Ich ciało ma płaski, trapezowy kształt z naciągniętymi sznurkami. Dźwięk na talerzach wydobywany jest za pomocą drewnianych pałeczek.
Odmiany cymbałów
Obecnie cymbały wykorzystuje się w praktyce na dwa sposoby:
1. Autentyczny folk;
2. Profesjonalny i akademicki.
W związku z tym stosuje się dwa rodzaje talerzy: ludowe i koncertowo-akademickie. W czasie ich istnienia talerze były oczywiście ulepszane; R.V. Podoynitsyna w artykule „O współzależności rozwoju instrumentów muzycznych i stylu wykonywania” porównuje kształt, rozmiar i szczegóły konstrukcyjne talerzy ludowych i ulepszonych „Prima”.
Kształt obu instrumentów to regularny trapez równoramienny. Wymiary korpusu cymbałów ludowych są różne: dolna podstawa - 705-1150 mm, górna 510-940 mm, boki - 255-400 mm, wysokość - 33-95 mm, szerokość - 235-380 mm. Profesjonalne cymbały mają inne wskaźniki: dolna podstawa 1000 mm, górna - 600 mm, bok boczny 535 mm, wysokość 65 mm, szerokość - 490 mm.
Cymbały ludowe mają trzy, najczęściej dwa stojaki: po prawej stronie - bas; po lewej stronie znajduje się struna głosowa, która dzieli struny na kwarty i kwinty. Na stojaku głosowym „głosy średnie” znajdują się po prawej stronie, a „głosy wysokie” po lewej stronie. Dzięki temu pojawia się skala składająca się z trzech rejestrów. Na górze, pomiędzy trybunami głównymi, znajduje się dodatkowa, mała, na jeden rząd strun. Profesjonalne cymbały posiadają sześć mostków: dwa główne, cztery dodatkowe dolne i trzy górne, które dzielą struny na kwinty, tercje i sekundy.
Różnice między instrumentami w liczbie rzędów strun, liczbie strun w jednym rzędzie, ich długości i przekroju. Cymbały ludowe często mają 12-17 rzędów, z których każdy ma 3-8 strun, zwykle 4-5; długość struny sondującej wynosi 630-825 mm. dla niskich dźwięków i 260-315 mm. dla wysokich. Wykonawcy ludowi używali sznurków o różnych przekrojach - 0,1-1,0 mm. Obecnie muzycy ludowi grają na instrumencie o strunach tej samej sekcji. W przeciwieństwie do talerzy ludowych, talerze akademickie mają 29 rzędów strun; po dwa ciągi w rzędzie w dziewięciu dolnych rzędach i trzy w pozostałych. Długość struny sondującej waha się od 680 mm. do 700 mm. W instrumentach profesjonalnych stosowane są struny o pięciu przekrojach (od 0,4 do 0,7 mm i skręcone karbownikiem), co wpływa na ich barwę we wszystkich rejestrach, która jest mniej równa.
Głośność skali talerzy ludowych wynosi najczęściej 2-2,5 oktawy (C-E2), które opierają się na diatoniczności z chromatyzacją poszczególnych kroków. Skala instrumentu akademickiego jest inna: jest chromatyczna i rozszerzona (G-B3).
Wykonawcy ludowi najczęściej trzymają instrument na kolanach, podczas gdy w praktyce zawodowej talerze umieszczane są przed muzykiem.
Realizacja dźwięku, zarówno w wykonawstwie ludowym, jak i zawodowym, odbywa się za pomocą pałek – młotków, które w praktyce ludowej rozprzestrzeniły się w postaci „haków”.
Muzycy obu tradycji trzymają młotek pomiędzy palcem środkowym i wskazującym, resztę formując w pięść. Młotki ludowe mają indywidualny rozmiar, ich długość wynosi od 140 do 240 mm. Pałki profesjonalnych cymbałów mocowane są na prawą i lewą rękę, czego nie ma w wykonawstwie ludowym, ich długość wynosi od 125 do 135 mm, waga 8-9 g.
Muzycy ludowi nie zakrywają haczyków podczas gry metalu z drewnem. Pod wpływem muzyki profesjonalnej, która wymaga dynamicznej i zróżnicowanej barwy dźwięku, akademiccy cymbaliści zaczęli wyściełać swoje młotki zamszem, używając niewielkiej ilości waty. Poszycie to sprawa o wyjątkowym znaczeniu. Twarda obudowa wytwarza ostry, nieprzyjemny dźwięk. Zbyt miękkie, matowe, niewyraźne.
Cechami charakterystycznymi talerzy ludowych są:
— brak wyciszenia otwartych strun;
— ścisła funkcjonalność: prawa ręka gra melodię, lewa „wybija” wypełnienie rytmiczno-harmoniczne;
- patyki nie mają osłony;
- talerze trzymane są na zawieszeniu (jedna z opcji) lub stawiane na kolanach.
Środowisko społeczne odegrało ważną rolę w rozwoju zawodowych cymbałów. Na obszarach wiejskich konstrukcja talerzy, ich interpretacja i funkcja artystyczna pozostały niezmienione. Środowisko miejskie przeciwnie, przyczyniło się do wprowadzenia muzyków w profesjonalną sztukę akademicką i „pchnęło” ich do rekonstrukcji instrumentu, co później odbiło się na poziomie wykonawczym.
Rekonstrukcja cymbałów
Po raz pierwszy w latach dwudziestych XX wieku talerze tradycji ludowej zostały zrekonstruowane przez D. Zachara i K. Suszkiewicza zgodnie ze standardami występów koncertowych i estradowych.
