Borodin. Wielki chemik i muzyk. Sekrety wielkich kompozytorów. uczeni muzycy

Wynalezienie monochordu

Guido d'Arezzo uczy biskupa Theobalda gry na monochord. Miniatura z XI-wiecznego kodeksu

Wikimedia Commons

Wynalezienie instrumentu do precyzyjnego konstruowania interwałów muzycznych przypisuje się Pitagorasowi. Po raz pierwszy zasadę jego działania opisał Euklides półtora wieku później, ale aż do renesansu monochord pozostawał głównym instrumentem teoretyków. Była to pojedyncza struna z ruchomym zaciskiem, który poruszał się po dolnej osi, równolegle do struny, na całej jej długości zgodnie z naniesioną na podstawę podziałką. Instrument często nie miał nawet rezonatora. W przeciwieństwie do innych instrumentów muzycznych starożytności nigdy nie brzmiał w świątyniach i na placach. Jednak to on miał odegrać fatalną rolę w historii muzyki.

Faktem jest, że za pomocą tego prostego urządzenia pitagorejczycy po raz pierwszy ustalili matematyczne podstawy harmonii muzycznej. Według Greków harmonia muzyczna była częścią uniwersalnej harmonii świata, która opierała się na liczbach. Za pomocą tego urządzenia obliczono matematyczne stosunki interwałów muzycznych w stroju naturalnym naturalne strojenie i rozwinął teorię trybów muzycznych Chłopak- centralna koncepcja doktryny harmonii, skala muzyczna oparta na systemie interwałów, które istnieją w określonym stroju (naturalnym, czystym, temperowanym). Mody diatoniczne opierają się na określonej przemianie tonów lub półtonów i mają siedem stopni, ustalonych początkowo w wyniku zastosowania interwałów szeregu naturalnego (zob. poprzedni przypis). Zasięg, czyli moduł modalny współczesnych modów, to interwał oktawowy, czyli gdy osiągnięty zostanie dźwięk będący w stosunku 1:2 w stosunku do dźwięku początkowego modu, dochodzimy do jego granicy. W praktyce można to zweryfikować posługując się np. samymi białymi klawiszami klawiatury pianina. Grając sekwencje siedmiu dźwięków z dowolnego białego klawisza, zaczynając za każdym razem od następnego, otrzymujemy siedem rodzajów gam diatonicznych, w których tony i półtony przeplatają się w innej kolejności. Część ósma przywróci nam pierwotną kombinację tonów lub półtonów. Po raz pierwszy system ten został wyprowadzony i opisany przez Ptolemeusza. Dźwięk, od którego zaczynamy grać każdą z siedmiostopniowych sekwencji, jest uważany (przynajmniej w rosyjskiej muzykologii) za podstawę trybu, czyli jego ton główny.
Zakres lub moduł modalny niekoniecznie musi być równy oktawie. Oprócz trybów diatonicznych istnieją również tryby chromatyczne (składające się z równych półtonów), całotonowe (składające się z równych całych tonów), oktotonowe (składające się z jednolitej przemiany „ton – półton”) i inne, będące owocem wynalazki kompozytorskie lub zapożyczenia kompozytorów z praktyki folklorystycznej, które miały miejsce dopiero w drugiej połowie XIX - XX wieku. Podział oktawy na równe półtony (skala chromatyczna) leży u podstaw funkcjonalnej harmonii i tonacji XVIII-XX wieku, jednolitego temperamentu, a także umożliwia komponowanie muzyki z tonacji (zob. dodekafonia). .

1027

Pojawienie się prototypu współczesnej notacji liniowej

Ręka Guidona z włoskiej kolekcji liturgicznej. Kod 1450-1499

SM. kol. 1468. Kislak Centrum Zbiorów Specjalnych / Rzadkie Książki i Rękopisy / University of Pennsylvania

Stworzenie przez włoskiego naukowca, kompozytora i nauczyciela Guido d'Arezzo prototypu nowoczesnej liniowej notacji i solmizacji (solfeggio) było przede wszystkim krokiem w kierunku zlikwidowania przepaści między ówczesną teorią a praktyką. Notacja liniowa była dużym krokiem naprzód w porównaniu ze starszą, tzw. notacją niedeklaratywną. Nieprawidłowy zapis- rodzaj zapisu wokalnego, w którym neuma jest głównym elementem zapisu nutowego. Nevma może odpowiadać jednej nucie lub kombinacji nut o różnych wysokościach, które tworzą frazę melodyczną. Z reguły nie da się określić dokładnej wysokości i znaczenia rytmicznego neumy (w przeciwieństwie do szkolnego pięciowierszowego zapisu taktowego). używany w Europie od IX wieku. Nowy system zapisu został uzupełniony o specjalny system mnemoniczny zwany ręką Guidona, w którym sekwencję dźwięków określały knykcie i opuszki palców. Dźwięki zostały po raz pierwszy oddzielone od sylab śpiewanego tekstu i otrzymały uniwersalne nazwy, zaczerpnięte jednak także z początkowych sylab hymnu do św. Jana. Edukacja muzyczna opierała się więc na podstawach naukowych. Został znacznie uproszczony, eliminując ustne przekazywanie kolosalnych ilości informacji.

Konieczne jest również wyjaśnienie, że Guido odkrył tylko samą zasadę: przed stworzeniem symboli muzycznych w formie, do której jesteśmy przyzwyczajeni, było jeszcze aż sześć wieków. A Guido miał tylko sześć nazw notatek - siódma została dodana później To dźwięk B dopełnił skalę do pełnego zakresu oktawy; w czasach Guido stosowano system sześciostopniowy..

1481

Po raz pierwszy do odtworzenia muzyki użyto prasy drukarskiej

Strony zbioru „Sto słodkich piosenek” Ottaviano Petrucciego. Wenecja, 1501

Museo internazionale e Biblioteca della musica di Bologna

Dokonał tego Włoch Ottaviano Scotto, który wydrukował mszał Mszał- księga liturgiczna Kościoła rzymskokatolickiego, zawierająca treść Mszy św. wraz z towarzyszącymi tekstami. z drewnianych desek. Dokładnie 20 lat później, w 1501 roku, jego rodak Ottaviano Petrucci (1466-1539) po raz pierwszy użył składu do druku nut i otrzymał od Republiki Weneckiej 20-letni monopol na ich muzykę.
wydanie Imię Ottaviano Petrucci nadano największej sieciowej bibliotece muzycznej naszych czasów (analogicznie do projektu Gutenberga).. Pierwszą muzyczną edycją Petrucciego była kolekcja „Harmonice musices odhecaton” („Sto słodko brzmiących piosenek”), w której opublikowano świeckie utwory polifoniczne wybitnych kompozytorów tamtych czasów - Obrechta, Okeghema, Despresa, Tinktorisa i innych. Do czasu wynalezienia fonografii i radiowego druku muzycznego stał się głównym i niemal jedynym sposobem rozpowszechniania muzyki w Europie.

1580-90s

Wynalezienie Równego Temperamentu

Od czasów Pitagorasa () muzyka cieszyła się naturalnością
tworzenie naturalne strojenie- system oparty na szeregu tzw. podtonów. Alikwoty uzyskuje się dzieląc brzmiący korpus, np. strunę, na równe części w stosunku 1:2 (powstaje alikwot, który brzmi w odstępie oktawy od tonu głównego), 3:2 (kolejny alikwot , który brzmi w odstępie jednej piątej od poprzedniego alikwotu) itp. Rezultatem jest szereg harmoniczny w odniesieniu do tonu podstawowego. Na podstawie tych interwałów budowana jest skala diatoniczna. Jednak tylko te interwały, które są bezpośrednio związane z wybranym tonem podstawowym, będą brzmiały czysto akustycznie w tym stroju. Inne interwały skali diatonicznej będą brzmiały rozstrojone.. Słuch ludzki jest jednak tak skonstruowany, że w warunkach polifonii (gdy pewne interwały wykonują śpiewacy lub śpiewak i instrument razem) lub przy przechodzeniu z jednej tonacji do drugiej, niektóre kombinacje odbierzemy jako fałszywe W końcu wszystkie interwały w harmonii będą miały różne proporcje częstotliwości, a najmniejszy – półton, czy mała sekunda – aż trzy: 15:16, 128:135, 24:25.. W czasach panowania wokalnej muzyki monofonicznej wszystkie te przeliczenia pozostały w zasadzie na papierze, ale wraz z dodaniem do chóru organów, które wymagały dopracowania, zaczęły się pierwsze problemy. Wraz z rozwojem muzyki instrumentalnej w okresie renesansu fałsz stał się nie do zniesienia. Wymyślano różne metody korygowania „błędu natury” – w szczególności zmieniając szerokość głównych interwałów. Ta szerokość została po prostu uśredniona do pewnej akceptowalnej wartości. Tak narodziło się pojęcie temperamentu, co po łacinie oznacza „uspokojenie”.

Oznaczało to nie tyle uspokojenie, ile zmniejszenie liczby uderzeń w nieprzyjemnych dla ucha dysonansach („jakby wyje wilk straszny” – powszechna metafora mistrzów muzyki renesansu), ale uspokojenie ludzkiego ucha. Wybrano przedział odniesienia, najczęściej piąty Kwinta , oraz dla różnych kwint (jest ich w sumie dwanaście), ich stosunek obliczono z optymalną liczbą uderzeń, a następnie wszystkie pozostałe interwały dostosowano do tego układu. Mniej więcej w tej kolejności tunery działają do dziś. Jednak pod koniec XVII wieku kilku wybitnych naukowców od razu podniosło kwestię stworzenia takiego systemu, w którym wszystkie interwały byłyby postrzegane przez ucho jako równe sobie, zaczynając od najmniejszego - półtonu (czyli 1 /12 oktawy). Nie można dokładnie powiedzieć, kto był autorem formuły obliczania równego temperamentu, ponieważ spotykamy się z różnymi autorami.

