Elementy dekoracyjne stosowane. Dzieło ludowej sztuki zdobniczej: typy. Dekoracyjne i stosowane odmiany sztuki i rzemiosła

SZTUKA DEKORACYJNA I UŻYTKOWA, forma sztuki, tworzenie produktów łączących funkcje artystyczne i użytkowe. Dzieła sztuki i rzemiosła związane są z codziennymi potrzebami człowieka, stanowią integralną część jego otoczenia. Podstawą i źródłem sztuki i rzemiosła jest sztuka ludowa. Sfera rzemiosła artystycznego obejmuje wyroby tradycyjnego rzemiosła artystycznego, przemysłu artystycznego oraz profesjonalnej twórczości autorskiej. Termin „sztuka użytkowa” powstał w XVIII wieku w Anglii i był stosowany głównie do tworzenia przedmiotów użytku domowego (malowanie naczyń, tkanin, wykańczanie broni). W XX wieku termin „sztuka i rzemiosło” został zatwierdzony w rosyjskiej historii sztuki jako określenie sekcji sztuki dekoracyjnej, która obejmuje również sztukę teatralną i dekoracyjną oraz projektowanie.

Cechą charakterystyczną dzieł sztuki i rzemiosła jest nierozerwalny związek między tym, co użytkowe, a tym, co artystyczne, jedność użyteczności i piękna, funkcji i dekoracji. Użyteczność pozwala nam klasyfikować dzieła sztuki i rzemiosła według ich praktycznego przeznaczenia (narzędzia, meble, przybory itp.); funkcja przedmiotu wyraźnie określa jego schemat konstrukcyjny. Cechą nadającą przedmiotowi sztuki dekoracyjnej i użytkowej status dzieła sztuki jest dekoracyjność. Realizuje się to nie tylko w zdobieniu przedmiotu określonymi detalami (dekoracją), ale także w jego ogólnej strukturze kompozycyjnej i plastycznej. Wystrój ma swoją własną ekspresję emocjonalną, rytm, proporcje; może zmienić kształt. Wystrój może być rzeźbiarsko-reliefowy, malowniczo malowany, graficznie rzeźbiony (patrz także Grawerowanie); posługuje się zarówno ornamentem (w tym inskrypcjami ozdobnymi - hieroglifami, kaligrafią, pismem słowiańskim itp., ujawniającymi znaczenie obrazów), jak i różnymi elementami i motywami obrazkowymi ("drzewo świata", ptaki i zwierzęta, rośliny itp.) zgodnie z pewnym systemem zdobniczym i stylistycznym (zob. też Bukrany, Gryf, Róża, Sfinks). W lamelowym systemie sztuki i rzemiosła istnieje możliwość zastosowania tzw. czystej formy jako antytezy do każdego wystroju: może ona przejawiać się w nieodłącznym pięknie materiału, ujawniając jego walory strukturalne, plastyczne, kolorystyczne, harmonię proporcji, elegancję sylwetki i konturów.

Naczynie. Malowana ceramika. III tysiąclecie pne. Yangshao (Chiny). Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej (Wiedeń).

Inną podstawową cechą sztuki i rzemiosła jest synteza, która oznacza połączenie różnych rodzajów twórczości (malarstwo, grafika, rzeźba) i różnych materiałów w jednym dziele. Syntetyczne w swojej wewnętrznej naturze dzieło sztuki i rzemiosła jest często zaangażowane w syntezę sztuk, w zespół obiektów artystycznych i może zależeć od architektury (meble, rzeźby dekoracyjne, panele, gobeliny, dywany itp.). W wyniku tej zależności sztuka i rzemiosło we wszystkich epokach z wyczuciem i wyraźnie podążały za zmianami w stylu i modzie.

W sztuce i rzemiośle obraz rzeczy jest określony przez związek między jej formą estetyczną a przeznaczeniem użytkowym. Z jednej strony istnieje koncepcja utylitarnego i niemalarskiego charakteru sztuki i rzemiosła jako „tworzenia rzeczy”: zadanie czysto praktyczne nie oznacza stworzenia pełnoprawnego obrazu (na przykład celem garncarstwa lub tkania koszyków nie jest przedstawianie rzeczy, ale tworzenie samej rzeczy). Jednak inne przykłady (ceramika antropomorficzna itp.), mające początek mimetyczny, pozwalają mówić o obrazowaniu jako nadrzędnym zadaniu twórczości w sztuce dekoracyjnej i użytkowej, przejawiającej się przede wszystkim w skojarzeniach i analogiach (kształt przedmiotu może przypominać pączek kwiatu, kroplę, postać człowieka lub zwierzęcia, falę morską itp.). Dualizm zadań estetycznych i funkcjonalnych determinuje figuratywną specyfikę sztuk i rzemiosł (ograniczenie konkretności obrazów, tendencja do odchodzenia od światłocienia i perspektywy, posługiwanie się lokalną kolorystyką, płaskość obrazów i sylwetek).

Sztuka dekoracyjna i użytkowa jako rodzaj działalności artystycznej związana jest z pracą fizyczną mistrza, która wyłoniła się jako samodzielna gałąź produkcji. Dalszy społeczny podział pracy prowadzi do zastąpienia produkcji rzemieślniczej produkcją maszynową (manufaktury, fabryki, zakłady); funkcjonalny projekt i dekoracja stają się dziełem różnych specjalistów. Tak powstaje przemysł artystyczny, w którym swoje miejsce znajdują metody „sztuki użytkowej” - zdobienia wyrobów za pomocą malowania, rzeźbienia, inkrustacji, tłoczenia itp.

Kwestia proporcji pracy ręcznej i maszynowej w wytwarzaniu przedmiotów sztuki dekoracyjnej i użytkowej była szczególnie dotkliwa w drugiej połowie XIX wieku, w kontekście problemu „depersonalizacji” (według słów W. Morrisa) produkcji rzemiosła artystycznego oraz popularnych w tej epoce teorii ograniczonego użycia maszyn jako przesłanki odrodzenia tradycji narodowych. Kontrastując rękodzieło ludowe z masową produkcją, Morris jednocześnie sugeruje sposoby ich syntezy, co pozwala na stworzenie nowego rodzaju sztuki i rzemiosła. Wzornictwo, które od połowy XIX wieku stało się nowym rodzajem działalności artystycznej w dziedzinie produkcji przemysłowej (masowej), ograniczyło rzemiosło artystyczne głównie do tworzenia małonakładowych serii rękodzielniczych (zob. też Produkcja artystyczna).

Typologia. Każda dziedzina sztuki i rzemiosła ma różnorodne formy; ich ewolucja jest bezpośrednio związana z rozwojem technologii, odkrywaniem nowych materiałów, zmianą idei estetycznych i mody. Dzieła sztuki i rzemiosła różnią się funkcjonalnością, formą i materiałem.

Jednym z najstarszych rodzajów sztuki i rzemiosła jest zastawa stołowa. Jego formy różniły się w zależności od materiału (drewno, metal, fajans, porcelana, ceramika, szkło, plastik) i przeznaczenia (obrzędowe, domowe, jadalne, dekoracyjne; zob. też Naczynia artystyczne). Sztuka dekoracyjna i użytkowa to także: akcesoria kultowe (gonfalony, pobory, lampady - w chrześcijaństwie; muzułmańskie naczynia do ablucji, dywaniki modlitewne „namazlyk” itp.; judaistyczne świeczniki menora; buddyjskie trony lotosowe i kadzielnice świątynne); elementy wyposażenia wnętrz (meble, oprawy oświetleniowe, wazony, lustra, przybory do pisania, szkatułki, wachlarze, tabakiery, płytki itp.); domowe przybory rzemieślnicze (kołowrotki, wałki, marszczenia, ruble, wrzeciona itp.); dzieła gliptyki; sztuka biżuterii; środki transportu (wagony, rydwany, bryczki, sanie itp.); broń; tekstylia (patrz także batik, hafty, koronki, obcasy, tkactwo; tekstylia obejmują również dywany, gobeliny, gobeliny, kilimy, maty filcowe itp.); odzież; częściowo - mały plastik (głównie zabawka).

Równie różnorodne są materiały stosowane w produktach sztuki dekoracyjnej i użytkowej. Najstarsze to kamień, drewno, kość. Twarde drewno służyło do budowy mieszkań, wyrobu mebli, artykułów gospodarstwa domowego [sosna, dąb, orzech (w sztuce renesansu), brzoza karelska (w epoce rosyjskiego klasycyzmu i cesarstwa), klon (zwłaszcza w czasach nowożytnych), mahoń, grusza]; miękkie odmiany (na przykład lipa) - do produkcji naczyń, łyżek. Od XVII wieku w Europie zaczęto wykorzystywać importowane drewno egzotyczne.

Techniki obróbki gliny, takie jak odręczne modelowanie i formowanie, miały decydujące znaczenie w tworzeniu wyrobów z gliny na początkowych etapach. W III tysiącleciu p.n.e. pojawiło się koło garncarskie, pozwalające na wytwarzanie naczyń cienkościennych.

Ceramika (glina wypalana) obejmuje terakotę (gładką i lakierowaną), majolikę, półfajans, fajans, nieprzezroczysty, porcelanę, biskwit, tzw. masę kamienną. Główne sposoby zdobienia ceramiki to sztukateria, satynowanie, polerowanie, malowanie kolorami, grawerowanie, glazurowanie itp.

Tkaniny były szeroko stosowane od czasów neolitu. Znakomitymi przykładami sztuki zdobniczej i użytkowej są wielobarwne tkaniny lniane starożytnego Egiptu, wykonane w technice batiku - koptyjskie; Chińskie tkaniny jedwabne, indyjskie muśliny, wenecki adamaszek.

Mistrzowie sztuki i rzemiosła często używali szlachetnych, półszlachetnych i kolorowych kamieni ozdobnych: diamentów, rubinów, szmaragdów, szafirów, jadeitu, lapis lazuli i karneolu, malachitu, jaspisu itp. (bursztyn również należy do materiałów zdobniczych). Wśród różnych rodzajów obróbki przez długi czas dominowały kaboszony (kamienie zaokrąglone), później pojawiły się kamienie fasetowane. Istnieją złożone techniki - tak zwana mozaika florencka (obrazy wykonane z marmuru i kamieni półszlachetnych), mozaika rosyjska (wklejanie zaokrąglonej powierzchni wazonów płytkami z kolorowych kamieni) itp.

Pudełko z wizerunkiem krucyfiksu i aniołów. Drewno, srebro, emalia. 1 ćwierć XIII wieku. Limoges (Francja). Ermitaż (Petersburg).

Wśród metali wyróżnia się szlachetne (złoto, srebro, platyna), nieżelazne (miedź, cyna), stopy (brąz, elektryczność, cyna), a także stal, żeliwo i aluminium. Wraz z metalami szlachetnymi prawie wszystkie starożytne cywilizacje przetwarzały miedź, brąz, a później żelazo. Złoto i srebro były pierwotnie głównymi metalami w sztuce i rzemiośle, a ich niedobór był kompensowany różnymi technikami (srebro galwanizowane i złocenia; od połowy XIX w. galwanizacja). Główne techniki obróbki metali to niello, granulacja, golenie, śrutowanie, odlewanie artystyczne, kucie artystyczne, basma (rodzaj techniki jubilerskiej imitującej golenie), tłoczenie.

Specjalną techniką i jednocześnie materiałem jest emalia, której najstarsze przykłady znajdują się w Chinach. Z reguły emalia była stosowana jako integralna część złożonych dzieł sztuki i rzemiosła (na przykład technika pokrywania obrazów wygrawerowanych na metalu wielobarwną przezroczystą emalią lub dekoracyjne malowanie farbami emaliowanymi).

Wynagrodzenie tzw. Ewangelii z Lorsch. Kość słoniowa. IX wiek Akwizgran. Muzeum Wiktorii i Alberta (Londyn).

Ze względu na swoje parametry technologiczne szkło dzieli się na przezroczyste i nieprzezroczyste, bezbarwne i kolorowe itp. Istnieją również oryginalne formy wykonane ze szkła dmuchanego, dmuchanego (szkła weneckie „skrzydlate”), szlifowanego kryształu angielskiego, prasowanego (pojawił się w 1820 r. w USA), szkła laminowanego lub mlecznego barwionego, filigranowego, grawerowanego, rzeźbionego polerowanego lub ze szkłem kolorowym. Techniki obróbki szkła obejmują złocenie międzyszybowe, malowanie, millefiori, akwafortę artystyczną, iryzację.

Miejscem narodzin werniksów artystycznych jest starożytny Wschód. W Europie znane są od XVI wieku; w XVII wieku holenderscy rzemieślnicy zaczęli malować drewniane skrzynie ze złoconymi ornamentami na czarnym tle. Później w wielu krajach rozwinęła się produkcja lakierów malarskich. Lakierowane wyroby z papier-mache pojawiły się w Europie w XVIII wieku, a szczyt popularności osiągnęły w wieku XIX, zwłaszcza w Anglii, Niemczech i Rosji. W XX wieku Rosja stała się głównym ośrodkiem sztuki lakierniczej (Fedoskino, Palech, Chołuj i Mstiora).

Używanie szylkretu i kości słoniowej rozpoczęło się w starożytności; następnie ich użycie odrodziło się w sztuce europejskiej w średniowieczu, a zwłaszcza pod koniec XVIII wieku (angielskie i francuskie tabakiery i pojemniki na herbatę, rzeźba kości w Chołmogorach). Masa perłowa stała się modna w 1. połowie XIX wieku do ozdabiania przedmiotów z masy perłowej i laki oraz do wykańczania sztućców.

Esej historyczny. Pierwsze artystycznie przetworzone przedmioty pojawiły się w epoce paleolitu. W okresie neolitu ceramika stała się powszechna. W różnych kulturach powstają wazony o wirtuozowskich rozwiązaniach graficznych, ekspresyjnej fabule sakralno-mitologicznej, ceramice malowanej z motywami ornamentalnymi i innymi (np. naczynia chińskie z okresu neolitu, V-III tysiąclecie pne; ceramika z Suzy, IV tysiąclecie pne; ceramika trypolska, koniec III tysiąclecia pne).

Najstarsze cywilizacje wschodnie w rozwoju sztuki dekoracyjnej i użytkowej osiągnęły ten sam wysoki poziom, co w dziedzinie architektury i rzeźby (artystyczna obróbka kamienia, metalu, drewna, biżuterii, rzeźbienia w kości słoniowej itp.). Jubilerzy starożytnego Egiptu w Mezopotamii posiadali różne najlepsze techniki obróbki metali szlachetnych. Sztuka starożytnego Wschodu produkowała niezrównane przykłady polichromowanej ceramiki szkliwionej, w Egipcie wytwarzano wyroby fajansowe (na bazie krzemionki) - detale architektoniczne, rzeźby, naszyjniki, misy i kielichy. Egipcjanie (wraz z Fenicjanami) również wykonywali przedmioty szklane (ok. III tysiąclecia pne); rozkwit warsztatów szklarskich, podobnie jak innych rzemiosł, przypada na okres Nowego Państwa (naczynia o różnych kształtach wykonane ze szkła niebieskiego lub polichromowanego itp.). Egipskie meble wykonywano z miejscowego drewna hebanowego (hebanowego) oraz gatunków importowanych (cedr, cyprys), zdobiono wstawkami z niebieskiego i czarnego fajansu, pokrywano złotem i inkrustowano kością słoniową oraz malowano (niektóre jego formy później silnie wpłynęły na styl europejskiego imperium). W wielu częściach Chin znaleziono cienkościenne naczynia (miski, wazy, dzbanki i kielichy), które wyróżniają się oryginalnością stylistyczną, różnorodnością kształtów i dziwacznymi zoomorficznymi obrazami. W Indiach wysoko rozwinięta cywilizacja miejska epoki brązu pozostawiła po sobie wyraziste przedmioty gospodarstwa domowego, malowaną ceramikę, tkaniny odkryte podczas wykopalisk w Mohendżo-Daro i Harappa. W zachodnim Iranie, w Luristanie, rozwinęła się kultura reprezentowana przez brązy Luristanu.