Ulepszanie talerzy przeprowadzono w następujący sposób:
1. zmiany i ulepszenia wewnętrznej struktury instrumentu z wykorzystaniem danych akustycznych;
2. rozszerzenie ogólnego zakresu instrumentu do trzech oktaw;
3. wprowadzenie pełnej skali chromatycznej w całym zakresie instrumentu i uporządkowanie jego dźwięków w kolejności ruchu progresywnego, przyrostowego;
4. zmiany kształtu i konstrukcji młotków do uderzania strun;
5. stworzenie całej rodziny talerzy: prima, altowo-tenorowy, basowy i kontrabasowy.
Rekonstrukcja struktury wewnętrznej i kształtu zewnętrznego instrumentu miała na celu uzyskanie dobrego, bogatego w barwę, mocnego i miękkiego brzmienia. Podczas opracowywania wzięto pod uwagę charakterystykę wibracyjną strun, zwrócono także uwagę na jakość użytego materiału. Do płyty rezonansowej przyklejono pierścienie (sprężyny), zmniejszono liczbę strun w jednym rzędzie z 7-5 do 3 oraz zwiększono użycie strun o różnych średnicach.
Poszerzenie zakresu instrumentu i wprowadzenie skali chromatycznej zwiększyło możliwości wykonawcze talerza. Układanie dźwięków w ruchu do przodu ułatwiło technikę gry na tym instrumencie.
Zmiana długości młoteczków umożliwiła stłumienie brzmiących strun, co przełożyło się na bardziej ekspresyjne wykonanie. W oparciu o zmodyfikowany instrument stworzono rodzinę cymbałów, która stała się podstawą utworzonej przez I. Żinowicza Państwowej Orkiestry Ludowej, która obecnie nosi jego imię.
Talerze nowej konstrukcji zadomowiły się na scenie koncertowej oraz w praktyce pedagogicznej i pedagogicznej, co stało się podstawą kształtowania umiejętności wykonawczych i pedagogicznych krajowych cymbałów, a także twórczości kompozytorów, którzy stworzyli ciekawą nowoczesny, oryginalny repertuar.
W połowie lat sześćdziesiątych możliwości konstrukcyjne instrumentu zaczęły nie spełniać potrzeb artystycznych i wymagań wykonawczych. Repertuar cymbałów poszerzył się za sprawą klasycznych dzieł literatury światowej muzyki skrzypcowej, co wymagało poszerzenia asortymentu cymbałów, w związku z czym I. Żinowicz i mistrz eksperymentalny W. Kraiko przeprowadzili ich częściową rekonstrukcję. Poprawa charakterystyki instrumentu przejawiała się zwiększeniem zakresu poprzez dodanie dwóch podpór – dla skali w małej oktawie i dodatkowych dźwięków w trzeciej oktawie.
Jednakże sposób trzymania cymbała na kolanach podczas gry, który utrzymywał się aż do połowy lat 60. XX wieku, był czynnikiem ograniczającym w ogóle grę na cymbałach, ograniczając aktywność motoryczną i nie pozwalając wykonawcy w pełni wykorzystać jego potencjał techniczny . Zwiększenie ciężaru cymbałów, komplikacja zadań wykonawczych artystycznych oraz zmiana kontyngentu wykonawców w związku ze wzrostem liczby cymbałistek spowodowały początkowo naturalną potrzebę zainstalowania instrumentu na wsporniku w forma nóg. W rezultacie ciało muzyka zostało wyzwolone i możliwe stało się równomierne wykorzystanie wszystkich rejestrów instrumentu, co przyczyniło się do dalszego rozwoju techniki wykonawczej.
Przeprowadzono eksperymenty polegające na zmianie liczby nóg i sposobów ich mocowania. Zaowocowało to następującymi wynikami. Oryginalny instrument był zamontowany na cienkich aluminiowych nóżkach, które były zamontowane w dolnym pokładzie. Jednak elastyczne i podatne na wpływy zewnętrzne aluminium nie było w stanie wytrzymać ciężaru narzędzia.
Próbowano także zamontować instrument na czterech nogach, co zapewniało solidne podparcie na płaskiej powierzchni, jednak w przypadku nierównych powierzchni scenicznych było to poważnym utrudnieniem. Opcja umieszczenia cymbału na trzech nóżkach wkręcanych w korpus instrumentu była jak najbardziej akceptowalna i utrwalona w praktyce wykonywania cymbałów do dziś.
Historia cymbałów
Przodkowie talerzy byli znani około sześciu tysięcy lat temu. A pierwsze wizerunki prostych chordofonów perkusyjnych (a raczej teoretycznie przypominających dzisiejsze talerze) zachowały się na starożytnym sumeryjskim pomniku - fragmencie wazonu z końca IV - początku III tysiąclecia p.n.e. e., który przedstawia procesję muzyków z instrumentami pięcio- i siedmiostrunowymi. „Harfa leżąca” (tak nazwał ten instrument T. Vyzgo, badacz instrumentów środkowoazjatyckich).
Inny instrument przypominający cymbały można zobaczyć na płaskorzeźbie z epoki I dynastii babilońskiej (IX w. p.n.e.). Przedstawia muzyka uderzającego pałkami w siedmiostrunowy instrument, drewnianą konstrukcję z przyczepionym smyczkiem, na którym naciągnięte są struny o różnej długości. Płaskorzeźba pałacu królewskiego państwa asyryjskiego (VII w. p.n.e.) przedstawia muzyków towarzyszących procesji do świątyni bogini Imitar. Do korpusu jednego z nich przyczepiony był dziewięciostrunowy instrument, który archeolodzy nazwali później „triganonem” ze względu na jego trójkątny kształt. Wytwarzanie dźwięku odbywało się na nim poprzez uderzanie pałkami. W rzeczywistości instrumentem tym był prymitywny talerz, który rozprzestrzenił się na Wschodzie i z czasem uzyskał kształt regularnego trapezu.
