indywidualnych cech natury.

Epoka XVIII - połowa XIX wieku.

Od XVIII do drugiej połowy XIX wieku akademie artystyczne Francji, Anglii, Rosji i Niemiec przeżywają swój „złoty wiek”. Wskazują artystom drogę na wyżyny sztuki, kształtują gust artystyczny, definiują ideał estetyczny. Rysunek jako podstawa sztuk pięknych znajduje się w centrum uwagi wszystkich uczelni. Przywiązuje się do niego szczególne znaczenie jako niezależnego przedmiotu akademickiego.

A dziś, począwszy od szkół artystycznych, rysunek jest odrębnym, niezależnym przedmiotem.

Akademie wiele zrobiły w zakresie rozwoju metod nauczania rysunku, malarstwa i kompozycji. Niemal każdy nauczyciel akademii zastanawiał się, jak ulepszyć metodologię, jak ułatwić i skrócić proces opanowywania materiału przez uczniów.

A dziś wielu tworzy własne metody, opracowuje programy szkoleniowe w zakresie rysunku.

W sztuce toczy się spór między akademizmem a rzeczywistością. Goethe pisze: „Uczeń musi najpierw wiedzieć, czego powinien szukać, co artysta może wykorzystać w naturze, jak powinien to wykorzystać dla celów artystycznych. Jeśli nie ma tej wstępnej wiedzy, żadne doświadczenie mu nie pomoże, a on, podobnie jak wielu naszych współczesnych, przedstawi jedynie zwykłe, na wpół zabawne lub, popadając w sentymentalizm, fałszywie zabawne. I dalej: „Nie należy jednak zapominać, że spychając ucznia bez wykształcenia artystycznego ku naturze, zostaje on oderwany jednocześnie od przyrody i sztuki”.

We współczesnej sztuce spotkamy wszystkie gatunki, techniki rysunkowe. Obecny czas jest bardzo zróżnicowany. To jest zarówno dobre, jak i złe. Dlatego bardzo ważne jest, aby najpierw opanować akademizm, a następnie tworzyć według własnego uznania, rozumiejąc, jaki jest ideał w sztuce.

Przywiązując dużą wagę do wskazówek metodologicznych, Reinolde po raz pierwszy w zachodnioeuropejskiej pedagogice sztuki wysuwa tezę, że nauczanie wymaga twórczego podejścia, że ​​nauka rysowania jest także sztuką.

Nawet teraz rozmawiamy o tym – nauka czy twórczość – z czego składa się pedagogika. Wydaje się, że trzeba umieć poprawnie połączyć te dwa obszary, wtedy pojawi się nowoczesny, poprawny zawód, w którym dzieci będą chciały iść na studia.

Tworząc w sztuce coś nowego, trzeba dbać o stare, nalega Louis David: „Nie oszukujcie się, obywatele, muzeum nie jest bynajmniej bezużytecznym zbiorem luksusowych przedmiotów i rozrywki, które mogą jedynie zaspokoić ciekawość. To musi stać się poważną szkołą. Nauczyciele będą tam posyłać swoich najmłodszych uczniów, ojciec zabierze tam syna. Młody człowiek na widok genialnych dzieł poczuje, jak przemówią w nim zdolności do nauki lub sztuki, które tchnęła w niego natura.

Już teraz staramy się nie tylko przekazywać teorię, praktykę, ale także uczyć widzieć i zapamiętywać dzieła innych artystów. Wyraża się to bardziej emocjonalnie podczas podróży na wycieczki, wystawy, wycieczki do muzeów.

Technika rysowania Dupuya jest bardzo interesująca: rozpoczynanie obrazu nie od części, ale od ogółu (od dużej formy). Aby zrealizować to zadanie, Dupuis stworzył specjalne grupy modeli głowy, części ciała i sylwetki ludzkiej. Każda grupa składała się z czterech modeli i odzwierciedlała pewną sekwencję metodologiczną w konstruowaniu obrazu. Przykładowo zaproponowano cztery modele wyjaśniające kolejność wizerunków głowy: pierwszy pokazywał kształt głowy w ujęciu ogólnym; drugi - w formie przycinania; trzecia – z nutą detalu i ostatnia – ze szczegółowym przestudiowaniem formy. W ten sam sposób analizowano kształt dłoni i stóp. Ten sposób pracy z uczniami był na tyle skuteczny, że ten sposób nauczania znalazł szerokie zastosowanie zarówno w szkołach ogólnokształcących, jak i w specjalnych szkołach artystycznych.

Ta technika rysowania jest bardzo edukacyjna. Wiele momentów nadal istnieje, ale tylko niewielka liczba głównych atrybutów, oczywiście byłoby lepiej, gdyby wszystkie instytucje specjalne miały dobrą bazę materialną, wizualną.

Pestalozzi twierdził, że rysunek powinien poprzedzać pisanie, nie tylko dlatego, że ułatwia proces opanowania inskrypcji liter, ale także dlatego, że jest łatwiejszy do strawienia.

Oczywiście dzieci najpierw uczą się prostych umiejętności rysowania, a następnie pisania liter i cyfr, co wyraźnie widać w metodach nauczania zajęć w przedszkolach.

Pedagogiczne zrozumienie cech rozwoju człowieka, szczególnie w dzieciństwie, pomaga nauczycielom plastyki w prawidłowym budowaniu procesu edukacyjnego w szkole. Szczególną rolę przypisuje się rysunkowi jako ogólnemu przedmiotowi edukacyjnemu.

Metoda geometryczna uznawana jest za najbardziej postępową i skuteczną, ponieważ pomaga dziecku analizować kształty obiektów, łatwiej jest nauczyć się praw perspektywy.

Epoka przełomu XIX i XX wieku.

Od drugiej połowy XIX wieku zainteresowanie metodami nauczania rysunku w specjalnej szkole artystycznej wyraźnie osłabło. Jednocześnie w szkole średniej rozwijane są szeroko rozumiane metody nauczania. Metodą nauczania rysunku zajmują się nie tylko artyści, ale także krytycy sztuki, psycholodzy, lekarze; obserwują uczniów, przeprowadzają eksperymenty, na podstawie których proponują formy i metody nauczania, korzystają ze specjalnych modeli i pomocy wizualnych, które pomagają uczniom szybciej i lepiej przyswoić materiał edukacyjny. Publikowanych jest szczególnie wiele podręczników do początkowej nauki rysunku.

Obecnie wiele uwagi poświęca się wczesnemu rozwojowi dzieci, technikę nietradycyjnego rysowania opanowuje się od najmłodszych lat.

L. Tadd zaczyna już uwzględniać w szkole szerszą gamę zajęć z przedmiotu rysunek - modelowanie w glinie, rzeźbienie w drewnie, obróbka metalu itp. Jego zdaniem „przy przedstawianiu form na rysunku, w glinie lub na drewnie, ze względu na w zależności od różnorodności materiałów nabywane i przyswajane są różne koordynacje fizyczne. Po ogólnym kursie podstawowym następują zajęcia stolarskie, ślusarskie, rysunek mechaniczny i architektoniczny, rysunek i malarstwo z natury.

Obecnie istnieje również wiele organizacji zajmujących się edukacją dodatkową, szkół, w których dzieci mogą opanować różne techniki, uczyć się różnych materiałów i pracować z nimi.

Zagłębiając się w metody nauczania rysunku w szkołach średnich końca XIX – początku XX w., zobaczymy, że w tym okresie przedmiot rysunku obejmował już cztery rodzaje zajęć: czerpanie z życia, na którym zajmowano się rysunkiem i malarstwo, rysunek dekoracyjny (zajęcia ze sztuki dekoracyjnej i użytkowej), rysunek tematyczny i opowiadanie o sztuce

To wszystko dyscypliny, które wchodzą w skład nowoczesnego programu nauczania w szkole artystycznej.

Badając historię nauczania rysunku w szkołach ogólnokształcących od ostatniej ćwierci XIX wieku do połowy XX wieku, zobaczymy, że rozwój metod nauczania szedł w dwóch kierunkach: przedstawiciele metody geometrycznej bronili kierunku akademickiego w nauczanie rysunku, treści naukowych i wiodącej roli nauczyciela. Przedstawiciele metody naturalnej, odrzucając akademicki kierunek w sztuce i przewodnią rolę nauczyciela w nauczaniu rysunku, opowiadają się za metodą „wolnej edukacji”.

W krótkim czasie na Zachodzie pojawiły się różne ruchy artystyczne: neoimpresjonizm, kubizm, ekspresjonizm, Dadaizm, Surrealizm i wiele innych. Chaotyczna walka poglądów i trendów tej epoki wprowadziła jeszcze większą dezorganizację i zamęt w metodach nauczania dyscyplin plastycznych, a przede wszystkim rysunku. Wielu sprzeciwiało się edukacji akademickiej, uważając, że artysta w szkole traci swoje naturalne walory. W wyniku dominacji tych poglądów sztuka zaczęła ulegać degradacji.

„Badając historię metod nauczania rysunku zarówno w szkołach powszechnych, jak i artystycznych, musimy przyjąć wszystko, co najlepsze w przeszłości, i to nie tylko ze szkół zagranicznych, ale także z naszej szkoły rosyjskiej” – pisze Rostowcew.

Od tego, kto i jak uczy w placówkach uczących sztuki, takie pokolenie otrzymamy w przyszłości. Zaczynając od Ciebie, zadaniem jest nauczenie się syntezy całej wiedzy o rysowaniu, zarówno akademickiej, jak i kochającej wolność. Dopiero potem będziemy mogli nauczyć naszych uczniów wszystkiego, najważniejsze jest zaszczepić w nich chęć tworzenia i tworzenia piękna.

1. Sztuka prymitywna. Powstanie i rozwój sztuk pięknych w społeczeństwie prymitywnym. Metody nauczania rysunku w starożytnym Egipcie

Nawrócenie prymitywnych ludzi na nowy dla nich rodzaj działalności - sztukę - jest jednym z największych wydarzeń w historii ludzkości. Sztuka prymitywna odzwierciedlała pierwsze wyobrażenia człowieka o otaczającym go świecie, dzięki niemu wiedza i umiejętności zostały zachowane i przekazane, ludzie porozumiewali się ze sobą.Epoka kamienia (ponad 2 miliony lat temu do VI tysiąclecia p.n.e.) dzieli się na Paleolit, mezolit i neolit. Pierwsze dzieła sztuki prymitywnej powstały około 30 tysięcy lat temu. Najstarsze rzeźby to Wenus paleolityczne - prymitywne figurki kobiece. Oprócz kobiet przedstawiano zwierzęta z kamienia lub kości. Ludzie z epoki kamiennej nadawali artystyczny wygląd przedmiotom codziennego użytku - kamiennym narzędziom i glinianym naczyniom. Później prymitywni mistrzowie zaczęli zwracać większą uwagę na szczegóły: przedstawiali wełnę za pomocą pociągnięć, nauczyli się używać dodatkowych kolorów) W XII tysiącleciu pne. mi. sztuka jaskiniowa osiągnęła swój szczyt. Malarstwo tamtych czasów przekazywało objętość, perspektywę, proporcje rozkwitu postaci, ruch. Jednocześnie ogromny malowniczy płótna pokrywające sklepienia głębokich jaskiń. Dokładny czas powstania malowideł jaskiniowych nie został jeszcze ustalony. Na ścianach jaskiń widnieją dziesiątki dużych zwierząt: mamuty i niedźwiedzie jaskiniowe. Barwniki mineralne zmieszane z wodą, tłuszczem zwierzęcym i sokiem roślinnym nadawały malowidłom jaskiniowym szczególnie jasną barwę. (Jaskinia Altamira, Jaskinia Lascaux)

Sztuka mezolitu. W epoce mezolitu, czyli środkowej epoce kamienia (XII-VIII tysiąclecie p.n.e.) (przybrzeżne regiony górskie wschodniej Hiszpanii, pomiędzy miastami Barcelona i Walencja), postacie ludzi ukazane w szybkim ruchu, wielopostaciowe kompozycje i sceny polowanie z białkiem jaja, krwią, miodem.

Sztuka neolityczna (5000-3000 p.n.e.) Są to np. malowidła naskalne przedstawiające jelenie, niedźwiedzie, wieloryby i foki znalezione w Norwegii, osiągające długość ośmiu metrów. Oprócz schematyzmu wyróżnia je niestaranność wykonania. Oprócz stylizowanych rysunków ludzi i zwierząt pojawiają się różne kształty geometryczne (koła, prostokąty, romby i spirale itp.), Wizerunki broni i pojazdów (łodzi i statków). Pierwsze ryty naskalne odkryto w latach 1847-1850. w Afryce Północnej i na Saharze (Tassilin-Ajer, Tibesti, Fezzana itp.)

brąz (nazwa wzięła się od szeroko rozpowszechnionego wówczas stopu metali - brązu). Epoka brązu rozpoczęła się w Europie Zachodniej około czterech tysięcy lat temu. w epoce brązu wytwarzano wszelkiego rodzaju artykuły gospodarstwa domowego, bogato zdobione ornamentami i o wysokich walorach artystycznych. W III-II tysiącleciach p.n.e. mi. pojawiły się osobliwe, ogromne budowle z kamiennych bloków, menhiry – pionowo stojące kamienie o wysokości ponad dwóch metrów. (Półwysep Bretoński we Francji) dolmeny – kilka kamieni wkopanych w ziemię, przykrytych kamienną płytą, pierwotnie używanych do pochówków. Liczne menhiry i dolmeny znajdowały się w miejscach uznawanych za święte. Szczególnie znane są ruiny w Anglii w pobliżu miasta Salisbury – tzw. Stonehenge (II tysiąclecie p.n.e.). Stonehenge zbudowane jest ze stu dwudziestu głazów o wadze do siedmiu ton każdy i średnicy trzydziestu metrów.

W innym Egipcie powstała i wzmocniła się specjalna szkoła artystyczna, szkolenie było systematyczne. Metoda i system kształcenia wszystkich nauczycieli były takie same, gdyż zatwierdzone kanony nakazywały najściślejsze przestrzeganie ustalonych norm. Jako pierwsi w historii kultury ludzkiej położyli podwaliny pod teoretyczne uzasadnienie rysunku. Nauczanie rysunku opierało się na zapamiętywaniu opracowanych zasad i kanonów. Choć kanony ułatwiały naukę technik rysunkowych, to jednak krępowały artystę, nie pozwalały mu na przedstawianie świata takim, jakim go widzi. Rysowanie u dr. Egipt był przedmiotem kształcenia ogólnego, był ściśle powiązany z nauką pisania. Wiodącą szkołą starożytnego królestwa była Szkoła Architektów i Rzeźbiarzy w Memphis Court, jak twierdzi. Artystyczny Centrum, wokół niego powstały inne szkoły. Był nawet instytut, w którym studiowali młodzi mężczyźni. Nauczyciele korzystali ze specjalnych tablic metodycznych. Zasady i metody opierały się na frontalności, wszystkie rysunki są linearne, nie ma trójwymiarowości, perspektywy, światłocienia, były proporcje postaci stojącej, siedzącej i innych. Wiele cennego i interesującego materiału do studiowania metod nauczania sztuk pięknych dają zabytki kultury egipskiej: malowidła na ścianach grobowców, pałaców, świątyń, na przedmiotach gospodarstwa domowego; rysunki płaskorzeźb i wreszcie rysunki na papirusach. Główną uwagę egipskich artystów poświęcono obrazowi postaci ludzkiej. Zadaniem artysty starożytnego Egiptu nie było rzeczywiste przedstawienie życia. Życie było dla nich zjawiskiem przejściowym, główna egzystencja rozpoczęła się po śmierci. Artysta łączy w jednym obrazie różne punkty widzenia na temat: niektóre części postaci ukazane są z profilu (głowa, nogi), inne z przodu (oko, ramiona). Cechą malarstwa starożytnego Egiptu była w istocie kolorystyka i przez wiele stuleci sprowadzała się do wypełnienia sylwetki jednym kolorem, bez wprowadzania dodatkowych tonów i kolorowych cieni.

2. Metody nauczania sztuk pięknych w starożytnej Grecji (szkoły w Efezie, Sycyonie, Tebanie)

Po przestudiowaniu metod nauczania u dr. W Egipcie Grecy w nowy sposób podeszli do problemu edukacji i wychowania. Wezwali do dokładnego zbadania życia ziemskiego, a nie życia pozagrobowego. W 432 pne mi. w Sicyonie rzeźbiarz Polikleitos napisał esej na temat praw proporcjonalności ludzkiego ciała, badał jego wewnętrzną ruchliwość. Pomocą wizualną była statua „Dorifor”.

Polygnot nawoływał do realności obrazu, posiadał środki rysunku linearnego, starał się oddać fakturę, nie znając światłocienia, rysując w pełnym rozmiarze, malując polichromią. Linia odgrywała kluczową rolę, obserwowano klarowność i klarowność obrazu.

Apollodorus z Aten i jego uczeń Zeus wprowadzili do techniki malarskiej mieszanie kolorów, gradację i światłocień. Parrazjusz zdradził malarstwu symetrię, jako pierwszy przekazał mimikę twarzy, osiągnął prymat w konturze.

Do IV wieku p.n.e mi. Sztuka grecka osiąga wysoki etap rozwoju. W Grecji było ich kilka znanych. szkoły rysunku: sykiońska, efeska i tebańska.

tebański sz. - którego założycielem był Aristide, czyli Nicomachus, przywiązywał dużą wagę do „efektów światłocienia, przekazywania wrażeń życiowych i złudzeń”. Szkoła efeska, którą uważa się za założyciela Efranora z Koryntu, a według innych źródeł Zeuxisa, opierała się na „zmysłowym postrzeganiu przyrody i piękna zewnętrznego”. Szkoła ta dążyła do iluzji, ale nie była doskonała w rysowaniu.

Sikyonskaja Sz. -trzymać. dane naukowe z zakresu nauk przyrodniczych i praw natury, starały się przybliżyć i nauczyć ucznia respektowania praw budowy przyrody. założona przez Eupompa, opierała się na danych naukowych nauk przyrodniczych i ściśle przestrzegała praw natury. Szkoła ta wymagała „największej precyzji i rygoru rysunku”. Wywarła ogromny wpływ na metodykę nauczania rysunku i dalszy rozwój sztuki. sztuka.

Artyści nauczyli się przekazywać na płaszczyźnie nie tylko objętość (trójwymiarowość) obiektów, ale także zjawiska perspektywy.Ucząc się czerpać z natury, greccy artyści studiowali także anatomię.

Greccy artyści-wychowawcy ustalili właściwą metodę nauczania rysunku, która opierała się na czerpaniu z życia. (Policlet. Doryphorus. Marmur. V wiek p.n.e.. Muzeum Neapolitańskie.)

Sztuki piękne starożytnego świata, w porównaniu z egipską, zostały wzbogacone o nowe zasady i metody konstruowania obrazu, a jednocześnie o nowe metody nauczania. Greccy artyści po raz pierwszy w historii rozwoju rysunku edukacyjnego wprowadzili światłocień i podali przykłady perspektywicznej konstrukcji obrazu na płaszczyźnie, kładąc podwaliny pod realistyczne czerpanie z życia.

Greccy artyści-wychowawcy ustalili właściwą metodę nauczania rysunku, która opierała się na czerpaniu z życia. Po raz pierwszy wśród Greków rysunek jako przedmiot akademicki otrzymuje właściwy kierunek. Pod tym względem na szczególną uwagę zasługuje szkoła rysunku Sikyon i jej faktyczny przywódca – Pamphilus, dzięki któremu rysunek zaczęto uważać za przedmiot kształcenia ogólnego i wprowadzono go we wszystkich szkołach ogólnokształcących w Grecji. Zasługą Pamphilusa jest to, że jako pierwszy zrozumiał, że zadaniem nauczania rysunku jest nie tylko kopiowanie obiektów rzeczywistości, ale także znajomość praw natury. Jako pierwszy zrozumiał, że rysunek rozwija myślenie przestrzenne i reprezentację figuratywną, niezbędne ludziom wszelkich zawodów. Po Pamfilu zaczęli to rozumieć wszyscy postępowi myśliciele Grecji; zdali sobie sprawę, że poznawanie sztuki przyczynia się do wszechstronnego rozwoju człowieka.

Era starożytnej Grecji była najwspanialszą erą w historii rozwoju sztuk pięknych starożytnego świata. Wartość greckiej sztuki pięknej jest niezwykle wielka. Tutaj leżała metoda naukowego rozumienia sztuki. Greccy artyści-pedagodzy namawiali swoich uczniów i naśladowców do bezpośredniego studiowania natury, obserwowania jej piękna i wskazywania, czym ona jest. Ich zdaniem piękno polegało na właściwej proporcjonalności części, czego doskonałym przykładem jest sylwetka ludzka. Mówili, że proporcjonalna regularność ciała ludzkiego w jego jedności tworzy harmonię piękna. Główną zasadą sofistów było: „Człowiek jest miarą wszystkich rzeczy”. Stanowisko to stanowiło podstawę całej sztuki starożytnej Grecji.

. Metody nauczania sztuk pięknych w starożytnym Rzymie

Metody nauczania rysunku w starożytnym Rzymie

Rzymianie bardzo lubili iso. sztuki, zwłaszcza dzieł artystów greckich. Sztuka portretowa jest szeroko rozpowszechniona, jednak Rzymianie nie wprowadzili niczego nowego do metodologii i systemu nauczania, nadal korzystając z dorobku artystów greckich. Ponadto utracili wiele cennych zapisów rysunku, których nie udało się uratować. Artyści rzymscy kopiowali głównie dzieła artystów greckich. Warunki nauczania były inne niż w szkołach greckich:

W Rzymie nauczyciela bardziej interesowała rzemieślnicza i techniczna strona zagadnienia, niż przygotowanie artysty-rzemieślnika (więcej rzemieślników do dekoracji swoich domów).

W nauczaniu rysunku, kopiowania z próbek dominowało mechaniczne powtarzanie metod pracy, co z kolei zmuszało rzymskich artystów-nauczycieli do coraz większego odchodzenia od metod nauczania stosowanych przez greckich artystów-nauczycieli.

W technikach rysunkowych Rzymianie po raz pierwszy zaczęli używać sangwiny (piękny czerwonobrązowy odcień) jako materiału rysunkowego - jest on plastyczny w pracy, lepiej utrwala się na gładkiej powierzchni niż węgiel.

Rola kultury starożytnej w rozwoju sztuki realistycznej, w kształtowaniu i rozwoju akademickiego systemu nauczania rysunku jest szczególnie duża. Do dziś inspiruje nas do poszukiwania skuteczniejszych metod nauczania sztuk pięknych, do naukowego opracowywania metod nauczania rysunku.

Społeczeństwo rzymskie wymagało dużej liczby rzemieślników do dekoracji pomieszczeń, budynków użyteczności publicznej, okres szkolenia był krótki. metoda nauczania rysunku jest nienaukowa. rysunek stał się warunkowy i schematyczny.

Era panowania rzymskiego na pierwszy rzut oka stwarza wszelkie warunki do dalszego rozwoju metod nauczania rysunku realistycznego. Rzymianie bardzo lubili sztuki piękne. Szczególnie docenili twórczość artystów greckich. Bogaci ludzie gromadzili kolekcje obrazów, a cesarze budowali publiczne pinakotekki (galerie). Sztuka portretowa jest szeroko stosowana. Wizerunki ludzi z tamtej epoki przedstawiono bez żadnych ozdób. Z zadziwiającą życiową prawdą oddają indywidualne cechy charakteru ludzi w najróżniejszym wieku, jak na przykład malowniczy portret Pakviusa Proculusa i jego żony, chłopca; portrety rzeźbiarskie - Witelina, młodego Augusta, Juliusza Cezara itp.

Wielu szlachciców i samych patrycjuszy zajmowało się rysunkiem i malarstwem (na przykład Fabiusz Pictor, Pedius, Juliusz Cezar, Neron itp.).

Wydaje się, że wszystko zostało stworzone z myślą o dalszym rozwoju sztuk pięknych i ich nauczaniu. Jednak w rzeczywistości Rzymianie nie wnieśli nic nowego do metodologii i systemu nauczania rysunku. Korzystali jedynie z dorobku artystów greckich; ponadto nie zachowało się wielu cennych zapisów metody nauczania rysunku. Jak wynika z zachowanych malowideł Pompejów i relacji historyków, artyści rzymscy w zasadzie kopiowali dzieła wybitnych artystów Grecji. Niektóre obrazy są wykonane z wielkim kunsztem, jak na przykład „Ślub Aldobrandino”. Nie mogli jednak osiągnąć wysokich umiejętności zawodowych, jakie posiadali słynni artyści starożytnej Grecji.

Kilka słów o technice rysowania. Rzymianie jako pierwsi zaczęli używać optymizmu jako materiału do rysowania. W katakumbach zachowały się ślady twórczości rzymskich artystów, którzy sangwiną obrysowali freski. Być może w większym stopniu niż Grecy przejęli technikę artystów egipskich, zwłaszcza w malarstwie (stosowanie tempery, praca na płótnie, papirus). Metody nauczania i charakter kształcenia artystów różniły się od szkół greckich. Greccy artyści-nauczyciele próbowali rozwiązać wysokie problemy sztuki, wzywali swoich uczniów do opanowania sztuki za pomocą nauki, dążenia do wyżyn sztuki i potępiali artystów, którzy podeszli do sztuki w sposób rzemieślniczy. W epoce Cesarstwa Rzymskiego artysta-nauczyciel mniej myślał o wysokich problemach twórczości artystycznej, interesował się głównie rzemieślniczą i techniczną stroną sprawy.

Społeczeństwo rzymskie potrzebowało dużej liczby rzemieślników do dekoracji pomieszczeń mieszkalnych i budynków użyteczności publicznej, dlatego okres szkolenia nie mógł być opóźniony. Dlatego w nauczaniu rysunku, kopiowania z próbek dominowało mechaniczne powtarzanie metod pracy, co z kolei zmuszało artystów rzymskich do coraz większego odchodzenia od głęboko przemyślanych metod nauczania stosowanych przez wybitnych artystów-nauczycieli Grecji.

4. Rysunek w średniowieczu. Sztuka i religia

W epoce średniowiecza i chrześcijaństwa zapomniano o osiągnięciach sztuki realistycznej. Artyści nie znali żadnej z zasad konstruowania obrazu na płaszczyźnie, jakie stosował dr. Grecja. Zginęły cenne rękopisy – dzieła teoretyczne wielkich artystów, a także wiele znanych dzieł, które mogłyby służyć za wzorce. Bałwochwalstwo zostało poddane największym prześladowaniom, wszystkie posągi i obrazy zostały połamane i zniszczone. Oprócz posągów i obrazów, zwojów i zapisów, rysunków i zasad metoda nauczania rysunku była nienaukowa. Podstawą treningu jest mechaniczne kopiowanie próbek, a nie czerpanie z życia.

Malarze pierwszych wieków chrześcijaństwa nadal posługiwali się formami artystycznymi malarstwa starożytnego. W krótkim czasie tradycje sztuki realistycznej zostały zapomniane i utracone, rysunek stał się warunkowy i schematyczny.

Potępiano naukową wiedzę o świecie i tłumiono wszelkie próby uzasadnienia obserwacji natury. Nie praktykowano studiowania przyrody i przyrody w sensie akademickim.

Poślubić odwieczna sztuka malarska odrzucała tendencje realistyczne, ponieważ realistyczna przyroda wywoływała uczucie „ziemskie”, wszystko było przez Kościół akceptowane lub odrzucane. Poślubić stuletni artyści nie pracowali z natury, ale według próbek wszytych do zeszytów były to szkice konturowe kompozycji różnych działek kościelnych, poszczególnych postaci, motywów draperii itp. Kierowali się nimi zarówno malowidła ścienne, jak i malarstwo sztalugowe, itd. j. Stosunki przemysłowe w tym czasie przyczyniły się do rozwoju rzemiosła i powstania korporacji. Rysunku uczył mistrz, który nie przestrzegał ścisłego systemu i jasnych metod nauczania. Większość uczniów uczyła się samodzielnie, przyglądając się uważnie twórczości mistrza.

Wielcy mistrzowie Grecji dążyli do prawdziwego przedstawienia natury, artyści średniowiecza, przestrzegając dogmatów kościelnych, odeszli od realnego świata na rzecz twórczości abstrakcyjnej i mistycznej. Zamiast czarującej nagości ludzkiego ciała, która inspirowała i uczyła greckich artystów, pojawiły się ciężkie, surowe i kanciaste draperie, odrywające artystów od studiowania anatomii. Zaniedbując życie ziemskie i troszcząc się jedynie o życie pozagrobowe, duchowni uważali pragnienie wiedzy za źródło grzechu. Potępiali naukową wiedzę o świecie i powstrzymywali wszelkie próby uzasadnienia obserwacji natury.

Ideolodzy średniowiecznych sztuk pięknych odrzucali tendencje realistyczne nie dlatego, że sprzeciwiały się rzeczywistej interpretacji obrazów, ale dlatego, że realistycznie oddana natura wywoływała w widzu wrażenie „ziemskie”. Wiarygodne przedstawienie kształtu realnego świata budziło radość w duszy widza, co było sprzeczne z filozofią religijną. Kiedy rzeczywista interpretacja formy, czasami sięgająca naturalistycznej iluzorycznej, odpowiadała fabule religijnej, była ona przychylnie akceptowana przez Kościół. Znamy wiele dzieł średniowiecza, które wyróżniają się cechami realistycznymi. Przypominają wizerunki ludzi z tamtej epoki.

. Rysunek w renesansie. Artyści renesansu i ich wkład w metodę nauczania rysunku (Cennino Cennini, Alberti, Leonardo da Vinci, A. Dürer, Michelangelo. Metoda cięcia. Metoda welonu)

Renesans otwiera nową erę nie tylko w historii rozwoju sztuki, ale także w dziedzinie metod nauczania rysunku. W tym czasie odżywa pragnienie sztuki realistycznej, prawdziwego przekazu rzeczywistości. Mistrzowie renesansu aktywnie wkraczają na ścieżkę realistycznego światopoglądu, starając się odkryć prawa natury i ustanowić związek między nauką a sztuką. W swoich badaniach korzystają z osiągnięć optyki, matematyki i anatomii. Nauki o proporcjach, perspektywie i anatomii plastycznej znajdują się w centrum uwagi teoretyków i praktyków sztuki.

W okresie renesansu przywrócono wysoki szacunek dla rysunku. Rysunku powinien uczyć się każdy, kto zajmuje się sztuką.

Pierwsza praca naukowa – „Traktat o malarstwie” – należy do Cennino Cenniniego. podstawą treningu powinno być czerpanie z życia. słusznie uważa, że ​​do opanowania sztuki potrzebna jest codzienna praca ucznia. jednocześnie przywiązuje zbyt dużą wagę do kopiowania rysunków mistrzów.

Kolejnym dziełem rysunkowym są „Trzy książki o malarstwie”, stworzone przez największego florenckiego architekta Leona Battistę Albertiego. Jest to najbardziej niezwykłe dzieło ze wszystkich, które napisano na temat teorii rysunku w okresie renesansu. Traktat o rysunku i podstawowych zasadach konstruowania obrazu na płaszczyźnie. Alberti uważa rysunek za poważną dyscyplinę naukową, w której obowiązują prawa i zasady równie dokładne i przystępne do studiowania jak matematyka.

Szczególną wartość pedagogiczną ma twórczość Albertiego, który w swoim traktacie podał szereg założeń metodologicznych i wskazówek dotyczących nauczania rysunku. Pisze, że skuteczność nauczania plastyki polega przede wszystkim na naukowym uzasadnieniu. Alberti przywiązuje dużą wagę do nauki anatomii. Alberti sugeruje budowanie całego procesu uczenia się na czerpaniu z życia.

Jako pierwszy otwarcie mówił o głębokim znaczeniu sztuki, zdawał sobie sprawę z konieczności wzbogacania sztuki o doświadczenie nauki, przybliżania nauki do praktycznych zadań sztuki. Alberti jest świetny jako naukowiec i jako artysta humanista.

Kolejnym najnowszym dziełem z zakresu teorii rysunku jest Księga malarstwa Leonarda da Vinci. Książka ta zawiera różnorodne informacje: o budowie Wszechświata, o pochodzeniu i właściwościach chmur, o rzeźbie, o poezji, o perspektywie lotniczej i linearnej. Znajdują się tam także instrukcje dotyczące zasad rysowania. Leonardo da Vinci nie proponuje nowych metod i zasad, w zasadzie powtarza znane już przepisy.

Leonardo da Vinci, podobnie jak Alberti, uważa, że ​​podstawą metody nauczania rysunku powinno być czerpanie z natury. Natura sprawia, że ​​uczeń uważnie obserwuje, bada cechy strukturalne przedmiotu obrazu, myśli i zastanawia się, co z kolei zwiększa efektywność uczenia się i budzi zainteresowanie wiedzą o życiu.

Leonardo da Vinci przywiązuje dużą wagę do edukacji naukowej. Sam Leonardo był zaangażowany w poważne badania naukowe. Badając więc budowę anatomiczną ludzkiego ciała, przeprowadził liczne sekcje zwłok i posunął się w tej kwestii znacznie dalej niż jego współcześni.

Leonardo da Vinci daje także rzetelne wytyczne metodologiczne dotyczące rysowania przedmiotu z życia. Zwraca uwagę, że rysunek należy zaczynać od całości, a nie od części. Szczególną uwagę Leonardo przywiązuje do rysunku postaci ludzkiej. Interesująca jest metoda utrwalenia przerobionego materiału poprzez czerpanie z pamięci

Wśród artystów renesansu zajmujących się problematyką nauki poczesne miejsce zajmuje niemiecki artysta Albrecht Dürer. Jego prace teoretyczne mają ogromną wartość, zarówno w zakresie metod nauczania, jak i problemów artystycznych. Pisma Dürera w znacznym stopniu przyczyniły się do dalszego rozwoju metodologii nauczania rysunku. Dürer uważał, że w sztuce nie można polegać wyłącznie na uczuciach i percepcji wzrokowej, ale w zasadzie należy polegać na dokładnej wiedzy; zajmował się także ogólnymi zagadnieniami pedagogiki, zagadnieniami nauczania i wychowania dzieci. Wśród artystów renesansu niewielu o tym myślało.

Ucząc rysunku i praw konstruowania realistycznego obrazu obiektów na płaszczyźnie, Durer stawiał przede wszystkim na perspektywę. Sam artysta wiele czasu poświęcił studiowaniu perspektywy. Drugie, najważniejsze dzieło Dürera – „Doktryna proporcji człowieka” – jest owocem pracy niemal całego jego życia. Durer podsumował wszystkie znane dane na ten temat i nadał im opracowanie naukowe, załączając ogromną liczbę rysunków, schematów i rysunków. Artysta próbował znaleźć zasady konstruowania sylwetki ludzkiej poprzez dowód geometryczny i obliczenia matematyczne.

Szczególnie cenna dla pedagogiki sztuki jest opracowana przez Dürera metoda generalizacji formy (nazwana później przycinaniem), a metoda przycinania wygląda następująco. Przedstawienie, zgodnie ze wszystkimi zasadami perspektywy liniowej, kształtu prostej bryły geometrycznej, takiej jak sześcian, nawet dla początkującego rysownika nie jest szczególnie trudne. Bardzo trudno jest oddać prawidłowy obraz perspektywiczny złożonej postaci, na przykład głowy, dłoni, postaci ludzkiej. Ale jeśli uogólnisz złożony kształt do skrajności na proste kształty geometryczne, możesz z łatwością poradzić sobie z zadaniem. Metoda przycinania pomaga początkującemu kreślarzowi poprawnie rozwiązać zadania tonalne rysunku. Zaproponowana przez Dürera metoda analizy i konstruowania obrazu odniosła uderzający efekt w nauczaniu, była stosowana i rozwijana w praktyce pedagogicznej artystów-nauczycieli.

Ich praca w polu perspektywy pomogła artystom uporać się z najtrudniejszym problemem budowania trójwymiarowego kształtu obiektów na płaszczyźnie. Przecież przed nimi nie było artystów, którzy potrafiliby zbudować perspektywiczny obraz trójwymiarowych obiektów. W rzeczywistości artyści renesansu byli twórcami nowej nauki. Udowodnili słuszność i aktualność swoich stanowisk zarówno teoretycznie, jak i praktycznie. Malarze renesansowi poświęcali także wiele uwagi studiowaniu anatomii plastycznej. Prawie wszyscy kreślarze byli zainteresowani prawami proporcjonalnego stosunku części ludzkiego ciała. W każdym traktacie szczegółowo analizowano proporcje ludzkiej twarzy, a także innych części ciała. Mistrzowie renesansu umiejętnie wykorzystywali dane ze swoich obserwacji w praktyce sztuk pięknych. Ich prace zadziwiają głęboką znajomością anatomii, perspektywy i praw optyki. Uznając dane naukowe za podstawę sztuk pięknych, artyści renesansu zwrócili szczególną uwagę na rysunek. Mówili, że rysunek zawiera wszystkie najważniejsze rzeczy potrzebne do udanej pracy twórczej.

Metoda czerpania z natury za pomocą zasłony opiera się na zasadzie ścisłego przestrzegania praw perspektywy. Aby artysta mógł ściśle obserwować stały poziom widzenia, a na rysunku - stały punkt zbiegu, Alberti zaproponował zastosowanie specjalnego urządzenia - zasłony.

. Akademicki system edukacji artystycznej w XVI – XII wieku (idee pedagogiczne J. A. Komeńskiego, D. Locke’a, J. J. Rousseau, Goethego)

Pod koniec XVI wieku w dziedzinie edukacji artystycznej i edukacji estetycznej pojawiły się nowe kierunki, nowe zasady i postawy pedagogiczne. Zaczęto inaczej budować metodę nauczania rysunku.Sto lat w historii metod nauczania rysunku należy uznać za okres kształtowania się rysunku jako przedmiotu akademickiego i rozwoju nowego systemu nauczania pedagogicznego – akademickiego. Najbardziej charakterystyczną cechą tego okresu jest tworzenie specjalnych instytucji edukacyjnych - akademii artystycznych i szkół artystycznych, w których poważnie ugruntowano nauczanie rysunku.