Podobnie jak w przypadku innych wynalazków mających na celu ujednolicenie tej czy innej technologii muzycznej, równotemperament dał potężny impuls kompozytorom, którzy zaczęli stosować system równych półtonów w celu uzyskania najbardziej odważne kombinacje dźwiękowe. Z drugiej strony równotemperaturowe budziły uzasadnione obiekcje muzyków wykonawczych, przede wszystkim smyczkowych, którzy słusznie argumentowali, że naturalne nachylenia tonów w równotemperaturowych zestrajaniu się ze sobą w melodiach brzmią ubożej i bardziej sucho.

Według najnowszych danych nawet Bach stosował różne systemy o nierównym temperamencie. Jednak od połowy XVIII wieku wszystkie projekty instrumentów muzycznych budowano z uwzględnieniem jednolitego temperamentu, z wyjątkiem instrumentów smyczkowych, których konstrukcji w zasadzie nie można dostosować do tego systemu. Ostatnimi „naturalnymi” instrumentami orkiestry symfonicznej były instrumenty dęte blaszane (w niektórych miejscach aż do początku XX wieku), ale dalsze udoskonalanie ich urządzenia również nie dawało im szans. Tylko w muzyce wokalnej (wszędzie w folklorze, a czasem w kościele) przetrwał naturalny system.

1560s

Instrumenty z rodziny skrzypiec

Instrumenty smyczkowe z traktatu Athanasiusa Kirchera „Musurgia universalis”. 1650

Bibliothèque nationale et universitaire de Strasbourg

Wbrew panującej ostatnio opinii, skrzypce nie były wytworem spontanicznego doskonalenia i hybrydyzacji istniejących wcześniej instrumentów smyczkowych (różne altówki, fidel czy rebec), lecz świadomym wynalazkiem zasadniczo nowego instrumentu, odpowiadającego najnowszym ( do połowy XVI wieku) dane z zakresu fizyki i akustyki. Cztery struny nastrojone w kwintach Kwinta- interwał muzyczny o szerokości pięciu kroków., umożliwiły szybkie i wygodne ujednolicenie położenia palców na gryfie. W porównaniu z altówką skrzypce miały znacznie mocniejszy i bogatszy dźwięk.

Jak w przypadku podobnych wynalazków, ten miał kilku autorów na raz Przypuszczalnie Micheli Pellegrino, Nicolò Fontana i Andrea Amati., a rozwój i doskonalenie konstrukcji skrzypiec w XVII wieku doprowadziły do ​​pojawienia się w pierwszej połowie XVIII wieku słynnych instrumentów Stradivariego i Guarneriego. Instrumenty z rodziny viol otrzymały potężny konkurencyjny klan, z którym walka została przegrana w samą porę na erę Guarneri (druga ćwierć XVIII wieku). Cała rodzina skrzypiec powstała od razu jako komplet, którego początkowy skład był następujący: skrzypce sopranowe, alt, tenor, bas. Rozpiętość instrumentów odpowiadała z grubsza rozpiętościom głosów śpiewu – absolutna dominacja muzyki wokalnej i towarzysząca jej rola instrumentów w XVI wieku była jeszcze surową rzeczywistością. Później z tego zestawu wypadł tenor, ale pojawił się kontrabas, stworzony sto lat później przez Michele Todiniego. To prawda, że ​​​​wynalazek ten został zapomniany aż do czasu powstania orkiestry klasycznej (lata pięćdziesiąte XVIII wieku).. W przeciwieństwie do wielu innych instrumentów, instrumenty z rodziny skrzypiec nie przeszły praktycznie żadnych zmian konstrukcyjnych (poza projektem smyczka, a także innymi drobiazgami, takimi jak kształt statywu czy wymiana strun jelitowych na stalowe w XX wiek).

1709

Wynalazek fortepianu

Duży fortepian Bartolomeo Cristofori. Florencja, 1720

Kolekcja instrumentów muzycznych Crosby'ego Browna, 1889 / Metropolitan Museum of Art

Bartolomeo Cristofori wynalazł fortepian, zasadniczo zmieniając konstrukcję klawesynu znanego od XV wieku. W klawesynie po naciśnięciu klawisza na strunie dotykało go specjalne piórko, które uniemożliwiało kontrolowanie siły i długości dźwięku. Jedynym środkiem wyrazu klawesynistów była artykulacja Artykulacja- łączone lub oddzielne wydobywanie dźwięków, najmniejsze zmiany tempa w obrębie taktu lub nawet jednej policzalnej miary., a także zastosowanie ogromnej liczby ozdobników melodycznych (melismas), mających na celu przede wszystkim przedłużenie lub zaakcentowanie określonego dźwięku (np. tryl). Aby urozmaicić dynamikę i charakter brzmienia, podłączono inne zestawy smyczków, sterowane z innej klawiatury (jak w organach). W instrumencie Cristofori młoteczek uderzał w strunę, której siła zależała od siły naciskania klawisza. Otrzymał więc przydomek „klawesyn o cichym i głośnym brzmieniu” (po włosku di piano e forte, skąd pochodzi współczesna nazwa fortepianu). Drgania struny można było tłumić tłumikiem (tłumikiem) lub pozostawić, aby zabrzmiała, naciskając lub puszczając pedał. Ulepszenia w mechanice i części rezonansowej zaczęły pojawiać się już w pierwszej dekadzie istnienia nowości, a do 1858 roku instrument ten uzyskał swój nowoczesny wygląd. W tym czasie fortepian stał się najpopularniejszym instrumentem, którym jest do dziś, jednak ustępując miejsca pianinowi elektrycznemu.

1722

Pojawienie się funkcjonalnej harmonii

„Traktat o harmonii sprowadzonej do jej naturalnych zasad” Jeana Philippe'a Rameau. 1722

Bibliotheque Nationale de France

Początkowo europejska muzyka profesjonalna była monofoniczna i modalna, to znaczy oparta na takim czy innym trybie. Podstawową ideę trybów używanych w średniowieczu (czasami nazywanych też kościelnymi) każdy może uzyskać, grając sekwencję siedmiu dźwięków z rzędu z każdego z siedmiu białych klawiszy oktawy., o jednym fundamencie, wybrzmiewający tylko na początku i na końcu utworu. Wraz z rozwojem muzyki polifonicznej niezależne linie głosów zaczęły tworzyć akordy, ale przez długi czas akord nie był postrzegany w oderwaniu od linii głosu, co jest dość trudne do zrozumienia dla współczesnego słuchacza przyzwyczajonego do postrzegania muzyki jako kolejność akordów. (Wybranie stabilnych, skutecznych i zapadających w pamięć sekwencji akordów zajęło cały XVII wiek). Co więcej, cztery z sześciu najczęściej używanych trybów po prostu zniknęły z obiegu i zmieniły nazwy. Teraz dla nas jest to major i minor.

Francuski kompozytor i teoretyk epoki baroku, Jean Philippe Rameau, w swoim Traktacie o harmonii sprowadzonej do jej naturalnych zasad wprowadził hierarchię kolejnych etapów użytkowania progów. Pierwsze trzy akordy z tego systemu to tonika Tonik- pierwszy krok dużego lub mniejszego progu, jego główny fundament., subdominujący Subdominujący- czwarty stopień trybu względem toniki, jeden z głównych stopni szeregu harmonicznego, położony o ton poniżej dominanty. i dominujący Dominujący- piąty stopień trybu w stosunku do toniki, jeden z głównych kroków serii muzycznej.- "akordy trzech złodziei", znane każdemu gitarzyście próbującemu swoich sił w drzwiach. (W dzielnych czasach Rameau nazywano je systemem „potrójnej proporcji”.) Rameau uzasadnia koncepcję tonacji jako „systemu hierarchicznie scentralizowanych relacji funkcjonalnych, w których tonika przenika całą strukturę harmoniczną”. Ponadto akordy, według Rameau, musiały być teraz umieszczone w ściśle wyznaczonych miejscach. W ten sposób powstała nowa składnia muzyczna, w której zwarta na dominie oznaczała coś w rodzaju przecinka w zdaniu złożonym, a zwarta na tonice oznaczała kropkę. Umiejscowienie sfery toniki, dominanty czy innych funkcji staje się integralną i rozpoznawalną cechą większych podziałów form. Bez wyjątku wszystkie formy klasyków Głównymi przedstawicielami są Haydn, Mozart, Beethoven. a romantycy, od małego preludium Chopina do kolosalnej symfonii Brucknera, opierali się na opozycji funkcji bliższych tonice i bardziej od niej odległych. W XIX wieku multiplikacja zasady „potrójnej proporcji” na inne stopnie modalne doprowadziła do ciężkości systemu, zatarcia granic dur-moll (np. struktury o kolosalnej złożoności (na przykład u Brahmsa). Impresjonista Claude Debussy zaczął nawet zachwycać się pojedynczymi pięknymi akordami, rozrzucając je całymi pęczkami po wszystkich grupach orkiestry czy rejestrach fortepianu, a ekscentryczny kompozytor i pianista Eric Satie poszedł jeszcze dalej, łamiąc zasady harmonii we wszystkim z zasady. W ostatniej tercji XX wieku muzyka masowa, pod wpływem bluesa i folkloru, powróciła do podstaw modalnych, a obecnie wynalazek Rameau jest tak naprawdę używany tylko w praktyce edukacyjnej i do stylizacji.

