Damien Hirst wciąż wie, jak szokować opinię publiczną. Ludzkość dopiero co pogodziła się z istnieniem platynowej czaszki wysadzanej diamentami o wartości 100 milionów dolarów, a Hirst już wymierza nowy policzek opinii publicznej i gustowi społecznemu. Tworzy kolejną podobną czaszkę, ale nie osoby dorosłej, ale dziecka.
Samo nazwisko Damiena Hirsta stało się w ostatnich latach marką o wartości porównywalnej z ceną pakietu kontrolnego w dużej międzynarodowej korporacji. Wszystko, co wpadnie w ręce tego twórcy, zostanie sprzedane za bajeczne pieniądze, czy to zwłoki martwej krowy, czy pomalowane w stylu wpadki.
Z każdym nowym dziełem, wzbudzającym zainteresowanie publiczności i kolekcjonerów-miliarderów, Hirst staje się coraz bardziej prowokacyjny, szokujący i twardy. W ten sposób kreatywność przynosi więcej pieniędzy.
Najważniejsze, aby nie trzymać się granic. A jeśli ludzie „zjedli” bardzo kontrowersyjną biżuterię w postaci platynowej czaszki, a ktoś dał za nią nawet sto milionów dolarów, to można nadal eksploatować ten temat, ale na nowym poziomie.
Tak więc Damien Hirst stworzył swoje nowe dzieło - kolejną cenną czaszkę, ale tym razem dla dziecka. Antropolodzy twierdzą, że dziecko, które mogło posiadać tę platynową czaszkę, wysadzaną ośmioma tysiącami białych i różowych diamentów, miało około dwóch tygodni. I to jest bardzo kontrowersyjny krok twórczy nawet dla Hirsta.
I choć dzieło to zatytułowane „Na litość boską” nie zostało jeszcze oficjalnie zaprezentowane publiczności, to na całym świecie słychać już dezaprobujące głosy wszelkiego rodzaju organizacji publicznych, uważających, że jego autor wkroczył w świętość - dla dzieci. Być może jednak ten strumień negatywności to także przygotowana wcześniej kampania marketingowa, mająca na celu promocję nowego dzieła Hirsta. Przecież im głośniejsza będzie krytyka, tym drożej będą sprzedawane jego dzieła.
Ta cenna czaszka dziecka będzie wystawiona po raz pierwszy jeszcze w tym miesiącu w Galerii Gagosian w Hongkongu.
Neonowa czaszka, kokainowa czaszka, kryształowa czaszka, diamentowa czaszka, maszyna do pisania i czaszki rowerowe – w skrócie zapraszamy do naszej kolekcji najwybitniejszych dzieł sztuki poświęconych czaszkom.
Czaszka jest symbolem śmierci, upadku istnienia. Przez wiele stuleci, jak wszystko, co tajemnicze i mroczne, przyciągało ludzi, wzbudzając grozę i podziw w ich umysłach i sercach. Wielu współczesnych artystów poświęciło swoje prace temu radykalnemu tematowi.
Słynne dzieło sztuki, które nie mogło umknąć naszemu spojrzeniu. Hirst nazwał to „Na miłość Bożą”, nawiązując bezpośrednio do jednej z ksiąg Nowego Testamentu. Do pracy wykorzystano ponad 8600 diamentów, a także ogromny diament. Czaszkę sprzedano za 100 milionów dolarów.
Neon, krypton, rtęć, szkło – to przepis na stworzenie tak efektownych dzieł sztuki przez amerykańskiego artystę. Franklin zabiera widzów w głąb ludzkiej natury, rzucając wyzwanie temu, jak umysł i ciało mogą stworzyć całość. Myśli te szczególnie wyraźnie widać w pełnowymiarowych pracach artysty (szkielety ludzkie).
Przerażająca, ale jednocześnie fascynująca praca. Czaszkę jelenia uzupełniono częściami ze zwykłego roweru - jak widać szprychy idealnie wpasowały się w obraz.
Mark Grieve wraz z Ilaną Spektor często biorą udział w różnych akcjach charytatywnych. Praca ta stała się więc częścią projektu „pART”, organizowanego przez firmę produkującą części zamienne do rowerów. Dochód został przekazany organizacjom charytatywnym w Afryce.