Najbardziej znana była Bolońska Akademia Sztuk Pięknych, założona przez braci Carracci. Studenci Akademii dokładnie studiują anatomię - nie z książek, ale poprzez sekcje zwłok. Carracci szczegółowo opracował metodologię nauczania, biorąc pod uwagę rysowanie podstaw sztuk pięknych. W swoich wskazówkach metodologicznych wskazywali, że artysta musi opierać się na danych nauki, na umyśle, bo umysł wzbogaca uczucie. akademie postawiły sobie za cel poważne kształcenie w dziedzinie sztuk pięknych. Kształcili młodzież na przykładach sztuki wysokiej starożytności i renesansu. Tradycja stała się cechą charakterystyczną wszystkich kolejnych akademii. Studiując dziedzictwo i dostrzegając kulturę artystyczną swoich poprzedników, akademie przekazały to wszystko następnemu pokoleniu artystów, ściśle zachowując wspaniały i niewzruszony fundament, na którym ta tradycja została stworzona.

Obok uczelni państwowych nadal istniały szkoły prywatne, w których uczniowie otrzymywali dość solidne przygotowanie zawodowe. Największym i najbogatszym w pomoce dydaktyczne był warsztat największego flamandzkiego artysty Petera Paula Rubensa (1577-1640). W XVII wieku była to najlepsza szkoła rysunkowa wśród warsztatów prywatnych. Uczniowie Rubensa byli tak znanymi artystami i znakomitymi rysownikami. Ucząc rysunku, Rubens przywiązywał szczególną wagę do naukowego dowodu praw perspektywy, światłocienia i anatomii plastycznej.

Po raz pierwszy po Pamfilu ideę korzyści płynących z rysunku jako ogólnego przedmiotu edukacyjnego wyraził wielki czeski nauczyciel Jan Amos Komeński (1592-1670) w swojej Wielkiej Dydaktyce. Co prawda Komeński nie odważył się jeszcze włączyć rysunku do programu szkolnego jako przedmiotu obowiązkowego. Wartość tych myśli polegała jednak na tym, że były one ściśle powiązane z zagadnieniami pedagogiki. Rozdział 21 Wielkiej Dydaktyki, zatytułowany „Metoda sztuki”, stwierdza, że ​​aby uczyć sztuki, należy spełnić trzy wymagania: prawidłowe użycie, rozsądne kierowanie, częste ćwiczenia.

Comenius, uznając rysunek za przedmiot ogólnoedukacyjny, nie czyni wyraźnych różnic w sposobach i systemach nauczania plastyki w szkołach powszechnych i specjalnych. Opiera się na ustalonym już systemie nauczania rysunku w akademiach artystycznych, na metodach nauczania, które się sprawdziły.

Niemal jednocześnie z Komeńskim ogólną wartość edukacyjną rysunku zaczął bronić nauczyciel języka angielskiego i filozof John Locke (1632-1704). W książce Myśli o wychowaniu pisze: „Jeśli chłopiec nabył piękne i szybkie pismo, powinien nie tylko wspierać je staranną praktyką w pisaniu, ale także doskonalić swoją sztukę poprzez rysowanie. Podczas podróży rysunek posłuży młodemu człowiekowi; często za pomocą kilku funkcji będzie w stanie przedstawić budynki, samochody, ubrania i inne rzeczy, których nie da się wytłumaczyć żadnymi szczegółowymi opisami. Ale nie chcę, żeby został malarzem; zajęłoby mu to więcej czasu, niż pozostało mu na inne ważne zajęcia. J. Locke nie podaje jednak wskazówek metodologicznych dotyczących nauczania rysunku, ogranicza się jedynie do ogólnych dyskusji na temat korzyści płynących z nauczania rysunku.

Francuski filozof encyklopedysta Jean Jacques Rousseau (1712-1778) mówił bardziej szczegółowo o rysunku jako ogólnym przedmiocie edukacyjnym. W swojej książce Emile Rousseau pisze, że dla poznania otaczającej rzeczywistości ogromne znaczenie mają narządy zmysłów, które można rozwijać u dziecka ucząc je czerpania z natury. Rousseau słusznie zwraca uwagę, że lekcje rysunku należy odbywać wśród natury, gdyż w przyrodzie uczeń może wyraźnie dostrzec zjawiska perspektywy i zrozumieć jej prawa. Ponadto obserwując przyrodę, uczeń pielęgnuje własny gust, uczy się kochać przyrodę, zaczyna rozumieć jej piękno. Rousseau uważa, że ​​nauka rysowania powinna odbywać się wyłącznie z natury. Pod tym względem Rousseau podchodzi do metody nauczania rysunku poważniej niż jego poprzednicy. Idee pedagogiczne Komeńskiego, Locke’a, Rousseau znacząco wzbogaciły teorię i praktykę sztuki. Ich prace teoretyczne stały się impulsem do dalszego rozwoju pedagogiki artystycznej.

W tym okresie umocnił się autorytet uczelni nie tylko jako instytucji edukacyjnej, ale także jako trendsetterki gustów artystycznych. Uznając sztukę starożytną za najwyższy przykład i opierając się na tradycjach Wysokiego Renesansu, niemal wszystkie akademie europejskie zaczynają tworzyć idealną szkołę sztuk pięknych w najszerszym tego słowa znaczeniu. Za podstawę fundamentów nadal uważa się czerpanie z systemu edukacji artystycznej. Ale nauka czerpania z natury zaczyna się od studiowania klasycznych próbek starożytności. Tylko poważne badania starożytnych greckich rzeźb pomogą początkującemu poznać prawa natury i sztuki, tylko klasyczne próbki ujawnią artyście idee piękna i prawa piękna, argumentowały akademie.

Stanowisko w sprawie korzyści płynących z rysunku jako ogólnego przedmiotu edukacyjnego wyraził wielki czeski nauczyciel ^ Ya A. Komensky w swojej „Wielkiej dydaktyce”. Co prawda Komeński nie odważył się jeszcze włączyć rysunku do programu szkolnego jako przedmiotu obowiązkowego. Wartość jego przemyśleń na temat rysunku polegała jednak na tym, że były one ściśle powiązane z zagadnieniami pedagogiki. Szczególną wartość mają dla nas przemyślenia Komeńskiego na temat konieczności studiowania metod nauczania. Niemal jednocześnie z Komeńskim ogólną wartość edukacyjną rysunku zaczął bronić nauczyciel języka angielskiego i filozof John Locke. Jednak nie będąc specjalistą, J. Locke nie mógł udzielać wskazówek metodycznych w nauczaniu rysunku. Ograniczył się do ogólnych dyskusji na temat korzyści płynących z edukacji.Francuski filozof-encyklopedysta ^ Jacques-Jean Rousseau mówił bardziej szczegółowo o rysunku jako ogólnym przedmiocie edukacyjnym. Uważał, że rysunku należy uczyć się wyłącznie od natury i że dziecko nie powinno mieć innego nauczyciela niż sama natura. Wiele cennych przemyśleń na temat sposobu nauczania rysunku wyraził Johann Wolfgang Goethe. Aby opanować sztukę rysowania, potrzebna jest wiedza, wiedza i jeszcze raz wiedza – mówił. Idee pedagogiczne Komeńskiego, Locke’a, Rousseau, Goethego wzbogaciły teorię i praktykę nauczania rysunku. Ich prace teoretyczne stały się impulsem do dalszego rozwoju myśli pedagogicznej w ogóle, a w szczególności w zakresie metod nauczania rysunku.

. Rola I.G. Pestalozzi w rozwoju rysunku jako ogólnego przedmiotu kształcenia. Uczniowie i naśladowcy J. G. Pestalozziego (I. Schmidt, P. Schmidt, bracia Dupuis)

W XVIII – pierwszej połowie XIX wieku rysunek zaczął zdecydowanie zyskiwać na znaczeniu w szkołach średnich. Zapoczątkował to szwajcarski nauczyciel Johann Heinrich Pestalozzi (1746-1827), który nieprzypadkowo został nazwany przez nauczycieli plastyki ojcem metodologii szkolnej. Pestalozzi uważa rysowanie w szkole za przedmiot kształcenia ogólnego. Jego zdaniem wszelka wiedza pochodzi z liczby, formy i słowa. Pierwszym krokiem do wiedzy jest kontemplacja. Aby móc poprawnie myśleć, należy poprawnie uwzględnić otaczającą przyrodę. Rysunek jest najdoskonalszym sposobem na zdobycie tej umiejętności. Szczególną rolę, zdaniem Pestalozziego, powinno należeć do rysunku w szkole podstawowej. W jego pamiętniku, poświęconym wychowaniu syna, główne miejsce zajmuje rysunek. Codzienne zajęcia rozpoczynają się od rysunku. Rysunek, przekonuje Pestalozzi, powinien poprzedzać pisanie nie tylko dlatego, że ułatwia proces opanowania inskrypcji liter, ale także dlatego, że jest łatwiejszy do strawienia.

Sam Pestalozzi, zdaniem współczesnych, nie umiał rysować, dlatego nie podaje jasnych i określonych zasad nauczania rysunku, ograniczając się do ogólnych uwag pedagogicznych. Jednak jego wskazówki dydaktyczne i idee pedagogiczne były na tyle ważne i żywotne, że stały się podstawą dalszego rozwoju technik rysunkowych w szkołach średnich.

Pestalozzi przywiązuje dużą wagę do metod nauczania. Sukces w nauce rysowania zależy od odpowiednio zbudowanego systemu – mówi Pestalozzi. Artyści niewiele myślą o metodach nauczania, chodzą okrężnymi drogami, dlatego ich twórczość jest dostępna tylko dla elity (zwłaszcza uzdolnionej). Podstaw rysunku można jednak nauczyć każdego, a rysunek, który ma ogromne znaczenie ogólnoedukacyjne, powinien zająć swoje miejsce w szkole wraz z innymi przedmiotami akademickimi.

Pestalozzi szczegółowo przedstawił swoje poglądy na temat metody rysowania w książce Jak Gertruda uczy swoje dzieci. Zasługa Pestalozziego polega również na tym, że przy opracowywaniu systemu szkolenia uznał za konieczne kierowanie się cechami wiekowymi uczniów.

Zdaniem Pestalozziego, połączenie materiału edukacyjnego w spójny system, ustanowienie ścisłego powiązania wiedzy z umiejętnościami rysunkowymi z pewnością rozwinie w uczniach umiejętność ich świadomego stosowania w samodzielnej pracy.

Pestalozzi uważa, że ​​nauka rysowania powinna odbywać się z natury, gdyż przyroda jest dostępna dla obserwacji, dotyku i pomiaru. Zgodnie z tą postawą sam termin „rysunek” definiuje jako ustanawianie formy poprzez linię; Jak zauważa, wielkość formy można określić na podstawie dokładnego pomiaru. To czerpanie z natury, zdaniem Pestalozziego, rozwija dziecko: wystarczy nauczyć je czerpać z natury wzorce zaczerpnięte z prawdziwego życia i otaczającej go przyrody; nawet jeśli te pierwsze kontury są niedoskonałe, to ich znaczenie rozwojowe jest znacznie większe niż czerpanie z imitacji, czyli z gotowych rysunków. Pestalozzi przywiązuje dużą wagę do metod rozwoju oka w rysunku. Umiejętność mierzenia to ABC obserwacji

jego uwagi ogólne mają wielką wartość. Zasługą Pestalozziego jest to, że jako pierwszy połączył naukę o nauczaniu szkolnym ze sztuką, postawił kwestię konieczności metodologicznego rozwoju każdej pozycji rysunku. Uważał, że dla rozwoju oka powinna istnieć jedna metoda, dla zrozumienia form - inna, dla technologii - trzecia. Pracę tę wykonali jego uczniowie i naśladowcy.

Po Pestalozzim we wszystkich szkołach podstawowych zaczęto wprowadzać rysunek jako przedmiot kształcenia ogólnego. Idee pedagogiczne Pestalozziego są dalej rozwijane. Pierwszą taką pracą jest książka „Elementy rysunku według idei Pestalozziego”, napisana przez jego ucznia Josepha Schmidta. W nauczaniu rysunku I. Schmidt proponuje prowadzenie specjalnych ćwiczeń: rozwijających rękę i przygotowujących ją do rysowania, ćwiczeń tworzenia i odnajdywania pięknych form, ćwiczeń rozwijających wyobraźnię, ćwiczeń z geometrycznego rysowania przedmiotów, perspektywy.

Aby ułatwić pracę uczniom, I. Schmidt proponuje umieścić za naturą kartkę tektury, na której przedstawiona jest siatka kwadratów. Rysując model z życia, uczeń zawsze mógł sprawdzić nachylenie i charakter konturu (sylwetki) obiektu w stosunku do linii pionowych i poziomych, a komórki pomogły w prawidłowym odnalezieniu proporcji. Po początkowym kursie rysunku Schmidt radzi przejść do rysunku artystycznego, gdzie uczeń zaczyna rysować osobę, najpierw z modelu gipsowego, a następnie z żywego modelu. Kurs kończy się rysunkiem na żywo drzew i krajobrazów.

Inny uczeń Pestalozziego Ramsauera opublikował pracę zatytułowaną „Nauczanie rysunku”, w której jako pierwszy zarysowano ideę rysowania na tablicy. Nowa metoda była następująca: na dużej tablicy przedstawiono wszelkiego rodzaju linie w formie ćwiczeń wstępnych, zaproponowano ćwiczenia rozwijające oko - rysowanie linii w określonych punktach, dzielenie linii na części, rysowanie linii pod określonym kątem ( nachylenie). Kolejnym etapem było narysowanie figur geometrycznych oraz charakterystycznych form natury i sztuki. Nauczyciel powinien to wszystko przedstawić na tablicy, a uczniowie powinni śledzić powstawanie i rozwój każdej formy. Kurs zakończył się rysowaniem z natury, najpierw przedmiotami gospodarstwa domowego, potem gipsowymi głowami, a na końcu żywą głową.

Wielki wpływ na rozwój metodologii szkolnej wywarły prace berlińskiego nauczyciela plastyki Petera Schmida. Jako pierwszy wprowadził do szkół powszechnych i szczegółowo opracował metodę czerpania z życia, wykorzystując do tego różne modele geometryczne. Schmid zapoczątkował rozwój tzw. metody geometrycznej. Zasługą Schmida było opracowanie metodologii nauczania rysunku, opartej na ogólnych przepisach pedagogicznych. Według Schmida rysowanie to nie tylko mechaniczne ćwiczenie ręki, to także gimnastyka umysłu, ćwiczy się także obserwację, ogólne poczucie formy i fantazje. Według Schmida kolejność nauczania rysunku powinna być następująca: najpierw obraz najprostszej formy - równoległościanu, następnie obraz krzywoliniowych form przedmiotów - i tak stopniowo uczeń jest doprowadzany do rysowania z gipsowych główek i popiersia. Każde zadanie warunkuje następne, a następne zakłada poprzednie i na nim bazuje.

Schmid uważał, że kopiowanie zdjęć nie tylko nie przynosi uczniowi korzyści, ale wręcz jest szkodliwe. Stwierdził, że kopiowanie pomaga jedynie w nabywaniu umiejętności mechanicznych i wcale nie przyczynia się do rozwoju umysłowego dzieci.

w pierwszej połowie XIX w. w szkołach średnich rozpowszechniła się metoda braci Dupuis. Metodologia nauczania rysunku Dupuy została zbudowana w następujący sposób: najpierw uczniowie studiują i przedstawiają najprostsze modele (drut) bez zjawisk perspektywicznych - frontalnie, następnie - modele drutowe ze skróceniami perspektywy. Następnie rysuje się płaskie figury, po czym - trójwymiarowe. Kolejność metodyczna rysowania każdej grupy modeli była taka sama: najpierw - obraz modelu od przodu, następnie - perspektywa.

Metoda nauczania rysunku braci Dupuis miała jeszcze jedną cechę – uczniowie początkowo rysowali kredą na czarnych tablicach, a gdy nabrali już wprawy w rysowaniu, przeszli na pracę na papierze. Aby rozwinąć poczucie formy, Dupuis wprowadził zajęcia z modelowania w glinie.

Sposób nauczania rysunku przez braci Dupuis nie stracił na znaczeniu współcześnie. Z opracowanych przez niego odrębnych modeli korzystają artyści-edukatorzy. Tak więc nauczyciele wydziału sztuki i grafiki Moskiewskiego Państwowego Instytutu Pedagogicznego. V. I. Lenina, ucząc rysunku według metody D. N. Kardowskiego, stosuje się modele Dupuis.

. Rysunek w Rosji XVIII wieku. (Preysler, GA Gippius)

Do XVIII wieku główną metodą nauczania rysunku była metoda kopiowania. Rysunek jako przedmiot ogólnoedukacyjny nie doczekał się jeszcze szerokiego rozwoju, do instytucji edukacyjnych zaczęto go wprowadzać dopiero na początku XVIII wieku.

Wzmacniając potęgę Rosji, reformy Piotra 1 spowodowały ogólny wzrost kultury w kraju. Było ogromne zapotrzebowanie na ludzi, którzy potrafiliby sporządzać mapy, rysować i ilustrować książki.

W 1711 r. w petersburskiej drukarni Piotr I zorganizował świecką szkołę rysunku, w której uczniowie nie tylko kopiowali oryginały, ale także czerpali z życia.

Do udziału w zajęciach zapraszani są nauczyciele-artyści z zagranicy, z którymi podpisywane są umowy.

Rysunek zaczyna być szeroko wprowadzany do ogólnych instytucji edukacyjnych. W celu prawidłowej organizacji metodologii nauczania rysunku w tych placówkach edukacyjnych opublikowano książkę I. D. Preislera „Podstawowe zasady, czyli krótki przewodnik po sztuce rysunkowej”. To była pierwsza poważna metoda podręcznik rysunku w Rosji. Z metodologicznego punktu widzenia szczególnie interesująca jest dla nas książka Preislera. Podręcznik przedstawia pewien system nauczania rysunku. Książka zawierała instrukcje nie tylko dla początkujących artystów, ale także dla tych, którzy uczyli rysunku.

Szkolenie w systemie Preislera rozpoczyna się od wyjaśnienia przeznaczenia linii prostych i krzywych na rysunku, następnie kształtów i brył geometrycznych, a na koniec zasad ich stosowania w praktyce. Autor w sposób metodyczny pokazuje uczniowi, jak przechodząc od prostych do złożonych, opanowuje sztukę rysowania.

Niezależnie od tego, jaki przedmiot Preisler proponuje do rysowania, stara się przede wszystkim pomóc uczniowi poradzić sobie z trudnościami związanymi z analizą kształtu przedmiotu i budowaniem go na płaszczyźnie. Dobitnie pokazuje, jak systematycznie budować wizerunek.).

Jak większość ówczesnych artystów-nauczycieli, Preisler za podstawę nauczania rysunku stawia geometrię. Geometria pomaga rysownikowi zobaczyć i zrozumieć kształt obiektu, a przedstawiona na płaszczyźnie ułatwia proces budowy. Preisler przestrzega jednak, że posługiwanie się figurami geometrycznymi musi być połączone ze znajomością zasad i praw perspektywy oraz anatomii plastycznej.

Preisler przywiązuje dużą wagę do umiejętności opanowania rysunku liniowego.

Podręcznik Preislera cieszył się dużym uznaniem wśród współczesnych, był kilkakrotnie wznawiany zarówno za granicą, jak i w Rosji. Nie było wówczas bardziej dogłębnego i jasnego rozwoju metodologicznego rysunku edukacyjnego, dlatego prace Preislera w Rosji były przez długi czas wykorzystywane nie tylko w ogólnokształcących placówkach oświatowych, ale także w specjalnych szkołach artystycznych.

Takiej oceny metody Preislera nie można uznać za słuszną z historycznego punktu widzenia. To nie przypadek, że jego twórczość odniosła tak wielki sukces przez całe stulecie, chociaż w tym czasie wydano wiele różnych podręczników i podręczników dotyczących rysunku zarówno w Rosji, jak i za granicą. Oczywiście, dziś można doszukać się w książce Preislera błędów, ale w imię prawdy historycznej trzeba zaznaczyć, że jak na tamte czasy był to najlepszy przewodnik. Wiedza, którą student zdobył w trakcie studiowania kursu Preislera, pomogła mu czerpać z życia w przyszłości, a także czerpać z pamięci i tak ważnej dla artysty wyobraźni.

Tak więc pod koniec XVIII wieku rysunek jako ogólny przedmiot nauczania zaczął być powszechny. W tym czasie Rosja staje się potężną potęgą. W związku z rozwojem życia gospodarczego i społecznego kraju gwałtownie wzrosło zapotrzebowanie na ludzi znających się na sztukach pięknych, potrafiących rysować i rysować.

Pojawia się szereg prac teoretycznych, w których wykazano potrzebę opanowania umiejętności graficznych, podkreślono znaczenie rysunku jako ogólnokształcącego przedmiotu edukacyjnego.

W 1844 r. G. A. Gippius opublikował pracę „Eseje z teorii rysunku jako ogólnokształcącego przedmiotu pedagogicznego”, poświęconą rysunkowi jako ogólnokształcącemu przedmiotowi pedagogicznemu. Była to pierwsza poważna praca poświęcona tej tematyce, obejmowała zarówno ogólne zagadnienia teoretyczne pedagogiki i sztuk pięknych, jak i zagadnienia metod nauczania rysunku.

W tym okresie wiele zrobiono w zakresie publikowania różnych podręczników, podręczników i tutoriali na temat rysunku.

Książka podzielona jest na dwie części – teoretyczną i praktyczną. W części teoretycznej przedstawiono główne założenia pedagogiki i sztuk pięknych. W części praktycznej omówiono metodykę nauczania.

Gippius stara się naukowo i teoretycznie uzasadnić każde stanowisko metody nauczania rysunku. W nowy sposób rozważa sam proces nauczania. Metody nauczania, twierdzi Gippius, nie powinny opierać się na określonym schemacie, dobre rezultaty można osiągnąć różnymi metodami nauczania. Gippius antycypuje w tym względzie współczesne rozumienie metodologii nauczania jako sztuki nauczania. Aby nauczyć się poprawnie rysować, musisz nauczyć się rozumować i myśleć, mówi Gippius, a to jest konieczne dla wszystkich ludzi i należy to rozwijać od dzieciństwa. Gippius w drugiej części swojej książki podaje wiele cennych rad i zaleceń metodologicznych. Metodologia nauczania, zdaniem Gippiusa, powinna opierać się nie tylko na danych z pracy praktycznej, ale także na danych nauki, a przede wszystkim psychologii. Gippius stawia nauczycielowi bardzo wysokie wymagania. Nauczyciel powinien nie tylko dużo wiedzieć i umieć, ale także przemawiać do uczniów jak aktor. Praca każdego ucznia powinna znajdować się w polu widzenia nauczyciela.

Gippius ściśle łączy prowadzenie zajęć w sprzęt i materiały z kwestiami metodologicznymi.

Praca G. A. Gippiusa wniosła znaczący wkład w teorię i praktykę nauczania rysunku jako przedmiotu ogólnokształcącego, znacznie wzbogaciła metodologię nauczania.

Tak poważnego i dogłębnego opracowania zagadnień metodologii nauczania tego okresu nie znajdziemy u żadnego, nawet najwybitniejszego przedstawiciela myśli pedagogicznej. Wszystkie ograniczały się do przedstawienia ogólnych założeń teoretycznych pedagogiki, na których należy budować metodologię; artyści-nauczyciele skupieni na zasadach rysunku. Tymczasem większość nauczycieli musiała ujawnić samą metodologię nauczania i pod tym względem Gippius wykonał zadanie o ogromnym znaczeniu. Wielu badaczy historii metod nauczania rysunku pominęło w swoich pismach te ważne punkty.

9. Edukacja artystyczna w XIX wieku. Szkoły rysunku. „Kurs rysunku” i pomoce wizualne A. P. Sapożnikowa

Cechą charakterystyczną życia artystycznego Rosji XIX wieku jest aktywne poszukiwanie form i metod edukacji artystycznej i wychowania członków społeczeństwa. W związku z tym otwieranie szkół artystycznych w różnych miastach, publikacja stowarzyszeń i organizacji artystycznych, promocja sztuki poprzez działalność wystawienniczą i wydawniczą.

W 1804 r Statut szkoły wprowadza rysunek do wszystkich szkół i gimnazjów powiatowych.

W latach 1706-97 istniała szkoła rysunkowa utworzona przez Piotra<#"justify">Metoda w jasny i prosty sposób odsłoniła najbardziej złożone założenia związane z konstrukcją trójwymiarowego obrazu na płaszczyźnie i dokonała rewolucji w pracy edukacyjnej. Najlepszym bowiem sposobem, aby pomóc uczniowi w prawidłowym zbudowaniu obrazu kształtu przedmiotu, jest metoda jego uproszczenia na początku rysowania – w celu określenia geometrii. na podstawie kształtu obiektu, a następnie przejdź do udoskonalenia. Metoda Sapożnikowa miała wiele wspólnego z metodą Dupuisa, ale została opublikowana wcześniej (Sapożnikow – w 1834 r. i Dupuis – w 1842 r.). Prawie wszystkie nowoczesne metody opierają się na systemie A. Sapożnikowa.

10. Poglądy pedagogiczne P.P. Czistyakowa

Cechy szkoły artystycznej rysunku P. P. Chistyakov.

P. P. Chistyakov uważał, że Akademia Sztuk Pięknych w czasach jego nauczania (1872–1892) wymagała reformy i nowych metod pracy ze studentami, konieczne było udoskonalenie metod nauczania rysunku, malarstwa i kompozycji.

Od 1871 r. Czistyakow brał czynny udział w produkcji rysunków w szkołach średnich.

System nauczania Czistyakowa obejmował różne aspekty procesu artystycznego: związek natury i sztuki, artysty i rzeczywistości, psychologię twórczości i percepcji itp. Metoda Czistyakova wychowała nie tylko artystę-mistrza, ale artystę-twórcę. Czistyakow w swoim systemie przywiązywał decydującą wagę do rysunku, zachęcając do wniknięcia w samą istotę widocznych form, odtworzenia ich przekonującego konstruktywnego modelu na warunkowej przestrzeni arkusza. Zaletą systemu nauczania Chistyakova była integralność, jedność na poziomie metodologicznym wszystkich jego elementów, logiczne podążanie z jednego etapu na drugi: od rysunku, przez światłocień, potem kolor, aż po kompozycję (kompozycję).

Przywiązywał dużą wagę do koloru, widząc w kolorze najważniejszy środek wyrazu figuratywnego, ujawniający treść dzieła.

Kompozycja obrazu jest wynikiem treningu artysty, kiedy był już w stanie zrozumieć otaczające go zjawiska życia, podsumować swoje wrażenia i wiedzę w przekonujących obrazach „Zgodnie z fabułą i techniką” było ulubionym wyrażeniem Chistyakova.

Metody nauczania rysunku Chistyakova są porównywalne z metodami znanych monachijskich szkół artystycznych.

Przez długie lata nauczania Chistyakov opracował specjalny „system rysowania”. Uczył widzieć przyrodę taką, jaka istnieje i jaką się wydaje, łączyć (ale nie mieszać) zasady linearne i obrazowe, poznawać i czuć podmiot niezależnie od tego, co trzeba przedstawić, czy będzie to zmięta kartka papieru, czy odlew gipsowy lub złożona fabuła historyczna. Innymi słowy, głównymi postanowieniami „systemu” była formuła „żywego związku z naturą”, a rysunek był sposobem jej poznania.

Metody Chistyakova, porównywalne z metodami słynnych monachijskich szkół artystycznych, jego umiejętność odgadnięcia specjalnego języka każdego talentu, ostrożne podejście do każdego talentu, dały niesamowite rezultaty. Różnorodność osobowości twórczych studentów mistrza mówi sama za siebie - są to V. M. Vasnetsov, M. A. Vrubel, V. D. Polenov, I. E. Repin, A. P. Ryabushkin, V. A. Serov, V. I. Surikov i inni.

Analizując działalność pedagogiczną P. P. Chistyakova, można zidentyfikować główne elementy systemu jego pracy, dzięki którym osiągnięto wysoki poziom jakości w nauczaniu rysunku. Polegał on na współdziałaniu następujących elementów: celów i zadań nauczania jako punktu wyjścia funkcjonowania systemu pedagogicznego; naukowo uzasadniona treść materiałów edukacyjnych; stosowanie różnych typów i form prowadzenia zajęć, dzięki którym organizowano zajęcia studentów w zakresie przyswajania umiejętności artystycznych w zakresie rysunku; różne formy kontroli, za pomocą których zapobiegano możliwym odstępstwom od postawionych zadań podczas wykonywania rysunku; ciągłe samodoskonalenie samego P. P. Chistyakova, które miało na celu przede wszystkim poprawę pozytywnego wpływu na uczniów. Integralną częścią systemu pracy Pawła Pietrowicza Czistyakowa zostały zbudowane relacje ze studentami, które miały humanistyczną orientację działania, mającą na celu komunikację z podopiecznymi, dialog i szacunek dla jednostki. P. P. Czistyakow (1832-1919) znany jest nie tylko jako artysta, ale także wybitny pedagog, którego wieloletnia praca w Akademii Sztuk Pięknych w dużej mierze zadecydowała o losach szkoły malarstwa realistycznego w Rosji końca XIX i początków XIX w. XX w. Twórczość Czistyakowa została doceniona już w czasach sowieckich i została podsumowana w wielu pracach krytyki artystycznej. Pomimo istnienia szeregu dzieł poświęconych działalności Czistyakowa, jego system pedagogiczny ma charakter tak rewolucyjny i nie znajduje analogii w teorii i praktyce innych narodowych szkół artystycznych. Czistyakow znalazł odważne i konsekwentne rozwiązanie palących problemów sztuki współczesnej, oparte nie na odrzuceniu, ale na pełnym wykorzystaniu istniejących tradycji, co pozwoliło mu stworzyć szkołę. zasadniczo nowy, który wychował największych mistrzów malarstwa rosyjskiego końca przeszłości - początku tego wieku. System Chistyakova nie był prostym, choć utalentowanym eksperymentem wybitnego nauczyciela. Ze wszystkimi swoimi aspektami został zbudowany z perspektywy sztuki, którą wyrażał i której służył. I ten zawarty w nim wewnętrzny dynamit w dalszym rozwoju malarstwa narodowego zdeterminował to (jego poszczególne postanowienia zachowały swoje znaczenie w naszych czasach.! System Czistyakowa jest naukowy i artystyczny w najszerszym i najgłębszym znaczeniu tych pojęć. System ten opierał się na całkowitej rewizji dotychczasowych metod nauczania, a jednocześnie służył ich usystematyzowaniu i przemyśleniu w oparciu o nowe przesłanki ideologiczne. Główną rolę w systemie nauczania Czistyakowa odegrała płaszczyzna obrazu, która była pośrednikiem między naturą a rysunkiem i pomagała porównać obraz z naturą. Dlatego Chistyakov nazwał swój system rysowania jako całości „systemem sprawdzania rysunku”. Uznanie rysunku za poważny przedmiot akademicki; Czistyakow zwrócił uwagę, że metodologia jego nauczania powinna opierać się na prawach nauki i sztuki. Nauczyciel nie ma prawa wprowadzać ucznia w błąd swoim subiektywnym rozumowaniem, ma obowiązek przekazywać rzetelną wiedzę.Idee Czistyakowa dotyczące relacji nauczyciela z uczniami mają dla nas wielką wartość. „Prawdziwy, rozwinięty, dobry nauczyciel z kijem ucznia nie jest duetem, w przypadku błędu, niepowodzenia itp. stara się dokładnie wyjaśnić istotę sprawnego wykonywania tego zadania. Poprowadzić ucznia na prawdziwą ścieżkę. ” Ucząc uczniów rysowania, należy dążyć do intensyfikacji ich aktywności poznawczej. Nauczyciel musi dać kierunek, zwrócić uwagę na najważniejsze, a uczeń musi sam rozwiązać te problemy. Aby poprawnie rozwiązać te problemy, nauczyciel musi nauczyć ucznia nie tylko zwracać uwagę na przedmiot, ale także dostrzegać jego charakterystyczne strony. W rysunku edukacyjnym zagadnienia obserwacji i poznania przyrody odgrywają pierwszorzędną rolę. Podobnie jak nauczanie rysunku, Chistyakov dzieli naukę malarstwa na kilka etapów. Pierwszy etap to opanowanie figuratywnej natury koloru, rozwinięcie w młodym artyście umiejętności trafnego określenia odcienia koloru i odnalezienia jego prawidłowego położenia przestrzennego. Drugi etap powinien nauczyć ucznia rozumieć ruch koloru w formie jako główny sposób przekazywania natury, trzeci - uczyć, jak rozwiązywać pewne problemy fabularno-plastyczne za pomocą koloru Czistyakow był prawdziwym innowatorem, który zmienił pedagogikę w wysoka kreatywność. Biorąc pod uwagę współczesne wymagania sztuki, nie tylko zrewidował poszczególne punkty edukacji, ale także całkowicie ją zrewolucjonizował, zaczynając od kwestii stosunku sztuki do rzeczywistości, a kończąc na umiejętnościach zawodowych. Jego system nauczania wychował artystę w prawdziwym tego słowa znaczeniu. Mistrzostwo przyszło jako dojrzałość malarza, a nie jako rękodzielnicza podstawa jego twórczości.System opierał się na głęboko realistycznym, obiektywnym odzwierciedleniu świata poprzez uczucia artysty i jego rozumienie życia. Czistyakow jako jeden z pierwszych udowodnił, że obraz artystyczny nie jest usystematyzowaniem przez malarza tego, co widzi, ale wyrazem własnego doświadczenia.

. Czerpanie z edukacji ogólnej i specjalnych instytucji edukacyjnych Rosji w XVIII - XIX wieku. Metodyka nauczania rysunku w Imperial Academy of Arts

Idea znaczenia edukacji artystycznej w szkołach podstawowych, średnich i wyższych o różnych specjalnościach nieartystycznych oraz systematycznego nauczania studentów sztuk pięknych wraz z innymi przedmiotami kształcenia ogólnego - czytaniem, pisaniem, liczeniem - w pedagogice rosyjskiej został sformułowany w XVIII wieku.

Profesjonalne szkolnictwo artystyczne w Rosji w XVIII wieku. można było nabyć w prywatnych warsztatach (I. Argunova, P. Rokotova), w Szkole Rysunkowej zorganizowanej przez Piotra I w 1711 roku w drukarni petersburskiej. Od 1758 roku Akademia Trzech Najszlachetniejszych Sztuk stała się naukowym i metodycznym centrum edukacji artystycznej.

metodykę nauczania „rysunku” wzorowano na Akademii Sztuk Pięknych: przyswajanie umiejętności technicznych w procesie kopiowania próbek. Jako oryginały do ​​kopiowania przez uczniów w szkołach wykorzystano Podstawowe zasady, czyli Krótki przewodnik po sztuce rysunkowej I. D. Preislera, „Kurs rysunku” A. P. Sapożnikowa

Tak więc do końca XVIII wieku. rysunek jako ogólny przedmiot nauczania stał się powszechny. W związku z szybkim rozwojem przemysłu i urbanistyki, wzrostem liczby przedsiębiorstw przemysłowych, wzrosło zapotrzebowanie na osoby posiadające wiedzę w zakresie sztuk pięknych, potrafiące rysować i rysować, co wpłynęło na włączenie przedmiotu „Rysunek” w programach nauczania.

Akademia Sztuk Pięknych jest wyższą wyspecjalizowaną instytucją edukacyjną, jej rola w życiu Rosji była wiodąca. Początkowo akademie artystyczne były prywatnymi pracowniami i wspólnotami twórczymi mistrzów sztuki, ich celem było zachowanie i rozwój najwyższych tradycji artystycznych, kierowanie kształtowaniem poglądów estetycznych, kryteriów i norm twórczości artystycznej oraz utworzenie na tej podstawie szkoły artystycznej, profesjonalna edukacja.

W Rosji pierwsza Akademia Sztuk powstała w 1757 roku w Petersburgu jako „Akademia Trzech Najszlachetniejszych Sztuk” – malarstwa, rzeźby i architektury. W 1764 r. utworzono Cesarską Akademię Sztuk Pięknych, do której przyłączono Szkołę Edukacyjną. W całej swojej historii Akademia Petersburska była głównym rosyjskim ośrodkiem edukacji artystycznej. Najwięksi rosyjscy architekci, rzeźbiarze, malarze, rytownicy przeszli w Akademii rygorystyczne, wymagające szkolenie.

Akademia Sztuk Pięknych od początku była nie tylko instytucją edukacyjno-wychowawczą, ale także ośrodkiem edukacji artystycznej, regularnie organizując wystawy. Pod jej rządami powstały muzea i biblioteka naukowa, które do dziś stanowią część struktury akademii.

Ważny obszar działalności Akademii Sztuk Pięknych w XX wieku. było kształcenie krytyków sztuki i nauczycieli historii sztuki dla muzeów i instytucji edukacyjnych w Rosji. W 1944 r. Instytut Malarstwa, Rzeźby i Architektury, utworzony na bazie Rosyjskiej Akademii Sztuk, otrzymał imię wielkiego rosyjskiego malarza I. E. Repina.

W instytucie utrzymywano, rozwijano i kształtowano relacje w oparciu o ciągłość tradycji szkoły petersburskiej. Uczniowie akademii wychowali nowych utalentowanych uczniów, a także przenieśli tradycje edukacyjne do miast Rosji. Rola Akademii Sztuk w rozwoju rosyjskiej edukacji artystycznej w życiu Rosji była wiodąca.

