Sztuka teatralna jest jedną z najbardziej złożonych, najskuteczniejszych i najstarszych sztuk. Ponadto jest heterogeniczny, syntetyczny. Do elementów sztuki teatralnej zalicza się architekturę, malarstwo i rzeźbę (scenografię), muzykę (brzmi to nie tylko w musicalach, ale często także w przedstawieniach dramatycznych) i choreografię (znowu nie tylko w balecie, ale także w dramacie) oraz literatura (tekst, na którym opiera się przedstawienie dramatyczne), sztuka aktorska itp. Spośród wszystkich powyższych, sztuka aktorska jest najważniejszą rzeczą, która determinuje teatr. Słynny radziecki reżyser A. Tairow pisał: „...w historii teatru były długie okresy, kiedy istniał bez przedstawień, kiedy działał bez scenografii, ale nie było ani jednego momentu, żeby teatr nie był bez aktora .”

Aktor w teatrze jest głównym artystą tworzącym tzw. obraz sceniczny. Ściślej mówiąc, aktor w teatrze jest jednocześnie artystą-twórcą, a tworzywem twórczości i jej rezultatem – obrazem. Sztuka aktorska pozwala na własne oczy zobaczyć nie tylko obraz w jego ostatecznym wyrazie, ale także sam proces jego powstawania i kształtowania się. Aktor kreuje obraz z siebie, ale jednocześnie tworzy go w obecności widza, na jego oczach. Na tym chyba polega główna specyfika scenicznego, teatralnego obrazu – i tu tkwi źródło szczególnej i niepowtarzalnej przyjemności artystycznej, jaką daje widzowi. Widz w teatrze, bardziej niż gdziekolwiek indziej w sztuce, bezpośrednio uczestniczy w cudzie stworzenia.

Sztuka teatru, w odróżnieniu od innych sztuk, jest sztuką żywą. Powstaje dopiero w godzinie spotkania z widzem. Opiera się na niezbędnym emocjonalnym, duchowym kontakcie pomiędzy sceną a publicznością. Bez tego kontaktu oznacza to, że nie ma spektaklu, który żyje według własnych praw estetycznych.

Występ przed pustą salą, bez ani jednego widza, jest dla aktora wielką udręką. Stan ten jest dla niego równoznaczny z przebywaniem w przestrzeni zamkniętej przed całym światem. W godzinie przedstawienia dusza aktora skierowana jest ku widzowi, tak jak dusza widza skierowana jest do aktora. Sztuka teatru żyje, oddycha, podnieca i urzeka widza w tych szczęśliwych chwilach, gdy poprzez niewidzialne przewody transmisji wysokiego napięcia następuje aktywna wymiana dwóch duchowych energii, wzajemnie skierowanych ku sobie – od aktora do widza, od widza do aktora.

Czytając książkę, stojąc przed obrazem, czytelnik i widz nie widzą pisarza, malarza. I tylko w teatrze człowiek spotyka się oko w oko z twórczym artystą, spotyka się z nim w momencie twórczości. Odgaduje pojawienie się i ruch swojego serca i przeżywa wraz z nim wszystkie perypetie wydarzeń, które miały miejsce na scenie.

Czytelnik sam na sam z cenną książką może przeżyć ekscytujące i szczęśliwe chwile. A teatr nie zostawia widzów samych. W teatrze wszystko opiera się na aktywnej interakcji emocjonalnej pomiędzy tymi, którzy tego wieczoru tworzą na scenie dzieło sztuki, a tymi, dla których jest ono tworzone.

Widz przychodzi na spektakl teatralny nie jako zewnętrzny obserwator. Nie może powstrzymać się od wyrażenia swojego stosunku do tego, co dzieje się na scenie. Wybuch aprobujących oklasków, wesoły śmiech, napięta, nieprzerwana cisza, westchnienie ulgi, ciche oburzenie – udział publiczności w procesie akcji scenicznej przejawia się w bogatej różnorodności. Świąteczna atmosfera powstaje w teatrze, gdy współudział i empatia osiągają największe natężenie...

Oto co oznacza jego żywa sztuka. Z wrażliwością uchwycona jest sztuka, w której słychać bicie ludzkiego serca, najsubtelniejsze ruchy duszy i umysłu, w której mieści się cały świat ludzkich uczuć i myśli, nadziei, marzeń, pragnień.

Oczywiście, gdy myślimy i mówimy o aktorze, rozumiemy, jak ważny dla teatru jest nie sam aktor, ale zespół aktorski, jedność i twórcze współdziałanie aktorów. „Prawdziwy teatr” – pisał Chaliapin – „to nie tylko indywidualna twórczość, ale także zbiorowe działanie, wymagające całkowitej harmonii wszystkich części”.

Teatr jest sztuką podwójnie kolektywną. Widz odbiera spektakl teatralny i akcję sceniczną nie samodzielnie, ale zbiorowo, „wyczuwając łokieć sąsiada”, co znacznie potęguje wrażenie i artystyczną zaraźliwość tego, co dzieje się na scenie. Jednocześnie samo wrażenie nie pochodzi od pojedynczego aktora, ale od grupy aktorów. Zarówno na scenie, jak i na widowni, po obu stronach rampy, żyją, czują i działają – nie pojedyncze jednostki, ale ludzie, społeczeństwo ludzi połączonych na jakiś czas wspólną uwagą, celem, wspólnym działaniem.

To właśnie w dużej mierze decyduje o ogromnej roli społecznej i edukacyjnej teatru. Sztuka wspólnie tworzona i postrzegana staje się szkołą w pełnym tego słowa znaczeniu. „Teatr” – napisał słynny hiszpański poeta García Lorca – „jest szkołą łez i śmiechu, wolną platformą, z której ludzie mogą potępiać przestarzałą lub fałszywą moralność i wyjaśniać, na żywych przykładach, odwieczne prawa ludzkiego serca i ludzkiego uczucie."

Człowiek zwraca się do teatru jako odzwierciedlenie swojego sumienia, swojej duszy - rozpoznaje siebie, swój czas i swoje życie w teatrze. Teatr otwiera niesamowite możliwości samopoznania duchowego i moralnego.

I choć teatr ze swej natury estetycznej jest sztuką konwencjonalną, podobnie jak inne sztuki, to na scenie przed widzem ukazuje się nie sama realna rzeczywistość, a jedynie jej artystyczne odbicie. Ale w tej refleksji jest tyle prawdy, że postrzega się ją w całej swojej bezwarunkowości, jako najbardziej autentyczne, prawdziwe życie. Widz rozpoznaje ostateczną rzeczywistość istnienia postaci scenicznych. Wielki Goethe napisał: „Cóż może być bardziej naturą niż ludzie Szekspira!”

W teatrze, w tętniącej życiem wspólnocie ludzi zgromadzonych na przedstawieniu scenicznym, wszystko jest możliwe: śmiech i łzy, smutek i radość, nieskrywane oburzenie i dziki zachwyt, smutek i szczęście, ironia i nieufność, pogarda i współczucie, ostrożne milczenie i głośno aprobata... słowem całe bogactwo przejawów emocjonalnych i wstrząsów ludzkiej duszy.

SZTUKI TEATRALNE (grecki teatrron – miejsce spektakli) to forma sztuki opierająca się na artystycznej refleksji życia, realizowana poprzez akcję dramatyczną wykonywaną przez aktorów przed publicznością. Sztuka teatralna jest sprawą drugorzędną. Podstawą sztuki scenicznej jest dramat, który w swoim teatralnym wykonaniu zyskuje nową jakość – prezencję sceniczną, obraz teatralny. Rozwój teatru jest ściśle powiązany z rozwojem dramatu i dramatu, środków wyrazu dramatu, monologu i dialogu. Głównym dziełem sztuki teatralnej jest spektakl, artystycznie zorganizowana, spektakularna i zabawna akcja. Spektakl jest efektem wysiłków zespołu kreatywnego. Jednocześnie spektakl wyróżnia figuratywna jedność. Figuratywną strukturę spektaklu tworzy jedność wszystkich elementów akcji teatralnej, podporządkowana jednemu zadaniu artystycznemu – „superzadaniu” i jednemu celowi scenicznemu, organizującemu akcję sceniczną w czasie i przestrzeni, „końcowi” -działanie do końca”.

