Sztuka dekoracyjna i użytkowa: rodzaje, obrazy, rozwój. Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Użytkowej i Ludowej. Znaczenie sztuki zdobniczej i użytkowej w życiu człowieka

13.04.2019

Rola zajęć plastycznych i rzemieślniczych w rozwoju dzieci w wieku przedszkolnym.

Edukacja była i pozostaje najważniejszym czynnikiem przemieniającym rozwój społeczny. Przyszłość w dużej mierze zależy od poziomu wykształcenia oraz rozwoju duchowego i moralnego młodego pokolenia. Przedszkole, obok rodziny, odgrywa ważną rolę w wychowaniu dziecka w wieku przedszkolnym. Przedszkolna placówka wychowawcza wywiera swój wpływ wychowawczy na dziecko w najbardziej wrażliwym (wrażliwym, receptywnym) okresie jego życia. Głównym zadaniem przedszkola jest podnoszenie efektywności i jakości edukacji dzieci w oparciu o wszechstronną edukację i rozwój osobowości każdego dziecka. Do najważniejszych zadań stojących przed przedszkolną placówką wychowawczą należy kształtowanie już we wczesnym dzieciństwie podstawowej kultury osobistej, wysokich walorów moralnych: miłości do Ojczyzny, szacunku dla jej dziedzictwa historycznego i kulturowego; kultury i tradycji innych narodów.

Sztuka ludowa i rzemiosło naszego kraju są integralną częścią kultury. Emocjonalność i poetycki obraz tej sztuki są bliskie, zrozumiałe i drogie ludziom. Kształtuje wrażliwość na piękno i przyczynia się do kształtowania harmonijnie rozwiniętej osobowości. Opierając się na głębokich tradycjach artystycznych, sztuka ludowa wkracza w życie i kulturę naszego narodu i ma korzystny wpływ na kształtowanie się człowieka przyszłości. Dzieła artystyczne tworzone przez twórców ludowych zawsze odzwierciedlają miłość do ojczyzny, umiejętność widzenia i rozumienia otaczającego ich świata.

We współczesnej kulturze sztuka ludowa żyje w swoich tradycyjnych formach. Dzięki temu wyroby rzemieślników ludowych zachowują swoje trwałe cechy i są postrzegane jako nośniki integralnej kultury artystycznej.

Tradycje i sposób życia każdego człowieka ucieleśniają kostiumy, biżuterię, artykuły gospodarstwa domowego i dekoracje domowe, które pochodzą z czasów starożytnych i zmieniają się z biegiem czasu, zachowując jednocześnie główne cechy charakterystyczne.

Coraz częściej dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej przenikają do życia ludzi, kształtując gust artystyczny, tworząc estetycznie kompletne środowisko, które determinuje potencjał twórczy jednostki. Dlatego też wielka rola przedszkolnych placówek oświatowych, w których z sukcesem prowadzona jest praca nad zapoznawaniem dzieci z przykładami sztuki ludowej. Przedmioty sztuki ludowej są różnorodne. Mogą to być zabawki wykonane z drewna, gliny, naczyń, dywanów, koronek, miniaturek lakieru.

Wysokie znaczenie duchowe i ideologiczne sztuki i rzemiosła ludowego ma ogromny wpływ na kształtowanie się wewnętrznego świata dzieci. Systematyczne zajęcia z różnego rodzaju artystycznej obróbki materiałów korzystnie wpływają na rozwój gustu estetycznego dzieci, a jednocześnie wiążą się z nabyciem przez nie umiejętności niezbędnych w dalszej pracy.

Dzięki zainteresowaniu tymi zajęciami i pasji do nich kultywuje się ciężką pracę i wytrwałość w pracy. Poprzez proces tworzenia pięknych, uzasadnionych estetycznie wyrobów sztuki dekoracyjnej i użytkowej, stopniowo, dyskretnie, ale bardzo produktywnie zaszczepia się w dzieciach miłość do różnych zawodów.

Największy efekt edukacyjny daje zapoznanie przedszkolaków ze sztuką zdobniczą i użytkową, czyli rzemiosłem ludowym. Wyroby rzemieślników ludowych wyróżniają się wyczuciem materiału, organiczną jednością utylitaryzmu (orientacji praktycznej) rzeczy z jej wystrojem, smakiem narodowym oraz wysokimi walorami moralnymi i estetycznymi. Sztuka ludowa niesie ze sobą tak duży ładunek edukacyjny (nie tylko w przyjemnych dla oka gotowych produktach, ale także w samym procesie, w technologii ich tworzenia), że naturalnie pojawia się pytanie o jej najaktywniejsze wykorzystanie w pracy z przedszkolakami.

Zadaniem nauczyciela jest kierowanie procesem twórczym przedszkolaków, skupiając je na poznawaniu przykładów sztuki i rzemiosła ludowego. Podstawą treści zajęć z przedszkolakami z zakresu różnych rodzajów sztuki zdobniczej i użytkowej powinna być zasada skupienia się na sztuce ludowej.

Studiując główne rodzaje sztuki ludowej, dzieci opanowują artystyczną strukturę ozdoby i zapoznają się z twórczością artystów. Rozwijane są uczucia patriotyczne, duma z Ojczyzny, własnego narodu, szacunek dla kultury i tradycji innych narodów. Poprzez tradycje ludowe rozwijana jest wrażliwość emocjonalna, życzliwość, poczucie koleżeństwa i poczucie własnej wartości, rozwijana jest kreatywność artystyczna jednostki, zmysł estetyczny i światopogląd. Uczniowie zdobywają wiedzę o rozwoju głównych rodzajów sztuki zdobniczej i użytkowej, o twórczości najwybitniejszych artystów i rzemieślników, cechach charakterystycznych stroju i zdobnictwa ludowego, o zbiorach dzieł sztuki i rzemiosła ludowego lokalnych muzeów ; zapoznać się z podstawowymi pojęciami takimi jak kolor, rytm, kształt, proporcja, linia, objętość, przestrzeń.

Sztuka ludowa jest figuratywna, kolorowa i oryginalna w swojej konstrukcji. Jest przystępny dla dziecięcej percepcji, gdyż zawiera zrozumiałe treści, które w prostych, lakonicznych formach odkrywają przed dzieckiem piękno i urok otaczającego go świata. To baśniowe wizerunki zwierząt, zawsze znane dzieciom, wykonane z drewna i gliny.

Ozdobami używanymi przez rzemieślników ludowych do malowania zabawek i naczyń są kwiaty, jagody, liście, niektóre z nich dziecko spotyka w lesie, na polu, na terenie przedszkola. Przedszkola powinny posiadać odpowiednią ilość przedmiotów sztuki ludowej. Wyroby artystyczne prezentowane są dzieciom podczas rozmów o rzemieślnikach ludowych oraz wykorzystywane w działaniach edukacyjnych. Dla dzieci w wieku przedszkolnym dobrze jest włączyć drewniane zabawki, fajne zabawki od rzemieślników z Bogorodska i produkty od rzemieślników ludowych z Kargopola. Jeżeli w pierwszej grupie juniorów dzieci bawią się zabawkami, to w drugiej grupie juniorów zabawki te można obejrzeć przed zajęciami z modelowania. Dla środkowej grupy dobrze jest mieć zabawki Siemionowa, Filimonowa i Kargopola, Bogorodsk zamienił drewniane zabawki.

Dla dzieci z klas starszych i grup szkół przygotowawczych dostępna jest każda zabawka ludowa, gliniana lub drewniana.

Zabawki ludowe o bogatej tematyce wpływają na design dziecka podczas modelowania i wzbogacają jego zrozumienie otaczającego go świata. Pod wpływem przedmiotów sztuki ludowej dzieci głębiej i z dużym zainteresowaniem dostrzegają ilustracje do baśni ludowych, których twórczość opiera się na tradycjach narodowych. Nauczyciel musi znać rzemiosło ludowe i historię jego powstania. Ale przede wszystkim musi rozumieć i kochać sztukę i rzemiosło ludowe, wiedzieć, do jakiego rzemiosła ludowego należy ta czy inna zabawka. Potrafić opowiedzieć o rzemieślnikach tworzących zabawki i opowiedzieć to w pasjonujący sposób, aby zainteresować małe dziecko.

Zatem sztuka ludowa ma ogromny wpływ emocjonalny i stanowi dobrą podstawę do kształtowania świata duchowego człowieka.

1.1 Specjalne miejsce dla sztuki dekoracyjnej i użytkowej

1.2 Filozofia sztuki i rzemiosła

2.1 Pojawienie się sztuki dekoracyjnej i użytkowej

2.2 Rola sztuki dekoracyjnej i użytkowej we współczesnym społeczeństwie

2.3 Sztuka dekoracyjna i użytkowa jako integralna część życia kulturalnego społeczeństwa. Wnioski Odniesienia

Wprowadzenie Sztuka dekoracyjna i użytkowa sięga wieków wstecz. Człowiek przez cały swój rozwój tworzył przedmioty wartościowe estetycznie, odzwierciedlając w nich zainteresowania materialne i duchowe, dlatego dzieła sztuki zdobniczej i użytkowej są nierozerwalnie związane z czasem ich powstania. W swoim podstawowym znaczeniu termin „sztuka dekoracyjna i użytkowa” odnosi się do projektowania przedmiotów codziennego użytku, które otaczają człowieka przez całe jego życie: mebli, tkanin, broni, naczyń, biżuterii, odzieży - czyli wszystkiego, co tworzy środowisko, z którym ma codzienny kontakt. Wszystkie rzeczy, z których korzysta dana osoba, powinny być nie tylko wygodne i praktyczne, ale także piękne.

Pojęcie to nie ukształtowało się od razu w kulturze ludzkiej. Początkowo to, co otacza człowieka na co dzień, nie było postrzegane jako mające wartość estetyczną, choć piękne rzeczy zawsze otaczały człowieka. Już w epoce kamiennej przedmioty gospodarstwa domowego i broń zdobiono ozdobami i nacięciami; nieco później pojawiły się ozdoby z kości, drewna i metalu; do pracy zaczęto używać szerokiej gamy materiałów - gliny i skóry, drewna i złota , włókna szklane i roślinne, pazury i zęby zwierząt. Malowano naczynia i tkaniny, ozdabiano ubrania haftami, na broni i naczyniach stosowano nacięcia i tłoczenia, wykonywano biżuterię z niemal każdego materiału. Ale osoba ta nie pomyślała o tym, że znane rzeczy, które otaczają go przez całe życie, można nazwać sztuką i podzielić na osobny ruch. Jednak już w okresie renesansu podejście do przedmiotów codziennego użytku zaczęło się zmieniać. Spowodowane to było rozbudzeniem zainteresowań ludzi przeszłością, związaną z powstającym wówczas kultem starożytności. Jednocześnie wzrosło zainteresowanie domem jako obiektem dorównującym pod względem estetycznym innym obiektom sztuki. Sztuka dekoracyjna i użytkowa osiągnęła swój największy rozwój w epoce baroku i klasycyzmu. Bardzo często za wykwintną dekoracją – malowaniem, zdobieniem, tłoczeniem kryła się prosta, praktycznie wygodna forma przedmiotu.