Instrument związany z cymbałami odnaleziono także w starożytnej Grecji. Naukowiec Pitagoras (571-497 pne) użył monochordu do badania trybów muzycznych i interwałów - jednostrunowego instrumentu muzycznego do badania trybów i interwałów („mono” - po grecku - „jeden”, „akord” - „struna” ) .
Zasada jego działania opierała się na stopniowym przemieszczaniu stojaka po wyznaczonych punktach, podczas którego określano zależność pomiędzy dźwiękami wydobywanymi podczas dzielenia struny. Wytwarzanie dźwięku odbywało się za pomocą młotka lub szarpania sznurka. Później zaczęto stosować cztery struny, co umożliwiło zwiększenie liczby tonów i ich kombinacji. To właśnie ten projekt rzymski teoretyk Aristides Quintilian (26 r. n.e.) opisał pod nazwą „helikon”. W związku z tym sugeruje się, że porzucenie statywu mobilnego i przejście na metodę gry na perkusji mogłoby być jednym z warunków dalszej transformacji monochordu w cymbały.
Instrumenty przypominające talerze znane są w Azji, Indiach i Chinach od czasów starożytnych. Proste w wykonaniu i łatwe w użyciu, odnalazły życie w kulturze różnych narodów.
Na początku naszej ery taki instrument pojawił się w starożytnych Chinach i nazywał się „zhu”. W latach 616-907 n.e. mi. Ten wielostrunowy instrument perkusyjny został wprowadzony do orkiestry pałacowej „yayue”.
Zabytki starożytnej literatury indyjskiej wspominają o starożytnym instrumencie vana vina, który badacze utożsamiają ze współczesnymi talerzami indyjskimi – santoorem. Na strunach wykonanych z trawy munja grano bambusowymi kijami.
W wielonarodowym państwie indyjskim Cyganie zajmowali pewną niszę społeczną. Naród ten „należał do kasty „domowej”, której prawo wymagało studiowania muzyki”. W połowie V wieku. OGŁOSZENIE rozpoczyna się exodus Cyganów z ich historycznej ojczyzny. W tym względzie można zgodzić się z opinią N. Findeisena, że talerze zostały przywiezione do Europy przez Cyganów, a stamtąd przekazane Żydom, Małym Rusinom, Białorusinom i innym plemionom słowiańskim.
W kolejnych stuleciach w krajach europejskich nastąpił rozkwit talerzy.
Naukowcy identyfikują kilka sposobów rozprzestrzeniania się talerzy. Importowany instrument:
- Arabowie do Hiszpanii, potem do Europy;
- Turcy, Cyganie w krajach bałkańskich;
- Rycerze krzyżowców w epoce wypraw krzyżowych w Europie.
Równolegle z upowszechnieniem się talerzy rozpoczęło się stopniowe udoskonalanie ich konstrukcji. Nastąpiło to nie tylko poprzez zmianę kształtu i objętości pudła rezonatora, ale także poprzez zwiększenie liczby i jakości strun. Na starożytnych instrumentach struny były jelitami. W Azji Środkowej pod koniec VII i na początku IX wieku do dolnych strun zaczęto stosować drut miedziany. Na przełomie XI-XII wieku w Europie pojawiły się także urządzenia do napinania drutu metalowego.
Szczególna uwaga na talerze w XIV-XVI wieku. zaobserwowano wśród szlachty. Społeczeństwo dworskie wykorzystywało ten instrument do grania muzyki, szczególnie modne było granie na nim przez panie z wyższych sfer. Paulirinus w 1461 roku, charakteryzując ten instrument, mówi o jego „bardzo słodkiej harmonii” i chwali przyjemne brzmienie. Według jego pomysłów instrument nadawał się idealnie do muzyki dworskiej i mieszczańskiej. Francuski cymbał młotkowy został opisany w swoich dziełach przez kompozytora Guillaume de Machaut w 1375 roku.
Wśród rozpowszechnionych w średniowiecznej Europie świeckich instrumentów muzycznych bardzo powszechny jest instrument taki jak psałterium, które właśnie psałterium, towarzyszącemu recytowaniu pieśni pochwalnych, nadało nazwę odwiecznej księdze Psalmów. Psalm 150 wspomina o „cymbałach brzmiących, cymbałach głośnych”... Na starożytnych obrazach talerze i psałterium są bardzo podobne, różnią się jedynie sposobem wydawania dźwięku: na jednym bawiły się szarpaniem w plektron), na drugim - uderzeniem (pałkami). A fortepian jest bezpośrednim potomkiem talerzy, a raczej ich odmiany psałterium, które posiadało klawiaturę.
Z okresem, chronologicznie wyznaczanym na koniec XVII-XVIII w., wiąże się nazwisko wybitnego niemieckiego cymbalisty i kompozytora Pantaleona Gebenstreita (1668-1750). Jego znaczenie w światowej kulturze muzycznej jest nierozerwalnie związane z instrumentem pantaleonowym i udoskonalonym cymbałem, którego był twórcą i propagatorem. To właśnie lekką ręką króla Ludwika XIV nadano instrumentowi nazwę „pantaleon” na cześć jego twórcy. Pantaleon Gebenstreit pozostawił jasny ślad w historii sztuki cymbałowej jako wirtuoz cymbała i improwizator. Jego instrument odpowiadał gustom estetycznym i artystycznym ówczesnego społeczeństwa. I. Kunau nazwał go „uroczym, najbardziej udoskonalonym instrumentem po clavier”.