Zabawna istota teatru zmieniła się historycznie. Powstały z rytuału system spektakularnego oddziaływania jako całość jest zachowywany na wszystkich etapach rozwoju teatru; transformacja aktora, wykorzystująca jego dane psychofizyczne do tworzenia obrazu drugiej osoby - charakter, słowa i plastyczność są główne warunki włączenia widza w akcję. Współczesny teatr zna różne formy organizowania akcji zabawowej. W realistycznym, psychologicznym teatrze przeżyć zasada odzwierciedlenia życia w samych formach życia zakłada zasadę „czwartej ściany”, jakby oddzielającej widza od sceny i tworzącej iluzję rzeczywistości. W teatrze performatywnym, „teatrze epickim”, zasada zabawy może nie pokrywać się z prawdą o okolicznościach życiowych i zakłada poetycko uogólnione, metaforyczne, figuratywne rozwiązanie.

Teatr jest sztuką zbiorową (patrz). W procesie ewolucji historycznej ustalono zasadę zespołu. We współczesnym teatrze rola organizatora akcji scenicznej i wysiłków twórczych zespołu należy do reżysera, który odpowiada za sceniczną interpretację podłoża dramatycznego. Za pomocą środków wizualnych i wyrazistych, takich jak mise-en-scène, tempo-rytm, kompozycja, reżyser tworzy artystyczny obraz spektaklu.

Sztuka teatru ze swej natury jest syntetyczna (patrz). Zmienił się charakter syntezy w historii sztuki teatralnej, pojawił się balet, usamodzielnił się teatr muzyczny. Teatr nowoczesny ma tendencję do łączenia najróżniejszych form sztuki. Organizacja spektakularnej syntezy zależy w dużej mierze od udziału kompozytora, kostiumografa, projektanta oświetlenia, a przede wszystkim scenografa. Materialne środowisko wykreowane za pomocą scenografa może pełnić różne funkcje, zawsze jednak, odpowiadając kontekstowi całości, będąc nośnikiem prawdy psychologicznej dla wykonawcy, porządkuje uwagę widza.

Sztuka teatru przeznaczona jest do zbiorowej percepcji. Widz i jego reakcja są częścią akcji. Teatr nie istnieje bez natychmiastowej reakcji publiczności. Spektakl, który jest próbowany, ale nie pokazywany publiczności, nie jest dziełem sztuki. To widz ma prawo rozróżnić znaczenie wybranego przez wykonawcę środka wyrazu od jego użycia. Widz współczesnego teatru doświadcza oddziaływania wielu spektakularnych form, które poszerzają jego skojarzenia i zmieniają jego preferencje. Teatr nie może ignorować tych zmian w swoim rozwoju, zwiększania roli i znaczenia form teatralnych, wzmacniania związku akcji scenicznej z publicznością.

Sztuka teatru jest formą świadomości społecznej, środkiem wiedzy artystycznej i edukacji. Specyfika teatru polega na odzwierciedleniu znaczących konfliktów i postaci, które wpływają na zainteresowania i potrzeby współczesnego widza. Oryginalność teatru jako formy sztuki polega na tej nowoczesności, która czyni go ważnym czynnikiem w edukacji.

2. Sztuki teatralne

Sztuka teatralna jest jedną z najbardziej złożonych, najskuteczniejszych i najstarszych sztuk. Ponadto jest heterogeniczny, syntetyczny. Do elementów sztuki teatralnej zalicza się architekturę, malarstwo i rzeźbę (scenografię), muzykę (brzmi to nie tylko w musicalach, ale często także w przedstawieniach dramatycznych) i choreografię (znowu nie tylko w balecie, ale także w dramacie) oraz literatura (tekst, na którym opiera się przedstawienie dramatyczne), sztuka aktorska itp. Spośród wszystkich powyższych, sztuka aktorska jest najważniejszą rzeczą determinującą teatr. Słynny radziecki reżyser A. Tairow pisał: „...w historii teatru były długie okresy, kiedy istniał bez przedstawień, kiedy działał bez scenografii, ale nie było ani jednego momentu, gdy teatr nie był bez aktora ” Tairov A. Ya , Notatki reżysera. Artykuły. Rozmowy. Przemówienia. Listy. M., 1970, s. 13. 79. .

Aktor w teatrze jest głównym artystą tworzącym tzw. obraz sceniczny. Ściślej mówiąc, aktor w teatrze jest jednocześnie artystą-twórcą, a tworzywem twórczości i jej rezultatem – obrazem. Sztuka aktorska pozwala na własne oczy zobaczyć nie tylko obraz w jego ostatecznym wyrazie, ale także sam proces jego powstawania i kształtowania się. Aktor kreuje obraz z siebie, ale jednocześnie tworzy go w obecności widza, na jego oczach. Na tym chyba polega główna specyfika scenicznego, teatralnego obrazu – i tu tkwi źródło szczególnej i niepowtarzalnej przyjemności artystycznej, jaką daje widzowi. Widz w teatrze, bardziej niż gdziekolwiek indziej w sztuce, bezpośrednio uczestniczy w cudzie stworzenia.

Sztuka teatru, w odróżnieniu od innych sztuk, jest sztuką żywą. Powstaje dopiero w godzinie spotkania z widzem. Opiera się na niezbędnym emocjonalnym, duchowym kontakcie pomiędzy sceną a publicznością. Bez tego kontaktu oznacza to, że nie ma spektaklu, który żyje według własnych praw estetycznych.

Występ przed pustą salą, bez ani jednego widza, jest dla aktora wielką udręką. Stan ten jest dla niego równoznaczny z przebywaniem w przestrzeni zamkniętej przed całym światem. W godzinie przedstawienia dusza aktora skierowana jest ku widzowi, tak jak dusza widza skierowana jest do aktora. Sztuka teatru żyje, oddycha, podnieca i urzeka widza w tych szczęśliwych chwilach, gdy poprzez niewidzialne przewody transmisji wysokiego napięcia następuje aktywna wymiana dwóch duchowych energii, wzajemnie skierowanych ku sobie – od aktora do widza, od widza do aktora.

Czytając książkę, stojąc przed obrazem, czytelnik i widz nie widzą pisarza, malarza. I tylko w teatrze człowiek spotyka się oko w oko z twórczym artystą, spotyka się z nim w momencie twórczości. Odgaduje pojawienie się i ruch swojego serca i przeżywa wraz z nim wszystkie perypetie wydarzeń, które miały miejsce na scenie.

Czytelnik sam na sam z cenną książką może przeżyć ekscytujące i szczęśliwe chwile. A teatr nie zostawia widzów samych. W teatrze wszystko opiera się na aktywnej interakcji emocjonalnej pomiędzy tymi, którzy tego wieczoru tworzą na scenie dzieło sztuki, a tymi, dla których jest ono tworzone.

Widz przychodzi na spektakl teatralny nie jako zewnętrzny obserwator. Nie może powstrzymać się od wyrażenia swojego stosunku do tego, co dzieje się na scenie. Wybuch aprobujących oklasków, wesoły śmiech, napięta, nieprzerwana cisza, westchnienie ulgi, ciche oburzenie – udział publiczności w procesie akcji scenicznej przejawia się w bogatej różnorodności. Świąteczna atmosfera powstaje w teatrze, gdy współudział i empatia osiągają największe natężenie...