. Studia nad sztukami plastycznymi dzieci na przełomie XIX i XX w. (Biogenetyczna koncepcja sztuk pięknych dzieci i teoria bezpłatnej edukacji. K. Ricci, Lamprecht, G. Kershensteiner)

Edukacja artystyczna jest uważana za część kultury artystycznej. Rysunek dzieci jest częścią cienkiej. kultury, a dziecko jest bohaterem procesu kulturowego.Rozpatrzenie rysunku dziecka w aspekcie historycznym, jako fenomenu sztuki. kultura. sugeruje: Pierwsza analiza pod kątem treści i metod cienkich. Edukacja; 2. miejsce dziecka i jego kreatywność w cienkiej. kultura; 3-psychologiczne cechy rozwoju związanego z wiekiem 4. wpływ indywidualności pedagogicznej - interakcja ucznia i jego mentora w sztuce. Książka Georga Kershensteinera „Rozwój twórczości artystycznej dziecka”, wydana w Rosji w 1914 r., stała się pierwszym podstawowym opracowaniem rysunków dzieci w wieku szkolnym w wieku od 6 do 13 lat. Szczególną uwagę przywiązuje się do ekspresji artystycznej, przejawiającej się w swobodnym i dekoracyjnym rysunku w różnym wieku dzieci. Celem badania było zbadanie rozwoju umiejętności rysowania w połączeniu z systematycznymi wpływami zewnętrznymi.

Niemieccy naukowcy ustalili: zróżnicowanie płci w sensie talentu artystycznego; różne postawy dzieci z miasta i wsi; połączenie rozwoju intelektualnego z umiejętnościami obrazu graficznego.

Rosję na przełomie XIX i XX wieku charakteryzowało wzmożone zainteresowanie metodami nauczania rysunku zarówno w placówkach oświaty specjalnej, jak i ogólnokształcącej.

Zaczął studiować psychologię dziecięcą. Corrado Ricci 1911 Zwrócił uwagę na fakt, że dzieci wybierały osobę jako jeden z centralnych obiektów obrazu. . Ricci porównał twórczość dzieci ze sztuką epok prehistorycznych i prymitywnych, co posłużyło za podstawę zastosowania biogenetycznej teorii wyjaśniającej rozwój sztuk plastycznych dzieci. Porównanie twórczości dziecięcej z historią sztuki doprowadziło do zidentyfikowania wspólnych dla wszystkich dzieci etapów rozwojowych, opracowanych w badaniach Kershensteinera 1914, które później zinterpretował Lamprecht 1909 jako odkrycie form rysunku dziecięcego: Etap I – schematy – bezkształtne bazgroły i prymitywne. Etap 2 wyczucie formy i linii to mieszanina formalności i schematu, etap 3 to wiarygodny obraz – etap sylwetek i konturów. 4-stopniowy plastikowy obraz. Kershensteiner oceniała rysunki dzieci ze względów społecznych – miejskich i wiejskich. . argumentował, że rozwój obrazu musi przejść przez wszystkie 4 etapy. Niezależnie od wieku musi pokonać każdy poprzedni krok. Negacja początku uczenia się doprowadziła do braku konstrukcji obrazu. Był przeciwny metodzie geometrycznej. Teoria bezpłatnej edukacji.

Zagłębiając się w metody nauczania rysunku na przełomie wieków, trzeba mieć na uwadze, że w tamtym czasie rysunek obejmował rysowanie - czerpanie z życia, dekoracyjne, tematyczne i konwersacje. Okres ten byłby bardzo trudny i kontrowersyjny. Jasność i ostrość obrazu są zauważalnie zmniejszone. Pojawia się wiele prac naukowych, badana jest psychika dziecka. Kershensteinera. W tym okresie wszystko jest mieszane. Wolna edukacja, spór między zwolennikami metody geometrycznej i naturalnej a formalistami. przedstawiciele geometryi bronią kierunku akademickiego, przedstawiciele metody naturalnej opowiadają się za teorią bezpłatnej edukacji. Zajęcia z rysunku w szkole zaczęto traktować zbyt wąsko. Niektórzy teoretycy twierdzą, że w szkole artystycznej nie ma czego się uczyć – mówią, że takie jest zadanie szkoły artystycznej. Wprowadzając dzieci w świat sztuk wizualnych, należy zapewnić im więcej możliwości samodzielnej twórczości. pod tym względem w aktywności wizualnej w ogóle nie widzimy różnicy wieku. Wszystkie prace są równie naiwne i bezradne w sztuce, wszystkie łączy ogólne określenie rysunku dziecięcego. W wielu szkołach łamany jest rygorystyczny system nauczania, rysunek jako przedmiot kształcenia ogólnego traci swoją wiedzę. Picasso napisał: że zapewnia się nas, że dzieciom należy dać wolność, a tak naprawdę zmusza się je do wykonywania dziecięcych rysunków. Oni tego uczą. Formalistyczna sztuka mieszczańska wywarła wpływ na metody nauczania w szkołach średnich. Cały system i metodologia nauczania tego okresu miała na celu rozwój indywidualności każdego ucznia i nienaruszalność jego osobowości artystycznej. Szkoła nie jest potrzebna – w szkole artysta traci swoje naturalne walory. . wielu na ściśle realistycznym rysunku widziało kajdany ograniczające możliwości twórcze artysty. Zwolennicy wolnej edukacji byli przeciwni akademickiemu studiowaniu przyrody, przeciwko szkole w ogóle. Wszyscy, od impresjonistów po abstrakcjonistów, idą pod hasłem – precz ze szkołą, wolnością twórczą. Nurty formalistyczne wywarły szkodliwy wpływ na szkołę artystyczną i metody nauczania rysunku. Oddzielenie formy od treści, zaprzeczenie poznawczemu znaczeniu sztuki doprowadziło sztukę do nonsensu. Ale były szkoły i indywidualni artyści, którzy nadal przestrzegali zasad sztuki realistycznej.

Od drugiej połowy XIX wieku zaczęto głębiej i poważniej rozwijać metodykę szkolną. To prawda, że ​​​​w tym okresie było wiele sporów między metodystami na temat przewagi jednej metody nad drugą. Estetyka plastyczna od zawsze wpływała na sposób nauczania rysunku w szkole. Czasami wpływ ten był także negatywny, jak na przykład wpływ sztuki formalistycznej. Zaniedbanie podstaw rysunku realistycznego, unikanie świata rzeczywistego, odrzucenie szkoły – to główne postanowienia sztuki formalistycznej, które wyrządziły poważne szkody rozwojowi metod nauczania rysunku w szkole ogólnokształcącej. Rysunek jako przedmiot ogólnoedukacyjny traci na znaczeniu. Zainteresowanie rysunkiem dzieci ogranicza się jedynie do badania kreatywności dzieci. Zaczynają o tym śpiewać krytycy sztuki, artyści naśladują dzieci. Mówi się o zachowaniu dziecinnej, naiwnej bezpośredniości postrzegania świata, o tym, że edukacja w ogóle ma szkodliwy wpływ na rozwój dziecka.

Do lat 30 XX wiek V. czołowi teoretycy sztuki. rodzicielstwo stało się: w Niemczech-G. Kershensteiner, w Ameryce – J. Dewey, w naszym kraju – A. W. Bakuszyński. Pomimo odmiennego podejścia do rozwiązywanego problemu i jego odmiennej interpretacji, wszystkie inspirowane są ogólną ideą, ideą „bezpłatnej edukacji”, potwierdzeniem osobowości dziecka z jego prawem do wyrażania swoich uczuć i myśli, usunięcie nauczyciela ze stanowiska kierowniczego. Opanowywanie umiejętności graficznych, zwłaszcza na początkowym etapie edukacji, ich zdaniem nie jest w przypadku dzieci konieczne. Czerpanie z życia jako jeden ze sposobów zrozumienia otaczającego nas świata, rysunek jako podstawa sztuki z roku na rok traci na znaczeniu. Niektórzy teoretycy twórczości dziecięcej zaczynają twierdzić, że w szkole ogólnokształcącej nie należy uczyć dzieci umiejętności graficznych, umiejętności graficznych, to złe zadanie. szkołach, ale aby wspierać ogólny rozwój estetyczny dziecka. W latach 50. XX wiek W wielu szkołach zagranicznych łamany jest rygorystyczny system nauczania, rysunek jako przedmiot kształcenia ogólnego traci na znaczeniu. Rysunek jako taki zniknął całkowicie, a co za tym idzie, metodyka nauczania rysunku w szkołach ogólnokształcących zniknęła. Tematem przewodnim wszystkich międzynarodowych sympozjów jest edukacja estetyczna, problem wszechstronnego rozwoju człowieka.

. Radziecki okres edukacji artystycznej. Edukacja artystyczna w pierwszej dekadzie władzy radzieckiej. Stan nauczania rysunku i sztuk pięknych w szkole radzieckiej lat 20. - 30. XX wieku (Trendy formalistyczne i realistyczne w życiu artystycznym. Rosyjska Akademia Nauk. Kształtowanie się systemu wyższej edukacji graficznej. System pedagogiczny D. N. Kardowskiego)

Pierwsze doświadczenia Społeczeństwo radzieckie na przełomie lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku odczuło braki w systemie edukacji artystycznej. Osłabienie więzi z tradycjami akademickiej szkoły sztuk pięknych. Na początku lat dwudziestych w wielu szkołach nie uczono dzieci prawidłowego, realistycznego rysunku. Abstrakcyjno-schematyczny kierunek nauczania nie tylko zanegował znaczenie metodologii, ale także wypaczył cele i zadania nauczania rysunku w szkole ogólnokształcącej. Rysowanie nie tylko nie dawało dzieciom nic do rozwoju umysłowego, ale zasadniczo zakłócało ich edukację estetyczną. W latach dwudziestych XX wieku w szkołach rozwijano metody rysunkowe z różnych dziedzin, ale powszechnie stosowano dwie z nich: metodę rozwijania „swobodnej kreatywności” i „złożoną” metodę nauczania.

W naszym kraju stworzono wszelkie warunki dla rozwoju sztuk pięknych i edukacji artystycznej. Zniesienie majątków ziemskich, demokratyzacja szkoły, oddzielenie szkoły od kościoła doprowadziło do restrukturyzacji całej edukacji szkolnej. Pracownikom oświaty publicznej postawiono zadanie przeorganizowania treści, form i metod nauczania. Wybitnym przedstawicielem „wolnej edukacji” i leżącej u jej podstaw teorii biogenetycznej był A. V. Bakushinsky. Pod koniec lat dwudziestych i na początku trzydziestych XX wieku metody formalistyczne zaczęto poddawać uczciwej krytyce. Rewizja treści programów i programów nauczania doprowadziła do restrukturyzacji metod nauczania rysunku w szkole. Program 1931 roku opierał się na czerpaniu z natury. Wraz z nim program wyznaczył miejsce rysowaniu na motywach, zgodnie z ideą, rysunkowi dekoracyjnemu. Dużą wagę przywiązywano do rozmów o sztuce. Szkoła artystyczna stanęła na przeszkodzie sztuce realistycznej. Poruszono kwestię utworzenia nowej akademii sztuk pięknych. Stanowcza linia w budowie nowej szkoły, nowy system nauczania wymagały zwrócenia szczególnej uwagi na kształcenie kadry nauczycielskiej. W 1937 roku otwarto Leningradzki Instytut Malarstwa, Rzeźby i Architektury oraz Moskiewski Instytut Sztuk Pięknych. W tych placówkach edukacyjnych wiodące miejsce zajął rysunek akademicki. Większość artystów-nauczycieli dochodzi do wniosku, że czerpanie z natury powinno być podstawą każdej metody nauczania, która zapewnia wysokie przygotowanie zawodowe artystów.

Kardovsky D. N. - wniósł ogromny wkład w metodologię, zachęcał uczniów do budowania trójwymiarowej formy na płaszczyźnie i jej analizy. Na początku rysunku musisz starać się rozbić całą figurę na płaszczyznę, odciąć kształt, aż pojawi się duży kształt, nie musisz rysować szczegółów. Szczególnie ważne jest konstruktywne połączenie pomiędzy częściami form obiektów. Kardowski był przeciwny bezmyślnemu szkicowaniu światłocienia. Kardowski odważnie bronił stanowisk sztuki realistycznej i chronił młodzież przed wpływem formalizmu. Dzięki swoim mocnym przekonaniom oraz jasnemu i metodycznie opracowanemu systemowi nauczania rysunku Kardowski miał dużą liczbę uczniów i zagorzałych naśladowców.

. Kształtowanie się systemu wyższego szkolnictwa artystycznego i graficznego. Stan nauczania rysunku i sztuk pięknych w szkole radzieckiej od lat 40. do 60. XX wieku (Prace badawcze w zakresie aktywności wizualnej dzieci - N. N. Wołkow, L. S. Wygotski, E. I. Ignatiew, V. I. Kirienko, V. S. Kuzin)

Po Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej w naszym kraju zreformowano edukację artystyczną. 5 sierpnia 1947 r. Podjęto uchwałę Rady Ministrów ZSRR „W sprawie przekształcenia Wszechrosyjskiej Akademii Sztuk Pięknych w Akademię Sztuk Pięknych ZSRR”. Rząd powierzył Akademii Sztuk stale rozwijającą się radziecką sztukę piękną we wszystkich jej postaciach w oparciu o „konsekwentną realizację zasad socrealizmu i dalszy rozwój najlepszych postępowych tradycji artystycznych narodów ZSRR, oraz w szczególności rosyjska szkoła realistyczna”. Świadczy to o dojrzałości radzieckiej pedagogiki artystycznej, która posiadała wszelkie dane do dalszego doskonalenia metod nauczania sztuk pięknych. W tym okresie rysunek zaczęto uznawać za podstawę sztuk pięknych. Jego trening powinien rozpocząć się jak najwcześniej. Z reguły jego początek powinien poprzedzać naukę malarstwa i rzeźby. System nauczania rysunku musi koniecznie obejmować „regularne rysowanie z pozującego aktu w specjalnie do tego stworzonym środowisku, nie mający na celu innego celu niż zdobycie mistrzostwa w rysunku”, czyli konkretnie rysunek „akademicki”. Aby usprawnić pracę metodyczną w szkołach, w latach pięćdziesiątych XX wieku zrodził się pomysł stworzenia specjalnych podręczników do rysunku. Wcześniej podręczniki do rysowania dla szkół średnich nie były publikowane ani w Rosji, ani za granicą. Od 1959 roku przy instytutach pedagogicznych utworzono sieć wydziałów plastycznych i graficznych.

N. Yu Vergiles, N. N. Volkov, V. S. Kuzin, V. P. Zinchenko, E. I. Ignatiev i inni poświęcili swoje prace badaniu problemów percepcji w procesie aktywności wizualnej. W tych pracach percepcja jest definiowana jako twórcza zdolność wyodrębnienia przedmiotu z otoczenia, zrozumienia najważniejszych szczegółów, charakterystycznych cech przedmiotu, a także wykrycie powiązań strukturalnych prowadzących do powstania wyraźnego obrazu.

. Rosyjska szkoła i pedagogika artystyczna od lat 60. XX wieku do współczesności (E. I. Shorochow, T. Ya. Shpikalova, V. S. Shcherbakov, B. M. Nemensky, M. N. Sokolnikova, Yu. A Poluyanov, B. P. Yusov)

Rosję na przełomie XIX i XX wieku charakteryzowało wzmożone zainteresowanie metodami nauczania rysunku zarówno w placówkach oświaty specjalnej, jak i ogólnokształcącej. Preisler - „Podstawowe zasady, czyli krótki przewodnik po sztuce rysunkowej” ukazał się w dwóch językach: niemieckim i rosyjskim. Zarysowuje pewien system nauczania rysunku. Książka zawiera wskazówki dla artystów i nauczycieli. Rozpoczyna się od wyjaśnienia celu rysowania linii prostych i krzywych, a następnie przedstawia geomę. figury i ciała, zasady ich stosowania w praktyce. Geometria jest podstawą nauczania rysunku. Jednak wykorzystanie figur geometrycznych musi być połączone z zastosowaniem zasad i praw perspektywy anatomii plastycznej. W swojej książce dostarcza wielu pomocy wizualnych. Przywiązuje dużą wagę do wzoru liniowego. W 1834 r. A.P. Sapozhnikov opublikował „Kurs rysunku” - pierwszy podręcznik dla instytucji edukacyjnych opracowany przez rosyjskiego artystę. Kurs rysunku rozpoczynał się od zapoznania się z różnymi liniami, kątami, a następnie kształtami geometrycznymi. Wartość metody Sapożnikowa polega na tym, że opierała się ona na czerpaniu z życia i analizie jego formy. Nowa metoda zaproponowana przez Sapożnikowa znalazła szerokie zastosowanie, aż do publikacji jego książki królowało kopiowanie oryginału. Metodę uproszczenia formy zastosowałem już na początkowym etapie rysowania. Nauczyciel powinien ustnie wyjaśnić błędy ucznia. G. A. Gippius publikuje książkę „Eseje o teorii rysunku jako ogólnego przedmiotu akademickiego”. Koncentrowały się w niej wszystkie zaawansowane idee pedagogiki. Książka podzielona jest na dwie części – teoretyczną i praktyczną. W książce teoretycznie uzasadnia każde stanowisko metodologii nauczania. Metodologia nie powinna być szablonowa, powinna opierać się na danych praktycznych i naukowych. Czistyakow miał ogromny wpływ na rozwój metod nauczania i jego pomysłów na temat relacji między nauczycielem a uczniami, które polegały na poznaniu ucznia, jego charakteru i przygotowania, znalezieniu podejścia do ucznia i nauczeniu go prawidłowego patrzenia na przyrodę .

Władimir Siergiejewicz Kuzin – Członek Korespondent Rosyjskiej Akademii Edukacji, dr Ped. nauki, profesor. W jego programie wiodące miejsce zajmuje czerpanie z życia, czyli nauka widzenia przedmiotów i zjawisk takimi, jakie one istnieją. Jest przewodniczącym zespołu autorów państwowego programu sztuk pięknych.

Borys Michajłowicz Niemenski – artysta, pedagog, laureat, nagroda państwowa, członek korespondent Akademii Nauk Pedagogicznych. Jego metodologia opiera się na wewnętrznym świecie dziecka, na jego uczuciach, emocjach, spostrzeżeniach. świat dookoła poprzez duszę dziecka. W tej chwili niektóre szkoły są w to zaangażowane program o nazwie Sztuka piękna i twórczość artystyczna. Metody nauczania sztuk plastycznych w placówkach oświatowych w obecnie rozwija się bardzo intensywnie. Wiele ciekawych zmian w takich autorzy tacy jak E. I. Kubyshkina, V. S. Kuzin, T. S. Komarova, B. M. Nemensky, E. E. Rozhkova, N. N. Rostovtsev, N. M. Sokolnikova, E. V. Shorokhov, A. S. Khvorostov, T. Ya. sztuki ludowej i dekoracyjnej. Podręczniki opublikowane po raz pierwszy od lat plastycznych dla szkół podstawowych i gimnazjów.

. Perspektywy edukacji artystycznej i edukacji estetycznej dzieci

Natalia Michajłowna Sokolnikowa to nowoczesna nauczycielka-metodolog, która połączyła w swoich pracach wszystko, co najlepsze w metodach nauczania sztuk pięknych, które pojawiły się w ostatnich latach. Równie dużą wagę przywiązuje do czerpania z życia i DPI, jak i rozwoju emocjonalnego uczniów. Edukacja artystyczna dzieci w wieku szkolnym to proces opanowywania przez dzieci wiedzy, umiejętności oraz kształtowania postaw światopoglądowych w dziedzinie sztuki i twórczości artystycznej. Edukacja artystyczna dzieci w wieku szkolnym to proces rozwijania u dzieci umiejętności odczuwania, rozumienia, oceniania, kochania sztuki i czerpania z niej przyjemności; Edukacja i wychowanie artystyczne jest nierozerwalnie związane z zachęcaniem dzieci do aktywności artystycznej i twórczej, do kreowania wartości estetycznych, w tym artystycznych. Edukacja estetyczna w szkole średniej to celowy proces kształtowania twórczo aktywnej osobowości, zdolnej do dostrzegania i oceniania pięknych, doskonałych, harmonijnych i innych zjawisk estetycznych w życiu, przyrodzie, sztuce, z punktu widzenia zrozumienia ideału, jakim jest dostępnych dla niej żyć i tworzyć „według praw piękna”. System edukacji artystycznej i estetycznej w szkole ogólnokształcącej to żywy, celowy, zorganizowany proces edukacji artystycznej i estetycznej, rozwoju i wychowania dzieci, z uwzględnieniem wieku uczniów, oparty na połączeniu nowoczesnych zasad metodycznych. System edukacji estetycznej uczniów szkół podstawowych budowany jest z uwzględnieniem związanych z wiekiem cech psychologicznych i pedagogicznych dzieci. Niezależnie od tego, czy mówimy o wymaganiach ideału moralnego i estetycznego, gustu, sądów estetycznych, które powinny charakteryzować młodszego ucznia, nastolatka, młodzież, czy o naturze, gatunkach, kryteriach oceny działalności twórczej (w tym artystycznej i twórczej), każdorazowo optymalne wymaganie i rozwiązanie problemu powinno być skorelowane z możliwościami wiekowymi dziecka. Edukacja estetyczna harmonizuje i rozwija wszystkie zdolności duchowe człowieka, niezbędne w różnych obszarach twórczości. Jest to ściśle związane z wychowaniem moralnym, ponieważ piękno działa jako swego rodzaju regulator relacji międzyludzkich. Dzięki pięknu człowiek często intuicyjnie sięga po dobro.

Edukacja estetyczna, zapoznawanie ludzi ze skarbnicą światowej kultury i sztuki – to wszystko jest jedynie warunkiem koniecznym osiągnięcia głównego celu edukacji estetycznej – ukształtowania osobowości holistycznej, twórczo rozwiniętej indywidualności, działającej zgodnie z prawami piękna.

Edukacja estetyczna prowadzona jest na wszystkich etapach rozwoju wiekowego jednostki. Im wcześniej człowiek wejdzie w sferę celowego wpływu estetycznego, tym więcej powodów do nadziei na jego skuteczność. . Doświadczenia zdobyte poprzez komunikację i aktywność kształtują u dzieci w wieku przedszkolnym elementarną postawę estetyczną wobec rzeczywistości i sztuki.

System edukacji estetycznej ma za zadanie uczyć dostrzegać piękno wokół siebie, w otaczającej nas rzeczywistości. Aby system ten najskuteczniej oddziaływał na dziecko i osiągał swój cel, B. M. Nemensky wyróżnił jego następującą cechę: „System edukacji estetycznej powinien być przede wszystkim ujednolicony, jednoczący wszystkie przedmioty, wszystkie zajęcia pozalekcyjne, całą społeczność społeczną życie studenta, gdzie każdy przedmiot, każdy rodzaj zawodu ma swoje jasne zadanie w kształtowaniu kultury estetycznej i osobowości studenta. Ale każdy system ma rdzeń, fundament, na którym się opiera. Za taką podstawę w systemie edukacji estetycznej możemy uznać sztukę: muzykę, architekturę, rzeźbę, malarstwo, taniec, kino, teatr i inne rodzaje twórczości artystycznej. Powód tego podali nam Platon i Hegel. Na podstawie ich poglądów przyjęto aksjomat, że sztuka jest główną treścią estetyki jako nauki, a piękno jest głównym zjawiskiem estetycznym. Sztuka kryje w sobie ogromny potencjał rozwoju osobistego.

Piękno daje przyjemność i przyjemność, pobudza do pracy, uprzyjemnia spotkania z ludźmi. Brzydko odpycha. Tragedia uczy współczucia. Komiks pomaga walczyć z niedociągnięciami.

Jedną z prawdziwych potrzeb człowieka jest potrzeba piękna jako naturalne ludzkie pragnienie harmonii, integralności, równowagi i porządku. O tym, że jest to właśnie życiowa potrzeba człowieka, świadczą wyniki badań antropologów, którzy odkryli, że na pewnym etapie rozwoju ludzkiego mózgu po prostu potrzebował wrażeń estetycznych i doświadczeń, które przyczyniły się do powstania holistyczne postrzeganie człowieka, zarówno świata, jak i samego siebie. Znając wychowawczy, edukacyjny, rozwojowy wpływ wrażeń estetycznych, mędrcy z czasów starożytnych radzili otoczyć rozwój dziecka pięknem i dobrem, wzrost młodego mężczyzny - pięknem i rozwojem fizycznym, wzrost młodości - pięknem i nauczanie. Piękno powinno być obecne na wszystkich etapach kształtowania się człowieka, przyczyniając się do jego harmonijnego rozwoju i doskonalenia. Rzeczywiście piękno wraz z prawdą i dobrem niezmiennie działa w ramach pierwotnej triady wartości, reprezentujących podstawowe fundamenty bytu.

Ta sama pierwotna i prawdziwa jest ludzka potrzeba twórczości, wyrażania siebie, afirmacji siebie w świecie poprzez wprowadzenie do niego nowego, stworzonego przez siebie. To właśnie pozycja twórcza zapewnia człowiekowi stabilność egzystencji, ponieważ pozwala adekwatnie i terminowo reagować na wszystkie nowe sytuacje w ciągle zmieniającym się świecie. Twórczość jest wolną działalnością, do której człowieka nie można zmusić: może on tworzyć jedynie z powodu wewnętrznej potrzeby kreatywności, wewnętrznego impulsu, który działa jak czynnik skuteczniejszy, bez jakiegokolwiek zewnętrznego nacisku lub przymusu.

Tutaj okazuje się, że wiele prawdziwych potrzeb ludzkich ma albo charakter estetyczny, albo zawiera niezbędny element estetyczny. Rzeczywiście, jeśli chodzi o powrót człowieka do jego prawdziwej natury, do prawdziwego bytu, do realizacji jego rzeczywistych potrzeb, nie ostatnie miejsce należy do kultury estetycznej i prowadzącej do niej edukacji estetycznej (choć niekoniecznie ją zapewniającej) oraz edukacji estetycznej. Estetyczny stosunek do świata zawsze istniał jako zachowanie wszechogarniające, uniwersalne i czysto ludzkie, a ocena estetyczna jest najbardziej holistyczna, jakby dopełniająca postrzeganie przedmiotu w pełni jego dalności i związku z otoczeniem. .

Rola edukacji estetycznej w kształtowaniu postawy twórczej polega na tym, że nie tylko przyczynia się ona do rozwoju uczuć, kształtowania ludzkiej wrażliwości i jej wzbogacania, ale także oświeca, uzasadnia – racjonalnie i emocjonalnie – potrzebę twórczego podejścia do świat. To edukacja estetyczna ukazuje rolę uczuć estetycznych w kształtowaniu obrazu świata i rozwija te uczucia.

. Metodologia jako nauka. Metody i techniki nauczania plastyki w szkole średniej

Metodologia jest zarówno połączeniem zgromadzonego doświadczenia, nowych podejść, jak i poszukiwania sposobów duchowego i emocjonalnego rozwoju uczniów i samego nauczyciela. A wtedy metody nauczania to najprawdopodobniej system jednolitego działania nauczyciela i uczniów w opanowaniu określonej części treści programu. Realizuje się to poprzez techniki, specyficzne działania nauczyciela i ucznia, różne formy ich komunikacji.

Przez metodę nauczania rozumiemy sposób pracy nauczyciela z uczniami, za pomocą którego osiąga się lepsze przyswojenie materiału edukacyjnego i poprawia się wyniki w nauce. Wybór metod nauczania zależy od celów uczenia się, a także od wieku uczniów.Metoda nauczania (z innego greckiego sposobu) to proces interakcji pomiędzy nauczycielami i uczniami, w wyniku którego dochodzi do przekazania i przyswojenia sobie występuje wiedza, umiejętności i zdolności przewidziane w treści szkolenia. Odbiór szkolenia (recepcja nauczania) - krótkotrwała interakcja między nauczycielem a uczniami, mająca na celu przekazanie i przyswojenie określonej wiedzy, umiejętności, umiejętności. Zgodnie z utrwaloną tradycją w pedagogice domowej metody nauczania dzielą się na trzy grupy: - Metody organizacji i realizacji działań edukacyjnych i poznawczych: 1. Werbalne, wizualne, praktyczne (Według źródła prezentacji materiału edukacyjnego). 2. Reprodukcyjne objaśniające i ilustracyjne, poszukiwawcze, badawcze, problematyczne itp. (zgodnie z charakterem działalności edukacyjnej i poznawczej). 3. Indukcyjne i dedukcyjne (zgodnie z logiką prezentacji i odbioru materiału edukacyjnego) - Metody monitorowania efektywności działalności edukacyjnej i poznawczej: Sprawdziany ustne, pisemne i autotesty skuteczności opanowania wiedzy, umiejętności i zdolności; - Metody pobudzania aktywności edukacyjnej i poznawczej: Pewne bodźce w kształtowaniu motywacji, poczucia odpowiedzialności, obowiązków, zainteresowania zdobywaniem wiedzy, umiejętności i zdolności. W praktyce nauczania istnieją inne podejścia do definiowania metod nauczania, które opierają się na stopniu świadomości percepcji materiału edukacyjnego: pasywne, aktywne, interaktywne, heurystyczne i inne. Definicje te wymagają dalszego doprecyzowania, gdyż proces uczenia się nie może być pasywny i nie zawsze stanowi dla uczniów odkrycie (eureka). Metoda pasywna to forma interakcji uczniów z nauczycielem, w której nauczyciel jest głównym aktorem i menadżerem lekcji, a uczniowie pełnią rolę biernych słuchaczy, podporządkowanych jego wskazówkom. Komunikacja nauczyciela z uczniami na lekcjach pasywnych odbywa się poprzez ankiety, niezależne testy, testy itp. Z punktu widzenia nowoczesnych technologii pedagogicznych i efektywności uczenia się przez uczniów materiału edukacyjnego, metoda pasywna jest uważana za najbardziej nieskuteczną , ale mimo to ma też pewne zalety. Jest to stosunkowo łatwe przygotowanie nauczyciela do lekcji i możliwość przedstawienia stosunkowo dużej ilości materiału edukacyjnego w ograniczonych ramach czasowych lekcji. Biorąc pod uwagę te zalety, wielu nauczycieli woli metodę pasywną od innych metod. Trzeba powiedzieć, że w niektórych przypadkach takie podejście sprawdza się z powodzeniem w rękach doświadczonego nauczyciela, zwłaszcza jeśli uczniowie mają jasne cele, których celem jest dokładne przestudiowanie przedmiotu. Wykład jest najczęstszą formą lekcji biernej. Ten rodzaj lekcji jest szeroko rozpowszechniony na uniwersytetach, gdzie studiują dorośli, w pełni ukształtowani ludzie z jasnymi celami, aby dogłębnie przestudiować ten temat. Metoda aktywna to forma interakcji uczniów z nauczycielem, w której nauczyciel i uczniowie wchodzą w interakcję ze sobą podczas lekcji, a uczniowie nie są tu biernymi słuchaczami, ale aktywnymi uczestnikami lekcji. Jeśli na lekcji biernej nauczyciel był głównym aktorem i kierownikiem lekcji, to tutaj nauczyciel i uczniowie są na równych prawach. Jeśli metody pasywne implikowały autorytarny styl interakcji, to metody aktywne bardziej sugerują styl demokratyczny. Wiele metod aktywnych i interaktywnych stawia znak równości, jednak pomimo ogólności istnieją między nimi różnice. Metody interaktywne można uznać za najnowocześniejszą formę metod aktywnych Metodę interaktywną („Interaktywna” („Inter” to wzajemne, „działać” to działać) - oznacza wchodzenie w interakcję, prowadzenie rozmowy, dialog z kimś. Innymi słowy, w odróżnieniu od Metody aktywne, interaktywne skupiają się na szerszej interakcji uczniów nie tylko z nauczycielem, ale także między sobą i na dominacji aktywności uczniów w procesie uczenia się. Miejsce nauczyciela na lekcjach interaktywnych sprowadza się do kierunek działań uczniów, aby osiągnąć cele lekcji.Nauczyciel opracowuje także scenariusz lekcji (zwykle są to interaktywne ćwiczenia i zadania, podczas których uczeń zapoznaje się z materiałem).Dlatego głównymi elementami lekcji interaktywnych są ćwiczenia interaktywne i zadania wykonywane przez uczniów.Ważną różnicą między ćwiczeniami interaktywnymi a zadaniami zwykłymi jest to, że podczas ich wykonywania uczniowie nie tylko utrwalają już poznany materiał, ale uczą się nowego.

. Cele i zadania nauczania plastyki w szkole średniej

Rozwój osoby twórczej, jej zdolności artystycznych jest bezpośrednio powiązany z celem i zadaniami nauczania przedmiotu plastycznego.

Jego głównym CELEM jest zapoznanie z kulturą duchową jako sposobem przekazywania z pokolenia na pokolenie uniwersalnych wartości ludzkich, których postrzeganie i reprodukcja w jej działalności ma miejsce twórczy i moralny rozwój człowieka, integralność jego wewnętrzny świat jest zachowany. Tak więc, przyłączając się do kultury duchowej, osoba jednocześnie łączy swoją naturalną esencję, rozwijając swoje podstawowe - uniwersalne - zdolności: do holistycznego, wyobraźniowego myślenia; do empatii ze światem zewnętrznym; do twórczej aktywności.

Realizacja tego celu realizowana jest poprzez estetyczną edukację człowieka za pomocą sztuki i pedagogiki artystycznej. Opierają się na edukacji artystycznej i działalności artystycznej. Tylko w ich całości możemy sobie wyobrazić realizację celów edukacji estetycznej. Są to dwa różne sposoby rozwijania ludzkiej świadomości, nie zastępując się, lecz uzupełniając.

Kryteria oceny twórczego rozwoju osoby w zakresie edukacji estetycznej ujawniają się zgodnie z zadaniami kształtowania harmonijnie rozwiniętej osoby. Trzy powiązane ze sobą kierunki: A) zachowanie integralności moralnej jednostki, B) rozwój jej potencjału twórczego, C) zapewnienie w niej harmonijnej korelacji cech społecznych i unikalnych.

Wszystko to w naturalny sposób realizuje się w artystycznej działalności człowieka.

Dziecko w swojej aktywności poznawczej i twórczej przyswaja sobie przede wszystkim jego znaczenie, związane z emocjonalnym i wartościującym podejściem do życia. Sztuka jest środkiem akumulacji, koncentracji doświadczenia życiowego ludzkości, co wiąże się z zadaniami rozwijania potencjału moralnego i twórczego ludzi. Dlatego jednym z głównych celów sztuki jest, w oparciu o uniwersalne siły człowieka, rozwijanie jego ideału moralnego, postaw twórczych, emocji i uczuć estetycznych.

Program artystyczny w szkole przewiduje 4 główne rodzaje pracy - czerpanie z życia, rysunek tematyczny, rysunek dekoracyjny, rozmowy o sztuce, które są ze sobą ściśle powiązane i uzupełniają się w rozwiązywaniu zadań postawionych w programie.

Do zadań zajęć plastycznych należy: Rozwijanie percepcji wzrokowej uczniów. Rozwijaj umiejętność obserwacji, ustalania podobieństw i różnic, klasyfikowania obiektów ze względu na kształt i fakturę. Rozwijanie zdolności estetycznych i artystycznych, nauka czerpania z natury, tematów, wykonywania ilustracji i rysunków dekoracyjnych, rozwijanie umiejętności graficznych i obrazkowych. Rozwijaj myślenie mentalne i abstrakcyjne.

Wiodącym rodzajem rysunku jest ryc. z natury kot. prowadzi do ogólnego rozwoju człowieka - rozwija wyobraźnię, myślenie umysłowe, przestrzenne i abstrakcyjne, oko, pamięć.

Szkolny kurs plastyczny. sztuka ma na celu:

Przygotuj dobrze przygotowanych, wykształconych członków społeczeństwa,

Kształć estetycznie dzieci, rozwijaj ich gust artystyczny.

Pomóż dzieciom poznawać otaczający je świat. obserwacji, przyzwyczaić się do logicznego myślenia, zdać sobie sprawę z tego, co zostało zobaczone.

Nauczanie wykorzystania rysunku w pracy i działalności społecznej

Przekazanie studentom podstawowej wiedzy na temat rysunku realistycznego. Zaszczepianie umiejętności i zdolności w zakresie sztuk pięknych, zapoznawanie się z podstawowymi technicznymi metodami pracy.

Rozwijanie zdolności twórczych i estetycznych uczniów, rozwijanie myślenia przestrzennego, reprezentacji figuratywnej i wyobraźni.

Zapoznanie uczniów z wybitnymi dziełami sztuki rosyjskiej i światowej. Zaszczepianie zainteresowania i miłości do sztuki. zajęcia.

Przedmiot metod nauczania sztuk plastycznych jest ściśle powiązany z dyscyplinami specjalnymi i psychologiczno-pedagogicznymi. Metodologia jako przedmiot badań uwzględnia cechy pracy nauczyciela z uczniami. Metodologia rozumiana jest jako zespół racjonalnych metod szkolenia i edukacji. Jest to specjalny wydział pedagogiki, który bada zasady i prawa budowania procesu edukacyjnego. Metodologia może być ogólna, uwzględnia metody nauczania właściwe dla wszystkich przedmiotów oraz prywatne - metody i techniki stosowane w nauczaniu dowolnego przedmiotu.

Metodologia nauczania sztuk pięknych jako nauki teoretycznie uogólnia doświadczenie praktyczne, proponuje takie metody nauczania, które już się sprawdziły i dają najlepsze rezultaty. Celem kursu jest ukształtowanie podstaw i świadomości zawodowej i pedagogicznej nauczyciela sztuk pięknych. Celem zajęć jest zapoznanie się z historią, teorią, metodami badań naukowych w zakresie nauczania sztuk pięknych, nabycie umiejętności intelektualnych i praktycznych umożliwiających rozwiązywanie problemów nauczania sztuk pięknych, stworzenie podstaw do późniejszego kształtowania się szkoły plastycznej. twórcze podejście do działalności nauczyciela sztuk pięknych, kształtowanie trwałego zainteresowania zawodem nauczyciela sztuk pięknych. Przez metodę nauczania rozumie się sposób pracy nauczyciela z uczniami, pozwalający na najlepsze przyswojenie materiału edukacyjnego i poprawę wyników w nauce.