1815

Wynalezienie metronomu

Metronom autorstwa Johanna Nepomuka Mälzela

Musikinstrumenten-Museum des Staatlichen Instituts für Musikforschung - Preußischer Kulturbesitz / Oliver Schuh

Niemiecki mechanik, pianista i pedagog Johann Nepomuk Melzel otrzymał 5 grudnia patent na swój wynalazek. Jego projekt metronomu zyskał szczególną popularność, chociaż Mälzel miał wielu konkurentów na początku XIX wieku, ponieważ idea „chronometru muzycznego” wisiała w powietrzu. Wynalazek ten służył nie tylko celom edukacyjnym, wybijając absolutnie równe części taktu lub całe takty, ale miał również na celu ustalenie woli autora w odniesieniu do tempa wykonywanej kompozycji. Przed wynalezieniem metronomu kompozytor wskazywał tylko charakter (zabawny, żywy, szeroki), a przybliżone tempo zależało od czasu trwania uderzenia Czyli allegro (czyli „zabawa”) miało grać trzy ósemki szybciej niż trzy czwarte., ale od 1815 roku tempo w coraz większym stopniu zależało od indywidualnych, a nawet regionalnych preferencji, nie mówiąc już o akustyce pomieszczenia. Beethoven był zagorzałym propagatorem nowego wynalazku, dedykowanego Mälzelowi kanon „Ta-ta-ta” i naśladował dźwięk metronomu w trakcie druga część VIII Symfonii. Jednak oznaczenia metronomiczne występują w niewielkiej części całego katalogu dzieł Beethovena, aw różnych źródłach - różne liczby metronomiczne. Innym miłośnikiem liczb metronomicznych był Igor Strawiński, ale jego własne nagrania tych samych kompozycji dokonane w różnych latach (1925-1965) pokazują też zupełnie inne liczby. Co więcej, jak pokazuje historia nagrań wykonawczych, tempo wykonywania tych samych symfonii Beethovena (a tym bardziej Mendelssohna, Schumanna i innych romantyków) zmieniało się co 20 lat pod wpływem mody, nowych możliwości akustyki koncertu sale, nagrywanie dźwięku i tak dalej. Ale metronom nie może być uważany za bezużyteczny wynalazek: jest to najlepszy dowód na to, że czas muzyczny, jak każdy inny, jest kategorią raczej arbitralną i subiektywną.

1877-1900 lat

Wynalazki w dziedzinie zapisu mechanicznego
(1877 - wynalezienie fonografu, 1898 - gramofon, 1900 - pianino mechaniczne)

Badania akustyczne w latach 60. XIX wieku naturalnie zakończyły się wynalezieniem maszyny, która umożliwiła nie tylko uzyskanie wizualnego obrazu dźwięku, ale także jego odtworzenie. Dziś, w dobie rewolucji elektronicznej, można stwierdzić, że obie były równie ważne dla muzyki przyszłości, jednak to właśnie umiejętność odtwarzania nagranego dźwięku, jak również jego replikacji, okazała się równa próby wymyślenia zestawu muzycznego. Nuty utraciły monopol na prawo do bycia wyłącznym nośnikiem informacji muzycznej.

Thomas Edison obok fonografu. 1877

Biblioteka Kongresu

Francuski poeta i wynalazca-amator Charles Cros twierdzi, że w 1877 roku wynalazł palefon, na którego pomysł wpadł mu podczas pracy nad stworzeniem animacji kolorowej. Kro nie opatentował tego urządzenia, a Edison opatentował swoje własne miesiąc później ze sformułowaniem „ulepszenie instrumentu do kontrolowania i odtwarzania dźwięków”. (Projekty przemysłowe faktycznie działających fonografów rejestrujących dźwięk na cylindrycznych wałkach woskowych pojawiły się dopiero dziesięć lat po pojawieniu się eksperymentalnej próbki, w której igła wywołująca wibracje dźwiękowe w przymocowanej do niej membranie poruszała się w górę i w dół Asystent Edisona, Emil Berliner, obrócił system o 45 stopni: jego igła oscylowała w lewo i prawo..)

Amerykański wynalazca Emile Berliner nazwał swoje urządzenie gramofonem i w 1898 roku rozpoczął produkcję przemysłową w Wielkiej Brytanii. Paradoksalnie, początkowo płyty i fonografy nie były uważane za rejestrujące proces indywidualnego wykonania muzycznego – na katalogach i etykietach płyt widniały jedynie nazwa utworu i skład instrumentów. Jakość była taka, że ​​to wyjaśnienie może być konieczne.. Dopiero inżynier dźwięku i producent firmy Gramophone Fred Geisberg odważył się dokonać nagrań wybitnych śpiewaków i instrumentalistów. Pierwszymi gwiazdami nagrań byli Caruso, Chaliapin, Battistini i Melba. W 1910 roku całkowity nakład płyty z arioso Canio z Pajaców Leoncavalla w wykonaniu Caruso osiągnął milion.

Emile Berliner z modelem pierwszego wynalezionego przez siebie gramofonu. Fotografia 1910-1929

Biblioteka Kongresu

Gramofon wywrócił społeczną funkcję muzyki do góry nogami, zastępując domowe muzykowanie wraz z pianolą, mechanicznym pianinem, które pojawiło się w 1900 roku. Nagrywanie mechaniczne zachwyciło umysły wynalazców, którzy rozsądnie uznali, że skoro płyta może odtworzyć nagrany dźwięk, to znaczy, że można na niej wyryć dźwięk własnego wynalazku. Pomysł ten pojawił się już w 1907 roku u rosyjskiego futurysty Nikołaja Kulbina, ale został zrealizowany dopiero 20 lat później na podstawie zapisu optycznego. Powtórzenia tej myśli można było znaleźć w awangardowych pismach do 1926 roku, kiedy to w powietrzu wisiała idea „malowanego dźwięku”. Muzyka na fortepian mechaniczny, której nie da się wykonać na niczym innym, zaczęła powstawać już w latach 1910: najbardziej znanym przykładem jest „Balet mechaniczny” Man Ray i George Antheil na projekcję filmową, zespół pianola i instrumenty szumowe 1924.

1923

Wynalezienie dodekafonii

Od lewej do prawej: Otto Klemperer, Arnold Schönberg, Anton Webern, Hermann Scherchen. Donaueschingen, Niemcy, 1924

Centrum Arnolda Schönberga

Po upadku kompozytorzy zaczęli szukać sposobów na nową organizację tonalną, która wytrzymałaby chaos dźwięków. Niektórzy kompozytorzy zwracali się ku harmonii wyższych tonów serii naturalnej (np. Skriabin), ale nawet temperament nie pozwalał im na dokończenie tych eksperymentów, a wyjście poza nie okazało się wówczas przedwczesne. Wielu kompozytorów próbowało powrócić do modalności i zaczęło tworzyć nowe tryby w oparciu o wzorce numeryczne (mesjan) lub obserwacje modów ludowych (Bartok).. Kompozytorzy austriaccy zaczęli opierać się na najważniejszych zasadach klasycznych, takich jak jedność materiału, możliwość jego wariacji i powtarzalności – przez dziesięć lat Arnold Schönberg i jego uczniowie, Anton Webern i Alban Berg, pilnie opracowywali zasady pracy z najbardziej elementarne części mowy muzycznej: motyw, interwał, akord. Przy okazji zmuszono ich do zwrócenia uwagi na istotną rolę innych parametrów akustycznych muzyki, wcześniej uznawanych jedynie za dekoracyjne: przede wszystkim barwy i dynamiki. Przy całym swoim wyrafinowaniu zasady tej tak zwanej muzyki atonalnej (sami określali ją jako pozatonalną) były zbyt kruche i nie pozwalały na tworzenie wielkich kontrastów (muzyka wokalna była wyjątkiem). Potrzebny był jakiś totalny system, który zastąpiłby funkcjonalną tonację, ale byłby bardziej elastyczny i wszechstronny. I taki system został znaleziony.

„Myśl muzyczna” Arnolda Schönberga. Rękopis 1921-1926

Wykorzystane za zgodą Belmont Music Publishers i Arnold Schönberg Center

Priorytet w odkryciu dodekafonii jest nadal kwestionowany, ponieważ kilku kompozytorów z różnych krajów niezależnie zajmowało się jednocześnie poszukiwaniem takiego systemu. Ale dopiero Schönbergowi udało się zbudować harmonijny i spójny system 12 tonów, w którym każdy kolejny ton łączy się tylko z poprzednim. Oznacza to całkowitą eliminację koncepcji fundacji i centrum, czyli formacji zorganizowanej nie pionowo, ale poziomo (jak Internet czy tajne stowarzyszenia, gdzie każdy uczestnik zna tylko członków swojej komórki). Sekwencja tych tonów nazywana jest serią (Schoenberg napisał „wiersz”). Żaden dźwięk nie jest powtarzany w serii. Liczba 12 (po grecku „dodeca”) odpowiada liczbie półtonów w oktawie, a więc dźwiękom skali chromatycznej Skala chromatyczna- wstępujący lub opadający ruch melodyczny w półtonach.. Seria 12 dźwięków staje się głównym budulcem muzyki dodekafonowej. Naturalnie, dopóki wszystkie 12 dźwięków nie pojawi się w prezentacji jeden po drugim w określonej kolejności, żaden z nich nie może się powtórzyć, w przeciwnym razie będzie to początek powrotu do dawnego chaosu. Cykl nie jest ani melodią (choć równie dobrze może przybierać formę), ani akordem (choć można go brać w częściach lub w całości jednocześnie), ale raczej polem dźwiękowym, czyli zasadniczo nowym stanem kwestia dźwięku. Żaden z dźwięków serii, łącznie z początkiem i końcem, nie jest środkiem ciężkości, jak w muzyce modalnej czy tonalnej. W końcu wszystkie dźwięki serii są połączone tylko ze sobą.