Żadnego spawania i klejenia – to jedna z kluczowych cech prac Jeremy’ego. "Zbieram stare, zabytkowe maszyny do pisania, przeważnie w stanie niesprawnym. W tym celu często chodzę na wyprzedaże, zaglądam na pchle targi i sklepy z antykami. Wiele maszyn do pisania przynoszą mi znajomi"– podaje Mayer na swojej stronie internetowej. „Przy demontażu maszyn do pisania nigdy nie używam narzędzi – boję się, że coś uszkodzę” – dodaje artysta.
Holenderski artysta Diddo stworzył prawdopodobnie najbardziej kontrowersyjną czaszkę na świecie. Jest wytwarzany z kokainy w dosłownym tego słowa znaczeniu i najwyższej jakości. W tym celu w specjalnym laboratorium oczyszczano „koks uliczny”. Prace trwały 20 miesięcy.
Sam Diddo nadaje swoim dziełom głębokie znaczenie. Oto co pisze o „Kokainowej Czaszce”: „Żyliśmy w strachu i potrzebie. Potem staliśmy się «ludźmi», próbując się ulepszyć. Nauczyliśmy się kontrolować nasze otoczenie, ale strach pozostał. Nasza wewnętrzna bestia wciąż jest na wolności”..
Lauren ma na swoim koncie całą serię prac z czaszkami zwierząt. Ten konkretny został zainspirowany „Amazońską dżunglą i Dniem Zmarłych” (świętem w Ameryce Środkowej poświęconym pamięci zmarłych). W styczniu tego roku w Londynie odbyła się wystawa z tym eksponatem.
Do pracy wykorzystano ponad 27 000 małych, kolorowych elementów, z których każdy został „sklejony” ręcznie. Cały proces trwał 310 godzin. Baker nawiązuje do podświadomości, pracy mózgu, „kolorowości” myśli i pomysłów.
Skullis.com oferuje wiele ręcznie robionych czaszek. Większość z nich to prawdziwe dzieła sztuki – lub przynajmniej szykowny dodatek do wnętrza. Skullis robi tylko czaszki i to wyłącznie z kryształów i kamieni szlachetnych. Firma jest absolutnym liderem w swojej niszy.
Niemiecki artysta tworzy radykalne, przerażające rzeźby, które jednak nie przestają podziwiać. Pierwsza praca nosi tytuł „God Of The Grove”. Jako główne materiały wykorzystuje pozłacany mosiądz i marmur.
Sandt uzupełnia wątek piękna i śmierci kolejnym cyklem prac. Tym razem pozłacana replika XVIII-wiecznej ludzkiej czaszki zostaje zaciśnięta w uchwycie niezwykłego urządzenia.
W swoich pracach duński artysta odkrywa ideę nietrwałości naszego życia. Śmierć jest zawsze blisko. Nieważne, co robimy, nieważne, gdzie mieszkamy, nieważne jak żyjemy, „fundament” jest zawsze ten sam. Wszystkie detale prezentowanych prac zostały znalezione lub zakupione w różnych miejscach i wydają się stanowić jedną całość. Ostatnim krokiem Mikkelsena jest zawsze pokrycie „miniatury” warstwą srebra lub złota.
Nazwisko artysty doskonale oddaje jego główne hobby. Czasem jasne, czasem ciemne, jego prace zawsze mają w sobie szczyptę mistycyzmu i życia pozagrobowego. Jim odwiedził wiele krajów i każdy kontynent. Jego prace w przedziwny i oryginalny sposób łączą obrzędy, rytuały i tradycje religijne ludów Afryki, Australii, Ameryki i Oceanii.
Ci, którzy podzielają gust Jima Skulla, zdecydowanie powinni kupić sobie kilka fajnych przedmiotów z motywem czaszki - na przykład lub.
