Aby skorzystać z podglądu prezentacji utwórz konto Google i zaloguj się na nie: https://accounts.google.com
Podpisy slajdów:
Rodzaje malarstwa monumentalnego Tatyana Viktorovna Yaroshchuk Nauczyciel sztuk pięknych
Dzieła monumentalne to wielkoformatowe obrazy wykonywane na zewnętrznych i wewnętrznych powierzchniach budynków. Monumentalne dzieło i architektura budowli są ze sobą nierozerwalnie powiązane i tworzą jedną całość.
Rodzaje malarstwa monumentalnego: Fresk Witraż Panel mozaikowy
Co to jest fresk? Sztuka fresków znana była już w starożytnej Rusi. ... Słowo „fresk” pochodzi od włoskiego „fresco”, co oznacza „świeży”, „surowy”.
Fresk to malowanie na mokrym tynku, w tłumaczeniu z włoskiego oznacza „świeży”, „surowy”, malowanie fresków wykonali Leonardo da Vinci, Rafael, Michał Anioł, Grek Teofan, Andriej Rublow
Co to jest witraż? Witraż (franc. vitrage, od łac. vitrum – szkło), ozdobna lub przedmiotowa kompozycja dekoracyjna (w oknie, drzwiach, przegrodzie, w formie niezależnego panelu) wykonana ze szkła lub innego materiału przepuszczającego światło.
Witraż to obraz złożony z kawałków kolorowego szkła połączonych ze sobą ołowianymi paskami; sztuka ta stała się najbardziej rozpowszechniona w średniowieczu; prawie wszystkie średniowieczne katedry słyną z witraży;
Co to jest mozaika? Mozaika (francuska mosaïque, włoska mozaika, od łac. musivum, dosłownie poświęcona muzom), obraz lub wzór wykonany z cząstek jednorodnych lub różnych materiałów (kamień, smalta, płytki ceramiczne itp.)…
Mozaika to monumentalny obraz, obraz lub wzór wykonany z kolorowych kamieni, smalty (kolorowego nieprzezroczystego szkła), płytek ceramicznych, który powstał w czasach starożytnych i jest nadal popularny.
Co to jest panel? Panel (francuskie panneau, od łac. pannus – kawałek tkaniny), 1) część ściany, podkreślona ramą (stiukowa rama, ozdobna wstążka itp.) i wypełniona obrazem lub rzeźbą. 2) Obraz wykonany olejem, temperą itp.
Panel to obramowana część ściany lub sufitu wypełniona obrazem lub obrazem zdobiącym ścianę lub sufit.
Zadanie twórcze Stwórz szkic witrażu
Podsumowanie lekcji: Czym jest malarstwo monumentalne? Wymień rodzaje malarstwa monumentalnego. Czego dowiedziałeś się o freskach, witrażach, mozaikach, panelach?
Praca domowa Naucz się pojęć i definicji. Przynieś album, klej, nożyczki, kolorowe pisaki lub markery.
Na temat: rozwój metodologiczny, prezentacje i notatki
W artykule przedstawiono pracę testową dla klasy 8 według programu B.M. Niemenskiego na temat „Początki architektury i sztuki monumentalnej”...
Portret w malarstwie. Rodzaje portretu.
Celem tej prezentacji jest zapoznanie studentów z wizerunkiem człowieka w sztukach plastycznych, pojęciem „portretu”, jego rodzajami oraz poznanie indywidualnych cech portretu.
Malarstwo monumentalne dzieli się na typy w zależności od techniki wykonawcze:
obraz - dzieło malarskie wykonane bezpośrednio na ścianie, suficie, sklepieniu lub specjalnym płótnie, a następnie przymocowane do sufitu lub ściany. (Malowiny ścienne Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie, Michał Anioł).
Malowidło wykonane na ścianie na mokrym tynku - fresk. Fresco - „surowy, świeży” - przetłumaczony z włoskiego. Metody malowania fresków: „a fresk” – na mokro, „a secco” – na sucho.
Malarstwo monumentalne wykonane na płótnie, które następnie zostaje utrwalone w przeznaczonym dla niego miejscu, nazywa się obrazem monumentalnym płyta
MALOWANIE SZTALALOWE
Rodzaje malarstwa sztalugowego: malarstwo, ikona, miniatura (niezwiązane ze sztuką zdobniczą i użytkową).
Obraz - dzieło malarstwa sztalugowego posiadające głęboką koncepcję, wyróżniające się doniosłością treści i kompletnością formy artystycznej. Zdarzenie, akcja jest niezbędnym warunkiem obrazu, ale portret i pejzaż też są obrazem, tylko tutaj mamy do czynienia z rozszerzonym rozumieniem tego słowa.
Ikona pierwsi chrześcijanie nazywali każdy obraz świętym, przeciwstawiając go „bożkowi” - obrazowi pogańskiemu. Później zaczęto używać słowa „ikona” w odniesieniu wyłącznie do dzieł sztalugowych, próbując odróżnić je od mozaik, fresków i rzeźb.
Miniaturowy. W książce - kompozycje umieszczone na osobnej kartce lub zajmujące jej znaczną część. Częściej artyści używali czerwonej farby (minium - po łacinie). Stąd wzięła się nazwa „miniatura”.
WYRAŹNE ŚRODKI MALARSKIE
PERSPEKTYWA (od łac. Perspicere) – przejrzeć. W życiu stale spotykamy się z prawami bezpośredniej perspektywy linearnej (osoba stojąca po drugiej stronie rzeki wydaje się mała, tory kolejowe w pobliżu horyzontu zbiegają się w jednym punkcie itp.)