Oryginalność sztuki i rzemiosła świata Morza Egejskiego (patrz kultura Morza Egejskiego) wpłynęła na sztukę innych krajów (Egipt Nowego Państwa, Bliski Wschód) - biżuteria, ścigane kielichy i misy, rytony. Wiodącym rodzajem rzemiosła artystycznego jest ceramika (polichromia ze stylizowanym wzorem, motywami roślinnymi, z wizerunkami zwierząt morskich i ryb). Do najwyższych osiągnięć w dziejach sztuki zdobniczej i użytkowej należy ceramika starożytnej Grecji – przede wszystkim naczynia lakierowane czerwono-czarnofigurowe, których forma organicznie łączy się z fabułą malarstwa i ornamentu, posiada wyraźną tektonikę, bogactwo rytmu linii i proporcji (zob. malarstwo wazonowe). Ceramikę i biżuterię greckich wyrobów eksportowano do wielu krajów świata, dzięki czemu greckie tradycje artystyczne były szeroko rozszerzane. W sztuce i rzemiośle koczowniczych plemion Azji i Europy, Traków, Celtów i niektórych plemion ugrofińskich rozwinęły się różne formy stylu zwierzęcego; w połowie I tysiąclecia naszej ery jego osobliwa forma pojawia się wśród Niemców, tradycje stylu zwierzęcego zachowały się w sztuce średniowiecznej.

Etruskowie, będąc pod silnym wpływem greckim, byli w stanie stworzyć równie charakterystyczną kulturę dzięki swojej ceramice „buccero”, malowanej terakocie i biżuterii. Pragnienie demonstracyjnego luksusu ucieleśnionego w przedmiotach sztuki dekoracyjnej i użytkowej zostało przekazane ich następcom – starożytnym Rzymianom. Zapożyczyli od Etrusków ceramikę reliefową, dekorację tkanin, od Greków formy i ornamenty. W rzymskim wystroju dużo jest przesady, pozbawionej greckiego smaku: bujne girlandy, bukranie, gryfy, uskrzydlone amorki. W epoce cesarstwa modne stały się wazony z kamieni półszlachetnych (agat, sardonyks, porfir). Najwyższym osiągnięciem sztuki i rzemiosła rzymskiego było wynalezienie dmuchania szkła (I wpne), wytwarzania szkła przezroczystego, mozaikowego, grawerowanego, dwuwarstwowego, imitującego kameę oraz pozłacanego. Wśród wyrobów metalowych znajdują się srebrne naczynia (na przykład skarb z Hildesheim), lampy z brązu (znalezione podczas wykopalisk miasta Pompeje).

Stabilność tradycji wyróżnia kulturę Dalekiego Wschodu i Indii jako całość, gdzie w epoce średniowiecza zachowały się charakterystyczne typy i formy sztuki zdobniczej i użytkowej (ceramika i lakiery w Japonii, wyroby z drewna, metalu i tekstyliów w Indiach, batik w Indonezji). Chiny charakteryzują się stabilnymi obrazami i tradycjami cięcia kamienia, ceramiki i biżuterii, różnorodnymi materiałami: jedwabiem, papierem, brązem, jadeitem, ceramiką (przede wszystkim wynalezieniem porcelany) itp.

W starożytnej (prekolumbijskiej) Ameryce istniało kilka cywilizacji (Olmekowie, Totonakowie, Majowie, Aztekowie, Zapotekowie, Inkowie, Chimu, Mochica itp.), które miały wysoką kulturę materialną. Głównym rzemiosłem było garncarstwo, artystyczna obróbka kamienia, w tym półszlachetnych, z wykorzystaniem oryginalnej techniki mozaiki turkusowej na drewnie, tkaninach i biżuterii. Ceramika jest jednym z najlepszych osiągnięć starożytnej sztuki amerykańskiej, w przeciwieństwie do innych, które nie znały koła garncarskiego (urny grobowe Zapoteków, wazony Tolteków, polichromowane wazy Mixteków, naczynia z grawerowanymi ornamentami Majów itp.).

Cechą charakterystyczną sztuki średniowiecznej krajów Bliskiego Wschodu, Afryki Północnej (Maghrib) i regionów Europy zamieszkałych przez Arabów jest pragnienie barwności, wartościowego wystroju, ornamentu geometrycznego (z motywami roślinnymi stylizowanymi na abstrakcję, zob. Arabeska); w sztuce dekoracyjnej i użytkowej Iranu zachowała się również tradycja obrazkowa. Głównymi rodzajami sztuki dekoracyjnej i użytkowej krajów muzułmańskich była ceramika, tkactwo, produkcja broni i dóbr luksusowych. Ceramika (głównie ornamentalna, pokryta żyrandolem lub polichromią na białym i kolorowym tle) produkowana była w Iraku (Samarra), Iranie (Susa, Ray), średniowiecznym Egipcie (Fustat), Syrii (Rakka), Azji Centralnej (Samarkanda, Buchara). Ceramika hiszpańsko-mauretańska (fajansy z Walencji) wywarła ogromny wpływ na europejską sztukę i rzemiosło XV i XVI wieku. Niebiesko-biała chińska porcelana miała wpływ na ceramikę Złotej Ordy, Iranu itp. W XVI wieku rozkwit tureckiego polichromowanego fajansu z Iznika. Kultura muzułmańska pozostawiła także wiele przykładów artystycznego szkła, metalu (zdobionego rytami, goleniami, emalią) oraz broni. Świat islamu tradycyjnie używał dywanów częściej niż mebli; były produkowane w wielu krajach (na Kaukazie, w Indiach, Egipcie, Turcji, Maroku, Hiszpanii, Azji Środkowej); Wiodące miejsce w tkaniu dywanów należy do Iranu. W Egipcie produkowali wielobarwne wełniane tkaniny trejażowe, tkaniny lniane i obcasy; w Syrii, w Hiszpanii w czasach kalifatu kordoby i arabskich rzemieślników na Sycylii – jedwab, brokat; w Turcji (w Bursie) - aksamit; w Iranie (w Bagdadzie) - jedwabne draperie; w Damaszku - tak zwane tkaniny damasceńskie.

Bizancjum stało się spadkobiercą wielu rzemiosł artystycznych starożytności: szklarstwa, mozaiki, rzeźbienia kości itp., a także po mistrzowsku opanowało nowe - technikę emalii cloisonne itp. Rozpowszechniły się tu przedmioty kultowe i (pod wpływem kultur wschodnich) przedmioty luksusowe; w związku z tym styl bizantyjskiej sztuki i rzemiosła był jednocześnie wyrafinowany, dekoracyjny i bogaty. Wpływy tej kultury rozciągały się na państwa Europy (w tym starożytną Ruś), Zakaukazia i Bliski Wschód (w Rosji reminiscencje tego wpływu zachowały się aż do stylu rosyjsko-bizantyjskiego XIX wieku).

W Europie nowe formy sztuki i rzemiosła rozwinęły się w okresie renesansu karolińskiego pod wpływem Bizancjum i krajów świata arabskiego. W kulturze epoki romańskiej ważną rolę odgrywają klasztory i miejskie korporacje cechowe: praktykowano rzeźbienie w kamieniu i drewnie, wytwarzanie wyrobów metalowych, kutych drzwi i sprzętów domowych. We Włoszech, gdzie zachowano tradycje późnej starożytności, rozwinęła się rzeźba w kościach i kamieniu, sztuka mozaiki i gliptyki oraz sztuka jubilerska; we wszystkich tych dziedzinach mistrzowie osiągnęli najwyższą doskonałość. Gotyk odziedziczył wiele rzemiosł charakterystycznych dla tamtej epoki; cechy stylu gotyckiego wyraźnie przejawiały się w wyrobach z kości słoniowej i srebra, w emaliach, gobelinach i meblach [w tym skrzynie ślubne (we Włoszech - cassone, zdobione rzeźbami i malowidłami)].

W starożytnej Rusi szczególne osiągnięcia miała sztuka jubilerska, rzeźbiarstwo w drewnie i kamieniu. Charakterystycznymi typami mebli rosyjskich były szkatułki, stoły wieżowe, szafy, skrzynie, stoły. Autorami malowniczych kompozycji w formie „trawiastego wzoru” byli malarze ikon – „sygnatariusze”, malowali też skrzynie, stoły, deski do pierników, szachy, pozłacane rydwany itp.; dekoracyjna „rzeźba” z XVII wieku nazywana była „ziołami fryażowymi”. Naczynia, naczynia, kafle, przedmioty sakralne wytwarzano w warsztatach Kijowa, Nowogrodu, Riazania, Moskwy (warsztaty patriarchalne, Srebrna Izba, z 2. poł. Od 2. poł. XVII w. rozpoczął się szybki rozwój rzemiosł ludowych w ruskiej sztuce dekoracyjnej i użytkowej (kaflarstwo, snycerstwo i malarstwo, tkactwo i tkactwo koronek, złotnictwo i garncarstwo).

W renesansie rzemiosło artystyczne nabiera zasadniczo autorskiego i przeważnie świeckiego charakteru. Pojawiają się nowe rodzaje sztuki i rzemiosła, odżywają zapomniane od czasów starożytnych gatunki i techniki. Najistotniejsze zmiany zachodzą w produkcji mebli (szafy ze składanym frontem, skrzynia z oparciem i podłokietnikami itp.); w wystroju zastosowano klasyczny porządek i charakterystyczny ornament - groteski. Jedwabne tkactwo Genui, Florencji i Mediolanu, szkło weneckie, włoska majolika, glyptics, sztuka jubilerska (B. Cellini), artystyczna obróbka metali [„styl zrazikowy” w srebrze holenderskim i niemieckim (rodzina Jamnitzer)], emalie, szkło i ceramika francuska (produkcja Saint-Porcher; mistrz B. Palissy) osiągają swój szczyt.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa epoki baroku charakteryzuje się szczególnym przepychem i dynamiką kompozycji, organicznym połączeniem wszystkich elementów i detali (naczynia i meble), preferowane są obszerne, duże formy. Do produkcji mebli (szafy, szafki, komody, kredensy itp.) stosowano polerowane drewno, okucia z brązu złoconego oraz mozaiki florenckie, intarsje (na brązie, intarsje z drewna hebanowego, metalu, masy perłowej, skorupy żółwia itp. - w wyrobach warsztatu A. Sz. Bulyi). Na europejskie manufaktury gobelinów wpłynęła flamandzka sztuka dywanowa (manufaktury brukselskie); Genua i Wenecja słynęły z wełnianych tkanin i drukowanego aksamitu. Fajans z Delft powstał na wzór chińskiego. We Francji rozwija się produkcja miękkiej porcelany, fajansu (Rouen, Moustier) i ceramiki (Nevers), tekstyliów (manufaktura w Lyonie), produkcja luster i gobelinów.

W epoce rokoka (XVIII w.) w formach i dekoracjach przedmiotów dominują kruche i misternie asymetryczne linie. W Anglii produkowane są sztućce (P. Lamery), świeczniki itp. W Niemczech wśród wyrobów metalowych znajdują się wspaniałe formy rocaille (I. M. Dinglinger). Pojawiają się nowe formy mebli - komoda (biurko-biurko, komody-podstawy i komodo-cylinder), różnego rodzaju stoły, miękkie, tapicerowane krzesło typu bergere z zamkniętym oparciem, toaletka 2-częściowa; do dekoracji używane są panele obrazkowe, intarsje, intarsje. Pojawiają się nowe rodzaje tkanin (mora i szenil). W Anglii T. Chippendale wykonywał meble w stylu rokoko (krzesła, stoły i regały), wykorzystując motywy gotyckie i chinoiserie. Na początku XVIII wieku w Miśni (Saksonia) powstała pierwsza europejska manufaktura porcelany (rzeźbiarz I. Kendler). Styl chinoiserie penetruje zarówno porcelanę europejską (Miśnia, Chantilly, Chelsea, Derby itp.), jak i rosyjską (Cesarska Fabryka Porcelany pod Sankt Petersburgiem), a także tekstylia, szkło i meble (francuskie lakiery braci Martin). W latach 70. XVII w. w Anglii pojawiło się szkło ołowiowe w nowym składzie szkła ołowiowego (tzw.

Na sztukę i rzemiosło epoki klasycyzmu 2. połowy XVIII wieku, później i Cesarstwa wpłynęły wykopaliska archeologiczne w miastach Herkulanum i Pompeje (patrz styl pompejański ). Styl stworzony przez braci Adam (Anglia), który potwierdzał jedność wystroju zewnętrznego i wystroju wnętrz, tchnął nowe życie w sztukę i rzemiosło, w szczególności w meble (dzieła J. Hepleuite, T. Sheraton, T. Hope, braci Jacob, J. A. Rizener), biżuterię plastyczną (francuski pozłacany brąz P. F. Thomire), srebro artystyczne (filiżanki i naczynia P. Storra), dywany i tkaniny, sztukę jubilerską. Prostota i przejrzystość wyróżniają szklane karafki Cork Glass Company, wazony Baccarat, kryształowe żyrandole-kaskady. W porcelanie pod koniec XVIII wieku Miśnia scedowała status głównego europejskiego producenta porcelany na francuską porcelanę Sèvres, a wybitne egzemplarze zaczęły powstawać w fabrykach w Wiedniu, Petersburgu i Berlinie. W Anglii pojawia się fabryka J. Wedgwooda „Etruria”, produkująca ceramikę naśladującą antyczne kamee i wazy. W Rosji wielu wybitnych architektów było zaangażowanych w tworzenie dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej (AN Woronikhin i KI Rossi zaprojektowali meble i wazony, MF Kazakow i NA Lwów zaprojektowali żyrandole).