- 30.04.2019 Tradycyjne dwadzieścia przedmiotów aukcji AI to dziesięć obrazów, pięć arkuszy oryginalnych i trzy drukowane grafiki, jeden talerz porcelanowy i jedno dzieło mieszane
- 23.04.2019 27 kwietnia w domu aukcyjnym Litfond odbędzie się kolejna aukcja dzieł sztuki, na której zaprezentowanych zostanie 170 obrazów, grafik, porcelany i szkła. Całkowita ocena ekspertów aukcji wynosi ponad 25 000 000 rubli
- 23.04.2019 Tradycyjne dwadzieścia przedmiotów Aukcji AI to dziesięć obrazów, pięć arkuszy oryginalnych i dwie grafiki obiegowe, jeden talerz porcelanowy i jedna rzeźba z brązu. Dodatkowo - 10 dzieł F. F. Fedorowskiego
- 19.04.2019 Kolejna aukcja odbędzie się w czwartek 25 kwietnia 2019 r. Katalog zawierał 656 pozycji: obrazów, grafik, obiektów sakralnych, srebra, biżuterii, szkła, porcelany itp.
- 17.04.2019 18 kwietnia w domu aukcyjnym Litfond odbędzie się 151. aukcja, której katalog obejmuje ponad 400 partii rzadkich książek, rękopisów, autografów, fotografii, plakatów, dokumentów historycznych i pocztówek na łączną kwotę ponad 20 milionów rubli
- 12.03.2019 Taki wniosek zawiera badanie opublikowane w marcu 2019 r. przez US Bureau of Economic Analysis (BEA) i National Endowment for the Arts (NEA).
- 22.02.2019 Ważna osoba ma wakacje, budżet na prezent został rozdysponowany i chce coś porządnego. Co podarować komuś, kto ma już prawie wszystko? Kup obraz - radzą doświadczeni ludzie. Zgadzam się z nimi. Ale będziesz musiał bardzo się postarać, aby dokonać wyboru, aby nie wpaść w kłopoty.
- 23.01.2019 Na ścianie wisiała rodzinna pamiątka, dziedzictwo i tak było. Ale decydując się na sprzedaż, ludzie myślą po raz pierwszy. Gdzie najlepiej sprzedawać? Jak się nie sprzedać? Nie są to takie proste pytania, jeśli o to chodzi
- 21.01.2019 Czy kolekcjoner potrzebuje dokumentów, aby posiadać obraz? Początkujący chcą ostatecznej pracy, opartej na faktach, zbroi. A jeśli to ukradną? A co jeśli będziesz musiał sprzedać? Jak mogę później udowodnić, że obraz jest mój?
- 16.01.2019 Pracując na bazie wyników aukcji, najczęściej jesteśmy w stanie obliczyć powtarzalność sprzedaży. Czyli zapisz, kiedy dzieło zostało wcześniej sprzedane i ile udało Ci się na nim zarobić. Najlepsze przykłady z 2018 roku znajdziesz w naszym przeglądzie
Tekst: Ksyusza Pietrowa
Dziś otwiera się moskiewska galeria Gary'ego Tatintsyana pierwsza od 2006 roku wystawa Damiena Hirsta, brytyjskiego artysty, którego nie bez powodu nazywa się „wielkim i strasznym”, porównując go albo do geniuszy renesansu, albo do rekinów z Wall Street. Hirst uznawany jest za najbogatszego żyjącego autora, co tylko podsyca kontrowersje wokół jego twórczości. Odkąd Charles Saatchi dosłownie z otwartymi ustami patrzył na instalację „Tysiąc lat” – spektakularną i ponurą ilustrację całej drogi życia od narodzin do śmierci – szum wokół metod twórczych i walorów estetycznych dzieł Hirsta nie ucichł, z czego sam artysta oczywiście jest bardzo zadowolony. Opowiadamy, dlaczego prace Hirsta naprawdę zasługują na tak ogromną uwagę, jaką cieszą się, i staramy się zrozumieć wewnętrzny świat artysty – o wiele bardziej niejednoznaczny i subtelny, niż mogłoby się wydawać z zewnątrz.