Trzy prawa bezpośredniej perspektywy liniowej:
1. Wszystkie równoległe linie na obrazie zbiegają się w jednym punkcie.
2. Obiekty znajdujące się dalej od widza wydają się mniejsze niż te znajdujące się w pobliżu.
3. Linia horyzontu znajduje się zawsze na wysokości oczu.
Prawa perspektywy odkryto w starożytnej Grecji w V wieku p.n.e. Anaksagoras, Demokryt, Agatarch i były kojarzone ze sztuką teatralną i zdobniczą. Ale bezpośrednia perspektywa nie zakorzeniła się w sztuce starożytnej. Drugie odkrycie miało miejsce w okresie renesansu, epoki aktywnego zainteresowania dziedzictwem sztuki starożytnej. Za najwyższą wartość uznano świat realny i człowieka. Odkrycia naukowe, chęć odzwierciedlenia obrazu świata w sztuce, podążanie za zasadą „naśladowania natury” ugruntowały i rozwinęły wiedzę o perspektywie. Autorstwo jego odkrycia należy do XV-wiecznego włoskiego architekta Filippo Brunelleschiego i matematyka Toscanelliego.
Istnieje również perspektywa odwrotna. W tym przypadku obraz zdaje się przewracać na nas, wkraczając w naszą realną przestrzeń. Elementy odwróconej perspektywy były często wykorzystywane przez starożytnych rosyjskich artystów w ikonach.
RYSUNEK jest ramą, podstawą konstrukcyjną obrazu.
FORMAT obrazu wiąże się z wewnętrzną strukturą dzieła i często podpowiada właściwą drogę do zrozumienia intencji artysty.
Format poziomy jest bardziej odpowiedni dla epickich kompozycji narracyjnych, do przenoszenia ruchu na płótnie.
Pionowy format zatrzymuje ruch i wprowadza poczucie powagi, pogody ducha i radości.
Plac daje poczucie spokoju i równowagi.
Popularne w okresie renesansu koło (tondo) (uważano, że ma kształt idealnie regularny), sprzyja spokojowi, skupieniu, skupieniu myśli i uczuć.
KOMPOZYCJA (od łacińskiego compositio) oznacza „wiązanie”, „komponowanie”, „łączenie” różnych części w jedną całość zgodnie z jakąś ideą. Kompozycja może być: zamknięta, otwarta, statyczna, dynamiczna, symetryczna, asymetryczna, stabilna, niestabilna.
Światłocień jest jednym z ważnych środków wyrazu w malarstwie, który pomaga ujawnić wolumen obrazu, fakturę i umiejscowienie w przestrzeni.
KOLORYT (od łacińskiego „kolor” – kolor) to harmonijne, skoordynowane połączenie różnych kolorów na obrazie w powiązaniu z zamysłem autora. Kolor może być: ciepły i zimny, jasny i ciemny.
RYTM to naprzemienność dowolnych elementów w określonej kolejności. Uniwersalna właściwość przyrody – rytm – towarzyszy nam przez całe życie (zmiana dnia i nocy, pory roku, puls człowieka, ruch uliczny, obrót zgodny z ruchem wskazówek zegara). W malarstwie rytm wyznaczają linie (postawy, gesty), plamy koloru i światłocień. Rytm może być: jednolity, wyraźny i ułamkowy, złożony i prosty, spokojny i dynamiczny.
FACTURA (od łac. „factura”) – obróbka, charakter powierzchni dzieła sztuki.
Sztukę monumentalną i dekoracyjną wyróżnia różnorodność materiałów i technik. Niektóre z nich, takie jak freski, mozaiki, witraże, enkaustyka, sgraffito, malarstwo witrażowe i tempera, sięgają czasów starożytnych i mają ugruntowane tradycje techniki.
Koncepcja plastyczna w pewnym stopniu zależy od właściwości materiału, nie należy jej narzucać z zewnątrz. Dlatego ważne jest, aby zrozumieć cechy materiału, przestudiować je tak, aby działało dla artysty, a nie przeciwko niemu. Tylko pod tym względem można rozumieć wyrażenie „umiejętność techniczna”, a nie podziw dla mechanicznej poprawności obróbki maszynowej. Przemysłowe metody budownictwa i standardowa architektura tworzą tło, na którym ręcznie robione prace artysty mogą rezonować ze szczególną siłą. Artyzm w pracy z materiałem sprawia, że widz wczuwa się w twórczość mistrza, pozwala poczuć siłę jego oczu, rąk i intelektu.
Elastyczność i gust artysty przejawiają się nie w tym, że się do czegoś dostosowuje, ale w tym, że odkrywa dla materiału nowe życie. Każdy materiał (kamień, szkło, tkanina, drewno, metal) obiektywnie ma kilka cech: kolor, wagę, cechy strukturalne i fakturę powierzchni, przezroczystość i nieprzezroczystość i tak dalej. Pracując z materiałem, nie można wykorzystać tylko jednej z jego właściwości. To nie tylko zuboży go, ale także zniekształci go do tego stopnia, że będzie można go pomylić z czymś innym. Przykładowo, jeśli w mozaice smaltowej uwzględnimy jedynie kolor smalty, to sprowadzimy to do malowania osobnym pociągnięciem. Trzeba poczuć i odkryć całe piękno materiału. Jednak samo wrażenie koloru materiału nie wystarczy, niezwykle ważne są także inne właściwości składające się na jego specyfikę. Dlatego w szkle artystycznym ceni się jego przezroczystość, załamanie światła i charakterystyczny dla niego charakter pęknięcia. Istnieje wyrażenie „wybór palety w materiale”. Czasem powierza się to innym osobom, które choć sumienne i zręczne, wciąż nie są w stanie w pełni zrozumieć intencji autora. W niektórych przypadkach jest to uzasadnione faktem, że objętość pracy jest tak duża, a terminy realizacji tak krótkie, że autor sam nie jest w stanie sobie poradzić z dziełem i zmuszony jest jedynie do poprawiania pracy wykonawców. Niestety jest to częste zjawisko wśród muralistów; czasami nawet szkic jest wykonywany zbiorowo. I jak ważne jest, aby samodzielnie ukończyć pracę od początku do końca za jednym razem!