Spis wierszy III Kwartetu smyczkowego op. 30, Arnold Schönberg. 1927

Arnold Schönberg, 3. Streichquartett für 2 Violinen, Viola und Violoncello op. trzydzieści

Copyright 1927 przez Universal Edition AG, Wien/PH 228

www.universalition.com

Serie mają kilka innych ważnych właściwości. Po pierwsze, ich kształt pozostaje niezmieniony podczas czytania w odbiciu lustrzanym, czytania od tyłu, a także w odbiciu lustrzanym od tyłu do przodu. Schönberg zapożyczył tę grę od autorów renesansu, którzy z mocą i siłą stosowali takie przekształcenia melodii chorału, w których kolejności dźwięków nie można było dokonać żadnych zmian, gdyż została ona konsekrowana przez papieski autorytet. Po drugie, liczba serii jest tylko formalnie wyczerpalna. Liczba kombinacji 12 dźwięków wyraża się liczbą 12! (silnia 12), czyli 479 001 600.. „Dałem muzyce niemieckiej pierwszeństwo na następne 200 lat”, napisał Schönberg o swoim odkryciu w liście do jednego ze swoich korespondentów.

Arnolda Schönberga. Fot. Schlosser & Wenisch. Praga, 1924

Centrum Arnolda Schönberga

Nadzieje Schönberga spełniły się jednak tylko częściowo. Bezpośrednio metoda dodekafoniczna w czystej postaci była stosowana przez prawie wszystkich kompozytorów w takim czy innym okresie ich twórczości, rzadko jednak zasada ta stawała się dominująca. Dodekafonia klasyczna jest raczej sucha i monotonna, nosi niezatarte piętno swojej epoki i stylu (głównie ekspresjonizmu), a obecnie jej „wydanie z 1923 roku” jest już staromodne.

W Związku Radzieckim, pomimo wysiłków Nikołaja Rosławca, który w latach 1910 i 20. działał w tym samym kierunku, aby ją wypromować, dodekafonia została zakazana jako technika i zamieniona w brzydkie słowo oznaczające każdą muzykę wykraczającą poza neoklasyczny kanon.

W niniejszym artykule rozważane są tylko te wynalazki ważne dla historii rozwoju muzyki, które niejako mieszczą się w granicach europejskiej tradycji profesjonalnego pisania przy użyciu akustycznych instrumentów muzycznych. Dlatego poza zakresem przeglądu pozostanie historia muzyki elektroakustycznej, która opiera się na zasadniczo nowych koncepcjach dotyczących utrwalania dźwięku i źródeł jego występowania. Jednocześnie muzyka elektroakustyczna opiera się niejako na wiedzy i wynalazkach, które powstały w epoce przedelektrycznej.

Wielki chemik i muzyk

AleksanderPorfiriewicz Borodin

31 października (12 listopada) 1833 r, Petersburg - 15 lutego (27), 1887 , Petersburg

Rosyjski chemik i kompozytor

Od uwertury do hydrolizy

Aleksander Borodin urodził się 31 października (12 listopada) 1833 r. W Petersburgu. Był nieślubnym synem gruzińskiego księcia Łuki Giedianowa w średnim wieku i petersburskiej drobnomieszczanki Awdotii Antonowej. Zgodnie z ówczesnym zwyczajem dziecko otrzymało nazwisko jednego z poddanych ojca.

Chłopiec zaczął uczyć się muzyki od ósmego roku życia, dodatkowo uczył się języków – niemieckiego, francuskiego, angielskiego (później opanował także włoski). Już w wieku dziewięciu lat skomponował swoją pierwszą polkę na fortepian na 4 ręce, aw wieku czternastu lat próbował swoich sił w komponowaniu na zespół kameralny.

Jednak nie tylko muzyka fascynowała Borodina. Cały pokój chłopca był wypełniony kolbami, poduszkami grzewczymi i innymi urządzeniami do eksperymentów chemicznych. Następnie to chemia, a nie muzyka, stała się jego zawodem.

Założyciele Rosyjskiego Towarzystwa Chemicznego. 1868

W 1850 wstąpił do Akademii Medyczno-Chirurgicznej w Petersburgu, po czym pozostał tam jako nauczyciel, aw 1858 uzyskał doktorat z medycyny. Następnie Borodin został wysłany z misją naukową do Europy Zachodniej (1859 - 1862). Za granicą poznał moskiewską młodą pianistkę-amatorkę, która później została jego żoną, grającą muzykę Jekateriną Siergiejewną Protopopową, z którą odkrywał świat muzyki romantycznej Chopina, Liszta, Schumanna.

Życie muzyczne

Mimo intensywnych studiów naukowych Borodin nigdy nie opuszczał lekcji muzyki: w tym okresie tworzył kwintety smyczkowe i fortepianowe, sekstet smyczkowy i inne utwory kameralne. Decydującym rokiem w jego muzycznej biografii był rok 1862, kiedy Borodin poznał i zaprzyjaźnił się z kompozytorem Milijem Bałakiriewem i jego kręgiem (później znanym jako Potężna Garstka).

Milij Aleksiejewicz Bałakiriew

21 grudnia 1836 (2 stycznia 1837), Niżny Nowogród - 6 (29 maja), 1910 , Petersburg

Rosyjski kompozytor, pianista, dyrygent, szef Potężnej Garstki

Pod ich wpływem Borodin rozpoczął pracę nad swoją pierwszą symfonią. Jej ukończenie opóźniało się z powodu obciążenia kompozytora pracą naukową, dydaktyczną i wydawniczą, jednak w 1867 roku symfonia została ukończona. W latach 1867-1868 Borodina należy do pracy nad farsą operową „Bogatyrs”.

W ostatnich latach życia Borodin coraz bardziej poświęcał się muzyce - kompozytor stopniowo zastąpił naukowca. Sukces I Symfonii skłonił Borodina do dalszej pracy w tym gatunku: w 1869 roku pojawił się pomysł symfonii b-moll. Jednak kompozytor wkrótce go opuścił, zwabiony ideą opery opartej na fabule starożytnego rosyjskiego eposu Opowieść o kampanii Igora, którą później, po jego śmierci, zakończyli N. A. Rimski-Korsakow i A. K. Głazunow.

Grób AP Borodina na cmentarzu Tichwińskim w Ławrze Aleksandra Newskiego (Petersburg)

To jest interesujące

Nadszedł czas i zaszczyt wiedzieć

Aleksander Porfiryewicz Borodin był osobą bardzo roztargnioną. Kiedyś zapraszał gości na swój wieczór. Było dużo muzyki, potem kolacja z przyjacielską rozmową. Nagle Borodin wstaje i zaczyna się ubierać.

Zapytano go: „Dokąd idziesz, Aleksandrze Porfiryewiczu?”

Zdziwił się: „Jak to gdzie? Dom! Jest późno, a jutro mam wykład…”

Wszyscy się śmiali, a właściciel przypomniał sobie, że jest w domu.

Nie martw się o mnie...

Pewnego razu, w młodości, Borodin i jego przyjaciel wracali z domowego muzycznego wieczoru. Było już dość późno, światła ledwie migotały. Borodin, myśląc o czymś, poszedł naprzód, a jego przyjaciel, który zasnął w drodze, został trochę w tyle ...

Nagle jakiś dziwny i niezrozumiały hałas, a potem krzyk sprawiły, że kolega się poderwał...

"Hej!" zawołał, ale nikt mu nie odpowiedział.

Borodina już nie ma...

Przestraszony młodzieniec zamarł nasłuchując, a po minucie usłyszał dźwięki fletu dochodzące skądś z ziemi... Okazało się, że w ciemnościach Borodin potknął się i wpadł do jakiejś głębokiej dziury...

– Aleksandrze, czy wszystko w porządku? - krzyknął przyjaciel.

„Jeszcze nie wiem”, odpowiedział młody muzyk, „ale, dzięki Bogu, flet wydaje się być nienaruszony!”

Wydanie specjalne gazety „Znaki”

W rzeczywistości Konstantin, Anton i Aleksiej pracują odpowiednio na rzecz Instytutu Chemii Bioorganicznej, Instytutu Transplantologii i Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego. Pierwszym z nich jest rozwój technik sondowo-optycznych - mieszanki sondy i optycznej mikroskopii perfokalnej; drugiego także prześladują techniki sondy – opracowuje skaningowy mikroskop sondowy połączony z ultramikrotonem, który umożliwia wykonanie ultracienkiego skrawka materiału i badanie powierzchni za pomocą trójwymiarowego obrazu o nanometrowej rozdzielczości. Aleksey jest profesorem nadzwyczajnym na Wydziale Związków Makromolekularnych Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego. Zajmuje się polimerami ciekłokrystalicznymi światłoczułymi, pasywnymi mediami optycznymi, prowadzi podstawowe prace z zakresu projektowania, syntezy, badania zachowania fazowego, właściwości optycznych i fotooptycznych takich układów.

A w środku - mimo wszystko - muzyka! Tak było od szalonych czasów studenckich.

Hostel MEPhI to, jak wszyscy studenci, gitary, piosenki, wino, „Garbage Wind”… – wspomina Konstantin Mochałow.- Potem pojawiła się myśl, że gramy lepiej niż śpiewamy i płynnie przeszliśmy na muzykę czysto instrumentalną. Byli gitarzyści i basiści. Głównym problemem wtedy, pod koniec lat 90., byli perkusiści. Popyt na nie był szalony! Teraz ten biznes się rozwinął, jest dużo materiałów wideo, pieniędzy, możliwości - mają gdzie się uczyć. A potem pobiegliśmy - szukaliśmy kogoś do bębnienia dla nas. Aleksiej grał wtedy w grupie Inside i spotkaliśmy się na jakimś koncercie.