Oto co oznacza jego żywa sztuka. Z wrażliwością uchwycona jest sztuka, w której słychać bicie ludzkiego serca, najsubtelniejsze ruchy duszy i umysłu, w której mieści się cały świat ludzkich uczuć i myśli, nadziei, marzeń, pragnień.

Oczywiście, gdy myślimy i mówimy o aktorze, rozumiemy, jak ważny dla teatru jest nie sam aktor, ale zespół aktorski, jedność i twórcze współdziałanie aktorów. „Prawdziwy teatr” – pisał Chaliapin – „to nie tylko indywidualna twórczość, ale także zbiorowe działanie, wymagające całkowitej harmonii wszystkich części”.

Teatr jest sztuką podwójnie kolektywną. Widz odbiera spektakl teatralny i akcję sceniczną nie samodzielnie, ale zbiorowo, „wyczuwając łokieć sąsiada”, co znacznie potęguje wrażenie i artystyczną zaraźliwość tego, co dzieje się na scenie. Jednocześnie samo wrażenie nie pochodzi od pojedynczego aktora, ale od grupy aktorów. Zarówno na scenie, jak i na widowni, po obu stronach rampy, żyją, czują i działają – nie pojedyncze jednostki, ale ludzie, społeczeństwo ludzi połączonych na jakiś czas wspólną uwagą, celem, wspólnym działaniem.

To właśnie w dużej mierze decyduje o ogromnej roli społecznej i edukacyjnej teatru. Sztuka wspólnie tworzona i postrzegana staje się szkołą w pełnym tego słowa znaczeniu. „Teatr” – napisał słynny hiszpański poeta García Lorca – „jest szkołą łez i śmiechu, wolną platformą, z której ludzie mogą potępiać przestarzałą lub fałszywą moralność i wyjaśniać, na żywych przykładach, odwieczne prawa ludzkiego serca i ludzkiego uczucie."

Człowiek zwraca się do teatru jako odzwierciedlenie swojego sumienia, swojej duszy - rozpoznaje siebie, swój czas i swoje życie w teatrze. Teatr otwiera niesamowite możliwości samopoznania duchowego i moralnego.

I choć teatr ze swej natury estetycznej jest sztuką konwencjonalną, podobnie jak inne sztuki, to na scenie przed widzem ukazuje się nie sama realna rzeczywistość, a jedynie jej artystyczne odbicie. Ale w tej refleksji jest tyle prawdy, że postrzega się ją w całej swojej bezwarunkowości, jako najbardziej autentyczne, prawdziwe życie. Widz rozpoznaje ostateczną rzeczywistość istnienia postaci scenicznych. Wielki Goethe napisał: „Cóż może być bardziej naturą niż ludzie Szekspira!”

W teatrze, w tętniącej życiem wspólnocie ludzi zgromadzonych na przedstawieniu scenicznym, wszystko jest możliwe: śmiech i łzy, smutek i radość, nieskrywane oburzenie i dziki zachwyt, smutek i szczęście, ironia i nieufność, pogarda i współczucie, ostrożne milczenie i głośno aprobata... słowem całe bogactwo przejawów emocjonalnych i wstrząsów ludzkiej duszy.

Wpływ rodziny Radziwiłłów na kształtowanie się kultury białoruskiej

Drugie życie niepotrzebnych rzeczy. Renowacja i modernizacja starych rzeczy poprzez drukowanie do nich części na drukarce 3D z różnych materiałów

W naszym kraju coraz częściej mówi się o projekcie kulturalnego rozwoju społeczeństwa. Wszyscy wiedzą, że zjawisko to reprezentuje entuzjazm dla jakiejś filozoficznej analizy głębokich tendencji społecznych…

Kultura starożytnej Grecji

Kultura duchowa w kontekście historyzmu

Starożytni Grecy nazywali sztukę „umiejętnością tworzenia rzeczy według pewnych zasad”. Uważali za sztukę, oprócz architektury i rzeźby, także rękodzieło, arytmetykę i wszystko w ogóle...

Początki teatru starożytnej Grecji

Teatr był być może największym darem, jaki starożytna Grecja pozostawiła nowej Europie. Od samego początku to całkowicie oryginalne dzieło greckiego geniuszu uważane było nie za rozrywkę, ale za święty rytuał...

Kultura Białorusi drugiej połowy XIX i początku XX wieku

Kultura Rusi

Sztuka staroruska - malarstwo, rzeźba, muzyka - również doświadczyła wymiernych zmian wraz z przyjęciem chrześcijaństwa. Ruś pogańska znała wszystkie te rodzaje sztuki, tyle że w czysto pogańskim, ludowym wyrazie. Starożytni rzeźbiarze w drewnie...

Problemy moralne i filozoficzne w twórczości Marka Zacharowa

W XIX wieku sztuka teatralna szybko się rozwijała, na co złożyło się kilka czynników: otwarcie nowych teatrów, twórczość nowego pokolenia dramaturgów, pojawienie się wyspecjalizowanych zawodów teatralnych, rozwój trendów literackich...

Średniowieczna kultura arabsko-muzułmańska

Średniowieczna architektura arabska wchłonęła tradycje podbitych przez siebie krajów – Grecji, Rzymu, Iranu, Hiszpanii. Rozwinęła się także sztuka w krajach islamskich, wchodząc w złożone interakcje z religią. Meczety...

Średniowieczne społeczeństwo

Decydujący wpływ na rozwój sztuki średniowiecznej miał światopogląd cerkiewno-religijny. Kościół widział swoje zadania we wzmacnianiu uczuć religijnych wierzących...

Sztuka teatralna XX wieku: poszukiwanie sposobów dialogu

Kiedy wiersz podyktowany jest uczuciem - Wysyła niewolnika na scenę I tu kończy się sztuka A gleba i los oddychają. B. Pasternak Idea dialogu, rozmowy łączy się w naszej świadomości ze sferą języka, z mową ustną, z komunikacją...

zestaw artystyczny teatralny

Jak każda inna forma sztuki (muzyka, malarstwo, literatura), teatr ma swoje szczególne cechy. Jest to sztuka syntetyczna: na dzieło teatralne (performans) składa się tekst sztuki, dzieło reżysera, aktora, artysty i kompozytora. W operze i balecie muzyka odgrywa decydującą rolę.

Teatr jest sztuką zbiorową. Spektakl to efekt działania wielu osób, nie tylko tych, które pojawiają się na scenie, ale także tych, którzy szyją kostiumy, robią rekwizyty, ustawiają oświetlenie, pozdrawiają publiczność. Nie bez powodu istnieje definicja „pracowników warsztatów teatralnych”: spektakl to zarówno twórczość, jak i produkcja.

Teatr oferuje własny sposób rozumienia otaczającego nas świata, a co za tym idzie, własny zestaw środków artystycznych. Spektakl to zarówno specjalna akcja rozgrywająca się w przestrzeni sceny, jak i szczególne myślenie wyobrażeniowe, odmienne od np. muzyki.

Teatr, jak żadna inna forma sztuki, ma największe „pojemności”. Absorbuje zdolność literatury do odtwarzania życia w słowach w jego zewnętrznych i wewnętrznych przejawach, ale słowo to nie jest narracyjne, ale żywo brzmiące, bezpośrednio skuteczne. Co więcej, w przeciwieństwie do literatury, teatr odtwarza rzeczywistość nie w umyśle czytelnika, ale jako obiektywnie istniejące obrazy życia (spektakl) umiejscowione w przestrzeni. I pod tym względem teatr zbliża się do malarstwa. Ale spektakl teatralny jest w ciągłym ruchu, rozwija się w czasie – i w ten sposób jest bliski muzyce. Zanurzenie się w świat przeżyć widza przypomina stan, jakiego doświadcza słuchacz muzyki, zanurzony we własnym świecie subiektywnego postrzegania dźwięków.