Malarstwo monumentalne i dekoracyjne w różnych technikach.
Na świeżym powietrzu.
Alfresco to klasyczny sposób malowania ścian. Jest to malowanie na świeżym tynku wapiennym pigmentami odpornymi na działanie zasad, rozpuszczonymi w wodzie. Farbę zabezpiecza szklista skorupa węglanu wapnia, która tworzy się na powierzchni mokrego tynku. Po wyschnięciu farby rozjaśniają się, zbliżając się do koloru suchego pigmentu. Jeśli farby zostaną zmieszane z bielą limonkową, rozjaśnienie zostanie wzmocnione. Oto zewnętrzne różnice między freskami a innymi metodami malowania. Ale teraz niestety niewiele osób pisze metodą na świeżym powietrzu. To najodważniejszy sposób malowania ścian i sufitów, wymagający od artysty największego opanowania, dużej woli twórczej i umiejętności podsumowania wszystkich prac przygotowawczych w ciągu kilku godzin. W technice freskowej niemożliwe są przeróbki, poprawki i błądzenia.
Sgraffito.
Sgraffito (płaskorzeźba z kolorowego i białego tynku) to szczególnie rozpowszechniona metoda malarstwa ściennego; niezwykle proste i niedrogie materiały, daje wspaniały efekt dekoracyjny. Ale nie wszystkie możliwości tego materiału są wykorzystywane przez artystów.
Sgraffito ogólnie oznacza drapanie, zeskrobywanie wierzchniej warstwy kolorowego tynku do warstw leżących poniżej. Naturalnie te warstwy tynku muszą być w stanie świeżym, wilgotnym, aby można je było łatwo usunąć za pomocą metalowych stosów o różnych kształtach. Jeśli jednak weźmiemy pod uwagę, że sgraffito jest metodą malowania murali polegającą na odsłonięciu leżącej pod nią warstwy, wówczas może istnieć metoda nie tylko „mokrego”, ale także „suchego” sgraffito, jeśli rzeźbi się w gazobetonie, tufie, porowatym silikacycie, ceramiki porowatej, na gipsie (z kolorowym wypełnieniem lub zabarwionym w masie) itp. skały miękkie pokryte gesso lub pomalowane na inny kolor. Metodę cięcia na sucho można stosować w przypadkach, gdy konstrukcja nie pozwala na zastosowanie metody „na mokro”, czyli nakładanie warstw kolorowego tynku. Sgraffito nie należy mylić z inkrustacją kolorowych tynków, ponieważ technika ta jest całkowicie niezależna, a malowanie w niej odbywa się w jednej warstwie tynków o różnych kolorach.
Mozaika.
Mozaika to najstarsza metoda malarstwa monumentalnego. Jej pierwszym materiałem były prawdopodobnie porozrzucane kamienie wypolerowane przez morskie fale, minerały o przepięknych odcieniach. Chęć utrwalenia wzorzystych zestawień kamieni występujących w naturze wymusiła poszukiwanie tworzyw sztucznych, które spajają poszczególne kamienie: wapnem, gliną, cementem; Wystarczy złożyć ze sobą kilka kamieni, aby od razu poczuć, że zaczynają oddziaływać na siebie wielkością, kształtem i kolorem. Bardzo często wyuczone na pamięć techniki układania mozaiki uniemożliwiają docenienie tego materiału w jego prawdziwym pięknie. Powszechne wyobrażenie o mozaice jako malowaniu metodą oddzielnych pociągnięć wyraża tylko jedną z jej cech - optyczną. Tymczasem mozaika, oparta tylko na jednej optycznej stronie percepcji, nieuchronnie sprawia wrażenie obrazu namalowanego farbami. Technika mozaikowa brzmi szczególnie fałszywie w malarstwie iluzorycznym i naturalistycznym. W takich przypadkach w malarstwie wykorzystuje się tylko kolorową powierzchnię kamienia, zapomina się o jego trójwymiarowości i grze pochyłych płaszczyzn, przerwach w szwach i wielkości kamienia, samej fakturze i reliefie mozaikowego muru , czyli możliwości, jakie daje ułożenie wielobarwnych kamieni, podczas gdy mozaika traci na znaczeniu. Przestrzenie i szwy pomiędzy kamieniami są nie mniej ważne niż sam kamień. Odnoszą się do kamienia w taki sam sposób, jak przestrzenie i obrazy w ornamencie. W przypadku mozaiki duże znaczenie ma także kolor podkładu, który czasami zmienia się w celu wzmocnienia efektu kolorystycznego. Smalt i kamienie, nawet tej samej wielkości, można rozmieścić w różny sposób, w zależności od celu, jaki chce osiągnąć artysta. Mozaika bez szwu jest niemożliwa, dlatego próby maskowania szwu lub ignorowania go są sprzeczne z naturą malarstwa mozaikowego. Układ fragmentów mozaiki, czyli jak mówią mozaikarze, „grawerunek” mozaiki, budowany jest w określonych rytmach i odpowiada wybranej przez artystę technice. Kawałki smaltu, kamienia, płytek ceramicznych utrzymują się w ziemi dzięki przyleganiu do niej. Im lepiej gleba otacza kawałek mozaiki, tym mocniej się ona trzyma. Kształt mozaiki powinien mieć podstawę wchodzącą w grunt, zbliżoną do kształtu ściętej piramidy, tak aby gleba wystawała poza krawędzie, a po stwardnieniu mocno zaklinowała się i trzymała kawałek smalta swoimi występami. Kamyczki, gładka kostka brukowa i płytki ceramiczne wytrzymują gorzej niż tłuczeń i smalta. Oczywiście na wytrzymałość muru mozaikowego wpływa nie tylko kształt i powierzchnia kamienia czy smalty, ale także skład gleby, jakość cementu, wapna czy kleju i sposób ich zastosowania. Należy także porozmawiać o jakości istniejącego smaltu i możliwościach jego produkcji. Smalt nie jest zwykłym kolorowym szkłem. Zawiera różne dodatki, które znacznie zmieniają jego właściwości fizyczne. W przeciwieństwie do kolorowego szkła, smalta jest mniej przezroczysta. Prawdziwy smalt podczas siekania nie rozbija się na wiele drobnych, ostrych kawałków o nieregularnym kształcie, lecz rozbija się w całej masie na mniej więcej równe kawałki. Kolor prawdziwego smaltu jest złożony i głęboki.