„Z dala od stada”, 1994
Hirst ma teraz pięćdziesiąt jeden lat, a dziesięć lat temu całkowicie rzucił palenie, narkotyki i alkohol – są duże szanse, że jego kariera potrwa kilka dekad. Jednocześnie trudno sobie wyobrazić, jaki byłby kolejny krok artysty tej rangi – Hirst reprezentował już swój kraj na ceremonii otwarcia Igrzysk Olimpijskich w Londynie, nakręcił teledysk dla grupy Blur, nakręcił najbardziej drogie dzieło sztuki świata (platynowa czaszka inkrustowana diamentami), w warsztatach zatrudnia ponad stu sześćdziesięciu pracowników (Andy Warhol ze swoją „Fabryką” o tym nawet nie marzył), a jego majątek przekracza miliard dolarów. Wizerunek awanturnika, który w latach 90. rozsławił Hirsta wraz z serią zwierząt konserwowanych w alkoholu, stopniowo ustąpił miejsca spokojniejszemu: choć artysta nadal uwielbia skórzane spodnie i pierścionki z czaszkami, nie pokazał już swojego penisa obcy przez długi czas, tak jak to miało miejsce w jego „latach wojskowej chwały”. ” i coraz bardziej wygląda na odnoszącego sukcesy przedsiębiorcę niż na gwiazdę rocka, chociaż w istocie jest jednym i drugim.
Hirst swój niezwykły sukces komercyjny tłumaczy tym, że miał większą motywację do zarabiania pieniędzy niż pozostali członkowie kierowanego przez niego stowarzyszenia Young British Artists (jeszcze na studiach w Goldsmiths Hirst zorganizował legendarną wystawę „Freeze”, która przyciągnęła uwaga wybitnych galerzystów młodym artystom). Dzieciństwa Hirsta nie można nazwać pomyślnym i szczęśliwym: nigdy nie widział swojego biologicznego ojca, ojczym opuścił rodzinę, gdy chłopiec miał dwanaście lat, a jego katolicka matka desperacko sprzeciwiała się próbom włączenia się syna w bardzo młodą wówczas subkulturę punkową.
Mimo to wspierała jego poszukiwania artystyczne – może z rozpaczy, bo Hirst był trudnym nastolatkiem i wszystkie przedmioty poza rysunkiem były dla niego trudne. Damien regularnie był przyłapany na drobnych kradzieżach w sklepach i innych nieprzyjemnych historiach, ale jednocześnie udawało mu się robić szkice w miejscowej kostnicy i studiować atlasy medyczne, które były źródłem inspiracji dla jego ulubionego autora, mrocznego ekspresjonisty Francisa Bacona. Obrazy Bacona wywarły ogromny wpływ na Hirsta: uśmiech słynnego rekina zakonserwowanego w alkoholu przypomina powracający motyw Bacona z otwartymi w krzyku ustami, prostokątne akwaria to klatki i cokoły, które stale widuje się na płótnach Bacona.
Kilka lat temu Hirst, który nigdy nie zajmował się malarstwem tradycyjnym, zaprezentował publiczności serię własnych obrazów, wyraźnie inspirowanych twórczością Bacona, i poniósł porażkę: krytycy uznali nowe prace Hirsta za żałosną parodię obrazy mistrza i porównał je do „kiczu pierwszoroczniaka, który nie poddaje się”. wielkim nadziejom”. Te zjadliwe recenzje mogły zranić uczucia artysty, ale najwyraźniej nie wpłynęły na jego produktywność: przy pomocy asystentów wykonujących wszystkie rutynowe prace Hirst kontynuuje niekończącą się serię płócien z wielokolorowymi kropkami, „rotacyjnych” obrazów tworzonych przez wirowanie puszki z farbą w wirówce, instalacje z tabletkami i na skalę przemysłową produkują dobrze sprzedające się dzieła.
← „AAA bez tytułu”, 1992
Choć Hirst zawsze powtarzał, że pieniądze to przede wszystkim środek do tworzenia sztuki na wielką skalę, nie można odmówić mu niezwykłego talentu do przedsiębiorczości, dorównującego talentom artystycznym, jeśli nie większym, jeśli nie większą skalą. Nieznany ze skromności Brytyjczyk wierzy, że wszystko, czego dotknie, zamienia się w złoto – i wydaje się to prawdą: nawet w przygnębiającym roku 2008 dwudniowa aukcja jego dzieł w Sotheby’s zorganizowana przez samego Hirsta przeszła wszelkie oczekiwania i pobił rekord aukcyjny Picassa. Hirst, który wygląda na prostego faceta z Leeds, nie boi się zarabiać na przedmiotach, które wydają się obce sztuce wysokiej – czy to pamiątkowych deskorolkach za sześć tysięcy dolarów, czy modnej londyńskiej restauracji Pharmacy, urządzonej w duchu „apteki” artysty " seria. Nabywcami dzieł Hirsta są nie tylko absolwenci Oksfordu z dobrych rodzin, ale także nowa warstwa kolekcjonerów – tych, którzy wyszli z dołu i na wzór samego artysty zarobili fortunę od zera.
