Malarstwo pejzażowe, zwane także pejzażem, to przedstawienie natury we wszystkich jej przejawach. Głównie góry, doliny, drzewa, rzeki i lasy. Główną cechą jest obecność szerokiego widoku, a także jego elementów umieszczonych w spójnej kompozycji. Istnieją różne typy krajobrazu, w tym wiejski i miejski, morski i rzeczny, religijny i futurystyczny.

Rodzaje krajobrazu: istota

Najpopularniejszym elementem każdego krajobrazu jest niebo. Częścią kompozycji jest również pogoda we wszystkich jej przejawach. Widoki krajobrazowe w sztuce mogą być całkowicie wyimaginowane (wyimaginowane) lub skopiowane z rzeczywistości z różnym stopniem dokładności. Jeśli głównym celem obrazu jest pokazanie rzeczywistej, określonej lokalizacji, w szczególności budynków, wówczas będzie on nazywany widokiem topograficznym (realistycznym).

Pojęcie „krajobrazu”

W sztukach wizualnych termin „krajobraz” pochodzi od holenderskiego słowa Landchap(kawałek ziemi) i opisuje każdy obraz lub rysunek, którego głównym tematem jest przedstawienie malowniczego widoku. Przykłady obejmują łąki, wzgórza, góry, doliny, drzewa, rzeki, lasy, widoki na wybrzeże i morza. Obraz może być przedstawieniem rzeczywistego miejsca lub wyimaginowaną lub wyidealizowaną sceną.

Uznanie natury i jej wybór jako określonego przedmiotu sztuki jest zjawiskiem stosunkowo nowym. Do XVII wieku pejzaż ograniczał się do tła portretów lub obrazów poświęconych głównie ilustracjom religijnym, mitologicznym lub historycznym. Dziś piękny widok na krajobraz nadal jest głównym tematem sztuki.

Krajobraz na przestrzeni wieków

W twórczości XVII-wiecznych artystów Claude'a Lorraine'a i Nicholasa Poussina tło krajobrazowe zaczęło dominować w pokazywaniu wydarzeń historycznych. Jednak ich traktowanie krajobrazu było nieco stylizowane lub sztuczne. Próbowali nabrać scenerii Grecji i Rzymu, a ich twórczość stała się znana jako pejzaż klasyczny. W tym samym czasie niektórzy holenderscy artyści, tacy jak Jacob van Ruysad, rozwijali znacznie bardziej naturalistyczną formę malarstwa, opartą na tym, co widzieli wokół siebie.

Kiedy w XVII wieku sztuki zostały sklasyfikowane przez Akademię Francuską, pejzaż zajmował czwarte miejsce wśród pięciu gatunków. Niemniej jednak malarstwo pejzażowe stawało się coraz bardziej popularne w XVIII wieku, pomimo przewagi motywów klasycznych.

Krajobraz i jego pozycja w hierarchii gatunków

Krajobraz był uznanym gatunkiem w sztuce chińskiej w IV wieku naszej ery, ale w sztuce zachodniej malarstwo pejzażowe sięga epoki sztuki renesansowej w XVI wieku. Oczywiście wielu artystów z czasów rzymskich i wcześniejszych umieszczało w swoich obrazach malownicze pejzaże i widoki natury, ale były one elementami pomocniczymi głównego tematu obrazu. Główny problem z krajobrazem polegał na tym, że był on bardzo niski w akademickim rozmieszczeniu gatunków.

Hierarchia sztuk pięknych w renesansie przedstawiała się następująco:

1. Malarstwo historyczne.
2. Sztuka portretowa.
3. Malarstwo, czyli sceny z życia codziennego.
4. Sceneria.
5. Martwa natura.

Rankingi te zostały ostatecznie ustalone w 1669 roku przez sekretarza Akademii Francuskiej André Félibiena. Świat sztuki, w tym jego mecenasi, nauczyciele i artyści, nie traktował malarstwa pejzażowego poważnie i przywiązywał wielką wagę do dzieł historycznych, portretów i obrazów rodzajowych. Szkoły neoklasyczne i akademickie podążały za sztuką grecką, przyznając pierwszeństwo ciału ludzkiemu, zwłaszcza aktowi.

Rozkwit naturalistycznego rysunku pejzażowego

W XIX wieku nastąpił prawdziwy wzrost naturalistycznego projektowania krajobrazu, napędzany częściowo poglądem, że natura jest bezpośrednią manifestacją Boga, a częściowo rosnącą alienacją wielu ludzi od natury z powodu postępującej industrializacji i urbanizacji. W rezultacie załamała się tradycyjna hierarchia gatunków.

Malarze krajobrazu XIX wieku weszli w ruch romantyczny na dużą skalę, w tym czasie malarstwo pejzażowe ostatecznie stało się godnym gatunkiem w akademiach artystycznych Europy i rozpowszechniło się na całym świecie. W drugiej połowie XX wieku zakwestionowano definicję krajobrazu. Gatunek rozszerzył się na krajobrazy miejskie i przemysłowe, a artyści zaczęli używać mniej tradycyjnych mediów podczas tworzenia prac krajobrazowych.

Trzy rodzaje sztuki pejzażowej

Obraz lub zdjęcie przedstawiające naturę nazywa się pejzażem. Chociaż każdy artysta ma swój własny styl, gatunek ten jest ogólnie podzielony na trzy szerokie kategorie:

• Reprezentacyjna sztuka krajobrazu jest najbardziej podstawowym gatunkiem. Szczegóły nie używają specjalnych kolorów ani filtrów, aby stworzyć nierealistyczny efekt. Natomiast reprezentacyjna sztuka krajobrazu koncentruje się na naturalnym pięknie przyrody i maluje realistyczny obraz przedmiotu.
• Impresjonistyczna sztuka krajobrazu koncentruje się na przedstawianiu realistycznej sceny w niemal nierealistycznym świetle. Osiąga się to za pomocą kilku metod, w tym oddzielenia pierwszego planu od tła za pomocą miękkiej ostrości, nietypowych technik oświetleniowych lub nasyconych, jasnych lub nienaturalnych kolorów. Impresjonistyczna sztuka krajobrazu w dużej mierze odpowiada oku artysty lub fotografa i umiejętności tworzenia oszałamiającego naturalnego obrazu.
• Abstrakcyjna sztuka krajobrazu w mniejszym stopniu opiera się na środowisku krajobrazu, a bardziej na przedstawieniu głównego tematu obrazu. W części abstrakcyjnej pejzaż może być tłem, a pierwszy plan może stanowić skupienie uwagi na jednym elemencie, takim jak nietypowo ukształtowana gałąź drzewa lub cień dużego obiektu.

Każdy styl ma swoje własne cechy, różne kolory, oświetlenie i rekwizyty. W obrazach pejzażowych z reguły oprócz samego krajobrazu dodaje się dodatkowe elementy. Tradycyjnie są to zwierzęta i ludzie. Celem tego pejzażu jest pokazanie naturalnego piękna natury, czy to kojącej, brutalnej, czy surrealistycznej.

naturalna sceneria

Malarstwo pejzażowe odnosi się do dzieła sztuki, w którym główny nacisk kładziony jest na obraz natury (góry, lasy, skały, drzewa, rzeki, doliny itp.). Ziemia jest cudownym tworem, od jałowych pustyń po bujne lasy deszczowe, od bezkresnych oceanów po zachmurzone niebo. Na przestrzeni dziejów artyści czerpali inspirację z tajemniczego piękna przyrody i wielkości różnorodnych krajobrazów Ziemi.

Pejzaż miejski: widoki na pejzaż miejski

Obrazy pejzażowe nie ograniczają się do obrazów ziemi i natury. Na przykład mogą również zawierać obrazy budynków, ulic, mostów. Ten typ krajobrazu nazywa się miejskim. Jego szkice mogą zawierać różne obiekty historyczne lub współczesne. Typy krajobrazu miejskiego określa się zgodnie z tym, co pokazano na rysunku. Do najatrakcyjniejszych należą wizerunki pałaców i zamków, pomników sakralnych, a także budynków mieszkalnych z XVII-XIX wieku.

Krajobraz wiejski i parkowy

Kiedy spotykają się natura i skutki świadomej działalności człowieka, musi powstać pewien dysonans. Istnieje jednak środowisko, w którym te dwie skonfliktowane strony są w stanie dojść do porozumienia i osiągnąć względną równowagę. Przede wszystkim są to tereny wiejskie i parki krajobrazowe, gdzie przyrodę uzupełniają elementy architektoniczne. Krajobraz wiejski był jednym z najpopularniejszych motywów krajobrazowych wszechczasów. Artyści przedstawiali dom na wzgórzu lub nad stawem, zielone łąki z pasącymi się owcami, wiejskie drogi i tak dalej.

krajobrazy topograficzne

Płaskie obiekty różnią się od trójwymiarowych trójwymiarowych obiektów, które mają długość, szerokość i wysokość. Jedną z opcji przedstawiania krajobrazu jest nadanie obrazowi mniej lub bardziej wyraźnie określonej ulgi. Ten typ krajobrazu nazywany jest topograficznym lub rzeźbiarskim.

pejzaże dokumentalne

Innym rodzajem malarstwa pejzażowego są pejzaże dokumentalne przedstawiające sceny z życia codziennego. Zawarte postacie ludzi zasługują na nie mniejszą uwagę niż drzewa czy domy. Z jednej strony ożywiają kompozycję, z drugiej podkreślają wielkość otaczającej przestrzeni w porównaniu z osobą.

Krajobrazy ze zwierzętami

Charakterystyczną cechą krajobrazu jest to, że za ich pomocą powstaje poczucie spokoju, zadowolenia i harmonii. Dzika przyroda to jednak ciągły ruch. Drzewa, rośliny, deszcz, wiatr - to wszystko są dynamiczne i zmienne czynniki, w związku z czym całkiem naturalne jest umieszczanie wśród nich zwierząt jako integralnej części całej dzikiej przyrody.

Widoki mogą być bardzo różne: pejzaż nastrojowy symbolizuje liryczną kolorystykę uczuć, architektoniczny bardzo przypomina miasto, morze (przystań) i rzeka pokazują niekończące się piękno wodnego krajobrazu. Typy historyczne i heroiczne kojarzone są z wielkimi wojownikami, mitycznymi bohaterami i bogami. Dekoracyjny pejzaż służy jako doskonała dekoracja wnętrz. Nie ma ustalonej liczby gatunków. W zależności od wizji artysty wyróżnia się pejzaże industrialne (widoki miast), epickie, romantyczne, a nawet kosmiczne.

Główną cechą tego gatunku sztuk pięknych jest to, że głównym tematem obrazu jest natura w jej pierwotnej formie lub przekształcona przez człowieka.

Medale) dzieła innych gatunków. Przedstawiając zjawiska i formy środowiska naturalnego człowieka, artysta wyraża zarówno swój stosunek do natury, jak i sposób postrzegania jej przez współczesne społeczeństwo. Dzięki temu krajobraz nabiera emocjonalności i znaczącej treści ideowej.