Współczesny proces artystyczny jest złożony i wieloaspektowy, tak jak współczesna rzeczywistość jest złożona i wieloaspektowa. Sztuka, zrozumiała dla każdego, otacza nas wszędzie – w domach i biurowcach, w przedsiębiorstwach i parkach, w budynkach użyteczności publicznej – w teatrach, galeriach, muzeach. Wszystko – od pierścionków, bransoletek i serwisów do kawy po kompletny kompleks tematyczny dzieł sztuki dekoracyjnej i użytkowej dla dużego budynku użyteczności publicznej – niesie ze sobą różnorodne poszukiwania artystyczne rzemieślników, którzy subtelnie wyczuwają dekoracyjne przeznaczenie przedmiotu, porządkując i wypełniając naszą codzienność. życie pięknem. Aby stworzyć udogodnienia niezbędne człowiekowi, a jednocześnie ozdobić jego życie, artyści starają się, aby wszystkie rzeczy używane w życiu codziennym nie tylko odpowiadały ich celowi, ale były także piękne, stylowe i oryginalne. A piękno i korzyści są zawsze w pobliżu, gdy rzemieślnicy zabierają się do pracy i tworzą przedmioty gospodarstwa domowego będące dziełami sztuki z różnych materiałów (drewno, metal, szkło, glina, kamień itp.).

1. Rola sztuki zdobniczej i użytkowej w życiu człowieka

1.1 Szczególne miejsce sztuki dekoracyjnej i użytkowej Od ponad wieku kwestie etniczne dosłownie w różnych formach wdzierają się do humanistyki, na nowo porządkując mniej lub bardziej utrwalone koncepcje i odsłaniając w nich nowe treści. W rzeczywistości obserwowalny z zewnątrz synkretyzm i heurystyczna natura rzeczywistości etnicznej nie mogą pozostać niezauważone przez te sekcje nauk humanistycznych, które twierdzą, że są systematyczne. Oprócz zadań badawczych polegających na ukazaniu tego, co ogólne i szczególne w życiu kulturalnym różnych społeczności etnicznych, istnieje pilna, w wielu przypadkach pilna potrzeba poszukiwania zwyczajów ludowych i szybkiego rozwiązywania praktycznych problemów psychologicznych w ustalaniu minimalnych środków kulturalnych. Zavyalov K.F. Religia narodów słowiańskich. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995. Szczególne miejsce wśród tych środków zajmuje sztuka dekoracyjna i użytkowa (DA), która jest ściśle związana, a raczej organicznie wyrasta ze zwykłego, zakorzenionego sposobu życia ludzi . Zwłaszcza DPI narodów są obecnie słusznie uważane nie za przedmioty gospodarstwa domowego, które stały się przestarzałe, ale za wielofunkcyjne, stanowiące zarówno mentalność (według L. Febvre'a), jak i zastosowanie utylitarne, jako piękne, umiejętnie wykonane rzeczy zgodnie z ich przeznaczeniem , w którym uwzględniane są talenty ludzi i kultura artystyczna, technologia i samoświadomość grupy etnicznej, osobowość twórcy i norma społeczna. DPI nigdy nie ograniczało swoich funkcji wyłącznie do użytkowych i projektowych (dekoracyjnych). Niezależnie od tego, którą stronę życia plemienia słowiańskiego weźmiemy pod uwagę, wszędzie widać dwa wzajemne wpływy: życie na sztukę i sztuka na życie. W tym „wdechu i wydechu” sztuki wyraźnie można prześledzić rytm myślenia ludzi, jej magiczny i „przedlogiczny” charakter, światopogląd i system relacji międzyludzkich, zasady wychowawcze i priorytety etyczne. Przedmiotem naszych badań jest to, jak te znaki, które przeszły przez tygiel artystycznego zrozumienia, wpływają na kształtujące się pokolenie społeczności etnicznej.

Zdaniem G.V.F. Hegla „jeśli mówimy o uniwersalnym, a nie przypadkowym celu sztuki, to biorąc pod uwagę jej duchową istotę, ten ostateczny cel może być jedynie duchowy i w dodatku nie przypadkowy, lecz zakorzeniony w samą naturę charakteru celu. W odniesieniu do budowania celem tym mogłoby być jedynie uświadomienie istotnej treści duchowej poprzez dzieło sztuki. Sztuka rzeczywiście stała się pierwszą nauczycielką narodów”. Do tego należy dodać, że tożsamość narodu i jego kultury oznacza jego samorealizację, odmienność jego ducha, ekspansję i zewnętrzną reprezentację w postaci wytworów kultury jego myślenia. Wizerunek artystyczny towarzyszący dziełu DPI wyznaczany jest nie tylko przez przeznaczenie rzeczy czy materiału, z którego jest wykonany, ale jest także źródłem, środkiem i skutkiem działania semiotycznego, znakiem i przekazem zarazem. Dlatego w odniesieniu do ludów z zachowanym DPI można postawić tezę, że od urodzenia dziecko zaczyna wychowywać wysłannicy kultury, na razie niemi. Jakikolwiek przedmiot dziecko podnosi, od najmłodszych lat staje przed koniecznością odobiektywizowania tego przesłania, ponieważ nie ma takiej dziedziny życia codziennego, zwłaszcza wśród narodów, których sposób życia nie jest jeszcze zbyt otwarty na ideały masowej kultury europejskiej czy azjatyckiej (gdzie wraz z kulturą masową dochodzi do wyobcowania), do której nie przenikałyby wytwory „codzienności” artysty. Ogólne zadanie badań psychologicznych może zatem skupiać się na ustaleniu faktycznej roli DPI w rozwoju dzieci w społeczeństwie, gdyż nawet najbardziej wstępna obserwacja ustalonych form wychowania wskazuje na głębokie zaangażowanie DPI we wszystkie uwarunkowania kulturowe życia dzieci. zajęcia.

Wśród Słowian, którzy w dalszym ciągu żyją w kontekście przyrody (wiesie, gospodarstwa rolne itp.) i zachowują swój zwykły tryb życia, edukacja ta odbywa się za pomocą otaczającego ich świata, ujętego nie tylko w „pojęcia”, jak w społeczeństwa technogenicznego, ale także w symbolicznej przestrzeni symbolicznej – wyjątkowego przełamania poprzez wystrój, ozdoby i mozaikę wbudowaną w przedmioty gospodarstwa domowego, ubiór, sposób życia, w wiecznie żywe i starannie zachowane przykazania, które przekazywane są z stulecia na wiek, a nie w formie instrukcji i rad, „jak żyć”, ale poprzez tradycje wspólnego studiowania, użytkowania i wytwarzania obiektów sztuki. Według D. Lukácsa „ozdabiając narzędzia, człowiek już od niepamiętnych czasów wchodził w posiadanie poszczególnych przedmiotów, co zarówno pod względem praktycznym, jak i technicznym od dawna stanowiło swego rodzaju kontynuację jego podmiotowego promienia działania, czyniąc je integralną częścią swego „ja” w szerokim tego słowa znaczeniu. Tak naprawdę DPI wśród Słowian jest językiem wspólnotowym, początkowe oznaki opanowania można znaleźć u dzieci. Język ten nie został stworzony celowo, lecz w warunkach ogólnopolskiego internatu – swoistej granicy pomiędzy dwiema kulturami: zewnętrzną i wewnętrzną, własną – staje się jednym z najbardziej rozwiniętych systemów środków, którymi dziecko jest gotowe się posługiwać w nowej sytuacji. Zavyalov K.F. Religia narodów słowiańskich. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995.

1.2. Filozofia sztuki dekoracyjnej i użytkowej Połączenie metod etnograficznych, historycznych, kulturowych i psychologicznych jest zdaniem I. S. Kona niezbędne do prawidłowego badania zjawiska psychologicznego i filozoficznego. Dlatego też badając funkcję i rolę DPI w kształtowaniu środków właściwej orientacji dzieci w otaczającym nas świecie, traktujemy DNI jako zjawisko niezależne, próbując już w pierwszych krokach określić jego granice i nakreślić jego fenomenologia filozoficzna. Innymi słowy, centrum naszych badań jest skierowane na zjawisko DPI w taki sposób, aby ukazać ogólne znaczenie DPI dla rozwoju dziecka kryjące się za formami zachowań zabawowych i myślenia dziecka, uchwyconymi w rozwiązywaniu specjalnych problemów.

Studia o charakterze kulturowo-filozoficznym (J. Fraser, E. B. Tylor, L. Lévy-Bruhl, C. Lévi-Strauss i in.) odsłaniają przed nami szczególną przestrzeń istnienia myśli „naturalnych” Słowian (którzy do dziś utrzymują szczególny związek z naturą). Ta przestrzeń jest pełna ducha (myślenia) ludzi, przepełniona jego tradycjami, rytuałami, stereotypami etnicznymi, przesiąknięta magią, partycypacją, nielogicznością itp. DPI jest istotną i integralną częścią, momentem tego ducha; Jedną z jego najważniejszych właściwości jest to, że jest adresowany do każdego nowo powstającego pokolenia społeczności etnicznej. To właśnie w tej formie (wraz ze sformalizowanym lub wyłaniającym się pismem) w języku kostiumów i ozdób, wzorów i rytuałów, dekoracji i kolorów ludzie zachowują związek czasów i przekazują swoje normy etniczne z dziadka na wnuka. Ten proces transferu jest ukryty przed wścibskimi oczami; jest intymny, choć swobodny, niesystematyczny, choć regularny; jest ona dana przez kulturalne życie codzienne, ale jest opanowywana w sposób osobisty.

Tak więc wszystkie artykuły gospodarstwa domowego Słowian były wykonane wyłącznie z lokalnych materiałów. Każda rodzina miała wiele pojemników z kory brzozowej o różnych kształtach i przeznaczeniu, a mężczyźni rzeźbili z drewna moździerze, wanny, czerpaki i łyżki. Pudełka i tabliczki były oryginalne. Ubrania i drobne przedmioty przechowywano w workach i różnych torbach wykonanych ze skór i tkanin. Być może ważniejsze niż te czysto praktyczne i utylitarne funkcje były informacyjne i magiczne funkcje DPI. Ubrania i buty zostały wykonane kolorowo i artystycznie, z dużą kreatywnością. Funkcję informacyjną (identyfikacyjną) pełniły powszechnie stosowane elementy kolorystyki i zdobnictwa. Wzorami ozdabiano ubrania, buty, czapki, paski, etui na igły, poduszki, torby, pudełka, body i kołyski. Ozdoba Słowian, jak każdy inny etniczny język grafemowy, wyróżniała się bogactwem form, różnorodnością tematów, rygorem i przejrzystością konstrukcji. Dlatego też zdobienie przedmiotów, a także wszelkich dzieł artystycznych i artystycznych w ogóle powinno być przez nas postrzegane nie jako kapryśna fantazja mistrza, ale jako ważny element kultury ludowej, jako środek wyrażania gustów artystycznych, narodowych Charakterystyka ludzi, ich światopogląd i historia. Hegel G. V. F. Estetyka. T. 1. M., 1968,

Funkcja edukacyjna DPI może nie być jasno wyrażona dla zewnętrznego obserwatora, ale z pewnością zauważalna jest jej dokładność i regularność. Już od kołyski dziecku towarzyszą artykuły gospodarstwa domowego wykonane w jasnej technice artystycznej DPI. O ile możemy sądzić z wyników ankiet, wywiadów i obserwacji, podczas tego włączania w kulturę następuje swego rodzaju transformacja „symbiozy” nauczyciela (wśród Chantów nie jest to wyraźnie wyodrębnione; funkcję tę przejmuje przez wszystkich dorosłych, którzy są blisko dziecka), system znakowo-symboliczny DPI i dziecka. Dystans psychologiczny pomiędzy dorosłym, dzieckiem i przedmiotem zaczyna się już we wczesnym dzieciństwie i w tej małomównej kulturze ulega znacznemu przekształceniu w swego rodzaju parytet.