Gwiazdorski status Hirsta i zawrotny koszt jego twórczości często utrudniają dostrzeżenie ich istoty – a szkoda, bo zawarte w nich idee robią wrażenie nie mniej niż przepiłowane w formaldehydzie zwłoki krowy. Nawet w tym, co wydaje się stuprocentowym kiczem, Hirst ma ironię: jego słynna wysadzana diamentami czaszka, sprzedana za sto milionów dolarów, nosi tytuł „Na miłość Boga” (wyrażenie, które można dosłownie przetłumaczyć jako „W imię miłości Bożej” jest używane jak przekleństwo zmęczonego człowieka: „No, na litość boską!”). Zdaniem artysty do stworzenia tego dzieła skłoniły go słowa matki, która pewnego razu zapytała: „Boże, zmiłuj się, co będziesz dalej robić?” („Na miłość boską, co zamierzasz dalej zrobić?”). Niedopałki papierosów, ułożone w gablocie z maniakalną pedanterią, są sposobem na kalkulację czasu życia: niczym zwierzęta w formaldehydzie i diamentowa czaszka, nawiązując do klasycznej fabuły memento mori, wypalone papierosy przypominają o kruchości istnienia , których nasz umysł nie jest w stanie ogarnąć wszystkimi naszymi pragnieniami. A wielobarwne kubki, niedopałki papierosów i półki z lekarstwami są próbą uporządkowania tego, co oddziela nas od śmierci, wyrażenia ostrości przebywania w tym ciele i tej świadomości, która może zakończyć się w każdej chwili.
„Klaustrofobia/Agorafobia”, 2008
W swoich wywiadach Hirst coraz częściej mówi, że w młodości czuł się wieczny, ale teraz temat śmierci ma dla niego wiele innych niuansów. – Stary, mój najstarszy syn, Connor, ma szesnaście lat. Kilku moich znajomych już umarło, a ja się starzeję – wyjaśnia artysta. „Nie jestem już tym samym draniem, który próbował nakrzyczeć na cały świat”. Hirst, zdeklarowany ateista, regularnie powraca do tematów religijnych, bezlitośnie je poddając analizie i w kółko stwierdzając, że istnienie Boga jest tak samo niemożliwe, jak „śmierć w umyśle żywych”.
Seria prac z żywymi i martwymi motylami ucieleśnia myśli artysty o pięknie i jego kruchości. Najdobitniej tę ideę wyraża instalacja „Zakochanie i odkochanie” („Zakochanie i odejście”): z kokonów wykluwa się kilka tysięcy motyli, żyje i umiera w przestrzeni galerii, a ich ciała przyklejone do płócien pozostają jako przypomnienie kruchości piękna. Podobnie jak dzieła dawnych mistrzów, dzieła Hirsta warto choć raz zobaczyć na żywo: zarówno memetyk „Fizyczna niemożność śmierci w umyśle żywych”, jak i „Rozdzielenie matki i dziecka” wywołują zupełnie inne wrażenie, jeśli stoisz obok nich. Te i inne dzieła z cyklu Historia Naturalna nie są prowokacją dla prowokacji, ale przemyślanymi i lirycznymi wypowiedziami na temat podstawowych kwestii ludzkiej egzystencji.
Jak mówi sam Hirst, w sztuce, jak we wszystkim, co robimy, istnieje tylko jedna idea – poszukiwanie odpowiedzi na główne pytania filozofii: skąd przybyliśmy, dokąd zmierzamy i czy to ma sens? Zakonserwowany w alkoholu rekin, inspirowany wspomnieniami Hirsta z dzieciństwa z horroru „Szczęki”, konfrontuje naszą świadomość z paradoksem: dlaczego czujemy się nieswojo obok zwłok śmiercionośnego zwierzęcia, bo wiemy, że nie może nam to zrobić krzywdy? Czy to, co odczuwamy, jest częścią irracjonalnego strachu przed śmiercią, który zawsze czai się gdzieś na granicy świadomości – a jeśli tak, to jak wpływa na nasze działania i życie codzienne?