Obrazy przyrody znajdowano już w epoce neolitu (symbole sklepienia nieba, światła, punkty kardynalne, powierzchnia ziemi, granice zamieszkałego świata). Płaskorzeźby i malowidła krajów starożytnego Wschodu (Babilonia, Asyria, Egipt), głównie przedstawiające sceny wojenne, łowieckie i rybackie, zawierają poszczególne elementy pejzażu, które zostały szczególnie zwielokrotnione i skonkretyzowane w sztuce starożytnego Egiptu okresu Era Nowego Królestwa. Motywy pejzażowe były szeroko stosowane w sztuce Krety w XVI-XV wieku. pne mi. (patrz sztuka Morza Egejskiego), gdzie po raz pierwszy uzyskano wrażenie przekonującej emocjonalnie jedności fauny, flory i elementów przyrody. Elementy krajobrazu sztuki starożytnej Grecji są zwykle nierozerwalnie związane z przedstawieniem osoby; pejzaż hellenistyczny i starorzymski, który zawierał elementy perspektywy (malowidła iluzjonistyczne, mozaiki, tzw. płaskorzeźby obrazkowe), miał nieco większą samodzielność. Cechą charakterystyczną tej epoki jest obraz natury, postrzeganej jako sfera idyllicznej egzystencji człowieka i bogów. W średniowiecznej sztuce Europy elementy krajobrazu (zwłaszcza widoki miast i poszczególnych budynków) często służyły jako środek warunkowych przestrzeni, konstrukcji (na przykład „wzgórza” lub „komnat” w rosyjskich ikonach), w większości przypadków zamieniając się w lakoniczne oznaczenia sceny. W wielu kompozycjach szczegóły krajobrazu zostały uformowane w spekulatywne schematy teologiczne, które odzwierciedlały średniowieczne wyobrażenia o Wszechświecie.

W średniowiecznej sztuce krajów muzułmańskiego Wschodu elementy krajobrazu były początkowo prezentowane bardzo oszczędnie, z wyjątkiem nielicznych przykładów opartych na tradycji hellenistycznej. Od XIII-XIV wieku. zajmują coraz większe miejsce w miniaturach książkowych, gdzie w XV-XVI wieku. w pracach szkoły Tabriz i szkoły Herat tła krajobrazowe, wyróżniające się promienną czystością barw, przywołują ideę natury jako zamkniętego, magicznego ogrodu. Detale pejzażowe w średniowiecznej sztuce Indii (zwłaszcza w miniaturach począwszy od szkoły Mogołów), Indochin i Indonezji (na przykład obrazy lasu tropikalnego w płaskorzeźbach o tematyce mitologicznej i epickiej) osiągają wielką siłę emocjonalną. Wyjątkowo ważne miejsce zajmuje pejzaż jako niezależny gatunek w malarstwie średniowiecznych Chin, gdzie wiecznie odnawiająca się przyroda była uważana za najbardziej oczywiste ucieleśnienie prawa świata (dao); koncepcja ta znajduje bezpośredni wyraz w krajobrazie typu „shan-shui” („guru-voudy”). W odbiorze chińskiego pejzażu znaczącą rolę odegrały poetyckie inskrypcje, motywy symboliczne uosabiające wzniosłe walory duchowe (sosna górska, bambus, dzika śliwka „meihua”), postacie ludzkie przebywające w przestrzeni, która wydaje się nieograniczona dzięki wprowadzeniu rozległych górskich panoram w kompozycję, tafle wody i mglistą mgiełkę. Poszczególne plany przestrzenne chińskiego krajobrazu nie są rozgraniczone, lecz swobodnie przechodzą jedna w drugą, zgodnie z ogólnym rozwiązaniem dekoracyjnym płaszczyzny obrazu. Do największych mistrzów chińskiego krajobrazu (założonych już w VI w.) należą Guo Xi (XI w.), Ma Yuan, Xia Gui (obaj – koniec XII – pierwsza połowa XIII w.), Mu-chi (pierwsza poł. z XIII wieku). Krajobraz japoński, ukształtowany przez XII-XIII wiek. i pod silnym wpływem sztuki chińskiej, wyróżnia się wyostrzoną grafiką (np. bardziej aktywna rola człowieka w przyrodzie (pejzaże Katsushika Hokusai i Ando Hiroshige).

W sztuce zachodnioeuropejskiej XII-XV wieku. tendencja do zmysłowo przekonującej interpretacji świata prowadzi do tego, że pejzażowe tło zaczyna być rozumiane jako fundamentalnie ważna część dzieła sztuki. Tła warunkowe (złote lub ozdobne) zastępowane są pejzażowymi, często przechodzącymi w szeroką panoramę świata (Giotto i A. Lorenzetti we Włoszech w XIV w.; miniaturzyści burgundzcy i holenderscy w XIV-XV w.; bracia H. i J. van Eyck w Niderlandach, K Witz i L. Moser w Szwajcarii i Niemczech w pierwszej połowie XV wieku). Artyści renesansu zwrócili się ku bezpośrednim studiom natury, tworzyli szkice i akwarele, opracowali zasady perspektywicznej konstrukcji przestrzeni krajobrazowej, kierując się koncepcjami racjonalności praw wszechświata i wskrzeszając ideę krajobrazu jako prawdziwe ludzkie siedlisko (ten ostatni moment był szczególnie charakterystyczny dla włoskich mistrzów Quattrocento). Ważne miejsce w dziejach krajobrazu zajmują dzieła A. Mantegna, P. Uccello, Piero della Francesca, Leonarda da Vinci, Gentile i Giovanni Bellini, Giorgione, Tycjan, Tintoretto we Włoszech, Hugo van der Goes, Gertgen tot Sint-Jans, H. Bosch w Holandii, A. Dürer, M. Nithardt w Niemczech, mistrzowie szkoły dunajskiej w Niemczech i Austrii. W sztuce renesansu powstają przesłanki do powstania niezależnego gatunku pejzażowego, który początkowo rozwija się w grafice (A. Dürer i szkoła dunajska) oraz w małych kompozycjach obrazkowych, w których obraz natury stanowi albo jedyną treść obrazu (A. Altdorfer) lub króluje nad scenami pierwszego planu (Holender I. Patinir). Jeśli włoscy artyści dążyli do podkreślenia harmonijnego współbrzmienia zasad człowieka i natury (Giorgione, Tycjan) oraz urzeczywistnienia idei idealnego środowiska architektonicznego na tle miejskiego krajobrazu (Rafael), o tyle mistrzowie niemieccy szczególnie chętnie zwracali się ku dziką przyrodę, często nadając jej katastrofalnie burzliwy wygląd. Typowe dla pejzażu holenderskiego połączenie momentów pejzażowych i gatunkowych prowadzi do najbardziej uderzających rezultatów w twórczości P. Brueghela Starszego, której znakiem rozpoznawczym jest nie tylko wielkość kompozycji panoramicznych, ale także najgłębsze wnikanie w charakter życia ludowego, organicznie związany ze środowiskiem krajobrazowym. W XVI - początku XVII wieku. wielu mistrzów holenderskich (Herri met de Bles, Josse de Momper, Gillis van Coninxloe) przeplata tradycyjne cechy renesansowego pejzażu z subtelnymi obserwacjami życia z manierystyczną fantazją, podkreślając subiektywny i emocjonalny stosunek artysty do świata.

Do początku XVII wieku. w pracy włoskiego An. Carracci, Holender P. Brill i Niemiec A. Elsheimer formułują zasady krajobrazu „idealnego”, podporządkowanego idei rozsądnego prawa, ukrytego pod zewnętrzną różnorodnością różnych aspektów przyrody. W sztuce klasycyzmu system warunkowej, scenicznej trójwymiarowej kompozycji jest ostatecznie ustalony, potwierdzona jest podstawowa różnica między szkicem lub szkicem a gotowym obrazem pejzażowym. Wraz z tym krajobraz staje się nośnikiem wysokiej treści etycznej, co jest szczególnie charakterystyczne dla twórczości N. Poussina i C. Lorraina, których prace przedstawiają 2 wersje „idealnego” krajobrazu – heroiczną i idylliczną. W pejzażu barokowym (Fleming P. P. Rubens, Włosi S. Rosa i A. Magnasco) żywiołowa siła natury ma pierwszeństwo, czasem jakby przytłaczająca człowieka. Elementy malarstwa z natury, w plenerze (zob. Plener) pojawiają się w pejzażach D. Velasqueza, odznaczających się niezwykłą świeżością percepcji. Holenderscy malarze i graficy XVII wieku. (J. van Goyen, H. Seghers, J. van Ruisdael, M. Hobbema, Rembrandt, J. Vermeer z Delft), szczegółowo rozwijając perspektywę świetlno-powietrzną i system walecznych odcieni, łączyli w swoich utworach poetycki nastrój naturalnego życia przyrody, jej wiecznej zmienności, idea wielkości bezkresnych przestrzeni naturalnych z ideą ścisłego związku natury z codzienną egzystencją człowieka. Holenderscy mistrzowie tworzyli różnorodne typy krajobrazu (m.in. krajobrazy marinowe i miejskie).

Od XVII wieku Szeroko rozpowszechniony jest pejzaż topograficzny (rytownicy – ​​niemiecki M. Merian i czeski V. Gollar), którego rozwój w dużej mierze zdeterminowany był zastosowaniem camera obscura, która umożliwiała przenoszenie poszczególnych motywów na płótno lub papier za pomocą niespotykana dokładność. Ten rodzaj krajobrazu w XVIII wieku. swój szczyt osiąga w nasyconych powietrzem i światłem wedutach Canaletta i B. Belotto, w utworach F. Guardiego, które otwierają jakościowo nowy etap w historii krajobrazu i wyróżniają się wirtuozowskim odwzorowaniem zmiennego światła -środowisko powietrza. Krajobraz gatunkowy w XVIII wieku. odegrał decydującą rolę w kształtowaniu krajobrazu w tych krajach europejskich, gdzie aż do XVIII wieku. nie było niezależnego gatunku pejzażu (w tym w Rosji, gdzie największymi przedstawicielami tego typu pejzażu byli graficy A.F. Zubov, M.I. Makhaev, malarz F.Ya. Alekseev). Szczególne miejsce zajmują graficzne pejzaże G. B. Piranesiego, który romantyzował ruiny, pomniki dawnej architektury i nadał im nadludzką wielkość. Tradycja krajobrazu „idealnego” zyskała znakomicie dekoracyjną interpretację w epoce rokoka (Pejzaż przedstawiający ruiny Francuza J. Roberta), jednak ogólnie krajobraz „idealny”, który zajmował (pod nazwą historycznego lub mitologiczna) drugorzędna pozycja w klasycystycznym systemie gatunków, w XVIII V. degeneruje się w kierunku akademickim, podporządkowując naturalne motywy abstrakcyjnym prawom klasycznej kompozycji. Nurtów przedromantycznych dopatruje się w kameralnych i lirycznych tłach parkowych w obrazach A. Watteau, J. O. Fragonarda we Francji, a także w twórczości twórców angielskiej szkoły pejzażu – T. Gainsborougha, R. Wilsona.