Na metodę nauczania składają się odrębne metody nauczania: - ze względu na źródło zdobywania wiedzy (wizualne, praktyczne, werbalne, gry) - ze względu na sposób zdobywania wiedzy (odtwórczy, informacyjno-receptywny, badawczy, heurystyczny) - ze względu na charakter działalności (sposób organizacji i realizacji zajęć edukacyjnych i poznawczych, sposób kontroli i samokontroli, sposób stymulowania i motywowania nauki) – według rodzaju zawodu

Zajęcia plastyczne w klasach 1-9. Zadaniem zajęć jest nauka czerpania z natury, tematycznie, wykonywania ilustracji i rysunków dekoracyjnych, rozwijanie umiejętności graficznych i obrazkowych. Głównym rodzajem rysunku w sztukach plastycznych jest czerpanie z natury - rozwija myślenie umysłowe i abstrakcyjne, jest metodą edukacji wizualnej, uczy myślenia, celowego prowadzenia obserwacji, wzbudza zainteresowanie analizą przyrody, przygotowując tym samym ucznia do dalszej nauki. praca edukacyjna.

Rysunek tematyczny - obraz zjawisk otaczającego świata i ilustracja dzieł literackich, odgrywają dużą rolę w rozwoju wyobraźni twórczej. Większości rysunków na ten temat towarzyszą szkice i szkice z natury. Rozwija twórcze myślenie, wyobraźnię, samodzielność w pracy, wytrwałość.

DPI jest ściśle związane z czerpaniem z natury. Na lekcjach DPI dzieci zapoznają się z podstawami projektowania artystycznego, studiują ozdobną kreatywność narodów. Rysunek dekoracyjny rozwija gust estetyczny i artystyczny, rozwija zdolności twórcze. Specyfiką DPI jest dekoracyjna obróbka form przedstawianych z natury. Projektowanie dekoracyjne odbywa się w oparciu o pewne zasady i prawa, zgodność, symetrię, kombinacje kolorów.

Rozmowa o sztuce Na tych lekcjach dzieci zapoznają się z życiem i twórczością wybitnych mistrzów, rozwijają percepcję estetyczną, gust artystyczny, zdobywają podstawową wiedzę o sztuce zagranicznej i rosyjskiej

) BM Nemensky „Sztuka plastyczna i twórczość artystyczna” (klasy 1-9) Cel: kształtowanie wśród uczniów kultury artystycznej, jako integralnej części kultury duchowej, tworzonej przez wiele pokoleń.

Treści i środy: wprowadzenie do najgorszej kultury, w tym studium głównych rodzajów sztuki. sztuki: (malarstwo, grafika, rzeźba), DPI (sztuka ludowa, rzemiosło ludowe, nowoczesna sztuka zdobnicza). zadania gry są wprowadzane na temat, związek z muzyką, historią, pracą. Aby doświadczyć twórczej komunikacji, do programu wprowadzane są zadania zbiorowe. Praktyka oznacza wysoki poziom przygotowania teoretycznego nauczyciela. Nemensky B. M. „Sztuki piękne i prace artystyczne klasy 1-9. » Postawione przez niego zadania mają na celu rozwój estetyczny uczniów, zwiększenie zainteresowania sztukami pięknymi, rozwój wyobraźni i obserwacji, realizację zdolności twórczych uczniów, ukierunkowany na studiowanie tradycyjnej kultury rosyjskiej. Jest to całościowy, zintegrowany kurs obejmujący wszystkie główne dziedziny: malarstwo, grafikę, rzeźbę, ludową sztukę zdobniczą, architekturę, projektowanie, rozrywkę i sztukę ekranową. Zawiera trzy rodzaje cienkich. działalność: konstrukcyjna (architektura, projektowanie), wizualna (malarstwo, grafika, rzeźba), dekoracyjna stosowana. Trzon semantyczny programu stanowi rola sztuki w życiu społeczeństwa. Istnieje związek z muzyką, literaturą, historią, pracą. W celu doświadczenia. Na zajęciach zbiorowych zapewniona jest komunikacja. Klasa 1 „Przedstawiasz, ozdabiasz, budujesz” zabawną, figuratywną formę komunii. Klasa 2 - „Ty i Sztuka” Klasa 3 „Sztuka wokół nas” zapoznanie z kulturą swoich ludzi. Klasa 4 – „Każdy naród jest artystą”. Konstrukcja programu: Pierwszy etap to szkoła podstawowa, piedestał wszelkiej wiedzy, drugi etap to powiązanie życia z rodzajami i gatunkami sztuki. Trzeci etap to sztuka świata.

) V. S. Kuzin „Sztuka piękna” (klasy 1-9)

Cel: rozwój sztuki u dzieci. zdolności, zły gust, twórcza wyobraźnia, myślenie przestrzenne, uczucia estetyczne.

Treści i media: czerpanie z natury, z pamięci i wyobraźni przedmiotów i zjawisk otaczającego świata, tworzenie kompozycji graficznych na dany temat, opowiadanie o sztuce. sztuka. Wiodącym miejscem jest czerpanie z natury. Kuzin i Kubyshkina - opracowali podręcznik sztuk pięknych, poprawiony zgodnie ze współczesnymi ogólnymi standardami nauczania i programem sztuk pięknych dla czteroletniej szkoły podstawowej. Pierwsza część podręcznika nosi tytuł „Nauka rysunku” – poświęcona jest praktycznej stronie nauczania dzieci w wieku szkolnym, podstawom sztuk pięknych, czerpaniu z życia, rysunkowi tematycznemu, malarstwu, kompozycji, modelarstwu, pracom zdobniczym, aplikacji. Druga część „Magicznego świata” - z niej uczniowie dowiedzą się o rodzajach i gatunkach sztuk pięknych, o wybitnych rosyjskich artystach. Do podręczników dołączone są zeszyty ćwiczeń dla klas 1-4 oraz poradnik dla nauczyciela zawierający krótkie zalecenia dotyczące sposobu prowadzenia lekcji.

Wdrożenie dostępne jest dla specjalistów różnych szczebli prof. przygotowanie.

) T. Ya. Shpikalova: „Sztuka piękna i zła praca” (klasy 1-6)

Cel: rozwój osobisty w oparciu o holistyczną kulturę estetyczną.

Treść i media: program jest zintegrowany w oparciu o art. sztuka i najgorsze dzieło. Treść budowana jest w oparciu o pojęcia wartości: osoba, rodzina, dom, ludzie, historia, kultura, sztuka. To kompleksowe podejście do opracowywania informacji artystycznej w oparciu o wiedzę studentów z zakresu nauk humanistycznych i przyrodniczych. Ma na celu opanowanie podstaw obrazu artystycznego sztuki ludowej i sztuk pięknych oraz działań artystycznych i projektowych. Aby wdrożyć ten program, pożądana jest specjalizacja w kierunku dekoracyjnego zastosowania. Shpikalova T. Ya. - głównym celem programu jest promowanie wychowania wysoce artystycznej - wykształconej osobowości studenckiej, tworzenie podstaw holistycznej kultury estetycznej poprzez rozwój pamięci historycznej, zdolności twórczych skłonności dziecka . Zespół autorów programu łączy w zintegrowanym kursie sztuki plastyczne i twórczość artystyczną, sztukę słowa i pieśni, opartą na sztuce ludowej. Struktura programu nie jest zwyczajna, treść ukazana jest według rodzajów sztuki ludowej. Blok pierwszy poświęcony jest sztuce i rzemiosłu ludowemu, drugi – ustnej sztuce ludowej. Folk DPI obejmuje następujące części szkolenia: podstawy wizerunku artystycznego; ozdoba w sztuce narodów świata, struktura i typy; ozdoba ludowa Rosji, twórcze studium procesu obrazu; twórczość artystyczna w oparciu o znajomość folkloru i DPI. Ustna twórczość ludowa obejmuje następujące działy: materiały edukacyjne do słuchania; materiały edukacyjne do samodzielnego czytania; święta folklorystyczne. Wszystkie części programu zawierają przybliżony wykaz zabaw plastyczno-dydaktycznych, ćwiczeń i prac twórczych. Nauczyciel ma duże możliwości kreatywności pedagogicznej i artystycznej w przygotowaniu i prowadzeniu takich form pracy lekcyjnej, jak lekcje typu uogólniającego, lekcje - wakacje, jako formy pracy zespołowej, lekcje tworzenia form i eksperymentowania. Gra uznawana jest za jedną z wiodących technik metodycznych w organizowaniu pracy twórczej młodszych uczniów w klasie. SOKOLNIKOVA Treść programu Sztuk Pięknych odpowiada następującym celom: - wprowadzenie uczniów w świat sztuk pięknych, rozwój ich kreatywności i kultury duchowej, - opanowanie podstawowej wiedzy o świecie sztuk plastycznych: sztuk pięknych, sztuk dekoracyjnych i użytkowych, projekt architektury; o formach ich egzystencji w codziennym środowisku dziecka, - edukacja wrażliwości emocjonalnej i kultury odbioru dzieł sztuki zawodowej i ludowej; uczucia moralne i estetyczne: miłość do rodzimej przyrody, jej ludzi, Ojczyzny, szacunek dla jej tradycji, bohaterskiej przeszłości, wielonarodowej kultury.

Główne zasady dydaktyczne nauczania sztuk pięknych w szkole (Ukazanie istoty zasad działania i świadomości, zasady dostępności i siły, zasad wychowania, zasady naukowości, zasady systematyki i konsekwencji w nauczaniu) sztuki piękne)

Metodologia - zespół metod szkolenia i wychowania. Techniki nauczania – chwile, od kota. powstaje metoda nauczania. Z zestawu technik i metod nauczania połączonych wspólnym kierunkiem powstaje system szkoleniowy. Właściwie zorganizowane, kompetentne metodycznie wykorzystanie zasad dydaktycznych i metod nauczania na lekcjach plastyki. sztuka przyczynia się do wzrostu. efektywność nauczania i wychowania. proces: Zwiększa aktywność, zainteresowanie, Rozwija miłość do sztuki, Rozwija reprodukcję. , uwaga, wyobraźnia, myślenie, pamięć, mowa itp. Nauczyli. wiedza, wyrastanie. w umiejętnościach i zdolnościach. Kształtuje umiejętność zastosowania wiedzy w praktyce.

Ważne zasady dydaktyczne w powiązaniu z metodologią nauczyciela. podstawy iso. plastyka w szkole

zasada charakteru naukowego: związek nauki z przedmiotem

zasada widoczności: wspierana przez percepcję wzrokową.

Zasada świadomości i aktywności uczniów

Zasada powiązania teorii z praktyką

Zasada siły przyswajania wiedzy

Zasada systematyki i konsekwentności

Zasada wychowania wychowawczego

Tworzy osobowość moralną, prawną, estetyczną i fizyczną. kultura i życie, komunikacja. Kształci rozwój intelektualny i indywidualny. Zdolności poznawcze, z uwzględnieniem zainteresowań kursantów. Zasada systemu i podążaj. uczenie się: ciągłość i powiązanie nowego materiału z przeszłością, poszerzanie i pogłębianie wiedzy. Nowe konto. materiał przypomina to, co zostało wcześniej dostrzeżone, wyjaśnia i uzupełnia, wymaga ścisłej zasady, aby nie przechodzić do nowego materiału edukacyjnego, dopóki poprzedni nie zostanie opanowany i utrwalony

Istotą zasady świadomości i aktywności jest umiejętne posługiwanie się różnorodnymi technikami, które przyczyniają się do wzbudzania potrzeby i zainteresowania zdobywaniem wiedzy, nadając procesowi edukacyjnemu problematyczny charakter. Dla świadomego i aktywnego panowania nad wiedzą konieczne jest: przyzwyczajenie uczniów do stawiania pytań zarówno nauczycielowi, jak i samodzielnych odpowiedzi i rozstrzygnięć; rozwijać u uczniów niezależne podejście do studiowanego materiału, głęboko przemyśleć te teoretyczne wnioski i koncepcje, światopogląd oraz idee moralne i estetyczne zawarte w jego treści. Nie da się rozwiązać tego problemu, jeśli nauczyciel nie pobudzi i nie podtrzyma aktywności poznawczej i świadomości uczniów w procesie uczenia się.

Istotą zasady systematyczności i konsekwencji jest zapewnienie konsekwentnego przyswajania przez uczniów określonego systemu wiedzy z różnych dziedzin nauki, systematycznego przechodzenia nauki. Zapewnienie systematycznej i konsekwentnej nauki wymaga od studentów głębokiego zrozumienia logiki i systemowości treści zdobywanej wiedzy, a także systematycznej pracy nad powtarzaniem i uogólnianiem studiowanego materiału. Jedną z częstych przyczyn niepowodzeń uczniów jest brak systemu w pracy akademickiej, niezdolność do wytrwałości i pilności w nauce.

Zasada siły odzwierciedla specyfikę uczenia się, zgodnie z którą opanowanie wiedzy, umiejętności, światopoglądu oraz idei moralnych i estetycznych osiąga się tylko wtedy, gdy z jednej strony są one dogłębnie zrozumiane, a z drugiej strony dobrze wyuczone i zapisane w pamięci na długi czas. . Siła uczenia się osiągana jest przede wszystkim wtedy, gdy uczniowie wykonują w procesie uczenia się pełny cykl działań edukacyjnych i poznawczych: wstępne postrzeganie i zrozumienie badanego materiału, jego późniejsze głębsze zrozumienie, praca nad jego zapamiętywaniem, zastosowanie zdobytej wiedzy w praktyce, a także w jej powtarzaniu i systematyzacji. Dla solidnego przyswajania wiedzy ogromne znaczenie ma systematyczne sprawdzanie i ocena wiedzy uczniów.

Istotą zasady naukowej jest to, że treści nauczania w szkole powinny mieć charakter naukowy i mieć orientację ideologiczną. Aby to wdrożyć, nauczyciel musi: głęboko i jednoznacznie ujawnić każdą pozycję naukową badanego materiału, unikając błędów, niedokładności i mechanicznego zapamiętywania przez uczniów wniosków teoretycznych i uogólnień; ukazanie znaczenia badanego materiału dla zrozumienia współczesnych wydarzeń społeczno-politycznych i ich zgodności z interesami i aspiracjami społeczeństwa.

Istota zasady dostępności polega na konieczności uwzględnienia w procesie edukacyjnym wieku i indywidualnych cech uczniów oraz niedopuszczalności jego nadmiernej złożoności i przeciążenia, w którym opanowanie studiowanego materiału może być przytłaczające.

Uczynić naukę dostępną oznacza: prawidłowo, biorąc pod uwagę możliwości poznawcze uczniów w wieku, określić jej treść, ilość wiedzy, umiejętności praktycznych i zdolności, które uczniowie każdej klasy muszą opanować w ramach każdego przedmiotu akademickiego. Prawidłowo określ stopień złożoności teoretycznej i głębokość studiowania materiału programowego. Prawidłowo określ ilość czasu przeznaczonego na naukę każdego przedmiotu akademickiego, biorąc pod uwagę jego wagę i złożoność oraz zapewniając jego głębokie i trwałe przyswojenie. Należy ulepszyć programy nauczania i podręczniki. Nauczyciel musi w procesie uczenia się wykorzystywać jasny materiał faktograficzny, przedstawiać go zwięźle i zrozumiale, łączyć z życiem i umiejętnie prowadzić uczniów do teoretycznych wniosków i uogólnień. Uwzględnij indywidualne cechy aktywności umysłowej i pamięci uczniów, a także poziom ich przygotowania i rozwoju.

Zasada powiązania teorii z praktyką stanowi, że proces uczenia się zachęca studentów do wykorzystywania zdobytej wiedzy w rozwiązywaniu problemów, analizowaniu i przekształcaniu otaczającej rzeczywistości, wypracowywaniu własnych poglądów. W tym celu wykorzystuje się analizę przykładów i sytuacji z prawdziwego życia. Jednym z kierunków realizacji tej zasady jest aktywne angażowanie uczniów w działania społecznie użyteczne w szkole i poza nią.

. Zasada wizualizacji w nauczaniu sztuk pięknych. Pomoce wizualne do zajęć plastycznych. Rodzaje pomocy wizualnych. Wymagania dotyczące pomocy wizualnych

Istota zasady widoczności wynika z kilku czynników: widzialność uczenia się wynika z tego, że działa ono dla uczniów jako sposób na poznanie otaczającego ich świata, dlatego proces ten jest skuteczniejszy, jeśli opiera się na bezpośrednia obserwacja i badanie obiektów, zjawisk lub zdarzeń.

Proces poznawczy wymaga włączenia w proces zdobywania wiedzy różnych narządów percepcji. Według Ushinsky'ego wizualne uczenie się zwiększa uwagę uczniów, przyczynia się do głębszego przyswajania wiedzy.

Widoczność uczenia się opiera się na specyfice myślenia dzieci, które rozwija się od konkretu do abstrakcji. wizualizacja zwiększa zainteresowanie uczniów wiedzą i ułatwia proces uczenia się. Wiele skomplikowanych zapisów teoretycznych przy umiejętnym wykorzystaniu wizualizacji staje się przystępnych i zrozumiałych dla studentów. Pomocami wizualnymi są: rzeczywiste przedmioty i zjawiska w ich naturalnej postaci, modele maszyn, manekiny, pomoce ilustracyjne (obrazy, rysunki, fotografie), pomoce graficzne (schematy, wykresy, wykresy, tabele), różne środki techniczne (filmy edukacyjne, edukacja programowana, komputery).

Funkcje wizualizacyjne: pomagają odtworzyć formę, istotę zjawiska, jego strukturę, powiązania, interakcje w celu potwierdzenia stanowisk teoretycznych;

pomaga wprowadzić w stan aktywności wszystkie analizatory i związane z nimi mentalne procesy odczuwania, percepcji i reprezentacji, w wyniku czego powstaje bogata podstawa empiryczna dla uogólniającej i analitycznej aktywności umysłowej dzieci i nauczyciela;

kształtuje kulturę wizualną i słuchową uczniów;

przekazuje nauczycielowi informację zwrotną: zadając pytania, uczniowie mogą ocenić przyswojenie materiału, ruch myśli uczniów w kierunku zrozumienia istoty zjawiska.

Rodzaje wizualizacji edukacyjnych

Modele z materiałów naturalnych (obiekty rzeczywiste, manekiny, bryły geometryczne, modele obiektów, fotografie itp.)

Warunkowe obrazy graficzne (rysunki, szkice, diagramy, wykresy, mapy, plany, diagramy itp.)

Modele znakowe, wzory i równania matematyczne, chemiczne oraz inne modele interpretowane

Dynamiczne modele wizualne (filmy i filmy telewizyjne, przezrocza, kreskówki itp.)

22. Lekcja jako główna forma organizacji procesu edukacyjnego w zakresie sztuk pięknych w szkole. Rodzaje lekcji. Struktura lekcji plastyki. Zadania dydaktyczno-wychowawcze lekcji. Współczesne wymagania dotyczące przygotowania i prowadzenia zajęć plastycznych

Kla ?ssno-uro ?system ?studiuję ? niya - panująca we współczesnej edukacji i wszechobecna organizacja procesu uczenia się, w której w celu przeprowadzenia zajęć edukacyjnych uczniowie w tym samym wieku grupują się w małe zespoły (klasy), które zachowują swój skład przez określony czas ( zwykle rok akademicki), a wszyscy studenci pracują nad opanowaniem tego samego materiału. Główną formą edukacji jest lekcja. Lekcja to lekcja prowadzona przez nauczyciela ze stałym składem uczniów na tym samym poziomie wyszkolenia, zjednoczonych w podgrupie klasowej lub zespole. Lekcje odbywają się naprzemiennie, według ustalonego harmonogramu i obejmują pracę frontalną, brygadową i indywidualną uczniów z wykorzystaniem różnych metod nauczania. Czas trwania lekcji w warsztatach wynosi dwie godziny (po 45 minut).Edukacja oparta na programie nauczania i planie organizacji edukacji „jedna klasa – jeden rok” powstała na początku XVI wieku w Europie. przykładowo szkoła miejska reformatora Johanna Agricoli (program nauczania w Eisleben) (1527), opracowana przez humanistę i pedagoga Philippa Melanchthona, system organizacji niemieckich szkół i uniwersytetów (Karta Saksońska) (1528), gimnazjum Johanna Sturma w Strasburgu (1537), Wirtembergski program nauczania szwabskiego reformatora Johna Brenza (1559) itd. Czeski nauczyciel Jan Amos Komeński, podsumowując doświadczenia postępowych szkół, szkół wyższych i uniwersytetów w Europie, opracował system klasa-lekcja-przedmiot zawarty w jego teorii powszechnego kształcenia ogólnego i wychowanie. System zajęć lekcyjnych należy obecnie do edukacji tradycyjnej. Wypełniwszy swoją historyczną misję, system ten zaczyna tracić skuteczność we współczesnych warunkach społeczno-kulturowych i gospodarczych. Należy uznać główne wady systemu lekcja-przedmiot: niemożność uwzględnienia wielu czynników społecznych wpływających na dziecko, niemożność twórczego samorozwoju dziecka, niemożność absorpcji informacji i innowacji technologicznych, niemożność nadążać za tempem zmian w społeczeństwie i nie tylko. Najbardziej drastyczna modernizacja systemu nauczania (Brown, Trump, Parkhurst i inni) polegała na innym doborze treści. Najbardziej radykalne odrzucenie systemu podmiotowego, dokonane przez reformatorów (Kilpatrick, Linke, Decrol i in.) ), została zredukowana do innego zróżnicowania treści. Tym samym nie rozwiązały w istocie problemu, a co najwyżej poprawiły system klasa – lekcja – przedmiot w określonych warunkach społeczno-politycznych i ekonomicznych. Rodzaje i struktura zajęć. Struktura lekcji to zestaw elementów lekcji, który zapewnia jej integralność i zachowanie głównych cech lekcji w różnych opcjach. Elementy konstrukcyjne lekcji. I. Organizacja rozpoczęcia lekcji (2 minuty). Aby zainteresować dzieci, zwróć ich uwagę na lekcję, poinformuj o temacie i celu lekcji. II. Sprawdzanie pracy domowej (3 minuty). poziom przyswojonego materiału z poprzedniego tematu i przygotowanie do postrzegania nowych informacji. III. Głównym elementem. Nauka nowego materiału (20 minut). Naukowa, pasjonująca, przystępna prezentacja nowego materiału z udziałem studentów. IV. Podstawowe utrwalenie wiedzy (5 minut). Po wyjaśnieniu nowego materiału możesz skorzystać z zadań specjalnych. Prowadź rozmowę, aby rozwijać umiejętności i wykorzystywać wiedzę. V. Podsumowanie lekcji (2 minuty). Dowiedz się, czego dzieci nauczyły się na lekcji, czego nauczyły się nowego i uzasadnij ocenę wiedzy uczniów. VI. Informacja o pracy domowej (3 minuty). Zgłaszanie zadań domowych i wyjaśnianie, jak je odrobić. Typy. Najbardziej powszechną i stosowaną w praktyce klasyfikację wprowadził B. P. Esipow i wyróżnił następujące rodzaje lekcji: 1. Nauka nowego materiału. 2. Lekcja utrwalania wiedzy i rozwijania umiejętności i zdolności. 3. Lekcja uogólniania i systematyzacji wiedzy. 4. Lekcja kontroli i korygowania wiedzy, umiejętności i zdolności uczniów. 5. Lekcja łączona lub mieszana. Typ 1: Nauka nowego materiału. Rodzaj zajęć: - wykład, - lekcja z elementami konwersacji, - wykład z elementami prezentacji, lekcja, konferencja, wycieczka, praca naukowa. Cel lekcji: nauka nowej wiedzy i jej pierwotne utrwalenie. Typ 2: Lekcja utrwalająca wiedzę i rozwijająca umiejętności i zdolności. Rodzaj lekcji: - warsztaty, - wycieczka, - praca laboratoryjna, - gra biznesowa, - lekcja dyskusyjna. Cel lekcji: Wtórne utrwalenie zdobytej wiedzy, rozwój umiejętności i zdolności do ich zastosowania. Typ 3: Lekcja uogólniania i systematyzacji wiedzy. Rodzaj lekcji: - seminaria, konferencja, lekcja ogólna, lekcja wywiadu, lekcja dyskusji, dyskusja. Cel zajęć: Uogólnienie wiedzy uczniów w systemie. Sprawdzanie i ocena wiedzy uczniów. Ten rodzaj lekcji stosuje się podczas powtarzania dużych fragmentów badanego materiału. Typ 4: Lekcja kontroli i korygowania wiedzy, umiejętności i zdolności uczniów. Rodzaj lekcji: egzamin - test. Cel lekcji: Określenie poziomu wiedzy, umiejętności i predyspozycji uczniów oraz identyfikacja jakości wiedzy uczniów, odzwierciedlenie ich własnych działań. Typ 5: Lekcja łączona lub mieszana. Rodzaj zajęć: - praktyka - konferencja - seminarium - wykład kontrolny - wykład, Cel zajęć: Rozwijanie umiejętności samodzielnego zastosowania wiedzy w kompleksie i przeniesienia jej do nowych warunków. Struktura lekcji. I. Organizacja rozpoczęcia lekcji (2). Aby zainteresować, zwróć uwagę na lekcję, przekaż temat i cel lekcji. II. Sprawdź do h (3). Pewien poziom przyswojonego materiału z poprzedniego tematu i przygotowanie uczniów do postrzegania nowych informacji (w zależności od formy kształcenia może ich nie być). III. Głównym elementem. Nauka nowego materiału (20). Naukowa, pasjonująca, przystępna prezentacja nowego materiału z udziałem studentów. IV. Pierwotna konsolidacja wiedzy (5). Po wyjaśnieniu nowego materiału możesz skorzystać z zadań specjalnych. Prowadź rozmowę, aby rozwijać umiejętności i wykorzystywać wiedzę. V. Podsumowanie lekcji (2 minuty). Dowiedz się, czego dzieci nauczyły się na lekcji, czego nauczyły się nowego i uzasadnij ocenę wiedzy uczniów. VI. Informacja o pracy domowej (3 minuty). Zgłaszanie zadań domowych i wyjaśnianie, jak je odrobić.

. Rodzaje aktywności wzrokowej i ich znaczenie w rozwoju psychicznym, moralnym, estetycznym i fizycznym uczniów. (Rysunek, modelowanie, aplikacja, projekt)

Główne działania:

Obraz na płaszczyźnie i w objętości (z natury, z pamięci i z przedstawienia);

prace dekoracyjne i konstrukcyjne;

aplikacja;

modelowanie objętościowo-przestrzenne;

działalność projektowa i konstrukcyjna;

fotografia artystyczna i filmowanie wideo;

postrzeganie zjawisk rzeczywistości i dzieł sztuki;

omówienie pracy towarzyszy, wyników twórczości zbiorowej i pracy indywidualnej w klasie;

badanie dziedzictwa artystycznego;

dobór materiału ilustracyjnego do studiowanych tematów;

słuchanie dzieł muzycznych i literackich (ludowych, klasycznych, współczesnych).

Wychowanie mentalne koncentruje się na rozwoju zdolności intelektualnych człowieka, zainteresowaniu poznawaniem otaczającego go świata i samego siebie.

Zakłada:

rozwój siły woli, pamięci i myślenia jako głównych warunków procesów poznawczych i edukacyjnych;

kształtowanie kultury pracy edukacyjnej i intelektualnej;

rozbudzanie zainteresowań pracą z książkami i nowymi technologiami informacyjnymi;

a także rozwój cech osobistych - niezależność, szerokość perspektyw, zdolność do kreatywności.

Zadania wychowania umysłowego rozwiązywane są poprzez szkolenia i edukację, specjalne treningi i ćwiczenia psychologiczne, rozmowy o naukowcach, mężach stanu z różnych krajów, quizy i konkursy, zaangażowanie w proces twórczych poszukiwań, badań i eksperymentów.

Etyka jest teoretyczną podstawą wychowania moralnego.

Do głównych zadań wychowania etycznego należy:

gromadzenie doświadczeń moralnych i wiedzy o zasadach zachowań społecznych (w rodzinie, na ulicy, w szkole i innych miejscach publicznych);

rozsądne wykorzystanie czasu wolnego i rozwój cech moralnych jednostki, takich jak uważna i troskliwa postawa wobec ludzi; uczciwość, tolerancja, skromność i delikatność; organizacja, dyscyplina i odpowiedzialność, poczucie obowiązku i honoru, poszanowanie godności ludzkiej, pracowitość i kultura pracy, poszanowanie dziedzictwa narodowego.

W procesie wychowania moralnego powszechnie stosuje się takie metody, jak perswazja i osobisty przykład, porady, życzenia i aprobująca informacja zwrotna, pozytywna ocena działań i czynów, publiczne uznanie osiągnięć i zasług danej osoby. Wskazane jest także prowadzenie rozmów i debat etycznych na przykładach dzieł sztuki i sytuacjach praktycznych. Jednocześnie spektrum wychowania moralnego zakłada zarówno naganę publiczną, jak i możliwość stosowania kar dyscyplinarnych i odroczonych.

Celem edukacji estetycznej jest kształtowanie estetycznego stosunku do rzeczywistości. Postawa estetyczna oznacza zdolność do emocjonalnego postrzegania piękna. Może objawiać się nie tylko w odniesieniu do natury czy dzieła sztuki. Na przykład I. Kant uważał, że kontemplując dzieło sztuki stworzone ręką ludzkiego geniuszu, łączymy się w to, co „piękne”. Jednak dopiero szalejący ocean czy erupcja wulkanu odbieramy jako „wzniosłe”, których człowiek nie jest w stanie stworzyć. (Kant I. Krytyka zdolności osądzania. M. 1994.) Dzięki umiejętności dostrzegania piękna człowiek jest zobowiązany do wnoszenia estetyki w swoje życie osobiste i życie innych, w życie codzienne, działalność zawodową i krajobraz społeczny. Jednocześnie edukacja estetyczna powinna chronić nas przed popadnięciem w „czysty estetyzm”. W procesie edukacji estetycznej wykorzystuje się dzieła artystyczne i literackie: muzykę, sztukę, kino, teatr, folklor. Proces ten polega na uczestnictwie w twórczości artystycznej, muzycznej, literackiej, organizowaniu wykładów, rozmów, spotkań i wieczorów koncertowych z artystami i muzykami, zwiedzaniu muzeów i wystaw artystycznych, studiowaniu architektury miasta. Estetyczna organizacja pracy, atrakcyjny wystrój sal lekcyjnych, audytoriów i placówek oświatowych, gust artystyczny, przejawiający się w stylu ubioru uczniów, studentów i nauczycieli, ma znaczenie edukacyjne. Dotyczy to także społecznego krajobrazu życia codziennego. Przykładami mogą być czystość wejść, zagospodarowanie ulic, oryginalny wystrój sklepów i biur.

Do głównych zadań wychowania fizycznego należą: prawidłowy rozwój fizyczny, trening motoryki i aparatu przedsionkowego, różnorodne zabiegi hartujące ciało, a także kształcenie siły woli i charakteru, mające na celu zwiększenie zdolności do pracy człowieka. Organizacja wychowania fizycznego odbywa się poprzez ćwiczenia fizyczne w domu, w szkole, na uniwersytecie, w sekcjach sportowych. Zakłada kontrolę nad reżimem nauki, pracy i odpoczynku (gimnastyka i zabawy na świeżym powietrzu, wycieczki piesze i zawody sportowe) oraz profilaktykę medyczną i medyczną chorób młodszego pokolenia. W wychowaniu człowieka zdrowego fizycznie niezwykle ważne jest przestrzeganie elementów codziennej rutyny: długi sen, wysokokaloryczne odżywianie, przemyślane łączenie różnych aktywności.

. Wzory manifestacji zdolności twórczych uczniów na lekcjach sztuk pięknych. Podstawy pracy badawczej w zakresie aktywności wzrokowej dzieci.

Kreatywność uczniów rozumiana jest jako samodzielne rozwiązywanie nowych, postawionych przed nimi zadań. Na zajęciach z rysunku określone są wszystkie warunki rozwoju kreatywności. Jego przejaw można wiązać nie tylko z rozwiązaniem złożonego problemu obrazu, jak w kompozycji tematycznej, ale także z najprostszym zadaniem monosylabowym, rozwiązanym w szkicu z natury, z pamięci i reprezentacji. Doprowadzenie dziecka do samodzielności w rozwiązywaniu nowego problemu, do odkryć to moja praca.

Systematyczna praca w sztukach wizualnych rozwija takie cechy osobowości, jak myślenie przestrzenne, wyostrzone wyczucie koloru, czujność oka, kształtuje cechy intelektu człowieka, które w ostatecznym rozrachunku są ważne nie tylko przy tworzeniu rysunku, szkicu czy modelu przedmiotu, ale także dla dowolnej specjalności, którą student wybierze później. Do tych cech należy przede wszystkim reprezentacja figuratywna i logiczne myślenie, są one warunkiem kreatywności w każdej działalności człowieka. Cechy te ujawniają się już u dzieci w wieku szkolnym w ich plastyce, co staje się potrzebą rozwijającej się osobowości. Zajęcia te w większym stopniu przyczyniają się do uzewnętrznienia indywidualności ucznia, co stwarza szczególnie korzystne warunki do rozwoju zdolności twórczych.

Nadzorując zajęcia wizualne, muszę pamiętać, że nie jest to zwykłe szkolenie, podczas którego po prostu się czegoś uczymy, czegoś uczymy, ale działanie artystyczne i twórcze, które wymaga od dzieci pozytywnego nastawienia emocjonalnego, chęci tworzenia obrazu , zdjęcie, starając się o ten wysiłek umysłowy i fizyczny. Bez tego sukces jest niemożliwy.

Przywiązuję dużą wagę w edukacji i wychowaniu dzieci do komunikacji z naturą. To natura w całym swoim pięknie inspiruje ludzi do tworzenia: przedstawiania, ozdabiania, budowania.

Natura obdarzyła dzieci zdolnością żywego, emocjonalnego wczuwania się w nowe, holistycznego postrzegania świata. W przeciwieństwie do dorosłych dzieci nie mają narzędzi, aby wyrazić to, co czują. Ta złożona ideologiczna i emocjonalna treść przedmiotu żyje początkowo tylko w duszy dziecka, jest „niewidzialna”, nie ma skończonego wyglądu. Trzeba go sobie wyobrazić, czyli nadać mu odpowiednie wyobrażenie i formę, w której pomysł stanie się widoczny, namacalny, dostępny dla innych ludzi. Aby to zrobić, muszę wzbogacić arsenał sposobów wyrażania siebie przez dzieci, muszę dać dziecku możliwość poznawania świata i manipulowania nim.

Czasem można spotkać się z opinią, że dziecko pracuje twórczo, gdy nauczyciel daje mu pełną swobodę w rysowaniu tematów: wyborze tematu, momentu, formy obrazowej. Im szerszy jest ten wybór, tym stwarza się korzystniejsze warunki dla manifestacji jego inicjatywy. Na przykład podczas pracy nad ilustracją wskazywana jest bajka, z której może wybrać dowolny moment. Albo jeszcze szerzej: może wybrać dowolną bajkę. Jednak w tych przypadkach nie ma konkretnego zadania, które powinno pobudzać dziecko do aktywnego poszukiwania środków wzrokowych w rozwiązywaniu odpowiedzi na powierzone mu zadanie wzrokowe. Innymi słowy, postawione mu zadanie jest na tyle szerokie i niejednoznaczne, że każdy obraz może oznaczać, że zadanie zostało wykonane. Doświadczenie pokazuje, że w takich przypadkach dzieci wybierają ścieżkę najmniejszego oporu. Przedstawiają to, co widzieli na rysunkach swoich kolegów, na ilustracjach książkowych lub co nauczyciel mówi im na rysunku na tablicy. Ale takie wykonanie rysunku nie wymaga dużej aktywności, siły woli, wysiłku pamięci i innych elementów prawdziwego poszukiwania.

Oznacza to, że nie wszystkie formy nauczania rozwijają u dzieci zdolności twórcze. Jedność stymulacji edukacyjnej i twórczej musi odbywać się poprzez zadania wprowadzające uczniów w elementarne pojęcia i wyobrażenia o rzeczywistości oraz cechach obrazu na płaszczyźnie, poprzez rozwijanie różnych umiejętności w celu opanowania podstaw realistycznego obrazu. Zadania te obejmują różnorodne ćwiczenia elementarne. Mogą być spowodowane różnymi zadaniami edukacyjnymi w pracy z naturą, z pamięci i wyobraźni, w pracy dekoracyjnej. Oprócz krótkotrwałych, prostych ćwiczeń-etiud, uwzględniam także bardziej złożone zadania złożone, w których rozwiązuje się kilka zadań jednocześnie. Z drugiej strony konieczne jest zawężenie i konkretyzacja zadań tematycznych, czyli stawiam dzieciom konkretne zadania wzrokowe, które muszą rozwiązać samodzielnie. W tych warunkach obie kierunki (kształcenie umiejętności czytania i pisania oraz rozwój kreatywności) są z powodzeniem realizowane. Inicjatywa dziecka, jego twórcze poszukiwania muszą mieć miejsce we wszystkich zadaniach.

Ważnym warunkiem rozwoju wyobraźni twórczej dzieci jest stosowanie różnych materiałów i technik, a także zmiana rodzajów aktywności wizualnej.

Najbardziej efektywna konstrukcja treści kształcenia jest zmienna, gdyż pozwala na zastosowanie zróżnicowanego podejścia do uczniów, umożliwia uczniom realizację swoich umiejętności zgodnie z ich indywidualnymi możliwościami.

Opanowanie jak największej liczby różnych technik pozwala wzbogacić i rozwinąć wewnętrzny świat dziecka, wykazać się twórczą wyobraźnią - umiejętnością tworzenia zmysłowego obrazu, który odsłania wewnętrzną treść.

Konieczne jest rozbudzenie w dziecku osobistego zainteresowania sztuką. Pomagają mi w tym zadania wymagające wyrażenia własnego poczucia postawy, nastroju i intencji.

Zadania twórcze mają charakter otwarty, nie wymagają prawidłowej odpowiedzi. Odpowiedzi jest tyle, ile dzieci. Moją rolą jest nie tylko zrozumienie i podjęcie różnorodnych decyzji, ale także pokazanie dzieciom zasadności tych różnic.

Zastosowanie technologii komputerowej umożliwia rozwój zainteresowań sztukami pięknymi w nowej jakości. Aby osiągnąć najlepsze wyniki w nauce i rozwijaniu zdolności twórczych, niezbędne są technologie komputerowe, ponieważ mają większe możliwości, pozwalają uzyskać maksymalny wynik przy minimalnych kosztach.