Jak sam Aleksiej przyznaje, zaczął bębnić w proteście:

- Jako student wszyscy grali na gitarach, a na drugim roku na złość wziąłem pałeczki i zacząłem pukać w krzesło ... Z jakiegoś powodu chciałem grać na perkusji. Potem przyjaciele przynieśli mi skądś perkusję i zacząłem wybierać dziury między parami i biec do hostelu - w ciągu dnia, kiedy wszyscy byli na zajęciach i nikomu nie przeszkadzałem, mogłem się uczyć. Przychodzili do mnie różni muzycy iw latach 1995-1996 grałem jednocześnie w sześciu zespołach, od reggae po grindcore, chyba najbardziej ekstremalny styl...

Z życia starszego pracownika naukowego Instytutu Transplantologii Anton Efimow muzyka była zawsze obecna. Ale przez długi czas pozostawał tylko cichym wielbicielem - słuchaczem.

Klasyczna muzyka rockowa: Beatlesi, Pink Floyd, Black Sabbath i inni, muzyka punkowa, alternatywna i tak dalej. Potem próbowałem grać na gitarze akustycznej, potem na kiepskiej gitarze za 200 dolarów, ale nie nauczyłem się grać profesjonalnie, tylko dla siebie i nigdy nie myślałem o graniu w zespole. Następnie w pracy, w Instytucie Transplantologii, poznaliśmy Kostię. Siedzieliśmy w sąsiednich pokojach, pracując nad naszymi instrumentami. Kostya dał kiedyś swoje nagrania do odsłuchania, przedstawił go Andriejowi Suchilinowi, uczniowi Roberta Frippa z King Crimson. Rozmawialiśmy o losach kultury, chodziliśmy na szalone koncerty, a za namową Andrzeja pierwszy raz zagrałem w Pietrozawodsku...

Równolegle gdzieś była nauka, potem praca i troska o losy ludzkości… Ale muzyka nadal brzmiała w środku.

„Wartościowe rzeczy są pisane, gdy człowiek nie może iść do pracy i spokojnie studiować muzyki” - mówi Konstantin Mochalov - „Ale nie mam prawa do swobodnej kreatywności - jestem tak stary, że muszę robić coś innego. Ale w nauce mamy tę samą sytuację: gdyby nas to nie fascynowało, nie robilibyśmy tego”.

W 1999 roku Konstantin wraz z kolegami z klasy z MEPhI zorganizował grupę Disen Gage. I tak się zaczęło: występy w klubie studenckim, "samodzielne" nagrania, aw 2004 - debiutancka płyta "The Screw-Loose Entertainment".

Teraz jesteśmy bliżej pomysłu tworzenia taniej muzyki, ponieważ mamy niewiele zasobów - mówi Konstantin. - I staramy się grać w suszarkę i suszarkę. Andrey Suchilin, kompozytor i muzyk, z którym współpracujemy, jest osobą ekstremalną, jego zdaniem idealnym formatem do wykonania jest magnetofon szpulowy. Kiedyś zaproponował, że zorganizuje pokaz, zaprosi rzemieślników do gotowania shawarmy na scenie podczas koncertu ...

W 2009 roku muzycy stworzyli nowy projekt o niemal obscenicznej nazwie Zen Porno.

Na początku „zera” Aleksiej Bobrowski pracował w Niemczech na Uniwersytecie w Marburgu i grał bez żadnych problemów w niemieckiej grupie Isengard. Wszystko zmieniło się, gdy natknął się na lekcje wideo słynnego perkusisty Terry'ego Bozzio - człowieka, który sam tworzy muzykę na zestawie perkusyjnym.

Zdałem sobie sprawę, że możesz grać muzykę na instrumencie „szumowym” - mówi Alexey. - Wpadłem na pomysł, żeby zagrać solo: weź dużo bębnów, talerzy (cymbałów) i innych przedmiotów, z których można wydobyć dźwięki.

Stypendium Alexandra von Humboldta, które Alexey otrzymał w 2002 roku, pomogło młodemu naukowcowi stworzyć potężny zestaw perkusyjny. Przez kilka lat z uporem maniaka kupował i łączył poszczególne części. Instalacja, której całkowity koszt to około 30 tysięcy dolarów, zajmuje obecnie jedną czwartą sali prób, którą muzycy urządzili w piwnicy warsztatu samochodowego w pobliżu stacji metra Siemionowskaja. Niespotykana niemal na świecie konstrukcja składa się z ponad dwudziestu pięciu ustawionych w półkolu bębnów, wielu talerzy, dwudziestu pedałów, pozwalających muzykowi tworzyć stopami rytmiczny wzór, uwalniając ręce dla melodii. Według kolegów Aleksieja, kiedy siada przy swojej instalacji, „ma osiem rąk i osiem nóg”. To prawda, że ​​\u200b\u200bmimo całej tej ekstrawagancji Aleksiej nie zamierza dzielić się z kimś swoją muzyką - i nie zamierza zbierać sal! Muzyka to intymna, głęboko osobista sprawa, istniejąca tylko na własny użytek.
Ale Anton aktywnie występuje od kilku lat. Średnio okazuje się, że jeden koncert miesięcznie. Z "Magic One-Cell Music" przed rokiem zorganizowali cały maraton - pięciodniowy objazd kilku miast.

- Zauważyliśmy, że nasza muzyka nie radzi sobie dobrze na festiwalach rockowych, ale bardzo dobrze radzi sobie na festiwalach rave-elektronicznych. Graliśmy na festiwalu pod Petersburgiem - była muzyka elektroniczna i psychodeliczna. Mieszkańcy tego terenu reagowali z dużym zainteresowaniem na nasze przedsięwzięcia. Najwyraźniej zbliżamy się do tych kierunków.

Ale choć muzyka nie ustaje, kolejna „dama” w życiu muzycznej trójcy – nauka – nie rezygnuje ze swoich pozycji. Połączenie dwóch kreatywnych działań nie jest trudne, jeśli oba są interesujące. Rok temu Aleksiej poświęcał muzyce sześć godzin dziennie, teraz - trzy lub cztery godziny. Anton pracuje głównie w domu, raz w tygodniu przyjeżdżając do bazy prób. A Konstantin gra w zależności od nastroju, czasem całymi dniami.

Szkoły, naukowcy i muzycy

Ze świata klasycznego Bizancjum odziedziczyło głęboki szacunek dla wiedzy i szczególne przywiązanie do kultury starożytnej Grecji. Grecja raz po raz stawała się inspiracją i rozpalała wyobraźnię Bizantyjczyków. W X i XI wieku oraz w mniejszym stopniu w XIII wieku ożywił starożytną symbolikę w sztuce i podstawowe zasady argumentacji w filozofii. Jednak już od mniej więcej połowy VII wieku arabscy ​​naukowcy i matematycy stymulowali pracę wielu wybitnych bizantyjskich naukowców, lekarzy i wynalazców.

Pomimo faktu, że wiele z tego, co stworzyli Bizantyjczycy, zginęło w XV wieku, a niektóre rękopisy mogą pozostać nieodkryte i nadal leżą w bibliotekach niektórych odległych klasztorów, to jednak zasiane przez nich nasiona dały znaczące pędy w kulturze europejskiej. Prawdopodobnie największą przysługą wyświadczoną przez Bizancjum było zachowanie większości znanych nam dzieł starożytnych klasyków greckich. Gdyby nie kopie bizantyjskie, wiele z nich zniknęłoby na zawsze podczas zniszczenia wielkiej biblioteki w Aleksandrii. Gdyby nie niszczycielskie najazdy łacinników i Turków osmańskich, liczba dzieł, które do nas dotarły, byłaby bez wątpienia nieporównywalnie duża. Oprócz zachowania spuścizny przeszłości Bizantyńczycy pozostawili naszej cywilizacji szereg dzieł, które bez przesady można nazwać kamieniami węgielnymi myśli europejskiej. Znaczną ich część stanowią dzieła teologiczne, które wywarły ogromny wpływ na kultury różnych ludów słowiańskich wyznających prawosławie. Równie ważne jest bogate źródło informacji zawartych w kronikach, choć bardziej dzięki geniuszowi Konstantyna Porfirogeneta, który być może inspirował się Żywotem Justyniana Prokopa i Żywotem Konstantyna I Euzebiusza z Cezarei, a nie dzieła historyków greckich i rzymskich, historia na końcu przekształciła się ostatecznie w dyscyplinę, która od XI wieku opisywana była już w duchu literackim.

Śmierć niemal wszystkich obiektów związanych ze świeckim życiem w Bizancjum doprowadziła niestety do tego, że uwaga naukowców zwróciła się ku religijnym aspektom historii i sztuki Bizancjum ze szkodą dla subtelności społecznych i codziennych. W rezultacie mamy dziś nieco jednostronny pogląd na życie tego państwa. Spojrzenie na instytucje edukacyjne Bizancjum i wyżyny osiągnięte w specjalnych studiach pomagają spojrzeć na obraz z prawdziwej perspektywy, skupiając się na społeczeństwie świeckim, a nie tylko na duchowieństwie.

Chociaż religia była główną siłą napędową i regulatorem życia w Bizancjum, nawet w X wieku, kiedy klasztory osiągnęły najwyższą potęgę i uważa się, że połowa populacji wycofała się ze światowych trosk, świecka edukacja przetrwała. Mimo potępienia kościoła pozostał w mocy. Początkowo zakładano, że będzie istnieć oddzielnie od kościoła, jednak z czasem świecka edukacja została mocno spleciona z doktryną chrześcijańską. Święty Bazyli opowiadał się za tym, aby wszystkie dzieci uczęszczały do ​​szkół kościelnych, nawet jeśli nie zamierzają łączyć swojego życia ze służbą Bogu, ale sobór 451 tego zakazał. Okazuje się jednak, że rzeczywistość była inna. Zakaz nie był przestrzegany, aw całej historii Bizancjum księża i mnisi często nauczali dzieci, ucząc Pisma Świętego. Pozwolono im bić leniwych i niedbałych uczniów.

