Co jest typowe dla jazzu? Zobacz, co „Jazz” znajduje się w innych słownikach. Charakterystyka muzyki jazzowej

16.07.2019

JAZZ. Słowo jazz, które pojawiło się na początku XX wieku, zaczęło oznaczać rodzaj nowego,

muzykę, która zabrzmiała wówczas po raz pierwszy, oraz orkiestrę, która tę muzykę grała

wykonane. Co to za muzyka i jak powstała?

Jazz narodził się w USA wśród uciskanej, pozbawionej praw wyborczych czarnej ludności,

wśród potomków czarnych niewolników, których kiedyś siłą zabrano z ojczyzny.

Na początku XVII wieku do Ameryki przybyły pierwsze statki niewolnicze z żywymi zwierzętami.

ładunek. Szybko zostało to przechwycone przez bogatych z amerykańskiego Południa, którzy zostali

wykorzystują niewolniczą siłę roboczą do ciężkiej pracy na swoich plantacjach. Oderwana

z ojczyzny, oddzieleni od bliskich, wyczerpani przepracowaniem,

czarni niewolnicy znajdowali ukojenie w muzyce.

Czarni są niesamowicie muzykalni. Ich poczucie rytmu jest szczególnie subtelne i wyrafinowane.

W rzadkich godzinach odpoczynku Murzyni śpiewali, klaszcząc w dłonie,

uderzanie w puste pudełka, puszki - wszystko, co było pod ręką.

Na początku była to prawdziwa muzyka afrykańska. Ten, którego niewolnicy

przywiezionych z ojczyzny. Ale mijały lata i dekady. W pamięci pokoleń

Wspomnienia o muzyce kraju naszych przodków zostały wymazane. Wszystko, co pozostało, było spontaniczne

pragnienie muzyki, pragnienie ruchu przy muzyce, poczucie rytmu, temperament. NA

ucho odbierało to, co brzmiało wokół - muzykę białych. I śpiewali

głównie chrześcijańskie pieśni religijne. I czarni też zaczęli je śpiewać. Ale

śpiewaj na swój sposób, inwestując w nie cały swój ból, całą swoją żarliwą nadzieję

lepsze życie, przynajmniej po śmierci. Tak powstały murzyńskie pieśni duchowe

duchowe.

A pod koniec XIX wieku pojawiły się inne pieśni - pieśni skargi, pieśni

protest. Zaczęto ich nazywać bluesem. Blues mówi o potrzebie, o trudnościach

pracy, o zawiedzionych nadziejach. Zwykle towarzyszyli śpiewacy bluesowi

się na jakimś domowym instrumencie. Na przykład dostosowali się

szyjka i sznurki do starego pudełka. Dopiero później mogli kupić dla siebie

prawdziwe gitary.

Czarni uwielbiali grać w orkiestrach, ale nawet tutaj instrumenty musiały być

wymyśl siebie. Prace polegały na grzebieniach owiniętych w bibułkę, żyłkach,

naciągnięty na patyku, do którego zamiast ciała przywiązano suszoną dynię,

tarki.

Po zakończeniu wojny domowej w latach 1861-1865 Stany Zjednoczone zostały rozwiązane

orkiestry dęte jednostek wojskowych. Instrumenty, które po nich pozostały, trafiły do

sklepy ze śmieciami, gdzie można je było sprzedać za grosze. Stamtąd w końcu czarni

udało nam się zdobyć prawdziwe instrumenty muzyczne. zaczęły pojawiać się wszędzie

czarne orkiestry dęte. Górnicy, murarze, stolarze, handlarze

w wolnym czasie gromadzili się i bawili dla własnej przyjemności. Graliśmy

na każdą okazję: święta, wesela, pikniki, pogrzeby.

Czarni muzycy grali marsze i tańce. Grali, naśladując ten sposób

występy Spirits i Blues – ich narodowa muzyka wokalna. NA

za pomocą trąbek, klarnetów i puzonów odtwarzali te cechy

Śpiew murzyński, jego rytmiczna swoboda. Nie znali nut; musical

białe szkoły były dla nich zamknięte. Gra się ze słuchu, ucząc się od doświadczonych

muzyków, słuchając ich rad, przejmując się ich technikami. To samo dla

skomponowany na podstawie plotek.

W wyniku przeniesienia murzyńskiej muzyki wokalnej i rytmu murzyńskiego

W sferze instrumentalnej narodziła się nowa muzyka orkiestrowa – jazz.

Głównymi cechami jazzu są improwizacja i swoboda rytmu,

melodia swobodnego oddychania. Muzycy jazzowi muszą umieć improwizować

w formie zbiorowej lub solo na tle wyćwiczonego akompaniamentu. Co

dotyczy rytmu jazzowego (oznacza go słowo swing z języka angielskiego swing

Swinging), wówczas jeden z amerykańskich muzyków jazzowych pisał o tym tak:

„To uczucie natchnionego rytmu, które towarzyszy muzykom

łatwość i swoboda improwizacji oraz sprawia wrażenie ruchu niepowstrzymanego

chociaż cała orkiestra posuwała się do przodu z coraz większą szybkością

w rzeczywistości tempo pozostaje takie samo.”

Od swoich początków w południowoamerykańskim mieście Nowy Orlean, jazz

Przebyłem długą drogę. Najpierw rozprzestrzenił się do Ameryki, a potem

na całym świecie. To przestało być sztuką czarnych: bardzo szybko doszli do jazzu

biali muzycy. Nazwiska wybitnych mistrzów jazzu są znane każdemu. To jest Louis

Armstronga, Duke’a Ellingtona, Beni Goodmana i Glena Millera. To jest piosenkarka Ella

Fitzgeralda i Bessie Smith.

Muzyka jazzowa miała wpływ na muzykę symfoniczną i operową. Kompozytor amerykański

George Gershwin napisał „Błękitną rapsodię” na fortepian

orkiestrę, wykorzystał elementy jazzu w swojej operze Porgy and Bess.

W naszym kraju też jest jazz. Pierwsze z nich powstały jeszcze w latach dwudziestych. Ten

działała teatralna orkiestra jazzowa pod dyrekcją Leonida Utesowa. NA

Przez wiele lat kompozytor Dunajewski związał z nim swój twórczy los.

Pewnie też słyszeliście tę orkiestrę: brzmi wesoło, aż do teraz

od udanego filmu „Jolly Fellows”.

W przeciwieństwie do orkiestry symfonicznej jazz nie ma stałego składu. Jazz

Jest to zawsze zespół solistów. A choćby przypadkiem kompozycje dwóch jazzmanów

kolektywy będą się zbiegać, w końcu nie mogą być całkowicie identyczne: w końcu w

W jednym przypadku najlepszym solistą będzie na przykład trębacz, a w innym już tak

jakiś inny muzyk.

Wiadomość „Jazz” w krótkim czasie pomoże Ci przygotować się do zajęć muzycznych i pogłębić wiedzę w tym zakresie. Również raport na temat jazzu powie Ci wiele szczegółowych informacji na temat tej formy sztuki muzycznej.

Wiadomość o jazzie

Co to jest jazz?

Jazz jest formą sztuki muzycznej. Kolebką jazzu są Stany Zjednoczone, gdzie powstał on w XX wieku w procesie syntezy kultur europejskich i afrykańskich. Następnie sztuka ta rozprzestrzeniła się na całą planetę.

Jazz to żywa, niesamowita muzyka, która wchłonęła rytmicznego geniusza afrykańskiego oraz skarby wielu lat grania pieśni ceremonialnych i rytualnych oraz bębnów. Jego historia jest dynamiczna, niezwykła i pełna wspaniałych wydarzeń, które wpłynęły na proces muzycznego świata.