Rośnie zainteresowanie tym instrumentem w Rosji. W latach 1755-1757 Za panowania rosyjskiej cesarzowej Elżbiety Pietrowna pantaleon cieszył się dużym szacunkiem. Wirtuoz Pantaleona Johann Baptist Gumpenhuber, po podpisaniu trzyletniego kontraktu i dobrej pensji, był asystentem Maresha w doskonaleniu muzyki na waltorni, grał na dworze, w operze i często występował na koncertach pałacowych, zaskakując wszystkich własnymi kompozycjami, czystością występy, błyskotliwe rytmy, kaprysy i tryle.” Z badań P. Stołpyańskiego dowiadujemy się, że w Petersburgu sprzedawano wyłącznie klawikordy i dopiero w 1765 r. sprowadzono „pantolony i klawikordy”, sprzedano „pantolony stojące” i „pantolony używane”.
Partie talerzy prezentowane były na wysokim poziomie technicznym w operach, symfoniach i oratoriach XVIII wieku. W operze hiszpańskiej z 1753 r., gdy śpiewa primadonna, używa się cymbałów. M. Chiesa, pełniący do 1783 roku funkcję drugiego talerzyka w Teatro alla Scala w Mediolanie, pełni role okazjonalne. K. Gluck wprowadza talerze do partytury opery „Fooled Cadi”.
W XVII wieku w kulturze muzycznej Niemiec pojawiła się lokalna odmiana cymbałów – Hackbrett, należąca do rodziny cymbałów. Hakkbretg bardzo przypominał talerze znane wielu narodom dzisiejszej Europy.
Od XVI wieku cymbały zaczęto używać nie tylko jako instrumentu solowego, ale także jako instrumentu towarzyszącego do śpiewu i jako instrument zespołowy.
Stopniowo cymbały zakorzeniły się nie tylko w świeckiej kulturze miejskiej, ale także w ludowej kulturze wiejskiej wielu narodów Europy. Do XVIII wieku na Węgrzech powstały stabilne zespoły cygańskiej muzyki instrumentalnej, w których używano talerzy. W XIX wieku instrument wchodzi w skład orkiestr Rumunii, Słowenii, Jugosławii i jest rozprowadzany na terenach Szwajcarii, Norwegii, Szwecji, Anglii, Czech i Ameryki Północnej.
Jak zauważa badacz I. Zabelin, talerze pojawiły się na dworach książąt rosyjskich pod koniec XV wieku. wraz z innymi instrumentami zagranicznymi. Tak więc w 1586 roku dwór królewski w Moskwie otrzymał instrumenty muzyczne od angielskiej królowej Elżbiety. Caryca Irina Fiodorowna była zachwycona podarowanymi jej cymbałami ozdobionymi złotem i emalią.Wśród muzyków Izby Rozrywek pod rządami cara Michaiła Fiodorowicza w 1614 r. cymbaliści Tomiło Besow (1613-1614), Milenty Stiepanow (1626-1632), Andriej Andreev (1631) są wspomniane. Według N. Kostomarowa: „...w pałacu byli weseli gęsiniarze, skrzypkowie, domrachei, cymbały i organiści. Surowy i pobożny car Aleksiej Michajłow, z całą swą ascetyczną pobożnością, z okazji urodzin i chrztów swoich dzieci urządzał na dziedzińcu muzykę z ówczesnych instrumentów…”
Bezpośrednim poprzednikiem obecnego, popularnego na Węgrzech, w Czechach, Ukrainie i Mołdawii cymbałów koncertowych, był instrument stworzony w Austro-Węgrzech przez Jozsefa Schundę. Ten mistrz pesztowski, pracujący na dworze królewskim, nie tylko teoretycznie uzasadnił zasadność istnienia w 1874 roku nowego typu cymbałów, ale także opanował ich seryjną produkcję. O uznaniu inwencji Schundy w muzycznym świecie świadczy pełen szacunku napis na fotografii, którą Franz Liszt przesłał mistrzowi na pół roku przed śmiercią.
Najbardziej uznany cymbalista pierwszej połowy XX wieku. Pod uwagę bierze się Węgiera Aladara Ratza, z którym współpracowali Ernest Ansermet i Igor Strawiński. Pozytywny stosunek do instrumentu znajdujemy we wspomnieniach I. Strawińskiego: „Pewnego dnia w 1914 roku w restauracji w Genewie po raz pierwszy usłyszałem talerze i zdecydowałem, że mogą one zastąpić harfę. Cymbryk, niejaki pan Ratz, łaskawie pomógł mi znaleźć cymbały, które kupiłem i trzymałem przez cały szwajcarski okres mojego życia, a nawet po wojnie zabrałem ze sobą do Paryża. Nauczyłem się na nich grać, zakochałem się w nich i skomponowałem na nich „Opowieść” – trzymając w rękach dwie pałeczki i zapisując tak, jak komponowałem – tak jak zwykle komponuję na fortepianie”. I. Strawiński używał talerzy także w kameralnym utworze symfonicznym „Rag Time”, w niedokończonych wersjach „The Raskolnik Melt” i „Weddings”. W 1926 roku Z. Kodaly wprowadził do opery Hari Janos kolorowe partie talerzy.