Cesarze zakładali wiele szkół dla sierot. Realizowali ten sam program nauczania, co w państwowych szkołach podstawowych, ale dzieci z rodzin z klas średnich i wyższych często były nauczane przez prywatnych nauczycieli, którzy preferowali uświęcone tradycją metody grecko-rzymskie. Do VI wieku znaczna część dzieci ludzi wolnych kształciła się i liczba ta stale rosła, choć różniła się w zależności od regionu. W XI wieku za Aleksieja Komnena otwarto bezpłatne szkoły dla wszystkich dzieci, niezależnie od ich narodowości i klasy. Pierwsze lekcje życia dziecko otrzymywało zwykle w damskiej części domu. W rodzinach wykształconych często dawała je matka. Tak było w przypadku Michaiła Psellosa: matka nauczyła go płynnego i płynnego mówienia i pięknego pisania. Płynna mowa i piękne pismo były uważane za bardzo ważne cechy. Każde dziecko musiało znać Biblię na pamięć. Słudze w domu Psellosa zabroniono opowiadać dzieciom straszne historie, aby ich nie przestraszyć. Psellos został wysłany do szkoły w wieku pięciu lat, ale był dzieckiem niezwykle inteligentnym. W wieku 14 lat, kiedy przeciętny uczeń miał znać dobrze tylko bajki Ezopa, potrafił recytować z pamięci Iliadę.

Podobnie jak we współczesnej Grecji, od około VIII wieku używano jednocześnie trzech form języka greckiego: niewykształceni ludzie mówili w języku narodowym nowożytnej greki, ludzie wykształceni pisali w dialekcie attyckim starożytnej greki, a jego bardziej złożona wersja była używana jako potoczna. Ta ostatnia była bliższa grece klasycznej niż współczesnej i często wygłaszano w niej uroczyste przemówienia, co jeszcze bardziej pogłębiało przepaść między formami pisanymi i ustnymi. Dzieci, które weszły do ​​szkoły, najpierw uczyły się czytać i pisać. Następnie odbyły się bardziej zaawansowane lekcje gramatyki, składni i wprowadzenie do literatury starożytnej. Każdy uczeń musiał codziennie zapamiętać 50 wersów z Homera i przeczytać do nich komentarze. Chłopcy z bardzo zamożnych rodzin byli nauczani przez prywatnych nauczycieli, którzy czasami wykraczali poza edukację podstawową i nadal przygotowywali ich do studiów wyższych. Jednak większość chłopców w wieku 14 lat dołączyła do swoich rówieśników w klasach szkolnych. Tam spędzali czas ucząc się retoryki, co obejmowało ćwiczenie wymowy i dykcji, a także studiowanie wielkich mówców, takich jak Demostenes. Na ostatnim roku chłopcy uczyli się filozofii, nauk ścisłych i „czterech sztuk”: arytmetyki, geometrii, muzyki i astronomii.

Każda diecezja posiadała własną szkołę religijną. Ponadto w wielu klasztorach, które podążały za testamentem św. Bazylego, istniały nie tylko własne biblioteki i skryptoria, ale także uczeni mnisi, którzy pracowali z tekstami z bibliotek klasztornych i nauczali braci. Posłuszeństwo młodych mnichów było szkoleniem nowicjuszy i dzieci, które miały zostać mnichami. Zamknięcie wszystkich bibliotek publicznych w 476 r. zadało ciężki cios szkolnictwu świeckiemu, ponieważ studenci zostali zmuszeni do zwrócenia się do bibliotek klasztornych, które oczywiście zawierały głównie literaturę teologiczną.

Skryptoria, czyli pomieszczenia, w których skrybowie przepisywali wszystkie dostępne książki, od gramatyk i słowników po powieści i dzieła religijne, były dostępne we wszystkich bibliotekach, publicznych i prywatnych, świeckich i kościelnych. Już w IV wieku cesarz Walens regularnie zatrudniał czterech greckich i trzech łacińskich skrybów do pracy w swojej bibliotece w Konstantynopolu. Kaligrafia była czczona jako sztuka, którą wszyscy wykształceni ludzie powinni doskonale opanować. Wiele wybitnych osobistości, w tym cesarz Teodor II Laskaris (1254-1258), z przyjemnością przepisywało książki. Skryptorzy w skryptoriach zwracali taką samą uwagę na piękno rękopisu, jak na dokładność tekstu. To właśnie w tych ośrodkach powstał typ zwany „maluczkiem”. Wielu zubożałych uczonych zarabiało na życie jako skrybowie. Książki wcale nie były tanie. W XI wieku kopia Euklidesa kosztowała 12 współczesnych funtów szterlingów. Jest mało prawdopodobne, aby ilustracje figur, które zdobiły wiele bizantyjskich ksiąg, zostały narysowane przez skrybów. Podczas gdy projekty marginesów, tytuły rozdziałów i rysunki na końcu rozdziałów mogły być tworzone przez wysoko wykwalifikowanych kaligrafów, całostronicowe ilustracje zostały wykonane przez iluminatorów, którzy wypełnili puste miejsca pozostawione przez skrybów.

Pierwsza księga wyprodukowana w Bizancjum została napisana na papirusie w formie zwoju. Formularz ten został zachowany dla oficjalnych dokumentów i dokumentów państwowych nawet po zdobyciu Egiptu przez Arabów. Później wszedł do powszechnego użytku w średniowiecznej Europie, a nawet dzisiaj jest używany do tworzenia niektórych ceremonialnych dokumentów. Na kawałku papirusu, na którym spisano dokument, umieszczano pieczęć cesarską, ale na dziełach literackich nie było to wymagane, więc nie podlegały one podatkowi nakładanemu na dokumenty. Od IV wieku pergamin zaczął zastępować papirus. Istnieją dowody na to, że Konstantyn I zamówił 50 kopii Ewangelii na pergaminie dla 50 kościołów, które najprawdopodobniej założył. Ta zmiana materiału została dodatkowo przyspieszona przez fakt, że papirus stał się trudny do zdobycia po podboju Egiptu przez muzułmanów. Słowo „pergamin” prawdopodobnie pochodzi od nazwy miasta Pergamon w Azji Mniejszej, gdzie najwyraźniej został po raz pierwszy wyprodukowany. Wykonywano go głównie ze skóry cielęcej, dlatego na Zachodzie zaczęto go nazywać „welinem”, zbliżonym do angielskiego słowa „cielęcina” – „cielęcina”. Ale także duże ilości pergaminu wytwarzano ze skór wołów, antylop, gazeli i owiec. Słynny Codex Sinaiticus, znajdujący się w British Museum, jest jednym z najstarszych znanych przykładów księgi spisanej na pergaminie. Bawełniany i lniany papier został sprowadzony z Chin w XI wieku, ale pozostawał rzadkością aż do XIII wieku, kiedy Bizantyjczycy nauczyli się produkować wszystko, czego potrzebowali, na własną rękę.

Ryc.?67. Okładka ewangelii przedstawiająca Chrystusa i apostołów. XII wiek

Zwoje były dwojakiego rodzaju. Jeden czytany od góry do dołu, drugi wyglądał bardziej jak rolka tapety. Przeznaczony był do pisania dzieł literackich i miał kształt poziomy; Tekst pisano kolumnami od lewej do prawej. Taki zwój przestał być jedyną formą wraz z wynalezieniem biblionu (pierwotnie słowo to oznaczało Biblię w języku greckim). Biblion został wykonany z arkuszy złożonych na pół, prawie jak współczesna książka. Zszytą w ten sposób księgę oprawioną nazywano „kodeksem”. Kiedy liczba kartek złożonych na pół dochodziła do trzech lub sześciu, nazywano je notatnikiem. Na początku można było oprawić nie więcej niż 45 zeszytów, ale później liczba ta wzrosła. Książki wykonane w ten sposób różniły się wielkością. Ich nazwy zostały zaczerpnięte z ich głównego tematu. Księgi, w których ułożono żywoty świętych w formie kalendarza, nazwano „Menologiami”, cztery Ewangelie – „Ewangeliami Tetra”.

Kiedy ewangelia została przepisana w formie codziennych lekcji, księgę nazwano Ewangelistrion, a pierwszych osiem ksiąg Nowego Testamentu połączono w Octateuch. Ponadto publikowano psalmy, zbiory kazań itp. Większość miała drewniane pokrycie, przeważnie dębowe. Jeśli księga była przeznaczona do użytku ceremonialnego lub wykonana dla wysokiej rangi arystokraty, zewnętrzna strona okładki była często wykonana z cennych materiałów, takich jak kość, srebro lub złoto. Zawsze był umiejętnie zdobiony rzeźbieniem, grawerowaniem lub tłoczeniem, czasem dodatkowo kamieniami szlachetnymi, emalią cloisonne, inkrustacjami, niello i klejnotami. W księgach dla cesarza strony barwiono na fioletowo, a tekst często pisano złotem. Oprawa była również zwykle barwiona na fioletowo, ale okładka mogła być również złota, zdobiona emalią cloisonné. Ewangelie sporządzone według tego wzoru nazywane są Purpurowymi Kodeksami.