Jazz do Nowego Świata przywieźli niewolnicy – ludy kontynentu afrykańskiego. Często należeli do różnych rodzin i aby lepiej się zrozumieć, stworzyli nowy kierunek muzyczny z motywami bluesowymi. Uważa się, że jazz powstał w Nowym Orleanie. Pierwsza płyta gramofonowa została nagrana 26 lutego 1917 roku w Victor Studios w Nowym Jorku. Jego marsz dookoła świata rozpoczął się od składu Original Dixieland Jazz Band.

Cechy jazzu

Główne cechy tego kierunku muzycznego to:

Rytm jest regularną pulsacją.
Polirytm oparty na rytmach synkopowanych.
Improwizacja.
Zakres barwy.
Kolorowa harmonia.
Swing to zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej.

Kilku wykonawców może improwizować jednocześnie. Członkowie zespołu współdziałają ze sobą artystycznie i „komunikują się” z publicznością.

Style jazzowe

Różnorodność stylistyczna jazzu od chwili jego powstania jest niesamowita. Wymieńmy tylko najpopularniejsze rodzaje jazzu:

Awangarda. Powstał w 1960 roku. Charakteryzuje się harmonią, rytmem, metrum, tradycyjnymi strukturami i muzyką programową. Przedstawiciele: Sun Ra, Alice Coltrane, Archie Shepp.
Kwaśny jazz. To funkowy styl muzyczny. Nie skupiamy się na słowach, ale na muzyce. Przedstawiciele: James Taylor Quartet, De-Phazz, Jamiroquai, Galliano, Don Cherry.
Wielki Zakręt. Powstał w latach dwudziestych XX wieku. W jego skład wchodzą następujące zespoły orkiestrowe – saksofony – klarnety, instrumenty dęte blaszane, sekcja rytmiczna. Przedstawiciele: The Original Dixieland Jazz Band, Glenn Miller Orchestra, King Oliver's Creole Jazz Band, Benny Goodman And His Orchestra.
Bop. Powstał w latach 40. XX wieku. Charakteryzuje się złożonymi improwizacjami i szybkim tempem, które opierają się nie na zmianie melodii, ale na zmianie harmonii. Wykonawcy jazzowego bebopu - perkusista Max Roach, trębacz Dizzy Gillespie, Charlie Parker, pianiści Thelonious Monk i Bud Powell.
Boogie Woogie. To instrumentalne solo łączące w sobie elementy jazzu i bluesa. Powstał w latach dwudziestych XX wieku. Przedstawiciele: Alex Moore, Piano Red i David Alexander, Jimmy Yancey, Cripple Clarence Lofton, Pine Top Smith.
Bossa Nowa. To wyjątkowa synteza rytmów brazylijskiej samby i jazzowej improwizacji w chłodnym stylu. Przedstawiciele: Antonio Carlos Jobim, Stan Goetz i Charlie Bird.
Klasyczny jazz. Opracowany pod koniec XIX wieku. Przedstawiciele: Chris Barber, Aker Bilk, Kenny Ball, The Beatles.
Huśtać się. Kształtował się na przełomie lat 20. i 30. XX wieku. Charakteryzuje się połączeniem form europejskich i murzyńskich. Przedstawiciele: Ike Quebec, Oscar Peterson, Mills Brothers, Paulinho Da Costa, Wynton Marsalis Septet, Stephane Grappelli.
Główny nurt. To dość nowy rodzaj jazzu, który charakteryzował się pewną interpretacją dzieł muzycznych. Przedstawiciele - do Bena Webstera, Lestera Younga, Roya Eldridge'a, Colemana Hawkinsa, Johnny'ego Hodgesa, Bucka Claytona.
Jazz północno-wschodni. Powstała na początku XX wieku w Nowym Orleanie. Muzyka jest gorąca i szybka. Przedstawicielami północno-wschodniego jazzu są Art Hodes, perkusista Barrett Deems i klarnecista Benny Goodman.
W stylu Kansas City. Nowomodny styl powstał pod koniec lat dwudziestych XX wieku w Kansas City. Charakteryzuje się przenikaniem utworów o zabarwieniu bluesowym do muzyki jazzowej na żywo i energicznych solówek. Przedstawiciele: Count Basie, Benny Mouthen, Charlie Parker, Jimmy Rushing.
Jazz z Zachodniego Wybrzeża. Powstał w latach 50-tych XX wieku w Los Angeles. Przedstawicielami są Shorty Rogers, saksofoniści Bud Schenk i Art Pepper, klarnecista Jimmy Giuffre i perkusista Shelley Mann.
Fajny. Zaczął się rozwijać w latach 40. XX wieku. To mniej szalony, gładki styl jazzu. Charakteryzuje się oddzielnym, płaskim i jednorodnym dźwiękiem. Przedstawiciele: Chet Baker, George Shearing, Dave Brubeck, John Lewis, Leni Tristano, Lee Konitz, Ted Dameron, Zoot Sims, Gerry Mulligan.
Progresywny jazz. Charakteryzowała się odważną harmonią, częstymi sekundami i blokami, politonalnością, rytmiczną pulsacją i barwnością.

Dziś jazz

Nowoczesny jazz wchłonął tradycje i dźwięki całej planety. Nastąpiło przemyślenie kultury afrykańskiej, która była jej źródłem. Do przedstawicieli współczesnego jazzu zaliczają się: Ken Vandermark, Mats Gustafsson, Evan Parker i Peter Brotzmann, Wynton Marsalis, Joshua Redman i David Sanchez, Jeff Watts i Billy Stewart.