Pod koniec XVIII - pierwsza połowa XIX wieku. w krajobrazie dominują tendencje romantyzmu (J. Krom, J. S. Cozens, J. R. Cozens, J. M. W. Turner w Wielkiej Brytanii; J. Michel we Francji; K. D. Friedrich, L. Richter w Niemczech; J. A. Koch w Austrii, J. K. K. Dahl w Norwegii, pejzaż odegrał także ogromną rolę w twórczości F. Goyi i T. Géricaulta). Znaczenie pejzażu w artystycznym systemie romantyzmu tłumaczy się tym, że romantycy przybliżali życie duszy ludzkiej do życia natury, widząc w powrocie do naturalnego środowiska środek do korygowania moralnych i społecznych niedoskonałości człowieka. Wykazywali szczególną wrażliwość na indywidualną niepowtarzalność poszczególnych stanów przyrody i oryginalność krajobrazów narodowych. Te ostatnie cechy są niezwykle charakterystyczne dla twórczości Anglika J. Constable'a, który w największym stopniu przyczynił się do ewolucji krajobrazu do rzeczywistych obrazów zachowujących świeżość studium przyrodniczego. Uogólnienie, poetycka klarowność postrzegania świata, a także zainteresowanie problematyką pleneru są charakterystyczne dla mistrzów, którzy stali u zarania narodowych szkół europejskich pejzaży realistycznych (wcześniej C. Corot we Francji; częściowo K. Blechen w Niemczech; A. A. Iwanow, częściowo S. F. Szczedrin i M. I. Lebiediew w Rosji).

Przedstawiciele realistycznego pejzażu połowy i drugiej połowy XIX wieku. (Corot, mistrzowie szkoły Barbizon, G. Courbet, J. F. Millet, E. Boudin we Francji; Macchiaioli we Włoszech; A. Menzel i częściowo szkoła Dusseldorf w Niemczech; J. B. Jongkind i szkoła haska w Holandii, itd.) przeżyły literacką asocjatywność pejzażu romantycznego, starając się ukazać własną wartość przyrody poprzez ujawnienie obiektywnej istoty zachodzących w niej procesów. Pejzażyści tego okresu poszukiwali naturalności i prostoty kompozycji (zwłaszcza rezygnując w większości przypadków z widoków panoramicznych), szczegółowo rozwijali relacje światła i cienia oraz męstwo, które pozwalały oddać materialną odczuwalność środowiska naturalnego. Etyczne i filozoficzne brzmienie krajobrazu, odziedziczone po romantyzmie, przybiera obecnie bardziej demokratyczny kierunek, co przejawia się również w tym, że w krajobrazie coraz częściej włączano ludzi z ludu, sceny pracy wiejskiej.

W rosyjskim krajobrazie XIX wieku. romantyczne tradycje odgrywają wiodącą rolę w twórczości M. N. Vorobyova i I. K. Aivazovsky'ego. W drugiej połowie XIXw. następuje rozkwit pejzażu realistycznego (którego podwaliny położyły prace A. G. Wenecjanowa, a zwłaszcza A. A. Iwanowa), ściśle związanego z działalnością Wędrowców. Pokonując sztuczność i teatralność akademickiego krajobrazu, rosyjscy artyści zwrócili się do swojej rodzimej natury (L. L. Kamieniew, M. K. Klodt), której motywy są szczególnie monumentalne i epickie w twórczości I. I. Szyszkina. Tendencja do przedstawiania przejściowych stanów natury, liryczne bogactwo tkwiące w twórczości A. K. Savrasova, nabiera dramatycznego, napiętego odcienia u F. A. Wasiliewa. Późnoromantyczne trendy przejawiają się w twórczości A. I. Kuindzhi, który łączył upodobanie do mocnych efektów świetlnych z dekoracyjną interpretacją płaszczyzny obrazu. Pod koniec XIX wieku. linia pejzażu emocjonalno-lirycznego, często nasycona motywami żałoby obywatelskiej, ma kontynuację w tzw. pejzażu nastrojowym; do takich pejzaży należą prace V. D. Polenowa, naznaczone miękką kontemplacją, a zwłaszcza płótna I. I. Lewitana, który łączył intymny psychologizm i najsubtelniejsze przekazywanie stanów natury z wzniosłą filozoficzną interpretacją motywów pejzażowych.

Dominujące znaczenie nabiera krajobraz wśród mistrzów impresjonizmu (C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley itp.), którzy uważali pracę na świeżym powietrzu za niezbędny warunek stworzenia obrazu krajobrazu. Impresjoniści uczynili z najważniejszego składnika krajobrazu wibrujące światło i powietrze, bogate w barwne odcienie, otaczające przedmioty i zapewniające wizualną nierozerwalność natury i człowieka. Chcąc uchwycić różnorodną zmienność stanów natury, tworzyli często serie pejzażowe, które łączy jeden motyw (Monet). Ich twórczość odzwierciedlała także dynamikę współczesnego życia miejskiego, dzięki czemu pejzaż miejski zyskał równe prawa z obrazami natury. Na przełomie XIX i XX wieku. w krajobrazie rozwija się kilka kierunków, rozwijając zasady pejzażu impresjonistycznego i jednocześnie wchodząc z nimi w antagonistyczne relacje. P. Cezanne potwierdzał w swoich pracach monumentalną siłę i wyraźną konstruktywność pejzaży naturalnych. J. Seurat motywy pejzażowe podporządkował ściśle dopasowanym, płasko-dekoracyjnym konstrukcjom. V. van Gogh dążył do zwiększonej, często tragicznej, psychologicznej asocjatywności obrazów krajobrazów, nadając poszczególnym szczegółom krajobrazu niemal ludzką animację. W pracach P. Gauguina, bliskich pejzażowi symbolizmu i wyróżniających się dźwięcznością rytmicznych lokalnych płaszczyzn kolorystycznych, obraz idyllicznego pejzażu zostaje radykalnie przemyślany. Artyści związani z symbolizmem i stylem „nowoczesnym” („nabis” we Francji, F. Hodler w Szwajcarii, E. Munch w Norwegii, A. Gallen-Kallela w Finlandii) wnieśli do pejzażu ideę tajemniczego związku między człowiek i „matka ziemia” (stąd popularne w tym okresie typy pejzaż-sen i pejzaż-pamięć), biją w swoich kompozycjach różnego rodzaju „formy przelotowe” (gałęzie, korzenie, łodygi itp.), ornamentalny układ co stwarza złudzenie bezpośredniego naśladowania rytmów samej natury. Jednocześnie nasiliły się poszukiwania uogólnionego obrazu ojczyzny, często nasyconego folklorem lub reminiscencjami historycznymi, łączącego najbardziej utrwalone cechy krajobrazu narodowego, charakterystyczne dla ruchów narodowo-romantycznych (Polak F. Ruschits, czeski A. Slavichek, rumuński Sh. Lukyan, łotewski V. Purvit).

W sztuce XX wieku. wielu mistrzów stara się znaleźć najbardziej stabilne cechy tego lub innego motywu pejzażowego, oczyszczając go ze wszystkiego, co „przemijające” (przedstawiciele kubizmu), inni za pomocą radosnych lub dramatycznie intensywnych harmonii kolorystycznych podkreślają wewnętrzną dynamikę pejzażu, a czasem nawet jego tożsamości narodowej (przedstawiciele fowizmu i pokrewni im mistrzowie we Francji, Jugosławii, Polsce, a ekspresjonizm w Niemczech, Austrii i Belgii), inni, częściowo pod wpływem fotografii artystycznej, przesuwają główny nacisk na dziwaczność i psychologiczna ekspresyjność motywu (przedstawiciele surrealizmu). W twórczości wielu przedstawicieli tych nurtów tendencja do deformacji obrazu pejzażu, czyniąca z pejzażu często pretekst do abstrakcyjnych konstrukcji, była przejściem do sztuki abstrakcyjnej (podobną rolę pełnił pejzaż m.in. praca Holendra P. Mondriana, Szwajcara P. Klee i Rosjanina V. V. Kandinsky'ego). W XX wieku. w Europie i Ameryce rozpowszechnił się pejzaż przemysłowy, często interpretując świat techniki jako swego rodzaju antynaturę, nieodparcie wrogą ludziom (C. Demuth, N. Spencer, C. Sheeler w USA, P. Brüning w Niemcy). Futurystyczne i ekspresjonistyczne pejzaże miejskie często przybierają ostro agresywny lub powściągliwy wygląd, nasycony nastrojami tragicznej beznadziejności lub melancholii. Ta cecha jest również nieodłączna w twórczości wielu realistycznych mistrzów (M. Utrillo we Francji, E. Hopper w USA). Jednocześnie szybko rozwija się pejzaż o charakterze realistycznym i narodowo-romantycznym, w którym obrazy nieskazitelnie pięknej przyrody często stają się bezpośrednią antytezą cywilizacji kapitalistycznej (B. Palencia w Hiszpanii, Kjarval w Islandii, „Grupa Seven” w Kanadzie, R. Kent w USA, A. Namatjira w Australii).

W krajobrazie rosyjskim przełomu XIX i XX wieku. realistyczne tradycje drugiej połowy XIX wieku. przeplata się z wpływami impresjonizmu i „nowoczesności”. Bliskie nastrojowi krajobrazowemu Lewitana, ale bardziej intymne w duchu, są dzieła V. A. Serowa, P. I. Pietrowiczewa, L. V. Turzhansky'ego, przedstawiające przeważnie skromne, pozbawione zewnętrznych spektakularnych widoków i wyróżniające się etiudą bezpośredniości kompozycji i koloru. Połączenie lirycznych intonacji ze zwiększoną dźwięcznością koloru jest charakterystyczne dla twórczości K. A. Korovina, a zwłaszcza I. E. Grabara. Cechy narodowo-romantyczne są nieodłącznie związane z twórczością A. A. Ryłowa i kompozycjami krajobrazowo-gatunkowymi K. F. Yuona; folklor, moment historyczny lub literacki odgrywa ważną rolę w A. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, N. K. Roerich, a także w „heroicznym” krajobrazie K. F. Bogaevsky'ego. W kręgu mistrzów „Świata Sztuki” kultywowano rodzaj pejzażu-wspomnień (L. S. Bakst, K. A. Somov), powstały poglądy historyczne i architektoniczne nasycone elegijnymi nutami (A. N. Benois, E. E. Lansere, A. P. Ostroumova-Lebedeva ), dramatyczny krajobraz miejski (M. V. Dobuzhinsky). Wśród wariacji na temat surrealistycznego snu krajobrazowego w duchu V. E. Borysowa-Musatowa, typowych dla artystów Błękitnej Róży, wyróżniają się orientalistyczne kompozycje P. V. Kuzniecowa i M. S. Saryana, a także obrazy N. P. Krymowa, dążące do ścisła równowaga rozwiązań kolorystycznych i kompozycyjnych. W pejzażu mistrzów „Walety Diamentowej” bogactwo systemu kolorystycznego i temperamentna, swobodna maniera malarska ujawnia plastyczne bogactwo i blask natury.