Wykorzystanie komputera na lekcjach plastyki pozwala aktywnie rozwijać zdolności twórcze i poznawcze każdego ucznia; tworzy nastrój emocjonalny, co z kolei pozytywnie wpływa na rozwój twórczości artystycznej.

Wszystkie ciekawe ustalenia dotyczące rozwoju wyobraźni dziecięcej są usystematyzowane w celu organizacji kolejnych wystaw zbiorowych i osobistych prac dziecięcych.

. Nauczyciel jako organizator i lider procesu edukacyjnego w sztukach plastycznych

Nauczyciel sztuki. rozwija gust estetyczny, wiedzę i umiejętności artystyczne, kultywuje pragnienie wiedzy do perfekcji, aby wszystko wokół czyniło lepszym i piękniejszym. Nauczyciel stawia przed uczniem zadania edukacyjne, organizuje jego obserwacje w procesie konstruowania obrazu według określonego systemu, uczy analizy przyrody w procesie konstruowania obrazu, wskazuje ścieżkę najszybszego przyswojenia materiału edukacyjnego, uczy analizować, kieruje uwagę na najważniejsze cechy konstrukcji, uważnie monitoruje pracę myśli ucznia, stale ją kierując, wspierając. nie tracąc z oczu swojej pracy. Od pierwszej klasy kładzie uczniom podstawy wiedzy i umiejętności realistycznego obrazu, odrywa ich od naiwnego i prymitywnego rysunku.

Po wyjaśnieniu nauczyciel chodzi po klasie i obserwuje pracę dzieci. Zauważywszy błąd, zwraca na niego uwagę jednego lub kilku uczniów i wyjaśnia przyczynę błędu.

Prezentując materiały edukacyjne, konieczne jest, aby wszyscy uczniowie zrozumieli temat, utrzymali uwagę uczniów, umiejętnie przedstawiając temat lekcji, komplikując zadania w czasie. Ucząc czerpania z natury, nauczyciel zwraca uwagę na zagadnienia obserwacji, percepcji i analizy przyrody, objaśnienia ilustruje rysunkami na tablicy lub pomocami dydaktycznymi. Rysunek pedagogiczny aktywizuje pracę, zwiększa zainteresowanie: sztuką. Możesz zastosować metodę: wstępne przygotowanie tablicy do lekcji, obrysowanie kropkami wymiarów i proporcji przyszłego obrazu, a już w trakcie lekcji szybkie odtworzenie rysunku, korzystając z tych wskazówek.

Przejrzyste planowanie pracy na lekcjach zapewnia dystrybucję materiałów edukacyjnych w technice. całkowite konto. roku intensywność zajęć uzależniona jest od ilości materiałów edukacyjnych. Taki system pozwala efektywnie wykorzystać czas nauki, jasno zaplanować pracę nad programem na cały rok. Podczas lekcji nauczyciel podaje niezbędne pojęcia, ujawnia kolejność prezentacji materiału edukacyjnego, sposoby korzystania z pomocy wizualnych, w podsumowaniu lekcji należy podać metodologię pracy z klasą tak szczegółowo, jak to możliwe. możliwy.

. Planowanie i organizacja pracy dydaktycznej i wychowawczej w zakresie sztuk pięknych na rok i kwartał akademicki. Ilustrowany kalendarz-plan tematyczny zajęć plastycznych

Główne funkcje nauczyciela plastyki w szkole: wychowawcza, wychowawcza i organizacyjna.

Sukces każdego przedsiębiorstwa zależy od jego organizacji. Organizacja procesu edukacyjnego oznacza zaplanowanie całego materiału przedmiotu od lekcji do roku i wszystkich lat nauki. Aby osiągnąć systematyczną, spójną i akceptowalną wiedzę, umiejętności i zdolności, należy planować pracę z dziećmi na lata. W tym celu sporządzają plan tematyczny na rok (inna nazwa to plan tematyczny kalendarza).

Formy planu tematycznego:

arkusz czasu pracy to tabela zawierająca sekcje: klasa, kwartał, numer lekcji, temat lekcji, zadanie praktyczne, materiały do ​​wykonania zadania, notatka;

ilustrowana forma jest mozaiką rysunków ułożonych w logiczny układ (patrz rysunek 1), dzięki ilustracjom ujawniającym temat lekcji, materiały obrazowe, poziom trudności zadania, sprawia, że ​​plan tematyczny jest przejrzysty;

forma łączona to system kartek (patrz rysunek 2), które zawierają nie tylko ogólne informacje o planowanej lekcji, potrzebne do planowania tematycznego, ale także część informacji o planowaniu lekcji (wyposażenie lekcji, plan lekcji, metody nauczania i wychowania) i techniki).

Wymóg planu tematycznego dla sztuk pięknych:

Orientacja moralna treści zajęć.

Zgodność planowanego materiału z programem.

Dostępność planowanego materiału dla wieku dzieci.

Konsekwentny wzrost złożoności zadań edukacyjnych, akceptowalność materiału lekcji.

Obecność powiązań międzyprzedmiotowych i międzylekcyjnych (blokowo-tematyczna zasada planowania).

Zgodność z kalendarzem naturalnym i społecznym.

Przygotowując plan tematyczny, należy wziąć pod uwagę następujące kwestie:

) liczba lekcji w roku – 35;

) ilość lekcji w kwartałach: w I i II kwartale – po 8 lekcji, w III kwartale – 12 lekcji, w IV kwartale – 7 lekcji.

) terminy kwartałów akademickich: I kwartał: 1 września - 5 listopada; II kwartał: 10 listopada – 30 grudnia; III kwartał: 12 stycznia – 22 marca; IV kwartał: 1 kwietnia – 30 maja.

Kreatywność nauczyciela znajduje wyraz przede wszystkim w logice konstruowania bloków lekcji z proponowanych tematów lekcji według programów.

Na przykład: Blok plastyczny na temat „Święto ludowe” może obejmować lekcje o następujących tematach:

„Krajobraz ojczyzny” (rysunek tematyczny).

„Cechy wystroju mieszkania narodowego i strojów ludów zamieszkujących terytorium regionu” (rozmowa ze szkicami elementów wystroju domu i stroju).

„Dekoracyjna martwa natura”, złożona z przedmiotów gospodarstwa domowego (czerpiąc z natury).

„Szkice postaci ludzkiej w ruchu z natury”.

„Święta ludowe” („Targi”) (praca indywidualna, grupowa lub zbiorowa nad panelem tematycznym) Nowoczesne wymagania dotyczące zarządzania placówką edukacyjną wymagają kompetentnego podejścia do organizacji procesu edukacyjnego ze strony korpusu administracyjnego i pedagogicznego. Program nauczania jest dokumentem normatywnym, który określa: 1) treść podstawowej wiedzy i umiejętności z każdego przedmiotu akademickiego; 2) logikę i kolejność studiowania tematów; 3) łączny czas studiowania określonych tematów. Programy nauczania dzielą się na kilka głównych typów: 1) programy standardowe; 2) programy pracy; 3) programy autorskie. Na poziomie instytucji edukacyjnej opracowano ujednolicone podejście do opracowywania i projektowania programów pracy dla nauczycieli. Program roboczy kursów i dyscyplin szkoleniowych. Program pracy jest dokumentem regulacyjnym i zarządczym instytucji edukacyjnej, charakteryzującym system organizacji działań edukacyjnych nauczyciela. Głównymi dokumentami określającymi wymagania dotyczące poziomu wykształcenia uczniów i minimalnej treści kształcenia są: państwowy standard edukacyjny (elementy federalne i narodowo-regionalne); podstawowy program nauczania szkół w Federacji Rosyjskiej, w tym dystrybucja treści kształcenia według obszarów kształcenia, dyscyplin akademickich, standardowe (przykładowe) programy kształcenia dla każdej dyscypliny akademickiej podstawy programowej. Specyfika programu pracy polega na tym, że jest on tworzony dla konkretnej (konkretnej) instytucji edukacyjnej, a indywidualność polega na tym, że jest on opracowywany przez nauczyciela dla jego działalności. Program pracy nauczyciela powinien zatem pokazywać, w jaki sposób, biorąc pod uwagę specyficzne warunki, potrzeby edukacyjne i cechy rozwoju uczniów, nauczyciel tworzy indywidualny model pedagogiczny edukacji oparty na standardach państwowych. Program pracy przedmiotu jest indywidualnym narzędziem nauczyciela, które zapewnia najbardziej optymalne i efektywne treści, formy, metody i techniki organizacji procesu edukacyjnego dla danej klasy w celu uzyskania wyniku spełniającego wymagania normy. Plan tematyczny Dla nauczyciela planowanie tematyczne jest głównym dokumentem zajęć. Jest kompilowany przez określony czas, ale najczęściej przez rok. Głównym celem tego dokumentu jest zaplanowanie aktywności lekcyjnej nauczyciela. Planowanie najczęściej przedstawiane jest w formie tabeli, która zawiera kilka obowiązkowych elementów: numer lekcji, temat lekcji, cel i zadania lekcji, treść lekcji, materiał dodatkowy, pracę domową. W planie tematycznym należy również wskazać: - zajęcia kontrolne, laboratoryjne, praktyczne (liczba), wykaz wycieczek - wymagania dotyczące poziomu przygotowania studentów do każdego tematu (wiedza, umiejętności) itp. Ogólne wymagania dotyczące planowania: zgodność z treść programów;

zgodność z objętością godzin ujętą w programie, programie nauczania;

zmiana rodzajów zawodów;

zgodność z wydarzeniami z życia społeczeństwa i studentów;

przestrzeganie zasad dydaktyki. Plan ogólny powinien odzwierciedlać następujące punkty:

§ miejsce lekcji w systemie zajęć; temat lekcji; klasę, w której się ona odbywa; cele kształcenia, rozwoju i wychowania; rodzaj lekcji; pomoce dydaktyczne (w tym oprogramowanie); strukturę lekcji ze wskazaniem kolejności jej etapów i przybliżonego rozkładu czasu; treści materiału dydaktycznego, system ćwiczeń i zadań organizacji zajęć uczniów, metody nauczania na każdym etapie lekcji, formy organizacji zajęć edukacyjnych uczniów; Praca domowa.

Temat lekcji: Zajęcia: Cele: edukacyjne - Rodzaj lekcji: Narzędzia dydaktyczne:

edukacyjne - opanowanie koncepcji..., rozwinięcie umiejętności..., rozwinięcie umiejętności zastosowania..., uogólnienie i usystematyzowanie wiedzy na temat...

edukacyjne - wychowanie do moralności, aktywności, pracowitości, ...

rozwijanie - rozwój algorytmicznego stylu myślenia, kombinatorycznego ...

Rodzaje lekcji:

lekcja uczenia się i pierwotnego utrwalania nowej wiedzy, lekcja kształtowania umiejętności

lekcja stosowania wiedzy, umiejętności i zdolności lekcja uogólniania i systematyzacji wiedzy

lekcja kontroli i poprawiania wiedzy, umiejętności łączona lekcja

. Rysunek pedagogiczny na lekcjach plastyki w szkole. Rodzaje rysunku pedagogicznego. Wymagania dotyczące realizacji rysunków pedagogicznych

Najważniejsze w rysunku pedagogicznym jest zwięzłość obrazu, jego prostota i klarowność. Rysunki na tablicy powinny przekazywać główną myśl nauczyciela, pomijając wszystko, co przypadkowe i wtórne. Na zajęciach z rysunku najważniejsza jest wizualizacja uczenia się, będąca jednym z głównych nośników informacji o studiowanym materiale. Na podstawie wrażenia wizualnego uzyskanego podczas egzaminu, któremu towarzyszy objaśnienie nauczyciela, uczniowie uzyskują pełny obraz studiowanego materiału, łatwiej jest im zrozumieć, zrozumieć i zapamiętać najważniejsze informacje zawarte w temacie lekcji.

Wizualne metody nauczania

Rysunek na tablicy pomaga zrozumieć to, co zobaczył, wpływa na rozwój psychiczny dziecka, poprawność jego sądów.

Szkic nauczyciela na marginesie rysunku ucznia jest potrzebny, jeśli u jednego lub dwóch uczniów zauważymy błąd w rysunku i nie ma sensu odwracać uwagi całej klasy.

Korygowanie błędów w rysunku ucznia ręką nauczyciela ma ogromne znaczenie edukacyjne. Obserwując pracę nauczyciela w swoim albumie, uczeń zapamiętuje wszystkie szczegóły tego procesu, a następnie stara się postępować zgodnie z poleceniem nauczyciela.

Dużą rolę w nauce odegra pokaz rysunków wybitnych artystów, gdyż uczeń, patrząc na rysunek wykonany ręką wielkiego mistrza, widzi, jaką wyrazistość można osiągnąć rysując zwykłym ołówkiem. .

Zasada widoczności wymaga takiej prezentacji materiału (dydaktycznego), w której koncepcje i wyobrażenia uczniów stają się jaśniejsze i bardziej szczegółowe. W nauczaniu czerpania z natury główną uwagę zwraca się na prawidłowy obraz przyrody, prawidłowe przekazywanie zjawisk perspektywicznych, cech światłocienia i konstrukcji obiektów. Aby ułatwić te podstawowe zadania, pożądane jest instalowanie specjalnych modeli (wykonanych z drutu i tektury) obok natury, aby malarz mógł wyraźnie zobaczyć i dobrze zrozumieć to lub inne zjawisko, zrozumieć projekt kształtu obiektu, jego charakterystyczne cechy.

Główne pomoce wizualne stosowane w wyciąganiu wniosków z życia:

rysunki schematyczne i tabele;

odlewy rzeźb klasycznych, modele z drutu;

specjalne modele i urządzenia do pokazywania perspektywy i światłocienia;

rysunki i tabele metodycznej sekwencji pracy nad obrazem;

reprodukcje obrazów i rysunków mistrzów;

filmy ukazujące technikę pracy ołówkiem i pędzlem;

specjalne urządzenia - „Koło kolorów” i „Koło tonów” do rozwoju wyczucia koloru i tonu u dzieci.

. Widoczność jako sposób aktywizacji aktywności wzrokowej uczniów

Zasada widoczności polega na wizualnym postrzeganiu obiektu na każdym typie zajęć rysunkowych: czerpaniu z życia, rysowaniu na tematy, DPI, rozmowach o sztuce.

Czerpanie z natury jest metodą wizualnego uczenia się. Za wiodący środek nauczania uważamy wizualizację w nauczaniu czerpiąc z natury.

Najlepszym sposobem wizualnego uczenia się jest rysunek nauczyciela na tablicy, na kartce papieru lub na marginesach pracy ucznia. Pomaga zrozumieć to, co widział, wpływa na poprawność pracy. Najważniejsze jest zwięzłość obrazu, prostota i przejrzystość.

Wizualizacja jest skuteczniejsza niż wyjaśnienia werbalne. Tak A. Komeński ogłosił zasadę wizualizacji „złotą zasadą dydaktyki”. Tabele metodyczne wyraźnie ujawniają kolejność i cechy wykonania rysunku, możliwości techniki wykonania, za pomocą których można osiągnąć emocjonalną ekspresję.

Duże znaczenie edukacyjno-wychowawcze ma pokaz ilustracji do obrazów wybitnych artystów z podręczników metodycznych, na których przykładach można wyraźnie pokazać, jak analizować przyrodę,

Czerpiąc z natury, główną uwagę zwraca się na jej prawidłowy przekaz. Aby ułatwić to zadanie, pożądane jest zainstalowanie specjalnych modeli obok natury, aby zrozumieć projekt kształtu obiektu i jego charakterystyczne cechy. Wizualizacja: schematy, rysunki, tabele, modele gipsowe, modele z drutu, plexi i kartonu pomagają uczniowi prawidłowo dostrzec formę, strukturę, kolor i fakturę. Sekwencję nad obrazkiem należy traktować jako ujawnienie konkretnych zadań edukacyjnych.

. Nauka problemów. Metody uczenia się problemowego. Rodzaje lekcji

W zależności od celu, zadania szkoły, nauczanie może być problematyczne i nieproblematyczne. .

Główne funkcje uczenia się opartego na problemach. Bazując na zadaniach szkoły ogólnokształcącej oraz na podstawie wniosków płynących z porównania tradycyjnego typu edukacji z problemowym, można sformułować główne funkcje nauczania problemowego. Można je podzielić na ogólne i specjalne. Można wskazać następujące ogólne funkcje uczenia się opartego na problemach: przyswajanie przez uczniów systemu wiedzy oraz metod aktywności umysłowej i praktycznej, rozwój intelektu uczniów, czyli ich samodzielności poznawczej i zdolności twórczych, kształtowanie dialektycznego myślenia uczniów, kształtowanie wszechstronnie rozwiniętej osobowości. Ponadto uczenie się oparte na problemach spełnia również następujące funkcje: rozwój umiejętności twórczego przyswajania wiedzy (wykorzystanie systemu technik logicznych lub indywidualnych metod twórczego działania), rozwój umiejętności twórczego stosowania wiedzy (zastosowanie zdobytej wiedzy w nowej sytuacji) oraz umiejętność rozwiązywania problemów edukacyjnych, kształtowanie i gromadzenie doświadczeń działalność twórcza (opanowanie metod badań naukowych, rozwiązywanie problemów praktycznych i artystyczne odbicie rzeczywistości), kształtowanie motywów uczenia się , społeczne, moralne i poznawcze.

Sposób prezentacji monologu. Nauczyciel podaje fakty w określonej kolejności, podaje im niezbędne wyjaśnienia, demonstruje eksperymenty w celu ich potwierdzenia. Korzystanie z pomocy wizualnych i technicznych pomocy dydaktycznych towarzyszy tekst objaśniający. Nauczyciel odkrywa jedynie te powiązania pomiędzy zjawiskami i pojęciami, które są niezbędne do zrozumienia materiału, wprowadzając je w kolejności informacyjnej. Naprzemienność faktów budowana jest w logicznej kolejności, jednakże w toku przybliżania uczniom analizy związków przyczynowo-skutkowych nie jest ona doprecyzowana. Nie podaje się faktów „za” i „przeciw”, natychmiast podaje się prawidłowe wnioski końcowe. Jeśli powstają sytuacje problemowe, to tylko po to, aby przyciągnąć uwagę uczniów, aby ich zainteresować. Aby stworzyć sytuację problemową, nauczyciel najczęściej zmienia jedynie kolejność relacjonowanych faktów, demonstracje, eksperymenty, pokazywanie pomocy wizualnych i jako dodatkowe elementy treści wykorzystuje ciekawe fakty z historii rozwoju badanej koncepcji lub fakty mówiące o praktycznym zastosowaniu zdobytej wiedzy w nauce i technologii. Rola ucznia w stosowaniu tej metody jest raczej bierna, poziom niezależności poznawczej niezbędny do pracy tą metodą jest niski.

Myśląca metoda nauczania. Jeśli nauczyciel chce pokazać przykład badania sformułowania i rozwiązania problemu holistycznego, wówczas stosuje metodę rozumowania. Jednocześnie materiał jest podzielony na części, nauczyciel na każdym etapie zapewnia system pytań retorycznych o charakterze problematycznym, aby przyciągnąć uczniów do mentalnej analizy sytuacji problemowych, obnaża obiektywne sprzeczności treści, ale sam rozwiązuje zdania o charakterze narracyjnym i pytającym, nie stawia się pytań informacyjnych (czyli takich, przy których udzieleniu odpowiedzi konieczne jest odtworzenie wiedzy już znanej, przekazanie informacji o wiedzy znanej), narracja prowadzona jest w formie wykładu. Sposób restrukturyzacji materiału do pracy tą metodą różni się przede wszystkim tym, że do treści wprowadza się system pytań retorycznych jako dodatkowy element konstrukcyjny. Kolejność relacjonowanych faktów jest tak dobrana, aby obiektywne sprzeczności treści zostały ukazane szczególnie podkreślone, wypukłe, wzbudziły zainteresowanie poznawcze uczniów i chęć ich rozwiązania. . Wybierając metodę rozumowania nauczania, nauczyciel w procesie organizacji procesu asymilacji stosuje wyjaśniającą metodę nauczania, której istotą jest to, że „obejmuje ona przekazywanie przez nauczyciela faktów tej nauki, ich opis i wyjaśnienie czyli odsłania istotę nowych koncepcji za pomocą słów, wizualizacji i praktycznego działania.”

Dialogiczny sposób prezentacji. Jeżeli nauczyciel stawia sobie za zadanie włączenie uczniów do bezpośredniego udziału we wdrażaniu metody rozwiązania problemu, aby ich zaktywizować, zwiększyć ich zainteresowanie poznawcze, zwrócić uwagę na to, co już jest znane w nowym materiale, to on, wykorzystując metodę tę samą konstrukcję treściową, uzupełnia jej strukturę o pytania informacyjne, odpowiedzi na pytania udzielane przez studentów. Stosowanie dialogicznej metody nauczania zapewnia wyższy poziom aktywności poznawczej uczniów w procesie uczenia się, gdyż są oni już bezpośrednio zaangażowani w rozwiązywanie problemu pod okrutną kontrolą nauczyciela.

Heurystyczna metoda prezentacji. Metodę heurystyczną stosuje się tam, gdzie celem nauczyciela jest nauczenie uczniów poszczególnych elementów rozwiązywania problemów, zorganizowanie częściowego poszukiwania nowej wiedzy i sposobów działania. Stosując metodę heurystyczną, nauczyciel stosuje tę samą konstrukcję materiału edukacyjnego, co w metodzie dialogicznej, jednak w pewnym stopniu uzupełnia jej strukturę, wyznaczając uczniom zadania poznawcze i zadania na poszczególnych etapach rozwiązywania problemu edukacyjnego. Zatem formą realizacji tej metody jest połączenie rozmowy heurystycznej z rozwiązywaniem problematycznych zadań i zadań. Istota metody heurystycznej polega na tym, że odkrycia nowego prawa, reguły itp. nie dokonuje nauczyciel przy udziale uczniów, ale sami uczniowie pod kierunkiem i przy pomocy nauczyciela.

metoda badań. Koncepcję metody badawczej najpełniej ujawnił I. Ya.Lerner, który określił metodę badawczą jako metodę organizującą proces asymilacji poprzez „rozwiązywanie problemów i zadań problematycznych. Jego istotą jest to, że nauczyciel konstruuje metodologiczny system problemów i zadań problematycznych, dostosowuje go do konkretnej sytuacji procesu edukacyjnego, przedstawia go uczniom, zarządzając w ten sposób ich działaniami edukacyjnymi, a uczniowie, rozwiązując problemy, zapewniają zmianę struktury i poziom aktywności umysłowej, stopniowo opanowując procedurę twórczości, a jednocześnie twórczo przyswajają metody poznania. Prowadząc lekcję metodą badawczą, ponownie stosuje się tę samą konstrukcję materiału i przejmuje się elementy struktury metody heurystycznej oraz kolejność pytań, instrukcji, zadań. Jeżeli w procesie wdrażania metody heurystycznej te pytania, instrukcje i zadania mają charakter proaktywny, to znaczy stawiane są przed rozwiązaniem podproblemu stanowiącego treść tego etapu lub w trakcie jego rozwiązywania i pełni funkcję przewodnią w procesie rozwiązania, wówczas w przypadku stosowania metody badawczej pytania zadawane są na koniec etapu, gdy większość studentów rozwiąże podproblem.

Metoda zadań programowanych. Metoda zaprogramowanych zadań polega na ustaleniu przez nauczyciela systemu zaprogramowanych zadań. Poziom efektywności ćwiczenia zależy od obecności sytuacji problemowych oraz możliwości samodzielnego formułowania i rozwiązywania problemów. Zastosowanie zaprogramowanych zadań jest następujące: każde zadanie składa się z poszczególnych elementów ramy; jedna ramka zawiera część przestudiowanego materiału, sformułowaną w formie pytań i odpowiedzi lub w formie prezentacji nowych zadań lub w formie ćwiczeń. W wyniku przeprowadzonych prac możemy stwierdzić, że na tym etapie rozwoju człowieka uczenie się przez problem jest po prostu konieczne, ponieważ uczenie się przez problem tworzy harmonijnie rozwiniętą osobowość twórczą, zdolną do logicznego myślenia, znajdowania rozwiązań w różnych sytuacjach problemowych , zdolny do systematyzacji i gromadzenia wiedzy, zdolny do wysokiej introspekcji, samorozwoju i samokorekty.

edukacja artystyczna w zakresie sztuk pięknych

30. Metody nauczania plastyki na różnych poziomach edukacji szkolnej (Ciągłość placówek oświaty przedszkolnej i szkoły podstawowej, szkoły podstawowej i gimnazjum, gimnazjum i liceum ponadgimnazjalnego)

Celowe i skoordynowane kierowanie aktywnością wzrokową dziecka, uwzględniające zarówno poprzedni, jak i kolejny rozwój artystyczny, jest warunkiem koniecznym udanej edukacji estetycznej.

Zachowanie ciągłości w nauczaniu dzieci sztuk plastycznych warunkuje jasne określenie zakresu wiedzy, umiejętności i zdolności, jakie młodsi uczniowie powinni opanować na odrębnych lekcjach, o poszczególnych tematach, sekcjach przez cały rok szkolny w oparciu o ilość wiedzy, umiejętności i zdolności że pobierały zajęcia plastyczne w przedszkolu lub w rodzinie. Na szczególną uwagę zasługuje określenie specyficznych powiązań pomiędzy głównymi formami organizacyjnymi nauczania dzieci plastycznych w wieku przedszkolnym i szkolnym.

Szkoły i przedszkola mają wspólne cele w nauczaniu dzieci podstaw umiejętności wizualnych. Ciągłość treści zajęć plastycznych w grupach starszych przedszkola i szkoły podstawowej:

W przedszkolu regularnie prowadzone są zajęcia z rysunku, modelarstwa, aplikacji i projektowania. W szkole prowadzone są zajęcia plastyczne. Rzeźbienie, aplikacja i projektowanie w klasach podstawowych prowadzone są na lekcjach szkolenia zawodowego. Program zajęć plastycznych dla klas I-III dostrzega potrzebę ujednolicenia zadań i treści tych zajęć. 2. Rodzaje rysunków w starszych grupach przedszkola i klasach podstawowych szkoły są takie same. Istnieją jedynie pewne różnice w ich nazwach.

W programach przedszkola i szkoły podstawowej koordynowane są umiejętności i zdolności niezbędne do aktywności wzrokowej dziecka. 4. Analiza szczegółowych zadań programów grup seniorskich przedszkola pozwala stwierdzić, że dziecko rozpoczynające naukę w przedszkolu jest w pełni przygotowane do pomyślnego przejścia materiału edukacyjnego, do dalszego tworzenia kompozycji twórczych, ilustracji, wzory. Jest przygotowany do percepcji i dalszego studiowania formy, przestrzeni, wzorców nauki o kolorze i kompozycji. Tym samym zadania przewidziane w programach, zadania wzorcowe oraz treść wiedzy, umiejętności i zdolności plastycznych w przedszkolu i klasach podstawowych, całościowy rozwój sześcio-siedmioletniego dziecka pozwalają zapewnić ciągłość w plastyce przedszkolaków i młodszych uczniów. Wymaga to jednak spełnienia następujących warunków:

Obowiązkowe uwzględnienie przez nauczyciela szkoły podstawowej przygotowania do rysowania, jakie dziecko otrzymuje w przedszkolu, biorąc pod uwagę poziom rozwoju jego zdolności plastycznych i twórczych oraz wrażliwość estetyczną. 2. Nastawienie nauczyciela szkoły podstawowej na dalsze utrwalanie i rozwijanie wyobrażeń i wrażeń dzieci zgromadzonych przez niego w wieku przedszkolnym. 3. Nastawienie nauczyciela na zbieżność metod nauczania dzieci plastyki w klasach podstawowych z metodami nauczania dzieci rysowania w przedszkolu. 4. Powszechne zastosowanie w klasach podstawowych różnych materiałów wizualnych: ołówki, akwarele, gwasz, kredki, sangwina, pastele, pisaki, tusz, kolorowy papier barwiony. Zastosowanie wszystkich tych środków pozwoli skuteczniej rozwijać u dzieci gust estetyczny, zrozumienie piękna, niezależność twórczą i wyobraźnię u dzieci, zwłaszcza że wszystkie te materiały są powszechnie polecane w przedszkolach i są przez dzieci używane z przyjemnością.

Tym samym ścisłe przestrzeganie zadań edukacyjnych przewidzianych programem nauczania w przedszkolu i programem plastycznym w klasach podstawowych zapewni ciągłość aktywności wizualnej przedszkolaków i młodszych dzieci w wieku szkolnym, co jest warunkiem koniecznym rozwoju umysłowego dzieci, kształtowanie emocjonalnego i estetycznego stosunku do rzeczywistości. Zasada ciągłości zakłada, że ​​działalność edukacyjna, szczególnie na początkowym etapie, prowadzona jest pod bezpośrednim nadzorem administracji. Rozwiązując problem sukcesji, prace prowadzone są w trzech kierunkach:

. wspólna praca metodyczna nauczycieli szkół podstawowych i nauczycieli przedmiotów na poziomie średnim;

. praca z uczniami;

. pracować z rodzicami.

Ciągłość pomiędzy szkołą podstawową a klasą 5 sugeruje następujące obszary:

. programy edukacyjne;

. organizacja procesu edukacyjnego;

. jednolite wymagania dla studentów;

. struktura lekcji.

Proponuję plan pracy na rzecz ciągłości kształcenia na poziomie podstawowym i zasadniczym ogólnokształcącym, który od kilku lat z powodzeniem stosowany jest w naszej szkole. Plan pracy uzupełniają załączniki.

Korepetycje

Potrzebujesz pomocy w nauce jakiegoś tematu?

Nasi eksperci doradzą lub zapewnią korepetycje z interesujących Cię tematów.
Złożyć wniosek wskazując temat już teraz, aby dowiedzieć się o możliwości uzyskania konsultacji.

Sztuki piękne, jako jeden z przedmiotów szkoły ogólnokształcącej, zajmują ważne miejsce w kształceniu uczniów. Dokładna analiza i uogólnienie najlepszych doświadczeń pedagogicznych wskazuje, że sztuki piękne są ważnym środkiem rozwoju osobowości ucznia. Sztuki plastyczne, które są szczególnie bliskie młodszym uczniom swoją widzialnością, zajmują jedno z czołowych miejsc w procesie rozwijania zdolności twórczych dzieci, twórczego myślenia, zapoznawania ich z pięknem rodzimej przyrody, otaczającą rzeczywistością i wartościami duchowymi sztuki. Ponadto zajęcia plastyczne pozwalają dzieciom opanować szereg umiejętności z zakresu działań wizualnych, konstrukcyjnych i dekoracyjnych.

cel pisanie tej pracy semestralnej ma na celu uwzględnienie cech metodyki nauczania plastyki w szkole podstawowej, czyli w klasach I-IV.

W pracy zamieszczono następujące informacje zadania:

Badanie metodyki nauczania sztuk pięknych w szkole podstawowej pod kątem jej cech,

Określenie warunków pedagogicznych dla skutecznego nauczania sztuk pięknych dzieci w wieku szkolnym oraz przygotowanie rocznego planu tematycznego i planu zajęć dla uczniów szkół podstawowych

Rozdział 1. Cechy metodologii nauczania sztuk pięknych w szkole podstawowej

1.1. Pedagogiczne warunki nauczania sztuk plastycznych w szkole podstawowej

W rozwoju twórczości artystycznej dzieci, w tym plastyki, należy przestrzegać zasady wolności, która jest na ogół niezbędnym warunkiem wszelkiej twórczości. Oznacza to, że zajęcia twórcze dzieci nie mogą być ani obowiązkowe, ani przymusowe i mogą wynikać jedynie z zainteresowań dzieci. Dlatego rysunek nie może być zjawiskiem masowym i powszechnym, ale dla dzieci zdolnych, a nawet tych, które nie zostaną później zawodowymi artystami, rysunek ma ogromną wartość kształcącą; kiedy farba i rysunek zaczynają przemawiać do dziecka, opanowuje ono nowy język, który poszerza jego horyzonty, pogłębia uczucia i przekazuje mu w języku obrazów to, czego w żaden inny sposób nie można sprowadzić do jego świadomości.

Jednym z problemów rysowania jest to, że dla dzieci ze szkół podstawowych jedno działanie twórczej wyobraźni już nie wystarcza, nie zadowala ich rysunek wykonany w jakiś sposób, aby urzeczywistnić swoją twórczą wyobraźnię, musi zdobyć specjalne umiejętności zawodowe, artystyczne i zdolności.

Powodzenie szkolenia zależy od prawidłowego określenia jego celów i treści, a także sposobów osiągnięcia celów, czyli metod nauczania. Od samego początku istnienia szkoły istniały na ten temat kontrowersje wśród uczonych. Stosujemy się do klasyfikacji metod nauczania opracowanej przez I.Ya. Lerner, M.N. Skatkin, Yu.K. Babansky i M.I. Pachmutow. Według badań tych autorów można wyróżnić następujące ogólne metody dydaktyczne: objaśniająco-ilustracyjną, reprodukcyjną i badawczą.

1.2. Metody nauczania plastyki w I- IVzajęcia

Edukacja z reguły rozpoczyna się od metody objaśniająco-ilustracyjnej, która polega na przedstawianiu dzieciom informacji na różne sposoby - wzrokowe, słuchowe, mowy itp. Możliwe formy tej metody to przekazywanie informacji (historia, wykłady), demonstracja różnorodne materiały wizualne, w tym za pomocą środków technicznych. Nauczyciel organizuje percepcję, dzieci starają się zrozumieć nowe treści, budować przystępne powiązania między pojęciami, zapamiętywać informacje do dalszej pracy z nimi.

Metoda wyjaśniająca i ilustracyjna ma na celu przyswojenie wiedzy, a do kształtowania umiejętności i zdolności konieczne jest zastosowanie metody reprodukcyjnej, to znaczy wielokrotnego odtwarzania (odtwarzania) działań. Jej formy są różnorodne: ćwiczenia, rozwiązywanie stereotypowych problemów, rozmowa, powtarzanie opisu wizualnego obrazu przedmiotu, wielokrotne czytanie i zapamiętywanie tekstów, opowiadanie zdarzenia według z góry ustalonego schematu itp. Zarówno samodzielna praca przewidywane są przedszkolaki i wspólne zajęcia z nauczycielem. Metoda reprodukcyjna pozwala na użycie tych samych środków, co metoda wyjaśniająca i ilustracyjna: słowa, pomocy wizualnych, pracy praktycznej.

Metody wyjaśniająco-ilustracyjne i reprodukcyjne nie zapewniają niezbędnego poziomu rozwoju zdolności i zdolności twórczych dzieci. Metodę nauczania, mającą na celu samodzielne rozwiązywanie problemów twórczych przez przedszkolaki, nazywa się badaniami. W trakcie rozwiązywania każdego problemu wiąże się to z manifestacją jednego lub kilku aspektów działalności twórczej. Jednocześnie należy zapewnić dostępność zadań twórczych, różnicując je w zależności od przygotowania konkretnego dziecka.

Metoda badawcza ma określone formy: zadania tekstowe, eksperymenty itp. Zadania mogą mieć charakter indukcyjny lub dedukcyjny, w zależności od charakteru ćwiczenia. Istotą tej metody jest twórcze zdobywanie wiedzy i poszukiwanie sposobów działania. Jeszcze raz podkreślam, że metoda ta w całości opiera się na samodzielnej pracy.

Szczególną uwagę należy zwrócić na znaczenie nauczania opartego na problemach dla rozwoju dzieci. Organizuje się ją za pomocą metod: badawczej, heurystycznej, prezentacji problemu. Rozważaliśmy już te badania.

Inną metodą pomagającą w twórczym rozwoju jest metoda heurystyczna: dzieci rozwiązują problematyczny problem przy pomocy nauczyciela, jego pytanie zawiera częściowe rozwiązanie problemu lub jego etapów. On może Ci powiedzieć, jak zrobić pierwszy krok. Metodę tę najlepiej wdrożyć poprzez rozmowę heurystyczną, która niestety jest rzadko stosowana w nauczaniu. Przy stosowaniu tej metody ważne jest również słowo, tekst, praktyka, pomoce wizualne itp.

Obecnie sposób prezentacji problemu stał się powszechny, pedagog stawia problemy, ujawniając całą niespójność rozwiązania, jego logikę i dostępny system dowodów. Dzieci podążają za logiką prezentacji, kontrolują ją, uczestniczą w procesie decyzyjnym. W trakcie formułowania problemu wykorzystuje się zarówno obraz, jak i praktyczną demonstrację działania.

Metody badań, heurystyka i prezentacja problemu - metody uczenia się przez problem. Ich wdrożenie w proces edukacyjny stymuluje przedszkolaki do twórczego zdobywania i stosowania wiedzy i umiejętności, pomaga opanować metody wiedzy naukowej. Nowoczesna edukacja musi koniecznie uwzględniać rozważane ogólne metody dydaktyczne. Ich wykorzystanie w klasie sztuk pięknych odbywa się z uwzględnieniem jej specyfiki, zadań, treści. Skuteczność metod zależy od warunków pedagogicznych ich stosowania.

Jak pokazuje doświadczenie pracy praktycznej, dla pomyślnej organizacji lekcji sztuk pięknych konieczne jest stworzenie specjalnego systemu warunków pedagogicznych. Zgodnie z różnymi podejściami pojęciowymi są one różnie definiowane. Opracowaliśmy system warunków, które bezpośrednio wpływają na rozwój kreatywności artystycznej przedszkolaków i proponujemy go rozważyć. Uważamy, że na tę grupę warunków składają się:

Istotnym warunkiem rozwoju twórczości artystycznej przedszkolaków w zakresie sztuk wizualnych jest korzystanie przez nauczycieli z technicznych pomocy dydaktycznych, zwłaszcza sprzętu wideo i audio oraz specjalnych pomocy wizualnych. Rola wizualizacji w nauczaniu została teoretycznie uzasadniona już w XVII wieku. Tak. Comeniusa, później idee jego wykorzystania jako najważniejszego narzędzia dydaktycznego rozwinęły się w pracach wielu wybitnych pedagogów – I.G. Pestalozzi, K.D. Ushinsky i in. Znaczenie wizualizacji w nauczaniu podkreślał wielki Leonardo da Vinci, artyści A.P. Sapożnikow, P.P. Czistyakow i inni.