Wstęp

Pewnego razu w wywiadzie redaktor naczelny najsłynniejszego amerykańskiego magazynu jazzowego „Down Beat”, rozprowadzanego w 124 krajach, został zapytany przez reportera: „Co to jest jazz?” „Nigdy nie widzieliście człowieka tak szybko wplątanego w czyn tak prostym pytaniem!” – stwierdził później redaktor. Natomiast inna postać jazzowa mogłaby odpowiedzieć na to samo pytanie, rozmawiając z Państwem o tej muzyce przez dwie lub więcej godzin, nie wyjaśniając niczego konkretnego, bo w rzeczywistości nadal nie ma czegoś dokładnego, zwięzłego i jednocześnie. o pełną i obiektywną definicję słowa i samego pojęcia „jazz”.
Istnieje jednak ogromna różnica pomiędzy muzyką Kinga Olivera i Milesa Davisa, Benny’ego Goodmana i Modern Jazz Quartet, Stana Kentona i Johna Coltrane’a, Charliego Parkera i Dave’a Brubecka. Wiele elementów składowych oraz stały rozwój jazzu na przestrzeni 100 lat sprawiły, że nawet wczorajszy zestaw jego dokładnych cech nie może być dzisiaj w pełni zastosowany, a jutrzejsze sformułowania mogą być diametralnie przeciwstawne (przykładowo dla Dixielandu i bebopu swing big zespół i combo jazz-rock).
Trudności w zdefiniowaniu jazzu wynikają także z... Rzecz w tym, że oni zawsze starają się rozwiązać ten problem od razu, a o jazzie dużo mówią, z miernym skutkiem. Oczywiście można to rozwiązać pośrednio, określając wszystkie cechy otaczające ten muzyczny świat w społeczeństwie, wtedy łatwiej będzie zrozumieć, co jest w centrum. Co więcej, pytanie „Co to jest jazz?” zostaje zastąpione przez „Co masz na myśli mówiąc jazz?” I tutaj odkrywamy, że to słowo ma bardzo różne znaczenia dla różnych ludzi. Każda osoba wypełnia ten leksykalny neologizm pewnym znaczeniem według własnego uznania.
Istnieją dwie kategorie ludzi używających tego słowa. Niektórzy kochają jazz, inni się nim nie interesują. Większość miłośników jazzu posługuje się tym słowem bardzo szeroko, jednak żaden z nich nie jest w stanie określić, gdzie zaczyna się, a gdzie kończy jazz, gdyż każdy ma na ten temat swoje zdanie. Potrafią znaleźć ze sobą wspólny język, jednak każdy jest przekonany, że ma rację i wie, czym jest jazz, nie wdając się w szczegóły. Nawet sami profesjonalni muzycy, którzy żyją jazzem i regularnie go wykonują, podają bardzo różne i niejasne definicje tej muzyki.
Nieskończona różnorodność interpretacji nie daje szans na wyciągnięcie jednego i niepodważalnego wniosku na temat tego, czym jest jazz z czysto muzycznego punktu widzenia. Możliwe jest tu jednak odmienne podejście, które w drugiej połowie lat 50. zaproponował światowej sławy muzykolog, prezes i dyrektor nowojorskiego Instytutu Badań nad Jazzem Marshall Stearns (1908-1966), cieszący się niezmiennie bezgranicznym szacunkiem w środowiska jazzowe wszystkich krajów Starego i Nowego Świata. W swoim znakomitym podręczniku Historia jazzu, wydanym po raz pierwszy w 1956 roku, zdefiniował tę muzykę z czysto historycznego punktu widzenia.
Stearns napisał: „Przede wszystkim, gdziekolwiek słyszy się jazz, zawsze łatwiej go rozpoznać, niż opisać słowami. Jednak w pierwszym przybliżeniu możemy zdefiniować jazz jako muzykę na wpół improwizowaną, która powstała w wyniku 300 lat mieszania na ziemi północnoamerykańskiej dwóch wielkich tradycji muzycznych – zachodnioeuropejskiej i zachodnioafrykańskiej – czyli faktycznego połączenia kultury białej i czarnej… I chociaż muzycznie tradycja europejska odegrała tu dominującą rolę, to te walory rytmiczne, które uczyniły jazz, tak charakterystyczna, niezwykła i łatwo rozpoznawalna muzyka niewątpliwie prowadzi „jej korzenie sięgają Afryki. Dlatego też głównymi składnikami tej muzyki są europejska harmonia, euroafrykańska melodia i afrykański rytm”.
Ale dlaczego jazz narodził się w Ameryce Północnej, a nie w Ameryce Południowej czy Środkowej, gdzie też było wystarczająco dużo białych i czarnych? W końcu, gdy mówią o kolebce jazzu, Ameryka jest zawsze nazywana jego kolebką, ale zwykle mają na myśli współczesne terytorium Stanów Zjednoczonych. Faktem jest, że o ile północna połowa kontynentu amerykańskiego była historycznie zamieszkana głównie przez protestantów (Brytyjczyków i Francuzów), wśród których było wielu misjonarzy religijnych starających się nawrócić Czarnych na wiarę chrześcijańską, to w południowej i środkowej części na tym ogromnym kontynencie dominowali katolicy (Hiszpanie) i Portugalczycy), którzy patrzyli na czarnych niewolników po prostu jak na zwierzęta pociągowe, nie dbając o zbawienie ich dusz. Nie mogło zatem dojść do znaczącego i wystarczająco głębokiego przenikania się ras i kultur, co z kolei miało bezpośredni wpływ na stopień zachowania rodzimej muzyki afrykańskich niewolników, głównie w obszarze ich rytmu. Do dziś w krajach Ameryki Południowej i Środkowej istnieją kulty pogańskie, tajne rytuały i szalejące karnawały odbywają się w towarzystwie rytmów afro-kubańskich (lub latynoamerykańskich). Nic dziwnego, że właśnie pod tym względem rytmicznym południowa część Nowego Świata już w naszych czasach wywierała zauważalny wpływ na całą światową muzykę popularną, podczas gdy Północ wniosła do skarbnicy współczesnej sztuki muzycznej coś innego, bo na przykład duchy i blues.
W konsekwencji, kontynuuje Stearns, w aspekcie historycznym jazz jest syntezą uzyskaną w oryginale z 6 podstawowych źródeł. Obejmują one:
1. Rytmy Afryki Zachodniej;
2. Pieśni robocze (pieśni robocze, wrzaski terenowe);
3. Murzyńskie pieśni religijne (duchowe);
4. Pieśni murzyńskie świeckie (blues);
5. Amerykańska muzyka ludowa minionych wieków;
6. Muzyka minstreli i ulicznych orkiestr dętych.

Początki

Pierwsze forty białych ludzi w Zatoce Gwinejskiej na wybrzeżu Afryki Zachodniej powstały już w 1482 roku. Dokładnie 10 lat później miało miejsce znaczące wydarzenie - odkrycie Ameryki przez Kolumba. W 1620 roku na współczesnym terytorium Stanów Zjednoczonych pojawili się pierwsi czarni niewolnicy, których wygodnie przewożono statkiem przez Ocean Atlantycki z Afryki Zachodniej. W ciągu następnych stu lat ich liczba wzrosła tam do stu tysięcy, a do 1790 r. liczba ta wzrosła 10-krotnie.
Jeśli mówimy o „rytnie afrykańskim”, to musimy oczywiście pamiętać, że czarni z Afryki Zachodniej nigdy nie grali „jazzu” jako takiego - mówimy po prostu o rytmie jako integralnej części ich istnienia w ich ojczyźnie, gdzie był reprezentowany przez rytualny „chór perkusyjny” z jego złożonymi polirytmami i nie tylko. Ale niewolnicy nie mogli zabrać ze sobą do Nowego Świata żadnych instrumentów muzycznych, a początkowo w Ameryce zakazano im nawet robienia domowych bębnów, których przykłady można było oglądać dopiero znacznie później w muzeach etnograficznych. Poza tym nikt bez względu na kolor skóry nie rodzi się z gotowym wyczuciem rytmu, chodzi o tradycje, tj. dlatego w ciągłości pokoleń i środowiska murzyńskie zwyczaje i rytuały zostały zachowane i przekazywane w całych Stanach Zjednoczonych wyłącznie ustnie i z pamięci z pokolenia na pokolenie Czarnych Afroamerykanów. Jak powiedział Dizzy Gillespie: „Nie sądzę, że Bóg może dać komukolwiek więcej niż innym, jeśli znajdzie się w tym samym środowisku. Możesz wziąć dowolną osobę i jeśli umieścisz ją w tym samym środowisku, to jej droga życiowa na pewno się zmieni. być podobne do naszych.”
Jazz powstał w Stanach Zjednoczonych w wyniku syntezy wielu elementów przesiedlonych kultur muzycznych narodów Europy z jednej strony i afrykańskiego folkloru z drugiej. Kultury te miały zasadniczo różne cechy. Muzyka afrykańska ma charakter improwizacyjny, charakteryzuje się zbiorową formą muzykowania z silnie wyrażoną polirytmią, polimetrią i liniowością. Najważniejszą funkcją jest w nim początek rytmiczny, polifonia rytmiczna, z której powstaje efekt rytmu krzyżowego. Zasada melodyczna, a tym bardziej harmoniczna, jest w muzyce afrykańskiej rozwinięta w znacznie mniejszym stopniu niż w muzyce europejskiej. Muzyka dla Afrykanów ma bardziej praktyczne znaczenie niż dla Europejczyków. Często kojarzony jest z aktywnością zawodową, rytuałami, w tym kultem. Synkretyzm różnych rodzajów sztuk wpływa na charakter muzykowania - nie działa ono samodzielnie, ale w połączeniu z tańcem, sztukami plastycznymi, modlitwą i recytacją. W stanie podekscytowania Afrykanów ich intonacja jest znacznie bardziej swobodna niż u Europejczyków przykutych do znormalizowanej skali. W muzyce afrykańskiej szeroko rozwinięta jest forma śpiewu typu pytanie-odpowiedź (wezwanie i odpowiedź).
Ze swojej strony muzyka europejska wniosła swój bogaty wkład w przyszłą syntezę: konstrukcje melodyczne z głosem wiodącym, standardy modalne dur-moll, możliwości harmoniczne i wiele więcej. Ogólnie rzecz ujmując, afrykańska emocjonalność, zasada intuicyjna, zderzyła się z europejskim racjonalizmem, szczególnie przejawiającym się w polityce muzycznej protestantyzmu.