Oczywiście teatr w żaden sposób nie zastępuje innych form sztuki. Specyfiką teatru jest to, że przenosi on „właściwości” literatury, malarstwa i muzyki poprzez obraz żywej, działającej osoby. Ten bezpośredni materiał ludzki dla innych rodzajów sztuki to dopiero punkt wyjścia twórczości. Dla teatru „przyroda” służy nie tylko jako materiał, ale także zostaje zachowana w jej bezpośredniej żywotności.

Sztuka teatru ma niesamowitą zdolność łączenia się z życiem. Choć występ sceniczny odbywa się po drugiej stronie sceny, w momentach największego napięcia zaciera granicę pomiędzy sztuką a życiem i jest odbierany przez widzów jako sama rzeczywistość. Atrakcyjność teatru polega na tym, że „życie sceniczne” swobodnie manifestuje się w wyobraźni widza.

Ten zwrot psychologiczny następuje dlatego, że teatr nie tylko jest obdarzony cechami rzeczywistości, ale sam w sobie odsłania rzeczywistość kreowaną artystycznie. Rzeczywistość teatralna, tworząca wrażenie rzeczywistości, rządzi się swoimi szczególnymi prawami. Prawdziwości teatru nie można mierzyć kryteriami wiarygodności z życia wziętego. Człowiek nie jest w stanie znieść ciężaru psychicznego, jaki bohater dramatu bierze na siebie w życiu, gdyż w teatrze dochodzi do skrajnej kondensacji całych cykli zdarzeń. Bohater spektaklu często doświadcza swojego życia wewnętrznego jako skrzepu namiętności i dużej koncentracji myśli. A wszystko to jest przez publiczność traktowane jako coś oczywistego. „Niesamowite” według standardów obiektywnej rzeczywistości wcale nie jest oznaką nierzetelności w sztuce. W teatrze „prawda” i „nieprawda” mają różne kryteria i są wyznaczane przez prawo wyobraźni. „Sztuka jest doświadczana jako rzeczywistość w pełni naszych mentalnych „mechanizmów”, ale jednocześnie oceniana jest pod kątem jej specyficznej jakości ręcznie robionego, zabawnego „nierealnego”, jak mówią dzieci, iluzorycznego podwojenia rzeczywistości”.

Widz teatralny staje się widzem teatralnym, gdy dostrzeże ten podwójny aspekt akcji scenicznej, nie tylko widząc przed sobą żywotnie konkretny akt, ale także rozumiejąc wewnętrzny sens tego aktu. To, co dzieje się na scenie, odbierane jest zarówno jako prawda życia, jak i jego przenośne odtworzenie. Jednocześnie trzeba zaznaczyć, że widz, nie tracąc poczucia rzeczywistości, zaczyna żyć w świecie teatru. Relacja rzeczywistości realnej i teatralnej jest dość złożona. W procesie tym wyróżnia się trzy fazy:

1. Rzeczywistość obiektywnie ukazanej rzeczywistości, przekształcona przez wyobraźnię dramatopisarza w dzieło dramatyczne.

2. Dzieło dramatyczne wcielone przez teatr (reżysera, aktorów) w życie sceniczne – spektakl.

3. Życie sceniczne, postrzegane przez widzów i stające się częścią ich przeżyć, zlewające się z życiem widzów i tym samym powracające na nowo do rzeczywistości.

Podstawowe prawo teatru – wewnętrzne uczestnictwo publiczności w wydarzeniach rozgrywających się na scenie – zakłada pobudzenie wyobraźni, niezależnej, wewnętrznej twórczości u każdego z widzów. Ta niewola w akcji odróżnia widza od obojętnego obserwatora, którego można spotkać także w salach teatralnych. Widz, w przeciwieństwie do aktora, aktywnego artysty, jest artystą kontemplującym.

Aktywna wyobraźnia widzów nie jest bynajmniej jakąś szczególną duchową własnością wybranych miłośników sztuki. Oczywiście rozwinięty gust artystyczny ma ogromne znaczenie, ale jest to kwestia rozwoju tych zasad emocjonalnych, które są nieodłączne dla każdego człowieka.

Świadomość rzeczywistości artystycznej w procesie percepcji jest głębsza, im pełniej widz zanurzony jest w sferze przeżyć, tym bardziej wielowarstwowa sztuka wnika w duszę człowieka. To właśnie na styku dwóch sfer – nieświadomego doświadczenia i świadomego postrzegania sztuki istnieje wyobraźnia. Jest ona pierwotnie wpisana w psychikę człowieka, organicznie, dostępna każdemu człowiekowi i może być znacznie rozwinięta w trakcie kumulacji przeżyć estetycznych.

Percepcja estetyczna jest twórczością widza i może osiągnąć dużą intensywność. Im bogatsza natura samego widza, tym bardziej rozwinięty jego zmysł estetyczny, tym pełniejsze jego przeżycia artystyczne, tym aktywniejsza jego wyobraźnia i bogatsze wrażenia teatralne.

Estetyka percepcji w dużej mierze skupia się na idealnym odbiorcy. W rzeczywistości świadomy proces kultywowania kultury teatralnej prawdopodobnie popchnie widza w stronę zdobywania wiedzy o sztuce i opanowania pewnych umiejętności percepcyjnych.

W teatrze syntetycznym współczesności tradycyjna relacja pomiędzy dominującymi zasadami – prawdą i fikcją – jawi się jako swego rodzaju nierozerwalna jedność. Synteza ta zachodzi zarówno jako akt doświadczenia (postrzeganie prawdy życiowej), jak i akt przyjemności estetycznej (postrzeganie poezji teatru). Widz staje się wtedy nie tylko psychologicznym uczestnikiem akcji, czyli osobą, która „wchłania” losy bohatera i wzbogaca się duchowo, ale także twórcą, który dokonuje w swojej wyobraźni działania twórczego, jednocześnie z tym, co się dzieje. na scenie. Ten ostatni punkt jest niezwykle ważny i zajmuje centralne miejsce w estetycznej edukacji odbiorców.

Oczywiście każdy widz może mieć swój własny pomysł na idealne wykonanie. Ale we wszystkich przypadkach opiera się na pewnym „programie” wymagań art. Ten rodzaj „wiedzy” zakłada pewną dojrzałość kultury widza.

Kultura widza w dużej mierze zależy od charakteru sztuki, która jest mu oferowana. Im bardziej złożone jest przed nim postawione zadanie - estetyczne, etyczne, filozoficzne - tym intensywniejsza jest myśl, ostrzejsze emocje, tym subtelniejsza manifestacja gustu widza. To bowiem, co nazywamy kulturą czytelnika, słuchacza czy widza, jest bezpośrednio związane z rozwojem samej osobowości człowieka, zależy od jego rozwoju duchowego i wpływa na jego dalszy rozwój duchowy.

Znaczenie zadania, jakie teatr stawia przed widzem w ujęciu psychologicznym, polega na tym, że obraz artystyczny, w całej swojej złożoności i niespójności, odbierany jest przez widza najpierw jako realną, obiektywnie istniejącą postać, a następnie – jako przyzwyczaja się do obrazu i myśli o jego działaniu, odsłania (jakby niezależnie) jego wewnętrzną istotę, jego ogólne znaczenie.

Pod względem estetycznym złożoność zadania polega na tym, że widz postrzega obrazy sceniczne nie tylko według kryteriów prawdziwości, ale także wie, jak (nauczył się) rozszyfrować jego poetyckie, metaforyczne znaczenie.

Specyfiką sztuki teatralnej jest więc człowiek żywy, jako bezpośrednio doświadczający bohater i jako bezpośrednio tworzący artysta, a najważniejszym prawem teatru jest bezpośrednie oddziaływanie na widza.