Mozaika florencka.
Najdroższa jest metoda wykonywania mozaik florenckich, polegająca na doborze różnokolorowych płyt z marmuru i innych rodzajów kamienia. Płyty takie po przeszlifowaniu i wypolerowaniu ujawniają naturalne piękno materiału. Tymczasem powstało stosunkowo niewiele współczesnych dzieł, w których piękno tego materiału zostałoby w pełni ujawnione. Jej dekoracyjność często kłóci się z naturalistycznym rozwiązaniem „malarstwa”. W mozaikach polerowanych (florenckich) wykorzystuje się marmury o różnych złożach, kolorach i wzorach, granity, kwarcyty, porfiry i jaspisy. Minerały: jadeit, rodonit, lapis lazuli, szlachetny serpentyn, listvenit, marmury onyksowe, wapienie i tufy. Niezwykłe piękno kamienia naturalnego, ujawniające się podczas cięcia i obróbki skały, obliguje do znalezienia dla niego takiego zastosowania i środków wizualnych, które maksymalnie wydobędą naturalne piękno materiału. Trzeba szukać artystycznego wyrazu, w którym kamień zatrzyma oddech samej natury.
Malowanie farbami wodnymi.
Tempera to starożytna metoda malarstwa sztalugowego i monumentalnego. W malarstwie monumentalnym tempera ma przewagę nad olejem nie tylko ze względu na matową, nieodblaskową powierzchnię, co często jest bardzo istotne przy malowaniu ścian i sufitów, ale także ze względu na większą trwałość. Obrazy olejne w większości przypadków stawały się czarne i popękane, natomiast starożytne dzieła malarstwa temperowego okazywały się trwałe. Nawet ikony pokryte wysychającym olejem, poczerniałe od czasu, zachowały swoje kolory. Jak wiadomo, spoiwem w dowolnej temperze jest emulsja składająca się z kleju i oleju lub lakieru. Jajko to naturalna emulsja stosowana już w starożytności. Malowania na samym kleju nie można nazwać temperą, chociaż z wyglądu jest do niego bardzo podobne. Malowanie klejem przypomina techniki malowania temperą. Jednak malowanie temperą, w odróżnieniu od malowania na kleju, ze względu na obecność oleju w emulsji, po wyschnięciu nie jest zmywane wodą. Właściwości adhezyjne białka i oleju jajecznego, które przeważają w żółtku, po rozcieńczeniu wodą dają emulsję wiążącą proszki malarskie. Inne emulsje do tempery powstają poprzez sztuczne połączenie kleju i oleju lub lakieru. Malarz musi zawsze brać pod uwagę, że tempera po wyschnięciu staje się jaśniejsza. W malarstwie temperowym cenna jest intensywność koloru i mniejsza zmienność barwy pigmentu w porównaniu z malarstwem olejnym, ponieważ obecność dużej ilości oleju lub werniksu niszczy te cechy. Oczywiście ta metoda malowania istnieje tylko na stałych podłożach, a nie na płótnie. Jak wiadomo, ikony rosyjskie często malowano temperą na deskach lipowych, pokrywano rzadkim płótnem i pokrywano gesso. Do wykonywania gesso używano gipsu i miodu, spoiwem był klej skórno-jesiotrowy. Deski lipowe łączono ze sobą drewnianym piórem w kształcie klina, co w pewnym stopniu zabezpieczało przed wypaczeniem. Malowanie temperą, w przeciwieństwie do fresku, pozwala na użycie wszystkich dostępnych pigmentów, pod warunkiem, że są one trwałe. Farba temperowa daje ogromne możliwości kolorystyczne i pozwala na stosowanie różnych technik malarskich: bodypaintingu i laserunków, technik akwareli z wykorzystaniem koloru gesso. Lepiej jest zastosować spoiwo o tym samym składzie w jednym obrazie, aby uniknąć przypadkowego nałożenia „mocniejszych” warstw na luźne, gdyż może to spowodować pęknięcia i łuszczenie się warstwy farby – spękanie.