Będąc językiem wspólnoty, DPI niesie idee jednoczące ludzi w jedną całość, wspólny znak konsolidujący duchowe siły Chanty i ich sposoby samoświadomości i wyrażania wiary w lepszą przyszłość, których przejawy łatwo wykryty u dzieci. Jednocześnie warto zauważyć, że język DPI nie został w pełni ukształtowany (lub został już utracony) jako ogólny uniwersalny etniczny i jest używany głównie bez zrozumienia.

Najprawdopodobniej wartość edukacyjna DPI przekracza wszelkie nasze możliwe wyobrażenia na ten temat. Jedno jest pewne, nie ogranicza się to do funkcji praktycznych, użytkowych: kiedyś produkty DPI pełniły funkcję „amuletu” i nikt nie mógł się bez nich obejść. Złe duchy atakowałyby go i powodowałyby obrażenia lub chorobę. Produkty te, na przykład biżuteria dla kobiet, ozdoba lub ogólny znak na odzieży dla mężczyzn, chroniły swoich właścicieli przed wpływem sił, które nie były jeszcze dla nich jasne. W dzisiejszych czasach ludzie nie zawsze przyznają się do wiary w cudowną moc biżuterii i ozdób, mimo to nadal je wytwarzają i noszą. Biżuteria oprócz tego, że jest piękna i niesamowita, wyraża przynależność narodową, plemienną i etniczną, a wcześniej nosiła także osobistą identyfikację swoich właścicieli. Hegel G. V. F. Estetyka. T. 1. M., 1968,

Zjawisko DPI przenika wszystkie aspekty życia: organizację życia codziennego, sposób życia rodzinnego, relacje plemienne, „międzynarodowe” i międzyludzkie. Rola i funkcje DPI (edukacyjne, rytualne, estetyczne itp.) nie zawsze są jasno rozumiane, ale są konsekwentnie zawarte w każdym przedmiocie sztuki, w przejawach zachowań i myślenia. DPI jest rozumiane, doceniane i czerpie z jego wyników korzyści przez wszystkich członków tej społeczności i nie będzie przesadą stwierdzenie, że angażuje się w nie wiele osób. Stosunek do DPI może służyć jako miara samoświadomości ludzi jako zawierającej integralność psychiczną i wyrażającej się w znakowo-symbolicznym „przekazie” dla innych i dla siebie.

2. Rozwój sztuki dekoracyjnej i użytkowej w naszych czasach

2.1 Pojawienie się sztuki dekoracyjnej i użytkowej Dlatego nie będziemy wymyślać żadnych nowych definicji DPI i sięgać do Rosyjskiego słownika encyklopedycznego (RES) - książki mającej na celu suche przedstawienie stereotypowych poglądów na temat wszelkich zjawisk naukowych. DPI przedstawiono w bardzo szczegółowym artykule:

„Sztuka dekoracyjna i użytkowa to dziedzina sztuki dekoracyjnej: tworzenie wyrobów artystycznych, które mają praktyczny cel w życiu publicznym i prywatnym oraz artystyczna obróbka przedmiotów użytkowych (naczynia, meble, tkaniny, narzędzia, pojazdy, odzież, biżuteria, zabawki itp.). Podczas obróbki materiałów (metal, drewno, szkło, ceramika, szkło, tekstylia itp.) stosuje się odlewanie, kucie, tłoczenie, grawerowanie, rzeźbienie, malowanie, inkrustację, haft, materiały drukowane itp. D.-pi. tworzą część obiektywnego środowiska otaczającego osobę i wzbogacają ją estetycznie. Zazwyczaj są one ściśle powiązane z otoczeniem architektoniczno-przestrzennym, zespołem (na ulicy, w parku, we wnętrzu) oraz ze sobą nawzajem, tworząc sztukę. złożony. Powstały w starożytności, D.p.i. stała się jedną z najważniejszych dziedzin sztuki ludowej, jej historia związana jest z rzemiosłem artystycznym, z działalnością artystów zawodowych i rzemieślników ludowych, począwszy od początków XX wieku. także z projektowaniem i budową.” Sokolov K. F. Religia narodów słowiańskich. T. 1, 2 / Moskwa, 1994 - 1995.

Tak więc w „sztuce dekoracyjnej” wyróżnia się trzy typy: sztukę monumentalną i dekoracyjną, sztukę projektową i DPI.

Zadajmy sobie od razu pytanie: dlaczego z tych trzech typów dopiero DPI otrzymało krótką nazwę, znaną niemal każdemu? Dlaczego powszechnie używana jest nazwa artystów działających w obszarze DPI – „artyści DPI”, a nie „artyści MDI” i „artyści OI”? Dlaczego, mówiąc o „artystach stosowanych”, mają na myśli artystów DPI?

Zobaczmy: każdy muralista może nazwać siebie malarzem (lub rzeźbiarzem) i nie wzbudzi to u nikogo żadnych zastrzeżeń. Graficy (jak plakaciści, jak scenografowie) mają prawo nazywać się albo grafikami, albo malarzami (a czasami także rzeźbiarzami) i to też jest w porządku. Ale „pracownicy DPI” (oficjalnie „pracownicy aplikacyjni”) to jubilerzy, ceramiki, wytwórcy pudełek, rzemieślnicy i wszyscy inni, byle nie malarze, graficy czy rzeźbiarze.

A jeśli jubiler lub ceramik nazywa siebie rzeźbiarzem, a miniaturysta Palecha lub Rostowa nazywa siebie malarzem, spowoduje to w najlepszym razie lekkie zaskoczenie otaczających go osób, a w najgorszym przypadku uwagę typu „nie siedź w niewłaściwych saniach.

Charakterystyczne jest, że OZE również i tę sytuację „legitymizowały”. Nie wchodząc w perypetie różnych nurtów filozofii sztuki, jej autorzy stwierdzają:

"Sztuka,

1) cienki twórczość w ogóle - literatura, architektura, rzeźba, malarstwo, grafika, rzemiosło artystyczne, muzyka, taniec, teatr, kino i inne rodzaje działalności ludzkiej, zjednoczone jako artystyczne i figuratywne formy eksploracji świata...

2) W wąskim znaczeniu – sztuka piękna.

3) Wysoki stopień umiejętności i mistrzostwa w dowolnej dziedzinie działalności.”

A „sztuka w wąskim znaczeniu” – dobrze – według autorów RES oznacza „dział sztuki plastycznej łączący malarstwo, rzeźbę i grafikę”.

A jeśli brak na tej wyczerpującej liście np. sztuki fotograficznej można wytłumaczyć względną nowością tej ostatniej, to dlaczego nie uwzględniono tu istniejącej od wielu tysiącleci DPI?

2.2 Rola sztuki dekoracyjnej i użytkowej we współczesnym społeczeństwie Aby zrozumieć, czy tak dziwna sytuacja z DPI powstała przez przypadek, czy nie, należy przypomnieć lata trzydzieste pięćdziesiąte XX wieku - długi okres formowania „związków artystów radzieckich”. To wtedy, podczas tworzenia Moskiewskiego Związku Artystów i Związku Artystów ZSRR, sekcje malarzy, grafików, rzeźbiarzy, projektantów, monumentalistów i „artystów użytkowych” zostały przydzielone na równych zasadach.

Prawdopodobnie przy rozwiązywaniu kwestii organizacyjnych związków wszystkie te sekcje rzeczywiście cieszyły się równymi prawami. Ale zamieszanie zaczęło się już wtedy. Sokolov K. F. Religia narodów słowiańskich. T. 1, 2 / Moskwa, 1994 - 1995.

Faktem jest, że nie jest łatwo wskazać malarza, który nigdy w życiu nie projektował żadnego muzeum, wystawy, kościoła czy ośrodka kulturalnego. Albo rzeźbiarz, który zajmował się wyłącznie rzeźbą sztalugową i nie stworzył ani jednego monumentalnego dzieła. Albo grafik, który nigdy nie zilustrował ani jednej książki.

I tak okazało się, że wśród „równych” sekcji znalazły się trzy „najrówniejsze” – malarze, graficy i rzeźbiarze, którzy mogli uprawiać swoją „wysoką” sztukę sztalugową, a jednocześnie robić to wszystko, co w teorii wypadało w kompetencjach monumentalistów i projektantów. I oczywiście nikt nie mógł zabronić członkom sekcji „użytkowych” uprawiania „malarstwa sztalugowego”, ale na masowych wystawach ogólnounijnych mogli liczyć jedynie na sale „peryferyjne”, a zakup od nich dzieł sztalugowych był wyjątkiem, a nie regułą.

Dlatego każdy artysta, który choć raz w życiu próbował swoich sił w malarstwie sztalugowym, grafice czy rzeźbie (co byśmy bez tego obeszli?), starał się przede wszystkim włączyć do sekcji tworzących „sztukę w wąskim znaczeniu”. A jeśli z jakiegoś powodu to nie wyszło, wyjeżdżał „na obrzeża” – aby zostać monumentalistą lub projektantem. Były oczywiście wyjątki od tej reguły, ale tylko z powodów subiektywnych - jeśli np. wszyscy przyjaciele artysty N należeli już do Moskiewskiego Związku Artystów Plastyków jako graficy, to dlaczego N próbował zostać malarzem lub grafikiem z ogromnym ryzykiem „dyskwalifikacji” w komisjach recepcyjnych? Lepiej udać się od razu do „naszych ludzi”...

Były też wyjątki innego rodzaju: w historii każdego ze „związków artystów radzieckich”, a także w istniejących obecnie rosyjskich związkach twórczych znane są okresy, gdy „na czele” byli monumentaliści lub projektanci. Ale te sytuacje miały i mają charakter wyłącznie subiektywny.

Gwoli ścisłości, zauważamy, że podział na malarzy i grafików był równie arbitralny i subiektywny. Na przykład, który malarz nigdy nie malował akwarelami i nigdy nie sięgał po pastele?

Ale zaklasyfikowanie malarza do grona grafików, choć oznaczało niemożność znalezienia się w zaszczytnym centrum jakiejkolwiek ogólnounijnej (a teraz ogólnorosyjskiej) wystawy, nie było jednak równoznaczne z wypadnięciem ze „sztuki w wąskim znaczeniu” - Cienki.

Jak już widzieliśmy, monumentaliści i projektanci nie stracili prawa do miana malarzy i grafików, a co za tym idzie, nie wypadli z „sztuki w wąskim znaczeniu”. Rzeźbiarze monumentalni nigdy nie wyróżniali się spośród „ogólnej wspólnoty rzeźbiarskiej”.

Jednak „specjaliści stosowane” mieli najmniej szczęścia. Okazali się odwieczną „drugą klasą”. Okazało się, że jubilerzy, ceramiki i artyści zajmujący się szkłem to nie rzeźbiarze, a miniaturzyści to nie malarze. Na bujnym i rozłożystym drzewie oficjalnego uznania sowieckiego otrzymali w najlepszym razie tytuł „Czczonego Artysty” lub „Czczonego Artysty”. Artysta Ludowy ZSRR, członek korespondent, a tym bardziej pełnoprawny członek Akademii Sztuk - te „wysokości” były dla nich transcendentne. Co więcej, dla zdecydowanej większości „artystów użytkowych” praktycznie wykluczono „swobodną nawigację” (zamówienia od oficjalnych organizacji, zakupy Ministerstwa Kultury z wystaw itp.) - zmuszeni byli albo do zarabiania pieniędzy poprzez „rzemiosło ludowe”, albo „ lewicowy".