Dla pejzażu sowieckiego, rozwijającego się zgodnie z socrealizmem, najbardziej charakterystyczne obrazy ukazują afirmujące życie piękno świata, jego ścisły związek z transformacyjną działalnością ludzi. W tej dziedzinie pojawili się mistrzowie, którzy rozwinęli się w okresie przedrewolucyjnym, ale po rewolucji październikowej 1917 roku weszli w nową fazę twórczości (V. N. Baksheev, Grabar, Krymov, A. V. Kuprin, Ostroumova-Lebedeva, Rylov, Yuon itp. ), a także artystów, których działalność jest całkowicie związana z erą sowiecką (S. V. Gerasimov, A. M. Gritsai, N. M. Romadin, V. V. Meshkov, S. A. Chuikov). w latach 20. wyłania się sowiecki krajobraz przemysłowy (B. N. Jakowlew i inni). inspirowany patosem budownictwa socjalistycznego kształtuje się rodzaj pejzażu pamięci (np. obrazy V. K. Bialinickiego-Biruli z widokami na Wzgórza Lenina i Jasną Polaną). W latach 30-50. monumentalny obraz pejzażowy, oparty na gruntownym przemyśleniu materiału etiudy, otrzymuje dominującą dystrybucję. W pracach radzieckich pejzażystek syntetyczny obraz Ojczyzny coraz częściej pojawia się poprzez cechy danego obszaru, dzięki czemu nawet widoki tradycyjnie kojarzone z romantyczną koncepcją pejzażu (na przykład pejzaże Krymu czy Dalekiej Północy ) pozbawione są nuty egzotycznej alienacji. Artystów przyciągają motywy, które pozwalają ukazać interakcję form przemysłowych i naturalnych, dynamiczne zmiany przestrzennego postrzegania świata związane z przyspieszającym tempem współczesnego życia (A. A. Deineka, G. G. Nissky, P. P. Ossovsky). W republikańskich szkołach sowieckiego pejzażu wiodącą rolę odgrywają prace I. I. Bokszaja, A. A. Szowkunenko na Ukrainie, D. Kakabadze w Gruzji, Saryana w Armenii, U. Tansykbajewa w Uzbekistanie, A. Zhmuydzinavichyusa i A. Gudaitisa w Litwa, E.Keats w Estonii. W latach 60-80. zasada obrazu pejzażu zachowuje swoje znaczenie, ale nacisk kładziony jest na podwyższoną ekspresję faktury i koloru, na nagie rytmy kompozytorskie, które aktywnie oddziałują na publiczność. Do najważniejszych radzieckich malarzy pejzaży, którzy wysunęli się na pierwszy plan w latach 50-70, należą L. I. Brodskaya, B. F. Domashnikov, E. I. Zverkov, T. Salakhov, V. M. Sidorov, V. F. Stozharov, I. Shvazhas.

Dosł. Fiodorow-A. Davydov, Krajobraz rosyjski XVIII - pocz. XIX wieku, M., 1953; jego, Krajobraz sowiecki, M., 1958; jego, rosyjski krajobraz przełomu XIX i XX wieku, M., 1974; F. Malcew, Mistrzowie rosyjskiego pejzażu realistycznego, ok. 1-2, M., 1953-59; Mistrzowie sowieckiego krajobrazu o krajobrazie, M., 1963; N. A. Vinogradova, chińskie malarstwo pejzażowe, M., 1972; N. Kalitina, francuskie malarstwo pejzażowe. 1870-1970, L., 1972; Problemy krajobrazu w sztuce europejskiej XIX wieku, M., 1978; O. R. Nikulina, Natura oczami artysty, M., 1982; Santini PS, Nowoczesne malarstwo pejzażowe, L, 1972; Pochat G., Figur und Landschaft, B.-N. Y., 1973; Clark K., Krajobraz w sztuce, L., 1976; Wedewer R., Landshaftsmalerei zwischen Traum und Wirklichkeit, Köln, 1978; Baur Ch., Landschaftsmalerei der Romantik, Münch., 1979; Strisik P., Sztuka malarstwa pejzażowego, N.Y., 1980.

1.1 Pejzaż jako gatunek plastyczny. typy krajobrazu

Krajobraz - (francuski paysage, od pays - miejscowość, kraj, ojczyzna) - gatunek sztuk pięknych, którego przedmiotem jest obraz przyrody, terenu, krajobrazu. Pejzaż jest również nazywany dziełem tego gatunku. Pejzaż to tradycyjny gatunek malarstwa i grafiki sztalugowej.

Człowiek zaczął przedstawiać naturę w starożytności, elementy krajobrazu odnaleźć można w epoce neolitu, w płaskorzeźbach i malowidłach krajów starożytnego Wschodu, zwłaszcza w sztuce starożytnej Egit i starożytnej Grecji. W średniowieczu świątynie, pałace, bogate domy zdobiono motywami pejzażowymi; pejzaże często służyły jako środek warunkowych konstrukcji przestrzennych na ikonach, a przede wszystkim na miniaturach.

Krajobraz w sztuce Wschodu otrzymał specjalną linię rozwoju. Jako niezależny gatunek pojawił się w Chinach już w VI wieku. Krajobrazy chińskich artystów, wykonane tuszem na jedwabnych zwojach, są bardzo uduchowione i poetyckie. (patrz załącznik ryc. 1.1.1) Mają one głęboki sens filozoficzny, ukazują jakby nieustannie odnawiającą się przyrodę, bezkresną przestrzeń, jaką wydaje się być dzięki wprowadzeniu do kompozycji rozległych panoram górskich, tafli wody i mglistej mgiełki . W pejzażu pojawiają się postacie ludzkie oraz motywy symboliczne (sosna górska, bambus, dzika śliwka), uosabiające wzniosłe walory duchowe. Pod wpływem malarstwa chińskiego ukształtował się także pejzaż japoński, który wyróżnia się wyostrzoną jakością graficzną, naciskiem na motywy zdobnicze oraz bardziej aktywną rolą człowieka w przyrodzie (K. Hokusai).

W sztuce europejskiej weneccy malarze renesansu (A. Canaletto) jako pierwsi zwrócili się do obrazu natury. Jako niezależny gatunek krajobraz ukształtował się ostatecznie w XVII wieku. Stworzyli go holenderscy malarze. (patrz załącznik rys. 1.1.2) Artyści zwrócili się ku studiowaniu natury Leonarda przed Vinci, później P. Bruegel w Holandii rozwinął system walerów, perspektywę świetlno-powietrzną w XVI wieku. Pierwsze odmiany i kształtują się kierunki tego gatunku: pejzaż liryczny, heroiczny, dokumentalny: P.Brueghel „Pochmurny dzień” (Wigilia Wiosny) (1565, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum), P.P. Rubens „Polowanie na lwy” (ok. 1615, Monachium, Alte Pinakothek), Rembrandt „Krajobraz ze stawem i mostem łukowym” (1638, Berlin - Dahlem), J. van Ruysdael „Leśne bagno” (1660, Drezno, Galeria Sztuki), N. Poussin „Krajobraz z Polifemem” (1649, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina), C. Lorrain Noon (1651, Sankt Petersburg, Ermitaż), F. Guardi „Plac św. Marka, widok na bazylikę” (ok. 1760-1765, Londyn, National Gallery), itp. (patrz załącznik rys. 1.1.3)

W 19-stym wieku twórcze odkrycia mistrzów krajobrazu, jego nasycenie problematyką społeczną, rozwój pleneru (obrazu środowiska naturalnego) zwieńczyły osiągnięcia impresjonizmu, który dał nowe możliwości w malarskim przekazie głębi przestrzennej, zmienności światła i powietrza otoczenia, złożoność kolorystyki, która otworzyła nowe możliwości w przekazywaniu zmiennej gry olśnień, nieuchwytnych stanów natury, bogactwa barwnych odcieni. Są to Barbizons, C. Corot „Poranek w Wenecji” (ok. 1834, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych Puszkina), E. Manet „Śniadanie na trawie” (1863, Paryż, Luwr), C. Monet „Kapucyn Bulwar w Paryżu” ( 1873, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina), O. Renoir „Żaba” (1869, Sztokholm, Muzeum Narodowe). W Rosji A.K. Savrasov „Przybyły gawrony” (1871, Moskwa, Galeria Trietiakowska), I.I. Shishkin „Żyto” (1878, Moskwa, Galeria Trietiakowska), V.D. Polenov „Moscow Yard” (1878, Moskwa , Galeria Trietiakowska),. (patrz załącznik rys. 1.1.4)

Wielcy mistrzowie przełomu XIX i XX wieku. (P. Cezanne, P. Gauguin, Van Gogh, A. Matisse we Francji, A. Kuindzhi, N. Roerich, N. Krymov w Rosji, M. Saryan w Armenii) poszerzają emocjonalne, asocjacyjne cechy malarstwa pejzażowego. Tradycje rosyjskiego krajobrazu poszerzyli i wzbogacili A. Ryłow, K. Yuon, N. Roerich, A. Ostroumova-Lebedeva, A. Kuprin, P. Konczałowski i inni.

W zależności od charakteru motywu pejzażowego można wyróżnić krajobrazy wiejskie, miejskie (w tym urbanistyczno-architektoniczne i wedutowe) oraz industrialne. Szczególnym obszarem jest wizerunek elementu morskiego – przystani i pejzażu rzecznego.

Krajobraz wiejski zwany „wieś” - Ten kierunek gatunku krajobrazu był popularny przez cały czas, niezależnie od mody. Związek między naturą a rezultatami świadomej działalności człowieka zawsze był dość złożony, a nawet sprzeczny; w sztukach wizualnych jest to szczególnie widoczne. Szkice pejzażu z architekturą, płotem czy dymiącym fabrycznym kominem nie tworzą nastroju spokoju: na takim tle całe piękno przyrody ginie, znika. Istnieje jednak środowisko, w którym działalność człowieka i przyroda są w harmonii lub wręcz przeciwnie, przyroda odgrywa dominującą rolę - jest to wieś, gdzie obiekty architektoniczne niejako uzupełniają motywy wiejskie. Artystów w wiejskim krajobrazie przyciąga spokój, swoista poezja wiejskiego życia, harmonia z naturą. Dom nad rzeką, skały, zieleń łąk, wiejska droga dały impuls do inspiracji artystom wszystkich czasów i krajów. (patrz załącznik rys. 1.1.5)

Krajobraz miejski był wynikiem kilkusetletniego rozwoju malarstwa pejzażowego. W XV wieku rozpowszechniły się pejzaże architektoniczne, które przedstawiały widoki miasta z lotu ptaka. Na tych ciekawych płótnach starożytność i nowoczesność często mieszały się, obecne były elementy fantastyki. (patrz załącznik rys. 1.1.6)

Pejzaż architektoniczny to rodzaj pejzażu, jeden z rodzajów malarstwa perspektywicznego, obraz rzeczywistej lub wymyślonej architektury w środowisku naturalnym. Dużą rolę w krajobrazie architektonicznym odgrywa perspektywa liniowa i powietrzna, łącząc przyrodę i architekturę. W krajobrazie architektonicznym wyróżnia się widoki perspektywiczne urbanistyczne, które nazwano w XVIII wieku. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi w Wenecji), widoki posiadłości, zespoły parkowe z budynkami, pejzaże z antycznymi lub średniowiecznymi ruinami (J. Robert; K. D. Friedrich Opactwo w dębowym gaju, 1809-1810, Berlin , Państwowe Muzeum; S.F. Shchedrin), krajobrazy z wyimaginowanymi budynkami i ruinami (D.B. Piranesi, D. Pannini).

Weduta (wł. veduta, dosł. - widziana) to pejzaż, który dokładnie oddaje dokładny widok okolicy, miasta, jednego z początków sztuki panoramy. Późnowenecki pejzaż, ściśle kojarzony z nazwiskami Carpaccia i Belliniego, którym udało się znaleźć równowagę między dokumentalną trafnością odwzorowania miejskiej rzeczywistości a jej romantyczną interpretacją. Termin ten pojawił się w XVIII wieku, kiedy do odtwarzania widoków używano kamery obscura. Wiodącym artystą działającym w tym gatunku był A. Canaletto: San Marco Square (1727-1728, Waszyngton, National Gallery). (patrz załącznik rys. 1.1.7) Impresjoniści wnieśli kolejny poważny wkład w rozwój tego nurtu: C. Monet, Pissarro i inni. .