Artykuł nie ma charakteru wyczerpującego i jest przeznaczony dla wąskiego kręgu osób zainteresowanych i pracujących w tej dziedzinie.
Żyjemy we współczesnym świecie, który wiąże się z rozwojem technologii informatycznych, nauki i technologii. Ale obok skupienia się na wartościach materialnych ludzi i wznoszeniu nowych futurystycznych budynków, pojawiają się także majestatyczne konstrukcje architektoniczne z minionych epok i znaczenie ich zachowania jako pamięci historii naszej cywilizacji. Wcześniej zajmowaliśmy się takimi rodzajami sztuki, jak dekoracja sztukatorska i złocenie. Dziś porozmawiamy o równie ważnym elemencie restauracji – malarstwie monumentalnym.
Malarstwo monumentalne jako forma sztuki.
Malarstwo monumentalne to rodzaj sztuki monumentalnej. Dziś jest nierozerwalnie związana z architekturą. Pojęcie monumentalny pochodzi od łacińskiego słowa „pomnik”, co oznacza „zachowując pamięć”, „przypominający”. Ściany, podłogi, sufity, sklepienia, okna itp. Malowane są malowidłami monumentalnymi. Może to być dominujący element zabytku architektury lub jego dekoracja. O samej monumentalności malarstwa ściennego decyduje jego powiązanie z wyglądem architektonicznym, tworzące jedną koncepcję artystyczną. Jest to jednocześnie najstarszy rodzaj malarstwa. Świadczą o tym malowidła jaskiniowe i malowidła naskalne, które zachowały się na prawie wszystkich kontynentach, a które stworzyli prymitywni ludzie. Ze względu na swoją trwałość i stacjonarność przykłady malarstwa monumentalnego zachowały się z niemal wszystkich kultur, które stworzyły rozwiniętą architekturę, a czasem służą jako jedyny rodzaj zachowanych obrazów z epoki. Zabytki te mają ogromną wartość, a czasami są jedynym źródłem informacji o specyfice kultur różnych epok historycznych.
Historia powstania i rozwoju.
W starożytności nie można było sobie wyobrazić malowania poza ścianami, sufitami i innymi konstrukcjami. Ponieważ artyści i malarze nie znali jeszcze sztuki malowania na płótnie. Poprzez obraz chcieli przekazać swoim współczesnym i rodakom znaczenie mitologicznych opowieści, bohaterskich wydarzeń i legend religijnych.
Epoka starożytnego Egiptu dał nam pierwsze zabytki architektury monumentalnej. Były to piramidy i świątynie, grobowce faraonów, które przetrwały do dziś. Dekorując przestrzeń wewnętrzną piramid, malarstwo monumentalne jest najważniejszym źródłem informacji o kulturze starożytnego Egiptu, państwie i strukturze społecznej, osobliwościach życia i rzemiosła Egipcjan.
Niestety przykłady malarstwa monumentalnego Starożytna Grecja prawie wszyscy zginęli. W większości zachowały się jedynie mozaiki, które pozwalają uzyskać ogólne wyobrażenie o monumentalnym malarstwie Greków. Jednym z najwcześniejszych starożytnych greckich arcydzieł malarstwa monumentalnego jest Pałac w Knossos. Jej fragmenty odkryli archeolodzy na Krecie. Ten starożytny zabytek sztuki jest dowodem na to, jak różnorodne były horyzonty starożytnych Greków.
W dobie europejskiej średniowiecze Malarstwo monumentalne rozpowszechniło się w postaci technologii witrażowej. Również najlepsi mistrzowie renesansu stworzyli wiele fresków o imponującym zakresie i mistrzowskim wykonaniu.
Malarstwo monumentalne osiągnęło ogromny rozwój w takich krajach azjatyckich, jak: Chiny, Indie, Japonia.Światopogląd i religia krajów wschodnich różniły się od europejskich. Znalazło to odzwierciedlenie w malarstwie monumentalnym. Wschodni mistrzowie dekorowali świątynie i budynki mieszkalne wizerunkami natury i fantastycznych krajobrazów.
Współczesne malarstwo monumentalne.
Obecnie monumentalne rodzaje malarstwa są nadal aktywnie wykorzystywane w projektowaniu wnętrz i zewnętrznych budynków. Tak jak poprzednio, współczesne malarstwo monumentalne podtrzymuje tradycję ręcznego malowania ścian, a technologie rozwijają się, udoskonalają i opanowują nowe materiały. Kolejnym trendem jest rozwój technik wykonywania mozaik i witraży.
Jeśli w przeszłości mistrzowie malowali głównie świątynie i pałace, współczesne malarstwo monumentalne zdobi muzea, kompleksy wystawowe, pałace kultury, dworce kolejowe, hotele, prywatne rezydencje, mieszkania i inne budynki i budowle.
Wynika to z faktu, że obecnie malarstwo monumentalne pełni głównie funkcję dekoracyjną, tworzącą ogólną atmosferę w danej strukturze architektonicznej, podczas gdy wcześniej służyło do tworzenia dziedzictwa historycznego.
Tematy malarstwa dobierane są często w oparciu o przeznaczenie pomieszczenia, preferując realizm, który tworzy efekt wolumetryczny we wnętrzu i pozwala nadać odpowiedni nastrój kompleksowi architektonicznemu od wewnątrz.
Malarstwo monumentalne może być umieszczone na ścianach, stropach i sklepieniach, płynnie przechodząc z jednej płaszczyzny na drugą, tworząc jedną fabułę.