O „efektu teatru”, o jego przejrzystości decyduje nie tylko godność samej twórczości, ale także godność i kultura estetyczna widowni. Jednak przebudzenie artysty w odbiorze następuje tylko wtedy, gdy widz jest w stanie dostrzec w całości treści zawarte w spektaklu, jeśli jest w stanie poszerzyć swój zakres estetyczny i nauczyć się widzieć w sztuce coś nowego, jeśli jednocześnie pozostając wiernym swojemu ulubionemu stylowi artystycznemu, nie okazuje się głuchy i na inne kierunki twórcze, jeśli potrafi dostrzec nową interpretację klasycznego dzieła i potrafi oddzielić plan reżyserski od jego realizacji przez aktorów. .. Takich „jeśli” można wymienić znacznie więcej. W konsekwencji, aby widz zaangażował się w twórczość, aby obudził się w nim artysta, na obecnym etapie rozwoju naszego teatru istnieje potrzeba ogólnego wzrostu kultury artystycznej widza.

Spektakl teatralny opiera się na tekście, tak jak sztuka na spektakl dramatyczny. Nawet w tych przedstawieniach scenicznych, w których nie ma słowa jako takiego, czasami potrzebny jest tekst; w szczególności balet, a czasem pantomima, ma scenariusz - libretto. Proces pracy nad spektaklem polega na przeniesieniu tekstu dramatycznego na scenę – jest to swego rodzaju „tłumaczenie” z jednego języka na drugi. W rezultacie słowo literackie staje się słowem scenicznym.

Pierwszą rzeczą, którą widz widzi po otwarciu (lub podniesieniu) kurtyny, jest przestrzeń sceniczna, w której umieszczona jest scenografia. Wskazują miejsce akcji, czas historyczny i odzwierciedlają barwę narodową. Za pomocą konstrukcji przestrzennych można nawet oddać nastrój bohaterów (np. w epizodzie cierpień bohatera pogrążyć scenę w ciemności lub zakryć jej tło czernią). Podczas akcji, za pomocą specjalnej techniki, zmienia się sceneria: dzień zamienia się w noc, zima w lato, ulica w pokój. Technika ta rozwinęła się wraz z myślą naukową ludzkości. Mechanizmy podnoszące, tarcze i włazy, które w starożytności były obsługiwane ręcznie, są obecnie podnoszone i opuszczane elektronicznie. Świece i lampy gazowe zastąpiono lampami elektrycznymi; Często wykorzystuje się także lasery.

Już w starożytności ukształtowały się dwa rodzaje scen i widowni: scena pudełkowa i scena amfiteatralna. Scena pudełkowa składa się z poziomów i stanowisk, a scena amfiteatru jest otoczona widzami z trzech stron. Obecnie oba typy są używane na świecie. Nowoczesna technologia umożliwia zmianę przestrzeni teatralnej - ustawienie podestu na środku widowni, posadzenie widza na scenie i przedstawienie spektaklu w sali.Budynek teatru zawsze przywiązywał dużą wagę. Teatry budowano zwykle na centralnym placu miasta; Architekci chcieli, aby budynki były piękne i przyciągały uwagę. Przychodząc do teatru widz odrywa się od codzienności, jakby wzniósł się ponad rzeczywistość. Dlatego to nie przypadek, że do holu często prowadzą schody ozdobione lustrami.

Muzyka pomaga zwiększyć emocjonalny wpływ przedstawienia dramatycznego. Czasami brzmi to nie tylko podczas akcji, ale także w przerwie - aby utrzymać zainteresowanie publiczności. Główną osobą w przedstawieniu jest aktor. Widz widzi przed sobą osobę, która w tajemniczy sposób zamieniła się w artystyczny obraz – wyjątkowe dzieło sztuki. Oczywiście dziełem sztuki nie jest sam wykonawca, ale jego rola. Jest dziełem aktora, stworzonym przez głos, nerwy i coś nieuchwytnego – ducha, duszę. Aby akcja na scenie mogła być postrzegana jako integralna, należy ją zorganizować przemyślanie i konsekwentnie. Te obowiązki we współczesnym teatrze pełni reżyser. Oczywiście wiele zależy od talentu aktorów spektaklu, niemniej jednak są oni podporządkowani woli lidera – reżysera. Ludzie, jak wiele wieków temu, przychodzą do teatru. Tekst spektakli brzmi ze sceny, przetworzony siłami i uczuciami wykonawców. Artyści prowadzą własny dialog – i to nie tylko werbalny. To rozmowa gestów, postaw, spojrzeń i mimiki. Wyobraźnia artysty-dekoratora za pomocą koloru, światła i konstrukcji architektonicznych na scenie sprawia, że ​​przestrzeń sceniczna „mówi”. A wszystko razem zamyka się w ścisłych ramach reżyserskiego planu, który nadaje heterogenicznym elementom kompletność i integralność.

Widz świadomie (a czasem nieświadomie, jakby wbrew swojej woli) ocenia grę aktorską i reżyserię, zgodność rozwiązania przestrzeni teatralnej z ogólnym projektem. Ale najważniejsze, że on, widz, zapoznaje się ze sztuką, w odróżnieniu od innych, powstających tu i teraz. Rozumiejąc sens przedstawienia, pojmuje sens życia.

TEATR JAKO FORMA SZTUKI

Jak każda inna forma sztuki (muzyka, malarstwo, literatura), teatr ma swoje szczególne cechy. Jest to sztuka syntetyczna: na dzieło teatralne (performans) składa się tekst sztuki, dzieło reżysera, aktora, artysty i kompozytora. W operze i balecie muzyka odgrywa decydującą rolę.

Teatr jest sztuką zbiorową. Spektakl to efekt działania wielu osób, nie tylko tych, które pojawiają się na scenie, ale także tych, którzy szyją kostiumy, robią rekwizyty, ustawiają oświetlenie, pozdrawiają publiczność. Nie bez powodu istnieje definicja „pracowników warsztatów teatralnych”: spektakl to zarówno twórczość, jak i produkcja.

Teatr oferuje własny sposób rozumienia otaczającego nas świata, a co za tym idzie, własny zestaw środków artystycznych. Spektakl to zarówno specjalna akcja rozgrywająca się w przestrzeni sceny, jak i szczególne myślenie wyobrażeniowe, odmienne od np. muzyki.

Spektakl teatralny opiera się na tekście, tak jak sztuka na spektakl dramatyczny. Nawet w tych przedstawieniach scenicznych, w których nie ma słowa jako takiego, czasami potrzebny jest tekst; w szczególności balet, a czasem pantomima, ma scenariusz - libretto. Proces pracy nad spektaklem polega na przeniesieniu tekstu dramatycznego na scenę – jest to swego rodzaju „tłumaczenie” spektaklu. z jednego języka na drugi. W rezultacie słowo literackie staje się słowem scenicznym.

Pierwszą rzeczą, którą widz widzi po otwarciu (lub podniesieniu) kurtyny, jest przestrzeń sceniczna, w której umieszczona jest scenografia. Wskazują miejsce akcji, czas historyczny i odzwierciedlają barwę narodową. Za pomocą konstrukcji przestrzennych można nawet oddać nastrój bohaterów (np. w epizodzie cierpień bohatera pogrążyć scenę w ciemności lub zakryć jej tło czernią). Podczas akcji, za pomocą specjalnej techniki, zmienia się sceneria: dzień zamienia się w noc, zima w lato, ulica w pokój. Technika ta rozwinęła się wraz z myślą naukową ludzkości. Mechanizmy podnoszące, tarcze i włazy, które w starożytności były obsługiwane ręcznie, są obecnie podnoszone i opuszczane elektronicznie. Świece i lampy gazowe zastąpiono lampami elektrycznymi; Często wykorzystuje się także lasery.