W epoce Biedermeieru dzieła sztuki i rzemiosła odzwierciedlały pragnienie wygodnego życia, co doprowadziło do pojawienia się wygodnych, prostych mebli o zaokrąglonych, niewyszukanych kształtach wykonanych z lokalnych gatunków drewna (orzech, wiśnia, brzoza), eleganckich dzbanków ze szkła fasetowanego i szklanek z eleganckim malowaniem (dzieła A. Kotgassera i innych). Okres eklektyzmu (połowa XIX wieku) przejawiał się w zróżnicowaniu stylistycznym stosowanych stylów historycznych oraz unifikacji postaw i technik artystycznych. Neorokoko inspirowane było wystrojem sztuki XVIII wieku; w Rosji przejawiało się to w porcelanowych wyrobach fabryki A. G. Popowa z polichromowanym malowidłem kwiatowym na kolorowym tle. Odrodzenie gotyku (neogotyku) wynikało z chęci artystów wniesienia romantycznie wysublimowanego stylu do sztuki dekoracyjnej i użytkowej i tylko pośrednio reprodukowało prawdziwie gotyckie motywy; raczej zapożyczono elementy ornamentu niż formy sztuki gotyckiej (szkło czeskie D. Bimana, prace z porcelany i szkła dla pałacu Mikołaja I „Chata” w Peterhofie). Styl wiktoriański w Anglii znalazł odzwierciedlenie w tworzeniu ciężkich mebli i powszechnym stosowaniu ich „małych form” (półki, uchwyty na parasole, stoły do ​​gry itp.). Nieszkliwiona porcelana imitująca marmur ponownie stała się popularna. W szkle (głównie czeskim) pojawiły się nowe typy i techniki - laminowane kolorowe szkło błyskowe, nieprzezroczyste kamea i czarne (chialitowe) szkło imitujące kamienie litialilowe. Od połowy lat czterdziestych XIX wieku we Francji, w hutach szkła Baccarat, Saint-Louis i Clichy, a później w Anglii, Czechach i USA, pojawił się nowy kierunek (tworzenie przycisków do papieru millefiore itp.). Fuzja elementów różnych stylów zadecydowała o rozwoju mebli i pojawieniu się nowych technologii i materiałów przemysłowych: form z drewna klejonego i giętego (M. Thonet), papier-mache, rzeźbionego drewna i żeliwa.

Protest przeciwko eklektyzmowi, zapoczątkowany w Wielkiej Brytanii przez Arts and Crafts Society, przyczynił się do powstania stylu Art Nouveau pod koniec XIX wieku; zatarła granice między sztukami dekoracyjnymi, użytkowymi i pięknymi i przybierała różne formy w wielu krajach. Wystrój secesyjny najczęściej porównywany jest do motywów zdobniczych form naturalnych; szeroko stosowane były zakrzywione linie, faliste kontury, asymetryczne wzory (meble V. Horta, L. Majorelle, E. Guimard, artystyczne laminowane kolorowe szkło z motywami roślinnymi i pejzażowymi E. Galle, O. Daum, L. Tiffany, biżuteria R. Lalique). Artyści wiedeńskiej secesji, jak szkocki CR Mackintosh, wręcz przeciwnie, stosowali symetrię i powściągliwe formy prostoliniowe. Prace J. Hoffmanna, często powstające we współpracy z G. Klimtem (meble, szkło, metal, biżuteria), wyróżniają się elegancją i wyrafinowaniem. W europejskiej produkcji porcelany wiodącą pozycję zajmowały obrazy podszkliwne Królewskiej Manufaktury w Kopenhadze. W rosyjskim modernizmie, w jego narodowej gałęzi romantycznej, styl neorosyjski przejawiał się - zwłaszcza w działalności koła artystycznego Abramcewo (dzieła V. M. Vasnetsova, M. A. Vrubela, E. D. Polenowej), warsztatu Talashkino księżnej M. K. Tenishevy, warsztatów Szkoły Stroganowa.

Najnowsza historia sztuki i rzemiosła rozpoczyna się nie tylko odrodzeniem rękodzieła (W. Morris i in.), ale także pojawieniem się na przełomie XIX i XX wieku w całej Europie i USA nowego typu działalności twórczej – wzornictwa i jego dalszego aktywnego rozwoju w latach 20. XX wieku (Bauhaus, Vkhutemas). Wzornictwo w stylu Art Deco stało się podstawą niemal wszystkich wnętrz domowych, w których kultywowano dyskretny luksus i wygodę (geometryczne kształty, stylizowana i uproszczona ornamentyka, egzotyczne fornirowane meble o prostoliniowych kształtach, funkcjonalna zastawa stołowa i wazony na kwiaty).

Sztuka rosyjska po 1917 roku rozwijała się na nowych podstawach ideowych i estetycznych.

Artyści starali się za pomocą sztuki oddać ducha epoki (tzw. porcelana propagandowa), stworzyć złożone, racjonalne środowisko dla ogółu społeczeństwa. Od późnych lat 50. XX wieku w sztuce radzieckiej i rzemiosła, wraz z aktywnym rozwojem przemysłu artystycznego (fabryki porcelanowej w Leningrad, Verbilok, Dulevo Porcelain Factory, Conakovo Factory, Leningrad Glass Factory, Gusevsky Crystal Factory itp.) Patrz sztuka rzemieślnicza) Sztuka autora również osiągnęła wysoki poziom.

Rozwój sztuki i rzemiosła w XX wieku wynika ze współistnienia i przenikania się zasad tradycyjnych i awangardowych. Dużego znaczenia nabrały subtelne możliwości wyrazowe nowych materiałów, naśladowanie i twórcze cytowanie. W dobie postmodernizmu rodzi się szczególny stosunek do artefaktu dekoracyjnego jako autonomicznego bytu demonstracyjnie „niezainteresowanego” służeniem wyobcowanej od niego osobie. W rezultacie doprowadziło to do „kryzysu samoidentyfikacji” sztuk i rzemiosł, spowodowanego pojawieniem się konkurencji ze strony sztuk pokrewnych (przede wszystkim dizajnu). Kryzys ten paradoksalnie otwiera jednak przed sztuką i rzemiosłem nowe perspektywy w zakresie poszerzania i rewizji własnej specyfiki figuratywnej, opanowania nowych gatunków i materiałów (ceramiczne tworzywa sztuczne, włókno szklane, tekstylne tworzywa sztuczne, mini gobeliny, mozaiki w drewnianych ramach itp.).

Dosł.: Molinier E. Histoire generale des arts appliqués à industrie. R., 1896-1911. Tom. 1-5; Arkin D. Sztuka rzeczy codziennych. Eseje o najnowszym przemyśle artystycznym. M., 1932; Fontanes J, de. Histoire des métiers d'art. R., 1950; Baerwald M., Mahoney T. Historia biżuterii. L.; NY, 1960; Kagan M. O sztuce użytkowej. Kilka pytań z teorii. L., 1961; Rosyjska sztuka dekoracyjna / pod redakcją AI Leonova. M., 1962. T. 1-3; Saltykov AB Izbr. Pracuje. M., 1962; Barsali I. B. Emalie europejskie. L., 1964; Kenyon GH Przemysł szklarski Weald. Leicester, 1967; Cooper, E. Historia ceramiki. L., 1972; Davis F. Szkło kontynentalne: od czasów rzymskich do czasów współczesnych. L., 1972; Moran A. de. Historia sztuki dekoracyjnej i użytkowej. M., 1982; Osborne N. Oksfordzki towarzysz sztuki dekoracyjnej. Oxf., 1985; Boucher F. Historia kostiumów na Zachodzie. L., 1987; Nekrasova M. A. Problem zespołu w sztuce dekoracyjnej // Art of the Ensemble. Przedmiot artystyczny. Wnętrze. Architektura. Środa. M., 1988; Ilustrowana encyklopedia antyków. L., 1994; Makarov K. A. Z twórczego dziedzictwa. M., 1998; Materiały i techniki w sztuce zdobniczej: słownik ilustrowany / wyd. przez L. Trencha. L., 2000.

TL Astrakhantseva.

Sztuka i Rzemiosło(z łac. deco - dekorować) - szeroki dział sztuki obejmujący różne gałęzie działalności twórczej, mającej na celu tworzenie wytworów sztuki o funkcjach użytkowych i artystycznych. Termin zbiorowy warunkowo łączy dwa szerokie rodzaje sztuk: dekoracyjną i stosowaną. W przeciwieństwie do dzieł sztuki, przeznaczonych do estetycznej przyjemności i należących do czystej sztuki, liczne przejawy sztuki i rzemiosła mogą mieć praktyczne zastosowanie w życiu codziennym.

Dzieła sztuki i rzemiosła spełniają kilka cech: mają walory estetyczne; zaprojektowany dla efektu artystycznego; służą do dekoracji życia codziennego i wnętrz. Takimi dziełami są: ubrania, tkaniny sukiennicze i dekoracyjne, dywany, meble, szkło artystyczne, porcelana, fajans, biżuteria i inne wyroby artystyczne. W literaturze naukowej z drugiej połowy XIX wieku zadomowił się klasyfikacja gałęzi sztuki i rzemiosła według materiału(metal, ceramika, tekstylia, drewno), zgodnie z techniką wykonania(rzeźbienie, malowanie, haftowanie, drukowanie, odlewanie, tłoczenie, intarsje (obrazy z różnych gatunków drewna) itp.) oraz funkcjonalnymi śladami użytkowania przedmiotu(meble, naczynia, zabawki). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstruktywno-technologicznej w sztuce i rzemiośle oraz jej bezpośredniego związku z produkcją.

RODZAJE SZTUKI DEKORACYJNEJ

Gobelin -(fr. gobelin), Lub krata, - jeden z rodzajów rzemiosła artystycznego, jednostronny niestrzępiący się dywan ścienny z fabułą lub kompozycją ozdobną, tkany ręcznie krzyżowym splotem nici. Tkacz przepuszcza nić wątku przez osnowę, tworząc zarówno obraz, jak i samą tkaninę. W Słowniku encyklopedycznym Brockhausa i Efrona gobelin definiowany jest jako „ręcznie tkany dywan, na którym reprodukowany jest obraz i specjalnie przygotowany karton mniej lub bardziej znanego artysty z różnokolorowej wełny i częściowo jedwabiu”.

BATIK - ręcznie malowany na tkaninie przy użyciu kompozycji rezerwowych.

Na tkaninę - jedwab, bawełnę, wełnę, syntetyk - nakłada się farbę odpowiadającą tkaninie. Aby uzyskać wyraźne granice na styku farb, stosuje się specjalny utrwalacz, zwany zapasem (kompozycja rezerwowa na bazie parafiny, benzyny, wody - w zależności od wybranej techniki, tkaniny i farb).

Malarstwo batikowe od dawna znane jest wśród ludów Indonezji, Indii itp. W Europie - od XX wieku.

DRUKUJ -(farsz) - rodzaj sztuki i rzemiosła; uzyskiwanie wzoru, monochromatycznych i kolorowych rysunków na tkaninie ręcznie przy użyciu form z reliefowym wzorem, a także tkaniny z wzorem (tkaniną drukowaną) uzyskanym tą metodą.

Formy piętowe wykonywane są z rzeźbionego drewna (maniery) lub typoszeregu (płytki miedziane typograficzne z ćwiekami), w których wzór jest przepisany z blaszek miedzianych lub drutu. Podczas wypychania na tkaninę nakłada się formę pokrytą farbą i uderza w nią specjalnym młotkiem (młotkiem) (stąd nazwa „pięta”, „wypychanie”). W przypadku projektów wielokolorowych liczba płyt drukarskich musi odpowiadać liczbie kolorów.

Robienie obcasów to jeden ze starożytnych rodzajów sztuki ludowej i rzemiosła, spotykany wśród wielu ludów: Azji Zachodniej i Środkowej, Indii, Iranu, Europy i innych.

Druk jest nieefektywny i prawie całkowicie wypierany przez drukowanie wzoru na tkaninie na maszynach drukarskich. Stosowany jest tylko w niektórych rękodziełach, a także do odwzorowywania dużych wzorów, których powtarzalna część nie mieści się na wałach maszyn drukarskich oraz do barwienia wyrobów jednostkowych (zasłony, obrusy). Charakterystyczne wzory ludowego farszu wykorzystywane są do tworzenia nowoczesnych tkanin dekoracyjnych.

FREZOWANIE - rodzaj sztuki i rzemiosła, robótki ręczne; tworzenie biżuterii, wyrobów artystycznych z koralików, w których w przeciwieństwie do innych technik, w których jest stosowany (tkanie z koralików, dzianie z koralików, wyplatanie z drutu z koralikami – tzw. Wszystkie inne rodzaje robótek ręcznych i DPI (mozaika, dzianie, tkanie, haftowanie, tkanie drutem) są możliwe bez koralików, ale stracą część swoich możliwości dekoracyjnych, a koraliki przestaną istnieć. Wynika to z faktu, że technologia beadingu jest oryginalna.

HAFT - znana i rozpowszechniona sztuka rękodzielnicza polegająca na ozdabianiu wszelkiego rodzaju tkanin i materiałów szeroką gamą wzorów, od najgrubszych i najgęstszych, jak np. sukno, płótno, skóra, po najszlachetniejsze materiały - kambryk, muślin, gaz, tiul itp. Narzędzia i materiały do ​​haftu: igły, nici, tamborki, nożyczki.

ROBIENIE NA DRUTACH - proces wytwarzania tkaniny lub wyrobów (zwykle elementów odzieży) z ciągłych nitek poprzez zaginanie ich w pętelki i łączenie ze sobą pętelek za pomocą prostych narzędzi ręcznie (szydełko, druty dziewiarskie, igła, widelec) lub na specjalnej maszynie (dzianie mechaniczne). Dzianie, jako technika, odnosi się do rodzajów tkania.

Szydełkować

robienie na drutach

MAKROM -(fr. Frędzla, z arabskiego - warkocz, grzywka, koronka lub z tureckiego. - szalik lub serwetka z frędzlami) - technika tkania sferoidalnego.

SZNURÓWKA - produkcja tkanin siatkowych z tkanych wzorów nici (lnianych, papierowych, wełnianych i jedwabnych). Są koronki szyte igłą, tkane na szpulce, szydełkowane, tamburynowe i maszynowe.

TKANIE DYWANÓW – produkcja tekstyliów artystycznych, zwykle o wielobarwnych wzorach, które służą przede wszystkim do dekoracji i izolacji pomieszczeń oraz zapewnienia wyciszenia. O cechach artystycznych dywanu decydują faktura tkaniny (włosowa, niestrzępiąca się, filcowana), rodzaj materiału (wełna, jedwab, len, bawełna, filc), jakość barwników (naturalne w starożytności i średniowieczu, chemiczne z drugiej połowy XIX wieku), format, stosunek lamówki do pola środkowego dywanu, układ ornamentalny i kompozycja wzoru oraz kolorystyka.

QUILLING - Zwijanie papieru(również quilling angielski quilling - od słowa quill (ptasie pióro)) - sztuka wykonywania płaskich lub obszernych kompozycji z długich i wąskich pasków papieru skręconych w spirale.

Gotowym spiralom nadaje się inny kształt i w ten sposób uzyskuje się elementy do quillingu, zwane też modułami. Już one są materiałem „budowlanym” w tworzeniu dzieł – obrazów, pocztówek, albumów, ramek do zdjęć, różnych figurek, zegarków, biżuterii, spinek do włosów itp. Sztuka quillingu przybyła do Rosji z Korei, ale rozwija się również w wielu krajach europejskich.

Ta technika nie wymaga znacznych kosztów materiałowych, aby rozpocząć jej rozwój. Jednak zwijania papieru nie można nazwać prostym, ponieważ aby osiągnąć przyzwoity wynik, konieczne jest wykazanie się cierpliwością, wytrwałością, zręcznością, dokładnością i oczywiście rozwijanie umiejętności skręcania wysokiej jakości modułów.

SCRAPBOOKING -(ang. scrapbooking, od ang. scrapbook: złom – wycinek, książka – książka, dosł. „księga wycinków”) – rodzaj rękodzieła artystycznego, polegającego na wytwarzaniu i projektowaniu rodzinnych lub osobistych albumów fotograficznych.