W zależności od lokalizacji widza postrzeganie prawdziwego malarstwa monumentalnego może się zmieniać. Ale jego działanie musi zostać utrzymane, a nawet zintensyfikowane. We współczesnym malarstwie monumentalnym aktywnie rozwijają się nowe materiały mozaiki i witraży. W malarstwie fresk, niezwykle pracochłonny i wymagający wirtuozerii technicznej, ustępuje miejsca technice „a secco” (na suchym tynku), która jest stabilniejsza w atmosferze współczesnych miast.
Podstawowe techniki malarstwa monumentalnego.
W zależności od sposobu uzyskania obrazu, w malarstwie monumentalnym można zastosować 5 głównych rodzajów technik: fresk, malarstwo temperowe, mozaika, witraż i secco. Przyjrzyjmy się każdej technice bardziej szczegółowo.
Technika. Fresk
Opis. Technika malarstwa monumentalnego, polegająca na tworzeniu obrazu na mokrym tynku farbami na bazie pigmentu proszkowego rozcieńczonego w wodzie. Na wyschniętym tynku wapno tworzy warstwę wapnia, która chroni wzór i sprawia, że fresk jest trwały.
__________________________________________________________________________________________________
Technika. Malarstwo w tempurze
Opis. Podobnie jak w technice fresku, obraz nakłada się na mokry tynk. Ale w tym przypadku stosuje się farby wykonane z pigmentu roślinnego rozcieńczonego w jajku lub oleju.
Technika. Mozaika
Opis. Obraz jest skomponowany i ułożony z wielobarwnych kawałków smalty (nieprzezroczystego szkła), kamienia, płytek ceramicznych i innych materiałów. Montuje się głównie na płaskiej powierzchni. Był bardzo popularny w czasach sowieckich: za
dekoracja stacji metra, centrum rekreacji
______________________________________________________________________________________________________
Technika. Witraż
Opis. Technika malarstwa monumentalnego przeznaczona do umieszczania na szkle i oknach pomieszczeń. Obraz składa się z kawałków wielobarwnego szkła połączonych lutem ołowiowym. Gotowy rysunek umieszcza się w otworze okiennym. Wcześniej technikę tę stosowano w dekoracji średniowiecznych katedr gotyckich. Obecnie popularne w dekoracji wnętrz
________________________________________________________________________________________________________
Technika. Sekunda
Opis. Malarstwo ścienne, wykonane w odróżnieniu od fresków, na twardym, wyschniętym tynku, ponownie zwilżonym. Farby do tej techniki mielone są na kleju roślinnym i jajku. Główną przewagą nad freskiem jest tempo, które pozwala na pomalowanie większej powierzchni w ciągu jednego dnia roboczego niż w przypadku fresku. Ale jednocześnie ta technika nie jest tak trwała.
_____________________________________________________________________________________________________
Epilog
Malarstwo monumentalne przeszło długą drogę w swoim rozwoju, rozwijając się i doskonaląc wraz z ludzkością na przestrzeni kilku tysięcy lat. Sztuka ta będzie żyła tak długo, jak długo ludzie zachowają poczucie piękna i potrzebę ozdabiania wszystkiego, z czym spotykamy się w ciągu naszego życia. Malarstwo monumentalne jest niewątpliwie bardzo ważną wartością historyczną. Dzięki jego trwałości różne pokolenia ludzi i narodów mogą dowiedzieć się wiele o życiu swoich przodków, historii zaginionych cywilizacji, kulturze religijnej i wielu innych faktach historycznych. Dlatego ważne jest, aby chronić obiekty tej sztuki i stale je odnawiać. Firma Meander posiada wykwalifikowanych specjalistów i artystów zajmujących się restauracją malarstwa monumentalnego. Jesteśmy w stanie wykonać prace o dowolnej złożoności, łącznie z malowaniem.
Renowacja malarstwa. Wielki Kościół Pałacu Zimowego i Złoty Salon. Pałac Aniczkowa. Wykonane przez firmę Meander
Wstęp.
Malarstwo ikon monumentalnych to malowanie obiektów architektonicznych i innych stałych fundamentów.
Podstawowe techniki:
· Al Secco
· Mozaika
Malarstwo monumentalne to najstarszy rodzaj malarstwa, znany z paleolitu (malowidła w jaskiniach Altamira, Lascaux itp.). Dzięki stacjonarności i trwałości dzieł malarstwa monumentalnego zachowały się liczne jego przykłady z niemal wszystkich kultur, które stworzyły rozwiniętą architekturę, a czasem służą jako jedyny rodzaj zachowanych obrazów epoki.
Od wczesnej starożytności po późny renesans malarstwo monumentalne, obok rzeźby monumentalnej, jest jedną z głównych metod zdobienia konstrukcji kamiennych, ceglanych i betonowych. Szeroko stosowany w kompleksach świątynnych i pogrzebowych starożytnego Egiptu, w architekturze cywilizacji kreteńsko-mykeńskiej. Starożytne greckie malarstwo monumentalne, które praktycznie do nas nie dotarło (z wyjątkiem mozaik), w tym malarstwo marmurowe i rzeźby chryzoelefantynowe (kość słoniowa ze złotymi wykończeniami), w dużej mierze zdeterminowało charakter postrzegania dzieł rzeźby i architektury klasycznej i hellenistycznej . W starożytnym Rzymie, zwłaszcza po starożytnej rewolucji architektonicznej, był niezwykle rozpowszechniony, m.in. w projektowaniu domów prywatnych (cztery style starożytnego malarstwa rzymskiego). Decydujący wpływ na rozwój starożytnej rosyjskiej sztuki monumentalnej miały mozaiki i freski, szeroko stosowane w architekturze świątynnej Bizancjum. W sztuce europejskiego średniowiecza na szczególną uwagę zasługuje bezprecedensowy rozwój technologii witrażowej. Czołowi mistrzowie renesansu stworzyli wiele fresków o imponującym rozmachu i mistrzowskim wykonaniu.