Przez dziesięciolecia próbowano zakazać jazzu, wyciszyć go i ignorować, próbować z nim walczyć, ale siła muzyki okazała się silniejsza od wszelkich dogmatów. W XXI wieku jazz osiągnął jeden z najwyższych punktów swojego rozwoju i nie ma zamiaru zwalniać.

Na całym świecie rok 1917 stał się pod wieloma względami punktem epokowym i zwrotnym. W Imperium Rosyjskim mają miejsce dwie rewolucje, Woodrow Wilson zostaje ponownie wybrany na drugą kadencję w Stanach Zjednoczonych, a mikrobiolog Felix d'Herelle ogłasza odkrycie bakteriofaga. Jednak w tym roku miało miejsce wydarzenie, które również na zawsze zapisze się w annałach historii. 30 stycznia 1917 roku w studiu Victor w Nowym Jorku została nagrana pierwsza płyta jazzowa. Były to dwa utwory – „Livery Stable Blues” i „Dixie Jazz Band one Step” – wykonane przez zespół białych muzyków Original Dixieland Jazz Band. Najstarszy z muzyków, trębacz Nick LaRocca, miał 28 lat, najmłodszy, perkusista Tony Sbarbaro, 20 lat. Tubylcy Nowego Orleanu oczywiście słyszeli „czarną muzykę”, uwielbiali ją i z pasją chcieli grać własny jazz. Dość szybko po nagraniu płyty Original Dixieland Jazz Band zdobył kontrakt z prestiżowymi i drogimi restauracjami.

Jak wyglądały pierwsze nagrania jazzowe? Płyta gramofonowa to cienki dysk wykonany poprzez tłoczenie lub odlewanie z tworzywa sztucznego o różnym składzie, na powierzchni którego wyrzeźbiony jest spiralnie specjalny rowek służący do nagrywania dźwięku. Dźwięk płyty został odtworzony przy użyciu specjalnych urządzeń technicznych - gramofonu, gramofonu, elektrofonu. Ta metoda rejestracji dźwięku była jedynym sposobem na „unieśmiertelnienie” jazzu, ponieważ prawie niemożliwe jest dokładne oddanie wszystkich szczegółów improwizacji muzycznej w zapisie muzycznym. Z tego powodu znawcy muzyki, omawiając poszczególne utwory jazzowe, odwołują się przede wszystkim do numeru płyty gramofonowej, na której dany utwór został nagrany.

Pięć lat po przełomie debiutantów Original Dixieland Jazz Band w studiu zaczęli nagrywać czarni muzycy. Wśród pierwszych nagranych utworów znalazły się zespoły Joe Kinga Olivera i Jelly Roll Morton. Jednak wszystkie nagrania czarnych jazzmanów zostały wydane w Stanach w ramach specjalnej „serii rasowej”, dystrybuowanej w tamtych latach wyłącznie wśród czarnej populacji amerykańskiej. Płyty gramofonowe wydane w „serii rasowej” istniały do lat 40. XX wieku. Oprócz jazzu nagrali także bluesa i Spirituals – duchowe pieśni chóralne Afroamerykanów.

Pierwsze płyty jazzowe wydano o średnicy 25 cm przy prędkości obrotowej 78 obr./min i zostały nagrane akustycznie. Jednak już od połowy lat 20. W XX wieku nagrywanie odbywało się elektromechanicznie, co przyczyniło się do poprawy jakości dźwięku. Następnie wydano płyty gramofonowe o średnicy 30 cm, w latach 40. XX wieku. takie płyty były produkowane masowo przez wiele wytwórni płytowych, które zdecydowały się wydać zarówno stare, jak i nowe kompozycje w wykonaniu Louisa Armstronga, Counta Basiego, Sidneya Becheta, Arta Tatuma, Jacka Teagardena, Thomasa Fatsa Wallera, Lionela Hamptona, Colemana Hawkinsa, Roya Eldridge’a i wielu innych.

Takie płyty gramofonowe miały specjalną etykietę - „V-disc” (skrót od „Victory disc”) i były przeznaczone dla amerykańskich żołnierzy biorących udział w II wojnie światowej. Wydawnictwa te nie były przeznaczone do sprzedaży, a jazzmani z reguły w czasie II wojny światowej przekazywali wszystkie swoje składki na Fundusz Zwycięstwa.

Już w 1948 roku Columbia Records wypuściła na rynek muzyczny pierwszą płytę długogrającą (tzw. „longplay”, LP) z bardziej gęstym układem rowków dźwiękowych. Średnica płyty wynosiła 25 cm, a prędkość obrotowa 33 1/3 obrotu na minutę. Długa sztuka zawierała już aż 10 sztuk.

Podążając za Columbią, w 1949 roku przedstawiciele RCA Victor rozpoczęli produkcję własnych longplayów. Ich płyty miały średnicę 17,5 cm przy prędkości obrotowej 45 obrotów na minutę, a później zaczęto produkować podobne zapisy przy prędkości obrotowej 33 1/3 obrotów na minutę. W 1956 roku rozpoczęto produkcję płyt LP o średnicy 30 cm, na dwóch stronach takich płyt umieszczono 12 sztuk, a czas odtwarzania wydłużono do 50 minut. Dwa lata później płyty stereofoniczne z nagrywaniem dwukanałowym zaczęły wypierać swoje monofoniczne odpowiedniki. Producenci próbowali też wypuścić na rynek muzyczny płyty 16 obr./min, jednak próby te zakończyły się niepowodzeniem.

Potem innowacje w dziedzinie produkcji płyt wyschły na wiele lat, ale już pod koniec lat 60-tych. Miłośnikom muzyki zaprezentowano płyty kwadrofoniczne z czterokanałowym systemem nagrywania.

Produkcja longplayów dała ogromny skok muzyce jazzowej i przyczyniła się do rozwoju tej muzyki - w szczególności do pojawienia się większych form kompozycji. Przez wiele lat czas trwania jednego utworu nie przekraczał trzech minut – takie były warunki nagrania na standardowej płycie gramofonowej. Jednocześnie, nawet wraz z rozwojem postępu w wydawaniu płyt, czas trwania utworów jazzowych nie wzrastał od razu: w latach 50. Płyty LP powstały głównie w oparciu o matryce publikacji z lat poprzednich. Mniej więcej w tym samym czasie wydano płyty z nagraniami Scotta Joplina i innych znanych wykonawców ragtime, które zostały nagrane na przełomie XIX i XX wieku. na tekturowych cylindrach perforowanych do fortepianów mechanicznych, a także na wałkach woskowych do gramofonów.