Ten rodzaj twórczości polega na przechowywaniu historii osobistej i rodzinnej w postaci zdjęć, wycinków z gazet, rysunków, notatek i innych pamiątek, przy użyciu szczególnego sposobu zachowania i przekazywania indywidualnych historii za pomocą specjalnych technik wizualnych i dotykowych zamiast zwykłej opowieści. Główną ideą scrapbookingu jest zachowanie zdjęć i innych pamiątek z wszelkich wydarzeń przez długi czas dla przyszłych pokoleń.

CERAMIKA -(starożytna grecka κέραμος - glina) - produkty wykonane z materiałów nieorganicznych (na przykład gliny) i ich mieszanin z dodatkami mineralnymi, wykonane pod wpływem wysokiej temperatury, a następnie schłodzenia.

W wąskim znaczeniu słowo ceramika odnosi się do wypalonej gliny.

Najwcześniejsza ceramika była używana jako ceramika wykonana z gliny lub jej mieszanin z innymi materiałami. Obecnie ceramika wykorzystywana jest jako materiał w przemyśle (inżynieria, oprzyrządowanie, przemysł lotniczy itp.), budownictwie, sztuce, ma szerokie zastosowanie w medycynie i nauce. W XX wieku powstały nowe materiały ceramiczne do zastosowania w przemyśle półprzewodnikowym i innych dziedzinach.

MOZAIKA -(fr. mozaika, Włoski mozaika od łac. (opus) muzyka - (praca) poświęconamuzy) - sztuka dekoracyjna, użytkowa i monumentalna różnych gatunków, której prace polegają na tworzeniu obrazu poprzez układanie, wpisywanie i utrwalanie na powierzchni (zwykle na płaszczyźnie) wielobarwnych kamieni, smaltów, płytek ceramicznych i innych materiałów.

SZTUKA BIŻUTERII - to termin odnoszący się do rezultatu i procesu twórczego twórców biżuterii, a także ogółu tworzonych przez nich przedmiotów i dzieł jubilerskich, przeznaczonych głównie do osobistego ozdabiania ludzi, wykonanych z materiałów szlachetnych, takich jak metale szlachetne i kamienie szlachetne. Aby biżuteria lub przedmiot został jednoznacznie zakwalifikowany jako jubiler, musi spełniać trzy warunki: musi być użyty w tej biżuterii co najmniej jeden szlachetny materiał, ta biżuteria musi mieć wartość artystyczną oraz musi być unikatowa – to znaczy nie może być replikowana przez artystę-jubilera, który ją wykonuje.

W żargonie zawodowym jubilerów, a także przez studentów i studentów instytucji edukacyjnych w specjalności „biżuteria” często używana jest slangowa wersja słowa „jubiler”.

Choć uważa się, że pojęcie „biżuteria” obejmuje wszelką biżuterię wykonaną z materiałów szlachetnych, a pojęcie „biżuteria” obejmuje biżuterię wykonaną z materiałów nieszlachetnych, to jednak, jak widać, obecnie różnica między biżuterią a biżuterią sztuczną nieco się zaciera, a ocena, czy dany wyrób zakwalifikować jako biżuterię, czy biżuterię sztuczną, jest każdorazowo podejmowana przez ekspertów indywidualnie w każdym konkretnym przypadku.

MINIATURA LAKOWA - Malarstwo miniaturowe na drobnych przedmiotach: pudełkach, szkatułkach, puderniczkach itp. to rodzaj rzemiosła artystycznego i sztuki ludowej. Malarstwo takie nazywane jest laką, ponieważ kolorowe i transparentne werniksy służą nie tylko jako pełnoprawne materiały malarskie, ale także jako najważniejszy środek artystycznego wyrazu dzieła. Dodają farbom głębi i siły, a jednocześnie zmiękczają je, scalają, jakby wtapiały obraz w samą miąższ produktu.

Kolebką werniksów artystycznych są kraje Dalekiego Wschodu i Azji Południowo-Wschodniej: Chiny, Japonia, Korea, Wietnam, Laos, gdzie znane są od czasów starożytnych. Na przykład w Chinach w II tysiącleciu pne. mi. sokiem z drzewa lakowego pokrywano filiżanki, szkatułki, wazony. Wtedy narodziło się malarstwo lakowe, które na Wschodzie osiągnęło najwyższy poziom.

Ten rodzaj sztuki przybył do Europy z Indii, Iranu, krajów Azji Środkowej, gdzie w XV-XVII wieku. Popularna była miniatura lakowa, wykonywana farbami temperowymi na przedmiotach z papieru-mache. Europejscy rzemieślnicy znacznie uprościli technologię, zaczęli używać farb olejnych i lakierów.

Lakiery artystyczne znane są w Rosji od 1798 r., Kiedy to kupiec P.I. Korobow zbudował małą fabrykę wyrobów lakierniczych z papieru-mache w wiosce Daniłkowo pod Moskwą (później połączył się z sąsiednią wioską Fedoskin). Za jego następców, Łukutinów, rosyjscy mistrzowie opracowali unikalne metody malowania Fedoskino. Nie zaginęły do ​​dziś.

 Miniatura Palecha - rzemiosło ludowe, które rozwinęło się we wsi Palech w obwodzie Iwanowskim. Lakowa miniatura jest wykonana temperą na papierze-mache. Szkatułki, szkatułki, kapsuły, broszki, panele, popielniczki, spinki do krawatów, igły itp. są zwykle malowane.

 Miniatura Fedoskino - rodzaj tradycyjnego rosyjskiego miniaturowego malarstwa lakowego farbami olejnymi na papierze-mâché, opracowanego pod koniec XVIII wieku we wsi Fedoskino pod Moskwą.

 Miniatura Kholuya - rzemiosło ludowe, które rozwinęło się we wsi Kholui w regionie Iwanowo. Lakowa miniatura jest wykonana temperą na papierze-mache. Szkatułki, kapsułki, pojemniki na igły itp. są zwykle malowane.

MALARSTWO ARTYSTYCZNE NA DREWNIE

 Khokhloma - stare rosyjskie rzemiosło ludowe, zrodzone w XVII wieku w powiecie niżnonowogrodzkim.

Khokhloma to dekoracyjny obraz drewnianych przyborów i mebli, wykonany w kolorze czerwonym, zielonym i czarnym na złotym tle. Podczas malowania drzewa na drzewo nakłada się nie złoty, ale srebrzysty proszek cyny. Następnie produkt pokrywany jest specjalną kompozycją i poddawany trzy- lub czterokrotnej obróbce w piecu, który uzyskuje miodowo-złoty kolor, nadając efekt masywności lekkim drewnianym naczyniom.

 Malarstwo Gorodeckie - Rosyjskie rzemiosło sztuki ludowej. Istnieje od połowy XIX wieku na terenie miasta Gorodec. Jasny, lakoniczny obraz Gorodca (sceny rodzajowe, figurki koni, koguty, motywy kwiatowe), wykonany swobodnym pociągnięciem pędzla z białymi i czarnymi graficznymi pociągnięciami, zdobiony kołowrotkami, meblami, okiennicami i drzwiami. W 1936 r. powstał artel (od 1960 r. fabryka Gorodetskaya Rospis), zajmujący się produkcją pamiątek; mistrzowie - D. I. Kryukov, A. E. Konovalov, I. A. Mazin.

 Malarstwo Mezena - malarstwo Palashchelskaya - rodzaj malowania sprzętów gospodarstwa domowego - kołowrotków, chochli, pudełek, braci, który rozwinął się na początku XIX wieku w dolnym biegu rzeki Mezen. Najstarsze datowane kołowrotek Malarstwo Mezena odnosi się do 1815 r., choć motywy obrazkowe takiego malarstwa znajdują się w rękopiśmiennych księgach z XVIII wieku, wykonanych w regionie Mezen.

MALARSTWO ARTYSTYCZNE NA METALU

 Malarstwo Zhostova - ludowe rzemiosło artystycznego malowania metalowych tac, istniejące we wsi Zhostovo, rejon Mytishchi, obwód moskiewski.

 Szkliwo - (inny rosyjski finipt, himipet, ze środkowogreckiego χυμευτόν, to samo z χυμεύω - „mieszam”) - wytwarzanie dzieł sztuki przy użyciu pudru szklistego, emalii, na podłożu metalowym, rodzaj sztuki użytkowej. Powłoka szklana jest długowieczna i nie blaknie z upływem czasu, a produkty emaliowane wyróżniają się wyjątkową jasnością i czystością kolorów.

Emalia uzyskuje pożądany kolor po wypaleniu za pomocą dodatków, do których stosuje się sole metali. Na przykład dodatki złota nadają szkłu rubinowy kolor, kobaltowy - niebieski, a miedziany - zielony. Rozwiązując określone problemy obrazkowe, jasność emalii można, w przeciwieństwie do szkła, stłumić.

 Emalia Limoges - (fr.émail de Limoges), dawniej znany jako dzieło Limoges ( fr.Œuvre de Limoges, łac. Opus lemovicense) to specjalna technika obróbki szkliwa zwana emalią champlevé, która pojawiła się w połowie XII wieku we francuskim mieście Limoges, historyczna prowincja limuzyna. Ciesząc się największym uznaniem w krajach Europy Zachodniej, emaliarze zaprzestali stosowania tej techniki w połowie XIV wieku.

Następnie od końca XV w Francja pojawiła się nowa technologia wytwarzania przedmiotów emaliowanych – emalia artystyczna, zwana też emalią malowaną. Bardzo szybko emalia artystyczna, podobnie jak emalia champlevé, zaczęto kiedyś produkować wyłącznie w warsztatach Limousin.

Obecnie w produkcji wyrobów emaliowanych niektórzy rzemieślnicy stosują technologię klasyczną, podczas gdy inni stosują technologię zaktualizowaną o współczesne osiągnięcia.

MALARSTWO ARTYSTYCZNE NA CERAMICE

 gżel - jeden z tradycyjnych rosyjskich ośrodków produkcji ceramiki. W szerszym znaczeniu nazwy „Gzhel”, która jest poprawna z historycznego i kulturowego punktu widzenia, to rozległy obszar składający się z 27 wsi zjednoczonych w „Gzhel Bush”. Gzhel Bush znajduje się około sześćdziesięciu kilometrów od Moskwy wzdłuż linii kolejowej Moskwa-Murom-Kazań. Teraz Gzhel Bush jest częścią dzielnicy Ramensky w regionie moskiewskim. Przed rewolucją obszar ten należał do powiatów bogorodskiego i bronnickiego.

 Zabawka Dymkowo - Zabawka Vyatka, zabawka Kirowa - jedno z rosyjskich ludowych rzemiosł plastycznych. Powstał w podmiejskiej osadzie Dymkowo w pobliżu miasta Wiatka (obecnie na terenie miasta Kirow).

Nie ma odpowiednika zabawki Dymkovo. Jasna, elegancka zabawka Dymkovo stała się swego rodzaju symbolem krainy Vyatka.

 Zabawka Filimonowa - starożytne rosyjskie rzemiosło sztuki użytkowej, utworzone we wsi Filimonovo, rejon Odoevsky, obwód Tula. Według archeologów łowisko Filimonovo ma ponad 700 lat. Według innych źródeł około 1 tysiąca lat.

RZEŹBIENIE ARTYSTYCZNE

 rzeźba w kamieniu (gliptyczny)(z grecki glypho - wyciąć, wyżłobić) - sztuka rzeźbienia na kolorowych i kamienie szlachetne, klejnot. Jedna z najstarszych sztuk.

 rzeźbienie w drewnie - rodzaj sztuki i rzemiosła (również rzeźbienie jest jednym z rodzajów artystycznej obróbki drewna obok piłowania, toczenia), a także sztuki w ogóle.

 rzeźbienie kości - rodzaj sztuki dekoracyjnej. W Rosji jest dystrybuowany głównie w regionach północnych: w regionie Archangielska (rzeźbiona kość Kholmogory), Jamalsko-Nieniecki Okręg Autonomiczny (rzeźbiona kość Jamalska), miasto Tobolsk (rzeźbiona kość Tobolsk), Jakucja i Czukotka (rzeźbiona kość Czukotka)

ARTYSTYCZNA OBRÓBKA SKÓRY - 1) Rodzaj rzemiosła artystycznego, polegającego na wytwarzaniu różnych przedmiotów ze skóry, zarówno do celów domowych, jak i dekoracyjnych i artystycznych; 2) branża włókiennicza, zdobienie odzieży, obuwia, galanteria skórzana. Przyjęcia:

CECHOWANIE- Istnieje kilka rodzajów tłoczenia. W produkcji przemysłowej stosuje się różne metody tłoczenia, gdy wzór na skórze jest wyciskany za pomocą foremek. W produkcji wyrobów artystycznych stosuje się również tłoczenie, ale stosuje się stemple składu i stemple. Inną metodą jest tłoczenie z wypełnieniem - wycinanie elementów przyszłego reliefu z kartonu (ligniny) lub kawałków żaluzji i umieszczanie pod warstwą nawilżonego juftu, który następnie dociska się wzdłuż konturu reliefu. Drobne detale są wyciskane bez podszewki ze względu na grubość samej skóry. Po wyschnięciu twardnieje i „zapamiętuje” reliefowy wystrój. Tłoczenie termiczne - wytłaczanie dekoru na powierzchni skóry za pomocą podgrzewanych stempli metalowych.

PERFORACJA- czyli rzeźbienie - jedna z najstarszych technik. Właściwie sprowadza się to do tego, że za pomocą stempli o różnych kształtach wycina się w skórze otwory ułożone w formie ornamentu. Ta technika jest również wykorzystywana do tworzenia złożonych kompozycji, takich jak witraż lub arabeska (na przykład w biżuterii, panelach ściennych itp.).

TKACTWO- jedna z metod obróbki, która polega na łączeniu kilku pasków skóry specjalną techniką. W biżuterii często stosuje się elementy makramy, wykonane z „cylindrycznego” sznurka. W połączeniu z perforacją tkactwo służy do oplatania brzegów wyrobów (wykorzystywane do wykańczania odzieży, obuwia, toreb).

PIROGRAFIA- nowa recepcja, ale ze starożytnym rodowodem. Podobno początkowo wypalanie skóry było efektem ubocznym tłoczenia termicznego (pierwsze wzmianki w Rosji od XII wieku, aw Europie od XIII wieku), ale potem było szeroko stosowane jako samodzielna technika. W swojej klasycznej formie pirografia polega na nanoszeniu na powierzchnię gęstej skóry rozmaitych ozdób (zaślepki, siodła). Odbywało się to za pomocą podgrzewanych stempli miedzianych i służyło głównie do wykańczania uprzęży końskich. Współczesna pirografia swoje możliwości wyrazu zawdzięcza wynalezieniu urządzenia spalającego (pirograf). Za pomocą pirografii można nakładać na skórę bardzo cienkie i złożone wzory. Jest często używany w połączeniu z grawerowaniem, malowaniem, tłoczeniem podczas tworzenia paneli, biżuterii, robienia pamiątek.