Pomyślne wdrożenie zasady widoczności w nauczaniu jest możliwe przy aktywnej aktywności umysłowej dzieci, zwłaszcza gdy następuje „ruch” myśli od konkretu do abstrakcji lub odwrotnie, od abstrakcji do konkretu.

Na wszystkich etapach lekcji, jeśli to możliwe, należy wprowadzać zadania kreatywne, improwizowane i problematyczne. Jednym z głównych wymogów w tym przypadku jest zapewnienie dzieciom jak największej samodzielności pedagogicznej, co nie wyklucza zapewnienia im pomocy pedagogicznej, jeśli jest to konieczne. Na przykład w klasach podstawowych, zwłaszcza w pierwszej, nauczyciel, oferując tę ​​czy inną fabułę, w wielu przypadkach może zwrócić uwagę przedszkolaków na najważniejsze, które należy przede wszystkim przedstawić, może pokazać na arkuszu przybliżona lokalizacja obiektów kompozycji. Pomoc ta jest naturalna i konieczna i nie prowadzi do bierności dzieci w sztuce. Od ograniczeń w wyborze tematu i fabuły dziecko stopniowo doprowadza się do samodzielnego wyboru.

Rozdział 2

Oto świat – i na tym świecie jestem ja.

Oto świat – i w tym świecie jesteśmy my.

Każdy z nas ma swoją własną drogę.

Ale według tych samych praw, które tworzymy.

Niech droga będzie długa, a chleb twórcy trudny.

A czasami mam ochotę dać sobie spokój.

Ale trzymaj ręce z dala od twarzy.

I znowu dajesz serce. I jeszcze raz.

Miłość i wiedza są jak dobrzy przyjaciele.

Zapraszamy do przychodzenia na zajęcia.

A światło oświetla dzieci.

Wszyscy aż do dzwonka.

Tworzymy. Nie robimy tego na próżno.

Dajemy im cząstkę wiedzy

Kto dotychczas występuje w roli „konsumenta”,

Aby następnie rozwijać się jako „twórca”.

Program „Sztuki piękne i twórczość artystyczna” to całościowy, zintegrowany kurs obejmujący wszystkie główne typy: malarstwo, grafikę, rzeźbę, ludową sztukę zdobniczą, architekturę, projektowanie, sztuki widowiskowe i ekranowe. Badane są w kontekście interakcji z innymi rodzajami sztuk i ich specyficznych powiązań z życiem społeczeństwa i jednostki.

Metodą systematyzującą jest przydział trzech głównych rodzajów działalności artystycznej wizualnym sztukom przestrzennym: konstruktywnej, malarskiej, dekoracyjnej.

Te trzy działania artystyczne stanowią podstawę podziału sztuk wizualno-przestrzennych na typy: piękne – malarstwo, grafika, rzeźba; konstruktywny - architektura, projektowanie; różne sztuki i rzemiosła. Ale jednocześnie każda z tych form działalności jest wpisana w powstawanie każdego dzieła sztuki i dlatego stanowi niezbędną podstawę do zintegrowania całej różnorodności form sztuki w jeden system, a nie według zasady wymieniania typów, ale zgodnie z zasadą rodzaju działalności artystycznej. Identyfikacja zasady działalności artystycznej skupia się na przeniesieniu uwagi nie tylko na dzieła sztuki, ale także na działalność człowieka, na rozpoznanie jej powiązań ze sztuką w procesie życia codziennego.

Związki sztuki z życiem człowieka, rola sztuki w jego codziennej egzystencji, rola sztuki w życiu społeczeństwa, znaczenie sztuki w rozwoju każdego dziecka to główny rdzeń semantyczny programu. Dlatego też, podkreślając rodzaje działalności artystycznej, bardzo ważne jest ukazanie różnicy w ich funkcjach społecznych.

Program ma na celu umożliwienie studentom jasnego zrozumienia systemu interakcji między sztuką a życiem. Przewiduje się szerokie wykorzystanie doświadczeń życiowych dzieci, przykładów z otaczającej ich rzeczywistości. Ważnym warunkiem opanowania przez dzieci materiału programowego jest praca oparta na obserwacji i estetycznym doświadczeniu otaczającej rzeczywistości. Chęć wyrażenia swojego stosunku do rzeczywistości powinna być źródłem rozwoju myślenia figuratywnego.

Jednym z głównych celów nauczania plastyki jest rozwijanie zainteresowania dziecka światem wewnętrznym człowieka, umiejętności „wgłębienia się w siebie”, świadomości własnych przeżyć wewnętrznych. To jest klucz do rozwijania empatii.

Działalność artystyczna uczniów w klasie znajduje różne formy wyrazu: obraz w płaszczyźnie i w objętości (natura, z pamięci, z reprezentacji); prace dekoracyjne i konstrukcyjne; postrzeganie zjawisk rzeczywistości i dzieł sztuki; omówienie pracy towarzyszy, wyników twórczości zbiorowej i pracy indywidualnej w klasie; badanie dziedzictwa artystycznego; dobór materiału ilustracyjnego do studiowanych tematów; słuchanie dzieł muzycznych i literackich (ludowych, klasycznych, współczesnych).

Lekcje wprowadzają dramaturgię gier na badany temat, śledzą powiązania z muzyką, literaturą, historią i pracą. Aby doświadczyć twórczej komunikacji, do programu wprowadzane są zadania zbiorowe. Bardzo ważne jest, aby zbiorowa twórczość artystyczna uczniów znalazła zastosowanie w projektowaniu wnętrz szkolnych.

Systematyczny rozwój dziedzictwa artystycznego pomaga urzeczywistnić sztukę jako duchową kronikę ludzkości, jako wiedzę człowieka o stosunku do natury, społeczeństwa, poszukiwaniu prawdy. W trakcie studiów studenci zapoznają się z wybitnymi dziełami architektury, rzeźby, malarstwa, grafiki, sztuki i rzemiosła, studiują sztukę klasyczną i ludową z różnych krajów i epok. Znajomość kultury artystycznej swojego narodu ma ogromne znaczenie.

Integralność tematyczna i spójność opracowania programu pomaga zapewnić silny kontakt emocjonalny ze sztuką na każdym etapie edukacji, unikając mechanicznych powtórzeń, narastając z roku na rok, z lekcji na lekcję, krokami poznania przez dziecko osobistych powiązań międzyludzkich z całym światem kultury artystycznej i emocjonalnej.

Głównymi środkami wprowadzenia w kulturę artystyczną są wiedza artystyczna, umiejętności i zdolności. Forma, proporcje, przestrzeń, tonacja, kolor, linia, objętość, faktura materiału, rytm, kompozycja zgrupowane są wokół ogólnych wzorców artystycznych języków figuratywnych sztuk pięknych, dekoracyjnych i konstruktywnych. Studenci doskonalą te środki wyrazu artystycznego przez cały okres studiów.

Trzy sposoby artystycznego kształtowania rzeczywistości – obrazkowa, dekoracyjna i konstrukcyjna – w szkole podstawowej stanowią dla dzieci dobrze rozumiane, ciekawe i dostępne rodzaje działalności artystycznej: obrazy, dekoracje, budynki. Stały, praktyczny udział uczniów w tych trzech zajęciach pozwala im na systematyczne wprowadzanie ich w świat sztuki. Trzeba pamiętać, że te trzy rodzaje działalności artystycznej, przedstawiane w szkole podstawowej w zabawny sposób jako „Bracia-mistrzowie” obrazów, dekoracji, budynków, powinny towarzyszyć uczniom przez całe lata nauki. Pomagają one najpierw w strukturalnym podziale, a przez to w zrozumieniu działania sztuki w otaczającym życiu, a następnie pomagają w bardziej złożonym rozumieniu sztuki.

Przy całej zakładanej swobodzie twórczości pedagogicznej należy stale mieć na uwadze wyraźną integralność strukturalną tego programu, główne cele i zadania każdego roku i kwartału, które zapewniają ciągłość stopniowego rozwoju uczniów.

2.1. Podstawy przedstawień artystycznych (program nauczania w szkole podstawowej)

I klasa (30-60 godzin)

Malujesz, dekorujesz i budujesz

Podstawą zajęć pierwszych, wprowadzających, są trzy rodzaje działalności artystycznej, które wyznaczają całą różnorodność wizualnych sztuk przestrzennych.

Z pomocą dzieciom (i nauczycielowi) przychodzi zabawna, figuratywna forma inicjacji: „Trzej bracia-mistrzowie – Mistrz Obrazu, Mistrz Dekoracji i Mistrz Konstrukcji”. Odkryciem dla dzieci powinno być to, że wiele ich codziennych zabaw to działania artystyczne – tak samo jak dorośli artyści (jeszcze nie sztuka). Obserwowanie pracy tego czy innego mistrza w otaczającym życiu to interesująca gra. Tu zaczyna się wiedza o związkach sztuki i życia. Tutaj nauczyciel kładzie podwaliny pod wiedzę o rozległym, złożonym świecie sztuk plastycznych. Zadanie na ten rok obejmuje także uświadomienie sobie, że „Mistrzowie” pracują z określonymi materiałami, a także wstępne opracowanie tych materiałów.

Ale „Mistrzowie” nie pojawiają się wszyscy od razu przed dziećmi. Na początku znajdują się pod „czapką niewidzialności”. W pierwszej kwarcie zdejmuje „kapelusz” i zaczyna otwarcie bawić się z dziećmi „Mistrzem Obrazu”. W drugim kwartale pomoże zdjąć „czapkę-niewidkę” z „Mistrza Dekoracji”, w trzecim – z „Mistrza Budownictwa”. A w czwartym pokazują dzieciom, że nie mogą bez siebie żyć i zawsze współpracują. Trzeba też pamiętać o szczególnym znaczeniu lekcji uogólniających: w nich, poprzez twórczość każdego „Mistrza”, twórczość dziecięca łączy się ze sztuką dorosłych, z otaczającą rzeczywistością.

Temat 1. Portretujesz.
Zapoznanie się z „Mistrzem Obrazu” (8-16 godzin)

„Mistrz Obrazu” uczy widzieć i przedstawiać.
I wszystkie kolejne lata nauki pomogą w tym dzieciom - pomóż im widzieć, myśleć o świecie. Aby zobaczyć, trzeba nie tylko patrzeć, ale także rysować. Tego trzeba się nauczyć. Tutaj kładzione są dopiero podstawy zrozumienia ogromnej roli działania obrazu w życiu człowieka, w nadchodzących latach nauczyciel będzie rozwijał to zrozumienie. Odkrycie kwartału wiąże się także z faktem, że w sztuce jest nie tylko Artysta, ale także Widz. Bycia dobrym widzem też trzeba się nauczyć, a Image Master nas tego uczy.

Zadaniem „Mistrza” jest także nauczenie dzieci podstawowych doświadczeń związanych z posiadaniem materiałów dostępnych dla szkoły podstawowej. Doświadczenie to będzie pogłębiane i rozwijane w dalszej pracy.

„Mistrz Obrazu” pomaga widzieć, uczy rozważać

Rozwój zdolności obserwacyjnych i analitycznych oka. Fragmenty natury. Zwierzęta - jakie są do siebie podobne i czym się od siebie różnią.

materiały: papier, pisaki lub kolorowe kredki lub kredki.

zasięg widzenia: slajdy przedstawiające rysunki zwierząt lub żywych zwierząt.

Seria literacka: wiersze o zwierzętach, o nosach i ogonach.

serial muzyczny: C.Saint-Saens, suita „Karnawał zwierząt”.

Możesz przedstawić miejsce

Przyjrzyj się bliżej różnym miejscom – mchowi na kamieniu, piargowi na ścianie, wzorom na marmurze w metrze i spróbuj zobaczyć w nich jakieś obrazy. Zamień to miejsce w wizerunek zwierzęcia. Miejsce, wklejone lub pomalowane, przygotowuje nauczyciel.

materiały: ołówek, kredki, czarny tusz, czarny flamaster.

zasięg widzenia: ilustracje do książek o zwierzętach E. Charushina, V. Lebiediewa, T. Mavriny, M. Mituricha i innych artystów pracujących jako plama.

Można przedstawić objętościowo

Zamieńmy bryłę plasteliny w ptaka. Modelowanie. Spójrz i pomyśl, jakie obszerne przedmioty są do czegoś podobne, na przykład ziemniaki i inne warzywa, drewno wyrzucone w lesie lub parku.

materiały: plastelina, stosy, deska.

zasięg widzenia: slajdy z naturalnymi tomami wyrazistych form lub prawdziwych kamieni, których kształt coś przypomina.

Można przedstawić jako linię

Linia może powiedzieć. „Opowiedz nam o sobie” – rysunek lub serię kolejnych rysunków.

materiały: papier, czarny flamaster lub ołówek.

zasięg widzenia: ilustracje liniowe książek dla dzieci, rysunki na tematy wierszy S. Marshaka, A. Barto, D. Charmsa z wesołym, figlarnym rozwinięciem fabuły.

Seria literacka: śmieszne wiersze o życiu w domu.

serial muzyczny: piosenki dla dzieci o życiu w rodzinie.

Można przedstawić to, co niewidoczne (nastrój)

Okazuj radość i okazuj smutek. Rysujemy muzykę – zadaniem jest wyrażenie na obrazie kontrastujących nastrojowo obrazów utworów muzycznych.

materiały: biały papier, kolorowe pisaki, kredki lub kredki.

serial muzyczny: wesołe i smutne melodie.

Nasze farby

Próba koloru. Radość komunikacji z farbami. Opanowanie umiejętności organizacji miejsca pracy i stosowania farb. Nazwa koloru. To w życiu przypomina każdy kolor. Zabawny obraz kolorowego, wielokolorowego dywanu.

materiały: farby, gwasz, duże i cienkie pędzle, biały papier.

Artyści i publiczność (uogólnienie tematu)

Bycie widzem jest ciekawe i niełatwe. Tego trzeba się nauczyć. Wprowadzenie do pojęcia „dzieła sztuki”. Obraz. Rzeźba. Kolor i farba w obrazach artystów. Rozwój umiejętności percepcji. Rozmowa.

zasięg widzenia: V. Van Gogh „Słoneczniki”, N. Roerich „Goście zagraniczni”, V. Vasnetsov „Trzej bohaterowie”, S. Konczałowski „Liliowy”, M. Vrubel „Księżniczka łabędzi”.

Temat 2. Dekorujesz.
Spotkanie z „Mistrzem Dekoracji” (7-14 godzin)

„Mistrz Obrazu”, którego dzieci poznały w pierwszym kwartale, to „Mistrz Wiedzy”, uważnego spojrzenia na życie. „Mistrz Dekoracji” robi w życiu coś zupełnie innego – to jest „Mistrz Komunikacji”. Organizuje komunikację ludzi, pomagając im otwarcie identyfikować swoje role. Dziś idziemy na wycieczkę, jutro do pracy, potem na bal - a naszymi ubraniami rozmawiamy o tych naszych rolach, o tym, kim dzisiaj jesteśmy, co będziemy robić. Oczywiście, praca „Mistrza dekoracji” objawia się na balach, karnawałach i przedstawieniach teatralnych.

Tak, a w naturze niektóre ptaki czy motyle odróżniamy od innych po ich dekoracjach.

Świat przyrody jest pełen dekoracji

Rozwój obserwacji. Doświadczenie estetyczne. Dekoracja skrzydeł motyla. Motyl jest dekorowany według wykroju wyciętego przez nauczyciela lub może być narysowany (duży, na całej kartce) przez dzieci na lekcji. Różnorodność i piękno wzorów w przyrodzie.

materiały: gwasz, duże i cienkie pędzle, papier kolorowy lub biały.

zasięg widzenia: slajdy „Motyle”, kolekcje motyli, książki z ich wizerunkiem.

Wizerunek eleganckiego ptaka w technice aplikacji objętościowej, kolaż. Rozwijanie zmysłu dekoracyjnego łączenia materiałów, ich kolorów i faktur.

materiały: papier wielobarwny i różnorodny, nożyczki, klej.

zasięg widzenia: slajdy i książki przedstawiające różne ptaki.

serial muzyczny: pieśni dziecięce lub ludowe z wyraźnym zabawnym, dekoracyjnym momentem (dzwonienie, imitacja śpiewu ptaków).

Piękno trzeba zobaczyć

Dyskretne i „niespodziewane” piękno natury. Badanie różnych powierzchni: kory drzew, piany falowej, kropli na gałęziach itp. Rozwój dekoracyjnego poczucia tekstury. Doświadczenie wizualnych wrażeń poetyckich.

Obraz przedstawiający grzbiet jaszczurki lub kory drzewa. Piękno faktury i wzoru. Zapoznanie się z techniką monotypii jednokolorowej.

materiały: dla nauczyciela – wałek radełkowany, gwasz rozcieńczony wodą lub farbą drukarską; dla dzieci - tablica z tworzywa sztucznego, linoleum lub płytek, kawałki papieru, ołówek.

zasięg widzenia: zjeżdżalnie o różnej powierzchni: kora, mech, zmarszczki na wodzie, a także zjeżdżalnie przedstawiające jaszczurki, węże, żaby. Jeśli to możliwe - prawdziwa kora, kawałki drewna, kamienie.

Jak, kiedy i dlaczego człowiek się ozdabia

Każda biżuteria ludzka mówi coś o swoim właścicielu. Co może powiedzieć biżuteria. Rozważamy postacie z bajek - jakie mają dekoracje. Jak pomagają nam rozpoznać postacie. Wizerunki wybranych postaci z bajek i ich dekoracji.

materiały: papier kolorowy, gwasz, pędzel.

zasięg widzenia: slajdy lub ilustracje z postaciami ze znanych bajek.

Seria literacka: fragmenty baśni z opisem wyglądu bohatera.

serial muzyczny: pieśni baśniowych bohaterów.

„Mistrz dekoracji” pomaga zrobić wakacje

Dekoracja pokoju. Wykonywanie świątecznych girland i gwiazd noworocznych. Dekoracja klasy i domu na święta Nowego Roku. Panel zbiorowy „Choinka”.

materiały: papier kolorowy, nożyczki, klej, folia, serpentyna.

zasięg widzenia: praca dzieci ukończona w ciągu kwartału.

Seria literacka: wiersze o święcie Nowego Roku.

serial muzyczny: Świąteczne i noworoczne piosenki, P. Czajkowski fragmenty baletu „Dziadek do orzechów”.

Temat 3. Budujesz.
Znajomość z „Mistrem Budownictwa” (10-20 godzin)

„Mistrz obrazu” – „Mistrz poznania”, „Mistrz dekoracji” – „Mistrz komunikacji”, „Mistrz konstrukcji” – to „Mistrz kreacji” obiektywnego środowiska życia.

W tej dzielnicy jego bracia zdejmują „czapkę niewidzialności” i przekazują mu stery rządu. Ludzie mogą poznawać świat i komunikować się tylko wtedy, gdy mają zorganizowane przez człowieka środowisko. Każdy naród budował od czasów prymitywnych. Dzieci również budują swoje zabawy z piasku, kostek, krzeseł – z dowolnego dostępnego materiału. Przed rozpoczęciem semestru nauczyciel (z pomocą dzieci) musi zebrać jak najwięcej „materiałów budowlanych”: kartonów po mleku, jogurtach, butach itp.

dom dla siebie

Obraz domu stworzony dla mnie. Rozwój wyobraźni. Pomyśl o domu. Różne domy dla różnych postaci z bajek. Jak zgadnąć, kto mieszka w domu. Różne domy do różnych rzeczy.

materiały: papier kolorowy, gwasz, pędzle; lub pisaki lub kolorowe kredki.

zasięg widzenia: ilustracje do książek dla dzieci przedstawiające domy.

serial muzyczny: piosenki dla dzieci o budowniczych-marzycielach.

O czym możesz pomyśleć w domu

Modelowanie bajecznych domów w postaci warzyw i owoców. Budowa pudełek i wygodnych domków z papieru dla słonia, żyrafy i krokodyla. Słoń jest duży i prawie kwadratowy, żyrafa ma długą szyję, a krokodyl jest bardzo długi. Dzieci uczą się rozumieć wyrazistość proporcji i konstrukcję formy.

materiały: plastelina, stosy, szmata, deska.

zasięg widzenia: ilustracje do bajek A. Milne’a „Kubuś Puchatek”, N. Nosova „Nie wiem w Mieście Kwiatów”, J. Rodari „Cipollino”, A. Wołkowa „Czarnoksiężnik ze Szmaragdowego Miasta”.

Seria literacka: opisy bajecznych miast.

serial muzyczny: muzyka do kreskówki i baletu „Cipollino”.

„Mistrz Budownictwa” pomaga tworzyć miasto

„Bajkowe miasto”. Obraz obrazu miasta dla konkretnej bajki. Budowa miasta gry. Gra architektów.

materiały: gwasz, papier kolorowy lub biały, pędzle szerokie i cienkie, pudełka o różnych kształtach, gruby papier, nożyczki, klej.

zasięg widzenia: ilustracje książek dla dzieci.

Seria literacka: opisy bajecznego miasta z dzieła literackiego.

Wszystko, co widzimy, ma swoją strukturę

Twórz wizerunki różnych zwierząt - projekt zoo z pudełek. Zrób pudełka ze śmiesznymi psami różnych ras. Materiał można zastąpić aplikacją: różne wizerunki psów powstają poprzez przyklejenie na kartkę wcześniej przygotowanych jednokolorowych skrawków papieru o różnych kształtach geometrycznych.

materiały: różne pudełka, kolorowy i biały gruby papier, klej, nożyczki.

zasięg widzenia: fotografie zwierząt lub reprodukcje obrazów przedstawiających zwierzęta.

Wszystkie elementy można zbudować

Konstrukcja z papieru, opakowań, podkładek, kwiatów i zabawek.

materiały: papier kolorowy lub biały, nożyczki, klej.

zasięg widzenia: slajdy z różnych tematów związanych z zadaniem.

Seria literacka: wiersze o wesołych, pracowitych mistrzach.

Dom na zewnątrz i wewnątrz

Dom „wygląda” na ulicę, ale mieszkają w domu. „Wewnątrz” i „na zewnątrz” są ze sobą bardzo powiązane. Wizerunek domu w formie liter alfabetu, jakby miał przezroczyste ściany. Jak małe alfabetyczne osoby mogły mieszkać w domach-literach, jak tam znajdują się pokoje, schody, okna.

materiały: papier (biały lub kolorowy), ołówki lub kredki.

zasięg widzenia: ilustracje książek dla dzieci.

Miasto, w którym mieszkamy

Zadanie: „Rysuję moje ulubione miasto”. Zdjęcie „z wrażenia” po wycieczce.

materiały: papier, gwasz, pędzle lub kredki (do wyboru prowadzącego).

Seria literacka: Wiersze o Twoim mieście.

serial muzyczny: piosenki o Twoim mieście.

Uogólnienie tematu kwartału

Ćwiczenia: wystawa prac powstałych w kwartale. Dzieci uczą się wzajemnie patrzeć i omawiać swoją pracę. Grający artyści i widzowie. Możesz utworzyć panel uogólniający „Nasze miasto” lub „Moskwa”.

Temat 4. „Mistrzowie obrazu, dekoracje, budynki” zawsze pracują razem (5-10 godzin)

Wspólną twórczość „Mistrzów” dostrzegamy w naszej twórczości minionych kwartałów i w dziełach sztuki.

Uogólnienie tutaj to pierwsza lekcja. Jego celem jest pokazanie dzieciom, że nasi trzej „Mistrzowie” tak naprawdę są nierozłączni. Ciągle sobie pomagają. Ale każdy „Mistrz” ma swoje własne dzieło i swój cel. A w konkretnym dziele jeden z „Mistrzów” jest zawsze najważniejszy. Oto na przykład nasze rysunki-obrazy: gdzie tu jest dzieło „Mistrza Budownictwa”? A teraz te prace zdobią klasę. A w pracach, w których najważniejszy był „Mistrz Dekoracji”, w jaki sposób pomógł mu „Mistrz obrazu”, „Mistrz konstrukcji”? Najważniejsze jest, aby pamiętać z chłopakami, jaka dokładnie jest rola każdego „Mistrza” i czego pomógł się nauczyć. Najlepsze prace dzieci z całego roku powinny zostać wystawione w klasie. Rodzaj wystawy reportażowej. Pożądane jest, aby każde dziecko miało jakąś wystawioną pracę. Dzieci uczą się opowiadać o swoich pracach i rysunkach swoich towarzyszy. Na koniec lekcji wyświetlane są slajdy dzieł sztuki dla dorosłych, a dzieci powinny podkreślić „udział” każdego „Mistrza” w tych pracach: wazon z rysunkiem figuratywnym; wazon, którego kształt coś przedstawia; zdjęcie z budynkiem architektonicznym; fontanna z rzeźbą; wnętrze pałacu z jasnym wystrojem, rzeźbą i obrazami; wnętrze nowoczesnego budynku z monumentalnym malarstwem.

„Mistrzowie” pomogą nam zobaczyć świat baśni i go narysować

Panel zbiorczy i indywidualne obrazy baśni.

materiały: papier, gwasz, pędzle, nożyczki, klej, papier kolorowy, folia.

zasięg widzenia: muzyka z kreskówek, filmu lub baletu oparta na tej bajce.

Seria literacka: bajka wybrana przez nauczyciela.

Lekcja miłości. Zdolność widzenia

Obserwacja dzikiej przyrody z punktu widzenia „Trzech Mistrzów”. Kompozycja „Witajcie lato!” poprzez wrażenia natury.

II klasa (34-68 godzin)

ty i sztuka

Temat „Ty i sztuka” jest dla tej koncepcji najważniejszy, zawiera podstawowe podtematy niezbędne do wstępnego zapoznania się ze sztuką jako kulturą. Oto podstawowe elementy języka (struktury figuratywnej) sztuk plastycznych i podstawy zrozumienia ich powiązań z otaczającym życiem dziecka. Rozumienie języka i powiązania z życiem budowane są w czytelnym ciągu metodologicznym. Naruszenie tego jest niepożądane.

Zadaniem wszystkich tych tematów jest wprowadzenie dzieci w świat sztuki, emocjonalnie związany ze światem ich osobistych obserwacji, doświadczeń i przemyśleń.

Temat 1. Co i jak pracują artyści (8-16 godzin)

Tutaj głównym zadaniem jest zapoznanie się z możliwościami ekspresyjnymi materiałów artystycznych. Odkrycie ich oryginalności, piękna i charakteru materiału.

Trzy podstawowe kolory, które budują wielobarwność świata

Kolory podstawowe i wtórne. Możliwość mieszania farb od razu w pracy to żywe połączenie kolorów. Przedstaw kwiaty, wypełniając dużymi obrazami cały arkusz (bez wstępnego rysunku) z pamięci i wrażenia.

materiały: gwasz (trzy kolory), duże pędzle, duże arkusze białego papieru.

zasięg widzenia: kwiaty świeże, zjeżdżalnie kwiatowe, łąka kwitnąca; pomoce wizualne przedstawiające trzy kolory podstawowe i ich mieszanie (kolory złożone); praktyczny pokaz mieszania farb gwaszowych.

Pięć kolorów – całe bogactwo barw i tonów

Ciemno i jasno. Odcienie koloru. Możliwość mieszania farb kolorowych z białymi i czarnymi. Obraz naturalnych elementów na dużych arkuszach papieru za pomocą dużych pędzli bez wstępnego rysunku: burza, burza, wybuch wulkanu, deszcz, mgła, słoneczny dzień.

materiały: gwasz (pięć kolorów), duży pędzel, duże arkusze dowolnego papieru.

zasięg widzenia: zjeżdżalnie natury w wyraźnych stanach: burza, burza itp. w twórczości artystów (N. Roerich, I. Levitan, A. Kuindzhi itp.); praktyczny pokaz mieszania kolorów.

Pastele i kredki, akwarela - możliwości wyrazu

Miękkie aksamitne pastele, płynność przezroczystych akwareli – uczymy się rozumieć piękno i wyrazistość tych materiałów.

Obraz jesiennego lasu (z pamięci i wrażenia) wykonany pastelą lub akwarelą.

materiały: pastele lub kredki, akwarela, papier biały, szorstki (opakowanie).

zasięg widzenia: obserwacja przyrody, slajdy jesiennego lasu i prace artystów na ten temat.

Seria literacka: Wiersze A. Puszkina, wiersze S. Jesienina.

serial muzyczny: P. Czajkowski „Jesień” (z cyklu „Pory roku”).

Ekspresyjne możliwości zastosowania

Pomysł na rytm plam Dywan na temat jesiennej ziemi z opadłymi liśćmi. Praca w grupach (1-3 panele), według pamięci i wrażeń.

materiały: kolorowy papier, kawałki materiału, nić, nożyczki, klej, papier lub płótno.

zasięg widzenia: żywe liście, zjeżdżalnie jesiennego lasu, grunt, asfalt z opadłymi liśćmi.

Seria literacka: F. Tyutczew „Liście”.

serial muzyczny: F. Nokturny Chopina, P. Czajkowski „Wrzesień” (z cyklu „Pory roku”).

Ekspresyjne możliwości materiałów graficznych

Piękno i wyrazistość linii. Cienkie i grube, ruchome i lepkie linie. Obraz zimowego lasu na białych kartkach papieru (z wrażenia i z pamięci).

materiały: tusz (czarny gwasz, tusz), pióro, różdżka, drobny pędzel lub węgiel drzewny.

zasięg widzenia: obserwacje przyrody lub zimowe zjeżdżalnie leśne.

Seria literacka: M. Prishvin „Opowieści o naturze”.

serial muzyczny: P. Czajkowski „Grudzień” (z cyklu „Pory roku”).

Ekspresyjność materiałów do pracy objętościowej

Wizerunek zwierząt ojczyzny z wrażenia i z pamięci.

materiały: plastelina, stosy, deska.

zasięg widzenia: obserwacja wyrazistych brył w przyrodzie: korzeni, kamieni, slajdów zwierząt i rzeźb, slajdów i drobnego plastiku z różnych materiałów w oryginale; reprodukcje dzieł rzeźbiarza V. Vatagina.

Seria literacka: V.Bianki „Opowieści o zwierzętach”.

Ekspresyjna moc papieru

Opanowanie pracy przy zginaniu, wycinaniu, klejeniu papieru. Tłumaczenie płaskiego arkusza na różne formy trójwymiarowe. Klejenie prostych form trójwymiarowych (stożek, walec, „drabinka”, „akordeon”). Budowa placu zabaw dla rzeźbionych zwierząt (indywidualnie, w grupach, zespołowo). Praca wyobraźni; jeśli jest dodatkowa lekcja, możesz dać zadanie origami.

materiały: papier, nożyczki, klej.

zasięg widzenia: slajdy dzieł architektury, układy z lat ubiegłych wykonane przez studentów, pokazujące techniki pracy z papierem.

Dla artysty każdy materiał może stać się wyrazisty. (uogólnienie tematu kwartału)

Zrozumienie piękna materiałów plastycznych i różnic między nimi: gwasz, akwarela, kredki, pastele, materiały graficzne, plastelina i papier, materiały „nieoczekiwane”.

Obraz świątecznego miasta nocą przy użyciu „nieoczekiwanych” materiałów: serpentyn, konfetti, nasiona, nici, trawa itp. na tle ciemnego papieru.

Temat 2. Rzeczywistość i fantazja (7-14 godzin)

Obraz i rzeczywistość

Umiejętność patrzenia, patrzenia, bycia spostrzegawczym. Mistrz Obrazu uczy nas patrzeć na otaczający nas świat. Zdjęcia zwierząt lub zwierząt widzianych w zoo, na wsi.

materiały: gwasz (jeden lub dwa kolory), papier kolorowy, pędzel.

zasięg widzenia: dzieła sztuki, fotografie przedstawiające zwierzęta.

Obraz i fantazja

Umiejętność fantazjowania. Fantazja w życiu ludzi. Obraz bajecznych, nieistniejących zwierząt i ptaków, łączący w sobie elementy różnych zwierząt, a nawet roślin. Postacie z bajek: smoki, centaury itp.

materiały: gwasz, pędzle, duża kartka papieru, najlepiej kolorowego, barwionego.

zasięg widzenia: slajdy przedstawiające prawdziwe i fantastyczne zwierzęta w rosyjskich rzeźbach w drewnie i kamieniu, w sztuce europejskiej i orientalnej.

serial muzyczny: fantastyczne obrazy z dzieł muzycznych.

Dekoracja i rzeczywistość

Rozwój obserwacji. Umiejętność dostrzegania piękna w naturze. „Mistrz Dekoracji” uczy się od natury. Obraz pajęczyn z rosą i gałęziami drzew, płatków śniegu i innych prototypów dekoracji za pomocą linii (indywidualnie, z pamięci).

materiały: węgiel drzewny, kreda, drobny pędzel, tusz lub gwasz (jeden kolor), papier.

zasięg widzenia: slajdy przedstawiające fragmenty natury widzianej oczami artysty.

Dekoracja i fantazja

Bez wyobraźni nie da się stworzyć pojedynczej biżuterii. Ozdoba o określonej formie (kołnierzyk, falbana, kokoshnik, zakładka).

materiały: dowolny materiał graficzny (jeden lub dwa kolory).

zasięg widzenia: slajdy z koronki, biżuterii, koralików, haftów itp.

serial muzyczny: kombinacje rytmiczne z przewagą powtarzającego się rytmu.

Konstrukcja i rzeczywistość

„Mistrz Budownictwa” uczy się od natury. Piękno i znaczenie struktur naturalnych - plastrów miodu pszczół, główek maku oraz form podwodnego świata - meduz, glonów. Praca indywidualno-zbiorowa. Konstrukcja z papieru „Podwodny świat”.

materiały: papier, nożyczki, klej.

zasięg widzenia: zjeżdżalnie przedstawiające różnorodne budynki (domy, rzeczy), naturalne struktury i formy.

Konstrukcja i fantazja

„Mistrz konstrukcji” ukazuje możliwości wyobraźni człowieka w tworzeniu obiektów.

Tworzenie modeli fantastycznych budynków, budowli: fantastycznego miasta. Indywidualna, grupowa praca nad wyobraźnią.

materiały: papier, nożyczki, klej.

zasięg widzenia: slajdy budynków mogących rozbudzić wyobraźnię dzieci, prace i projekty architektów (L. Corbusier, A. Gaudi), prace studentów z ostatnich lat.

„Bracia-Mistrzowie Obrazów, Dekoracji i Budowli” zawsze współpracują (uogólnienie tematu)

Interakcja trzech rodzajów działalności artystycznej. Projektowanie (modelowanie) w dekoracji zabawek świątecznych przedstawiających ludzi, zwierzęta, rośliny. Panel zbiorowy.

materiały: papier, nożyczki, klej, gwasz, cienkie pędzle.

zasięg widzenia: prace dzieci na kwartał, slajdy i prace autorskie.

Temat 3. Co mówi sztuka (11-22 godz.)

To główny i najważniejszy temat roku. Dwie poprzednie prowadzą do niej. Głównym zadaniem jest opanowanie faktu, że w sztuce niczego nie przedstawia się, nie dekoruje, nie buduje tak po prostu, tylko ze względu na kunszt. „Bracia – Mistrzowie”, czyli sztuka, wyraża ludzkie uczucia i myśli, zrozumienie, czyli stosunek do tego, co ludzie przedstawiają, do kogo lub co dekorują, poprzez konstrukcję wyrażają stosunek do tego, kogo i po co budują. Wcześniej problem ekspresji dzieci w swoich pracach musiały odczuwać jedynie na poziomie emocjonalnym. Teraz dla dzieci to wszystko powinno przenieść się na poziom świadomości, stać się kolejnym i najważniejszym odkryciem. Przez wszystkie kolejne kwartały i lata studiów w ramach programu temat ten powinien być stale akcentowany, utrwalany poprzez proces percepcji i proces tworzenia, w każdym kwartale, przy każdym zadaniu. Każde zadanie powinno skupiać się na emocjach, rozwijać umiejętność dostrzegania odcieni uczuć i wyrażania ich w pracy praktycznej.

Wyrażenie charakteru przedstawionych zwierząt

Wizerunek zwierząt jest wesoły, szybki, groźny. Umiejętność wyczucia i wyrażenia charakteru zwierzęcia na obrazie.

materiały: gwasz (dwa lub trzy kolory lub jeden kolor).

Seria literacka: R. Kiplinga bajka „Mowgli”.

zasięg widzenia: ilustracje V.Vatagina do „Mowgli” i innych książek.

serial muzyczny: C. Saint-Saens „Karnawał zwierząt”.

Wyrażenie charakteru osoby na obrazie; męski wizerunek

Na prośbę nauczyciela do wszystkich dalszych zadań możesz wykorzystać fabułę bajki. Na przykład „Opowieść o carze Saltanie” A. Puszkina zapewnia bogate możliwości łączenia figuratywnych rozwiązań dla wszystkich kolejnych tematów.

Wizerunek dobrego i złego wojownika.

materiały: gwasz (ograniczona paleta), tapeta, papier pakowy (szorstki), papier kolorowy.

zasięg widzenia: slajdy prac V. Vasnetsova, M. Vrubela, I. Bilibina i innych.

Seria literacka: „Opowieść o carze Saltanie” A. Puszkina, fragmenty eposów.

serial muzyczny: muzyka N. Rimskiego-Korsakowa do opery „Opowieść o carze Saltanie”.

Wyrażenie charakteru osoby na obrazie; kobiecy wizerunek

Przedstawianie baśniowych obrazów o przeciwnym charakterze (Księżniczka Łabędzi i Baba Babarikha, Kopciuszek i Macocha itp.). Zajęcia podzielone są na dwie części: jedna przedstawia dobro, druga zło.

materiały: gwasz lub pastel (kredki) na kolorowym tle papieru.

zasięg widzenia: slajdy prac V. Vasnetsova, M. Vrubela, I. Bilibina.

Seria literacka: „Opowieść o carze Saltanie” A. Puszkina.