Techniki gry na cymbałach
Tworzenie talerzy różnego typu, poszerzenie ich ogólnego zakresu, wprowadzenie pełnej skali chromatycznej i radykalna rekonstrukcja młoteczków pozwoliły na wzbogacenie i poszerzenie metod wytwarzania dźwięku na tych instrumentach. Wcześniej ludowa kultura wykonawcza gry na cymbałach ograniczała się jedynie do techniki „uderzenia” drewnianych pałeczek w struny. Po rekonstrukcji instrumentu do tej podstawowej techniki dodano tremolo, pizzicato, glissando i różnego rodzaju ozdoby - tryle, przednutki, mordenty, gruppetto, arpeggiato.
Obecnie w praktyce wykonawczej muzyków ludowych główną metodą wytwarzania dźwięku pozostaje „uderzenie”, stosowane zarówno w wolnych, jak i szybkich tempach. Technika „uderzenia” polega na pojedynczym uderzeniu w struny. Połączenie dźwięków w melodii odbywa się ze względu na brak zagłuszania. Podteksty pojawiające się po hitach tatusia nakładają się na poprzednie, które są słabsze, ale nadal wybrzmiewają. Tworzy się stale wibrujące, szumiące tło, które pozwala zebrać dźwięki w jedną melodię.
Współczesny repertuar zawodowych cymbałów wymagał od nich wprowadzenia wielu nowych, nietypowych dla tradycji ludowej technik, takich jak harmonika, tłumiki, gra drewnianymi młoteczkami, arpeggia i glissando z klawiszem na strunie (tzw. technika „ukulele”). Rozważmy wszystkie powyższe metody wytwarzania dźwięku podczas gry na cymbałach.
« Uderzyć„Akcja pojedynczego młotka dzieli się na dwa główne typy - ciężar (całą ręką) i nadgarstek (dłoń). Każda z odmian pozostaje w ścisłym związku z drugą, okresowo uzyskując znaczenie dominujące. Ciosy wykonujemy w odległości 3-5 cm od stojaków. Technika „uderzenia” ma na celu wydobycie zarówno pojedynczych dźwięków, jak i akordów, które mogą być skomplikowane ze względu na aspekty rytmiczne, barwowe i dynamiczne. Technika ta umożliwia głównie osiągnięcie szybkich ruchów. Gra na perkusji w wolnym tempie jest możliwa, gdy muzyka ma charakter uroczysty i majestatyczny. Pokrycie młotków zamszem lub skórą daje bardziej miękki dźwięk.
Jednocześnie zachowała się ludowa technika gry młotkami z czystego drewna. Aby to zrobić, musisz obrócić młotki w palcach, aby uderzać nie poszyciem, ale lokami. Technikę tę nazwano „ kolegium» - z odwróconymi młotkami (drewno). Rzadko stosowany jako efekt kolorystyczny, gdy wymagane jest ukazanie szczególnego momentu w muzyce.
We współczesnej muzyce „ uderzając drewnianą stroną młotka w krawędź pokładu”, co dało imitację kastanietów lub chińskiego pudełka.
Wraz z ciosem technika „ tremolo„- szybkie powtarzanie jednego lub dwóch dźwięków poprzez naprzemienne uderzenia młotkiem. Służy do uzyskania ciągłego brzmienia strun lub przedłużenia dużych czasów trwania. Ponieważ zakres „skoku” jest ograniczony i jest on najbardziej odpowiedni w dziedzinie artykulacji rozciętej, potrzebna była nowa technika, aby zastosować ruch „legato” i uzyskać spójny, gładki dźwięk. Tak powstało tremolo (od włoskiego „tremolo”, co oznacza „drżenie”). W ludowej praktyce instrumentalnej nie jest ona prawie w ogóle stosowana, gdyż do wykonywania pieśni i tańców ludowych wystarczało użycie „uderzenia”.
Stosowanie techniki” tremolo» profesjonalni wykonawcy byli w stanie uzyskać prawdziwe brzmienie kantyleny. Ta metoda wydobycia dźwięku na cymbałach jest najtrudniejsza, a jej opanowanie wymaga od muzyka dużej i starannej pracy. Drżenie polega na częstym naprzemiennym uderzaniu nadgarstkiem za pomocą rykoszetujących kijów. Uderzenia powinny być tak częste i równomierne, aby tworzyły pełne wrażenie długotrwałej ciągłości dźwięku.
Tremolo jest to możliwe zarówno na jednym dźwięku, jak i na dwóch w różnych odstępach czasu - oktawy, tercje, szóste itp.; Może być ciągły przez cały czas granej nuty i używany w melodyjnej melodii muzycznej lub może być krótki, gwałtowny i używany w szybkich ruchach, często przeplatanych uderzeniem. Swobodne drżenie elastyczne jest jednym z najważniejszych środków wyrazu muzycznego cymbała i służy realizacji wielu celów artystycznych. Profesjonalni wykonawcy biegle posługują się tą techniką.
Oprócz uderzenia i tremolo na cymbały możliwe są techniki wytwarzania dźwięku, które w praktyce wykonawczej są rzadziej wykorzystywane, ale umiejętnie zastosowane są środkiem wyrazu artystycznego. Spośród tych środków szeroko stosowana jest gra w szczypanie.
Istnieją dwa główne typy pizza- paznokieć i czubek palca.
Pizzicato paznokciem polega na: 1. szarpaniu jednej struny (występuje często, dźwięk ma średnią głośność); 2. szarpanie chóru smyczków (dźwięk jest jaśniejszy, bardziej nasycony).
Pizzicato z poduszką także inaczej: 1. szarpanie elastycznym palcem w celu wydobycia gęstego, wyrazistego dźwięku; 2. szarpnij miękkim, rozluźnionym palcem, aby uzyskać miękki, delikatny dźwięk. „рizzicato” jest zwykle używane jako spektakularna technika wykonania. Ściskając obie dłonie, można wykonać dwa, trzy lub więcej dźwięków. Obecnie zawodowi cymbaliści osiągnęli najwyższy poziom wykonawczy i wraz z ćwiczeniem szarpania naprzemiennego opanowali grę trylów i swego rodzaju drżenia przy skubaniu.