RYTOWNICTWO- używany podczas pracy z ciężkimi, gęstymi skórami (shora, siodło, rzadziej - yuft). Odbywa się to w następujący sposób - na przednią powierzchnię nasączonej skóry nakłada się wzór za pomocą noża. Następnie za pomocą budowniczego dróg lub dłuta (lub dowolnego podłużnego metalowego przedmiotu) szczeliny są rozszerzane i wypełniane farbą akrylową. Po wyschnięciu rysunek konturowy zachowuje swoją wyrazistość, a linie - grubość. Innym sposobem jest użycie pirografu zamiast budowniczego dróg. W tym przypadku kolor i grubość linii, a także głębokość grawerowania są kontrolowane poprzez zmianę stopnia rozżarzenia igły pirografu.

APLIKACJA- w branży skórzanej - naklejanie lub wszywanie kawałków skóry na wyrób. W zależności od tego, który produkt jest dekorowany, metody aplikacji są nieco inne. Tak więc przy wykańczaniu odzieży elementy dekoracyjne są wykonane z cienkich skór (kolby, chevro, welur) i przyszyte do podstawy. Podczas tworzenia panelu, robienia butelek lub pamiątek, fragmenty aplikacji można wykonać z dowolnego rodzaju skóry i wkleić na podstawę. W przeciwieństwie do intarsji, przy stosowaniu dopuszcza się łączenie elementów „na zakładkę”.

INTARCIA- właściwie to samo co intarsja czy mozaika: fragmenty obrazu są montowane „styk w tył”. Intarsja wykonywana jest na podłożu tekstylnym lub drewnianym. W zależności od tego wybierane są odmiany skóry. Podczas pracy z podkładem tekstylnym stosuje się cienkie skóry plastikowe (flask, chevro, welur i cienki yuft), a podczas pracy na desce ciężkie (shora, siodło). Aby uzyskać odpowiednią jakość, według wstępnego szkicu wykonuje się dokładne wzory wszystkich fragmentów kompozycji. Następnie według tych wzorów elementy są wycinane z wstępnie barwionych skór i przyklejane do podłoża za pomocą kleju kostnego lub emulsji PVA. Technika intarsji wykorzystywana jest głównie do tworzenia paneli ściennych, ale w połączeniu z innymi technikami może być wykorzystywana do wyrobu butelek, pamiątek oraz dekoracji mebli.

Dodatkowo skórę można malować, można ją formować, nadawać dowolny kształt i relief (poprzez namaczanie, klejenie, szpachlowanie).

OBRÓBKA ARTYSTYCZNA METALI

metalowe tworzywa sztuczne - technika tworzenia obrazów reliefowych na metalu. Jeden z rodzajów sztuki i rzemiosła. Różni się od wytłaczania tym, że jest wytwarzany wyłącznie na cienkich blachach o grubości do 0,5 mm poprzez wytłaczanie konturu wzoru za pomocą specjalnych narzędzi (a nie uderzeniem, jak w przypadku wytłaczania), dzięki czemu powstają gładkie odkształcenia metalu. Grubszy arkusz nie nadaje się do takiej obróbki, a cieńszy niż 0,2 mm może się rozerwać. Metal-plastik był używany od czasów starożytnych do ozdabiania mebli, wykonywania różnych elementów dekoracyjnych lub jako samodzielne dzieło sztuki.

Ze względu na prostotę i dostępność technik została w latach 20. włączona do programu nauczania szkoły radzieckiej. Jednak potem ta technika została zapomniana i dopiero niedawno zainteresowanie nią ponownie wzrosło.

Chrześcijańska miniatura z cyny - nowoczesna forma chrześcijańskiej sztuki i rzemiosła do tworzenia miniaturowej rzeźby małych form. Rzemiosło pojawiło się pod koniec XX wieku w Rosji na tle odradzającego się życia Rosyjskiej Cerkwi Prawosławnej po komunistycznych prześladowaniach. Jest to odrębny kierunek od militarno-historycznej miniatury blaszanej, która wykorzystuje połączenie chrześcijańskiej okrągłej rzeźby, ikonografii i starożytnej technologii odlewania cyny metal-plastik.

Miniatury mogą przedstawiać figurki świętych lub sceny z historii biblijnej. Figurki nie są obiektami kultu religijnego. Miniatury są żywą tradycją w bizantyjskiej sztuce rzeźbienia okrągłych rzeźb z kości słoniowej, zaginionej w XII wieku. Różnica polega tylko na wykonaniu technicznym.

Ten rodzaj twórczości chrześcijańskiej jest postrzegany w Kościele niejednoznacznie, ponieważ ikona jest tradycyjna w prawosławiu. Odrzucenie rzeźby w prawosławiu wynika z faktu, że w cerkwi obowiązywały zakazy rzeźby. Ale najbardziej autorytatywny teoretyk sztuki cerkiewnej, L. A. Uspienski, zauważa: „Kościół prawosławny nie tylko nigdy nie zakazał rzeźbiarskich obrazów, ale… taki zakaz w ogóle nie może istnieć, ponieważ nie może być niczym uzasadniony”. Kościół od pierwszych wieków nie odrzucał rzeźby. Świadczą o tym chociażby dość liczne figury „Dobrego Pasterza”, które przetrwały do ​​naszych czasów.

Kucie artystyczne - wytwarzanie przez obróbkę metali, która ma ogólną nazwę kucia, wszelkich wyrobów kutych, do dowolnego celu, posiadających bez wątpienia właściwości dzieła sztuki.

Odlewy artystyczne z metali szlachetnych, brązu i mosiądzu

Artystyczny odlew żeliwny

Ściganie - proces technologiczny wykonania rysunku, napisu, obrazu, który polega na wybiciu na talerzu pewnego reliefu. Jeden z rodzajów sztuki i rzemiosła.

Jest to jedna z opcji artystycznej obróbki metalu.

Technika gonitwy służy do tworzenia naczyń, paneli dekoracyjnych, różnorodnej biżuterii.

Relief na blasze tworzony jest za pomocą specjalnie wykonanych narzędzi - młotków kujących i wybijających, które wykonuje się zarówno z metalu, jak i drewna.

Do prac rzeźbionych stosuje się metale takie jak mosiądz, miedź, aluminium i stal o grubości od 0,2 do 1 mm, w niektórych przypadkach złoto i srebro.

Relief lub wzór można wybić, umieszczając blachę na końcu kalenicy brzozowej lub lipowej, na filcu, grubej gumie, płóciennej torbie z piaskiem rzecznym, warstwie plasteliny lub żywicy. W niektórych przypadkach płyta ołowiana jest wygodniejsza.

Olga Makenko
„Sztuka dekoracyjna i użytkowa jako sposób na zapoznanie dzieci z kulturą ludową”

Wstęp

Kultura ludowa jest jednym z ważnych elementów każdego narodu, ponieważ niesie doświadczenie minionych pokoleń, które ewoluowało na przestrzeni wieków. Kultura ludowa odzwierciedla życie i umiejętności naszych przodków, które odzwierciedlają się w taki czy inny sposób sztuki.

Uczenie się Kultura ludowa powinno być częścią programu nauczania dzieci. W końcu to od dzieciństwa kształtują się w ludziach nawyki i umiejętności. Aby poprawnie sformułować koncepcję świata, o sztuka od najmłodszych lat trzeba kształtować w umysłach dzieci wyobrażenia o otaczającym świecie, a także opowiadać o historii zarówno kraju jako całości, jak i regionu, w którym żyje. Dzieci są naszą kontynuacją, przyszłość zarówno rodziny jak i miasta, kraju i całego świata zależy od tego jak je wychowamy.

„Przewodniki” w takim przypadku rodzice i nauczyciele będą działać. Przyszli nauczyciele szkół pedagogicznych, dyrektorzy przedszkoli oraz metodycy wychowania przedszkolnego muszą znać podstawowe metody i techniki kierowania różnego rodzaju działaniami dzieci wiek przedszkolny. Wśród tego rodzaju działalności zajmuje duże miejsce obrazowo.

Kultura ludowa to kultura tradycyjna, co zawiera warstwy kulturowe różnych epok, od starożytności do współczesności, której przedmiotem jest ludzie kulturalny powiązania i mechanizmy życiowej aktywności. Taki kultura niepiśmienna, dlatego tak duże znaczenie ma w nim tradycja jako sposób przekazywania ważnych społecznie informacji.

Uczenie się jest możliwe na kilka sposobów dziecięca kultura ludowa. Należą do nich literatura, kino i bajki. Możesz dołączyć obrazy, gry i wiele, wiele więcej.

W tej pracy rozważymy plastyka i rękodzieło jako sposób na zapoznanie dzieci z kulturą ludową. Aby osiągnąć ten cel, konieczne będzie przede wszystkim rozważenie podstawowych pojęć tego tematu. Pojęcie to, jego główne kierunki i rodzaje; pojęcie Kultura ludowa; I sposoby wprowadzania dzieci w kulturę ludową.

Reprezentuje sekcję sztuka dekoracyjna, która obejmuje kilka gałęzi twórczości poświęconych tworzeniu produktów artystycznych i przeznaczonych głównie do życia codziennego. Pracuje może być sztuka i rzemiosło: różne przybory, meble, broń, tkaniny, narzędzia, a także inne produkty, które nie są dziełami w swoim pierwotnym przeznaczeniu sztuka, Ale nabywać jakość artystyczna dzięki zastosowaniu do nich pracy artysty; odzież i wszelkiego rodzaju biżuterię.

Od drugiej połowy XIX wieku w literaturze naukowej ustala się klasyfikacja branż sztuka i rzemiosło:

1. W zależności od użytego materiału (ceramika, metal, tekstylia, drewno);

2. W zależności od techniki wykonania (rzeźba, druk, odlew, tłoczenie, haft, malowanie, intarsja).

Zaproponowana klasyfikacja wiąże się z ważną rolą zasady konstrukcyjno-technologicznej w sztuka i rzemiosło i jego bezpośrednie związek z produkcją.

Należy jednocześnie do sfer kreacji oraz wartości materialnych i duchowych. Dzieła sztuki sztuka i rzemiosło nierozerwalnie związany z materiałem kultura współczesnej epoki, są ściśle związane z odpowiadającym im stylem życia, z różnymi lokalnymi cechami etnicznymi i narodowymi, grupami społecznymi i różnicami klasowymi.

Dzieła sztuki sztuka i rzemiosło stanowią organiczną część przedmiotu środowiska, z którymi człowiek ma codzienny kontakt, a swoimi walorami estetycznymi, strukturą figuratywną, charakterem stale wpływają na stan umysłu człowieka, jego nastrój, są ważnym źródłem emocji, które wpływają na jego stosunek do otaczającego go świata. Dzieła sztuki sztuka i rzemiosło estetycznie nasycić i przekształcić Środa otaczające człowieka, a jednocześnie jakby przez nią pochłonięte, tak jak zazwyczaj postrzegane są w połączeniu z jego rozwiązaniem architektoniczno-przestrzennym, z innymi obiektami w nim zawartymi lub ich zespołami (zestaw mebli lub serwis, kostium lub komplet biżuterii). Pod tym względem ideologiczne znaczenie dzieł sztuka i rzemiosło można zrozumieć najpełniej tylko z prawdziwym wyobrażeniem o tych relacjach podmiotu z środowisko i człowiek.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa powstała na najwcześniejszych etapach rozwoju społeczeństwa ludzkiego i przez wiele wieków była najważniejsza, a dla wielu plemion i narodowości główny obszar twórczości artystycznej.

Według innego źródła, sztuka i rzemiosło- jest to tworzenie wyrobów artystycznych, które mają zastosowanie praktyczne (przybory gospodarstwa domowego, naczynia, tkaniny, zabawki, biżuteria itp., a także artystyczna obróbka starych przedmiotów) (meble, ubrania, broń itp.). Również, podobnie jak w poprzedniej notacji, mistrzowie sztuka i rzemiosło stosowana jest szeroka gama materiałów - metal (srebro, złoto, platyna, brąz, a także różne stopy, drewno, glina, szkło, kamień, tekstylia (naturalne i sztuczne tkaniny) itd.

Wytwarzanie wyrobów z gliny nazywa się ceramiką, z kamieni szlachetnych i metali - biżuterią. sztuka. W procesie tworzenia dzieł sztuki z metalu stosuje się techniki odlewania, kucia, golenia, grawerowania; tekstylia są zdobione haftem lub nadrukami (na tkaninę nakłada się pomalowaną drewnianą lub miedzianą deskę i uderza specjalnym młotkiem, uzyskując odcisk); przedmioty drewniane - rzeźby, intarsje i kolorowe obrazy. Malowanie naczyń ceramicznych nazywa się malowaniem wazonów.

Wyroby artystyczne są ściśle związane ze sposobem życia i zwyczajami danej epoki, ludzie lub grupa społeczna (szlachta, chłopi itp.). Już prymitywni rzemieślnicy dekorowali naczynia wzorami i rzeźbieniami, wykonywali prymitywne ozdoby ze zwierzęcych kłów, muszli i kamieni. Przedmioty te ucieleśniały idee starożytnych ludzi na temat piękna, struktury świata i miejsca w nim człowieka.

Tradycje starożytności sztuka nadal pojawiają się w folklorze i produktach rękodzieło.

W związku z powyższym zwracamy uwagę na główne punkty. A więc termin sztuka i rzemiosło warunkowo łączy dwa rozległe rodzaje sztuki: dekoracyjne i stosowane. W przeciwieństwie do dzieł dobrych sztuka przeznaczone do przyjemności estetycznej i odnoszące się do czystej sztuka, liczne przejawy dekoracyjny- Sztuka użytkowa ma głównie praktyczne zastosowanie w życiu codziennym. To cecha charakterystyczna tego gatunku. sztuka.

Dzieła sztuki sztuka i rzemiosło mieć pewne cechy: jakość estetyczna, zaprojektowane z myślą o efekcie artystycznym i służą do dekoracji życia codziennego i wnętrz.

Rodzaje sztuka dekoracyjna: szycie, dzierganie, wypalanie, tkanie dywanów, tkanie, haftowanie, artystyczna obróbka skóry, patchwork (szycie z patchworku, artystyczne rzeźbienie, rysowanie itp. Z kolei należy zauważyć, że niektóre rodzaje sztuka i rzemiosło podlegają własnej klasyfikacji. Na przykład spalanie to rysowanie wzoru na powierzchni jakiegoś materiału organicznego za pomocą gorącej igły i Zdarza się: wypalanie drewna, wypalanie tkanin (giloszowanie, wykonywanie aplikacji poprzez wypalanie specjalną aparaturą, tłoczenie na gorąco.

2. Kultura ludowa

Wcześniej podano już definicję tego pojęcia. Kultura ludowa. Powtarzam kultura ludowa to kultura tradycyjna, co zawiera kulturalny warstwy z różnych epok – od starożytności do współczesności, których tematem jest ludzie- osobowość zbiorowa, co oznacza zjednoczenie wszystkich jednostek kolektywu przez wspólnotę kulturalny powiązania i mechanizmy życiowej aktywności. Ten kultura niepiśmienna, dlatego też tradycja ma w niej ogromne znaczenie, jako sposób przekazywania ważnych dla społeczeństwa informacji. Ta definicja jest dość pojemna, ale nie jedyna. Sięgnijmy do innych źródeł.