Współczesny krajobraz miejski to nie tylko tłumy ludzi na ulicach i korki; to także stare uliczki, fontanna w zacisznym parku, światło słoneczne zaplątane w sieć drutów... Ten kierunek przyciągał i będzie przyciągał zarówno artystów, jak i koneserów sztuki z całego świata.

Marina (wł. marina, z łac. marinus - morski) to jeden z rodzajów krajobrazu, którego przedmiotem jest morze. Marina ukształtowała się jako niezależny gatunek w Holandii na początku XVII wieku: J. Porcellis, S. de Vlieger, V. van de Velle, J. Vernet, W. Turner „Funeral at Sea” (1842, Londyn, Tate Galeria), K. Monet „Impresja, wschód słońca” (1873, Paryż, Marmottan Museum), S.F. Shchedrin „Mały port w Sorrento” (1826, Moskwa, Galeria Trietiakowska). Aiwazowskiemu, jak nikomu innemu, udało się pokazać żywy, wypełniony światłem, nieustannie poruszający się żywioł wody. Pozbywając się zbyt ostrych kontrastów klasycznej kompozycji, Aivazovsky w końcu osiąga autentyczną malarską swobodę. Brawura - katastroficzna "Dziewiąta fala" (1850, Muzeum Rosyjskie, Sankt Petersburg) to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów tego gatunku. (patrz załącznik rys. 1.1.8)

Malowanie w plenerze, głównie pejzaże i plenery, wymaga pewnego doświadczenia i „wprawy”. Nie zawsze łatwo jest wymknąć się spod kontroli. Jeśli nie jesteś w stanie od razu ruszyć do przodu, tak jak sobie wyobrażałeś, to po prostu musisz dać sobie czas i cieszyć się widokiem, który się przed Tobą otwiera. Ogólnie rzecz biorąc, niedokończony krajobraz, szkic, szkic lub fragment może czasem stać się przyjemnym efektem pracy, którego nie należy lekceważyć. Pokazuje to, co chcemy widzieć. W istocie, jak we wszystkich innych dziedzinach malarstwa, nasz własny temperament, nasze doświadczenie i nasze możliwości powinny być poświęcone czemuś wyjątkowemu.

W znalezieniu odpowiedniego formatu może nam pomóc tzw. wizjer. wytnij prostokąt na arkuszu tektury, jeśli to możliwe proporcjonalnie do wielkości obrazu. To „okienko” przypomina wizjer aparatu. Z biegiem czasu rozwiniesz doświadczone oko. Szkic, z trudem wchodząc w szczegóły, wykonujemy na przygotowanym płótnie, to znaczy najpierw trzeba na zagruntowane płótno nałożyć kilka kolorowych warstw i je wysuszyć, aby płótno zbytnio nie nasiąknęło farbą. Najlepiej pisać w technice „alla prima”.

Podczas pracy na świeżym powietrzu zaleca się zabranie ze sobą dwóch płócien tego samego rozmiaru. Po zakończeniu pracy składamy obie płaszczyzny obrazu naprzeciw siebie. Pomiędzy nimi kładziemy albo dwie wąskie drewniane deski, albo kładziemy małe kawałki korków w czterech rogach. Powierzchnie obrazów znajdują się od wewnątrz, świeże warstwy farby nie stykają się ze sobą i nie są narażone na uszkodzenia z zewnątrz. W ten sposób możesz bezpiecznie zabrać swoją pracę do domu.

Krajobraz może być historyczny, heroiczny, fantastyczny, liryczny, epicki.

Często pejzaż służy jako tło w pracach malarskich, graficznych, rzeźbiarskich (reliefy, medale) innych gatunków. Artysta, przedstawiając przyrodę, nie tylko stara się wiernie odtworzyć wybrany motyw pejzażowy, ale także wyraża swój stosunek do natury, inspiruje ją, tworzy obraz artystyczny, który ma emocjonalną ekspresję i treści ideowe. Na przykład dzięki I. Shishkinowi, któremu udało się stworzyć na swoich płótnach uogólniony epicki obraz rosyjskiej natury, rosyjski krajobraz podniósł się do poziomu głęboko znaczącej i demokratycznej sztuki (Rye, 1878, Ship Grove, 1898). Siła płócien Shishkina nie polega na tym, że odtwarzają znajome krajobrazy środkowo-rosyjskiego pasa z niemal fotograficzną dokładnością, sztuka artysty jest znacznie głębsza i bardziej znacząca. Bezkresne połacie pól, morze uszu kołyszących się pod świeżym wiatrem, leśne odległości na obrazach I. Szyszkina budzą myśli o epickiej wielkości i potędze rosyjskiej natury.

Krajobraz I. Lewitana jest często określany jako „krajobraz nastroju”. Jego obrazy uosabiają zmienne nastroje, stany niepokoju, żalu, złych przeczuć, spokoju, radości itp. Dlatego artysta przekazuje trójwymiarową formę przedmiotów w sposób uogólniony, bez starannego studiowania szczegółów, z drżącymi malowniczymi plamami. Napisał więc w 1895 roku obrazy „Marzec” i „Złota jesień”, wyznaczając najwyższy punkt w rozwoju rosyjskiego krajobrazu lirycznego. Ponieważ jego styl został wybrany jako najbardziej odpowiedni w duchu do malowania pejzażu „Przez czas. Majątek Ualichanowów. Syrymbet. Przyjrzyjmy się bliżej jego twórczości.

malarstwo weneckie

Grafika to sztuka rysowania. Obraz graficzny zwykle składa się z linii, kresek, kropek i tak dalej. Ze swej natury obraz graficzny jest uwarunkowany malarstwem...

Jednym z głównych zadań naszego społeczeństwa stojących przed systemem nowoczesnej edukacji jest kształtowanie kultury osobowości. Aktualność tego zadania wiąże się z rewizją systemu życia oraz wartości artystycznych i estetycznych...

Rodzaje i techniki sztuk plastycznych

Technika malarska - zespół technik wykorzystania materiałów i środków plastycznych. Tradycyjne techniki malarskie: enkaustyka, tempera, ściana (wapno), klej i inne rodzaje...

Rodzaje sztuki współczesnej

Kompozycja graficzna krajobrazu miejskiego

Przetłumaczone z francuskiego słowo „krajobraz” (paysage) oznacza „naturę”. Tak nazywa się gatunek w sztukach plastycznych, którego głównym zadaniem jest reprodukcja natury naturalnej lub zmienionej przez człowieka. Oprócz...

Malownicza kompozycja tematyczna „Przeczucie wiosny”

W akapicie „Analiza programów plastycznych w szkole ogólnokształcącej” autor zapoznaje się z programami: ujawnia cechy, treść, a także eksploruje, który z nich najpełniej i najciekawiej bada tematykę krajobrazu...

Kubański krajobraz

Przetłumaczone z francuskiego słowo „krajobraz” (paysage) oznacza „naturę”. Tak nazywa się w sztukach plastycznych gatunek, którego głównym zadaniem jest odtworzenie natury naturalnej lub zmienionej przez człowieka...

Gatunek jest kategorią historyczną, wspólnota cech rozwija się w całej historii rozwoju sztuki. Sposoby przedstawiania naturalnych obrazów w kulturze artystycznej są różnorodne. Krajobraz (fr. Paysage, z pays - kraj...

Krajobraz w sztukach wizualnych

W zależności od charakteru motywu pejzażowego można wyróżnić krajobrazy wiejskie, miejskie (w tym urbanistyczno-architektoniczne i wedutowe) oraz industrialne. Szczególnym obszarem jest wizerunek elementu morskiego – przystani i krajobrazu rzecznego…

Portret artystyczny

To nie przypadek, że portret jest uważany za jeden z najtrudniejszych i najbardziej znaczących gatunków sztuki. „Postęp malarstwa”, argumentował Hegel, „począwszy od jego niedoskonałych eksperymentów, polega na wypracowaniu portretu…

Proces tworzenia ilustracji książkowej

Jak wszystkie sztuki piękne, grafikę można podzielić na trzy typy: 1. monumentalna – ściśle związana z zespołem architektonicznym, np. plakat (monumentalna grafika drukowana), grafika ścienna, tektura; 2...

Kierunki sztuki współczesnej

Grafika (z gr. grapho – piszę, rysuję) – rodzaj sztuki plastycznej, który kojarzy się z obrazem na płaszczyźnie. Grafika łączy rysunek, jako samodzielną dziedzinę, oraz różne rodzaje grafiki drukowanej: drzeworyt (drzeworyt) ...

Analiza stylistyczna twórczości A.P. Bogolubow „Walka rosyjskiego brygu z dwoma tureckimi statkami” z funduszu Państwowego Muzeum Sztuki Terytorium Ałtaju

W sztuce malarstwa gatunek pejzażu jest uważany za jeden z najpopularniejszych. Krajobraz - (francuski paysage, z obszaru płatnego), widok, obraz dowolnego obszaru; w malarstwie i grafice gatunek (i osobne dzieło)...

Technologiczne cechy martwej natury w grafice

Analiza artystyczna obrazu V.D. Polenov „Dziedziniec Moskwy”

Gatunek krajobrazu miejskiego obejmuje artystyczne przedstawienie i opis miast dużych i małych, z nowoczesnymi drapaczami chmur i wąskimi uliczkami. Obrazy przedstawiające miejski pejzaż są tak różne, jak różnorodne są miasta...

Krajobraz to gatunek malarstwa, którego głównym tematem jest przyroda, pejzaż. Gatunek powstał w Chinach w IV wieku naszej ery. W sztuce zachodniej pejzaż spopularyzował się w XVI wieku. Do początku XVI wieku obraz przyrody nie był głównym tematem, służył jako tło dla wizerunków ludzi, pokazów wydarzeń historycznych. Płótno miało przekaz religijny, alegoryczny, mitologiczny, a natura była prostym tłem.

Przykłady przedstawiają dzieła Leonarda da Vinci, Botticellego, Belliniego. Badacze uważają, że pierwszy „czysty” krajobraz należy do pędzla Albrechta Altdorfera, powstałego w pierwszej połowie XVI wieku.

Historia gatunku

Albrecht Dürer i Pieter Brueghel Starszy pracowali w XVI wieku. Tłem dla mitologicznych tematów były pejzaże wiosenne, górskie i miejskie.

W XVII wieku powstały szkoły malarstwa niderlandzkiego i flamandzkiego – pejzaż zajmował szczególne miejsce w twórczości artystów. Poussin, Lorrain, Rubens wnieśli swój wkład w rozwój gatunku. Krajobrazy pasterskie charakteryzują się szczególną transmisją światła i koloru, perspektywą, realizmem. Popularne były motywy wiejskie, miejskie, morskie.

malarstwo historii

Pod koniec XVII wieku artyści używali ludzi na obrazach, ale nie jako postaci centralnych, ale aby skupić się na skali obrazu na płótnie.

W XVIII wieku krajobraz rozwija się we Francji, Anglii i innych krajach Europy Zachodniej. Przedstawiają boską harmonię natury i spokojną ufność w obecne warunki dobrobytu. Gatunek nie jest centralnym elementem hierarchii, ale jest popularny wśród kolekcjonerów.