Flajolet- metoda wytwarzania dźwięku, która w ostatnich latach jest najaktywniej stosowana na cymbałach. Aby go usunąć, należy delikatnie dotknąć palcem sznurka w miejscu jego podziału na pewne części, a drugą ręką wykonać „uderzenie” kijem lub szczypaniem, jednocześnie z „uderzeniem” (szczypnięciem ) palec zostanie szybko odsunięty od sznurka. „Flageolets” na cymbałach można grać w oktawie (brzmi o oktawę wyżej), w dwóch oktawach (brzmi o dwie oktawy wyżej), kwincie (brzmi o kwintę przez oktawę) i tercji (brzmi o tercję przez oktawę). Cybaliści będą wykonywać głównie naturalne harmonie oktawowe i dwuoktawowe; tercje i kwinty brzmią mniej wyraziście i nudno, więc ich użycie jest bardziej ograniczone. Stosowanie harmonicznych ma ograniczenia tempa, dlatego ich użycie jest możliwe tylko w umiarkowanych tempach.
Wykonanie z wyciszeniem — « z surdinem„-wydobywając suchy, stłumiony dźwięk. Ta technika wytwarzania dźwięku jest jedną z nowych na cymbałach, zastosowaną po raz pierwszy w twórczości białoruskiego kompozytora W. Voitika. Aby wykonać „mute”, wykonawca naciska wybraną strunę palcem (środkowym lub wskazującym) w miejscu, w którym dotyka ona stojaka, a drugą ręką uderza lub szarpie strunę w zwykłym miejscu. Lekko poruszając palcem w tę czy inną stronę, cymbały mogą uzyskać różne cechy dźwięku - matowe, matowe i jaśniejsze. Barwa barwy tłumika i jego charakter zależą od rejestru talerza, w którym jest on wykonywany. W dolnym rejestrze „mute” przypomina brzmienie orientalnych instrumentów ludowych - satur lub chang.
We współczesnej muzyce wyciszenie może występować w innej formie. Na przykład V. Kuryan w swoim koncercie na cymbały i orkiestrę wycisza cały prawy mostek (C1 - B1) za pomocą warkocza lub wstążki, w wyniku czego ręce wykonawcy zostają uwolnione i można grać bardzo szybko, z suchym, stłumionym dźwiękiem.
Jedną z technik produkcji dźwięku często stosowaną w wykonaniach ludowych jest arpeggia- wykonywanie dźwięków akordu, harmonii jeden po drugim, sekwencyjnie, zarówno w kolejności rosnącej, jak i malejącej wysokości. W niektórych przypadkach arpeggio może zawierać prawie wszystkie dźwięki akordów z pełnego zakresu cymbałów. Częste zmiany akordów wymagają od wykonawcy zręczności, aby je stłumić, tak aby niektóre dźwięki nie nakładały się na inne.
Jasnym środkiem wyrazu podczas gry na cymbałach jest glissando(przesuwanie) to płynne przejście od dźwięku do dźwięku, które odbywa się poprzez przesuwanie palca, paznokcia lub patyka po strunach w kolejności chromatycznej. Podczas gry palcem lub paznokciem cymbały posługują się zarówno glissando wznoszącym, jak i opadającym, które okazuje się lepszej jakości w obrębie strun znajdujących się na tym samym stojaku (środkowym i prawym). Ale przy pomocy mistrzowskiego przeniesienia przesuwania się z jednej ręki na drugą, cymbały osiągają długie glissando, obejmujące skalę do dwóch i pół oktawy. Wykonując glissando za pomocą pałeczek, efektowniejszy dźwięk uzyskuje się przy ruchu w górę. Ta technika produkcji dźwięku stosowana jest głównie w dwóch znaczeniach: częściej jako środek obrazowy i kolorystyczny, rzadziej jako rodzaj połączenia między epizodami i frazami.
Na cymbałach można także grać szybkie chromatyczne glissando na jednej strunie z klawiszem do strojenia i w ten sam sposób wykonaj dowolną melodię w zakresie od półtora do dwóch oktaw. Ta technika gry nazywa się „ukulele”, ponieważ powstały dźwięk jest podobny do brzmienia tego instrumentu. Po raz pierwszy technikę „ukulele” zastosował V. Kuryan w koncercie na cymbały i orkiestrę.
Rzadziej stosowana w wykonaniu cymbałów jest technika wibrato. Aby wykonać tę technikę należy nieco obniżyć strunę, a następnie po drugiej stronie stojaka docisnąć ręką strunę tak aby zaczęła wibrować. W zależności od częstotliwości naciskania vibrato może być rzadkie lub częste. Jak jasny w barwie i kolorze. Technikę vibrato wykorzystuje V. Kuryan w utworze na cymbały solo „Chimes”.
Profesjonalni gracze na cymbałach mogą jednocześnie wykorzystują dwie metody produkcji dźwięku. Na przykład jedna ręka gra techniką „uderzenia” odwróconym młotkiem (drewnianą stroną) lub), a druga ręka gra „uderzenie” osłoniętą stroną młotka. Pewną trudnością jest połączenie różnych opcji tekstur jednocześnie w lewej i prawej ręce. Wykonawca musi koordynować pracę rąk, słyszeć i prowadzić oba głosy pełniące różne funkcje, tj. w opanowaniu elementów polifonicznej prezentacji materiału muzycznego. Jest to trudne dla cymbałów, ponieważ grają przeważnie na jednym lub dwóch głosach solowych. Białoruscy cymbały opanowują różne techniki realizacji dźwięku, po mistrzowsku łączą je i wykorzystują w dziełach muzycznych różnych epok, stylów i gatunków.