Po upadku władzy sowieckiej zniknęły formalne ograniczenia w działalności „specjalistów stosowanych”, ale piętno statusu „drugiej kategorii” pozostało. Całkiem niedawno jednemu ze znajomych malarzy, który ubiegał się o przyjęcie do Moskiewskiego Związku Artystów Plastyków, zaproponowano wstąpienie do sekcji DPI tylko dlatego, że był na tyle nieostrożny, że przyniósł komisji selekcyjnej nie fotografie swoich prac sztalugowych, ale wydrukowane pocztówki z ich reprodukcje. I gdyby w naszych czasach nie było „alternatywnych” związków artystów, malarz ten pozostałby „artystą użytkowym”. Ramzin V.M. Poznaj Słowian. Moskwa, 1992.

Skąd więc bierze się ten aprioryczny „status naukowca stosowanego drugiej kategorii” i czy jest uzasadniony?

Jest bardzo prawdopodobne, że w warunkach monopolistycznej dominacji sowieckiego systemu dystrybucji taki „status drugiej kategorii” miał pewne przyczyny.

„Historycznie” – od XVIII do początków XX wieku – rosyjscy jubilerzy, dmuchacze szkła, ceramiki, hafciarki i inni „rzemieślnicy użytkowi” byli w dużej mierze „bezosobowi”. Opinia publiczna znała jedynie nazwiska właścicieli fabryk i warsztatów, a niemal wszyscy rzemieślnicy – nawet ci najbardziej utalentowani – rzadko mieli okazję pokazać swoją indywidualność jako twórcy.

W stosunku do malarzy i rzeźbiarzy Cesarska Akademia Sztuk, sztywno narzucając swój styl i „reguły gry”, prawie nigdy nie pozwalała na anonimowość, zachowując dla historii nazwiska nawet wielu „uczniów”. A przytłaczająca większość „zwykłych” rzemieślników przemysłu jubilerskiego, szklarskiego i porcelanowego Imperium Rosyjskiego nieodwołalnie popadła w zapomnienie. Bezprecedensowy rozwój autorskiej „sztuki dekoracyjnej i użytkowej ZSRR” nastąpił dopiero pod koniec lat pięćdziesiątych XX wieku.

A w latach 30. i 50. XX w. przywódcy związków twórczych i ich kuratorzy z organów partyjnych dość szczerze (w każdym razie zgodnie z tradycją „imperialną”) próbowali oddzielić „baranki od kóz” - „prawdziwych twórców” ” od „rzemieślników”.

Wtedy powstał podział artystów na „czystych i nieczystych” – „malarzy sztalugowych” i „artystów użytkowych”. Teoretycznie nie wypadało, aby „prawdziwi radzieccy” malarze i rzeźbiarze dorabiali na rzemiośle ludowym i robieniu zabawek (fakt, że wielu naprawdę prawdziwych artystów było zmuszonych do dorabiania jako ładowacze i palacze, nie jest teraz omawiany). Tak, teoretycznie „prawdziwi artyści” nie powinni byli tworzyć „klonów” swoich dzieł, wprowadzać swoich obrazów i rzeźb do strumienia przemysłowego – ale w przypadku „artysty użytkowego” wydaje się to być w porządku.

2.3 Sztuka dekoracyjna i użytkowa jako integralna część życia kulturalnego społeczeństwa Pozostaje zatem nierozwiązane jedno pytanie: co zrobić z terminem „sztuka dekoracyjna”, którego dzieła, zdaniem RES, „artystycznie kształtują środowisko materialne” otaczają człowieka i wprowadzają estetyczny i pomysłowy początek”, ale jednocześnie w przeciwieństwie do „samowystarczalnej” sztuki sztalugowej „najpełniej ujawniają swoją treść w zespole dla estetycznej organizacji, dla której zostały stworzone”?

Tak, jeszcze trudniej jest odmówić podziału dzieł sztuki na „dekoracyjne” i „sztalugowe” niż na „sztalugowe” i „użytkowe”. Ale najwyraźniej my też będziemy musieli to zrobić. W przeciwnym razie dyskusje na temat tego, czy „Madonna Sykstyńska” ma charakter „sztalugowy”, czy „dekoracyjny”, mogą ciągnąć się w nieskończoność i bezowocność, gdyż wszelkie opinie tutaj mogą być wyłącznie subiektywne.

Na przykład, gdzie „Trójca” Andrieja Rublowa wygląda lepiej? W słabo oświetlonej i zadymionej, ale „rodzimej” katedrze, czy w Galerii Trietiakowskiej, gdzie jest ona absolutnie zachowana i wystawiona zgodnie ze wszystkimi kanonami wystawowymi?

Zgodnie ze stereotypowym poglądem, „zalegalizowanym” przez RES, okazuje się, że uznanie arcydzieła Rublowa za dzieło „dekoracyjne” lub „sztalugowe” zależy wyłącznie od odpowiedzi na pytanie, gdzie „Trójca” wygląda lepiej. Ale tak naprawdę nie na próżno mówią: arcydzieło jest arcydziełem także w Afryce. Co więcej, nawet jeśli nagle okaże się, że „Trójca” Rublowa wygląda lepiej w katedrze niż w Galerii Trietiakowskiej, czy ktoś naprawdę odważy się nazwać tę ikonę „dziełem sztuki dekoracyjnej”?

Rzeczywiście nikt nie nazywa w ten sposób „Trójcy”. Ale zdecydowana większość ikon jest zwykle klasyfikowana w ten sposób.

Oznacza to, że w przypadku „sztuki dekoracyjnej” okazuje się dokładnie tak samo, jak w przypadku DPI: w utrwalonej praktyce historii sztuki termin ten a priori wyraża drugorzędny status dzieła. W efekcie wszystkie zawarte w nim rodzaje sztuki okazują się „drugorzędne”: monumentalne, designerskie i użytkowe, od których rozpoczęliśmy nasze badania.

Ale niewielu krytyków sztuki współczesnej nie zgodzi się, że poczucie zespołu, umiejętność kształtowania jednej przestrzeni, wyjście autorskiej koncepcji poza zakres samego dzieła to „akrobacja”, a nie każdy „malarz sztalugowy” jest do tego zdolny [22, strona internetowa ].

Czy zatem mamy prawo mówić tutaj o „drugiej klasie”? Nie i jeszcze raz nie. Ale to właśnie ta „drugorzędna” jakość jest nam podyktowana przez współczesne stereotypowe rozumienie „sztuki dekoracyjnej”.

Oczywiście nie zamierzamy całkowicie rezygnować z pojęcia „dekoracyjności” jako takiej. Możliwe jest na przykład, że dzieło sztuki jest początkowo pozycjonowane jako „dekoracyjne”, jak miało to miejsce w przypadku Rafaela z Madonną Sykstyńską czy Rublowa z Trójcą Świętą. Widzimy także powszechne wykorzystanie przedmiotów „sztalugowych” do celów dekoracyjnych: większość dwu- i trójwymiarowych dzieł sztuki nadal nie znajduje się w muzeach, ale w „życiu publicznym i prywatnym” we wnętrzach.

Ale dzisiaj rzecz może trafić do wnętrza, jutro do muzeum, a pojutrze może znów wrócić do wnętrza. Wszystkie te przypadki podlegają jedynie lokalnej ocenie i w żadnym wypadku nie pociągają za sobą klasyfikacji do takich globalnych kategorii, jak sztaluga czy sztuka dekoracyjna.

LV Tazba w artykule „Rating of Artists and Philosophical Understanding of Art”, opublikowanym w trzecim numerze podręcznika „Unified Art Rating”, zdefiniował fenomen sztuki (poza celowością polityczno-ekonomiczną i konkretną celowością społeczną) jako podmiot- jedność obiektu „artysta-dzieło”. Takie podejście, zdaniem L.V. Tazby, daje każdemu możliwość wyrażenia siebie w sytuacji „pracy widza”.

Definicje te pomogą nam przejść od przestarzałych koncepcji sztuki sztalugowej i dekoracyjnej do bardziej nowoczesnej terminologii. Przecież „malarstwo sztalugowe” i „dekoracyjność” klasyfikują dzieła sztuki ze względu na ich umiejscowienie w konkretnej przestrzeni – świątyni, muzeum, korytarzu, sypialni itp. Oznacza to, że mamy prawo powiedzieć, że określenia te oznaczają przestrzenny komponent sytuacji „widza”.praca”.

Wszystkie prace mają niewątpliwą wartość artystyczną, ale jest w nich także pewien spokój i powtarzalność technik, które już się w nich znalazły. W twórczości wielu uznanych mistrzów brakuje czasem twórczej odwagi, ostrości i poszukiwania nowości w formie. Być może dlatego wystawa zwraca uwagę na próby wprowadzenia kreatywności do rozpowszechnionej w ostatnich latach techniki makramy. Dotyczy to przede wszystkim dużego tryptyku T. Myazyny (obwód moskiewski) „Brzozowy gaj” oraz gobelinu artystów W. i N. Yanovów „Jarmark” (Gorky). Dużym zainteresowaniem na wystawie cieszył się gobelin młodych krasnodarskich artystów W. i L. Zubkowa „Kuban Niva”, wykonany w sposób odważny i wyrazisty. Udało się również odnaleźć jego konsystencję, przypominającą nieco gęsty chleb Kuban.

Sztuki plastyczne: szkło: ceramika, porcelana i inne - prezentowane były na wystawie głównie w formie prac eksperymentalnych. Poszukiwania są bardzo zróżnicowane. W szkle przywykliśmy już do dużych form zdobniczych, za pomocą których nasi czołowi twórcy szkła wyrażają swój światopogląd, a czasem także głębokie myśli filozoficzne. Są to prace L. Savelyevy, V. Muratova, B. Fedorova. Są dla nas interesujące pod względem rozwoju tematów i obrazów, którymi ci artyści nieustannie się pasjonują. Z wystawy na wystawę rośnie i ostrzy umiejętność grawerowania i cięcia kryształów A. Astvatsaturyana (Leningrad), O. Kozlovej i V. Korneeva (Gus-Chrustalny), plastik w kompozycjach S. Beskinskaya (Moskwa), A. Stepanova staje się bogatsza i pełniejsza (Moskwa), L. Urtaeva (Moskwa), bardziej emocjonalna i subtelniejsza kolorystyka dzieł G. Antonowej (Moskwa), S. Ryazanovej (Moskwa), D. i L. Shushkanova (Moskwa) ). Artyści zajmujący się szkłem mają ogromne możliwości w przekazywaniu takich właściwości materiału, jak przezroczystość, lepkość, kruchość, plastyczność i przestrzenność. Identyfikacja wszystkich tych właściwości szkła stała się możliwa dzięki wysokiemu poziomowi technicznemu naszego przemysłu szklarskiego. Trudno sobie wyobrazić, jak mogłyby wyglądać dzieła artystów Gusiewa, gdyby fabryka nie potrafiła zespawać cudownie kolorowych kryształów, lub jest mało prawdopodobne, abyśmy zobaczyli najnowsze prace B. Fiodorowa, gdyby Fabryka Kryształów Diatkowo nie miał tak bogatych tradycji szlifowania kryształów.

Postrzeganie jedności podmiotu i przedmiotu „artysta-dzieło” w dużej mierze zależy od tego komponentu. Tak naprawdę każdy widz postrzega dzieło (wraz z informacjami, jakie posiada o artyście) przede wszystkim w otaczającej go przestrzeni – muzealnej, wnętrzarskiej, sakralnej, miejskiej itp.