Po katastrofalnych wydarzeniach rewolucji francuskiej i wojen napoleońskich pejzaż stał się jedną z najpopularniejszych form sztuki. W Rosji stał się popularny w połowie XIX wieku w postaci naturalnych, wiejskich typów. Przedstawiciele gatunku zajmowali się twórczością w innych dziedzinach sztuk plastycznych, a pejzaże były jednym z obszarów twórczych zainteresowań artystów, którzy pracowali w olejach i akwarelach.

Największym zainteresowaniem cieszyły się pejzaże wykonane na zamówienie – krajobrazy morskie i górskie, miejskie i wiejskie pięknie prezentowały się w klasycystycznych wnętrzach w posiadłościach wysoko postawionych osobistości.

Duszpasterstwo w malarstwie

Artyści XX wieku spopularyzowali pejzaż w stylach kubizmu, fowizmu, ekspresjonizmu, hiperrealizmu. Współczesne prace są pełne życia, kolorów, indywidualizmu w przekazywaniu koloru i perspektywy.

Cechy i rodzaje malarstwa pejzażowego

W tłumaczeniu nazwa gatunku oznacza „miejscowość”, „kraj” to środowisko otaczające osobę na świeżym powietrzu. Środowisko może być pochodzenia naturalnego lub sztucznego, antropogenicznego. Obiekty naturalne to zbiorniki wodne - jeziora, morza, rzeki, różnego rodzaju rzeźby, roślinność, niebo.

Do sztucznych - domy i budynki gospodarcze, drogi, budynki użyteczności publicznej, ogrody, latarnie - wszystko to, co stworzył człowiek. Przyroda była przedstawiana przez artystów od czasów starożytnych, ale wydzielenie krajobrazu na odrębny gatunek umożliwiło ukazanie indywidualności w przekazywaniu otaczającego świata.

Korzystając z różnych kryteriów, można wyróżnić kilka klasyfikacji malarstwa pejzażowego. W zależności od stopnia udziału człowieka w tworzeniu krajobrazu wyróżnia się:

• Rustykalny;
• Naturalny;
• Miejski.

Cechy starożytnego greckiego malarstwa wazowego

W zależności od charakteru pracy wyróżnia się:

• Epicki;
• Heroiczny;
• Romantyczny;
• Krajobraz-nastrój.

Natura

Naturalne pejzaże zaczęto malować już w średniowieczu, jednak opierając się na kanonach sztuki gotyckiej, malowidła pozbawione były perspektywy, obraz był płaski, schematyczny, nieharmonijny, nierealistyczny. Wraz z rozwojem stylów malarskich zmieniał się sposób wykonywania naturalnego pejzażu. Naturalny kierunek obejmuje obrazy z ciałami niebieskimi, gwiazdami.

Nautyczny

Marina - rodzaj krajobrazu o tematyce morskiej. Kierunki spopularyzowały się w okresie aktywnego rozwoju żeglugi, żeglugi morskiej, wielkich odkryć geograficznych. Najbardziej uderzającym przykładem tego typu jest twórczość XIX-wiecznego rosyjskiego malarza morskiego I. Aiwazowskiego.

Futurystyczny

Futurystyczne dzieła sztuki to odmiana, której zwolennicy malują obrazy z wizerunkami lotów kosmicznych, fantastycznych światów pozaziemskich.

Rustykalny

Krajobraz wiejski lub rustykalny stał się popularny w okresie rozwoju stylu rokoko. Reprezentatywnymi dziełami swoich czasów stały się obrazy z idyllicznymi wizerunkami pasterek, mieszkańców wsi. Odmiana rozwinęła się nie tylko w Europie Zachodniej, ale także w Rosji. Kierunek krajobrazu wiejskiego obrali Pieter Brueghel Starszy, Francois Millet, Camille Moreau. Przykładem malarstwa rosyjskiego jest twórczość A. Venetsianova, A. Savrasova, V. Polevova, A. Plastova, I. Leevitana.

Malarstwo bitewne

Większość pejzażystów reprezentowała style realizmu, klasycyzmu, romantyzmu. Współcześni artyści z Europy i Ameryki zajmują się także malarstwem pejzażowym.

Miejski

Pejzaże miejskie reprezentują prace przedstawiające przytulne uliczki, budynki i inne konstrukcje.
Jako odgałęzienie tego gatunku w XVII wieku pojawił się typ „Veduta” – wywodzący się z Włoch. W rzeczywistości jest to szczegółowy obraz budynków w mieście, w najdrobniejszych szczegółach. Główną cechą podgatunków jest dokładne odwzorowanie wszystkich niuansów architektury domu lub całego bloku. Reprezentatywnymi dziełami w kierunku „Weduty” są obrazy A. Canaletta, J. Vermeera.

Widok „ruiny” został rozwinięty w wielu pracach artystów od XVI do XX wieku. Malarze starali się oddać magię i cechy opuszczonych budynków lub ruin, które mają wartość historyczną. Na przykład ruiny starożytnych miast Wielkiej Brytanii, Grecji, Włoch, Francji. Obrazy gór, morza mogą służyć jako tło.

Charakterystyka gatunku fabularno-tematycznego

Fantasy lub futurystyczny pejzaż miejski to obraz przedstawiający fikcyjne miasto, które istnieje tylko w wyobraźni artysty. Tworząc płótna, malarze chcieli przekazać możliwości technologii i technologii, ich znaczenie w przyszłości. Większość prac jest malowana olejami, co zapewnia bogate odwzorowanie kolorów.

Kierunek industrialny - obrazy przedstawiające tamy, mosty, wieże, budynki, fabryki. Artyści skupiają się na pięknie budynków przemysłowych. Jednym z pierwszych dzieł w industrialnej formie krajobrazu jest „Gare Saint-Lazare” autorstwa Claude'a Moneta.

Widok na park - wiosenne, letnie, zimowe, jesienne obrazy miejskich parków są popularne wśród zwolenników tego kierunku.

Cechy techniczne

Na cechy techniczne dzieła ma wpływ styl, w jakim pracował artysta:

• Impresjoniści zwracali uwagę na kolor i szczególną transmisję światła, perspektywy, pracowali z pociągnięciami, tworząc słoneczne, wiosenne i zimowe płótna pełne emocji i dynamiki.
• Akademicy i realiści dążyli do maksymalnej autentyczności, używali naturalnych kolorów i odcieni, pracowali z akwarelami i olejami.
• Mistrzowie baroku napełniali splendorem nawet obrazy natury.
• Romantycy sprawili, że obraz był jasny, radosny, inspirujący, wiosenny.

Sztuka krajobrazu ma swoją piękną i długą historię. Pejzaż wprowadza nas w otaczający artystę świat, pozwala spojrzeć wstecz kilka wieków wstecz, wczuć się w mistrza w motywy, które szczególnie kocha.

Artyści od wielu stuleci próbują wyrazić swoje rozumienie świata, myśli i zainteresowania za pomocą otaczających ich rzeczy, a każdy twórca robi to na swój sposób, każda praca jest indywidualna. Każdy malarz ma swoją wizję świata.

Pejzaż rozpowszechnił się w malarstwie, grafice, a nawet rzeźbie.

Tła pejzażowe pojawiły się już w epoce neolitu w malowidłach naskalnych, ceramice itp. W sztuce Egiptu, wraz z rozwojem zainteresowania opowiadaniem historii, pojawia się postrzeganie natury jako środowiska działania.

Malarstwo starożytnego Rzymu daje początek niezależnym pejzażom, które pojawiają się w iluzjonistycznych obrazach zdobiących pomieszczenia mieszkalne.

Zupełnie inne wrażenie wywołują pejzaże sztuki średniowiecznej. Fantazyjne wzgórza wznoszące się na tle ikon bizantyjskich i staroruskich w widoczny sposób dzielą świat na ziemski i boski.

Wyjątkowo ważne miejsce zajmuje pejzaż w malarstwie średniowiecznych Chin, gdzie wiecznie odnawiająca się przyroda była uważana za najbardziej oczywiste ucieleśnienie prawa świata.

W Europie krajobraz jako odrębny gatunek pojawił się znacznie później niż w Chinach i Japonii. W średniowieczu, kiedy prawo do istnienia miały tylko kompozycje religijne, pejzaż był interpretowany przez malarzy jako obraz siedliska bohaterów.

Europejscy miniaturzyści odegrali ważną rolę w powstawaniu malarstwa pejzażowego. W średniowiecznej Francji na dworach książąt Burgundii i Berry w latach 1410-tych utalentowani ilustratorzy, bracia Limburgowie, pracowali jako twórcy uroczych miniatur do księgi godzinowej księcia Berry. Te pełne wdzięku i barwne rysunki, które opowiadają o porach roku i odpowiadających im pracach polowych i rozrywkach, ukazują widzowi naturalne krajobrazy, wykonane z mistrzowskim oddaniem perspektywy tamtych czasów.

Wyraźne zainteresowanie pejzażem zauważalne jest w malarstwie wczesnego renesansu. I choć artyści wciąż są bardzo nieudolni w przekazywaniu przestrzeni, zaśmiecając ją elementami krajobrazu, które nie pasują do siebie w skali, wiele obrazów świadczy o pragnieniu malarzy osiągnięcia harmonijnego i holistycznego obrazu natury i człowieka.

Motywy pejzażowe zaczęły odgrywać ważniejszą rolę w późnym renesansie. Wielu artystów zaczęło uważnie studiować naturę. Odrzucając zwyczajową konstrukcję planów przestrzennych w postaci skrzydeł, stosu detali niespójnych w skali, zwrócili się ku naukowym opracowaniom w dziedzinie perspektywy linearnej.

Ważną rolę w tworzeniu gatunku krajobrazu odegrali mistrzowie szkoły weneckiej. Giorgione, działający na początku XVI wieku, był pierwszym artystą, który przywiązywał dużą wagę do krajobrazu. W Europie Północnej w XVI wieku pejzaż zyskał również mocną pozycję w malarstwie. Giorgione miał znaczący wpływ na Tycjana, który później kierował szkołą wenecką. Tycjan odegrał dużą rolę w kształtowaniu się wszystkich gatunków europejskiego malarstwa pejzażowego. Słynny artysta nie lekceważył pejzażu. Majestatyczne obrazy natury pojawiają się na wielu jego płótnach.

Obrazy natury zajmują ważne miejsce w twórczości holenderskiego artysty Pietera Brueghela Starszego. Prace takich artystów jak H. Averkamp, ​​E. van der Poel, J. Porcellis, S. de Vlieger, A.G. Cape, S. van Ruisdael i J. van Ruisdael oddają dumę człowieka ze swojej ziemi, podziw dla piękna morza, rodzimych pól, lasów i kanałów.

W XVII wieku w Holandii rozpowszechniła się jedna z odmian gatunku krajobrazu, marina. W kraju żeglarzy i rybaków pejzaż morski odniósł ogromny sukces. Wśród najlepszych malarzy marynistycznych: V. van de Velde, S. de Vlieger, J. Porsellis, J. van Ruysdael.