1. Fresk
Fresk to technika malowania na świeżym tynku. Uwielbia duże samoloty, pomniki, wysublimowany rytm i jednocześnie uogólniony, uproszczony język. Główną trudnością w malowaniu fresków jest potrzeba szybkiej pracy, pewnej ręki i całkowicie jasnego wyobrażenia o całej kompozycji i każdej jej części: należy to zrobić przed wyschnięciem tynku, czyli tego samego dnia . Dlatego prace są prowadzone w częściach. Stąd prostota języka figuratywnego fresków, ogólność kompozycji i klarowność konturów.
Technika freskowa znana jest od starożytności. Jednak, jak pokazują próbki Pompejusza i Rzymu, starożytne i późne freski różniły się pewnymi technikami:
A). W renesansie używano tylko dwóch warstw wapna, w starożytności – dużo.
B). Powierzchnia antycznego fresku była błyszcząca – została pokryta gorącym woskiem (tzw. enkaustyka).
Pod koniec XIV w. pojawiła się technika fresków mieszanych, zwana „freskiem Buona”, czyli „dobrym freskiem”. Pracował w tej technice Giotto i jego szkoła. Technika polega na tym, że najpierw nałożono pierwszą warstwę piasku, wapna i wody, po wyschnięciu tej warstwy obrysowano na niej kwadratową siatkę i główne elementy kompozycji obrzucono węglem drzewnym. Pokonawszy tradycję bizantyjskiego malowania ikon, Giotto stał się prawdziwym założycielem włoskiej szkoły malarstwa i wypracował zupełnie nowe podejście do przedstawiania przestrzeni. Na jego freskach występuje światłocień, co całkowicie oddziela Giotta od tradycji bizantyjskiej. Około 1400 roku ostatecznie udoskonalono technikę fresków: zamiast kwadratowej siatki zastosowano tekturę (duży, szczegółowy rysunek naturalnej wielkości), przez którą przebijano kontury obrazu.
Przykłady.
1. „Fresk z torreadorem”, sztuka kreteńsko-mykeńska, 1500 rok. BC, Pałac w Knossos, Kreta.
Największe i najbardziej dynamiczne minojskie malowidło ścienne odkryte do tej pory. Nie jest to jednak walka byków, jak sama nazwa wskazuje, ale rytualna zabawa, podczas której uczestnicy wskakują na grzbiet zwierzęcia. Dwie szczupłe sportsmenki przedstawione na fresku to dziewczyny: podobnie jak na freskach egipskich wyróżniają się przede wszystkim jaśniejszym odcieniem skóry. W tamtych czasach sklepienie świętego zwierzęcia, byka, było swoistym rytuałem i najprawdopodobniej fresk przedstawia tę samą osobę w trzech kolejnych fazach tej samej akcji. Ruchy sportowców, ich płynna lekkość i swoboda najwyraźniej znaczyły dla artysty więcej niż rzeczywista dokładność obrazu czy wewnętrzny dramat tego, co się działo. Idealizuje rytuał, podkreślając jego plastyczną, zabawną stronę.
2. Giotto. „Spotkanie Joachima i Anny przy Złotej Bramie”, Cappella del Arena w Padwie, 1304/06
Obraz znajduje się w prawej górnej kondygnacji kaplicy poświęconej życiu Joachima, ojca Marii Panny. Giotto jest odważny w swoich obrazach, sprawiają one wrażenie natychmiastowej fotografii, bezpośredniości wizualnego wydarzenia. Według legendy starsze małżeństwo Anna i Joachim, po tym jak anioł z osobna oznajmił każdemu z nich, że będą mieli dziecko, pospieszyli na spotkanie. Anna w towarzystwie kilku kobiet udaje się na spotkanie wracającego z pola męża i spotykają się przed Złotą Bramą Jerozolimy. Głęboko poruszeni, serdecznie się obejmują. Na zdjęciu fuzję ich postaci podkreśla jedność wysokiej, poskręcanej wieży w tle. Linię obu łączących się profili zdaje się kontynuować, podkreślając, skierowana ku górze pion prawego narożnika wieży. Tak jak przez wąskie luki w gołych ścianach wież nie da się dostrzec życia miasta, tak z twarzy głównych bohaterów sceny nie da się odgadnąć, co dzieje się w duszach szczęśliwych małżonkowie. Ich uczucia odbijają się raczej na twarzach kobiet stojących pod łukiem bram miejskich oraz na zaciekawionej twarzy pasterza w lewym rogu obrazu.
Kompozycyjną jedność sceny podkreśla wewnętrzne napięcie oraz sugestywna siła spojrzeń i gestów. Elementy architektury – szeroki łuk bramny i przekrzywiona wieża – dzielą bohaterów na odrębne grupy, ale jednocześnie je jednoczą. Głębię pierwszego planu przekazuje kamienny most przerzucony nad fosą miejską. Prawdziwość przestrzeni za bramą osiąga się poprzez obszerną konstrukcję tarasu na dwóch filarach, co jednocześnie podkreśla trzy postacie kobiece pod łukiem.