Rozwój oświecenia w Bizancjum osiągnął swój szczyt między około 842 r. a początkiem XII wieku. W tym okresie wykształcony i energiczny prałat Focjusz stworzył nowe pokolenie intelektualistów. Święci bracia Cyryl i Metody opracowali cyrylicę dla Słowian nawróconych na wiarę chrześcijańską. Barda Cezar, oddany wielbiciel Focjusza, założył Uniwersytet Magnora. Leon VI, uczeń Focjusza, wolny czas spędzał na pisaniu prac teologicznych, z których niektóre są nadal używane w świecie prawosławnym. Konstantyn VII Porfirogeneta napisał dzieła o trwałym znaczeniu. A Michał VII, uczeń i przyjaciel Psellosa, był tak pochłonięty wiedzą i sztuką, że przy wszystkich swoich wysiłkach nie mógł zreorganizować armii, moralnie zmiażdżonej wielką klęską pod Manzikertem, i tym samym zagroził swojej dalszej obecności na tron. Zaledwie kilka lat później Anna Komnenos, córka Aleksego Komnena, została zesłana do klasztoru przez własnego brata. Poświęciła swój czas na opisywanie życia ojca, tworząc jedną z najlepszych biografii na świecie.

Dzieciństwo św. Cyryla nie było niczym niezwykłym jak na IX wiek. Chłopiec urodził się w rodzinie zamożnych, wręcz zamożnych arystokratów w Salonikach w 822 roku i otrzymał imię Konstantyn. W wieku 14 lat stracił ojca. Kiedy stało się to wiadome w Konstantynopolu, kanclerz cesarski, który wiele dobrego słyszał o Konstantynie, napisał list do jego matki, sugerując, aby wysłała syna do cesarskiej szkoły, gdzie przyszły Michał III (842-867) również studiował. Szkoła była najlepsza w kraju. Matka Konstantyna przyjęła ofertę i wysłała chłopca do Konstantynopola. Do szkoły poszedł w wieku 16 lat. Trzy miesiące później Konstantyn studiował gramatykę i mógł przejść do bardziej złożonych przedmiotów, studiując geometrię u wielkiego matematyka Leona, dialektykę i filozofię u równie sławnego i wybitnego Focjusza, który dwukrotnie służył jako patriarcha Konstantynopola. Ponadto opanował retorykę, astronomię, arytmetykę, muzykę i, jak mówili współcześni, „inne sztuki hellenistyczne”. Warto zauważyć, że ta lista nie wspomina o teologii. Konstantyn miał 22 lata, kiedy po ukończeniu szkoły został bibliotekarzem patriarchy w Hagia Sophia. Ciekawie będzie porównać go z Psellosem, który około dwieście lat później kontynuował naukę do 25 roku życia, ostatnie lata poświęcając oratorstwu, filozofii dedukcyjnej i indukcyjnej, naukom przyrodniczym i matematyce. Oprócz obowiązków bibliotekarza Konstantyn był także sekretarzem lub osobistym asystentem byłego nauczyciela, patriarchy Focjusza. W tym okresie życia został duchownym i wstąpił do kościoła pod imieniem Cyryl. Został mianowany diakonem i zaproponowano mu stanowisko profesora filozofii w szkole, w której studiował. Był to duży zaszczyt, gdyż oprócz pracy w szkole jej profesorowie pełnili także funkcję doradców artystycznych cesarza. Mimo to Cyryl początkowo odmówił przyjęcia stanowiska i przyjął je dopiero w 850 r. Około dziesięć lat wcześniej porzucił nauczanie, aby podjąć pracę misyjną u brata Metodego, najpierw wśród nadwołżańskich Chazarów, a później wśród Słowian Europy Środkowej, dla których wynalazł alfabet, który do dziś nosi jego imię.

Z reguły dziewczęta były gorzej wykształcone niż ich bracia. Jeśli jednak chłopcy uczyli się w domu, dziewczęta mogły uczęszczać na lekcje. Ale dziewczęta nie mogły iść na uniwersytet, jeśli chciały kontynuować naukę, ale musiały uczyć się tylko u prywatnego nauczyciela. Jednak wiele kobiet było dobrze wykształconych. Córki Konstantyna VII Porfirogeneta wyróżniały się erudycją. Utalentowana Anna Komnena prosiła o przebaczenie lekkomyślności w opisywaniu życia ojca, gdyż brakowało jej „wiedzy Izokratesa, elokwencji Pindara, żarliwości Polimona i Kaliopy (14) Homera oraz liry Safony”. ", ale udało jej się stworzyć dzieło równie nieśmiertelne, jak i dzieła tych ludzi. Wyszła za mąż za Nikeforosa Bryenniosa, który sam był szanowanym historykiem. Irina, córka wielkiego logotety Teodora Metochitesa, była, jak wiele innych kobiet, wybitną naukowcem. Wiele z nich kształciło się jako lekarze i pracowało na oddziałach kobiecych szpitali, gdzie uważano je za równe swoim kolegom płci męskiej.

W IX wieku Szkoła Patriarchalna w Konstantynopolu była uważana za najlepszą religijną instytucję edukacyjną. Wszyscy jej nauczyciele byli diakonami Hagia Sophia. Małe dzieci wchodzące do szkoły otrzymywały takie samo wykształcenie ogólne, jak uczniowie szkół świeckich, a mianowicie: jedna grupa specjalistów uczyła je przedmiotów z zakresu gramatyki, inna z zakresu retoryki, trzecia z zakresu filozofii. Każdy z tych nauczycieli mógł zostać wezwany na przyjęcie urodzinowe cesarza lub podobne wydarzenie, aby służyć jako „mówca koronny”. Ponadto uczniowie przeszli pełny kurs nauki religii. I znowu wszystkie przedmioty zostały podzielone między trzy grupy nauczycieli. Dyrektor szkoły osobiście nauczał dzieci ewangelii. Inni nauczyciele analizowali listy apostołów, inni – psalmy. Nauczyciele ci mogliby również pełnić funkcję mówców sądowych. Wkrótce dołączyli do nich znawcy Starego Testamentu, a sama szkoła stała się także uczelnią pedagogiczną. Na tym etapie osobno kształcono księży i ​​świeckich, aby przygotować osoby wykształcone, zarówno na stanowiska wyższego duchowieństwa, jak i na stanowiska nauczycieli. Od około X wieku ludzie w każdym wieku zaczęli gromadzić się na dziedzińcu szkolnym, aby dyskutować o metodach wychowawczych. W tym czasie szkoła ta należała już do Kościoła Świętych Apostołów. Ta majestatyczna budowla stała na najwyższym wzgórzu Konstantynopola. Głównie ze względu na swoje eksponowane położenie zostało zniszczone, a jego skarby splądrowane przez sułtana Mehmeta. Kilka lat po zdobyciu Konstantynopola na jego miejscu stanął meczet. Utrata tej świątyni jest jedną z najsmutniejszych strat w historii Bizancjum. W czasach bizantyjskich gramatycy, retorzy i dialektycy spotykali się w kruchcie kościoła, aby wymieniać opinie, podczas gdy lekarze, matematycy oraz ci, którzy studiowali geometrię i muzykę, osiedlali się w atrium. Kiedy spory stały się zbyt gorące, patriarcha został poproszony o interwencję.

Cesarze bizantyjscy od samego początku byli pewni, że Konstantynopol, „nowy Rzym”, powinien stać się stolicą świata, a także jego politycznym centrum. Starożytne pogańskie uniwersytety w Atenach, Aleksandrii, Bejrucie i Antiochii były znane na długo przed powstaniem Konstantynopola. Chrześcijańskie centrum szkolnictwa wyższego zostało założone w Aleksandrii w III wieku. Wkrótce w Cezarei otwarto akademię chrześcijańską. Następnie powstały ośrodki edukacji chrześcijańskiej w większości większych miast na wschodzie imperium. Konstantyn I przywiązywał wielką wagę do edukacji. Aby dodać otuchy, a także zapewnić administracji światłych urzędników, założył w nowej stolicy akademię. Następcy Konstantyna na tronie podzielali jego troskę i troskę o tę placówkę edukacyjną. Ale dopiero Teodozjusz II w 425 roku przekształcił Akademię Konstantynopolską w poważny uniwersytet, kontrolowany i wspierany przez cesarzy. W przedsięwzięciu tym szczerze wspierał go wnuk, a nawet żona, ateńska Evdokia. Była poganką z urodzenia, córką profesora retoryki na Uniwersytecie Ateńskim, bastionu pogaństwa tak potężnego, że Justynian musiał go zamknąć w 529 roku. Po ślubie Evdokia została oddaną chrześcijanką, ale nie straciła namiętnej miłości do dzieł literatury greckiej, którą zaszczepił w niej ojciec w dzieciństwie. Być może dzięki jej staraniom greka już wtedy zajmowała równie ważne miejsce w programie pierwszego Uniwersytetu w Konstantynopolu, jak łacina. Nowa placówka oświatowa otrzymała dziesięć wakatów dla profesora łaciny, dziesięć dla profesora greki, a ponadto trzy wakaty dla retora. Tych, którzy zajmowali stanowiska profesorów łaciny, nazywano „mówcami”, a profesorów greki – „sofistami”. Cesarze, którzy mianowali i odwoływali profesorów uniwersyteckich, czasami uczęszczali na zajęcia, choć obowiązek przedkładania list kandydatów na profesorów pozostawał w gestii senatu (co najmniej do XV wieku, kiedy to został przeniesiony do wielkiego logotety). Na te stanowiska wybierano osoby świeckie i księży zamiast mnichów. Wielu profesorów na pewnym etapie swojej kariery zostało powołanych do służby cesarza jako ambasadorowie i tym samym porzucili zawód nauczyciela.