Hirst był wielokrotnie krytykowany za swoje metody twórcze i ostre wypowiedzi: np. w 2002 roku artysta musiał publicznie przeprosić za porównanie ataku terrorystycznego z 11 września do procesu artystycznego. Żywy klasyk potępił Hirsta za to, że nie tworzył swoich dzieł własnymi rękami, lecz korzystał z pracy asystentów, a krytyk Julian Spalding ukuł nawet parodyczny termin „Con Art”, który można przetłumaczyć jako „konceptualizm dla frajerów”. Nie można powiedzieć, że wszystkie oburzone krzyki pod adresem Hirsta były bezpodstawne: artysta był wielokrotnie oskarżany o plagiat, a także o sztuczne zawyżanie cen swoich dzieł, nie mówiąc już o wypowiedziach Towarzystwa Ochrony Praw Zwierząt, które było zaniepokojony warunkami przetrzymywania motyli w muzeum. Być może najbardziej absurdalnym konfliktem kojarzonym z nazwiskiem skandalizującego Brytyjczyka jest jego konfrontacja z szesnastoletnim artystą Cartrainem, który sprzedawał kolaże ze zdjęciami dzieła Hirsta „W imię miłości Boga”. Artysta multimilioner pozwał nastolatka na dwieście funtów, które zarobił na swoich kolażach, co wywołało gwałtowne oburzenie przedstawicieli rynku sztuki.
← „Zaczarowani”, 2008
Konceptualizm Hirsta nie jest tak bezduszny, jak mogłoby się wydawać: artysta rzeczywiście rodzi plan, a w jego realizację zaangażowanych jest kilkudziesięciu jego bezimiennych asystentów – praktyka pokazuje jednak, że Hirstowi naprawdę zależy na losach swoich dzieł. Sprawa tego samego rekina zakonserwowanego w alkoholu, który zaczął się rozkładać, stała się jednym z ulubionych żartów świata sztuki. Charles Saatchi postanowił uratować pracę, naciągając skórę cierpiącej ryby na sztuczną ramę, ale Hirst odrzucił przerobioną pracę, twierdząc, że nie robi ona już tak przerażającego wrażenia. W rezultacie uszkodzoną już instalację sprzedano za dwanaście milionów dolarów, ale za namową artysty rekin został wymieniony.
Przyjaciel Hirsta i kolega z YBA, Matt Collishaw, opisuje go jako „chuligana i estety” i chociaż część chuligana jest jasna, często zapomina się o stronie estetycznej: być może niezwykły talent artystyczny Hirsta można docenić jedynie na wystawach dzieł z jego rozległych
Kiedy wspominasz skandalicznego Brytyjczyka, na myśl przychodzą dzieła sztuki, które budzą zarówno przerażenie, jak i zachwyt. Rozczłonkowane i zakonserwowane zwierzęta, ludzkie czaszki i malowidła z motywami cmentarnymi przyciągały uwagę opinii publicznej już na początku lat 90. ubiegłego wieku.
Temat śmierci zawsze przewija się przez twórczość Damiena Hirsta niczym czerwona nić. Zatem martwy rekin zalany formaldehydem przeraża i odpycha widza, który rozumie, że nieożywione ciało zachowuje rozpoznawalny wygląd. Ludzie interpretują budzący zastrzeżenia przedmiot przez pryzmat tego, kim kiedyś był. Pomimo koncepcji konceptualnych, wszystkim wystawom artysty towarzyszą skandale.
Symbol śmierci
Ludzka czaszka zawsze była symbolem rozkładu i śmierci. Jak wszystko, co tajemnicze i przerażające, przyciągało uwagę kreatywnych ludzi i budziło grozę w sercach widzów. Jest wielu znanych artystów, rzeźbiarzy i pisarzy, którzy poświęcili temu tematowi swoje dzieła.
Diamentowa czaszka, której zdjęcie budzi podziw i strach, to hipnotyzujące dzieło Damiena Hirsta. Odsłaniając ideę nietrwałości naszego życia, autor czci śmierć, przedstawia ją w różnych odsłonach i nieźle na niej zarabia.