Realistyczna sztuka Hiszpanii, Włoch i Francji również odegrała rolę w rozwoju malarstwa pejzażowego. W twórczości D. Velasqueza znajdują się pejzaże, które odzwierciedlają subtelną obserwację wielkiego hiszpańskiego mistrza. Velazquez po mistrzowsku oddaje świeżość zieleni, ciepłe odcienie światła prześlizgujące się przez liście drzew i wysokie kamienne ściany.

Krajobraz pojawił się jako niezależny gatunek w sztuce europejskiej w XVII wieku.

W XVII wieku zasady tworzenia krajobrazu idealnego rozwinęły się w sztuce klasycyzmu. Klasycy interpretowali naturę jako świat podlegający prawom rozumu.

Nowe podejście do natury pojawiło się w sztuce w drugiej połowie XVIII wieku. W oświeceniowym malarstwie pejzażowym nie pozostał ani ślad dawnej sielankowej konwencji. Artyści starali się pokazać widzowi naturalną naturę, wzniesioną w estetyce.

Natura na płótnach barokowych mistrzów ukazuje się inaczej. W przeciwieństwie do klasycystów starają się oddać dynamikę otaczającego świata, burzliwe życie żywiołów. Tak więc pejzaże Fleminga Petera Paula Rubensa oddają siłę i piękno ziemi, afirmują radość bycia, zaszczepiając w widzach poczucie optymizmu.

Plenerowe pejzaże Claude'a Moneta, Camille'a Pissarro, Alfreda Sisleya odzwierciedlają głębokie zainteresowanie artystów zmieniającym się środowiskiem światła i powietrza. Prace impresjonistów ukazują nie tylko wiejską przyrodę, ale także tętniący życiem i dynamiczny świat współczesnego miasta.

Zmodyfikowane tradycje impresjonistów zostały wykorzystane w ich malarstwie przez artystów postimpresjonistycznych. Z punktu widzenia sztuki monumentalnej Paul Cezanne reprezentuje majestatyczne piękno i siłę natury. Pejzaże Vincenta van Gogha są pełne ponurego, tragicznego uczucia.

W XX wieku przedstawiciele różnych nurtów artystycznych zwrócili się ku pejzażowi. Jasne, intensywnie dźwięczne obrazy natury stworzyli fowiści: Henri Matisse, Andre Derain, Albert Marquet, Maurice Vlaminck, Raoul Dufy i inni.

Kubiści (Pablo Picasso, Georges Braque, Robert Delaunay i inni) tworzyli swoje pejzaże za pomocą rozciętych kształtów geometrycznych.

Pierwsze krajobrazy, które pojawiły się w Rosji w XVIII wieku, były widokami topograficznymi wspaniałych pałaców i parków. W czasach Elżbiety Pietrowna opublikowano atlas rycin z widokami Petersburga i okolic, wykonany według rysunków M.I. Machajew. Ale dopiero wraz z pojawieniem się dzieł Siemiona Fiodorowicza Szczedrina możemy powiedzieć, że pejzaż jako odrębny gatunek ukształtował się w malarstwie rosyjskim. Współcześni Shchedrin, M.M., wnieśli swój wkład w rozwój krajobrazu. Iwanow i F.Ya. Aleksiejew. Malarstwo Aleksiejewa wywarło wpływ na młodych artystów - M.N. Vorobiev, S.F. Galaktionova, A.E. Martynov, którzy poświęcili swoją sztukę Petersburgowi: jego pałacom, nabrzeżom, kanałom, parkom.

Rozwój rosyjskiego malarstwa pejzażowego XIX wieku warunkowo dzieli się na dwa etapy, które są dość wyraźnie rozróżnialne, chociaż są ze sobą organicznie powiązane.

Rozwój romantycznego malarstwa pejzażowego w pierwszej połowie XIX wieku przebiegał w trzech kierunkach: pejzaż miejski oparty na pracy z natury; badanie przyrody na ziemi włoskiej i odkrycie rosyjskiego krajobrazu narodowego.

Jednym z najwyższych osiągnięć rosyjskiego malarstwa realistycznego w ramach jego ogólnej orientacji romantycznej była sztuka S. F. Szczedrina. To u niego szczególnie wyraźne są realistyczne podstawy rosyjskiego romantyzmu.

W pierwszym ćwierćwieczu XIX wielu artystów specjalizuje się w malowaniu widoków oraz miejscowości, miast i osiedli.

Do lat 50. XIX wieku ze wszystkich nurtów rosyjskiego malarstwa romantycznego na pierwszy plan i wśród społecznie znaczących i powszechnie uznanych gatunków zaczął wysuwać się rosyjski romantyczny pejzaż narodowy. Przebiegiem rosyjskiego romantycznego krajobrazu jest marynizm. Założycielem tego gatunku w malarstwie rosyjskim był Iwan Konstantinowicz Ajwazowski. W XIX wieku żywioł morza przyciągał artystów z wielu krajów. U gatunków morskich tradycja romantyzmu trwała najdłużej.

W latach 60., w drugim okresie kształtowania się realistycznego malarstwa pejzażowego, szeregi artystów przedstawiających rodzimą przyrodę znacznie się poszerzyły i coraz częściej ogarniało ich zainteresowanie sztuką realistyczną. Jedno z pierwszych miejsc wśród nich słusznie należy do V. Polenova.

Kreatywność I.I. Shishkin wyznacza najważniejszy etap w rozwoju tego gatunku. Szyszkin nie tylko opanował nowe, typowo rosyjskie motywy pejzażu, ale swoimi dziełami podbił najszersze kręgi społeczne, tworząc obraz swojej rodzimej natury, bliski ludowemu ideałowi siły i piękna ojczyzny.

Szczególne miejsce w malarstwie rosyjskim zajmuje twórczość A.K. Savrasov, który stał się założycielem narodowego krajobrazu lirycznego.

Niewielkie dzieło „Przybyły gawrony” słusznie zajmuje miejsce wśród arcydzieł innych artystów XIX wieku. Savrasov miał wielu uczniów i naśladowców, których nauczył uważnie przyglądać się i studiować przyrodę, nie bać się wychodzić na zewnątrz ze szkicownikiem. Nauczył mnie szukać piękna w prostych i nieskomplikowanych krajobrazach mojej ojczyzny.

W drugiej połowie XIX wieku tacy znani artyści jak I.I. Shishkin, F.A. Wasiliew, A. Kuindzhi, A.P. Bogolubow, I.I. Lewitan.

Impresjonizm wnosi do pejzażu promienną świeżość gry kolorystycznej, a symbolizm i nowoczesność – zamiłowanie do dekoracyjnych uogólnień.

Malarstwo pejzażowe XX wieku związane jest z nazwiskami I.E. Grabar, AA Ryłowa, K.F. Yuon. W duchu sztuki symbolistycznej P.V. Kuzniecow, N.P. Krymow, M.S. Saryan, VE Borysow-Musatow.

W latach 20. XX wieku rozwinął się pejzaż industrialny, zainteresowanie tego rodzaju pejzażem szczególnie widoczne jest w twórczości M.S. Saryan i K.F. Bogajewski.

W swojej długiej historii pejzaż, nieustannie zwracając się nie tylko do teraźniejszości, ale i przyszłości, zrodził wiele marzeń, aspiracji i nadziei. A jeśli w najlepszych przykładach nie jest to tylko dekoracja, rozkosz dla oczu, ale powód do twórczej odnowy ludzkiej świadomości, to możemy śmiało powiedzieć: ta sztuka będzie żyła wiecznie. Wyraziste i imponujące obrazy rodzimej przyrody stworzyli także pejzażyści G.G. Nissky, SV Gierasimow, NM Romadin i inni.

Malarstwo białoruskie wywodzi się z terenów Wielkiego Księstwa Litewskiego. W XI-XIII wieku rozpoczęto budowę świątyń, których ściany malowano freskami lub dekorowano rzeźbami. Malowidła praktycznie nie zachowały się do naszych czasów, jedynie niewielkie fragmenty, które praktycznie nie podlegają renowacji, można jedynie przypuszczać, że w tych malowidłach mógł być obecny pejzaż.

Znaczący wkład w historię rozwoju malarstwa białoruskiego wnieśli mistrzowie XV-XVII wieku. Szczególne miejsce zajmuje ikonografia tego okresu. Jest szkoła specjalna, która pozostawiła nam wiele ikon.

Na Białorusi pierwsi artyści pojawili się w XIX wieku. Podstawowe wykształcenie zawodowe odbyli na Wydziale Malarstwa Uniwersytetu Wileńskiego, a następnie w Petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych. Wśród nich J. Damel. Jednym z pierwszych malarzy białoruskich był I. Chrucki. W swojej twórczości zwracał się także ku pejzażowi.

W drugiej połowie XIX wieku rozwijał się nurt realistyczny w malarstwie pejzażowym. Wybitnym przedstawicielem był A. Gorawski.

Jego prace pejzażowe z reguły nazywane są konkretnymi adresami - „Poczta Świsłocz”, „Wieczór w guberni mińskiej”, co wskazuje na jego zaangażowanie w malarstwo z natury.

W większości dzieł takich artystów, jak A. Garavsky, N. Selivanovich, jest nie tylko białoruska przyroda, ale także białoruskie miasta, z zauważalnymi cechami życia zwykłych ludzi. Miłość do ojczyzny i jednocześnie szczere współczucie dla ubogiego ludu przejawia się wyraźnie w wielu przedrewolucyjnych pracach krajobrazowych, z ich nędznymi patriarchalnymi wioskami, pustymi polami i wąskimi wstęgami dróg.

Na przełomie XIX i XX wieku pojawiła się cała plejada artystów. Pojawiły się nowe nazwiska pejzażystów - F. Ruschits, G. Veisengoff, K. Stabrovsky i inni.

Twórczość F. Ruszczyca uważana jest za jasną kartę polskiej kultury narodowej. Ten punkt widzenia wydaje się być jednostronny, a przez to błędny. Wiadomo, że działalność twórcza Ruschits miała miejsce głównie na ziemi białoruskiej. Tutaj tworzył swoje prace, w których przedstawiał przyrodę Białorusi i życie narodu białoruskiego. W jego twórczości odzwierciedlono życie i sposób życia narodu białoruskiego, załamano tradycje białoruskiego malarstwa realistycznego.

Twórczość F. Ruschitsa jest bardzo interesująca dla białoruskiej historii sztuki. Stylistyczna wspólność jego malarstwa z malarstwem G. Wieisengofa, K. Stabrowskiego, S. Żukowskiego, W. Bialinickiego-Biruli i innych artystów, którzy dorastali i kształcili się na Białorusi, a następnie wnieśli znaczący wkład w rozwój białoruskiego, rosyjskiego, polskiego i litewskiego sztuka pozwoliła mówić o Rusczycy jako o przedstawicielu białoruskiej narodowej szkoły malarstwa, która w ogólnym zarysie zaczęła się już kształtować na przełomie XIX i XX wieku.

Największy rozkwit malarstwa na Białorusi przypadł na przełom XIX i XX wieku, podczas rewolucji rosyjskiej 1905 roku.

Malarze pejzażyści Białorusi nie byli obcy osiągnięciom francuskich impresjonistów, którzy wnieśli do malarstwa światło i powietrze. Twórczość nazwana artystami z Białorusi nie była równoważna. W trakcie swojego rozwoju ulegał istotnym zmianom. Zmiany te są szczególnie widoczne w okresie od 1907 do 1917 roku. Po klęsce rewolucji 1905 roku wielu artystów odeszło od pozycji realistycznych. Podstawą ich twórczości były poszukiwania w polu formy.