Z biegiem czasu płyty długogrające zaczęto wykorzystywać do nagrywania utworów większych formatów i koncertów na żywo. Powszechną praktyką stało się także wydawanie albumów składających się z dwóch lub trzech płyt lub specjalnych antologii i dyskografii konkretnego artysty.

A sam jazz? Przez wiele lat uważano ją za „muzykę niższej rasy”. W USA uważano ją za muzykę czarnych, niegodną wysokiego społeczeństwa amerykańskiego, w nazistowskich Niemczech granie i słuchanie jazzu oznaczało bycie „dyrygentem kakofonii murzyńsko-żydowskiej”, a w ZSRR – „apologetą burżuazji sposób życia” i „agent światowego imperializmu”.

Cechą charakterystyczną jazzu jest to, że muzyka ta od dziesięcioleci zdobywa sukcesy i uznanie. Gdyby muzycy wszystkich innych stylów od samego początku swojej kariery starali się grać na największych salach i stadionach, a przykładów na to było wiele, to jazzmani mogli liczyć jedynie na występy w restauracjach i klubach, o czym nawet nie marzyli. duże obiekty.

Jazz jako styl narodził się ponad sto lat temu na plantacjach bawełny. To tam czarni robotnicy śpiewali swoje pieśni, zmieszane z protestanckimi pieśniami, afrykańskimi religijnymi hymnami chóralnymi „spirituals” oraz surowymi i grzesznymi świeckimi, niemal „złodziejskimi” pieśniami – blues, powszechny w brudnych przydrożnych jadłodajniach, gdzie żaden biały Amerykanin nigdy by nie zaśpiewał stopa. Ukoronowaniem tego „koktajlu” były orkiestry dęte, które brzmiały tak, jakby bose afroamerykańskie dzieci chwyciły wycofane z użytku instrumenty i zaczęły grać na czym tylko chciały.

Lata dwudzieste XX wieku stały się „epoką jazzu”, jak nazwał je pisarz Francis Scott Fitzgerald. Większość czarnych robotników była skoncentrowana w przestępczej stolicy Stanów Zjednoczonych tamtych lat – Kansas City. Rozprzestrzenianiu się jazzu w tym mieście sprzyjała duża liczba restauracji i jadłodajni, w których lubili spędzać czas mafiosi. Miasto stworzyło specyficzny styl, styl dużych zespołów grających szybkiego bluesa. W tych latach w Kansas City urodził się czarny chłopiec o imieniu Charlie Parker: to on ponad dwie dekady później miał zostać reformatorem jazzu. W Kansas City mijał miejsca, w których odbywały się koncerty, i dosłownie chłonął fragmenty muzyki, którą kochał.

Pomimo dużej popularności jazzu w Nowym Orleanie i jego powszechnej obecności w Kansas City, wielu jazzmanów nadal preferowało Chicago i Nowy Jork. Najważniejszymi punktami koncentracji i rozwoju jazzu stały się dwa miasta na wschodnim wybrzeżu Stanów Zjednoczonych. Gwiazdą obu miast był młody trębacz i wokalista Louis Armstrong, następca największego trębacza Nowego Orleanu, Kinga Olivera. W 1924 roku do Chicago przybył kolejny mieszkaniec Nowego Orleanu – pianista i śpiewak Jelly Roll Morton. Młody muzyk nie był skromny i odważnie mówił wszystkim, że jest twórcą jazzu. I już w wieku 28 lat przeniósł się do Nowego Jorku, gdzie właśnie w tym czasie popularność zdobywała orkiestra młodego waszyngtońskiego pianisty Duke’a Ellingtona, wypierając już z promieni chwały orkiestrę Fletchera Hendersona.

Fala popularności „czarnej muzyki” przedostaje się do Europy. A jeśli w Paryżu słuchano jazzu jeszcze przed wybuchem I wojny światowej, a nie w „tawernach”, ale w arystokratycznych salonach i salach koncertowych, to w latach 20. Londyn poddał się. Czarni jazzmani uwielbiali odwiedzać stolicę Wielkiej Brytanii – zwłaszcza biorąc pod uwagę fakt, że tam, w przeciwieństwie do Stanów, byli traktowani z szacunkiem i humanitaryzmem za sceną, a nie tylko na niej.

Warto zauważyć, że poeta, tłumacz, tancerz i choreograf Walentin Parnach zorganizował pierwszy koncert jazzowy w Moskwie w 1922 roku, a 6 lat później popularność tej muzyki dotarła do Petersburga.

Początek lat 30. XX wieku to nowa era – era big bandów, wielkich orkiestr, a na parkietach zaczął grzmieć nowy styl – swing. Orkiestra Duke'a Ellintona była w stanie wyprzedzić popularność swoich kolegów z Fletcher Henderson Orchestra za pomocą niestandardowych ruchów muzycznych. Zbiorowa improwizacja symultaniczna, która stała się znakiem rozpoznawczym nowoorleańskiej szkoły jazzowej, odchodzi w przeszłość, a w jej miejsce coraz większą popularność zyskują skomplikowane partytury, frazy rytmiczne z powtórzeniami i apele zespołów orkiestrowych. W ramach orkiestry wzrasta rola aranżera, który pisze orkiestracje, które stają się kluczem do sukcesu całego zespołu. Jednocześnie lider orkiestry pozostaje improwizującym solistą, bez którego nawet grupa o idealnej orkiestracji pozostanie niezauważona. Jednocześnie solista odtąd ściśle przestrzega liczby „kwadratów” w muzyce, reszta zaś wspiera go według pisanego układu. Popularność Duke Ellington Orchestra przyniosła nie tylko niestandardowe rozwiązania w aranżacjach, ale także pierwszorzędny skład samej orkiestry: trębacze Bubber Miley, Rex Stewart, Cootie Williams, klarnecista Barney Bigard, saksofoniści Johnny Hodges i Ben Webster i kontrabasista Jimmy Blanton znali się na swojej pracy jak nikt inny. Inne orkiestry jazzowe również wykazały się w tej kwestii zespołową pracą: Count Basie miał saksofonistę Lestera Younga i trębacza Bucka Claytona, a trzonem orkiestry była „najbardziej swingująca na świecie” sekcja rytmiczna – pianista Basie, kontrabasista Walter Page, perkusista Joe Jones i gitarzysta Freddie Green.

Orkiestra klarnecisty Benny’ego Goodmana, składająca się wyłącznie z białych muzyków, zyskała ogromną popularność w połowie lat 30., a w drugiej połowie lat 30. zadała miażdżący cios wszelkim ograniczeniom rasowym w jazzie: na scenie Carnegie Hall w orkiestrze prowadzony przez Goodmana, w tym samym czasie wystąpili czarno-biali muzycy! Teraz oczywiście takie wydarzenie nie jest nowością dla wyrafinowanego melomana, ale w tamtych latach występy białych (klarnecista Goodman i perkusista Gene Krupa) i czarnych (pianista Teddy Wilson i wibrafonista Lionel Hampton) dosłownie rozerwały wszystkie szablony na kawałki. strzępy.