Wizerunek osoby i jej charakteru wyrażony objętościowo

Tworzenie objętościowych obrazów o wyraźnym charakterze: Księżniczka Łabędzi, Baba Babarikha, Baba Jaga, Bogatyr, Kościej Nieśmiertelny itp.

materiały: plastelina, stosy, deski.

zasięg widzenia: slajdy z wizerunkami rzeźbiarskimi dzieł S. Konenkowa, A. Golubkiny, ceramiki M. Vrubela, średniowiecznej rzeźby europejskiej.

Obraz natury w różnych stanach

Obraz kontrastujących stanów natury (morze jest łagodne, czułe, burzliwe, niepokojące, radosne itp.); indywidualnie.

materiały

zasięg widzenia: slajdy przedstawiające kontrastujące nastroje natury lub slajdy obrazów artystów przedstawiających różne stany morza.

Seria literacka: bajki A. Puszkina „O carze Saltanie”, „O rybaku i rybie”.

serial muzyczny: opera „Sadko”, „Szeherezada” N. Rimskiego-Korsakowa czy „Morze” M. Churlionisa.

Wyrażenie charakteru osoby poprzez dekorację

Ozdabiając się, każda osoba opowiada w ten sposób o sobie: kim jest, czym jest: odważnym wojownikiem – obrońcą lub któremu grozi. Dekoracje Księżniczki Łabędzia i Baby Babarikhy będą inne. Ozdoba na zbroję bohaterską wycięta z papieru, kokoshniki o zadanym kształcie, obroże (indywidualnie).

materiały: gwasz, pędzle (duże i cienkie), wykroje z dużych arkuszy papieru.

zasięg widzenia: slajdy przedstawiające starożytną broń rosyjską, koronki, stroje damskie.

Wyrażenie intencji poprzez dekorację

Dekoracja dwóch bajecznych flot o przeciwnych intencjach (dobra, świąteczna i zła, piracka). Praca ma charakter zbiorowo-indywidualny. Aplikacja.

materiały: gwasz, duże i cienkie pędzle, klej, szpilki, klejone arkusze lub tapeta.

zasięg widzenia: slajdy prac artystów (N. Roerich), ilustracje do książek dla dzieci (I. Bilibin), dzieła sztuki ludowej.

Wspólnie „Mistrzowie Obrazu, Dekoracji, Budowli” tworzą domy dla bajkowych postaci (uogólnienie tematu)

Trzej „Bracia-Mistrzowie” wraz z dziećmi (grupami) wykonują kilka paneli, gdzie za pomocą aplikacji i malarstwa tworzą świat kilku bajkowych postaci – dobrych i złych (np.: wieża Księżniczki Łabędzi , dom Baby Jagi, chata Bogatyra itp.).

Na panelu (z naklejkami) tworzony jest dom, tłem jest pejzaż jako figuratywne otoczenie tego domu, a figura to wizerunek właściciela domu wyrażający te obrazy poprzez charakter budynku, ubiór, kształt postaci, charakter drzew, na tle których stoi dom.

Uogólnienie można uzupełnić wystawą prac na podstawie wyników kwartału i dyskusją z rodzicami. Do dyskusji należy przygotować grupy „przewodników”. Nauczyciel może przeznaczyć na to dodatkowe godziny. Przygotowana przez nauczyciela i prezentowana rodzicom (widzom) wystawa powinna stać się wydarzeniem dla uczniów i ich rodzin oraz pomóc utrwalić w świadomości dzieci najważniejsze znaczenie tego tematu.

Temat 4. Jak mówi sztuka (8-16 godzin)

Począwszy od tego kwartału, należy stale zwracać uwagę na wyrazistość środków. Chcesz to wyrazić? Ale jak, co?

Kolor jako środek wyrazu: barwy ciepłe i zimne. Walka ciepła z zimnem

Obraz dogasającego ognia to „walka” ciepła i zimna. Wypełniając cały arkusz, dowolnie mieszaj ze sobą farby. Ogień jest przedstawiony jakby z góry, wygasający (praca z pamięci i wrażenia). „Pióro Ognistego Ptaka”. Farby miesza się bezpośrednio na arkuszu. Nie stosuje się farb czarno-białych.

materiały: gwasz bez czarno-białych farb, duże pędzle, duże kartki papieru.

zasięg widzenia: slajdy gasnącego ognia; podręcznik metodyczny dotyczący nauki o kolorze.

serial muzyczny: N. Rimski-Korsakow fragmenty z opery „Śnieżna dziewica”.

Kolor jako środek wyrazu: spokojny (głuchy)i żywe kolory. Mieszanie z farbami czarnymi, szarymi, białymi(ciemne, delikatne odcienie koloru)

Umiejętność obserwacji zmagań koloru w życiu. Obraz wiosennej ziemi (indywidualnie z pamięci i wrażenia). Jeśli są dodatkowe lekcje, można je przeprowadzić na fabułach tworzenia „ciepłego królestwa” (Słoneczne Miasto), „zimnego królestwa” (Królowa Śniegu), osiągając bogactwo kolorów w ramach jednej kolorystyki.

materiały: gwasz, duże pędzle, duże kartki papieru.

zasięg widzenia: slajdy wiosennej ziemi, burzliwe niebo, mgła, pomoce dydaktyczne z nauki o kolorze.

serial muzyczny: E. Grieg. „Poranek” (fragment ze suity „Peer Gynt”).

Seria literacka: Opowiadania M. Prishvina, wiersze S. Jesienina o wiośnie.

Linia jako środek wyrazu: rytm linii

Obraz wiosennych strumieni.

materiały: pastele lub kolorowe kredki.

serial muzyczny: A. Arsensky „Leśny potok”, „Preludium”; E. Griega „Wiosna”.

Seria literacka: M. Prishvin „Leśny potok”.

Linia jako środek wyrazu: natura linii

Wizerunek gałęzi o określonym charakterze i nastroju (indywidualnie lub przez dwie osoby, według wrażenia i pamięci): gałęzie delikatne i mocne, przy czym należy podkreślić umiejętność tworzenia różnych faktur za pomocą węgla drzewnego, sangwinika.

materiały: gwasz, pędzel, patyk, węgiel drzewny, sangwina i duże arkusze papieru.

zasięg widzenia: duże, duże wiosenne gałęzie (brzoza, dąb, sosna), slajdy przedstawiające gałęzie.

Seria literacka: Japońskie wersety (czołgi).

Rytm plam jako środek wyrazu

Podstawowa wiedza z zakresu kompozycji. Wraz ze zmianą położenia na arkuszu, nawet identycznych plam, zmienia się także zawartość kompozycji. Rytmiczne ułożenie lecących ptaków (praca indywidualna lub zbiorowa).

materiały

zasięg widzenia: pomoce wizualne.

serial muzyczny: fragmenty o wyraźnej organizacji rytmicznej.

Proporcje wyrażają charakter

Projektowanie lub rzeźbienie ptaków o różnych proporcjach charakteru - duży ogon - mała głowa - duży dziób.

materiały: papier biały, papier kolorowy, nożyczki, klej lub plastelina, stosy, karton.

zasięg widzenia: prawdziwe i bajeczne ptaki (slajdy z ilustracjami książkowymi, zabawka).

Rytm linii i plam, kolor, proporcje - środki wyrazu (uogólnienie tematu)

Utworzenie panelu zbiorowego na temat „Wiosna. Szum ptaków”.

materiały: duże arkusze do paneli, gwasz, papier, nożyczki, klej.

zasięg widzenia: prace dzieci wykonane na temat „Wiosna”, zjeżdżalnie gałęzi, motywy wiosenne.

Ogólna lekcja roku

Zajęcia składają się z prac dzieci wykonanych w ciągu roku. Otwarcie wystawy powinno być radosnym świętem, wydarzeniem w życiu szkoły. Zajęcia prowadzone są w formie konwersacji, konsekwentnie przypominając dzieciom wszystkie tematy poruszane w kwaterach szkoleniowych. Trzej „bracia-mistrzowie” pomagają nauczycielowi w rozmowie w grze. Na zajęcia (w miarę możliwości) zapraszani są rodzice i inni nauczyciele.

zasięg widzenia: prace dzieci wyrażające zadania poszczególnych kwartałów, slajdy, reprodukcje dzieł artystów i sztuki ludowej, pomagające w przybliżeniu tematów.

III klasa (34-68 godzin)

Sztuka wokół nas

Jedna z głównych idei programu: „Od rodzimego progu – do świata kultury ziemskiej”, czyli od zapoznania się z kulturą własnego narodu, nawet z kulturą własnej „małej ojczyzny” – bez nie ma drogi do kultury uniwersalnej.

Edukacja w tej klasie opiera się na wprowadzaniu dzieci w świat sztuki poprzez poznanie otaczającego ich świata obiektywnego, jego artystycznego znaczenia. Dzieci uświadamiają sobie, że przedmioty mają nie tylko funkcję użytkową, ale są także nośnikami kultury duchowej i tak było zawsze – od starożytności po współczesność. Należy pomóc dziecku dostrzec piękno otaczających go rzeczy, przedmiotów, przedmiotów, dzieł sztuki, zwracając szczególną uwagę na rolę artystów – „Mistrzów Obrazu, Dekoracji, Budowli” – w tworzeniu środowiska dla człowieka życie.

Pod koniec roku dzieci powinny mieć poczucie, że ich życie, życie każdego człowieka, na co dzień jest związane z działalnością artystyczną. Na lekcjach końcowych każdego kwartału powinno znaleźć się pytanie: „Co by było, gdyby „Bracia-Mistrzowie” nie uczestniczyli w tworzeniu otaczającego Cię świata – w domu, na ulicy itp.?” Zrozumienie ogromnej roli sztuki w codziennym życiu powinno być odkryciem dla dzieci i ich rodziców.

Temat 1. Sztuka w Twoim domu (8-16 godzin)

Tutaj „Mistrzowie” zabierają dziecko do jego mieszkania i dowiadują się, co każdy z nich „zrobił” w bezpośrednim otoczeniu dziecka, a na koniec okazuje się, że bez ich udziału nie powstał ani jeden obiekt domu , nie byłoby samego domu.

swoje zabawki

Zabawki - jakie powinny być - wymyślił artysta. Zabawki dla dzieci, zabawki ludowe, zabawki domowej roboty. Modelowanie zabawek z plasteliny lub gliny.

materiały: plastelina lub glina, słoma, wykroje drewniane, papier, gwasz, farba wodna do gleby; małe szczoteczki, waciki.

zasięg widzenia: zabawka ludowa (zjeżdżalnie): mgła, gorodec, filimonowo, rzeźbiona zabawka z Bogorodska, zabawki z improwizowanego materiału: opakowanie, tkanina, futro.

Seria literacka: przysłowia, powiedzenia, folklor, rosyjskie opowieści ludowe.

serial muzyczny: Rosyjska muzyka ludowa, P. Czajkowski „Album dla dzieci”.

Naczynia w domu

Przybory codzienne i świąteczne. Projektowanie, kształtowanie przedmiotów oraz malowanie i dekorowanie naczyń. Praca „Mistrzów konstrukcji, dekoracji i obrazowania” przy produkcji naczyń. Obraz na papierze. Modelowanie naczyń z plasteliny z malowaniem na białym podkładzie.

Jednocześnie koniecznie podkreśla się cel naczyń: dla kogo, na jaką okazję.

materiały: papier barwiony, gwasz, plastelina, glina, farba na bazie wody.

zasięg widzenia: próbki naczyń ze źródeł naturalnych, slajdy naczyń ludowych, naczynia z różnych materiałów (metal, drewno, plastik).

Chusteczka mamy

Szkic szalika: dla dziewczynki, dla babci, czyli różnej treści, rytmu wzoru, koloru, jako środka wyrazu.

materiały: gwasz, pędzle, papier biały i kolorowy.

zasięg widzenia: slajdy z motywami naturalnymi na szaliki, szaliki i tkaniny, próbki prac dzieci na ten temat.

serial muzyczny: Rosyjska muzyka ludowa (w tle).

Tapety i zasłony w Twoim domu

Szkice tapet lub zasłon do pokoju o jasnym przeznaczeniu: sypialnia, salon, pokój dziecięcy. Można to zrobić również w technice pięt.

materiały: gwasz, pędzle, klisze, papier lub tkanina.

zasięg widzenia: fragmenty jakiejś bajki, która zawiera słowny opis pomieszczeń baśniowego pałacu.

serial muzyczny: fragmenty muzyczne charakteryzujące się różnymi stanami: burzliwym (F. Chopin „Polonez” As-dur op. 53), spokojnym, czułym lirycznie (F. Chopin „Mazurek” a-moll op. 17).

Twoje książki

Artysta i książka. Ilustracje. forma książkowa. Czcionka. List początkowy. Zilustrowanie wybranej bajki lub zaprojektowanie książeczki-zabawki.

materiały: gwasz, pędzle, papier biały lub kolorowy, kredki.

zasięg widzenia: okładki i ilustracje do znanych bajek (ilustracje różnych autorów do tej samej bajki), slajdy, książeczki z zabawkami, książki dla dzieci.

Seria literacka: Tekst wybranej historii.

kartka z życzeniami

Szkic do pocztówki lub ozdobnej zakładki (na motywach roślinnych). Istnieje możliwość wykonania w technice drapania, grawerowania z naklejkami lub monotypii graficznej.

materiały: mały papier, atrament, długopis, różdżka.

zasięg widzenia: slajdy z drzeworytów, linoleum, ryciny, litografie, próbki prac dzieci w różnych technikach.

Co artysta zrobił w naszym domu (uogólnienie tematu). Artysta brał udział w tworzeniu wszystkich przedmiotów znajdujących się w domu. Asystowali mu nasi „Mistrzowie Wizerunku, Dekoracji i Budownictwa”. Zrozumienie roli każdego z nich. Kształt przedmiotu i jego dekoracja. Na lekcji generalizującej można zorganizować grę artystów i widzów lub grę przewodników na wystawie prac zrealizowanych w danym kwartale. Rozmawiają trzej „Mistrzowie”. Opowiadają i pokazują, jakie przedmioty otaczają ludzi w domu na co dzień. Czy są w domu jakieś przedmioty, nad którymi artyści nie pracowali? Zrozumienie, że wszystko, co dotyczy naszego życia, nie istniałoby bez pracy artystów, bez sztuki pięknej, dekoracyjnej i użytkowej, architektury, designu, powinno to być rezultatem i jednocześnie odkryciem.

Temat 2. Sztuka na ulicach Twojego miasta (7-14 godzin)

Wszystko zaczyna się już u progu własnego domu. Ten kwartał poświęcony jest temu „progu”. I bez niego nie ma Ojczyzny. Nie tylko Moskwa czy Tuła - ale właśnie rodzima ulica, która biegnie „blisko czoła” Twojego domu, wydeptana nogami.

Zabytki architektury - dziedzictwo wieków

Studium i wizerunek zabytku architektury, ich miejsc rodzimych.

materiały: papier barwiony, kredki woskowe lub gwasz, papier biały.

Seria literacka: Treść związana z wybranym zabytkiem architektury.

Parki, skwery, bulwary

Architektura, budowa parków. Wizerunek parku. Parki rozrywki, parki muzealne, parki dla dzieci. Możliwy jest obraz parku, placu, kolażu.

materiały: papier kolorowy, biały, kredki gwaszowe lub woskowe, nożyczki, klej.

zasięg widzenia: obejrzyj slajdy, reprodukcje obrazów.

Ogrodzenia ażurowe

Żeliwne ogrodzenia w Petersburgu i Moskwie, w swoim rodzinnym mieście, drewniane opaski ażurowe. Projekt ażurowej kraty lub bramy, wycięty ze złożonego kolorowego papieru i sklejony w kompozycję o tematyce „Parki, place, bulwary”.

materiały: kolorowy papier, nożyczki, klej.

zasięg widzenia: zjeżdżalnie starożytnych ogrodzeń w Moskwie i Sankt Petersburgu. Nowoczesne kraty dekoracyjne i ogrodzenia w naszych miastach.

Latarnie na ulicach i w parkach

Czym są latarnie? Kształt latarni jest również tworzony przez artystę: latarnia odświętna, uroczysta, latarnia liryczna. Latarnie na ulicach miasta. Latarnie są ozdobą miasta. Obraz lub projekt w kształcie papierowej latarni.

materiały

Okna sklepowe

Jeśli masz dodatkowy czas, możesz tworzyć grupowe układy wolumetryczne.

materiały: papier biały i kolorowy, nożyczki, klej.

zasięg widzenia: zjeżdżalnie z dekorowanymi witrynami. Prace dzieci z lat ubiegłych.

Transport w mieście

Artysta uczestniczy także w tworzeniu kształtu maszyn. Maszyny różnych czasów. Możliwość zobaczenia obrazu w postaci maszyn. Wymyśl, narysuj lub zbuduj z papieru obrazy fantastycznych maszyn (lądowych, wodnych, powietrznych).

materiały: papier biały i kolorowy, nożyczki, klej, materiały graficzne.

zasięg widzenia: zdjęcia transportu. Slajdy starych pojazdów. Reprodukcje z czasopism.

Co artysta zrobił na ulicach mojego miasta (w mojej wiosce)

Ponownie powinno pojawić się pytanie: co by było, gdyby nasi „Bracia-Mistrzowie” niczego na ulicach naszego miasta nie dotknęli? Podczas tej lekcji z pojedynczych prac tworzony jest jeden lub więcej paneli zbiorczych. Może to być panorama ulicy dzielnicy z kilku rysunków wklejonych w pasek w formie dioramy. Tutaj możesz umieścić płoty i światła, pojazdy. Dioramę uzupełniają postacie ludzi, płaskie wycinki drzew i krzewów. Można wcielić się w „przewodników” i „dziennikarzy”. Przewodnicy opowiadają o swoim mieście, o roli artystów w kreowaniu artystycznego wizerunku miasta.

Temat 3. Artysta i spektakl (10-20 godzin)

„Bracia-Mistrzowie” zajmują się sztukami widowiskowymi od czasów starożytnych. Ale nawet dzisiaj ich rola jest niezastąpiona. Według uznania nauczyciela istnieje możliwość połączenia większości lekcji danego tematu z koncepcją stworzenia przedstawienia kukiełkowego, do którego sekwencyjnie wykonywana jest kurtyna, scenografia, kostiumy, lalki i plakat. Pod koniec lekcji uogólniającej możesz zorganizować przedstawienie teatralne.

Maski teatralne

Maski różnych czasów i ludów. Maski na starożytnych obrazach, w teatrze, na festiwalu. Projektowanie wyrazistych masek o ostrym charakterze.

materiały: kolorowy papier, nożyczki, klej.

zasięg widzenia: fotografie masek różnych narodów i masek teatralnych.

Artysta teatralny

Fikcja i prawda teatru. Święto teatru. Sceneria i kostiumy bohaterów. Teatr na stole. Stworzenie układu scenografii spektaklu.

materiały: karton, wielokolorowy papier, farby, pędzle, klej, nożyczki.

zasięg widzenia: slajdy ze szkiców artystów teatralnych.

Seria literacka: wybrana opowieść.

Teatr lalkowy

Marionetki teatralne. Teatr Pietruszki. Lalki w rękawiczkach, lalki z patyków, lalki. Praca artysty na lalce. Postacie. Wizerunek lalki, jej projekt i dekoracja. Tworzenie lalki w klasie.

materiały: plastelina, papier, nożyczki, klej, tkanina, nić, małe guziki.

zasięg widzenia: slajdy przedstawiające lalki teatralne, reprodukcje książek o teatrze lalek, taśma filmowa.

kurtyna teatralna

Rola kurtyny w teatrze. Kurtyna i obraz spektaklu. Szkic kurtyny do spektaklu (praca zespołowa, 2-4 osoby).

materiały: gwasz, pędzle, duży papier (może być z tapety).

zasięg widzenia: slajdy kurtyn teatralnych, reprodukcje książek o teatrze lalek.

Plakat, plakat

Znaczenie plakatu. Obraz spektaklu, jego ekspresja na plakacie. Czcionka. Obraz.

Projekt plakatu do spektaklu.

materiały: papier kolorowy wielkoformatowy, gwasz, pędzle, klej.

zasięg widzenia: plakaty teatralne i cyrkowe.

Artysta i cyrk

Rola artysty w cyrku. Obraz radosnego i tajemniczego widowiska. Obraz przedstawienia cyrkowego i jego postaci.

materiały: kolorowy papier, kredki, gwasz, pędzle.

Jak artyści pomagają w przygotowaniu wakacji. Artysta i spektakl (lekcja podsumowująca)

Wakacje w mieście. „Mistrzowie Obrazu, Dekoracji i Budownictwa” pomagają stworzyć Święto. Szkic dekoracji miasta na święta. Organizacja wystawy wszystkich prac na dany temat na zajęciach. Świetnie, jeśli uda Ci się zrobić przedstawienie i zaprosić gości oraz rodziców.

Temat 4. Artysta i muzeum (8-16 godzin)

Zaznajomiwszy się z rolą artysty w naszym codziennym życiu, z różnymi stosowanymi formami sztuki, kończymy rok tematem sztuki przechowywanej w muzeach. Każde miasto może być dumne ze swoich muzeów. Muzea Moskwy, Petersburga i innych miast Rosji są opiekunami największych dzieł sztuki światowej i rosyjskiej. A każde dziecko powinno dotknąć tych arcydzieł i nauczyć się być dumne z faktu, że to w jego rodzinnym mieście zachowały się tak wspaniałe dzieła. Są przechowywane w muzeach. W Moskwie znajduje się muzeum - sanktuarium kultury rosyjskiej - Galeria Trietiakowska. Najpierw trzeba jej o tym powiedzieć. Dziś Ermitaż i Muzeum Rosyjskie odgrywają ogromną rolę - centra międzynarodowych kontaktów artystycznych, znajduje się tu wiele małych, także ciekawych muzeów i sal wystawowych.

Temat „Muzea” jest jednak szerszy. Muzea to nie tylko sztuka, ale wszystkie aspekty ludzkiej kultury. Istnieją również „muzea domowe” w formie albumów rodzinnych, które opowiadają o historii rodziny, ciekawych etapach życia. Może domowe muzeum zabawek, znaczków, znalezisk archeologicznych, po prostu osobistych pamiątek. Wszystko to jest częścią naszej kultury. „Bracia-Mistrzowie” pomagają w kompetentnej organizacji takich muzeów.

Muzea w życiu miasta

Różne muzea. Rola artysty w organizacji wystawy. Największe muzea sztuki: Galeria Trietiakowska, Muzeum Sztuk Pięknych. JAK. Puszkina, Ermitaż, Muzeum Rosyjskie, muzea rodzinnego miasta.

Sztuka przechowywana w tych muzeach

Co to jest „obraz”. Malarstwo martwej natury. gatunek martwej natury. Martwa natura jako opowieść o człowieku. Obraz martwej natury na przedstawieniu, wyraz nastroju.

materiały: gwasz, papier, pędzle.

zasięg widzenia: slajdy martwych natur z wyraźnym nastrojem (J. B. Chardin, K. Petrov-Vodkin, P. Konchalovsky, M. Saryan, P. Kuznetsov, V. Stozharov, V. Van Gogh i in.).

Praca domowa: obejrzeć muzeum lub wystawę martwych natur różnych autorów.

pejzaż

Oglądamy słynne pejzaże: I. Lewitana, A. Savrasova, N. Roericha, A. Kuindzhiego, V. Van Gogha, K. Koro. Obraz krajobrazu według prezentacji z wyraźnym nastrojem: krajobraz radosny i świąteczny; ponury i ponury krajobraz; łagodny i melodyjny krajobraz.

Dzieci na tej lekcji zapamiętają, jaki nastrój można wyrazić za pomocą zimnych i ciepłych kolorów, głuchych i dźwięcznych oraz co może się stać, gdy zostaną zmieszane.

materiały: biały papier, gwasz, pędzle.

zasięg widzenia: slajdy z przykładami malowniczego krajobrazu o wyraźnym nastroju (V. Van Gogh, N. Roerich, I. Levitan, A. Rylov, A. Kuindzhi, V. Bialynitsky-Birulya).

serial muzyczny: Muzykę z tej lekcji można wykorzystać do stworzenia określonego nastroju.

Malarstwo portretowe

Wprowadzenie do gatunku portretu. Portret z pamięci lub z pomysłu (portret dziewczyny, przyjaciela).

materiały: papier, gwasz, pędzle (lub pastel).

zasięg widzenia: slajdy z malowniczymi portretami F. Rokotowa, V. Serowa, V. Van Gogha, I. Repina.

Muzea trzymają rzeźby znanych mistrzów

Nauka patrzenia na rzeźbę. Rzeźba w muzeum i na ulicy. Pomniki. rzeźba parkowa. Rzeźbienie postaci ludzkiej lub zwierzęcej (w ruchu) na potrzeby rzeźby parkowej.

materiały: plastelina, stosy, stojak kartonowy.

zasięg widzenia: slajdy z zestawów „Galeria Trietiakowska”, „Muzeum Rosyjskie”, „Ermitaż” (prace A.L. Bari, P. Trubetskoya, E. Lansere).

Obrazy historyczne i obrazy gatunku codziennego

Zapoznanie się z dziełami gatunku historycznego i codziennego. Obraz oparty na przedstawieniu wydarzenia historycznego (na temat epopei rosyjskiej lub historii średniowiecza lub obraz życia codziennego: śniadanie w rodzinie, zabawa itp.).

materiały: duży arkusz kolorowego papieru, kredki.

Muzea przechowują historię kultury artystycznej, twórczość wielkich artystów (uogólnienie tematu)

„Zwiedzanie” wystawy najlepszych dzieł roku, święto sztuki z własnym scenariuszem. Podsumowując: jaka jest rola artysty w życiu każdego człowieka.

4. klasa (34-68 godzin)

Każdy naród jest artystą (obraz, dekoracja, budowla
w dziele narodów całej ziemi)

Celem edukacji artystycznej i wychowania dziecka w klasie 4 jest ukształtowanie idei różnorodności kultur artystycznych narodów Ziemi i jedności wyobrażeń narodów na temat duchowego piękna człowieka.

Różnorodność kultur nie jest przypadkowa – zawsze wyraża głęboki związek każdego narodu z życiem przyrody, w środowisku której rozwija się jego historia. Relacje te nie są nieruchome – żyją i rozwijają się w czasie, wiążą się z wpływem jednej kultury na drugą. Na tym polega oryginalność kultur narodowych i ich relacji. Różnorodność tych kultur jest bogactwem kultury ludzkiej.

Integralność każdej kultury jest również istotnym elementem treści, których dzieci muszą doświadczyć. Dziecko jest dziś otoczone wieloaspektowym nieporządkiem zjawisk kulturowych, które docierają do niego za pośrednictwem mediów. Zdrowy zmysł artystyczny szuka porządku w tym chaosie obrazów, dlatego każdą kulturę należy przekazywać jako „holistyczną osobowość artystyczną”.

Przedstawienia artystyczne należy przedstawiać jako widoczne opowieści o kulturach. Dzieci według wieku nie są jeszcze gotowe na myślenie historyczne. Cechuje ich jednak chęć, wrażliwość na figuratywne rozumienie świata, skorelowane ze świadomością wyrażaną w sztuce ludowej. Tutaj „powinno” dominować prawda obrazu artystycznego.

Łącząc się poprzez współtworzenie i postrzeganie z korzeniami kultury swojego ludu lub innych ludów Ziemi, dzieci zaczynają czuć się uczestnikami rozwoju ludzkości, otwierają drogę do dalszego poszerzania wrażliwości na bogactwa kultury ludzkiej .

Różnorodność pomysłów różnych narodów na temat piękna ujawnia się w procesie porównywania rodzimej przyrody, pracy, architektury, ludzkiego piękna z kulturą innych narodów.

Zadania edukacyjne roku przewidują dalszy rozwój umiejętności pracy z gwaszem, pastelą, plasteliną, papierem. Zadania wychowania zawodowego organicznie łączą się z zadaniami artystycznymi. W procesie opanowywania umiejętności pracy z różnorodnymi materiałami dzieci zaczynają rozumieć piękno kreatywności.

W klasie IV wzrasta znaczenie pracy zespołowej w procesie edukacyjnym. Znaczącą rolę w programie klasy IV odgrywają dzieła muzyczne i literackie, które pozwalają stworzyć całościowe spojrzenie na kulturę ludową.

Temat 1. Początki sztuki waszego ludu (8-16 godzin)

Praktyczna praca na zajęciach powinna łączyć formy indywidualne i zbiorowe.

Krajobraz ojczystej ziemi

Cechy charakterystyczne, oryginalność rodzimego krajobrazu. Obraz krajobrazu jego rodzimej strony. Wydobywając jego szczególne piękno.

materiały: gwasz, pędzle, kredki.

zasięg widzenia: slajdy przyrodnicze, reprodukcje obrazów rosyjskich artystów.

serial muzyczny: Rosyjskie pieśni ludowe.

Wizerunek tradycyjnego rosyjskiego domu (chaty)

Zapoznanie się z projektem chaty, znaczeniem jej części.

Ćwiczenia: modelowanie papierowe (lub modelowanie) chaty. Praca indywidualno-zbiorowa.

Materiał: papier, tektura, plastelina, nożyczki, stosy.

zasięg widzenia: slajdy drewnianych zespołów muzeów etnograficznych.

Praca domowa: znajdź zdjęcia rosyjskiej wioski i jej budynków.

Ozdoby budynków drewnianych i ich znaczenie

Jedność w dziele Trzech Mistrzów. Przedstawienia magiczne jako poetyckie obrazy świata. Chata - wizerunek twarzy osoby; okna - oczy domu - ozdobiono listwami; fasada - „czoło” - deska czołowa, prichelinami. Dekoracja „drewnianych” budynków powstałych na ostatniej lekcji (indywidualnie-zespołowo). Dodatkowo - wizerunek chaty (gwasz, pędzle).

materiały: papier biały, barwiony lub do pakowania, nożyczki, klej lub plastelina do budynków wielkogabarytowych.

zasięg widzenia: slajdy z serii „Muzea etnograficzne”, „Rosyjska sztuka ludowa”, „Architektura drewniana Rusi”.

serial muzyczny: V.Belov „Lud”.

Wieś - drewniany świat

Znajomość rosyjskiej architektury drewnianej: chaty, bramy, stodoły, studnie... Drewniana architektura sakralna. Wizerunek wsi. Panel zbiorowy lub praca indywidualna.

materiały: gwasz, papier, klej, nożyczki.

obraz ludzkiego piękna

Każdy naród ma swój własny obraz piękna kobiecego i męskiego. Wyraża to tradycyjna odzież. Wizerunek człowieka jest nierozerwalnie związany z jego twórczością. Łączy w sobie idee jedności potężnej siły i dobroci - dobrego człowieka. W obrazie kobiety zrozumienie jej piękna zawsze wyraża zdolność ludzi do marzeń, chęć pokonywania codzienności. Piękno to także talizman. Wizerunki kobiet są głęboko związane z wizerunkiem ptaka - szczęścia (łabędzia).

Wizerunek wizerunków ludowych kobiecych i męskich indywidualnie lub do panelu (wklejony do panelu przez grupę głównego artysty). Zwróć uwagę, aby postacie w pracach dziecięcych były w ruchu, a nie przypominały wystawę ubrań. Z dodatkowymi lekcjami - wykonaniem lalek według rodzaju ludowej szmaty lub figurek sztukatorskich dla już utworzonej „wioski”.

materiały: papier, gwasz, klej, nożyczki.

zasięg widzenia: slajdy materiałów z muzeów etnograficznych, książki o sztuce ludowej, reprodukcje dzieł artystów: I. Bilibina, I. Argunowa, A. Venetsianova, M. Vrubela itp.

Seria literacka: fragmenty eposów, baśni rosyjskich, fragmenty wierszy Niekrasowa.

serial muzyczny: pieśni ludowe.

Praca domowa: znajdź obraz męskich i żeńskich obrazów pracy i wakacji.

Święta ludowe

Rola świąt w życiu człowieka. Święta kalendarzowe: jesienne dożynki, jarmark. Wakacje to obraz idealnego, szczęśliwego życia.

Tworzenie prac na temat święta narodowego z uogólnieniem materiału na ten temat.

materiały: klejony panel tapetowy do paneli lub arkuszy papieru, gwasz, pędzle.

zasięg widzenia: B. Kustodiew, K. Yuon, F. Malyavin, dzieła ludowej sztuki zdobniczej.

Seria literacka: I. Tokmakova „Jarmark”.

serial muzyczny: R. Szczedrin „Niegrzeczne śpiewaki”, N. Rimski-Korsakow „Snow Maiden”.

Temat 2. Starożytne miasta twojej krainy (7-14 godzin)

Każde miasto jest wyjątkowe. Ma swoje niepowtarzalne oblicze, swój charakter, każde miasto ma swoje szczególne przeznaczenie. Jego budynki swoim wyglądem uchwyciły historyczną ścieżkę ludzi, wydarzenia z ich życia. Słowo „miasto” pochodzi od „ogrodzić”, „ogrodzić” murem twierdzy - ufortyfikować. Na wysokich wzgórzach, odbitych w rzekach i jeziorach, wyrastały miasta z białymi ścianami, kopułowymi świątyniami i dźwiękiem dzwonów. Nie ma drugiego takiego miasta. Odkryj ich piękno, mądrość ich organizacji architektonicznej.

Stare rosyjskie miasto - twierdza

Zadanie: badanie konstrukcji i proporcji wież twierdzy. Budowa murów twierdzy i wież z papieru lub plasteliny. Możliwa jest wersja ilustracyjna.

materiały: zgodnie z wybraną opcją pracy.

starożytne katedry

Katedry ucieleśniały piękno, władzę i siłę państwa. Stanowiły architektoniczne i semantyczne centrum miasta. Były to świątynie miasta.

Zapoznanie się z architekturą starożytnego rosyjskiego kamiennego kościoła. Budowa, symbolika. Budynek z papieru. Praca zbiorowa.

materiały: papier, nożyczki, klej, plastelina, stosy.

zasięg widzenia: V. Vasnetsov, I. Bilibin, N. Roerich, slajdy „Spacer po Kremlu”, „Katedry Kremla Moskiewskiego”.

Starożytne miasto i jego mieszkańcy

Modelowanie całej zawartości mieszkalnej miasta. Zakończenie „budowy” starożytnego miasta. Możliwa opcja: obraz starożytnego rosyjskiego miasta.

Starzy rosyjscy wojownicy - obrońcy

Wizerunek starożytnych rosyjskich wojowników oddziału książęcego. Odzież i broń.

materiały: gwasz, papier, pędzle.

zasięg widzenia: I. Bilibin, V. Vasnetsov, ilustracje do książek dla dzieci.

Starożytne miasta ziemi rosyjskiej

Moskwa, Nowogród, Psków, Włodzimierz, Suzdal i inne.

Zapoznanie z oryginalnością różnych starożytnych miast. Są podobni i niepodobni do siebie. Obraz różnych postaci rosyjskich miast. Praca praktyczna lub rozmowa.

materiały: do techniki graficznej - kredki, do monotypii lub malowania - gwasz, pędzle.

Wzór wież

Obrazy architektury Terem. Wnętrza malowane. Płytki. Zdjęcie wnętrza oddziału - przygotowanie tła do kolejnego zadania.

materiały: papier (barwiony lub kolorowy), gwasz, pędzle.

zasięg widzenia: slajdy „Starożytne komnaty Kremla moskiewskiego”, W. Wasniecow „Komnaty cara Berendeja”, I. Bilibin, A. Ryabushkin, reprodukcje obrazów.

Uroczysta biesiada w komnatach

Zbiorowy panel aplikacyjny lub indywidualne obrazy święta.

materiały: tapeta klejona do paneli i kartek papieru, gwasz, pędzle, klej, nożyczki.

zasięg widzenia: slajdy przedstawiające Kreml i komnaty, ilustracje W. Wasniecowa do rosyjskich bajek.

Seria literacka: A. Puszkin „Rusłan i Ludmiła”.

serial muzyczny: F. Glinka, N. Rimski-Korsakow.

Temat 3. Każdy naród jest artystą (11-22 godz.)

„Bracia-Mistrzowie” prowadzą dzieci od spotkania z korzeniami rodzimej kultury do zrozumienia różnorodności kultur artystycznych świata. Nauczyciel może wybrać optymalne kultury, aby mieć czas na ciekawe przeżywanie ich z dziećmi. Proponujemy trzy w kontekście ich powiązań z kulturą współczesnego świata. Jest to kultura starożytnej Grecji, średniowiecznej (gotyckiej) Europy i Japonii jako przykład kultury Wschodu, ale nauczyciel może wziąć do nauki Egipt, Chiny, Indie, kultury Azji Środkowej itp. Ważne jest, aby dzieci zdawały sobie sprawę, że świat życia artystycznego na Ziemi jest niezwykle różnorodny - i to jest bardzo ciekawe, radosne. Poprzez sztukę łączymy światopogląd, duszę różnych narodów, wczuwamy się w nie, stajemy się bogatsi duchowo. To właśnie należy robić na tych lekcjach.

Kultury artystyczne świata nie są historią sztuki tych narodów. Jest to przestrzenny i obiektywny świat kultury, w którym wyraża się dusza ludu.

Istnieje wygodny metodologiczny i zabawny sposób, aby nie zajmować się historią, ale zobaczyć holistyczny obraz kultury: podróż baśniowego bohatera przez te kraje (Sadko, Sindbad Żeglarz, Odyseusz, Argonauci itp. .).

Każdą kulturę postrzega się na cztery sposoby: naturę i charakter budynków, ludzi w tym środowisku oraz święta narodów jako wyraz idei szczęścia i piękna życia.

Obraz kultury artystycznej starożytnej Grecji

Lekcja 1 – starożytne greckie rozumienie piękna człowieka – męskiego i żeńskiego – na przykładzie twórczości rzeźbiarskiej Myrona, Polikleitosa, Fidiasza (człowiek jest „miarą wszystkich rzeczy”). Rozmiary, proporcje, projekty świątyń były w harmonii z osobą. Podziw dla harmonijnej, rozwiniętej atletycznie osoby jest cechą światopoglądu mieszkańców starożytnej Grecji. Wizerunek postaci olimpijczyków (postać w ruchu) i uczestników procesji (postacie w ubraniach).