Wideo: Talerze na wideo + dźwięk
Dzięki tym filmom można zapoznać się z instrumentem, obejrzeć na nim prawdziwą grę, posłuchać jego brzmienia i poczuć specyfikę techniki:
Wyprzedaż: gdzie kupić/zamówić?
W encyklopedii nie ma jeszcze informacji o tym, gdzie można kupić lub zamówić ten instrument.
Słownik Uszakowa
Żel
żel, talerz, jednostki nie (od grecki kymbalon – talerz). Instrument muzyczny w formie płaskiego pudełka z metalowymi strunami, w które podczas gry uderza się młoteczkami.
Słownik etnograficzny
Żel
(od greckiego kymbalon – talerz), perkusja strunowa i instrument muzyczny szarpany. trapezoidalnie płaskie ciało, podczas gry, postawione na kolanach lub na stole lub przewieszone przez ramię na pasku, uderzane dwoma kijami, wydając długotrwały dźwięk
Słownik zapomnianych i trudnych słów XVIII-XIX wieku
Żel
, glin , pl. Starożytny instrument muzyczny składający się z pudełka z metalowymi strunami, w które uderza się dwoma młotkami.
* Orkiestra zaczęła głośno grać na cymbałach i trąbkach. // Lew Tołstoj. Wojna i pokój // *
Słownik terminów muzycznych
Żel
(z gr. kymbalon) to strunowy instrument perkusyjny o starożytnym pochodzeniu. Nowoczesne cymbały to drewniane pudełko w kształcie trapezu, na którym znajdują się sznurki. Skala talerzy jest chromatyczna. Gra na cymbałach polega na uderzaniu w struny drewnianymi młotkami. Cymbały są używane jako instrument solowy i orkiestrowy w Polsce, Rumunii, Węgrzech, Mołdawii, Białorusi, Ukrainie i innych krajach.
słownik encyklopedyczny
Żel
(polski: cymbały), wielostrunowy instrument perkusyjny o starożytnym pochodzeniu. Są członkami orkiestr ludowych Węgier, Polski, Rumunii, Białorusi, Ukrainy, Mołdawii itp.
Słownik Ożegowa
CIMB A LY, glin. Instrument muzyczny w formie pudełka ze strunami, w które uderza się drewnianymi młotkami.
| przym. talerz, och, och.
Słownik Efremowej
Żel
pl.
Strunowy instrument muzyczny w formie płaskiego pudełka z metalem
struny, w które podczas gry uderza się młoteczkami.
Encyklopedia Brockhausa i Efrona
Żel
Strunowy instrument muzyczny, którego struny uderza się młotkami z główkami pokrytymi skórą. Pudełko, w którym naciągnięte są metalowe poprzeczne struny (zwykle jest ich 34), ma kształt ściętego stożka. W zależności od wielkości instrumentu liczba strun jest różna. Struktura strun jest chromatyczna. Tom w dużym C. trzy oktawy: od mi w oktawie wielkiej C mi w trzeciej oktawie. Młotkami można uderzać tylko w dwie struny na raz. Na czas trwania dźwięku stosuje się młotki tremolo. Części do T. Napisane jak na fortepian, w dwóch linijkach tonacji sól I F. Ulepszone cylindry mają pedał. Ts jest ulubionym instrumentem na Węgrzech i w Rumunii i stanowi integralną część każdego tamtejszego chóru muzycznego. Instrumentu tego nie należy mieszać z cymbalinem, który składa się ze szklanych kieliszków umieszczonych na drewnianym stojaku ze słomką. W okulary uderza się młotkami.
Żel- strunowy instrument muzyczny z rodziny perkusyjnych, ma kształt trapezu, w poprzek którego rozciągają się struny. Dźwięk wydobywa się poprzez uderzanie w dwa drewniane pałeczki.Talerze mają bogatą historię. Pierwsze wizerunki krewnego talerza chordofonowego można zobaczyć na sumeryjskiej amforze z IV-III tysiąclecia p.n.e. mi. Podobny instrument przedstawiono na płaskorzeźbie z I dynastii babilońskiej z IX wieku p.n.e. mi. Przedstawia mężczyznę grającego pałkami na siedmiostrunowym drewnianym instrumencie w kształcie zakrzywionego łuku.
Asyryjczycy mieli swój własny instrument, triganon, podobny do prymitywnych talerzy. Miała trójkątny kształt, miała dziewięć strun, a dźwięk wydobywał się poprzez uderzanie pałeczkami.
Instrumenty przypominające talerze istniały w starożytnej Grecji – monochord, w Chinach – zhu.
W Indiach rolę talerza pełnił santur, którego struny robiono z trawy munja i grano za pomocą bambusowych pałeczek. Nawiasem mówiąc, według historyka N. Findeisena, Cyganie przywieźli do Europy talerze. To był ten koczowniczy lud w V wieku naszej ery. rozpoczął swój exodus z Indii, dołączając do grona Małych Rusinów, Białorusinów i innych plemion słowiańskich.
Równolegle z upowszechnieniem udoskonalono konstrukcję talerzy. Instrument zaczął zmieniać kształt i rozmiar, zmieniała się także jakość strun, jeśli początkowo były to żyły lub jelita, to w IX wieku w krajach azjatyckich zaczęto używać drutu ze stopu miedzi. W XI wieku w krajach europejskich zaczęto używać drutu metalowego.