3. Sufit Kaplicy Sykstyńskiej, Michał Anioł, 1502/18, Watykan.
*zabrane od Varyushy, ponieważ zresztą nikt nie napisze o tym lepiej niż ona ^_^*
W twórczości Michała Anioła zaznaczył się upadek stylu renesansowego i wyłoniły się kiełki nowego światopoglądu artystycznego. Michał Anioł Buonarroti(1475-1564). Jego geniusz objawił się w architekturze, malarstwie, poezji, ale najwyraźniej w rzeźbie. Postrzegał świat plastycznie, we wszystkich dziedzinach sztuki był przede wszystkim rzeźbiarzem. Najbardziej godnym obiektem przedstawienia wydaje mu się ciało ludzkie. Ale to jest człowiek wyjątkowej, potężnej i bohaterskiej rasy. Sztuka Michała Anioła poświęcona jest gloryfikacji ludzkiego wojownika, jego bohaterskich działań i cierpienia. Jego sztukę cechuje gigantomania, tytaniczny początek. Najbardziej ambitnym z jego dzieł było malowanie sklepienia Kaplica Sykstyńska (1508-1512). Michał Anioł dokonał prawdziwie gigantycznego dzieła – w ciągu czterech lat sam namalował powierzchnię około 600 metrów kwadratowych. metrów. Imponujący obraz poświęcony jest scenom z historii świętej, począwszy od stworzenia świata. Michał Anioł namalował na suficie około 200 postaci i kompozycji figuralnych. Obraz stał się niewyczerpaną encyklopedią różnych póz i kątów dla przyszłych pokoleń rzeźbiarzy. Potężni olbrzymy, starcy, kobiety i dzieci namalowane przez Michała Anioła są wolumetrycznie plastyczne, niczym rzeźbione posągi. Silny ruch ciała ludzkiego w silnych zakrętach. Żaden palec ani staw nie pozostaje niezgięty lub nieruchomy. Znika wszelkie wyobrażenie, że zdjęcie przedstawia samolot. Postacie poruszają się swobodnie w przestrzeni. Freski Michała Anioła przebijają płaszczyznę ściany. Ta iluzja przestrzeni i ruchu była ogromnym osiągnięciem sztuki europejskiej. Odkrycie Michała Anioła, że dekoracja może wypychać do przodu lub do tyłu ściany i sufity, później wykorzystuje sztukę dekoracyjną baroku.
4. Al Seco
W średniowieczu zapomniano o tradycjach freskowych, ale stopniowo zaczęto opracowywać nową technikę. Aż do XIV wieku Szczególną popularnością cieszyła się technika „al secco”, czyli malowanie na suchym tynku. Ale przy stosowaniu tej techniki farby nie wnikają głęboko w tynk, a zatem trwają znacznie krócej.
Przykłady.
4. Ostatnia Wieczerza, Leonardo da Vinci, Santa Maria delle Grazie, 1495/98
Fresk znajduje się w refektarzu klasztoru i przedstawia scenę ostatniej wieczerzy Chrystusa z uczniami. Aby obraz był trwalszy, Leonardo zdecydował się pokryć kamienną ścianę warstwą żywicy, tynku i mastyksu, a następnie zamalować tę warstwę temperą. Wskutek wybranej metody malowidło zaczęło niszczeć już kilka lat po zakończeniu prac.
5. Mozaika
Szybki rozwój architektury chrześcijańskiej powinien nieuchronnie wpłynąć na malarstwo wczesnochrześcijańskie i doprowadzić do zmian na wielką skalę o prawdziwie rewolucyjnym charakterze. Nagle pojawiła się potrzeba pokrycia ogromnych powierzchni ścian wizerunkami godnymi monumentalnej oprawy. Konieczne stało się dopasowanie wyglądu wewnętrznego do otoczenia architektonicznego. Podczas tego procesu powstał nowy, niezwykły rodzaj sztuki pięknej - wczesnochrześcijańskie mozaiki ścienne, które w dużej mierze wyparły dotychczasowe metody wykonywania malowideł ściennych. Mozaika wykonana jest z kawałków sześciennego, malowanego szkła (1m 3) - smalty, co pozwala uzyskać jasne i zróżnicowane kolory. Przezroczysta jasność i ścisły porządek geometryczny obrazu wykonanego w smalcie sprawiły, że mozaika była niezwykle odpowiednią techniką dekoracji świątyń. To jednocześnie chór dysharmonijny, ale niezwykle wyrafinowany, dążący do jedności, współbrzmienia formy i jej wewnętrznej wyrazistości. Mozaika zaprzecza, że powierzchnia jest solidna i płaska, dematerializuje ją i niezwykle wizualizuje.
Przykłady.
5. System mozaikowy katedry Hagia Sophia w Kijowie
· Kopuła Zenitu, Chrystus Pantokrator.
· Sklepienia kopułowe, 4 archaniołów: Michał, Gabriel, Rafael, Uriel.
· Bęben przecina 12 okien, pomiędzy nimi znajduje się wizerunek 12 apostołów.
· Żagle, 4 apostołów: Marek, Mateusz, Łukasz, Jan
· Łuki popręgowe: 40 męczenników Sebasty (10 na każdy łuk)
· Zachodnia powierzchnia filarów wschodnich: Zwiastowanie (po lewej – Arch. Gabriel, po prawej – Matka Boska)
· Koncha absydy, Matka Boża Oranta, gospodyni lub jak ją nazywają „Ściana Niezniszczalna”.
· Środkowa kondygnacja absydy: Eucharystia (komunia apostołów chlebem i winem)
· Niższy poziom: Święta ranga (12 figurek)