Najgłośniejszy artysta naszych czasów, ekscytujący świat swoimi arcydziełami, zdaje się podejmować wyzwanie, próbując zbadać naturę śmierci i wykazać zwycięstwo życia nad nią.
Najdroższe dzieło sztuki
Diamentowa czaszka, znana jako „Radi”, stała się najdroższym dziełem żyjącego autora. Kosztowała mistrza, który w 2007 r. inkrustował platynowy manekin białymi i różowymi diamentami, 20 milionów dolarów. Jak twierdzi sam Hirst, znany ze swoich twórcze podejście do pracy, stwierdził, jego dzieło nie ma jasnego znaczenia, a widz interpretuje to znaczenie na swój własny sposób.
Jednak kochający prowokacje mistrz zawsze podkreśla delikatną równowagę między życiem a śmiercią. Widz patrzy na diamentową czaszkę kojarzoną z rozkładem i rozumie, że to koniec. Ale śmierć, tak piękna, wciąż napawa go nadzieją. Kamienie szlachetne, które mają ciemną stronę, kojarzą się z luksusowym życiem i wiecznością.
Jak powstała diamentowa czaszka?
Jako podstawę wziął czaszkę Europejczyka żyjącego w XVIII wieku ze zbiorów Kunstkamera i wykonał z niej odlew, w którym za pomocą lasera wykonał małe ogniwa na kamienie szlachetne. Genialny prowokator, który twierdzi, że na niezwykły pomysł przyszedł mu do głowy pod wpływem sztuki azteckiej, pokrył dzieło platyną.
Diamenty dostarczane są przez znanych jubilerów, którzy są dostawcami na dwór królewski Anglii. Oszlifowane diamenty są ostrożnie wkładane w miniaturowe otwory i mocno mocowane. Najdroższy kamień (różowy diament o masie ponad 52 karaty) znajduje się w czole czaszki, z którego usunięto wszystkie zęby i w ich miejsce wstawiono platynowe.
Kim są właściciele cennego arcydzieła?
Wiadomo, że nabywcą dzieła sztuki, określanego przez krytyków jako naprawdę zły gust, była grupa anonimowych inwestorów, którzy zakupili diamentową czaszkę za sto milionów dolarów. To rekordowa cena za arcydzieło współczesnego artysty. Hearar twierdzi, że zapłacono mu gotówką, dlatego nie może przedstawić dowodu transakcji. Później dziennikarze odkryli niesamowity fakt: wśród inwestorów znalazł się sam autor i jego menadżer F. Dunphy.
Wkrótce pojawiły się nowe informacje na temat właściciela diamentowej czaszki. Okazało się, że jest to ukraiński potentat W. Pinczuk, który interesuje się sztuką współczesną, choć jego przedstawiciele nie potwierdzili tego faktu, ale też nie zaprzeczyli.
Możliwość zapoznania się z przerażającą kreacją
Diamentowa czaszka (zdjęcie niezwykłej pracy obiegło wszystkie media) była wystawiana w Amsterdamie i Florencji, a w 2012 roku została pokazana w galerii w Londynie. Sam autor przyznał, że był szczęśliwy, bo sala Tate Modern to wspaniałe miejsce na poznanie dzieła wywołującego różnorodne emocje.
Rzecz w tym, że ani jedno muzeum na świecie nie było stać na wystawienie tak drogiego eksponatu, gdyż agencje rządowe nie były w stanie pokryć kosztów ubezpieczenia, co utrzymywano w tajemnicy. Dzieło mogło pojawić się w Ermitażu, jednak ze względów finansowych zwiedzanie zostało odwołane.
Nowe arcydzieło, które szuka swojego właściciela
Ciekawe, że Hirst, który zrobił karierę w temacie śmierci, nie spoczął na laurach i zaprezentował nowe szokujące dzieło zatytułowane „Na litość boską”. Pod koniec 2010 roku mistrz prowokacji odlał kolejną diamentową czaszkę noworodka, którą zaczerpnął ze zbioru patologii ludzkiego ciała.
Koszt dzieła inkrustowanego bielą nie jest znany, ale historycy sztuki szacują go na 200 milionów funtów. Jeśli ktoś będzie chciał kupić tę rzeźbę, stanie się ona najważniejszą rzeczą w świecie sztuki współczesnej.