Pod koniec lat 30. popularność zyskała biała orkiestra Glenna Millera. Widzowie i słuchacze od razu zwrócili uwagę na charakterystyczne „krystaliczne brzmienie” i umiejętnie opracowane aranżacje, ale jednocześnie stwierdzili, że muzyka orkiestry zawiera w sobie minimum jazzowego ducha. Podczas II wojny światowej zakończyła się „era swingu”: kreatywność zeszła w cień, na scenie zabłysła „rozrywka”, a sama muzyka zamieniła się w masę konsumencką, która nie wymagała żadnych specjalnych dodatków. Wraz z wojną w obozie jazzmanów zapanowało przygnębienie: wydawało im się, że ich ulubiona muzyka płynnie przechodzi w zmierzch istnienia.

Początki nowej rewolucji jazzowej zasiane zostały jednak w jednym z miast rodzimych dla tego stylu muzyki – Nowym Jorku. Młodzi muzycy – głównie czarni – nie mogąc tolerować upadku swojej muzyki w ramach orkiestr w oficjalnych klubach, po koncertach tłoczyli się późnym wieczorem do własnych klubów na 52. Ulicy. Klub Milton Playhouse stał się dla nich wszystkich mekką. To właśnie w tych nowojorskich klubach młodzi jazzmani dokonali czegoś niewyobrażalnego i radykalnie nowego: improwizowali jak najwięcej na prostych akordach bluesowych, układając je w pozornie zupełnie nieodpowiedniej kolejności, wywracając je na lewą stronę i przearanżowując, grając niezwykle skomplikowane i długie melodie, które zaczynały się w środku taktu i tam się kończyły. Milton Playhouse w tamtych latach nie miał końca dla odwiedzających: wszyscy chcieli zobaczyć i posłuchać dziwnej bestii, która kwieciście i niewyobrażalnie narodziła się na scenie. Chcąc wyciąć przypadkowych laików, którzy często lubią wspinać się na scenę i improwizować z muzykami, jazzmani zaczęli narzucać kompozycje wysokie tempo, czasami przyspieszając je do niesamowitych prędkości, na jakie mogli sobie pozwolić jedynie profesjonaliści.

Tak narodził się rewolucyjny styl jazzowy – bebop. Wychowany w Kansas City saksofonista altowy Charlie Parker, trębacz John „Dizzy” Burks Gillespie, gitarzysta Charlie Christian (jeden z ojców założycieli języka harmonicznego), perkusiści Kenny Clark i Max Roach – te nazwiska na zawsze zapisały się złotymi literami w historii jazzu, a konkretnie bebopu. Podstawa rytmiczna perkusji w bebopie została przeniesiona na talerze, pojawiły się szczególne cechy zewnętrzne muzyków, a większość tych koncertów odbywała się w małych, zamkniętych klubach – tak można opisać tworzenie muzyki przez grupę. A ponad całym tym pozornym chaosem, saksofon Parkera wzrósł: nie miał sobie równych pod względem poziomu, techniki i umiejętności. Nic dziwnego, że temperament muzyka po prostu wypalił jego mistrza: Parker zmarł w 1955 roku, „wypalony” ciągłą i szybką grą na saksofonie, alkoholem i narkotykami.

To właśnie powstanie bebopu nie tylko dało impuls do rozwoju jazzu, ale stało się także punktem wyjścia, od którego rozpoczęło się rozgałęzianie jazzu jako takiego. Bebop zszedł w stronę podziemia – małych lokali, wyselekcjonowanych i oddanych słuchaczy, a także tych zainteresowanych korzeniami muzyki w ogóle, natomiast druga gałąź reprezentowała jazz w sferze systemu konsumenckiego – i tak narodził się pop-jazz, który istnieje do dziś. Tym samym na przestrzeni lat elementy pop jazzu wykorzystały takie gwiazdy muzyki jak Frank Sinatra, Sting, Katie Melua, Zaz, Amy Winehouse, Kenny G, Norah Jones i inni.

Jeśli chodzi o mniej popularną gałąź jazzu, po bebopie nastąpił hard bop. W tym stylu nacisk położono na bluesowy, ekstatyczny początek. Na rozwój hard bopu miała wpływ gra saksofonisty Sonny’ego Rollinsa, pianisty Horace’a Silvera, trębacza Clifforda Browna i perkusisty Arta Blakeya. Swoją drogą zespół Blakeya The Jazz Messengers aż do śmierci muzyka w 1990 roku stał się źródłem talentów jazzowych na całym świecie. W tym samym czasie w Stanach rozwijały się inne, własne style: rozpowszechniony na Wschodnim Wybrzeżu cool jazz podbijał serca słuchaczy, a Zachód potrafił przeciwstawić się stylowi Zachodniego Wybrzeża swoim sąsiadom. Wywodzący się z orkiestry Parkera czarny trębacz Miles Davis i aranżer Gil Evans stworzyli fajny jazz („cool jazz”), wykorzystując nowe harmonie bebopu. Nacisk został przesunięty z wysokich temp muzyki na złożoność aranżacji. W tym samym czasie saksofonista białego barytonu Gerry Mulligan i jego zespół oparli się na innych akcentach w cool jazzie - na przykład na symultanicznej improwizacji zbiorowej, która wywodziła się ze szkoły nowoorleańskiej. Zachodnie Wybrzeże, reprezentowane przez białych saksofonistów Stana Getza i Zoot Sims, reprezentowało inny obraz bebopu, tworząc lżejsze brzmienie niż Charlie Parker. A pianista John Lewis został założycielem Modern Jazz Quartet, który zasadniczo nie grał w klubach, starając się nadać jazzowi koncertową, szeroką i poważną formę. Swoją drogą mniej więcej do tego samego dążył kwartet pianisty Dave’a Brubecka.

W ten sposób jazz zaczął rozwijać swój własny zarys: kompozycje i partie solowe jazzmanów stały się dłuższe. Jednocześnie w hard bopie i cool jazzie pojawił się trend: jeden utwór trwał od siedmiu do dziesięciu minut, a jedno solo pięć, sześć, osiem „kwadratów”. Jednocześnie sam styl został wzbogacony przez różne kultury, zwłaszcza latynoamerykańskie.

Pod koniec lat 50. w jazzie nastąpiła nowa reforma, tym razem w dziedzinie języka harmonicznego. Innowatorem w tej dziedzinie był po raz kolejny Miles Davis, który w 1959 roku wydał swoje najsłynniejsze nagranie „Kind of Blue”. Zmieniono tradycyjne tonacje i progresje akordów, muzycy mogli pozostać w dwóch akordach przez kilka minut, ale jednocześnie pokazali rozwój myśli muzycznej w taki sposób, że słuchacz nawet nie zauważył monotonii. Symbolem reform stał się także saksofonista tenorowy Davisa, John Coltrane. Technika gry i wnikliwość muzyczna Coltrane'a, ukazana na nagraniach z początku lat 60., nie mają sobie równych do dziś. Symbolem przełomu lat 50. i 60. w jazzie stał się także saksofonista altowy Ornette Coleman, twórca stylu free jazzowego. Harmonia i rytm w tym stylu praktycznie nie są przestrzegane, a muzycy podążają za każdą, nawet najbardziej absurdalną melodią. Pod względem harmonicznym szczytem stał się free jazz - wtedy był albo absolutny hałas i kakofonia, albo kompletna cisza. Ta absolutna granica uczyniła Ornette Colemana geniuszem muzyki w ogóle, a jazzu w szczególności. Chyba tylko awangardowy muzyk John Zorn był mu najbliższy w swojej twórczości.