Wyjaśnijmy: nie tylko widz odbiera dzieło w przestrzeni. Projekt artysty zazwyczaj uwzględnia „sztalugowy” lub „dekoracyjny” charakter tworzonej twórczości, to znaczy myśli także o jej konkretnym umiejscowieniu w przestrzeni. Ale ta idea stanowi integralną część aktu tworzenia dzieła i dlatego wpisuje się w jedność podmiotu i przedmiotu „artysta-dzieło”. A później położenie dzieła w przestrzeni (dla skrótu nazwijmy je „miejscem dzieła”) może zmieniać się wielokrotnie – już powiedzieliśmy, że dziś rzecz może znajdować się we wnętrzu, jutro w muzeum, a pojutrze znów może wrócić do wnętrza.

Wydaje się, że przydatne będzie dokonanie jeszcze jednego wyjaśnienia. Niewątpliwie wartości sztuki są wieczne i niezniszczalne - w naszych czasach głębokie wycieczki w filozofię nie są konieczne, aby stwierdzić ten fakt. A jednak odbiór każdego dzieła sztuki w istotny sposób koreluje z gustami i tradycjami konkretnej epoki, w której żyje widz. M.in. w kwestii zakwalifikowania do kategorii „sztuka sztalugowa” czy „sztuka dekoracyjna” (czyli w motywacji umieszczenia konkretnego dzieła w muzeum, na placu, w świątyni, w sypialni itp.).

Jeśli więc porzucimy pojęcia „malarstwa sztalugowego” i „dekoracyjności” jako podstawowych klasyfikatorów, do jedności podmiotu i przedmiotu musimy dodać elementy „artysta-dzieło”, które oznaczają percepcję widza - miejsce i czas postrzegania dzieła . Miejsce i czas powstania dzieła zawarte są w pierwszym składniku – „artysta”, dlatego też, aby odróżnić percepcję widza od aktu tworzenia dzieła, miejsce i czas percepcji widza będziemy nazywać okolicznościami miejsca i czasu.

Zatem kompleksowym narzędziem teoretycznym percepcji, oceny i klasyfikacji konkretnego dzieła sztuki może być jedność podmiotu i przedmiotu „artysta-dzieło”, istniejąca w okolicznościach miejsca i czasu.

Wszystkie odwieczne problemy percepcji widza - „lubię-nie lubię”, „dobrze-źle” – są determinowane przez interakcję tych podstawowych kategorii. Ale w każdym razie nie ma w sztuce miejsca na plagiat i bezduchowe powielanie – jedynie na niepowtarzalność i oryginalność jedności „artysta-dzieło” (odmiennie postrzeganej w różnych okolicznościach miejsca i czasu, ale bez zmiany przez to jej głębokiej, prawdziwej istoty) ) tworzą zjawisko, które nazywamy sztuką.

Oraz wszystkie inne elementy percepcji, oceny i klasyfikacji dzieł sztuki (dwuwymiarowość lub trójwymiarowość, pierwotne umiejscowienie „dekoracyjne” lub „sztalugowe”, umiejscowienie dekoracyjne lub muzealne w określonej epoce, styl realistyczny lub abstrakcyjny, tworzywo sztuczne, kolorystyka, materiały plastyczne itp.) mogą pełnić jedynie rolę pomocniczą, ale nie podstawową.

I na tym poziomie rozumienia nie powinno być podziału twórców na „czystych i nieczystych” – malarzy sztalugowych i artystów użytkowych, realistów i abstrakcjonistów, tradycjonalistów i konceptualistów, monumentalistów i miniaturystów. Prawdziwa (a nie deklaratywna) równość wszystkich ruchów i kierunków w sztuce jest jednym z największych osiągnięć historii sztuki XX wieku i przyszedł czas na dostosowanie podstawowej terminologii do tych osiągnięć.

jubiler barokowy zastosował klasycyzm

Podsumowanie Sztuka dekoracyjna i użytkowa sięga wieków wstecz. Człowiek przez cały swój rozwój tworzył przedmioty wartościowe estetycznie, odzwierciedlając w nich zainteresowania materialne i duchowe, dlatego dzieła sztuki zdobniczej i użytkowej są nierozerwalnie związane z czasem ich powstania. W swoim podstawowym znaczeniu termin „sztuka dekoracyjna i użytkowa” odnosi się do projektowania przedmiotów codziennego użytku, które otaczają człowieka przez całe jego życie: mebli, tkanin, broni, naczyń, biżuterii, odzieży - czyli wszystkiego, co tworzy środowisko, z którym ma codzienny kontakt. Wszystkie rzeczy, z których korzysta dana osoba, powinny być nie tylko wygodne i praktyczne, ale także piękne.

Malowano naczynia i tkaniny, ozdabiano ubrania haftami, na broni i naczyniach stosowano nacięcia i tłoczenia, wykonywano biżuterię z niemal każdego materiału. Ale osoba ta nie pomyślała o tym, że znane rzeczy, które otaczają go przez całe życie, można nazwać sztuką i podzielić na osobny ruch. Jednak już w okresie renesansu podejście do przedmiotów codziennego użytku zaczęło się zmieniać. Spowodowane to było rozbudzeniem zainteresowań ludzi przeszłością, związaną z powstającym wówczas kultem starożytności. Jednocześnie wzrosło zainteresowanie domem jako obiektem dorównującym pod względem estetycznym innym obiektom sztuki. Sztuka dekoracyjna i użytkowa osiągnęła swój największy rozwój w epoce baroku i klasycyzmu. Bardzo często za wykwintną dekoracją – malowaniem, zdobieniem, tłoczeniem kryła się prosta, praktycznie wygodna forma przedmiotu.

W wysoce artystycznych dziełach mistrzów starożytnej Rusi zasada plastyczna przejawiała się we wszystkim: łyżki i kubki wyróżniały się rzeźbiarskimi formami, nienagannymi proporcjami, chochle przybierały zwykle postać ptaka - kaczki lub łabędzia, głowy a szyja służyła za uchwyt. Taka metafora miała znaczenie magiczne, a znaczenie rytualne determinowało tradycyjność i trwałość takiej formy w życiu ludowym. Złote łańcuszki, monisty z eleganckich medalionów, kolorowe koraliki, wisiorki, szerokie srebrne bransoletki, cenne pierścionki, tkaniny zdobione haftem - wszystko to nadawało wielobarwności i bogactwa odświętnemu kobiecemu strojowi. Malowanie dzbanka wzorami, dekorowanie deski do krojenia rzeźbami, tkanie wzorów na tkaninie - wszystko to wymaga dużych umiejętności. Prawdopodobnie takie wyroby zdobione ozdobami zalicza się do sztuki dekoracyjnej i użytkowej również dlatego, że aby osiągnąć niesamowite piękno, trzeba włożyć w to ręce i duszę.

Aby stworzyć udogodnienia niezbędne człowiekowi, a jednocześnie ozdobić jego życie, artyści starają się, aby wszystkie rzeczy używane w życiu codziennym nie tylko odpowiadały ich celowi, ale były także piękne, stylowe i oryginalne.

A piękno i korzyści są zawsze w pobliżu, gdy rzemieślnicy zabierają się do pracy i tworzą przedmioty gospodarstwa domowego będące dziełami sztuki z różnych materiałów (drewno, metal, szkło, glina, kamień itp.).

1. Zavyalov K.F. Religia narodów słowiańskich. T. 1, 2 / Tomsk, 1994 - 1995.

2. Lukina N.V. Formacja kultury materialnej Rusi. Tomsk, 1985.

3. Rytuały, zwyczaje, wierzenia: sob. artykuły / komp. Y. L. Khandrik, przedmowa. N. A. Rogaczowa. Tiumeń, 1997.

4. Hegel G. V. F. Estetyka. T. 1. M., 1968,

5. Kaplan N.I. Ludowa sztuka dekoracyjna i użytkowa. M., 1980.

6. Sokolov K.F. Religia narodów słowiańskich. T. 1, 2 / Moskwa, 1994 - 1995.

7. Ramzin V.M. Poznaj Słowian. Moskwa, 1992.

8. Lukina N.V. Formacja kultury materialnej Słowian. Tomsk, 1985.

9. Mity, legendy, opowieści Słowian / komp. N.V. Kukina M., 1990.

10. Rytuały, zwyczaje, wierzenia: sob. artykuły / komp. Y. L. Handrik, Moskwa, 1997.

11. Korytkova N. F. Odzież Słowian. M.;, 1995.

12. Rombandeeva E.I. Historia Słowian i ich kultura duchowa. Moskwa, 1993.

13. Sokolova Z. P. Słowianie Wschodni. M., 1994.

14. Don I. S. Sztuka dekoracyjna i użytkowa: perspektywa historyczna i filozoficzna. M., 1998.

15. Barabanov N.I. Ludowa sztuka dekoracyjna i użytkowa Słowian Wschodnich. M.,

16. 1980. Praskov K. F. Religia narodów słowiańskich. T

17. Elkonin D. B. Psychologia gry. M., 1999.

18. Barabanov N.I. Ludowa sztuka dekoracyjna i użytkowa Słowian Zachodnich. Rostów nad Donem, 1999

19. Potapov N.I. Ludowa sztuka dekoracyjna i użytkowa Słowian Zachodnich. M., 1990.

W przeciwieństwie do masowych produktów pozbawionych twarzy, przedmioty ręcznie robione są zawsze wyjątkowe. Mistrzowsko wykonane sprzęty gospodarstwa domowego, ubrania i elementy wyposażenia wnętrz są drogie. A jeśli w dawnych czasach takie rzeczy były przedmiotami użytkowymi, to w naszych czasach przeszły do kategorii sztuki. Piękna rzecz wykonana przez dobrego rzemieślnika zawsze będzie cenna.

W ostatnich latach rozwój sztuki użytkowej nabrał nowego impetu. Ten trend nie może się nie cieszyć. Piękne naczynia wykonane z drewna, metalu, szkła i gliny, koronek, tekstyliów, biżuterii, haftów, zabawek - wszystko to po kilkudziesięciu latach zapomnienia znów stało się aktualne, modne i poszukiwane.

Historia Moskiewskiego Muzeum Sztuki Ludowej

W 1981 roku w Moskwie przy ulicy Delegackiej otwarto Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej. Na jego kolekcję składają się unikalne przykłady rękodzieła rosyjskich mistrzów przeszłości, a także najlepsze dzieła współczesnych artystów.

W 1999 r. Miało miejsce kolejne ważne wydarzenie - Ogólnorosyjskie Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Stosowanej i Ludowej przyjęło do swoich zbiorów eksponaty z Muzeum Sztuki Ludowej Savva Timofeevich Morozov. Trzon tej kolekcji powstał jeszcze przed rewolucją 1917 roku. Podstawą tego były eksponaty pierwszego rosyjskiego muzeum etnograficznego. Było to tak zwane Muzeum Rękodzieła Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej, otwarte w 1885 roku.

Muzeum posiada specjalistyczną bibliotekę, w której można zapoznać się z rzadkimi książkami z zakresu teorii i historii sztuki.

Kolekcja muzealna

Tradycyjne rodzaje sztuki dekoracyjnej i użytkowej są usystematyzowane i podzielone na działy. Główne obszary tematyczne to ceramika i porcelana, szkło, biżuteria i metal, rzeźby z kości i drewna, tekstylia, miniatury lakieru i materiały szlachetne.

Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej posiada w swoich otwartych funduszach i magazynach ponad 120 tysięcy eksponatów. Rosyjski modernizm reprezentują dzieła Vrubela, Konenkowa, Golovina, Andreeva i Malyutina. Kolekcja radzieckiej porcelany propagandowej i tekstyliów z drugiej ćwierci ubiegłego wieku jest obszerna.

Obecnie to muzeum sztuki ludowej i rzemiosła uważane jest za jedno z najważniejszych na świecie. Najstarsze eksponaty o dużej wartości artystycznej pochodzą z XVI wieku. Kolekcja muzeum była zawsze aktywnie uzupełniana dzięki darowiznom od osób prywatnych, a także dzięki wysiłkom wyższych urzędników państwowych w latach władzy radzieckiej.