Już w starożytności ukształtowały się dwa rodzaje scen i widowni: scena pudełkowa i scena amfiteatralna. Scena pudełkowa składa się z poziomów i stanowisk, a scena amfiteatru jest otoczona widzami z trzech stron. Obecnie oba typy są używane na świecie. Nowoczesna technologia umożliwia zmianę przestrzeni teatralnej - ustawienie podestu na środku widowni, posadzenie widza na scenie i przedstawienie spektaklu w sali.Budynek teatru zawsze przywiązywał dużą wagę. Teatry budowano zwykle na centralnym placu miasta; Architekci chcieli, aby budynki były piękne i przyciągały uwagę. Przychodząc do teatru widz odrywa się od codzienności, jakby wzniósł się ponad rzeczywistość. Dlatego to nie przypadek, że do holu często prowadzą schody ozdobione lustrami.

Muzyka pomaga zwiększyć emocjonalny wpływ przedstawienia dramatycznego. Czasami brzmi to nie tylko podczas akcji, ale także w przerwie - aby utrzymać zainteresowanie publiczności. Główną osobą w przedstawieniu jest aktor. Widz widzi przed sobą osobę, która w tajemniczy sposób zamieniła się w artystyczny obraz – wyjątkowe dzieło sztuki. Oczywiście dziełem sztuki nie jest sam wykonawca, ale jego rola. Jest dziełem aktora, stworzonym przez głos, nerwy i coś nieuchwytnego – ducha, duszę. Aby akcja na scenie mogła być postrzegana jako integralna, należy ją zorganizować przemyślanie i konsekwentnie. Te obowiązki we współczesnym teatrze pełni reżyser. Oczywiście wiele zależy od talentu aktorów spektaklu, niemniej jednak są oni podporządkowani woli lidera – reżysera. Ludzie, jak wiele wieków temu, przychodzą do teatru. Tekst spektakli brzmi ze sceny, przetworzony siłami i uczuciami wykonawców. Artyści prowadzą własny dialog – i to nie tylko werbalny. To rozmowa gestów, postaw, spojrzeń i mimiki. Wyobraźnia artysty-dekoratora za pomocą koloru, światła i konstrukcji architektonicznych na scenie sprawia, że ​​przestrzeń sceniczna „mówi”. A wszystko razem zamyka się w ścisłych ramach reżyserskiego planu, który nadaje heterogenicznym elementom kompletność i integralność.

Widz świadomie (a czasem nieświadomie, jakby wbrew swojej woli) ocenia grę aktorską i reżyserię, zgodność rozwiązania przestrzeni teatralnej z ogólnym projektem. Ale najważniejsze, że on, widz, zapoznaje się ze sztuką, w odróżnieniu od innych, powstających tu i teraz. Rozumiejąc sens przedstawienia, pojmuje sens życia. Historia teatru trwa.

RODZAJE TEATRU

Pierwsze przedstawienia teatralne obejmowały mowę i śpiew, taniec i ruch. Muzyka i gesty wzmacniały znaczenie słów, tańce stawały się czasem samodzielnymi „miarami”. Takie działania wyróżniał synkretyzm (od greckiego „syncretismos” - „połączenie”), tj. taki stopień jedności części składowych (przede wszystkim muzyki i słów), że widz nie mógł ich wyizolować w swoim umyśle i ocenić każdy formularz osobno. Stopniowo publiczność nauczyła się rozróżniać elementy spektaklu, z czasem wykształciły się z nich znane nam rodzaje teatru. Synkretyzm ustąpił miejsca syntezie – celowemu łączeniu różnych form.

Najpopularniejszym i najbardziej popularnym typem jest dramatyczny t teatr Głównym środkiem wyrazu jest słowo (nieprzypadkowo teatr ten nazywany jest czasem teatrem mówionym). Znaczenie wydarzeń rozgrywających się na scenie, charaktery bohaterów odkrywane są za pomocą słów tworzących tekst (może być prozaiczny lub poetycki). Innym rodzajem sztuki teatralnej jest opera (patrz artykuł „Muzyka Włoch” w dziale „Muzyka”). W operze konwencje teatru są szczególnie oczywiste - w końcu w życiu nie śpiewa się, aby rozmawiać o swoich uczuciach . Najważniejszą rzeczą w operze jest muzyka. Jednak partytura (notacja muzyczna) musi zostać zaprezentowana i wykonana na scenie: treść utworu ujawni się w pełni dopiero w przestrzeni scenicznej. Takie przedstawienie wymaga od wykonawców szczególnych umiejętności: muszą nie tylko umieć śpiewać, ale także posiadać umiejętności aktorskie. Za pomocą dźwięków aktor i piosenkarz jest w stanie wyrazić najbardziej złożone uczucia. Wpływ występu muzycznego – z silną obsadą śpiewaków, dobrą orkiestrą i profesjonalną reżyserią – może być potężny, a nawet odurzający. Ujmuje widza, przenosi go w świat boskich dźwięków.

W XVI wieku na bazie tańców dworskich i ludowych zaczęły się kształtować balet teatr. Samo słowo „balet” pochodzi od późnołacińskiego ballare – „tańczyć”. W balecie wydarzenia i relacje między bohaterami opowiedziane są poprzez ruchy i tańce, które artyści wykonują do muzyki skomponowanej na podstawie libretta. Pod koniec XX wieku. Powszechne stały się pozbawione fabuły przedstawienia tworzone do muzyki dzieł symfonicznych. Choreograf organizuje takie przedstawienia. ";Pląsawica"; przetłumaczone ze starożytnego języka greckiego oznacza „taniec” i „grafo” - ";pismo";. W efekcie choreograf „pisze spektakl” za pomocą tańca buduje kompozycje plastyczne zgodne z muzyką i fabułą.

W przedstawieniach baletowych z reguły zajęci są soliści, a także luminarze - tak w rosyjskim teatrze nazywali głównego artystę corps de ballet, który tańczył w pierwszej linii, bliżej publiczności. Uczestnicy scen zbiorowych nazywani są corps de ballet. Fabuła operetki sięga nieco ponad półtora wieku. W nauce istnieją dwa punkty widzenia na operetkę. Niektórzy naukowcy uważają ją za samodzielną formę sztuki teatralnej, inni za gatunek (to samo można powiedzieć o musicalu).

Pierwsze przedstawienia, głównie o tematyce komediowej, pojawiły się w drugiej połowie XIX wieku. w paryskim teatrze ";Polerować Parisien”;. Fabuła operetek ma przeważnie charakter komediowy, dialogi mówione przeplatają się ze śpiewem i tańcem. Czasami numery muzyczne nie są powiązane z fabułą, są przerywnikami (patrz artykuł „Jacques Offenbach, Johann Strauss i muzyka rozrywkowa drugiej połowy XIX wieku”; w dziale „Muzyka”;).

Pod koniec XIX wieku Stany Zjednoczone musical. To dzieło sceniczne (zarówno komiczne, jak i dramatyczne w fabule), wykorzystujące formy pop-artu, teatru dramatycznego, baletu i opery oraz tańca codziennego. W operetce można wstawić fragmenty muzyczne, w musicalu można je wstawić. nigdy, są „rozpuszczone”; W akcji. Musical to sztuka dla każdego. Fabuła jest zazwyczaj prosta, a melodie często stają się hitami. Historia musicalu rozpoczęła się w 1866 roku – wtedy w Nowym Jorku wystawiono spektakl muzyczny „Czarny Dodger”. (w innym tłumaczeniu „;Złoczyńca oszust”;). Sukces był oszałamiający i nieoczekiwany. Jednak musical zajął pełne miejsce wśród innych rodzajów sztuki teatralnej dopiero w latach dwudziestych. XX wiek. Podobne przedstawienia zaczęły pojawiać się najpierw w USA, a po II wojnie światowej – na scenach Anglii, Austrii i Francji. Nakręcono najbardziej udane musicale („Kabaret”, „Parasole z Cherbourga”, „Dźwięki muzyki”).