Lata 60. nie stały się także erą bezwarunkowej popularności jazzu. Na pierwszy plan wysunęła się muzyka rockowa, której przedstawiciele chętnie eksperymentowali z technikami nagraniowymi, głośnością, elektroniką, zniekształceniami dźwięku, awangardą akademicką i technikami gry. Według legendy, właśnie wtedy zrodził się pomysł wspólnego nagrania wirtuoza gitary Jimiego Hendrixa i legendarnego jazzmana Johna Coltrane’a. Jednak już w 1967 roku Coltrane zmarł, a kilka lat później Hendrix, a pomysł ten pozostał w legendach. W tym gatunku także Miles Davis odniósł sukces: pod koniec lat 60. z powodzeniem łączył muzykę rockową z jazzem, tworząc styl jazz-rockowy, którego czołowi przedstawiciele w młodości grali głównie w zespole Davisa: klawiszowcy Herbie Hancock i Chick Corea, gitarzysta John McLaughlin, perkusista Tony Williams. Jednocześnie jazz-rock, znany również jako fusion, był w stanie urodzić własnych, indywidualnych wybitnych przedstawicieli: basistę Jaco Pastoriusa, gitarzystę Pata Metheny'ego, gitarzystę Ralpha Townera. Jednak popularność fusion, która pojawiła się pod koniec lat 60., a zyskała na popularności w latach 70., szybko spadła, a dziś styl ten jest produktem całkowicie komercyjnym, zamieniającym się w smooth jazz („smooth jazz”) – podkład muzyczny, w którym miejsce rytmy i linie melodyczne ustąpiły miejsca improwizacjom. Smooth jazz reprezentują George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman i inni.

W latach 70. osobną niszę zajmował światowy jazz („world music”) – specyficzna fuzja będąca efektem połączenia tzw. „worlmusic” (muzyki etnicznej, głównie z krajów Trzeciego Świata) i jazzu. Charakterystyczne jest, że w tym stylu nacisk położony został w równym stopniu zarówno na oldschoolowy jazz, jak i na strukturę etniczną. Na przykład motywy muzyki ludowej Ameryki Łacińskiej (improwizowano tylko solo, akompaniament i kompozycja pozostały takie same jak w muzyce etno), motywy bliskowschodnie (Dizzy Gillespie, kwartety i kwintety Keitha Jarretta) oraz motywy muzyki ludowej Zasłynęła muzyka indyjska (John McLaughlin), Bułgaria (Don Ellis) i Trynidad (Andy Narrell).

O ile lata 60. stały się erą łączenia jazzu z rockiem i muzyką etniczną, o tyle w latach 70. i 80. muzycy ponownie postanowili eksperymentować. Z tego okresu wywodzi się współczesny funk: akompaniatorzy grają w stylu czarnej muzyki pop-soul i funk, natomiast rozbudowane improwizacje solowe mają bardziej kreatywny i jazzowy charakter. Wybitnymi przedstawicielami tego stylu byli Grover Washington Jr., członkowie The Crusaders, Felder Wilton i Joe Sample. Następnie wszystkie innowacje zaowocowały szerszą gamą jazz-funku, którego wybitnymi przedstawicielami byli Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet i Solsonics.

Na scenie stopniowo zaczął pojawiać się także acid jazz („acid jazz”), który charakteryzuje się lekkością i „tanecznością”. Cechą charakterystyczną występów muzyków jest akompaniament sampli pobranych z winyli czterdziestych piątych. Wszechobecny Miles Davis ponownie stał się pionierem acid jazzu, a Derek Bailey zaczął reprezentować bardziej radykalne skrzydło awangardy. W USA termin „acid jazz” praktycznie nie cieszy się popularnością: tam taka muzyka nazywa się Groove Jazz i Club Jazz. Szczyt popularności acid jazzu przypadł na pierwszą połowę lat 90., a w latach 2000. popularność tego stylu zaczęła spadać: acid jazz został zastąpiony przez new jazz.

Jeśli chodzi o ZSRR, moskiewska orkiestra pianisty i kompozytora Aleksandra Tsfasmana uważana jest za pierwszy profesjonalny zespół jazzowy, który wystąpił w radiu i nagrał płytę. Przed nim młode zespoły jazzowe skupiały się przede wszystkim na wykonywaniu muzyki tanecznej tamtych lat – foxtrot, Charleston. Dzięki leningradzkiemu zespołowi prowadzonemu przez aktora i piosenkarza Leonida Utesowa oraz trębacza Ja. B. Skomorowskiego jazz wkroczył na duże sceny w ZSRR już w latach 30. XX wieku. Komedia „Jolly Fellows” z udziałem Utyosowa, nakręcona w 1934 roku i opowiadająca historię młodego muzyka jazzowego, miała odpowiednią ścieżkę dźwiękową Izaaka Dunaevsky'ego. Utyosow i Skomorowski stworzyli specjalny styl zwany thea-jazzem („jazz teatralny”). Eddie Rosner, który przeniósł się z Europy do Związku Radzieckiego i stał się popularyzatorem swingu – wraz z moskiewskimi zespołami lat 30. i 40. – wniósł swój wkład w rozwój jazzu w ZSRR. pod przewodnictwem Aleksandra Tsfasmana i Aleksandra Warlamowa.

Same władze ZSRR miały do jazzu dość dwuznaczny stosunek. Nie było oficjalnego zakazu wykonywania utworów jazzowych i rozpowszechniania nagrań jazzowych, pojawiała się jednak krytyka tego stylu muzycznego w świetle odrzucenia zachodniej ideologii w ogóle. Już w latach 40. jazz musiał zejść do podziemia ze względu na rozpoczęte prześladowania, ale już na początku lat 60., wraz z nadejściem „odwilży” Chruszczowa, jazzmani ponownie wyszli na świat. Jednak nawet wtedy krytyka jazzu nie ustała. Tym samym orkiestry Eddiego Rosnera i Olega Lundstrema wznowiły działalność. Pojawiły się także nowe kompozycje, wśród których wyróżniały się orkiestry Josepha Weinsteina (Leningrad) i Wadima Ludwikowskiego (Moskwa), a także Riga Variety Orchestra (REO). Na scenie pojawiają się także utalentowani aranżerzy i soliści-improwizatorzy: Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexey Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolay Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. Rozwija się jazz kameralny i klubowy, którego zwolennikami są Wiaczesław Ganelin, Dawid Gołoszczekin, Giennadij Golsztein, Nikołaj Gromin, Władimir Danilin, Aleksiej Kozłow, Roman Kunsman, Nikołaj Lewinowski, German Łukjanow, Aleksander Piszchikow, Aleksiej Kuzniecow, Wiktor Fridman, Andriej Towmasjan, Igor Bril i Leonid Chizhik. Mekką radzieckiego, a następnie rosyjskiego jazzu był klub Blue Bird, który istniał od 1964 do 2009 roku i kształcił takich muzyków, jak bracia Aleksander i Dmitrij Bril, Anna Buturlina, Jakow Okun, Roman Miroshnichenko i inni.

W pierwszej dekadzie XXI wieku jazz zyskał nowe życie, a szybki rozwój Internetu stał się ogromnym impulsem nie tylko dla nagrań, które odniosły sukces komercyjny, ale także dla wykonawców undergroundowych. Dziś na koncerty szalonego eksperymentatora Johna Zorna i „przewiewnej” wokalistki jazzowo-popowej Katie Malua może wybrać się każdy, Rosjanin może być dumny z Igora Butmana, a Kubańczyk może być dumny z Arturo Sandovala. Istnieją dziesiątki stacji radiowych, które nadają jazz we wszystkich jego postaciach. Bez wątpienia XXI wiek postawił wszystko na swoim miejscu i dał jazzowi miejsce, w którym powinien – na piedestale wraz z innymi stylami klasycznymi.