W ten sposób wyjątkowa wystawa tekstyliów powstała w dużej mierze dzięki hojności obywatela francuskiego P. M. Tołstoja-Milosławskiego, który podarował muzeum dużą kolekcję tekstyliów rosyjskich, wschodnich i europejskich zebranych przez N. L. Shabelską.

Dwie duże kolekcje porcelany zostały podarowane muzeum przez wybitne postacie sztuki radzieckiej - Leonida Osipowicza Utesowa i ich małżonków Marię Mironową i Aleksandra Menakera.

Moskiewskie Muzeum Sztuki Stosowanej może poszczycić się salami poświęconymi życiu Rosjan w różnych okresach. Tutaj możesz zapoznać się z domami przedstawicieli wszystkich klas. Konserwowano, odnawiano i wystawiano meble, naczynia, ubrania chłopów i mieszkańców miasta oraz zabawki dziecięce. Rzeźbione dekoracje listew i zadaszeń dachów, pieców kaflowych, skrzyń, które służyły nie tylko jako wygodne schowki na rzeczy, ale także jako łóżka, ponieważ zostały wykonane w odpowiednich rozmiarach, przywołują obrazy spokojnego, wyważonego i dobrze odżywionego życia rosyjski busz.

Miniatura lakieru

Miniatura lakiernicza jako sztuka użytkowa osiągnęła swój największy rozkwit w XVIII i XIX wieku. Ośrodkami artystycznymi dającymi siedzibę głównym kierunkom były miasta słynące z warsztatów malowania ikon. Są to Palech, Mstyora, Kholui i Fedoskino. Pudełka, broszki, panele, szkatułki wykonane z papier-mache malowano farbami olejnymi lub temperą i lakierowano. Rysunki były stylizowanymi wizerunkami zwierząt, roślin, postaci z baśni i eposów. Artyści, mistrzowie miniatur lakowych, malowanych ikon, wykonywali portrety na zamówienie i malowali sceny rodzajowe. Każda miejscowość wypracowała swój własny styl malarstwa, ale prawie wszystkie rodzaje sztuki użytkowej w naszym kraju łączą takie cechy, jak bogactwo i jasność kolorów. Szczegółowe rysunki, gładkie i zaokrąglone linie - to właśnie wyróżnia rosyjskie miniatury. Co ciekawe, obrazy dawnej sztuki dekoracyjnej i użytkowej inspirują także współczesnych artystów. Do tworzenia tkanin do kolekcji mody często wykorzystuje się antyczne rysunki.

Malarstwo artystyczne na drewnie

Obrazy Khokhloma, Mezen i Gorodets są rozpoznawalne nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Meble, szafki, pudełka, łyżki, miski i inne przybory gospodarstwa domowego wykonane z drewna, pomalowane jedną z tych technik, uważane są za uosobienie Rosji. Naczynia z jasnego drewna, pomalowane czarnymi, czerwonymi i zielonymi farbami na złotym tle, wyglądają masywnie i ciężko – to charakterystyczny sposób Khokhloma.

Produkty Gorodets wyróżniają się wielobarwną paletą barw i nieco mniejszą okrągłością kształtów niż produkty Khokhloma. Jako fabuły wykorzystywane są sceny rodzajowe, a także wszelkiego rodzaju fikcyjni i prawdziwi przedstawiciele świata zwierząt i roślin.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa regionu Archangielska, w szczególności malarstwo na drewnie Mezen, to przedmioty użytkowe ozdobione specjalnymi wzorami. Rzemieślnicy Mezen używają w swoich pracach wyłącznie dwóch kolorów - czarnego i czerwonego, czyli sadzy i ochry, ułamkowych schematycznych rysunków pudeł, pudeł i skrzyń, fryzów w formie obramowań z powtarzających się ściętych postaci koni i jeleni. Statyczny, drobny, często powtarzający się wzór wywołuje wrażenie ruchu. Malarstwo Mezen jest jednym z najstarszych. Rysunki używane przez współczesnych artystów to napisy hieroglificzne, których używały plemiona słowiańskie na długo przed pojawieniem się państwa rosyjskiego.

Rzemieślnicy przed wykonaniem dowolnego przedmiotu z litego bloku zabezpieczają drewno przed pękaniem i wysychaniem, dzięki czemu ich produkty mają bardzo długą żywotność.

Tace Zhostovo

Metalowe tace malowane w kwiaty - sztuka użytkowa Zhostova pod Moskwą. Tace Zhostovo, niegdyś pełniące wyłącznie funkcję użytkową, od dawna służą jako dekoracja wnętrz. Jasne bukiety dużego ogrodu i małych polnych kwiatów na czarnym, zielonym, czerwonym, niebieskim lub srebrnym tle są łatwo rozpoznawalne. Typowe bukiety Zhostovo zdobią teraz metalowe pudełka zawierające herbatę, ciasteczka lub słodycze.

Szkliwo

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, taka jak emalia, odnosi się również do malowania metali. Najbardziej znane są wyroby rzemieślników z Rostowa. Przezroczyste farby ognioodporne nakłada się na blachę miedzianą, srebrną lub złotą, a następnie wypala w piecu. Techniką emalii na gorąco, bo tak nazywa się emalię, wykonuje się biżuterię, naczynia, rękojeści do broni i sztućce. Farby pod wpływem wysokich temperatur zmieniają kolor, dlatego rzemieślnicy muszą rozumieć zawiłości obchodzenia się z nimi. Najczęściej motywy kwiatowe są wykorzystywane jako tematy. Najbardziej doświadczeni artyści wykonują miniatury portretów ludzi i krajobrazów.

Majolika

Moskiewskie Muzeum Sztuki Stosowanej daje możliwość zobaczenia dzieł uznanych mistrzów malarstwa światowego, wykonanych w nie do końca dla nich charakterystyczny sposób. Na przykład w jednej z sal znajduje się majolika Vrubela - kominek „Mikula Selyaninovich i Wołga”.

Majolika to wyrób wykonany z czerwonej gliny, malowany na surowej emalii i wypalany w specjalnym piecu w bardzo wysokiej temperaturze. W regionie Jarosławia sztuka i rzemiosło stały się powszechne i rozwinięte dzięki dużej liczbie złóż czystej gliny. Obecnie w szkołach w Jarosławiu dzieci uczą się pracy z tym tworzywem sztucznym. Dziecięca sztuka użytkowa to drugi wiatr dla dawnego rzemiosła, nowe spojrzenie na tradycje ludowe. Nie jest to jednak wyłącznie hołd złożony tradycjom narodowym. Praca z gliną rozwija motorykę małą, poszerza kąt widzenia i normalizuje stan psychosomatyczny.

Gżel

Sztuka dekoracyjna i użytkowa, w odróżnieniu od sztuk pięknych, zakłada utylitarne, ekonomiczne wykorzystanie przedmiotów stworzonych przez artystów. Porcelanowe czajniki, wazony na kwiaty i owoce, świeczniki, zegary, uchwyty do sztućców, talerze i filiżanki są niezwykle eleganckie i dekoracyjne. Na podstawie pamiątek Gzhel powstają nadruki na dzianinach i materiałach tekstylnych. Przyzwyczailiśmy się myśleć, że Gzhel to niebieski wzór na białym tle, ale początkowo porcelana Gzhel była wielokolorowa.

Haft

Haft tkaninowy jest jednym z najstarszych rodzajów robótek ręcznych. Początkowo przeznaczony był do ozdabiania ubiorów szlacheckich, a także tkanin przeznaczonych do rytuałów religijnych. Ta ludowa sztuka dekoracyjna i użytkowa przybyła do nas z krajów Wschodu. Ubrania bogatych ludzi haftowano kolorowym jedwabiem, złotymi i srebrnymi nićmi, perłami, drogimi kamieniami i monetami. Za najcenniejszy uważa się haft wykonany małymi ściegami, który stwarza wrażenie gładkiego, jakby wzoru narysowanego farbami. W Rosji haft szybko wszedł do użytku. Pojawiły się nowe techniki. Oprócz tradycyjnego ściegu satynowego i ściegu krzyżykowego zaczęto haftować ściegami mereżkowymi, czyli układaniem ażurowych ścieżek wzdłuż pustych przestrzeni utworzonych przez wyrwane nici.

Zabawki dla dzieci w Dymkowie

W przedrewolucyjnej Rosji ośrodki rzemiosła ludowego, oprócz przedmiotów użytkowych, wyprodukowały setki tysięcy zabawek dziecięcych. Były to lalki, zwierzęta, naczynia i meble do zabawy dla dzieci oraz gwizdki. Sztuka dekoracyjna i użytkowa tego kierunku jest nadal bardzo popularna.

Symbol ziemi Vyatka - zabawka Dymkowo - nie ma odpowiednika na świecie. Jasne kolorowe młode panie, panowie, pawie, karuzele, kozy są natychmiast rozpoznawalne. Żadna zabawka się nie powtarza. Na śnieżnobiałym tle wzory w postaci okręgów, linii prostych i falistych rysowane są farbami w kolorze czerwonym, niebieskim, żółtym, zielonym i złotym. Wszystkie rzemiosła są bardzo harmonijne. Emanują tak potężną pozytywną energią, że czuje ją każdy, kto weźmie do ręki zabawkę. Może nie ma potrzeby umieszczania w rogach mieszkania chińskich symboli dobrobytu w postaci trójnożnych ropuch, plastikowych czerwonych ryb czy drzewek pieniędzy, ale lepiej udekorować dom wyrobami rosyjskich rzemieślników - Kargopol, Tula lub gliniane pamiątki Wiatki, miniaturowe drewniane rzeźby rzemieślników z Niżnego Nowogrodu. Niemożliwe jest, aby nie przyciągnęły do rodziny miłości, dobrobytu, zdrowia i dobrego samopoczucia.

Zabawka Filimonowska

W dziecięcych ośrodkach artystycznych w wielu regionach naszego kraju dzieci uczą się rzeźbić z gliny i malować na wzór rzemiosła ludowego środkowej Rosji. Dzieciom naprawdę podoba się praca z tak wygodnym i elastycznym materiałem, jak glina. Wymyślają nowe projekty zgodnie ze starożytnymi tradycjami. W ten sposób rozwija się krajowa sztuka użytkowa, która pozostaje poszukiwana nie tylko w ośrodkach turystycznych, ale w całym kraju.

Mobilne wystawy zabawek Filimonowa cieszą się we Francji dużą popularnością. Przez cały rok podróżują po kraju i towarzyszą im kursy mistrzowskie. Zabawki z gwizdkiem kupują muzea w Japonii, Niemczech i innych krajach. Statek ten, który ma stałe miejsce zamieszkania w regionie Tula, ma około 1000 lat. Prymitywnie wykonane, ale pomalowane na różowo-zieloną kolorystykę, wyglądają bardzo wesoło. Uproszczoną formę tłumaczy się tym, że zabawki mają w środku wnęki z wychodzącymi otworami. Dmuchając w nie, naprzemiennie zakrywając różne dziury, uzyskasz prostą melodię.