Najstarszym typem przedstawienia teatralnego jest pantomima (od greckiego „pantbmimos” - „odtwarzanie wszystkiego przez naśladownictwo”). Sztuka ta powstała już w starożytności. Współczesna pantomima to przedstawienia bez słów: są to albo krótkie numery, albo rozbudowana akcja sceniczna z fabułą. W XIX wieku sztukę pantomimy rozsławili angielski klaun Joseph Grimaldi (1778–1837) i Francuz Pierrot Jean Gaspard Debureau (1796–1846). Tradycję kontynuowali Etienne Decroux (1898-1985) i Jean Louis Barrault (19.10.1994). Decroux założył szkołę tzw. czystej pantomimy – robienia na scenie „tylko tego, czego inna sztuka nie potrafi”. Zwolennicy takich idei wierzyli, że gest jest prawdziwszy i jaśniejszy niż słowo. Tradycje Barraulta i Decroux kontynuował słynny francuski mim Marcel Marceau (ur. 1923). W Moskwie Heinrich Mackevicius zorganizował Teatr Dramatu Plastycznego, którego repertuar obejmuje złożone i głębokie przedstawienia o tematyce mitologicznej i biblijnej.

W ostatniej ćwierci XIX w. zaczęto tworzyć w całej Europie, ale przede wszystkim we Francji teatry kabaretowe , który łączył formy śpiewu teatralnego, estradowego i restauracyjnego. Najbardziej znanym i popularnym był „Czarny kot” w Paryżu „Jedenastu katów” w Monachium „Wszystko w gruzach” w Berlinie „Zniekształcone lustro” W Petersburgu.

W kawiarni zgromadzili się ludzie sztuki, co stworzyło wyjątkową atmosferę. Przestrzeń dla takich spektakli mogła być najbardziej nietypowa, jednak najczęściej wybierano piwnicę – jako coś zwyczajnego, ale jednocześnie tajemniczego, trochę zakazanego, podziemnego. Występy kabaretowe (krótkie skecze, parodie czy piosenki) wiązały się ze szczególnym przeżyciem zarówno dla publiczności, jak i wykonawców – poczuciem nieskrępowanej wolności. Poczucie tajemniczości potęgowało zazwyczaj fakt, że przedstawienia te odbywały się późno, czasem w nocy. Do dziś prawdziwe kabarety można spotkać w różnych miastach na całym świecie.

Specjalny rodzaj spektaklu teatralnego - przedstawienie kukiełkowe. W Europie pojawił się w epoce starożytności. W starożytnej Grecji i Rzymie odbywały się przedstawienia domowe. Od tego czasu teatr oczywiście się zmienił, ale najważniejsze pozostaje - w takich przedstawieniach biorą udział tylko lalki. Jednak w ostatnich latach lalki często „dzielono”. scena z aktorami.

Każdy naród ma swoich marionetkowych bohaterów, pod pewnymi względami podobnych, a pod pewnymi względami odmiennych. Wszystkich łączy jednak jedno: na scenie żartują, żartują i naśmiewają się z ludzkich wad. Lalki różnią się od siebie zarówno „wyglądem”, jak i budową. Najpopularniejsze lalki to te sterowane za pomocą nici, lalki ręczne i lalki z laski. Przedstawienia teatru lalek wymagają specjalnego sprzętu i specjalnej sceny. Na początku było to po prostu pudełko z otworami wykonanymi u dołu (lub u góry). W średniowieczu na placu odbywały się przedstawienia – wówczas pomiędzy dwoma filarami rozpięto kurtynę, za którą kryli się lalkarze. W 19-stym wieku przedstawienia zaczęły odbywać się w specjalnie zbudowanych pomieszczeniach.

Szczególną formą teatru lalek jest teatr lalek, lalek drewnianych. Dla teatru lalek pisano specjalne scenariusze. Historia światowego teatru lalek zna wiele znanych nazwisk. Występy S. V. Obrazcowa cieszyły się ogromnym powodzeniem. Nowe rozwiązania proponuje w swoich fantazjach Revaz Levanovich Gabriadze (ur. 1936), gruziński lalkarz i dramaturg.

POCHODZENIE TEATRU.

Teatr to sztuka „znikająca”, trudna do opisania. Spektakl pozostawia ślad w pamięci widzów i bardzo niewiele materialnych, materialnych śladów. Dlatego nauka o teatrze – teatrologia – powstała późno, bo pod koniec XIX wieku. W tym samym czasie pojawiły się dwie teorie powstania teatru. Według pierwszego, sztuka Sienna (zarówno zachodnia, jak i wschodnia) rozwinęła się z obrzędów i rytuałów magicznych. W takich akcjach zawsze była zabawa, uczestnicy często używali masek i specjalnych kostiumów. Mężczyzna „bawił się” (przedstawiony na przykład bóstwo), aby wpływać na otaczający go świat - ludzi, przyrodę, bogów. Z biegiem czasu niektóre rytuały przekształciły się w świecką zabawę i zaczęły służyć rozrywce; Później uczestnicy takich zabaw oddzielali się od widzów.

Inna teoria łączy powstanie teatru europejskiego ze wzrostem indywidualnej samoświadomości. Człowiek ma potrzebę wyrażania siebie poprzez spektakularną sztukę, która ma potężny wpływ emocjonalny.

";GRAJ JAK DOrosły, TYLKO LEPIEJ";

Pomysł, że trzeba stworzyć specjalne teatry dla dzieci, zrodził się już dawno. Jeden z pierwszych „dziecięcych” spektakle były dziełem Moskiewskiego Teatru Artystycznego. W 1908 roku K. S. Stanisławski wystawił sztukę „Błękitny ptak” – baśń belgijskiego dramaturga Maurice’a Maeterlincka i od tego czasu słynne przedstawienie nie schodzi ze sceny Moskiewskiego Teatru Artystycznego im. M. Gorkiego. Spektakl ten wyznaczył drogę rozwoju sztuk performatywnych dla dzieci – taki teatr musi być dla dziecka zrozumiały, ale w żadnym wypadku prymitywny i jednowymiarowy.

W Rosji teatry dziecięce zaczęły powstawać po październiku 1917 roku. Już w 1918 roku w Moskwie otwarto Pierwszy Teatr Dziecięcy Rady Moskiewskiej. Organizatorem i reżyserem był N. I. Sats, spektakle zaprojektowali wspaniali artyści V. A. Favorsky i I. S. Efimov, pracował tu słynny choreograf K. Ya. Goleizovsky. Natalya Ilyinichna Sats (1903-1993) całe swoje twórcze życie poświęciła teatrowi dla dzieci. W latach 1921-1937 była dyrektorem artystycznym Moskiewskiego Teatru Dziecięcego (obecnie Centralny Teatr Dziecięcy). Jej najnowszym pomysłem jest Moskiewski Dziecięcy Teatr Muzyczny (nazwany na cześć N.I. Sats). W lutym 1922 roku pierwszych widzów przyjął Teatr Młodych Widzów w Leningradzie. Jednym z jej założycieli i stałym liderem był dyrektor Aleksander Aleksandrowicz Bryaniew (1883-1961). Uważał, że w teatrze należy łączyć artystów, którzy potrafią myśleć jak nauczyciele, i nauczycieli, którzy potrafią postrzegać życie jak artyści.