W XIV wieku średniowieczna szlachta wykazała szczególne zainteresowanie tymi instrumentami muzycznymi. Każda dama z wyższych sfer próbowała opanować ich grę.
Okres XVII-XVIII w. W historii talerz jest nierozerwalnie związany z nazwiskiem Pantaleon Gebenstreit. Lekką ręką króla Francji Ludwika XIV instrumentowi nadano nową nazwę „pantaleon” na cześć wielkiego niemieckiego cymbalisty.
W XVIII wieku kompozytorzy zaczęli wprowadzać talerze do orkiestry operowej. Przykładem jest opera „Ban Bank” Ferenca Erkela i operetka „Gypsy Love” Ferenca Lehára.
W udoskonaleniu cymbałów dużą rolę odegrał węgierski mistrz V. Shunda, który zwiększył liczbę strun, wzmocnił ramę i dodał mechanizm tłumiący. 
Na dworach książąt rosyjskich talerze pojawiły się pod koniec XV wieku. W 1586 roku królowa angielska Elżbieta podarowała rosyjskiej Capitsie Irinie Fiodorowna w postaci instrumentów muzycznych. Wśród nich były talerze inkrustowane złotem i drogimi kamieniami. Piękno i brzmienie instrumentu po prostu urzekły królową. Wielkim fanem talerzy był także car Michaił Fiodorowicz. Na jego dworze grali cymbały Milentiy Stepanov, Tomilo Besov i Andrei Andreev.
Za panowania cesarzowej Elżbiety Pietrowna słynny cymbalista Johann Baptist Gumpenhuber zabawiał dworską szlachtę swoją wirtuozowską grą, zaskakując wszystkich czystością swojego wykonania.
Cymbały zyskały wielkie uznanie na ziemiach Ukrainy, wkraczając do muzyki ludowej. Najpierw ciągnięto struny cymbałów pojedynczo lub po dwa dla każdego tonu, a nawet trzy - chóry smyczkowe. Talerze miały zakres od dwóch i pół do czterech oktaw.
Wyróżniamy dwa rodzaje talerzy: ludowe i koncertowo-akademickie. Ich brzmienie doskonale wpisuje się w grę dużej orkiestry.
Cymbały w liczbie mnogiej Ludowy instrument muzyczny w postaci płaskiego trapezowego drewnianego korpusu z metalowymi strunami, w które uderza się dwoma kijami lub młotkami. Słownik wyjaśniający autorstwa Efremowej
Aby mieć pojęcie, czym jest cymbał, należy przede wszystkim pamiętać, że mówimy o instrumencie smyczkowym.Smyczki brzmią, rozciągnięte na płaskim trapezoidalnym korpusie, ale dźwięk jest wydobywany od nich uderzając drewnianymi kijami. Instrument ten jest popularny głównie w Indiach, ale ma swoich krewnych o podobnej konstrukcji w Indiach, Chinach i innych krajach azjatyckich.
ludowa i akademicka, jaka jest różnica
Talerze dzielą się na dwie grupy - ludową (lub folklorystyczną) i koncertowo-akademicką. Czym są cymbały należące do grupy „ludowej”, łatwo zrozumieć po ich wyglądzie. Różnią się przede wszystkim wielkością obudowy, chociaż wskaźniki te często różnią się w zależności od celów, jakie stawia sobie producent. Ponadto cymbały ludowe mają dwa stojaki - basowy i głosowy, natomiast cymbały koncertowe mają sześć.
Stojaki na cymbały ludowe rozmieszczone są w taki sposób, że basowe znajdują się po prawej stronie, a głosowe po lewej. Dzielą struny na kwarty i kwinty. Stanowisko głosowe charakteryzuje się umiejscowieniem „głosów średnich” po prawej stronie i „głosów wysokich” po lewej stronie. W ten sposób powstaje skala posiadająca trzy rejestry. Konstrukcja profesjonalnych cymbałów obejmuje dwa stojaki główne i cztery pomocnicze. Za ich pomocą struny dzielą się na kwinty, tercje i sekundy. Obydwa typy talerzy różnią się także liczbą strun.
Położenie różnych rodzajów talerzy podczas ich gry
Różnica polega również na tym, że podczas gry wykonawcy nie trzymają ich na kolanach, natomiast profesjonalne talerze stawiane są na podłodze. Drewniane pałeczki do wytwarzania dźwięku w obu tradycjach mieszczą się pomiędzy przeciętnymi, różnią się jednak wielkością. Dodatkowo profesjonaliści wyścielają patyki zamszem, co pozwala im uzyskać szerszą gamę odcieni brzmieniowych. Nie jest to zwyczajowe w przypadku ludowych cymbałów.
Zmiana konstrukcji narzędzia
Cymbały to instrument muzyczny, który przeszedł trudną ścieżkę konstruktywnego rozwoju. W dużej mierze zostało to zdeterminowane: o ile ludowa wersja tego instrumentu, od dawna rozpowszechniona na wsiach, nie uległa zmianie, to jego miejski odpowiednik uległ znaczącym zmianom, aby wprowadzić wykonawców w kontakt ze sztuką profesjonalną, akademicką. Jego konstrukcja była stale udoskonalana. Odkąd Ferenc Erkel i Ferenc Lehár wprowadzili ten instrument do orkiestry operowej, na stałe zadomowił się on w wielu grupach zawodowych. I jeśli stosunkowo niedawno tylko nieliczni fani muzyki etnicznej potrafili odpowiedzieć na pytanie, czym są cymbały, teraz znają je wszyscy odwiedzający sale koncertowe.