Szale Pawłowo

Przytulne, kobiece i bardzo jasne szale od tkaczy Pavlovo Posad stały się znane na całym świecie dzięki niesamowitej kolekcji modnych ubrań rosyjskiego projektanta mody Wiaczesława Zajcewa. Używał tradycyjnych tkanin i wzorów do szycia damskich sukienek, męskich koszul, innej odzieży, a nawet butów. Szalik Pavlovo Posad to dodatek, który można przekazywać z pokolenia na pokolenie, podobnie jak biżuteria. Trwałość i odporność szalików na zużycie jest powszechnie znana. Wykonane są z wysokiej jakości cienkiej wełny. Wzory nie blakną na słońcu, nie blakną od prania i nie kurczą się. Frędzle na szalach wykonują specjalnie przeszkoleni rzemieślnicy - wszystkie komórki ażurowej siateczki wiązane są w supełki w tej samej odległości od siebie. Motyw przedstawia kwiaty na czerwonym, niebieskim, białym, czarnym i zielonym tle.

Koronka Wołogdy

Słynna na całym świecie koronka Wołogdy jest tkana przy użyciu szpulek brzozowych lub jałowcowych z nici bawełnianych lub lnianych. W ten sposób powstają miarki, narzuty, szale, a nawet sukienki. Koronka Wołogdy to wąski pasek, który stanowi główną linię wzoru. Pustki są wypełnione sieciami i robakami. Tradycyjny kolor to biały.

Sztuka użytkowa nie stoi w miejscu. Rozwój i zmiany zachodzą nieustannie. Trzeba powiedzieć, że na początku ubiegłego wieku pod wpływem rozwijającego się przemysłu pojawiły się manufaktury przemysłowe wyposażone w szybkie maszyny elektryczne i powstała koncepcja produkcji masowej. Sztuka i rzemiosło ludowe zaczęły podupadać. Dopiero w połowie ubiegłego wieku przywrócono tradycyjne rosyjskie rzemiosło. W ośrodkach artystycznych, takich jak Tuła, Włodzimierz, Gus-Chrustalny, Archangielsk, Rostów, Zagorsk itp. Budowano i otwierano szkoły zawodowe, kształcono wykwalifikowanych nauczycieli i kształcono nowych młodych mistrzów.

Nowoczesne rodzaje robótek ręcznych i kreatywności

Ludzie podróżują, poznają kultury innych narodów, uczą się rzemiosła. Co jakiś czas pojawiają się nowe rodzaje sztuki zdobniczej i użytkowej. Dla naszego kraju scrapbooking, origami, quilling i inne stały się takimi nowymi produktami.

Niegdyś betonowe ściany i płoty zdobiono różnorodnymi rysunkami i napisami wykonanymi w wysoce artystyczny sposób. Graffiti, czyli sztuka natryskowa, to nowoczesna interpretacja starożytnego rodzaju malarstwa naskalnego. Możesz śmiać się do woli z nastoletnich zainteresowań, do których zalicza się oczywiście graffiti, ale spójrz na zdjęcia w Internecie lub pospaceruj po własnym mieście, a odkryjesz dzieła naprawdę wysoce artystyczne.

Scrapbooking

Projektowanie notesów, książek i albumów, które istnieją w jednym egzemplarzu, nazywa się scrapbookingiem. Ogólnie rzecz biorąc, działalność ta nie jest całkowicie nowa. Albumy, których celem było utrwalenie dla potomności historii rodziny, miasta czy jednostki, powstawały już wcześniej. Współczesna wizja tej sztuki polega na tworzeniu książek artystycznych z ilustracjami autorów, a także korzystaniu z komputerów z różnymi edytorami graficznymi, muzycznymi, fotograficznymi i innymi.

Quilling i origami

Quilling, tłumaczony na rosyjski jako „zwijanie papieru”, służy do tworzenia paneli, projektowania pocztówek, ramek do zdjęć itp. Technika ta polega na zwijaniu cienkich pasków papieru i przyklejaniu ich do podłoża. Im mniejszy fragment, tym bardziej eleganckie i dekoracyjne rzemiosło.

Origami, podobnie jak quilling, to praca z papierem. Tylko origami to praca z kwadratowymi kartkami papieru, z których formuje się najróżniejsze kształty.

Z reguły wszystkie rzemiosła związane z papiernictwem mają chińskie korzenie. Azjatycka sztuka i rzemiosło były pierwotnie rozrywką szlachty. Biedni nie stworzyli pięknych rzeczy. Ich przeznaczeniem jest rolnictwo, hodowla bydła i wszelkiego rodzaju prace fizyczne. Europejczycy, przyjmując podstawy techniki, która w przeszłości reprezentowała bardzo drobną i delikatną pracę z papierem ryżowym, przenieśli tę sztukę do dogodnych dla nich warunków.

Chińskie produkty wyróżniają się mnóstwem bardzo drobnych detali, które wyglądają monolitycznie i bardzo elegancko. Tylko bardzo doświadczeni rzemieślnicy mogą wykonywać taką pracę. Ponadto cienkie wstążki papierowe można skręcić w ciasną i równą cewkę tylko za pomocą specjalnych narzędzi. Europejscy miłośnicy rękodzieła nieco zmodyfikowali i uprościli starożytne chińskie rzemiosło. Papier zwinięty w spirale o różnej wielkości i gęstości stał się popularną ozdobą pudeł kartonowych, wazonów na suszone kwiaty, ramek i paneli.

Mówiąc o sztuce dekoracyjnej i użytkowej, niesprawiedliwe byłoby pominięcie takich rzemiosł, jak malowanie jedwabiem, czy batik, drukowanie materiałów czy tłoczenie, czyli malowanie metali, tkanie dywanów, beading, makrama, dziewiarstwo. Jedne rzeczy odchodzą w przeszłość, inne stają się tak modne i popularne, że nawet przedsiębiorstwa przemysłowe zaczynają produkować sprzęt do tego typu twórczości.

Zachowanie starożytnych rzemiosł i pokazywanie w muzeach najlepszych przykładów to dobry uczynek, który zawsze będzie źródłem inspiracji dla osób wykonujących zawody twórcze i pomoże wszystkim innym przyłączyć się do piękna.

Sztuka i rzemiosło ludowe - jeden ze sposobów edukacji estetycznej - pomaga kształtować gust artystyczny, uczy dostrzegać i rozumieć piękno w otaczającym nas życiu i w sztuce. Sztuka ludowa, o treści narodowej, może aktywnie wpływać na rozwój duchowy człowieka, kształtowanie uczuć patriotycznych i międzynarodowych.

Sztuka ludowa przyczynia się do edukacji artystycznej dzieci, ponieważ opiera się na wszystkich specyficznych prawach sztuki zdobniczej - symetrii i rytmie. We wzorach malarstwa dekoracyjnego, charakterystycznych dla różnych rzemiosł ludowych, obserwuje się pewną rytmikę, symetrię, proporcjonalność poszczególnych elementów i policzalność w wykonaniu zdobnictwa. Dostarcza to materiału do rozwoju elementarnych koncepcji matematycznych.

Rosyjska sztuka i rzemiosło ludowe są ściśle związane z folklorem, zwyczajami i rytuałami, świętami ludowymi i muzyką ludową. Dzięki temu zapoznawanie z rzemiosłem ludowym można uzupełnić edukacją muzyczną dzieci w wieku przedszkolnym.

Sztuka ludowa i rzemiosło naszego kraju są integralną częścią kultury. Emocjonalność i poetycki obraz tej sztuki są bliskie, zrozumiałe i drogie ludziom. Jak każda wielka sztuka, kształtuje wrażliwość na piękno i przyczynia się do kształtowania harmonijnie rozwiniętej osobowości. Opierając się na głębokich tradycjach artystycznych, sztuka ludowa wkracza w życie i kulturę ludzi i ma korzystny wpływ na kształtowanie się osoby przyszłości. Dzieła artystyczne tworzone przez twórców ludowych zawsze odzwierciedlają miłość do ojczyzny, umiejętność widzenia i rozumienia otaczającego ich świata.

„Natura obrazów i motywów zdobnictwa ludowego jest nierozerwalnie związana z nieodłącznym zadaniem przekształcania otoczenia człowieka i jego samego, zgodnie z ideą dobra i piękna. Sztuka ta ma zdolność wnoszenia w życie radości, jasnych kolorów, wesołych rytmów i potwierdzania pozytywnych ideałów. Ludowa sztuka zdobnicza przyczynia się do wychowania ludzi optymistycznie patrzących na życie, bogatych duchowo, obdarzonych subtelnym uczuciem poetyckim, uczy kochać i doceniać to, co jest uznawane przez ludzi.

Dekoracyjność, wyrazistość koloru i plastyczność, wzorzyste wzory, różnorodność faktur materiałów – to cechy charakterystyczne dzieł ludowej sztuki użytkowej, wpisujące się w zmysł estetyczny, percepcję i zrozumienie dzieci. Zarówno w dziełach sztuki ludowej, jak i w twórczości dzieci wszystko jest radosne i kolorowe. Zarówno tam, jak i tutaj życie jest postrzegane i przedstawiane w wzniosłych, poważnych tonach. Wizerunki fantastycznych ptaków, zwierząt i roślin przedstawione na tkaninach, piernikowych tablicach i obrazach kręcących się kółek odbierane są przez dzieci przede wszystkim jako baśniowe, a jednocześnie rozpoznają w nich znane im ptaki i rośliny życia, gdyż w sztuce ludowej „przedstawianie zwierząt domowych, ptaków, zwierząt i roślin, sceny życia codziennego nabrały szczególnego znaczenia i duchowości, a fantastycznym obrazom nie brakowało wiarygodności.

Kompozycja wzoru i jego struktura kolorystyczna podlegają prawom estetycznym, które stopniowo stają się dostępne dla dzieci. W związku z tym zajęcia z rysunku dekoracyjnego i aplikacji przyczyniają się do rozwoju gustu artystycznego.

Sztuka ludowa poetyzuje życie. Rzemieślnicy ludowi często wykorzystują wizerunki żywej natury do tworzenia szczególnej wyrazistej formy przedmiotów gospodarstwa domowego i ich ozdabiania. Spotkanie z kolorowym ptakiem przedstawionym na kołowrotku, z szybkim glinianym koniem wymachującym grzywą na wietrze, z wzorzystymi wzorami na tkaninie, z mieniącą się szkliwioną ceramiką, może być dla dzieci płodnym materiałem rozwijającym ich wyobraźnię.

W sztuce ludowej wyrazistość obrazu artystycznego osiąga się najczęściej poprzez uogólnienie detali i plam barwnych. Brakuje jej iluzoryczności i fragmentaryzacji rozwiązań kompozycyjnych. Wolumetryczna forma, rozwiązanie wizualne, jest wyrażona prosto, lakonicznie, jedynie poprzez główne, istotne cechy.

Przykłady sztuki ludowej przyczyniają się do rozwoju u dzieci umiejętności dekoracyjnej pracy z kolorem, rozpoczynania od całości podczas tworzenia wyrobów glinianych, osiągania ostrych rozwiązań plastycznych za pomocą lakonicznych środków i wzbogacania wyrazistości graficznej prac dzieci.

Ludową sztukę użytkową charakteryzuje jedność estetyki i utylitarności (praktycznego zastosowania). Niezależnie od tego, czy jest to dzbanek ceramiczny, strój ludowy, starożytny zamek, lampka do pochodni, gospodarstwo domowe czy cel praktyczny – wszystko jest w niesamowitej zgodzie z jego wystrojem. Kreacji rzeczy podporządkowane są wszelkie środki wyrazu: kształt przedmiotu, materiał, z którego jest wykonany, ozdoba, kolorystyka. Malując ramę z kory brzozowej kwiatami, ozdabiając drewnianą chochlę rzeźbami, artysta tworzy zgodnie z prawami piękna. Pragnienie piękna poprzez rzeczy, których funkcja społeczna polega nie tylko na ich utylitarnej istocie, ale w równym stopniu na ich zdolności do ozdabiania naszego życia, zwiększania w nim piękna, stanowi duchowy sens dzieł sztuki ludowej.