Pod kultura rozumieć ludzką działalność w jej najróżniejszych przejawach, w tym wszelkie formy i metody autoekspresji i samopoznania, akumulację umiejętności i zdolności przez osobę i społeczeństwo jako całość. kultura to zespół zrównoważonych form działalności człowieka, bez których nie może się on reprodukować, a co za tym idzie – istnieć. Kultura to zbiór kodów które nakazują określone zachowanie osobie z jej nieodłącznymi doświadczeniami i myślami, wywierając w ten sposób na nią wpływ kierowniczy. źródło pochodzenia kultura myśli o działalności człowieka.

koncepcja " ludzie„w językach rosyjskim i europejskim to populacja, zbiór jednostek. Również, ludzie jest rozumiana jako wspólnota ludzi, którzy urzeczywistnili się jako wspólnota etniczna lub terytorialna, klasa społeczna, grupa, niekiedy reprezentująca całe społeczeństwo, np. (ogólny) przekonania, przekonania lub ideały.

Ta wspólnota działa jako podmiot i nośnik szczególnej całości kultura, odmiennych w wizji świata, sposobach wcielania się w różne formy folkloru i kierunki bliskie folklorowi praktyki kulturowe co często sięga starożytności. W odległej przeszłości cała społeczność (klan, plemię, później etnos) była jego nosicielem. (ludzie) .

W przeszłości, Kultura ludowa określał i utrwalał wszelkie aspekty życia, zwyczaje, obrzędy, regulował relacje między członkami społeczności, typ rodziny, wychowanie dzieci, charakter mieszkania, sposoby zagospodarowania otaczającej przestrzeni, rodzaj ubioru, stosunek do natury, świata, legend, wierzeń, języka, twórczości artystycznej. Innymi słowy, ustalano, kiedy siać zboże i zbierać plony, wypędzać bydło, jak budować relacje w rodzinie, we wspólnocie i tak dalej. Obecnie, w okresie komplikacji stosunków społecznych, pojawiło się wiele dużych i małych grup społecznych typu formalnego i nieformalnego, nastąpiło rozwarstwienie społecznych i społecznych praktyki kulturowe, Kultura ludowa stała się jednym z elementów nowoczesnej wielowarstwowej kultura.

W twórczość kultury ludowej anonimowa, ponieważ autorstwo osobiste nie jest realizowane i niezmiennie dominuje ukierunkowanie na wzór przejęty z poprzednich pokoleń. Cała społeczność niejako „posiada” ten model, a jednostka (narrator, mistrz rzemiosła, nawet bardzo zręczny, postrzega wzorce, normy odziedziczone po przodkach, identyfikuje się ze wspólnotą, ma świadomość swojej przynależności kultura locus, etnos, subetnos.

Manifestacje Kultura ludowa jest utożsamianie się z własnym ludzie, jego tradycje w stereotypach zachowań i działań społecznych, codziennych wyobrażeniach, wyborach kulturalny standardy i normy społeczne, orientacje na określone formy spędzania wolnego czasu, amatorska praktyka artystyczna i twórcza.

Ważna jakość Kultura ludowa we wszystkich okresach jest tradycyjna. O treści normatywnej i semantycznej decyduje tradycjonalność Kultura ludowa, społeczne mechanizmy jej transmisji, dziedziczenie w bezpośredni twarzą w twarz, mistrz z uczniem, z pokolenia na pokolenie.

Zatem, kultura ludowa to kultura, tworzone na przestrzeni tysiącleci, drogą doboru naturalnego, przez anonimowych twórców – ludzi pracy, przedstawicieli ludzie którzy nie mają wykształcenia specjalnego i zawodowego. Kultura ludowa jest: religijne (chrześcijańskie, moralne, domowe, praca, zdrowie, gry, rozrywka podsystemy kulturowe. Ten kultura zapisane w folklorze rękodzieło ludowe istnieje w zwyczajach i sposobie życia, w dekoracji domu, w tańcu, pieśni, ubiorze, w naturze żywienia i edukacji dzieci(pedagogika ludowa) .Kultura ludowa jest podstawą narodowego kultura, pedagogika, charakter, samoświadomość. Zapoznanie dzieci z genezą kultury ludowej oznacza zachowanie tradycji ludzie, ciągłość pokoleń, wzrost jego ducha.

3. Sposoby wprowadzania dzieci w kulturę ludową.

Ze względu na specyfikę wieku, np komunia dziecko do którejkolwiek z umiejętności wymaga specjalnego podejścia. Zasadniczo używa się do tego gry, ponieważ jest ona najbardziej interesująca dla dzieci. W trakcie zabawy dzieci zaczynają interesować się tematem, co pozwala im odsłonić najistotniejsze elementy bez narzucania ich dziecku, ale łatwo i bez przymusu. Gry są wybierane z uwzględnieniem przenoszenia przydatnych informacji na ich temat. kultura ludzi, na terytorium którego mieszka lub o którym musisz opowiedzieć. Podczas gry powiedz cechy narodowości, można je również uwzględnić w regulaminie. Na przykład możesz zorganizować grę konkurs: kto dostrzeże więcej szczegółów, kto wymieni bardziej znane kolory, odcienie lub obiekty przedstawione na obrazku i tak dalej. Taka zabawa pobudza ich aktywność poznawczą, rozwija spostrzegawczość u dzieci, uczy formułowania i wyrażania myśli.

Oprócz gry możliwe jest rysowanie, malowanie. Malarstwo pejzażowe to jeden z najbardziej lirycznych i emocjonalnych gatunków sztuki. sztuka, to najwyższy etap artystycznego rozwoju przyrody, inspirująco i obrazowo odtwarzający jej piękno. Gatunek ten przyczynia się do rozwoju emocjonalnego i estetycznego dzieci, wychowuje życzliwy i troskliwy stosunek do przyrody, jej piękna, budzi szczerą miłość do swojej ziemi, swojej historii. Malarstwo pejzażowe rozwija wyobraźnię i myślenie asocjacyjne dziecka, zmysłowość, sferę emocjonalną, głębię, świadomość i wszechstronność postrzegania przyrody i jej obrazu w dziełach sztuka, umiejętność wczucia się w artystyczny obraz krajobrazu, umiejętność skorelowania swojego nastroju z własnym.

Identyfikacja zdolności dzieci a ich prawidłowy rozwój jest jednym z najważniejszych zadań pedagogicznych. I należy o tym decydować, biorąc pod uwagę wiek. dzieci, rozwój psychofizyczny, warunki kształcenia i inne czynniki. Rozwój umiejętności w dzieci na plastykę tylko wtedy przyniesie owoce, gdy nauka rysunku będzie prowadzona przez nauczyciela systematycznie i systematycznie. W przeciwnym razie rozwój ten będzie przebiegał losowo, a zdolności wzrokowe dziecka mogą pozostać w powijakach.

Dzieci uwielbiają próbować nowych rzeczy. Ważne jest, aby nie zepsuć stosunku dziecka do kreatywności, ponieważ może to wpłynąć na jego przyszłe życie. Trzeba pozwolić mu ujawnić swoje możliwości i nie besztać, jeśli coś nie wyjdzie. W końcu ludzie od dzieciństwa mają preferencje: kto lubi rysować, ktoś odnajduje się w muzyce, inni zostaną humanistami. Mając to na uwadze, należy stosować różne metody nauczania dzieci aby sami decydowali o sobie, co im się podoba, inaczej w przyszłości przy wyborze zawodu będą decydowały czynniki narzucone z zewnątrz, a nie to, co jest naprawdę interesujące i czemu warto poświęcić swoje życie. Zdobądź pełną kwotę fundusze i sposobów przedstawiania, które składają się na umiejętności obrazkowe, dziecko nie może. Znajomość przez nauczyciela cech wyrazistości środki każdej sztuki pomagają ustalić które z nich dziecko może zrealizować i opanować, a które są dla niego niedostępne.

Zatem głównym celem rozwoju edukacji przedszkolnej jest kształtowanie osobowości dziecka, rozwój jego zdolności twórczych. Na zajęciach z dziećmi głównym zadaniem nauczyciela jest zwrócenie ich uwagi na obrazek, rzeźba lub innej pracy i zatrzymaj ją. Dzieci są bardziej zainteresowane obrazami, jeśli nauczycielowi uda się rozbudzić ich wyobraźnię, włączyć dzieci do gry. Możesz na przykład poprosić, aby wyobraziły sobie siebie na miejscu postaci z obrazka, przedyskutowały, co każdy z nich zrobiłby na miejscu przedstawionej postaci, jakie emocje przeżywa, jakimi słowami określiłby swój stan. Ogólnie rzecz biorąc, poproś dziecko, aby opowiedziało o sobie w przedstawionej sytuacji.

Wniosek

Zapoznanie dzieci z plastyką i rękodziełem Jest to znajomość tradycyjnych artykułów gospodarstwa domowego. Dzieci uczą się, jak i do czego użyto tej lub innej rzeczy, spróbuj użyć jej samodzielnie. Ponadto dzieci są zachęcane do rozważenia dekoracyjne wzory, wyjaśnia symboliczne znaczenie poszczególnych elementów ornamentu. Ważne jest zwrócenie uwagi dziecka na powtarzalność wzorów i poszczególnych elementów na różnych przedmiotach oraz opowiedzenie, jakie tradycyjne sposoby zdobienia rzeczy są charakterystyczne dla różnych regionów Rosji.

W klasach, które koncentrują się na tradycyjnych rękodzieło, dzieci poznają podstawowe zasady konstruowania ozdoby, uczą się prawidłowego wykonywania powtarzających się elementów. Próbkami do modelowania i malowania dla dzieci mogą być tradycyjne naczynia, zabawki i inne artykuły gospodarstwa domowego.

W celu zapoznawanie dzieci ze sztuką stosowane są zajęcia poznawcze i twórcze, polegające na zwiedzaniu różnych wystaw malarstwa, rzeźby, sztuki ludowej i tak dalej. Wycieczki z przewodnikiem są dostępne, ale są przeznaczone dzieci powyżej piątego roku życia. Eksponaty ekspozycyjne, których oglądaniu towarzyszą objaśnienia przewodnika, utrwalają wiedzę i umiejętności zdobyte na zajęciach z edukacji estetycznej.

Sztuka dekoracyjna i stosowana jest w ścisłym związku z Kultura ludowa. Ten typ sztuka ucieleśnia kulturę ludową. Używając sztuki i rzemiosła, można studiować kulturę ludową.

Sztuka dekoracyjna i stosowana zawiera wiele przydatnych informacji dzieci w trakcie studiowania historii własnego lub obcego kraju, narodu lub społeczności. Jak sposób na zapoznanie się z kulturą ludową rzemiosło artystyczne i użytkowe jest jednym z najskuteczniejszych i najciekawszych.

sztuka dekoracyjna, rodzaj sztuk plastycznych, których dzieła wraz z architekturą artystycznie kształtują materialne środowisko otaczające człowieka i wprowadzają do niego estetyczną zasadę ideologiczną i figuratywną.

Obejmuje różne sztuki, które służą do ozdabiania dzieł architektury i sztuki ogrodowej i parkowej (sztuka monumentalna i zdobnicza), tworzenia przedmiotów artystycznych do życia publicznego i prywatnego (sztuka zdobnicza), artystycznego projektowania uroczystości, spektakli, ekspozycji itp. (sztuka zdobnicza).

Sztuka i Rzemiosło

(z łac. decoro - dekoruję) - dział plastyki, okrycia tworzenie produktów artystycznych mający cel użytkowy i artystyczny. Termin zbiorowy warunkowo łączy dwa szerokie rodzaje sztuk: dekoracyjną i stosowaną. W przeciwieństwie do dzieł sztuki, przeznaczonych do estetycznej przyjemności i należących do czystej sztuki, liczne przejawy sztuka i rzemiosło może mieć praktyczne zastosowanie w życiu codziennym.

Dzieła sztuki i rzemiosła stanowią część przedmiotowego środowiska otaczającego człowieka i wzbogacają je estetycznie.

Dzieła sztuki i rzemiosła spełniać kilka wymagań: mieć walory estetyczne; zaprojektowany dla efektu artystycznego; służyć dla. Takimi dziełami są: ubrania, tkaniny sukiennicze i dekoracyjne, dywany, meble, szkło artystyczne, porcelana, fajans, biżuteria i inne wyroby artystyczne. Od drugiej połowy XIX wieku literatura naukowa ustaliła podział gałęzi sztuki zdobniczej i użytkowej według materiału (metal, ceramika, tekstylia, drewno), techniki obróbki materiału (rzeźba, malarstwo, druk, odlewnictwo, tłoczenie, intarsja itp.) oraz cech użytkowych przedmiotu (meble, naczynia, zabawki). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjnej i technologicznej w sztuka i rzemiosło i jego bezpośredni związek z produkcją.

Wywodząca się z czasów starożytnych sztuka i rzemiosło stało się jedną z najważniejszych dziedzin sztuki ludowej. Jego historia związana jest z rzemiosłem artystycznym, przemysłem artystycznym, z działalnością profesjonalnych artystów i rzemieślników, a od początku XX wieku z budownictwem artystycznym i projektowaniem.

Historia rozwoju sztuki zdobniczej

Sztuka i Rzemiosło istniała już na wczesnym etapie rozwoju społeczeństwa ludzkiego i przez wiele wieków była najważniejszą, a dla wielu plemion i narodowości główną dziedziną twórczości artystycznej. Najstarsze prace sztuka i rzemiosło charakteryzuje się wyjątkową zawartością obrazów, dbałością o estetykę materiału, racjonalną konstrukcję. W tradycyjnej sztuce ludowej ten nurt przetrwał do dziś.

Człowiek od dawna starał się ozdobić swój dom i wszystko, z czym miał do czynienia w życiu codziennym. Rzemieślnik ludowy, wykonując jakąkolwiek rzecz, myślał nie tylko o jej praktycznym przeznaczeniu, ale także o pięknie. Z najprostszych materiałów - drewna, metalu, kamienia, gliny - stworzył prawdziwe dzieła sztuki, które oddawały poetyckie wyobrażenie mistrza o otaczającym go świecie.

Rodzima natura zawsze znajdowała odzwierciedlenie w sztuce ludowej. Zioła i kwiaty znane każdemu od dzieciństwa, obrazy ptaków i zwierząt, nieba i słońca, ziemi i wody, przetworzone przez wyobraźnię artysty, zamieniły się w jasny, wyrazisty ornament w produkcie.

Z biegiem czasu zainteresowanie bogactwem materiału i nabiera coraz większego znaczenia. Wyróżnia się wyroby służące celom reprezentacyjnym (przedmioty do obrzędów kultowych lub ceremonii dworskich, do dekoracji domów szlacheckich), w których dla wzmożenia emocjonalnego brzmienia często poświęcają codzienną celowość konstruowania formy.

Nowoczesne wyroby rzemiosła artystycznego tworzone są z uwzględnieniem zarówno tradycji ludowych, jak i współczesnych trendów mody. Do tej pory najpopularniejszymi przedmiotami tej sztuki, owianej mgłą starożytnych tradycji, są wyroby ze stali i brązu, ręcznie tkane dywany i zdobione tradycyjnymi ornamentami – w krajach wschodnich; ceramika, przedmioty z muszli morskich - na południu; maski rytualne - w Afryce; wyroby z bursztynu – w regionie bałtyckim; porcelana, emalia cloisonne, tkaniny malowane w kwiaty, owoce, fantastyczne zwierzęta - w Chinach i Japonii, Korei.