Lekcja 2 – harmonia człowieka z otaczającą przyrodą i architekturą. Idea porządku doryckiego („męskiego”) i jońskiego („żeńskiego”) jako charakteru proporcji w budowie świątyni greckiej. Obraz obrazów greckich świątyń (aplikacje półobjętościowe lub płaskie) do paneli lub modelowania objętościowego z papieru.

Lekcja 3 - starożytne greckie święta (panel). Mogą to być igrzyska olimpijskie lub wielkie święto panatenajskie (uroczysta procesja na cześć piękna człowieka, jego fizycznej doskonałości i siły, którą czcili Grecy).

materiały: gwasz, pędzle, nożyczki, klej, papier.

zasięg widzenia: slajdy współczesnego wizerunku Grecji, slajdy dzieł starożytnych greckich rzeźbiarzy.

Seria literacka W: Mity starożytnej Grecji.

Obraz kultury artystycznej Japonii

Przedstawienie natury poprzez detale typowe dla japońskich artystów: gałąź drzewa z ptakiem, kwiat z motylem, trawa z konikami polnymi, ważki, gałąź kwitnącej wiśni na tle mgły, odległe góry...

Wizerunek Japonek w stroju narodowym (kimono) z przeniesieniem charakterystycznych rysów twarzy, fryzury, falistych ruchów, figury.

Panel zbiorowy „Święto Kwitnącej Wiśni” lub „Święto Chryzantem”. Poszczególne figury wykonywane są indywidualnie, a następnie sklejane we wspólny panel. W tle pracuje grupa „głównego artysty”.

materiały: duże arkusze papieru do pracy zbiorowej, gwasz, pastel, ołówki, nożyczki, klej.

zasięg widzenia: ryciny Utamaro, Hokusai - wizerunki kobiet, pejzaże; slajdy współczesnych miast.

Seria literacka: Poezja japońska.

Obraz kultury artystycznej średniowiecznej Europy Zachodniej

Główną siłą tych miast były warsztaty rzemieślnicze. Każdy warsztat miał swój ubiór, swoje insygnia, a jego członkowie byli dumni ze swojego rzemiosła, swojej społeczności.

Praca nad panelem „Święto warsztatów rzemieślniczych na rynku miejskim” z etapami przygotowawczymi studiowania architektury, ubioru człowieka i jego otoczenia (świat obiektywny).

materiały: duże arkusze papieru, gwasz, pastel, pędzle, nożyczki, klej.

zasięg widzenia: slajdy przedstawiające miasta Europy Zachodniej, średniowieczna rzeźba i stroje.

Różnorodność kultur artystycznych świata (uogólnienie tematu)

Wystawa, rozmowa - utrwalenie w świadomości dzieci tematu kwartału „Każdy naród jest artystą” jako tematu przewodniego wszystkich trzech kwartałów tego roku. Rezultatem nie jest zapamiętywanie imion, ale radość dzielenia się odkryciami innych światów kulturowych, którymi żyją już dzieci. Nasi trzej „Bracia-Mistrzowie” na tej lekcji powinni pomóc nauczycielowi i dzieciom nie uczyć się, zapamiętywać zabytki, ale zrozumieć różnicę w ich pracy w różnych kulturach - pomóc im zrozumieć, dlaczego budynki, ubrania, dekoracje są tak różne.

Temat 4. Sztuka jednoczy narody (8-16 godzin)

Ostatnia ćwiartka tej klasy kończy program szkoły podstawowej. Zakończył się pierwszy etap szkolenia. Nauczyciel musi uzupełnić główne linie świadomości artystycznej dziecka.

Tematyka roku zapoznawała dzieci z bogactwem i różnorodnością wyobrażeń ludzi na temat piękna zjawisk życia. Wszystko tu jest: zrozumienie natury i powiązanie z nią budynków, ubrań i wakacji - wszystko jest inne. Powinniśmy byli zdać sobie sprawę, że to cudowne, że ludzkość jest tak bogata w różne kultury artystyczne i że nie są one przypadkowe. W czwartym kwartale zadania ulegają zasadniczej zmianie – wydają się być odwrotne – z idei o wielkiej różnorodności na idee o jedności, aby wszystkie narody zrozumiały piękno i brzydotę podstawowych zjawisk życia. Dzieci muszą zobaczyć, że bez względu na różnicę, ludzie pozostają ludźmi i jest coś, co wszystkie narody Ziemi postrzegają jako równie piękne. Jesteśmy jednym plemieniem Ziemi, pomimo całej odmienności, jesteśmy braćmi. Wspólne dla wszystkich narodów są idee nie dotyczące przejawów zewnętrznych, ale najgłębszych, niepodlegających zewnętrznym warunkom natury i historii.

Wszystkie narody śpiewają o macierzyństwie

Każdy człowiek na świecie ma szczególną więź ze swoją matką. W sztuce wszystkich narodów pojawia się motyw intonowania macierzyństwa, matki, która daje życie. Istnieją wielkie dzieła sztuki na ten temat, zrozumiałe i wspólne dla wszystkich ludzi. Zgodnie z prezentacją dzieci portretują matkę i dziecko, próbując wyrazić swoją jedność, uczucie, swój wzajemny stosunek.

materiały

zasięg widzenia: „Włodzimierz Matka Boża”, Rafael „Madonna Sykstyńska”, M. Savitsky „Partyzant Madonna”, B. Niemenski „Cisza” itp.

serial muzyczny: kołysanka.

Wszystkie narody śpiewają mądrość starości

Istnieje piękno zewnętrzne i wewnętrzne. Piękno życia duchowego. Piękno, w którym wyraża się doświadczenie życiowe. Piękno więzi międzypokoleniowej.

Zadanie na wizerunek ukochanej osoby starszej. Chęć wyrażenia swojego wewnętrznego świata.

materiały: gwasz (pastel), papier, pędzle.

zasięg widzenia: portrety Rembrandta, autoportrety V. Tropinina, Leonarda da Vinci, El Greco.

Empatia to wspaniały temat w sztuce

Sztuka od czasów starożytnych starała się wzbudzić empatię widza. Sztuka wpływa na nasze uczucia. Przedstawienie cierpienia w sztuce. Artysta poprzez sztukę wyraża współczucie dla cierpienia, uczy wczuwać się w czyjś smutek, cudze cierpienie.

Ćwiczenia: rysunek z wymyśloną przez autora fabułą dramatyczną (chore zwierzę, martwe drzewo).

materiały: gwasz (czarny lub biały), papier, pędzle.

zasięg widzenia: S. Botticelli „Opuszczeni”, Picasso „Żebracy”, Rembrandt „Powrót syna marnotrawnego”.

Seria literacka: N. Niekrasow „Płaczące dzieci”.

Bohaterowie, wojownicy i obrońcy

W walce o wolność i sprawiedliwość wszystkie narody dostrzegają przejaw piękna duchowego. Wszystkie narody śpiewają o swoich bohaterach. W każdym narodzie wiele dzieł sztuki - malarstwa, rzeźby, muzyki, literatury - poświęconych jest tej tematyce. Motyw heroiczny w sztuce różnych narodów. Szkic pomnika bohatera według wyboru autora (dziecka).

materiały: plastelina, stosy, deska.

zasięg widzenia: pomniki bohaterów różnych narodów, pomniki renesansu, dzieła rzeźbiarskie XIX i XX wieku.

Młodość i nadzieja

Temat dzieciństwa, młodości w sztuce. Obraz radości dzieciństwa, marzeń o szczęściu, wyczynach, podróżach, odkryciach.

Sztuka narodów świata (uogólnienie tematu)

Wystawa końcowa prac. Lekcja otwarta dla rodziców, nauczycieli. Dyskusja.

materiały: papier do dokumentów, klej, nożyczki itp.

zasięg widzenia: najlepsze prace roku lub całej szkoły podstawowej, panele zbiorowe, zebrane przez dzieci materiały z historii sztuki na wybrane tematy.

Seria literacko-muzyczna: według uznania nauczyciela jako ilustracja do przekazów przewodników.

W wyniku realizacji programu studenci:

• opanować podstawy podstawowych idei dotyczących trzech rodzajów działalności artystycznej: obrazu w płaszczyźnie i w objętości; projekt budowlany lub artystyczny na płaszczyźnie, w objętości i przestrzeni; dekoracja lub działalność artystyczna o charakterze zdobniczym z wykorzystaniem różnych materiałów plastycznych;
• nabywa podstawowe umiejętności pracy artystycznej w zakresie sztuk: malarstwa, grafiki, rzeźby, projektowania, początków architektury, sztuki i rzemiosła oraz form sztuki ludowej;
• rozwijać zdolności obserwacyjne i poznawcze, wrażliwość emocjonalną na zjawiska estetyczne w przyrodzie i działalności człowieka;
• rozwijać fantazję, wyobraźnię, przejawiającą się w określonych formach twórczej działalności artystycznej;
• opanuj możliwości wyrazu materiałów artystycznych: farby, gwasz, akwarela, pastele i kredki, węgiel drzewny, ołówek, plastelina, papier projektowy;
• nabyć podstawowe umiejętności artystycznego odbioru różnych rodzajów sztuki; wstępne zrozumienie cech języka figuratywnego różnych rodzajów sztuki i ich roli społecznej - znaczenia w życiu człowieka i społeczeństwie;
• nauczyć się analizować dzieła sztuki; zdobywać wiedzę na temat konkretnych dzieł wybitnych artystów różnych dziedzin sztuki; nauczyć się aktywnie posługiwać się terminami i koncepcjami artystycznymi;
• opanować początkowe doświadczenie samodzielnej działalności twórczej, a także nabyć umiejętności twórczości zbiorowej, umiejętność współdziałania w procesie wspólnej działalności artystycznej;
• nabyć podstawowe umiejętności przedstawiania świata obiektywnego, przedstawiania roślin i zwierząt, wstępne umiejętności przedstawiania przestrzeni na płaszczyźnie i konstrukcji przestrzennych, podstawowe pojęcia dotyczące przedstawiania człowieka na płaszczyźnie i w objętości;
• nabywać umiejętności komunikacyjne poprzez wyrażanie znaczeń artystycznych, wyrażanie stanu emocjonalnego, swój stosunek do twórczej działalności artystycznej, a także w odbiorze dzieł sztuki i twórczości swoich towarzyszy;
• zdobyć wiedzę o roli artysty w różnych sferach życia człowieka, o roli artysty w organizowaniu form komunikacji między ludźmi, tworzeniu środowiska życia i obiektywnego świata;
• zdobywać wyobrażenia o działalności artysty w syntetycznych i spektakularnych formach sztuki (w teatrze i kinie);
• przyswoić podstawowe pojęcia o bogactwie i różnorodności kultur artystycznych narodów Ziemi oraz podstawach tej różnorodności, o jedności relacji uczuciowych i wartościowych ze zjawiskami życia.

2.2. Projekt szkolnego programu edukacji artystycznej.

Schemat ten ukazuje treść programu – jego „trzy etapy”.

Etap pierwszy – szkoła podstawowa – niczym cokół całego budynku – składa się z czterech stopni i ma fundamentalne znaczenie. Bez uzyskania opisanego tutaj rozwoju, zdobywanie wiedzy o kolejnych etapach jest (prawie) bezużyteczne. Mogą okazać się zewnętrzne, nieuwzględnione w budowie osobowości. Stale powtarzamy nauczycielom: od którejkolwiek klasy zaczniesz pracować z nieprzygotowanymi, „surowymi” dziećmi, musisz zacząć od tego etapu.

I tu szczególnie istotna jest treść dwóch pierwszych zajęć – nie da się ich ominąć, stanowią one podwaliny całego kursu, wszystkich etapów kształtowania się myślenia artystycznego.

Pominięcie przedstawionych tutaj podstaw jest jak ominięcie elementarnego wprowadzenia do istnienia liczb w matematyce, wraz z możliwością ich dodawania i odejmowania. Chociaż kładzione są tu także bardziej złożone podstawy sztuki.

Jak sugeruje diagram, pierwszy etap, czyli zajęcia podstawowe, ma na celu emocjonalne zapoznanie się ze związkami sztuki z życiem. Ogólnie rzecz biorąc, problem ten stanowi podstawę istoty programu. Sztukę poznaje się właśnie w tym kontekście: poznaje się jej rolę w życiu każdego z nas i realizuje środki – język, poprzez który sztuka pełni tę funkcję.

Na pierwszym etapie sztuki nie dzieli się na typy i gatunki - ich ról życiowych uczy się niejako od osobowości dziecka do szerokości kultur narodów Ziemi.

Drugi etap jest zupełnie inny. Tutaj powiązania z życiem śledzone są właśnie w rodzajach i gatunkach sztuki. Każdemu z nich poświęcony jest duży, trwający co najmniej rok, integralny blok. Zanurzenie się w uczuciach i myślach oraz świadomość specyfiki języka każdego rodzaju sztuki i przyczyn tej specyfiki, wyjątkowości funkcji duchowej, społecznej, roli w życiu człowieka i społeczeństwa. Rok - sztuka dekoracyjna i użytkowa. Dwa lata – OK. Rok - konstruktywny. Klasa dziewiąta – plastyka syntetyczna.

Trzeci etap to kształcenie na poziomie szkoły średniej. Tutaj każdemu trzeba zapewnić dość poważny poziom wiedzy z historii sztuki albo w ramach „Światowej kultury artystycznej”, albo w ramach równoległych programów sztuk plastycznych, muzyki, literatury, kina. Każda opcja ma swoje zalety i wady.

Ale równolegle z tym kursem teoretycznym należało przeprowadzić jeden z kursów praktycznych, według wyboru studenta, ale dokładnie dla każdego, jeden z kursów praktycznych: „umiejętność korzystania z grafiki”, „umiejętność dekorowania”, „umiejętność projektowania”, „ podstawy kultury spektakularnej”. Tylko tworząc taką podwójną jedność części teoretycznej i praktycznej na etapie ukończenia kształcenia ogólnego, będziemy mogli konkurować gospodarczo (i kulturowo) z krajami rozwiniętymi gospodarczo. Na przykład ten sposób ukończenia szkoły średniej funkcjonuje w Japonii od ponad pięćdziesięciu lat.

Dziś poruszamy problem związku sztuki z postawą świata. Nie mniej istotne są jednak jego powiązania z gospodarką. To właśnie tę stronę podkreślają eksperci z różnych krajów, gdzie sztuka ma przestrzeń (do sześciu godzin tygodniowo).

Program ten obejmuje 1-2 godziny nauczania na każdy temat. Idealnie, realizacja wszystkich tematów powinna zająć co najmniej dwie godziny (podwójna lekcja).

Jednak przy wyraźnym wykorzystaniu opracowanej metodologii realne (choć osłabione) jest prowadzenie zajęć z tego tematu podczas jednej lekcji. Wszystko zależy od zrozumienia przez szkołę roli edukacji artystycznej.

Wniosek

W kształtowaniu osobowości dziecka nieocenione są różnego rodzaju zajęcia plastyczne i twórcze: rysowanie, modelowanie, wycinanie figurek z papieru i sklejanie ich, tworzenie różnorodnych wzorów z materiałów naturalnych itp.

Takie zajęcia dają dzieciom radość nauki, kreatywność. Dzieciak, który raz doświadczył tego uczucia, będzie starał się w swoich rysunkach, aplikacjach, rzemiośle opowiedzieć o tym, czego się nauczył, zobaczył, doświadczył.

Aktywność wzrokowa dziecka, którą dopiero zaczyna opanowywać, wymaga wykwalifikowanego przewodnictwa osoby dorosłej.

Aby jednak rozwinąć zdolności twórcze właściwe każdemu uczniowi, sam nauczyciel musi zrozumieć sztuki piękne, kreatywność dzieci i opanować niezbędne metody działalności artystycznej. Nauczyciel musi zarządzać wszystkimi procesami związanymi z tworzeniem wyrazistego obrazu: estetycznym postrzeganiem samego przedmiotu, kształtowaniem się wyobrażenia o właściwościach i ogólnym wyglądzie przedmiotu, rozwojem umiejętności wyobraź sobie w oparciu o istniejące pomysły, opanowanie wyrazistych właściwości kolorów, linii, kształtów, ucieleśnienie przez dzieci ich planu w rysunku, modelowaniu, zastosowaniach itp.

Zatem w procesie aktywności wizualnej realizowane są różne aspekty edukacji: sensoryczna, umysłowa, estetyczna, moralna i pracy. Działalność ta ma pierwszorzędne znaczenie dla edukacji estetycznej; Ważne jest także przygotowanie dzieci do szkoły.

Należy podkreślić, że wszechstronny rozwój ucznia można zapewnić tylko wówczas, gdy uwaga nauczyciela będzie skierowana na rozwiązanie tego problemu, realizowany będzie program nauczania aktywności wzrokowej oraz stosowana będzie właściwa i różnorodna metodologia.

Bibliografia

1. Alekseeva O., Yudina N. Integracja w sztukach pięknych. // Szkoła Podstawowa. - 2006. - nr 14.
2. Arnheim R. Sztuka i percepcja wizualna. - M.: Architektura-S, 2007. - 392 s.
3. Encyklopedia Bazhova. Pod redakcją Blazhesa V.V. - Jekaterynburg: Sokrates, 2007. - 639 s.
4. Bashaeva T.V. Rozwój percepcji u dzieci. Kształt, kolor, dźwięk. - Jarosław: Akademia Rozwoju, 1998. - 239 s.
5. Błoński P.P. Psychologia ucznia gimnazjum. - M.: Akademia Nauk Psychologicznych i Społecznych, 2006. - 631s.
6. Bogoyavlenskaya D.B. Psychologia zdolności twórczych. - M.: Akademia, 2002. - 320 s.
7. Grigorowicz, Los Angeles Rozwój potencjału twórczego jako aktualny problem pedagogiczny. - Czelabińsk, 2006.
8. Gin S.I. Świat fantazji (podręcznik dla nauczycieli szkół podstawowych). - Homel, 2003.
9. Musiychuk M.V. Warsztaty rozwoju kreatywności osobowości. - MGPI, 2002. S. 45
10. Sokolnikova N.M. Sztuki wizualne i metody ich nauczania w szkole podstawowej. - M., 2007.

MINISTERSTWO EDUKACJI FEDERACJI ROSYJSKIEJ Państwowa instytucja edukacyjna wyższej edukacji zawodowej „Orenburg State University” Oddział Akbulak Wydział Pedagogiki V.A. TETSKOVA METODOLOGIA NAUCZANIA SZTUKI W SZKOLE PODSTAWOWEJ OGÓLNEJ SZKOŁY EDUKACYJNEJ INSTRUKCJE METODOLOGICZNE Zalecane do publikacji przez Radę Redakcyjną i Wydawniczą Państwowej Instytucji Edukacyjnej Wyższego Kształcenia Zawodowego „Orenburg State University” Orenburg 2003 BBK 74.268.51 i 723 T-38 UDC 85 .1 (07) Recenzent Kandydat nauk pedagogicznych Minyaeva N.M. Tetskova V.A. T 38 Metody nauczania plastyki w klasach podstawowych szkoły ogólnokształcącej: Wytyczne metodyczne. - Orenburg: GOU OGU, 2003. -12 s. Niniejsze wytyczne przeznaczone są dla studentów studiów stacjonarnych specjalności 0312 „Nauczanie w szkole podstawowej w dyscyplinie „Sztuki piękne z metodami nauczania”. Wytyczne te mają pomóc studentom w trakcie praktyki pedagogicznej. LBC 74.268.51 i 723 © Tetskova V.A., 2003 © GOU OSU, 2003 Wprowadzenie Niniejsze wytyczne przeznaczone są dla studentów studiów stacjonarnych specjalności 0312 „Nauczanie w szkole podstawowej” w dyscyplinie „Sztuki piękne z metodami nauczania” Zalecenia opierają się na doświadczenie w nauczaniu dyscypliny w oddziale Akbulak Państwowej Instytucji Oświatowej OSU. Młodszy wiek szkolny jest najkorzystniejszy w edukacji moralnej i estetycznej. Bardzo ważne jest rozwijanie u dziecka umiejętności pogłębiania siebie, uświadamiania sobie złożoności i bogactwa własnych przeżyć wewnętrznych, umiejętności empatii i relacji z otaczającymi ludźmi. Ułatwia to przedmiot „Sztuki piękne”. Niniejsze wytyczne mają na celu pomóc studentom w trakcie praktyki pedagogicznej. 1 Rola sztuki w rozwoju dzieci w wieku szkolnym Podstawowym celem współczesnej edukacji podstawowej jest wychowanie i rozwój osobowości dziecka. Osiągnięcie tego celu jest niemożliwe bez realizacji zadań stojących przed polem edukacyjnym „Sztuka”, będącym częścią sztuk pięknych. W szkole podstawowej rozwiązuje się następujące zadania: - kształtowanie emocjonalnego i wartościowego stosunku uczniów do zjawisk rzeczywistości i sztuki; - kształtowanie myślenia artystycznego i figuratywnego jako podstawa rozwoju osobowości twórczej; - rozwój umiejętności postrzegania dzieł sztuki przez dzieci w wieku szkolnym jako przejaw duchowej aktywności człowieka; - opanowanie intonacyjno-figuratywnego języka sztuki w oparciu o wyłaniający się przedmiot działalności twórczej i relacje pomiędzy różnymi rodzajami sztuki; - kształtowanie całościowego spojrzenia na narodową kulturę artystyczną i muzyczną oraz jej miejsce w światowej kulturze artystycznej. U młodszych dzieci w wieku szkolnym, w przeciwieństwie do innych przedziałów wiekowych, orientacja osobista jest zdeterminowana przez skupienie się na zewnętrznym obiektywnym świecie, dominuje u nich myślenie wizualno-figuratywne i wrażliwe emocjonalnie postrzeganie rzeczywistości, a aktywność w grach pozostaje dla nich istotna. Specyfika sztuki, jej artystyczny i figuratywny charakter doskonale odpowiadają potrzebom osobistym dziecka w wieku szkolnym. To determinuje potencjał pedagogiczny i znaczenie przedmiotów pola edukacyjnego „Sztuka” na etapie szkoły podstawowej. Realizując w pełni zadania stojące pomiędzy tym obszarem edukacyjnym, nauczyciele mogą z sukcesem osiągnąć realizację głównego celu edukacji wczesnoszkolnej – rozwoju osobowości dziecka. Każdy rodzaj sztuki „myśli” obrazami, a obraz ze swej artystycznej natury jest integralny. A w każdym obrazie artystycznym, jak w kropli wody, odbija się cały świat. Tym samym obszar edukacyjny „Sztuka” przyczynia się do rozwiązania innego ważnego zadania stojącego przed edukacją podstawową - zadania kształtowania całościowego postrzegania świata wokół dziecka. Aby temu zaradzić, do nauczania innych przedmiotów szkolnych wprowadza się elementy sztuki. Istnieje tendencja do budowania edukacji w oparciu o jedność zasad i metod nauczania podstaw nauki i sztuki. W szkole podstawowej uczniowie szkoły podstawowej kształtują kulturę artystyczną i muzyczną jako integralną część kultury duchowej. Wiedza artystyczna i muzyczna, umiejętności i zdolności nie są już celem, ale główne środki kształtowania kultury, kompozycja, forma, rytm, proporcje, przestrzeń, kolor, dźwięk, słowo, tempo, dynamika itp. Zgrupowane są wokół ogólnych wzorców artystycznego i figuratywnego języka muzyki i sztuk pięknych. Takie podejście pozwala na tworzenie zintegrowanych kursów, które jednocześnie rozwiązują problem kształtowania holistycznego obrazu świata. Ważnym aspektem wychowania i rozwoju jednostki jest wychowanie moralne i estetyczne dziecka. Najbardziej sprzyjający wychowaniu moralnym i estetycznym jest wiek szkolny, w którym dominuje emocjonalne i zmysłowe postrzeganie rzeczywistości. Uczucia i przeżycia, które przywołują dzieła sztuki, stosunek dziecka do nich są podstawą zdobywania osobistych doświadczeń i podstawą autokreacji. To jest klucz do dalszego rozwoju zainteresowania wewnętrznym światem człowieka, umiejętności pogłębiania siebie, uświadomienia sobie złożoności i bogactwa swoich wewnętrznych doświadczeń, umiejętności empatii i relacji z ludźmi wokół. W szkole podstawowej nie da się już nadrobić utraconej szansy w edukacji moralnej i estetycznej na początkowym etapie edukacji. W szkole podstawowej ważne jest pokazanie dziecku związku sztuki z jego osobistym światem jego myśli i uczuć. Dlatego bardzo ważne jest, aby w procesie nauczania przedmiotów artystycznych uwzględniać lokalne cechy kultury narodowej: charakterystyczne rzemiosła i rzemiosła, specyfikę stroju ludowego, naczyń, architektury itp. W ten sposób rozwiązywany jest problem wprowadzenia dziecka w sztukę w oparciu o materiał artystyczny jego ojczyzny, który jest dla niego osobiście ważny. Nauczyciel powinien uwzględniać specyfikę wiekową młodszych uczniów i na lekcjach plastyki w większym stopniu wykorzystywać metody aktywno-twórcze, wynikające z praw sztuki, w mniejszym zaś słowno-informacyjne. Kolejnym ważnym zadaniem pola edukacyjnego „Sztuka” jest harmonizacja abstrakcyjno-logicznego i figuratywnego myślenia dziecka, co jest szczególnie ważne na początkowym etapie edukacji, kiedy dziecko dopiero rozpoczyna działalność edukacyjną. Przejście uczniów z zajęć ścisłych na zajęcia artystyczne pomaga zmniejszyć przeciążenie dzieci. Zajęcia plastyczne mają znaczący wpływ psychoterapeutyczny na młodszego ucznia, łagodząc stres neuropsychiczny wywołany innymi lekcjami, chroniąc w ten sposób zdrowie dziecka. Obecnie szkoły w Rosji prowadzą zajęcia według zmiennych autorskich programów i podręczników. W celu utrzymania jednolitej przestrzeni edukacyjnej na terytorium Federacji Rosyjskiej opracowano obowiązkową minimalną treść podstawowego wykształcenia ogólnego (standard), która została zatwierdzona zarządzeniem Ministerstwa Edukacji Rosji z dnia 19 maja 1998 r. nr 1235, gdzie określono między innymi treść komponentu edukacyjnego „Sztuki piękne”, w oparciu o obowiązkowe minimum opracowano przykładowy program „Sztuki piękne” oraz wymagania stawiane uczniom kończącym szkołę podstawową. Program zawiera przybliżoną ilość wiedzy i nie jest podzielony na zajęcia, co pozwala na budowanie logiki i struktury studiowania tego elementu edukacyjnego na różne sposoby, bez naruszania wymagań minimalnej treści. Dokumenty te stanowią wytyczne do przygotowywania programów autorskich, opracowywania kalendarzy i planów tematycznych, a także stwarzają warunki do wdrażania zróżnicowanego podejścia do organizacji edukacji, kreatywności nauczyciela, swobodnego wyboru form i metod nauczania. To rozwinięcie metodologiczne proponuje plan-zarys lekcji z programu „Sztuki piękne i praca artystyczna”, opracowanego pod kierunkiem B.M. Niemenski. Jego program w zasadzie stawia sobie za zadanie duchowy rozwój jednostki. Wprowadza studentów w trzy sposoby artystycznego kształtowania rzeczywistości: malarską, dekoracyjną, konstruktywną. Rozwój percepcji artystycznej i działania praktyczne ukazane są w programie w ich znaczącej jedności i interakcji sztuki z życiem. Podstawą pierwszej, wprowadzającej klasy, są trzy rodzaje działalności gospodarczej, które determinują całą różnorodność wizualnych przedstawień sztuki. Z pomocą dzieciom (i nauczycielowi) przychodzi pierwsza, symboliczna forma komunii: „Trzej Bracia – Mistrzowie – Mistrz Obrazu, Mistrz Dekoracji i Mistrz Budownictwa”. Odkryciem dla dzieci powinno być to, że wiele ich codziennych zabaw to działania artystyczne – tak samo jak dorośli artyści (jeszcze nie sztuka). Ciekawą zabawą jest obserwowanie dzieła tego czy innego „brata-mistrza” w otaczającym go życiu. Tu zaczyna się wiedza o związkach sztuki i życia. Tutaj nauczyciel kładzie podwaliny pod wiedzę o rozległym, złożonym świecie sztuk plastycznych. Zadanie na ten rok obejmuje także uświadomienie sobie, że „Mistrzowie” pracują z określonymi materiałami, a także wstępne opracowanie tych materiałów. Ale „Mistrzowie nie pojawiają się wszyscy od razu przed dziećmi. Na początku znajdują się pod „czapką niewidzialności”. W pierwszej kwarcie zdejmuje kapelusz” i zaczyna otwarcie bawić się z dziećmi „Mistrz Obrazu”. W drugim kwartale pomoże zdjąć „czapkę niewidkę” z „Mistrza Dekoracji”, w trzecim – z „Mistrza Budownictwa”. A w czwartym pokazują dzieciom, że nie mogą bez siebie żyć i zawsze współpracują. Należy pamiętać o szczególnym znaczeniu lekcji uogólniających, podczas których poprzez pracę każdego „Mistrza” twórczość dziecięca łączy się ze sztuką dorosłych. Tematyka bloków zajęć (8 godzin) pierwszego kwartału: „Portretujesz – poznanie „Mistrza Obrazu” „Mistrz Obrazu uczy widzieć i przedstawiać. I wszystkie kolejne lata nauki pomogą w tym dzieciom - pomóż im widzieć, myśleć o świecie. Aby zobaczyć, trzeba nie tylko patrzeć, ale także rysować. Tego trzeba się nauczyć. Tutaj kładzie się dopiero podstawy zrozumienia ogromnej roli działania obrazu w życiu człowieka. W późniejszych latach nauczyciel rozwinie tę wiedzę. Odkrycie kwartału wiąże się także z faktem, że w sztuce jest nie tylko Artysta, ale także Widz. Bycia dobrym widzem też trzeba się nauczyć, a Image Master nas tego uczy. Zadaniem „Mistrza” jest także nauczenie dzieci podstawowego doświadczenia posiadania materiałów dostępnych w szkole podstawowej. Doświadczenie to będzie pogłębiane i rozwijane w dalszej pracy. „Mistrz Obrazu” pomaga widzieć, uczy rozważać. Już pierwsza lekcja plastyki w nowym roku akademickim to prawdziwe święto koloru! Obfitość świeżych kwiatów, które zdobią salę lekcyjną, to nie tylko aktywne wizualnie otoczenie, które tworzy świąteczną atmosferę w klasie, ale także tło do podziwiania, wpatrywania się, zanurzania i rozumienia piękna wielobarwnej różnorodności świata przyrody . Piękno kwiatów przenika duszę dzieci, wywołując entuzjazm. Potrzebują ich jak skrzydeł ptaka, to będzie ich główny impuls emocjonalny w ich pracy. 2 Konspekt lekcji plastyki Nauczyciel szkoły nr ___ r.c. Akbulak F._____ I.____ O.___ Data________ Rodzaj lekcji: Czerpanie z życia w klasie 1 Temat lekcji: „Bajkowe kwiaty” Cel lekcji: Nauczyć dostrzegać piękno w otaczającej rzeczywistości (w przyrodzie). Edukacja uczuć, reakcja emocjonalna. Wprowadź materiały wizualne, takie jak papier, pisaki, kolorowe ołówki lub kredki. Zapoznanie się z ogólnym poziomem przygotowania klasy do zajęć plastycznych. Cel lekcji: Opierając się na emocjonalnym i estetycznym odbiorze świeżych jesiennych kwiatów, każdy rysuje własną polanę „Wróżkowe kwiaty”. Wyposażenie lekcji: 1) Dla nauczyciela: Kilka bukietów jesiennych kwiatów, reprodukcje obrazów: Nalbandyan „Kwiaty”; Van Gogha „Słoneczniki”; LUB. Tołstoj „Kwiaty, ptak i motyl”; przedmioty sztuki dekoracyjnej i użytkowej (naczynia, chusteczki). Wiersz muzyczny: P.I. Czajkowskiego „Walc kwiatów”. Wyposażenie uczniów: Album, kredki, pisaki, kolorowe kredki. Projekt tablicy: Po prawej stronie - przedmioty sztuki dekoracyjnej (chusty Pawłowa), po lewej stronie - reprodukcje obrazów artystów. Środek pozostaje czysty, aby na koniec lekcji z najlepszych prac uczniów ułożyć wspólny „Bajkowy łąka” Scenariusz zajęć: 1. Część organizacyjna. – 2-3 min. 2. Wprowadzenie do tematu lekcji. - 10 minut. 3. Percepcja dzieł sztuki 5 min. I odwołanie do otaczającej rzeczywistości. 4. Twórcza, twórcza aktywność praktyczna uczniów na temat lekcji. 5. Uogólnienie i omówienie wyników lekcji. 6. Sprzątanie miejsca pracy. - 2 minuty. Postęp lekcji: Na lekcję uczniowie przygotowują niezbędne materiały: album, flamastry, kredki (wygodniej jest umieścić je w pięknym słoiczku lub szkle). Po rozmowie porządkuję, zwracając uwagę na jeden z pięknych bukietów kwiatów stojących na stole (biorę wazon z kwiatami, obracam go, podziwiam). Nauczyciel: Chłopaki, a teraz zaczyna się magiczna lekcja piękna! -Rozejrzeć się. Ile pięknych kwiatów przyniosłeś dzisiaj do szkoły! Jak dekorują naszą klasę! Jaki nastrój odczuwasz, patrząc na to piękno dookoła? Dzieci: - Radosne, świąteczne, wesołe... Nauczycielka: (przygląda się kolejnemu bukietowi) - Aha, i ktoś się tu ukrył! (pokazując lalkę dzieciom) - Kto to jest? Skąd on jest? Badając lalkę, chłopaki zauważają, że ma długi nos, duże, jasne oczy, uśmiechnięte usta, lalka jest ubrana w puszystego kurczaka, szerokie spodnie, paletę z pędzlem, ołówkiem i pisakiem. jej dłonie. - Ale na kurtce jest napisane: Chłopaki, jestem wesołym panem! Kiedy trzymam w dłoniach flamaster Lub magiczny ołówek, mogę przedstawić Was wszystkich, Lasy, pola i góry, Cudowne przestrzenie, Dzwoniące liście, Odległą gwiazdę. Cały świat w którym żyjemy - Nazywamy Rzeczywistością. - Cóż, oczywiście, teraz przypomniałem sobie mojego starego przyjaciela, który pomagał mi w nauce, gdy byłem mały. To wesoły „Mistrz obrazu” - a teraz przyszedł na naszą lekcję, aby pomóc Ci w tak trudnym i ekscytującym biznesie, jak studiowanie. Ten „Mistrz” powiedział nam, że potrafi zobrazować, czyli narysować wszystko dookoła. A te piękne kwiaty, czy Ty też (odnosząc się do lalki) możesz narysować? (lalka kiwa głową) - I pewnie to ty rysowałaś te obrazki (podchodzę do tablicy z reprodukcjami)? (lalka kręci głową) Nie? Więc kto? Twoi studenci? (lalka kiwa głową). Tak?! Van Gogh „Słonecznik” Przeczytałem napis na reprodukcji. Dzieci, słyszeliście to imię? NIE? Oczywiście nie mogłeś poznać tej osoby, ponieważ Vincent Van Gogh żył na ziemi na długo przed twoimi narodzinami, nawet twoje babcie jeszcze się nie urodziły, a Van Gogh już opuścił ten świat. Ale dzieła jego rąk - obrazy żyją wiecznie i cieszą nasze oczy. Słoneczniki na jego zdjęciu są takie same, jakie widzimy w życiu – ciepłe, słoneczne, zarozumiałe, a jedno jest trochę smutne – bo pochylił głowę. - A to zdjęcie to także twój uczeń? (odnosząc się do lalki). Ona kiwa głową. - Fedor Tołstoj to imię osoby, która namalowała ten piękny bukiet kwiatów z ptakiem i motylem. - Obraz jest namalowany tak naturalnie, nawet kropla rosy „drży” na liściu, nawet mucha, jak żywa, siada na płatku kwiatu, gąsienica wydaje się poruszać, pełzać… i rozpoznajemy kwiaty - Tutaj jest dzwonek, ale tutaj jest „róża-ślaz”, a tutaj goździk… Co pomogło artyście tak dokładnie przedstawić te kwiaty? Dzieci: Dokładnie je zbadał. Nauczyciel: „To prawda. Nazywa się to obserwacją. I tego właśnie nauczy nas „Mistrz Obrazu”. Ale na tym zdjęciu i na tych jasnych szalach widzimy… co? Dzieci: Również kwiaty! Nauczyciel: Czy możemy je nazwać? Dzieci: Nie. Wyglądają jak wiele kwiatów na raz. Nauczyciel: Tak, tutaj można od razu powiedzieć uogólniony obraz kwiatu. Jakby zlały się ze sobą róża i piwonia, major i aster. I okazał się bajeczny, fantastyczny kwiat, który wydaje się istnieć i nie istnieje w naturze. Te kwiaty na rzeczach nie są tworzone przez naturę, ale przez wyobraźnię i umiejętności człowieka. Człowiek, podobnie jak natura, może stworzyć to samo piękno, które cieszy, niesie światło i dobro! - Chłopaki, chcecie być twórcami piękna? - Tak! - Jak tworzysz piękno? - Będziemy rysować! - Czy wiesz, co narysujesz? - Tak, kwiaty. - Wspaniały! Świetny pomysł na narysowanie kwiatów! A jakie kwiaty byście narysowali – prawdziwe, takie jakie widzicie w bukietach, czy własne, bajeczne? - (zdania są podzielone) - No cóż, niech każdy narysuje swoją magiczną łąkę (czyli kartka krajobrazowa zamieni się w łąkę) ze wspaniałymi kwiatami, a na koniec lekcji zrobimy z nich jedną dużą łąkę kwietną swoje rysunki. W rękach masz ołówki, pisaki, kredki. Czy wiesz już jak z nich korzystać? - Tak!