Rozpatrując białoruski pejzaż lat 1890-1917, nie sposób pominąć twórczości tych pejzażystów, którzy pozostali na stanowiskach akademizmu. Z reguły byli to artyści o niskiej kulturze zawodowej. Ich płótna nie wyróżniały się wielkimi umiejętnościami i dlatego nie pozostawiły znaczącego śladu w historii sztuk pięknych.

Białoruski pejzaż został rozwinięty w pracach S. Żukowskiego, W. Bialinickiego-Biruli i innych artystów, którzy zaczęli tworzyć głównie w pierwszych dekadach XX wieku. W twórczości tych malarzy – w motywach kompozycyjnych, kolorystyce, charakterze konstrukcji malarskiej – dominują cechy łączące ich ze sztuką białoruską. Jednocześnie pejzaż w malarstwie wprowadzał inne funkcje, po pierwsze, w większości prac służył jako materiał pomocniczy w pracach artystów i z reguły pozostawał na poziomie szkicu z natury. Po drugie, w pejzażu często pojawiały się motywy o charakterze kameralnym, ukochane zakątki białoruskiej przyrody, czy przedmieścia miast.

Obrazy S. Żukowskiego wyróżniają się wyrafinowanym przedstawieniem natury, mistrzowskim operowaniem kontrastami na tle kolorystycznej harmonii całej kompozycji oraz lekkim efektem dekoracyjnym. W swoich pracach pokazywał bezgraniczny urok rodzimej przyrody, cechy ziemi białoruskiej. Prace artysty są bliskie emocjonalnie, „Zapora”, „Jesienny wieczór”.

Belinitsky - Birulya. Zrobił wiele dla rozwoju białoruskiego malarstwa pejzażowego. Artysta ostro postrzegał przyrodę Białorusi, subtelnie oddając jej charakterystyczne cechy. Osobliwe podkreślenie opracowane przez niego, niezrównane, miękkie i liryczne. Jego obrazy - "Wiosna nadchodzi", "Jesień" - zyskały światową sławę. To on stał się prawdziwym twórcą białoruskiego pejzażu, pomostu łączącego tradycje dawnych mistrzów ze znaleziskami współczesnych białoruskich pejzażystów.

Rozwój sztuk pięknych Białorusi w okresie powojennym można podzielić na 2 najbardziej charakterystyczne etapy, pierwszy - 50, drugi - koniec lat 60, 70. Pierwszy okres związany jest głównie z twórczością artystów starszego pokolenia - W. Wołkowa, U. Kudrewicza, B. Zwinogradskiego. Liryczne pejzaże U. Kudrewicza „Kwitnąca łąka”, „Przed burzą” wyróżniają się wielką miłością do natury.

Artysta Ludowy Białorusi V.A. Gromyko należy do starszego pokolenia białoruskich pejzażystów, jego dzieła to „Złote drogi Mińska”, „Mglisty poranek”, „Nad jeziorem” itp. Białoruskie pagórki, lasy, jeziora ujawniają się na różne sposoby, w twórczości V. Gromyki wzbogaca krajobraz o nowe emocje.

Wielki wkład w rozwój tego gatunku wnieśli N. Voronov, S. Katkov, A. Gugel i inni.

Zasłużony Działacz Sztuki Białorusi P.A. Danelia jest znana nie tylko w kraju, ale także za granicą. Jego utwory „Melodia białoruska”, „Pływają chmury” itp.

Interesującymi malarzami pejzażu zadeklarowali się mieszkańcy Witebska - V. Dezhits, M. Mikhailov, U Kukharev. Liryczne pejzaże W. Deżycy poświęcone są głównie Witebskowi.

Spośród artystów homelskich, w których twórczości główne miejsca zajmowały motywy liryczne i industrialne, wyróżniali się: pejzażysta starszego pokolenia B. Zwinogradski „Soż. Wielka woda”, „Lód przeszedł”, W. Kazachenko , „Wieczór nad Sożem”, „Jesień”, „Port Gomelski”, „Port Gomel” w Rykalinie, „Ropociąg Drużba”.

Pejzaże wykonane przez G. Azgura w wieku 50 lat odznaczają się subtelnym liryzmem, hojnością uczuć w przedstawianiu niepowtarzalnego piękna białoruskiej przyrody „Logojskie Wzgórza”, „Ostatni śnieg”, i artystka zachowała te uczucia w swojej twórczości.

W latach pięćdziesiątych talent pejzażysty V. Tsvirko rósł w siłę. W tym okresie jego pejzaże ukazują bliskość białoruskiej przyrody z jej miękkimi pagórkami, zagajnikami, licznymi chmurami i ciepłymi wiatrami. Światło otwiera się w nich jasne, przestronne, bogate w kolory, rozciąga się jak szerokie pole działania dla człowieka. V. Tsvirko umiejętnie wykorzystuje naturę, dostrzega jej najbardziej charakterystyczne cechy. Jego późniejsze pejzaże naznaczone są poszukiwaniem nowych form i środków figuratywnego wyrazu.

W drugiej połowie lat 60. białoruskie malarstwo pejzażowe charakteryzowało się nowymi poszukiwaniami i trendami. Istniejące studium pejzażowe jest zastępowane przez pejzaż-obraz, w którym środki koloru, plastyczności, linearno-rytmicznej organizacji refleksji mają na celu epickie wyjaśnienie życia natury, nadanie wyglądowi ważnego znaczenia wewnętrznego.

Większość pejzaży Tsvirko, powstałych na przełomie lat 60. i 70., otwiera nową kartę w białoruskim pejzażu. Poezja dzieł wczesnego okresu została zastąpiona surową dekoracyjną prostotą, różnorodnością płaskich przejść kolorystycznych. W każdej nowej pracy artysty wyczuwa się pragnienie filozoficznej refleksji nad naturą i czasem. „Białoruś jest moja”, „Na dawnej ziemi”, obrazy te wyróżniają się emocjonalnością rozwiązań kolorystycznych i kompozycyjnych, jasnością podkreślonych planów, które stopniowo odwracają wzrok ku horyzontowi. Większość prac pejzażowych artysty cechuje monumentalność, wynikająca z rozmachu przestrzeni. Białoruski pejzaż w twórczości V. Cwirki i wielu innych artystów jest pokazany w całej swojej różnorodności i oryginalności.

Równie ważną cechą białoruskiego pejzażu ostatnich czasów jest epickie przedstawienie najbardziej charakterystycznych i typowych zjawisk w przyrodzie lub konkretnych momentów i czynności związanych z przyrodą.

Białoruskie jeziora, lasy, rzeki objawiają się w pracach V. Gromyki, bogato i różnorodnie przed widzem. Niektóre z ich bogatym miękkim liryzmem, poezją, inne - wysokim dramatyzmem. We wszystkich pracach ważną rolę odgrywa kolor - żółto-zielony, niebieski, czerwony.

Twórczość V. Gromyka w malarstwie pejzażowym na przestrzeni ostatnich dziesięciu lat podnosi ten gatunek na wyższy poziom. Wykorzystując najlepsze osiągnięcia mistrzów starszego pokolenia, wzbogaca pejzaż o nowe treści, nowe emocje, doprowadza go do rangi obrazu o wysokim poziomie artystycznym.

W połowie lat 70. w malarstwie pejzażowym pojawił się nurt analitycznego, figuratywnego ujawniania tematu. Niemal każdy autor stawia sobie za zadanie nie tylko ujawnienie zewnętrznego piękna swojej ojczyzny, ale także postawienie głębszych pytań dotyczących filozoficznego rozumienia życia.

Krajobrazy L. Schemelev, D. Aleinik, N. Kazakevich, osobliwe w sposobie pisania i kolorystyce.

Obrazy natury są utkane ze światła i koloru, są zaskakująco przejrzyste, czyste i kruche. N. Kazakiewicz odtwarza swoją rodzimą naturę z ciepłem i szczerością człowieka zakochanego w swojej ziemi, w malarstwie.

Procesowi opanowywania najlepszych tradycji w sztuce minionych lat towarzyszy poszukiwanie nowych form, nowych rozwiązań.

Wśród artystów średniego pokolenia można również wymienić wiele nazwisk, które weszły już do historii sztuki białoruskiej - są to A.V. Baranowski, V.V. Niemcow, L.V. Ramanovsky, A.Ya. Szibniew.

Dla A. Baranowskiego głównym tematem twórczości jest przyroda Białorusi. Subtelny kolorysta, biegły w ekspresyjnych możliwościach malarstwa, koloru, kompozycji, rysunku. Prace artysty wyróżnia połączenie ostrości widzenia z miękkością, życzliwością, szczególną czcią miłości i ciepła dla świata przedstawionego. Obrazowość i poezja łączą się ze spokojną, wnikliwą analizą konkretnego motywu, z dbałością o środki malarskiego wyrazu.

Zmieniło się białoruskie malarstwo pejzażowe. Nikogo nie zaskoczy niekonwencjonalność i czystość koloru w pracach B. Arakcheeva, odświętność i radość obrazów D. Aleinika, V. Kubarewa, A. Marochkina, każdy z nich idzie własną drogą i otwiera nowa, unikatowa strona w rozwoju sztuk plastycznych.

Każde dzieło L. Dudarenko charakteryzuje się swoistym rozwiązaniem malarskim i plastycznym, perfekcją rysunku i kompletnością kompozycyjną. W sercu twórczości zawsze tkwi motyw duchowości, prawdy artystycznej, która pozwala zachować twórczą indywidualność.

Pejzaż stał się szczególnie aktualny w ostatnich latach, kiedy coraz bardziej widoczny staje się kryzys kompozycji poruszających ważne społecznie tematy. Artyści zwrócili się ku najbardziej tradycyjnej formie pejzażu - obrazowi natury, wolności i harmonii.

W dziełach artystów coraz wyraźniej rozbrzmiewały nostalgiczne nuty odchodzących pradawnych zakątków natury, harmonia natury coraz bardziej niepokoi, pociąga romantyczne postrzeganie krajobrazów, gdzie to, co najzwyklejsze, wielokrotnie oglądane, pojawia się w różnej jakości, rzeczywistość pod tajemniczym kolorem nabiera cech iluzorycznych. To właśnie te motywy V. Zinkevich, V. Shkarubo, V. Khmyz, A. Mirsky i inni starają się zachować i ucieleśnić na swoich płótnach.

Pejzaże W. Zinkiewicza nie są dla nas nawet pejzażami w zwykłym tego słowa znaczeniu. To raczej ich, emocjonalne echo, echo takiego czy innego stanu natury, które do nas dotarło. Subiektywizmu, fantazji wizji artysty nie da się interpretować jednoznacznie i konkretnie. Improwizacje krajobrazowe są niejednoznaczne, skłaniają do refleksji, skojarzeń.

Sztuka V. Shkarubo jest w dużej mierze konceptualna, ponieważ zawsze podlega wyrażeniu z góry ustalonego i przemyślanego pomysłu autora. W jego pejzażach nie ma ludzi, co tylko dodaje tajemniczości, sprawia, że ​​atmosfera obrazu jest nieco surrealistyczna, pozwala odejść od sielankowego sentymentalizmu i nadać figuratywnej strukturze kompozycji większą pojemność i głębię.