Związek z życiem codziennym i pracą determinował charakterystykę treści i języka artystycznego sztuki ludowej. Natura zaopatrzyła rzemieślników w najprostsze materiały: drewno, glinę, metale, kość, len, wełnę, poprzez obróbkę, które przy pomocy prostych narzędzi osiągnęli wysoki poziom artystyczny i doskonałość techniczną.

Wydobycie naturalnego piękna materiału i umiejętność wydobycia jak największego efektu dekoracyjnego często łączono z prostymi, czysto technicznymi technikami: nanoszeniem wgłębień, kresek i gwiazdek specjalnym stemplem, stosowaniem równomiernie naprzemiennych splotów pasków lub nitek. Będąc jednym z ważnych źródeł wyrazu artystycznego wyrobów sztuki ludowej, techniczna prostota tych technik jest szczególnie interesująca w związku z zapoznawaniem dzieci z różnymi materiałami i różnymi sposobami ich zdobienia. Opanowanie niektórych technik technicznych jest dość dostępne dla dzieci w wieku przedszkolnym i może wnieść pewną nowość w kreatywność dzieci, czyniąc ją bardziej interesującą i ekscytującą.

Analizując specyfikę postrzegania dzieł sztuki ludowej przez dzieci, N.P. Sakulina zauważa: „Dzieci w wieku przedszkolnym są bliskie i zrozumiałe dla wielu dzieł mistrzów malarstwa dekoracyjnego, rzeźbienia, haftu i sztuki tworzenia zabawek. Małe dzieci postrzegają je głębiej i pełniej niż duże obrazy i rzeźby sztalugowe, co bardzo pomaga nauczycielowi przedszkola w kształtowaniu upodobań artystycznych dzieci i kierowaniu ich twórczością wizualną. Na edukacyjne znaczenie sztuki ludowej wielokrotnie zwracał uwagę A.P. Usowa. Pisała, że wykorzystanie sztuki ludowej w przedszkolu nigdy nie było przypadkowym impulsem czy modą, lecz zawsze pozostawało w ścisłym związku z zadaniami pedagogiczno-artystycznymi pedagogiki przedszkolnej, których praktyczną realizację w dużym stopniu ułatwiała sztuka ludowa. „Pojęcie Ojczyzny jest wciąż niedostępne dla małych dzieci. Wychowanie w tym wieku polega na przygotowaniu dla nich gruntu poprzez wychowanie dziecka w atmosferze nasyconej żywymi obrazami i jasnymi kolorami jego kraju”.

Obecnie ludowa sztuka użytkowa znajduje szerokie zastosowanie w edukacji artystycznej dzieci w przedszkolach. Autentyczne przykłady sztuki ludowej oraz współczesne dzieła sztuki dekoracyjnej i użytkowej wykorzystywane są na zajęciach i przy projektowaniu przedszkoli.

Wszystko to pozwala stwierdzić, że dzieła ludowej sztuki użytkowej powinny odgrywać ważną rolę w rozwoju artystycznym dzieci w wieku przedszkolnym: w rozwoju ich wyobraźni, fantazji, w kształtowaniu gustu artystycznego, we wzbogacaniu wyrazistości figuratywnej stworzonych dzieł przez dzieci.

Produkty rzemieślników ludowych pomagają zaszczepić dzieciom uważną i troskliwą postawę wobec środowiska, ponieważ sztuka dekoracyjna i użytkowa jest bliska naturze. Artyści od wieków obserwują świat zwierząt, piękno ptaków, różnorodność roślin, widzą i czują harmonię natury. Następnie jego piękno, proporcjonalność, racjonalność i uporządkowanie znalazły odzwierciedlenie we wzorach malarstwa dekoracyjnego. Zawierają wizerunki ludzi, zwierząt, ptaków, wzorów roślinnych i ozdób. Rękodzieło pomaga zrozumieć i poczuć, że człowiek jest częścią natury, a to jest podstawą harmonijnego rozwoju dziecka.

Sztuką ludową zajmują się nie tylko dorośli, ale także dzieci, które z zapałem bawią się zarówno drewnianymi malowanymi lalkami gniazdowymi, jak i glinianymi figurkami mistrzów Kirowa. Dzieci uwielbiają dowcipne zabawki z Bogorodska i przedmioty toczone w Zagorsku.

Jak już wspomniano, piękna sztuka ludowa ma ogromny wpływ emocjonalny i stanowi dobrą podstawę do kształtowania duchowego świata człowieka. Sztuka ludowa jest figuratywna, kolorowa i oryginalna w swojej konstrukcji. Jest przystępny dla dziecięcej percepcji, gdyż zawiera zrozumiałe dla dzieci treści, które konkretnie, w prostych, lakonicznych formach, odkrywają przed dzieckiem piękno i urok otaczającego go świata. Są to zawsze znane dzieciom bajkowe wizerunki zwierząt wykonane z drewna lub gliny.

Ozdobami używanymi przez rzemieślników ludowych do malowania zabawek i naczyń są kwiaty, jagody i liście, które dziecko spotyka w lesie, na polu czy w przedszkolu. W ten sposób mistrzowie malarstwa Khokhloma umiejętnie tworzą ozdoby z liści, jagód kaliny, malin i żurawiny. Rzemieślnicy z Gorodca tworzą swoje ozdoby z liści i dużych kwiatów kupawki, dzikiej róży i róż.

Mistrzowie zabawek glinianych często malują swoje produkty wzorami geometrycznymi: pierścieniami, paskami, kółkami, które są zrozumiałe także dla małych dzieci. Wszystkie te produkty, zarówno drewniane, jak i gliniane, służą w przedszkolach nie tylko do dekoracji wnętrza pokoju. Pod okiem nauczyciela dokładnie je oglądają, rysują i rzeźbią na podstawie próbek wyrobów ludowych.

Pod wpływem pływających obiektów artystycznych dzieci głębiej i z wielkim zainteresowaniem zapoznają się z ilustracjami do rosyjskich baśni ludowych autorstwa takich artystów jak I. Bilibin i Yu Wasnetsov, których twórczość opiera się na tradycjach narodowych.

Zajęcia z wykorzystaniem przedmiotów sztuki ludowej rozwijają aktywność umysłową małego dziecka. Jest to jednak możliwe tylko w przypadku systematycznego, systematycznego zapoznawania dzieci z przedmiotami sztuki ludowej, w wyniku czego dzieci tworzą własne dzieła dekoracyjne: zabawki, naczynia, talerze ozdobione ozdobami typu kafelek.

Rola sztuki zdobniczej i użytkowej w życiu człowieka

2.2 Rola sztuki dekoracyjnej i użytkowej we współczesnym społeczeństwie

Aby zrozumieć, czy tak dziwna sytuacja z DPI powstała przypadkowo, czy nie przypadkowo, należy pamiętać lata trzydzieste pięćdziesiąte XX wieku - długi okres powstawania „związków artystów radzieckich”. To wtedy, podczas tworzenia Moskiewskiego Związku Artystów i Związku Artystów ZSRR, sekcje malarzy, grafików, rzeźbiarzy, projektantów, monumentalistów i „artystów użytkowych” zostały przydzielone na równych zasadach.

Prawdopodobnie przy rozwiązywaniu kwestii organizacyjnych związków wszystkie te sekcje rzeczywiście cieszyły się równymi prawami. Ale zamieszanie zaczęło się już wtedy. Sokolov K.F. Religia narodów słowiańskich. T. 1, 2 / Moskwa, 1994 - 1995.

Gwoli ścisłości, zauważamy, że podział na malarzy i grafików był równie arbitralny i subiektywny. Na przykład, który malarz nigdy nie malował akwarelami i nigdy nie sięgał po pastele?

Skąd więc bierze się ten aprioryczny „status naukowca stosowanego drugiej kategorii” i czy jest uzasadniony?

Jest bardzo prawdopodobne, że w warunkach monopolistycznej dominacji sowieckiego systemu dystrybucji taki „status drugiej kategorii” miał pewne przyczyny.

„Historycznie” – od XVIII do początków XX wieku – rosyjscy jubilerzy, dmuchacze szkła, ceramiki, hafciarki i inni „robotnicy użytkowi” byli w dużej mierze „bezpersonalni”. Opinia publiczna znała jedynie nazwiska właścicieli fabryk i warsztatów, a niemal wszyscy rzemieślnicy – nawet ci najbardziej utalentowani – rzadko mieli okazję pokazać swoją indywidualność jako twórcy.

Sztuka dekoracyjna i użytkowa Dagestanu

Pojawienie się i rozwój oryginalnej sztuki ludów Dagestanu sięga czasów starożytnych. Liczne znaleziska odkryte podczas wykopalisk archeologicznych...

Kultura i sztuka starożytnego Babilonu

Kolaż (z francuskiego kolaż - klejenie) to technika techniczna w sztukach plastycznych polegająca na tworzeniu obrazów lub prac graficznych poprzez przyklejanie przedmiotów i materiałów na dowolne podłoże...

Potrzeby kulturalne współczesnej młodzieży

młodzieżowe potrzeby kulturalne społeczeństwo Wśród problemów społecznych współczesnej młodzieży można wyróżnić wiele najważniejszych obszarów, których uwzględnienie pozwala mówić o nowych trendach w rozwoju młodzieży...

Metodyczne podstawy nauczania dzieci w wieku szkolnym papierowych technik plastycznych

Dzieci w każdym wieku uwielbiają pracować z papierem i tworzyć z niego własne małe arcydzieła. Jednym z ulubionych kreatywnych zajęć dzieci jest robienie papieru...

Sztuka i rzemiosło ludowe jako wybitne zjawisko kultury artystycznej ludności regionu Biełgorodu

Wśród nowoczesnych przedsiębiorstw przemysłowych regionu, które wykorzystują kompozycje zdobnicze i metody ozdabiania odzieży, można wyróżnić: Fabrykę Ceramiki Artystycznej Borysów, JSC „Rossiyanka”, „Nayada”...

Specyfika ukraińskiego baroku

Twórz dzieła sztuki wizerunkowej i dekoracyjnej, stare ręce...

Sztuka użytkowa Bizancjum IV-XIV w

Fragmenty arcydzieł sztuki użytkowej Bizancjum, które do nas dotarły, wskazują, że mistrzowie bizantyjscy dokonali wielkich osiągnięć nie tylko w architekturze, rzeźbie i malarstwie...

Od ponad wieku problematyka etniczna dosłownie w różnych formach wdziera się do humanistyki, porządkując na nowo mniej lub bardziej utrwalone koncepcje i odsłaniając w nich nowe treści. Rzeczywiście...

Połączenie metod etnograficznych, historyczno-kulturowych i psychologicznych jest zdaniem I. S. Kona niezbędne do prawidłowego badania zjawiska psychologiczno-filozoficznego...

Rola sztuki zdobniczej i użytkowej w życiu człowieka

Dlatego nie będziemy wymyślać żadnych nowych definicji DPI i sięgamy do Rosyjskiego słownika encyklopedycznego (RES) - książki, która ma na celu suche przedstawienie stereotypowych poglądów na temat wszelkich zjawisk naukowych...

Nowoczesne technologie w meblach drewnianych w stylu kazachskim na lekcjach w klasie VII

Produkcja filcu to złożony proces, który wymaga pewnych umiejętności. Artykuły gospodarstwa domowego i odzież były wykonane z wełny. Głównym surowcem do wykonywania miękkich wnętrz domowych była wełna. Od zebrania wełny i ułożenia jej na macie...