Stylizacja w sztuce i rzemiośle

Sztuka dekoracyjna i użytkowa ma swój własny język i własne prawa. Wyrażając ideę piękna za pomocą konkretnych środków, nigdy nie stara się ślepo kopiować otaczającego go świata, ale przekazuje tylko to, co najbardziej charakterystyczne i wyraziste. Artysta twórczo przerabia formy występujące w przyrodzie z uwzględnieniem specyfiki materiału, jego walorów dekoracyjnych oraz cech obróbki technologicznej.

Język sztuki i rzemiosła wyróżnia stylizacja lub wręcz przeciwnie niezwykła precyzja form; odsłanianie i odtwarzanie tekstury i właściwości plastycznych materiału; wykorzystanie ornamentyki, obejmującej zarówno motywy tradycyjnych obrazów, jak i formy awangardowe. Budowa kompozycyjna dekoracji w przedmiotach sztuki i rzemiosła opiera się zawsze na harmonii części i całości.

Znany od czasów starożytnych. Jako metoda twórczości artystycznej osiągnęła wysoki poziom w zdobnictwie asyryjsko-babilońskim, perskim, starożytnego Egiptu i starożytnej Grecji, w których obok geometrycznych linii i wzorów często wykorzystywano przedmioty flory i fauny, zarówno rzeczywiste, jak i fikcyjne, stylizowane z dużym kunsztem i smakiem, a nawet postacie ludzkie. Współcześnie kompozycje ornamentalne z elementami stylizacyjnymi są szeroko stosowane w malowidłach ściennych, mozaikach, sztukateriach, rzeźbionej, rzeźbionej i kutej biżuterii i wyrobach, w hafcie, w kolorystyce tkanin.

Stylizacja twórcza w sztukach wizualnych z konieczności ma charakter indywidualny, implikuje autorską wizję i artystyczne przetwarzanie zjawisk i przedmiotów otaczającej rzeczywistości, aw efekcie ukazanie ich z elementami nowości.

Wraz ze stylizacją twórczą istnieje stylizacja imitacyjna, która implikuje obecność gotowego wzoru do naśladowania i polega na naśladowaniu stylu określonej epoki, znanych trendów artystycznych, stylów i technik twórczości określonego ludu, stylów znanych mistrzów. Jednak pomimo istniejącej już próbki, stylizacja imitacyjna nie powinna mieć charakteru bezpośredniego kopiowania. Naśladując ten lub inny styl, twórca stylizowanego dzieła powinien dążyć do wniesienia do niego własnej indywidualności, na przykład wybierając fabułę, nową wizję koloru lub ogólne rozwiązanie kompozycyjne. Stopień tej artystycznej nowatorstwa z reguły w dużej mierze przesądzi o wartości dzieła stylizowanego.

Podczas tworzenia wyrobów sztuki dekoracyjnej i użytkowej najbardziej owocną metodą jest kreatywna stylizacja. Lepszą nazwą dla tej ważnej metody artystycznej mogłaby być nie stylizacja, ale interpretacja, która trafniej oddaje istotę i specyfikę tego procesu twórczego: artysta patrzy na przedmiot z otaczającego go życia, interpretuje go i przekazuje emocjonalnie tak, jak go czuje, czuje. Innymi słowy, niejako odtwarza ten naturalny przedmiot, ale w formie symbolu artystycznego. Przy takiej interpretacji najlepiej kierować się twórczą zasadą triady: „Poznaj, oceń i ulepsz”.

Kompozycja dekoracyjna to kompozycja o wysokim stopniu wyrazistości i zmodyfikowanych, stylizowanych lub abstrakcyjnych elementach, które nadając jej dekoracyjny wygląd, wzmacniają jej percepcję zmysłową. Tak więc głównym celem kompozycji dekoracyjnej jest osiągnięcie maksymalnej wyrazistości i emocjonalności przy częściowym lub całkowitym (w kompozycjach nieobiektywnych) odrzuceniu autentyczności, co staje się niepotrzebne, a nawet niepokojące.

Głównymi cechami wspólnymi, które pojawiają się w procesie stylizacji przedmiotów i elementów kompozycji dekoracyjnej, są prostota form, ich uogólnienie i symbolika, ekscentryczność, geometryczność, barwność i zmysłowość.

Stylizację dekoracyjną cechuje uogólnienie i symbolika przedstawionych przedmiotów i form. Ta artystyczna metoda zakłada świadome odrzucenie całkowitej autentyczności obrazu i jego szczegółowości. Metoda stylizacji wymaga odseparowania od obrazu wszystkiego, co zbędne, drugorzędne, ingerujące w czytelną percepcję wzrokową, aby wyeksponować istotę przedstawionych przedmiotów, wyeksponować w nich to, co najważniejsze, zwrócić uwagę widza na ukryte wcześniej piękno i wywołać w nim odpowiadające mu żywe emocje.

Wraz z rozwojem architektury wnętrz konieczne stało się tworzenie dzieł sztuki i rzemiosła, które bez stylizacji nie spełniałyby współczesnych wymagań estetycznych.

Dekoracyjne i stosowane odmiany sztuki i rzemiosła

Konieczne jest rozróżnienie między dekoracyjnymi i stosowanymi odmianami sztuki i rzemiosła. Jeśli więc przedmioty sztuki użytkowej (meble, naczynia, naczynia, biżuteria) okazują się artystyczne i wyraziste głównie ze względu na estetyczną doskonałość ich formy (piękno sylwetki, proporcje, elegancja linii, mistrzowska obróbka materiału itp.), to prace dekoracyjne (malarstwo na ścianach i przedmiotach gospodarstwa domowego, dekoracyjne płaskorzeźby rzeźbiarskie, drobne figurki, gobeliny, hafty, dywany, ornamenty rzeźbione itp.) są nieodłącznym elementem kompozycji obrazowych, fabularnych lub dekoracji ornamentalnych.

Aby produkty nie zostały pozbawione walorów estetycznych, zaprasza się artystę, którego zadaniem nie jest produkcja całości produktu, a jedynie jego dekoracja: artysta zaczął „nakładać” swoją sztukę na gotowy produkt. Tak więc wraz z rozwojem produkcji przemysłowej powstaje przemysł artystyczny, w którym swoje miejsce znajduje metoda sztuki użytkowej - dekorowanie wyrobów malowaniem, rzeźbieniem, inkrustacją itp. Ale piękno przedmiotu tkwi nie tylko w dekoracji, choć i do tego potrzebna jest wielka sztuka. Obiekt powinien być wyrazisty jako całość - w swojej konstrukcji, proporcjach i detalach.

W sztuce użytkowej forma produktu, jego projekt architektoniczny niesie ze sobą zarówno użytkową istotę przedmiotu, jak i jego estetyczną ekspresję. Jednocześnie formy wyrobów sztuki użytkowej są historycznie zmienne: w różnych epokach charakteryzują się różnymi motywami - luksusem, manierą lub, przeciwnie, prostotą, naturalnością. Współczesna rzeczywistość wyraża tendencję do prostoty, zwięzłości, odrzucania nadmiaru detali, niewielkich rozmiarów i oszczędności. Artystycznie zaprojektowane rzeczy nie tylko ozdabiają codzienne życie, ale także odgrywają ogromną rolę w kształtowaniu artystycznego gustu.

Wiele doskonałych przykładów sztuki zdobniczej i użytkowej można zobaczyć w muzeach sztuki, historii, etnografii, historii lokalnej, a także w książkach, albumach i na łamach czasopism. Każda wystawa sztuki ludowej jest zawsze odkrywaniem świata piękna i doskonałości. Wyroby dawnych mistrzów i współczesnych artystów niezmiennie budzą zachwyt zwiedzających, a ktoś ma ochotę naśladować przykład rzemieślników ludowych.

Aby przedmiot stał się dziełem sztuki, musi być nie tylko poddany obróbce „zgodnie z prawami piękna”, ale także nieść ze sobą określoną treść ideową i emocjonalną. W tym celu odpowiednio wykorzystuje się materiał, bierze się pod uwagę najodpowiedniejszą formę obiektu (jego proporcje, powtarzalność rytmiczną, strukturę tektoniczną), szczególne znaczenie ma stosunek skal między poszczególnymi częściami obiektu a osobą, stosuje się specjalną metodę obróbki powierzchni przedmiotu – dekor. Dlatego tworzenie rzeczy pięknych jest istotnym przejawem obiektywnej aktywności, która niesie ze sobą głęboką ekspresję estetyczną. Wrażenie wywierane przez sztukę użytkową często może być tak silne, jak wpływ obrazu lub rzeźby.

W przeciwieństwie do masowych przedmiotów bez twarzy, ręcznie robione przedmioty są zawsze wyjątkowe. Po mistrzowsku wykonane sprzęty gospodarstwa domowego, meble, elementy wyposażenia wnętrz są drogie. A jeśli w dawnych czasach były to przedmioty użytkowe, to dziś przeszły do ​​kategorii sztuki. Piękna rzecz wykonana przez wykwalifikowanego rzemieślnika zawsze będzie w cenie.

Przypływ sił artystycznych w sztuce użytkowej

Metody pracy rzemieślniczej

W Europie Zachodniej pozycja artysty zaczęła się zmieniać w XVI wieku. Upadek gospodarki miejskiej, który ogarnął niemal całą Europę Zachodnią, doprowadził do kryzysu życia artystycznego. We Włoszech warsztaty artystyczne tracą na znaczeniu. Cóż bowiem mogłoby być prawdziwą siłą warsztatu, gdyby istniały takie niezależne osoby jak Michał Anioł czy Tycjan? W niektórych miastach warsztaty są podporządkowane władzy państwowej, w innych są całkowicie likwidowane, a artyści zostają bez zwykłego wsparcia klasowego, pozostawieni samym sobie. Niektóre z nich stają się żywiołem zdeklasowanym, swoistym prekursorem bohemy. Część próbuje znaleźć schronienie na dworach i zostaje sługami szlachty. Pragnienie zdobycia stopni dworskich i tytułu szlacheckiego jest powszechne.

Konsekwencją trudnej sytuacji sztuk pięknych, która powstała w związku z rozprzestrzenianiem się reformacji, był gwałtowny wzrost sił artystycznych w sztukach użytkowych: rozkwitło jubilerstwo, srebrzenie i stolarstwo, produkcja wyrobów ceramicznych i cyny itp. Często (luksusowo zaprojektowane zegarki, przyrządy nawigacyjne, broń i zbroje). Cechą charakterystyczną XVI wieku w krajach Europy Północnej było podporządkowanie mistrzów sztuk plastycznych artystom użytkowym: kreślarze i rytownicy wykonywali specjalne wzory zdobnicze, rzeźbiarze wykonywali modele do zdobienia mebli, sprzętów i przyborów kuchennych. Upowszechniają się rzemieślnicze metody pracy: powielanie próbek rzeźbiarskich, stosowanie techniki akwaforty w grawerowaniu w celu przyspieszenia obróbki blachy miedzianej itp.

W przeciwieństwie do masowych przedmiotów bez twarzy, ręcznie robione przedmioty są zawsze wyjątkowe. Po mistrzowsku wykonane sprzęty gospodarstwa domowego, ubrania, elementy wyposażenia wnętrz są drogie. A jeśli w dawnych czasach były to przedmioty użytkowe, to dziś przeszły do ​​kategorii sztuki. Piękna rzecz wykonana przez dobrego rzemieślnika zawsze będzie cenna.

W ostatnich latach rozwój sztuki użytkowej nabrał nowego rozpędu. Ten trend jest zachęcający. Piękne naczynia z drewna, metalu, szkła i gliny, koronki, tekstylia, biżuteria, hafty, zabawki - po kilkudziesięciu latach zapomnienia wszystko to znów stało się aktualne, modne i poszukiwane.

Historia Moskiewskiego Muzeum Sztuki Ludowej

W 1981 roku w Moskwie przy ulicy Delegackiej otwarto Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej. W jej zbiorach znajdują się unikatowe próbki rękodzieła rodzimych mistrzów z przeszłości, a także najlepsze dzieła artystów współczesnych.

W 1999 roku miało miejsce następujące ważne wydarzenie - Wszechrosyjskie Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej przyjęło do swojej kolekcji eksponaty Muzeum Sztuki Ludowej im. Savvy Timofeevicha Morozowa. Trzon tej kolekcji powstał przed rewolucją 1917 roku. Podstawą tego były eksponaty pierwszego rosyjskiego muzeum etnograficznego. Było to tzw. Muzeum Rękodzieła Sztuk Zdobniczych i Użytkowych, otwarte w 1885 roku.

Muzeum posiada specjalistyczną bibliotekę, w której można zapoznać się z rzadkimi książkami z zakresu teorii i historii sztuki.

Kolekcja muzealna

Tradycyjne rodzaje sztuki i rzemiosła są usystematyzowane i podzielone na działy. Główne obszary tematyczne to ceramika i porcelana, szkło, biżuteria i metal, rzeźba w kości i drewnie, tekstylia, miniatury lakowe i szlachetne materiały.

Muzeum Sztuki Zdobniczej i Użytkowej w zasobie otwartym i magazynach posiada ponad 120 tysięcy eksponatów. Rosyjską secesję reprezentują dzieła Vrubla, Konenkowa, Golovina, Andreeva i Malyutina. Bogata jest kolekcja sowieckiej porcelany i tkanin propagandowych z drugiej ćwierci ubiegłego wieku.

Obecnie to muzeum sztuki i rzemiosła ludowego uważane jest za jedno z najbardziej znaczących na świecie. Najstarsze eksponaty o dużej wartości artystycznej pochodzą z XVI wieku. Zbiory muzeum były zawsze aktywnie uzupełniane darowiznami od osób prywatnych, a także dzięki wysiłkom odpowiedzialnych urzędników aparatu państwowego w latach władzy radzieckiej.

W ten sposób unikalna ekspozycja tkanin powstała w dużej mierze dzięki hojności obywatela Francji P. M. Tołstoja-Miłosławskiego, który przekazał muzeum dużą kolekcję rosyjskich, orientalnych i europejskich tekstyliów, zebranych przez N. L. Szabelską.

Dwie duże kolekcje porcelany podarowali muzeum wybitni przedstawiciele sztuki radzieckiej - Leonid Osipowicz Utyosow oraz małżonkowie Maria Mironova i Aleksander Menaker.

Moskiewskie Muzeum Sztuki Stosowanej szczyci się salami poświęconymi życiu Rosjan w różnych okresach. Tutaj możesz zapoznać się z mieszkaniami przedstawicieli różnych klas. Meble, naczynia, ubrania chłopów i mieszkańców miast, zabawki dla dzieci zostały zachowane, odrestaurowane i wystawione do oglądania. Rzeźbione dekoracje opasek i szczytów dachów, piece kaflowe, skrzynie, które służyły nie tylko jako wygodne miejsce do przechowywania rzeczy, ale także jako łóżka, ponieważ były wykonane w odpowiednim rozmiarze, przywołują obrazy spokojnego, wyważonego i dobrze odżywionego życia rosyjskiego buszu.