W teatrach dziecięcych pracowali tak wybitni reżyserzy, jak G. A. Tovstonogov i M. O. Knebel, a także I. V. Ilyinsky, N. K. Czerkasow, O. N. Efremov, R. A. Bykov, B. P. Chirkov. Czasami występy stawały się wydarzeniami w życiu publicznym, jak na przykład produkcja spektaklu „Mój przyjaciel, Kolka”; (reżyser AV Efros). Obecnie najstarszymi krajowymi teatrami dziecięcymi (Rosyjski Teatr Młodzieżowy i Teatr dla Młodych Widzów w Moskwie) kierują odpowiednio A.V. Borodin i G.Ya Yanovskaya - reżyserzy o ciekawym i oryginalnym myśleniu.

W pierwszych teatrach wystawiano głównie przedstawienia baśniowe. Stopniowo pojawiali się dramatopisarze, którzy pisali specjalnie dla dzieci. Pisarka Alexandra Yakovlevna Brushtein (1884-1968) - swego czasu autorka popularnych sztuk „Ciąg dalszy nastąpi”. (1933) i „Niebiesko-różowy” (1936). Twórczość Jewgienija Lwowicza Schwartza (1896-1958) stała się klasyką w repertuarze teatrów dziecięcych. Jego baśniowe przedstawienia – „Królowa Śniegu” (1938), „Dwa klony” (1953), „Nagi król” (1934), „Cień” (1940) i inne – grają w teatrach od kilkudziesięciu lat. Sztuki Schwartza łączą fantazję i prawdziwość w przedstawianiu postaci. Wiktor Siergiejewicz Rozow (ur. 1913) w utalentowany sposób opowiadał o wewnętrznym świecie nastolatków. Odtwarza „Jej przyjaciele” (1949), „Strona życia” (1953), „Dobra godzina” (1954), „W poszukiwaniu radości” (1957) ustalił repertuar teatrów dziecięcych w latach 50. i 60. XX wieku, z których część funkcjonuje do dziś.

Współcześni reżyserzy sięgają po bardzo różne dzieła. Dla najmłodszych grane są bajki, dla nastolatków przedstawienia poświęcone życiu młodych ludzi; Na plakatach teatralnych znajdują się także klasyki, krajowe i zagraniczne. Tak więc w repertuarze Moskiewskiego Teatru dla Młodych Widzów sztuki „Pinokio w krainie głupców” i „Pinokio w krainie głupców” pokojowo współistnieją. (dramatyzacja baśni A. N. Tołstoja), ironiczny spektakl na podstawie wiersza S. Ya Marshaka „Żegnaj, Ameryko”; i „;Burza z piorunami”; na podstawie sztuki A. N. Ostrowskiego.Teatry dla dzieci i młodzieży powstały w wielu krajach świata. W 1965 roku w Paryżu powstało Międzynarodowe Stowarzyszenie, które pomaga w ich powstaniu. Odbywają się międzynarodowe festiwale teatrów dziecięcych.

Siergiej Władimirowicz OBPA3TSOB

Niesamowita osoba o wyjątkowym zawodzie, lalkarz, pisarz, dramaturg – to wszystko Siergiej Władimirowicz Obrazcow (1901–1992). Jego nazwisko jest popularne zarówno w naszym kraju, jak i za granicą. Twórczość i życie artysty znajdują szerokie odzwierciedlenie w książkach i artykułach. Jego występy żyją dziś w teatrze, który słusznie nosi imię Obrazcowa.

Takie wspaniałe produkcje jak „Na rozkaz szczupaka” (1936), „Czarodziejska lampa Aladyna” (1940), „Boska komedia” (1961), „Niezwykły koncert” (1968), „;Don Juan82”; i inne, do dziś stanowią ozdobę repertuaru Centralnego Teatru Lalek. Obrazcow, znakomity gawędziarz, dowcipny i spostrzegawczy artysta, pozostawił po sobie najciekawszą spuściznę literacką w swoich książkach „Aktor z lalką”, „Mój zawód”, „Sztafeta sztuki”, „Na schodach pamięci”, „Moja Kunstkamera”. "; itd.

Dzieciństwo Obrazcowa spędził w inteligentnej moskiewskiej rodzinie: jego ojciec był inżynierem podróży, naukowcem, a później akademikiem, jego matka była nauczycielką, nauczycielką języka rosyjskiego. Umiejętności rysunku, malarstwa i grafiki, kształcenie u artystów Abrama Efimowicza Arkhipowa (1862-1930) i Władimira Andriejewicza Faworskiego (1886-1964), lekcje śpiewu, zajęcia aktorskie w Teatrze Muzycznym pod kierunkiem V. I. Niemirowicza Danczenki, wykonywanie małych ról charakterystycznych na scenie Moskiewskiego Teatru Artystycznego, komunikacja z K. S. Stanisławskim, obserwacje zwyczajów zwierząt, ptaków, ryb – wszystko to trafiło do twórczej skarbonki. Mieszkanie słynnego mistrza było wypełnione półkami akwariów z szeroką gamą ryb. Pomieszczenie wypełniło się gwarem niezwykłych ptaków.

Wszystko zaczęło się w dzieciństwie od prezentu od mamy – małej lalki Bibabo, co zapoczątkowało całą serię różnych wersji lalek, zwanych lalkami rękawiczkowymi. Noszone są na dłoni jak rękawiczki i znane są od czasów komedii o Pietruszce. Podobne lalki istniały w Chinach, Indiach i starożytnej Grecji i miały imiona.

Muzyka stała się stałym towarzyszem występów Obrazcowa. Przenośny ekran z kieszeniami wewnętrznymi, akompaniator - i teraz jednoosobowy teatr gotowy! Skłonności artysty pomogły Obrazcowowi stworzyć wizerunek lalek. Mógłby to być radny tytularny w dramatyzacji romansu A. S. Dargomyżskiego, wypijający ze smutku wielką butelkę, albo Murzyn i Stara kobieta w romansie „Siedzieliśmy z tobą nad śpiącą rzeką” lub występy zabawnych małpich lalek romans „Minuta”. , naśladując A.N. Wiertyńskiego.

Obraztsov nieustannie starał się uczyć. Niepowodzenia lub błędne obliczenia stały się powodem nowych odkryć i poszukiwań. Szeroki zakres erudycji w swoim zawodzie potwierdziła znajomość z różnymi przedstawieniami lalkowymi podczas zagranicznych tournée. I tak w Anglii Obrazcow spotkał lalkę Punch, w Niemczech – z Hansem Wurstem, w Czechosłowacji – z Kasparkiem itd. Charakterystyczne jest, że wysoko ceniąc sztukę swoich kolegów, chciał pozostać wierny swojej oryginalności. Zakres i różnorodność repertuaru osobistego nie mogła nie doprowadzić do powstania teatru. Jedno po drugim rodzą się nowe spektakle, przenoszące widzów albo w bajkę, albo w atmosferę popowego koncertu. W spektaklu „Niezwykły koncert” Wzięła w nim udział duża grupa aktorów, uczniów Obrazcowa. Zabrzmiał tu „chór cygański”, wykonano duet operetkowy i był zabawny artysta (głos marionetki głosił aktor Zinovy ​​​​Efimovich Gerdt, 1916–1998). Spektakl ten był wystawiany niezliczoną ilość razy i oglądany przez publiczność w wielu krajach. Chór, orkiestra i wystrój zbliżyły teatr lalek do aktorstwa, ale specyfika teatru lalek pozostała. Zabawne małe ludziki wywoływały śmiech i empatię u widzów w każdym wieku. Pod koniec przedstawienia zza ekranów wyszli lalkarze i pojawił się główny reżyser Siergiej Obrazcow, dusza teatru.

pogląd sztuka(muzyka, malarstwo, literatura), teatr ma swoje szczególne cechy. Ten sztuka... obraz. W nowoczesnym teatr techniki i metody różnych gatuneksztuka. Innowacyjni ludzie mogą...