Dusza, huśtawka?

Chyba każdy wie, jak brzmi kompozycja w tym stylu. Gatunek ten powstał na początku XX wieku w Stanach Zjednoczonych i reprezentuje pewne połączenie kultury afrykańskiej i europejskiej. Niesamowita muzyka niemal natychmiast przyciągnęła uwagę, znalazła swoich fanów i szybko rozprzestrzeniła się na cały świat.

Przekazanie jazzowego koktajlu muzycznego jest dość trudne, ponieważ łączy w sobie:

jasna i żywa muzyka;
niepowtarzalny rytm afrykańskich bębnów;
hymny kościelne baptystów i protestantów.

Czym jest jazz w muzyce? Bardzo trudno jest zdefiniować to pojęcie, gdyż zawiera ono pozornie nieprzystające do siebie motywy, które współdziałając ze sobą, dają światu niepowtarzalną muzykę.

Osobliwości

Jakie są cechy charakterystyczne jazzu? Co to jest rytm jazzowy? A jakie są cechy tej muzyki? Charakterystyczne cechy tego stylu to:

pewien polirytm;
ciągła pulsacja bitów;
zestaw rytmów;
improwizacja.

Zakres muzyczny tego stylu jest kolorowy, jasny i harmonijny. Wyraźnie widać kilka odrębnych barw, które łączą się ze sobą. Styl opiera się na unikalnym połączeniu improwizacji z przemyślaną melodią. Improwizację może wykonywać zarówno jeden solista, jak i kilku muzyków tworzących zespół. Najważniejsze, że ogólny dźwięk jest czysty i rytmiczny.

Historia jazzu

Ten kierunek muzyczny rozwijał się i kształtował na przestrzeni stulecia. Jazz wyrósł z samych głębin kultury afrykańskiej, gdy czarni niewolnicy, których sprowadzono z Afryki do Ameryki, aby się wzajemnie zrozumieć, nauczyli się być jednością. W efekcie stworzyli jednolitą sztukę muzyczną.

Wykonanie melodii afrykańskich charakteryzuje się ruchami tanecznymi i wykorzystaniem złożonych rytmów. Wszystkie one, wraz ze zwykłymi melodiami bluesowymi, stworzyły podstawę do stworzenia zupełnie nowej sztuki muzycznej.

Cały proces łączenia kultury afrykańskiej i europejskiej w sztuce jazzowej rozpoczął się pod koniec XVIII wieku, trwał przez cały wiek XIX i dopiero pod koniec XX wieku doprowadził do wyłonienia się zupełnie nowego kierunku w muzyce.

Kiedy pojawił się jazz? Czym jest jazz z zachodniego wybrzeża? Pytanie jest dość niejednoznaczne. Trend ten pojawił się na południu Stanów Zjednoczonych Ameryki, w Nowym Orleanie, mniej więcej pod koniec XIX wieku.

Początkowy etap powstawania muzyki jazzowej charakteryzuje się rodzajem improwizacji i pracą nad tym samym utworem muzycznym. Grali na nim główny solista trębacza, puzoniści i klarneciści w połączeniu z instrumentami perkusyjnymi na tle muzyki marszowej.

Podstawowe style

Historia jazzu rozpoczęła się dość dawno temu, a w wyniku rozwoju tego kierunku muzycznego pojawiło się wiele różnych stylów. Na przykład:

archaiczny jazz;
blues;
dusza;
soulowy jazz;
zwiać;
Nowoorleański styl jazzu;
dźwięk;
huśtać się.

Miejsce narodzin jazzu odcisnęło duże piętno na stylu tego ruchu muzycznego. Pierwszym i tradycyjnym typem muzyki stworzonym przez mały zespół był jazz archaiczny. Muzyka tworzona jest w formie improwizacji na tematy bluesowe, a także pieśni i tańców europejskich.

Blues można uznać za dość charakterystyczny kierunek, którego melodia opiera się na wyraźnym rytmie. Ten typ gatunku charakteryzuje się litościwą postawą i gloryfikacją utraconej miłości. Jednocześnie w tekstach można doszukać się lekkiego humoru. Muzyka jazzowa implikuje rodzaj instrumentalnego utworu tanecznego.

Tradycyjna czarna muzyka uznawana jest za ruch soulowy, bezpośrednio nawiązujący do tradycji bluesowych. Całkiem ciekawie brzmi jazz nowoorleański, który wyróżnia się bardzo precyzyjnym dwutaktowym rytmem, a także obecnością kilku odrębnych melodii. Kierunek ten charakteryzuje się tym, że temat główny powtarza się kilkukrotnie w różnych wariacjach.

W Rosji

W latach trzydziestych jazz był w naszym kraju bardzo popularny. Radzieccy muzycy nauczyli się, czym jest blues i soul w latach trzydziestych. Stosunek władz do tego kierunku był bardzo negatywny. Początkowo nie zakazano występów wykonawców jazzowych. Spotkała się jednak dość ostra krytyka tego kierunku muzycznego jako składnika całej kultury zachodniej.

Pod koniec lat 40. prześladowano grupy jazzowe. Z czasem represje wobec muzyków ustały, ale krytyka trwała nadal.

Ciekawe i fascynujące fakty o jazzie

Kolebką jazzu jest Ameryka, gdzie połączono różne style muzyczne. Muzyka ta pojawiła się po raz pierwszy wśród uciskanych i pozbawionych praw przedstawicieli narodu afrykańskiego, którzy zostali siłą wywiezieni z ojczyzny. W rzadkich godzinach odpoczynku niewolnicy śpiewali tradycyjne pieśni, klaszcząc w dłonie, aby akompaniować sobie, ponieważ nie mieli instrumentów muzycznych.

Na początku była to prawdziwa afrykańska muzyka. Z biegiem czasu uległo to jednak zmianie i pojawiły się w niej motywy religijnych hymnów chrześcijańskich. Pod koniec XIX w. pojawiły się inne pieśni, w których pojawiał się protest i narzekanie na życie. Takie piosenki zaczęto nazywać bluesem.

Za główną cechę jazzu uważa się wolny rytm, a także całkowitą swobodę w stylu melodycznym. Muzycy jazzowi musieli umieć improwizować indywidualnie lub zespołowo.

Od chwili powstania w Nowym Orleanie jazz przeszedł dość trudną ścieżkę. Rozprzestrzenił się najpierw w Ameryce, a następnie na całym świecie.

Najlepsi wykonawcy jazzowi

Jazz to muzyka szczególna, pełna niezwykłej inwencji i pasji. Ona nie zna granic ani limitów. Znani wykonawcy jazzowi potrafią dosłownie tchnąć życie w muzykę i napełnić ją energią.

Najbardziej znanym wykonawcą jazzowym jest Louis Armstrong, ceniony za żywy styl, wirtuozerię i pomysłowość. Wpływ Armstronga na muzykę jazzową jest nieoceniony, ponieważ jest on największym muzykiem wszechczasów.

Duke Ellington wniósł wielki wkład w ten kierunek, ponieważ wykorzystał swoją grupę muzyczną jako muzyczne laboratorium do prowadzenia eksperymentów. Przez wszystkie lata swojej działalności twórczej napisał wiele oryginalnych i niepowtarzalnych kompozycji.

Na początku lat 80. Wynton Marsalis stał się prawdziwym odkryciem, ponieważ zdecydował się na granie akustycznego jazzu, co wywołało prawdziwą sensację i spowodowało nowe zainteresowanie tą muzyką.