Lakier miniaturowy

Miniatura lakowa jako sztuka użytkowa osiągnęła swój szczyt w XVIII i XIX wieku. Miasta słynące z warsztatów malowania ikon stały się ośrodkami artystycznymi, które dawały zezwolenie na pobyt głównym nurtom. Są to Palekh, Mstyora, Kholuy i Fedoskino. Szkatułki, broszki, panele, skrzynie wykonane z masy papierowej malowano farbami olejnymi lub temperą i werniksowano. Rysunki były stylizowanymi wizerunkami zwierząt, roślin, postaci z bajek i eposów. Artyści, mistrzowie miniatur lakowych, malowali ikony, wykonywali portrety na zamówienie, malowali sceny rodzajowe. Każda miejscowość rozwinęła swój własny styl pisania, ale prawie wszystkie rodzaje sztuki użytkowej w naszym kraju łączą takie cechy, jak nasycenie i jasność kolorów. Szczegółowe opracowanie rysunków, gładkie i zaokrąglone linie - to wyróżnia rosyjskie miniatury. Ciekawe, że obrazy dawnej sztuki użytkowej inspirują także współczesnych artystów. Wzory vintage są często wykorzystywane do tworzenia tkanin do kolekcji mody.

Malarstwo artystyczne na drewnie

Malarstwo Khokhloma, Mezen i Gorodets jest rozpoznawalne nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Meble, tuesas, pudełka, łyżki, miski i inne przybory domowe wykonane z drewna, malowane jedną z tych technik, są uważane za personifikację Rosji. Lekkie drewniane naczynia, pomalowane czarnymi, czerwonymi i zielonymi farbami na złotym tle, wyglądają na masywne i ciężkie - to charakterystyczny styl Khokhloma.

Produkty Gorodets wyróżniają się wielobarwną paletą kolorów i nieco mniejszą, w porównaniu z Khokhloma, okrągłością form. Jako fabuły wykorzystywane są sceny rodzajowe, a także wszelkiego rodzaju fikcyjni i prawdziwi przedstawiciele świata zwierząt i roślin.

Sztuka i rzemiosło regionu Archangielska, w szczególności malarstwo Mezen na drewnie, to przedmioty użytkowe ozdobione specjalnymi wzorami. Rzemieślnicy Mezen używają do swojej pracy tylko dwóch kolorów - czarnego i czerwonego, czyli sadzy i ochry, ułamkowy schematyczny rysunek wt, szkatułek i skrzyń, fryzy w postaci obramowań z powtarzających się ściętych postaci koni i jeleni. Statyczny mały, często powtarzający się wzór wywołuje wrażenie ruchu. Malarstwo Mezen jest jednym z najstarszych. Te rysunki, których używają współcześni artyści, to inskrypcje hieroglificzne, które były używane przez plemiona słowiańskie na długo przed powstaniem państwa rosyjskiego.

Rzemieślnicy drewna przed wytoczeniem jakiegokolwiek przedmiotu z litego pręta zabezpieczają drewno przed pękaniem i wysychaniem, dzięki czemu ich wyroby mają bardzo długą żywotność.

Tace Zhostovo

Malowane kwiatami metalowe tace są sztuką użytkową podmoskiewskiego Żhostowa. Tace Zhostovo, niegdyś pełniące wyłącznie funkcję użytkową, od dawna służą jako dekoracja wnętrz. Jasne bukiety dużego ogrodu i małych dzikich kwiatów na czarnym, zielonym, czerwonym, niebieskim lub srebrnym tle są łatwo rozpoznawalne. Charakterystyczne bukiety Zhostovo zdobią teraz metalowe pudełka z herbatą, ciastkami lub słodyczami.

Szkliwo

Taka sztuka i rzemiosło, jak emalia, odnosi się również do malowania na metalu. Najbardziej znane są produkty mistrzów z Rostowa. Przezroczyste farby ogniotrwałe nakłada się na blachę miedzianą, srebrną lub złotą, a następnie wypala w piecu. W technice gorącej emalii, jak nazywa się również emalię, wykonuje się biżuterię, naczynia, rękojeści broni i sztućce. Pod wpływem wysokiej temperatury farby zmieniają kolor, dlatego rzemieślnicy muszą zrozumieć zawiłości związane z obchodzeniem się z nimi. Najczęściej motywy kwiatowe są wykorzystywane jako wątki. Najbardziej doświadczeni artyści wykonują miniatury z portretami ludzi i krajobrazów.

Majolika

Moskiewskie Muzeum Sztuki Stosowanej daje możliwość obejrzenia dzieł uznanych mistrzów malarstwa światowego, wykonanych w sposób dla nich nie do końca charakterystyczny. Na przykład w jednej z sal znajduje się majolika Vrubela - kominek „Mikula Selyaninovich and Volga”.

Majolika to produkt wykonany z czerwonej gliny, malowany na surowej emalii i wypalany w specjalnym piecu w bardzo wysokiej temperaturze. W regionie Jarosławia sztuka i rzemiosło rozpowszechniły się i rozwinęły dzięki dużej liczbie złóż czystej gliny. Obecnie w szkołach w Jarosławiu dzieci uczą się pracy z tym tworzywem sztucznym. Sztuka użytkowa dzieci to drugi wiatr dla dawnych rzemiosł, nowe spojrzenie na tradycje ludowe. To jednak nie tylko hołd złożony narodowym tradycjom. Praca z gliną rozwija zdolności motoryczne, poszerza kąt widzenia i normalizuje stan psychosomatyczny.

gżel

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, w przeciwieństwie do sztuk pięknych, polega na utylitarnym, ekonomicznym wykorzystaniu przedmiotów tworzonych przez artystów. Porcelanowe czajniczki, wazony na kwiaty i owoce, świeczniki, zegary, uchwyty na sztućce, talerze i filiżanki są niezwykle delikatne i dekoracyjne. Na podstawie pamiątek z Gzhel wykonywane są nadruki na dzianinach i materiałach tekstylnych. Kiedyś myśleliśmy, że Gzhel to niebieski wzór na białym tle, ale początkowo porcelana Gzhel była wielokolorowa.

Haft

Haft na tkaninie jest jednym z najstarszych rodzajów robótek ręcznych. Początkowo przeznaczony był do ozdabiania strojów szlacheckich, a także tkanin przeznaczonych do obrzędów religijnych. Ta ludowa sztuka i rzemiosło przybyły do ​​nas z krajów Wschodu. Szaty bogatych ludzi były haftowane kolorowym jedwabiem, złotymi i srebrnymi nićmi, perłami, drogocennymi kamieniami i monetami. Najcenniejszy jest haft drobnymi ściegami, w którym daje się wrażenie gładkiego, jakby narysowanego farbami wzoru. W Rosji szybko zaczęto używać haftu. Pojawiły się nowe technologie. Oprócz tradycyjnego ściegu satynowego i krzyżykowego zaczęto haftować podwinięciami, czyli układać ażurowe ścieżki wzdłuż pustek utworzonych przez wyciągnięte nici.

Dymkowo zabawki dla dzieci

W przedrewolucyjnej Rosji ośrodki rzemiosła ludowego oprócz przedmiotów użytkowych produkowały setki tysięcy zabawek dla dzieci. Były to lalki, zwierzęta, naczynia i meble do zabawy dla dzieci, gwizdki. Sztuka dekoracyjna i użytkowa tego kierunku jest nadal bardzo popularna.

Symbol ziemi Vyatka - zabawka Dymkovo - nie ma odpowiedników na świecie. Jasne kolorowe panienki, panowie, pawie, karuzele, kozy są natychmiast rozpoznawalne. Żadna zabawka się nie powtarza. Na śnieżnobiałym tle wzory w postaci kół, prostych i falistych linii są rysowane czerwonymi, niebieskimi, żółtymi, zielonymi, złotymi farbami. Wszystkie rzemiosła są bardzo harmonijne. Emanują tak potężną pozytywną energią, że czuje ją każdy, kto weźmie zabawkę do ręki. Może nie musisz umieszczać chińskich symboli dobrego samopoczucia w postaci trójnożnych ropuch, plastikowych czerwonych ryb lub drzewek pieniędzy w rogach mieszkania, ale lepiej ozdobić swój dom produktami rosyjskich mistrzów - glinianymi pamiątkami z Kargopola, Tuły lub Wiatki, miniaturowymi drewnianymi rzeźbami rzemieślników z Niżnego Nowogrodu. Nie może być tak, że nie przyciągają do rodziny miłości, dobrobytu, zdrowia i dobrobytu.

Zabawka Filimonowa

W ośrodkach twórczości dziecięcej w wielu regionach naszego kraju dzieci uczą się rzeźbienia z gliny i malowania na wzór rzemiosła ludowego w centralnej Rosji. Dzieci bardzo lubią pracować z tak wygodnym i plastycznym materiałem jak glina. Wymyślają nowe rysunki zgodnie ze starożytnymi tradycjami. W ten sposób rodzima sztuka użytkowa rozwija się i jest poszukiwana nie tylko w ośrodkach turystycznych, ale w całym kraju.

Objazdowe wystawy zabawek Filimonovo są we Francji bardzo popularne. Przez cały rok podróżują po kraju i towarzyszą im kursy mistrzowskie. Zabawki z gwizdkiem kupują muzea w Japonii, Niemczech i innych krajach. To rzemiosło, które ma stałe miejsce zamieszkania w regionie Tula, ma około 1000 lat. Prymitywnie wykonane, ale pomalowane na różowo i zielono, wyglądają bardzo wesoło. Uproszczoną formę tłumaczy się tym, że zabawki mają w środku wgłębienia, z których wychodzą otwory. Jeśli dmuchniesz w nie, naprzemiennie zamykając różne otwory, otrzymasz prostą melodię.

Szale Pavlovo

Przytulne, kobiece i bardzo jasne szale tkaczy Pavlovo-Posad stały się znane na całym świecie dzięki niesamowitej kolekcji mody rosyjskiego projektanta mody Wiaczesława Zajcewa. Używał tradycyjnych tkanin i wzorów na sukienki damskie, koszule męskie, inną odzież, a nawet buty. Szal Pavlovsky Posad to akcesorium, które można odziedziczyć jak biżuterię. Trwałość i odporność na zużycie chusteczek do nosa są dobrze znane. Wykonane są z wysokiej jakości cienkiej wełny. Rysunki nie blakną na słońcu, nie blakną od prania i nie kurczą się. Frędzle na chustach są wykonywane przez specjalnie przeszkolonych rzemieślników - wszystkie komórki ażurowej siatki są wiązane w supełki w tej samej odległości od siebie. Rysunek przedstawia kwiaty na czerwonym, niebieskim, białym, czarnym, zielonym tle.

Koronka Wołogdy

Słynną na całym świecie koronkę Wołogdy wyplata się z brzozowych lub jałowcowych szpulek z nici bawełnianych lub lnianych. W ten sposób powstają miarki, narzuty, szale, a nawet sukienki. Koronka Wołogdy to wąski pasek, który jest główną linią wzoru. Pustki są wypełnione sieciami i robakami. Tradycyjny kolor to biały.

Sztuka użytkowa nie stoi w miejscu. Rozwój i zmiany zachodzą cały czas. Muszę powiedzieć, że na początku ubiegłego wieku pod wpływem rozwijającego się przemysłu pojawiły się manufaktury przemysłowe wyposażone w szybkie maszyny elektryczne, powstała koncepcja masowej produkcji. Sztuka ludowa i rzemiosło zaczęły podupadać. Dopiero w połowie ubiegłego wieku przywrócono tradycyjne rosyjskie rzemiosło. W ośrodkach sztuki, takich jak Tuła, Włodzimierz, Gus-Chrustalny, Archangielsk, Rostów, Zagorsk i inne, budowano i otwierano szkoły zawodowe, szkolono wykwalifikowanych nauczycieli i szkolono nowych młodych mistrzów.

Nowoczesne rodzaje robótek ręcznych i kreatywności

Ludzie podróżują, poznają kultury innych narodów, uczą się rzemiosła. Od czasu do czasu pojawiają się nowe rodzaje sztuki i rzemiosła. Takimi nowościami dla naszego kraju stały się scrapbooking, origami, quilling i inne.

Swego czasu betonowe mury i ogrodzenia kwitły różnorodnymi rysunkami i napisami wykonanymi w wysoce artystyczny sposób. Graffiti, czyli sztuka natryskowa, to nowoczesna interpretacja starożytnego rodzaju sztuki naskalnej. Możesz śmiać się z nastoletnich hobby do woli, do których z pewnością zalicza się graffiti, ale spójrz na zdjęcia w Internecie lub pospaceruj po własnym mieście, a znajdziesz naprawdę wysoce artystyczne prace.

scrapbooking

Projektowanie zeszytów, książek i albumów, które istnieją w jednym egzemplarzu, nazywa się scrapbookingiem. Ogólnie rzecz biorąc, ta działalność nie jest całkowicie nowa. Albumy mające na celu zachowanie historii rodziny, miasta czy osoby dla potomności powstawały już wcześniej. Współczesną wizją tej sztuki jest tworzenie książek artystycznych z ilustracjami autorów, a także korzystanie z komputerów z różnymi edytorami graficznymi, muzycznymi, fotograficznymi i innymi.

Quilling i origami

Quilling, tłumaczony na język rosyjski jako „zwijanie papieru”, służy do tworzenia paneli, ozdabiania pocztówek, ramek do zdjęć itp. Technika polega na skręcaniu cienkich pasków papieru i przyklejaniu ich do podłoża. Im mniejszy fragment, tym bardziej eleganckie i dekoracyjne rzemiosło.

Origami, podobnie jak quilling, to papierkowa robota. Tylko origami to praca z kwadratowymi kartkami papieru, z których powstają wszelkiego rodzaju kształty.

Z reguły wszystkie rzemiosła związane z papiernictwem mają chińskie korzenie. Azjatycka sztuka i rzemiosło były pierwotnie rozrywką szlachty. Biedni nie zajmowali się tworzeniem pięknych rzeczy. Ich przeznaczeniem jest rolnictwo, hodowla bydła i wszelkiego rodzaju prace fizyczne. Europejczycy, przyswoiwszy sobie podstawy techniki, która historycznie jest bardzo małą i delikatną pracą z papierem ryżowym, przenieśli sztukę do dogodnych dla siebie warunków.

Chińskie produkty wyróżniają się mnóstwem bardzo drobnych detali, które wyglądają monolitycznie i bardzo elegancko. Taka praca jest możliwa tylko dla bardzo doświadczonych rzemieślników. Ponadto cienkie papierowe wstążki można skręcić w ciasny i równy zwój tylko za pomocą specjalnych narzędzi. Europejscy miłośnicy rękodzieła nieco zmodyfikowali i uprościli starożytne chińskie rzemiosło. Papier, zwinięty w spirale o różnej wielkości i gęstości, stał się popularną ozdobą pudeł kartonowych, wazonów na suszone kwiaty, ramek i paneli.

Mówiąc o sztuce i rzemiośle, niesprawiedliwe byłoby pominięcie takich rzemiosł, jak malowanie na jedwabiu, czy batik, drukowanie czy tłoczenie, czyli malowanie na metalu, tkanie dywanów, beading, makrama, dzierganie. Coś odchodzi do przeszłości, a coś innego staje się tak modne i popularne, że nawet przedsiębiorstwa przemysłowe rozpoczynają produkcję sprzętu dla tego typu kreatywności.

Zachowanie starożytnych rzemiosł i pokaz najlepszych przykładów w muzeach to dobry uczynek, który zawsze będzie źródłem inspiracji dla ludzi kreatywnych zawodów i pomoże wszystkim innym dołączyć do piękna.