Świecka edukacja w Konstantynopolu nie tylko kierowała się zasadami chrześcijańskimi, ale także zwracała się ku przeszłości dla głównych dyscyplin (mianowicie tych, które zgrupowała pod nazwą „gramatyka” i „retoryka”), więc przynajmniej do VI wieku nawet badanie starożytności odbywało się zgodnie z doktryną chrześcijańską. I tak na przykład filozofia, choć była silnie związana z matematyką, została przywiązana do teologii iw efekcie podporządkowana chrześcijaństwu. Zanim jednak Justynian zamknął uniwersytet w Atenach, wielu młodych Konstantynopolitanów wyjeżdżało tam, aby uzupełnić swoją edukację. Jednak sto lat po założeniu uniwersytet w Konstantynopolu stał się zbyt mały dla stale rosnącej populacji. Wraz z upadkiem Aleksandrii, Bejrutu i Antiochii stał się jedynym uniwersytetem dostępnym dla chrześcijan. Przyciągano tam uczniów wszystkich klas. W IX wieku było wśród nich wielu cudzoziemców: przedstawicieli Wschodu, Słowian, Gruzinów, Ormian, a nieco później Włochów. W 856 roku Cezar Bardas, wujek i pierwszy minister Michała III, zdecydował, że stolica potrzebuje drugiego uniwersytetu. Założył ją w pałacu Magnora i być może z uwagi na to, że istniał tam już instytut religijny, pozostawił swojemu potomstwu wyłącznie świecki program nauczania. Wielu studentów uczęszczało na jego kursy aż do X wieku, kiedy to zostało zamknięte, prawdopodobnie na polecenie Bazylego II. U szczytu kariery akademickiej Focjusz, który stał się znany jako patriarcha Konstantynopola, uczył w stolicy gramatyki, retoryki, teologii i filozofii. Realizując plany Cezara Bardy założył świeckie biblioteki, w których z łatwością można było znaleźć dzieła Platona czy dramaturgów greckich. Focjusz podjął się także żmudnego zadania opracowania Myriobiblionu, w którym pojęcia były ułożone, co prawda nie w porządku alfabetycznym, ale jak we współczesnej encyklopedii skupiały wszystkie podstawowe informacje dotyczące gramatyki, historii i literatury zawarte w dziełach pisanych od starożytności . . Oświecenie rozwijało się nadal po śmierci Focjusza. Dwieście lat później szkoła, połączona z Wielkim Pałacem, przekształciła się w „instytut badań historycznych”.

W 1045 r. otwarto w Konstantynopolu trzeci uniwersytet, który specjalizował się wyłącznie w przygotowywaniu ludzi do służby publicznej i sądownictwa. Od tego momentu zezwolenie na wykonywanie zawodu wydawane było tylko prawnikom, którzy ukończyli tę uczelnię. Kilka lat później Konstantyn IX Monomach utworzył w nim katedrę filozofii. W rezultacie zaczęto tam nauczać zarówno teologii, jak i literatury starożytnej. Chociaż nadal szczególną uwagę zwracano na filozofię i prawo rzymskie, w programie znalazła się także kultura starożytnej Grecji. Tradycją stało się, że studenci rozpoczynają naukę od opanowania gramatyki, retoryki i dialektyki; potem przeszli do arytmetyki, geometrii, muzyki i astrologii, a skończyli na filozofii i zaawansowanych kursach. Ostatni kurs prowadził Michaił Psellos. Był najwybitniejszym naukowcem swoich czasów, człowiekiem, który bardziej niż inni urzeczywistnił marzenia zarówno Cezara Bardy, jak i Konstantyna IX. Stał się strażnikiem starożytnych tradycji i jednocześnie pierwszym orędownikiem żywej, oryginalnej myśli. W ten sposób Psellos uczestniczył w kształtowaniu się nowego światopoglądu, który najlepiej określa słowo „humanistyczny”. Najwyraźniej objawi się to w sztuce XII wieku.

Chociaż zainteresowanie twórczością Platona przyczyniło się do rozpowszechnienia takiego humanistycznego światopoglądu, spowodowało rozbieżność poglądów między duchowieństwem a świeckimi naukowcami. Obawiając się, że powrót hellenizmu doprowadzi do odrodzenia się bałwochwalstwa, a nawet pogaństwa, duchowni starali się przeciwdziałać mistycyzmowi realistycznym, dociekliwym podejściem promowanym przez świeckich uczonych. Niemniej jednak członkowie wyższego duchowieństwa nadal studiowali gramatykę, filozofię i poezję, a także żywoty świętych i komentarze do tekstów religijnych. Teraz biblioteki klasztorne musiały przechowywać nie tylko książki religijne i medyczne, gramatyki i słowniki, ale także dzieła Arystotelesa.

Ryc.?68. Kompas z brązu

Kiedy dwór przeniósł się do Nicei w 1204 r., podążył za nim ośrodek edukacji, ale po powrocie cesarza do Konstantynopola nadal szukał inspiracji w Atenach. W 1261 roku z jeszcze większym entuzjazmem niż przed okupacją łacińską zaczęto badać starożytne greckie dziedzictwo literackie. Jednocześnie wpływy wschodnie (perskie i mongolskie) sprowadzone do stolicy przez uczonych Trebizondy oraz idee zachodnie głoszone przez Latynów stworzyły nową energię intelektualną i twórczość w sztuce równie wybitnej jak w czasach świetności Bizancjum . Typowym przedstawicielem tego okresu jest Teodor Metochites (1260–1332), wielki logoteta cesarza Andronika III. Był zarówno wybitnym filozofem humanistą, jak i wybitnym naukowcem, przywiązywał wielką wagę do matematyki i czynił wielkie wysiłki, aby oddzielić naukę astronomii od astrologii. Od czasów starożytnych astrologia była kojarzona zarówno w umysłach zwykłych ludzi, jak iw umysłach astronomów z magią. W rezultacie alchemicy byli traktowani z takim samym szacunkiem jak myśliciele naukowi. Wielbiciel Platona i Arystotelesa, choć nie podzielał metafizycznych poglądów tego ostatniego, Metochites posiadał iście encyklopedyczny zasób wiedzy, który łączył się w nim z wysoce artystycznym postrzeganiem świata. Za własne pieniądze zbudował jeden z najpiękniejszych zabytków późnej sztuki bizantyjskiej: doskonale harmonijny, kunsztownie zdobiony Kościół Chrystusa Zbawiciela w Konstantynopolu.

Szacunek okazywany magii w społeczeństwie tak głęboko religijnym, tak rozwiniętym intelektualnie jak bizantyjskie, jest trudny do wyjaśnienia. Ani głębokie uczucia religijne, ani liczni dobrze wyszkoleni fachowi lekarze nie mogli zachwiać wiarą, jaką nawet najwyżsi dostojnicy okazywali w zaklęciach, czarach i konsultacjach z wędrownymi uzdrowicielami. Jednak poważne badania prowadzono również w dziedzinie medycyny, botaniki i zoologii. Rozwój medycyny opierał się na naukach Hipokratesa, połączonych z metodami propagowanymi przez lekarzy samouków (np. Aleksandra z Thrall w VI wieku), którzy wiele swoich wniosków oparli na doświadczeniu, obserwacji i zdrowym rozsądku. Corocznie szkolono wystarczającą liczbę lekarzy, aby zapewnić obsadę nie tylko szpitali państwowych, ale także szpitali przyklasztornych i sierocińców. Niemniej jednak w Bizancjum nie osiągnięto sukcesu porównywalnego pod względem znaczenia z sukcesem szkół medycznych na Zachodzie, na przykład w Bolonii czy Paryżu.

Najlepsi bizantyjscy lekarze zwykle uciekali się do oczyszczania jelit i upuszczania krwi, które uważali za najbardziej niezawodne lekarstwa na choroby. Wybitni lekarze nieustannie spierali się, jak najlepiej leczyć pacjenta. Anna Komnena w swoich pismach ubolewała nad nieskutecznością pracy lekarzy, którzy zebrali się przy łożu śmierci jej ojca. Jeszcze mniej ważnych osiągnięć dokonano w dziedzinie botaniki i zoologii. Chociaż o roślinach i zwierzętach napisano wiele książek z ilustracjami, wszystkie pozostały raczej prezentacją już znanych informacji niż doniesieniami o nowych odkryciach. Geografowie bizantyjscy również niewiele wnieśli do wiedzy o świecie. Ale z drugiej strony kartografia była bardzo rozwinięta. Karty były szeroko stosowane. Wiele ważnych odkryć zostało utrwalonych w księgach, które spisano w formie dzienników podróży, zbiorów opowieści podróżniczych i malowniczych opisów.

Chociaż Bizantyjczycy byli bardziej zainteresowani studiowaniem istniejących dyscyplin niż odkrywaniem nowych obszarów wiedzy, ich pasja do oświecenia była szczera i głęboka. Znajduje to odzwierciedlenie w przypadku Teodora II z Nicei, który w trudnych czasach łacińskiej okupacji Konstantynopola podkreślał, że „bez względu na potrzeby wojny i obrony trzeba znaleźć czas na uprawę ogrodu oświecenia”. Chociaż Bizantyjczycy nie zostawili nam po sobie wielkiej świeckiej literatury, której arcydzieła mogłyby się równać ze starożytnymi Grekami i Rzymianami, ostatecznie zdołali przekazać Europie dziedzictwo, za które zasługują na wdzięczność.

Do dziś zachowało się bardzo niewiele poezji świeckiej, a większość z nich wydaje się nam dziś raczej nudna. Rzadko pisano ją do czytania, raczej do słuchania, śpiewania lub recytowania, gdyż często poeta i muzyk byli jednoczeni w jednej osobie. Podobnie jak w średniowiecznej Europie, tak iw Bizancjum był materialnie zależny od swojego patrona, dla którego stworzył lwią część swoich dzieł. Musiał też odgrywać pewną rolę na imprezach, takich jak święto wiosny czy bromeliada, na karnawałach, w cyrku iw niektórych procesjach, kiedy publiczność z przyjemnością słuchała madrygałów i poważnych wierszy. Napisane przez Pizysa wiersze na temat wielkiej wyprawy Herakliusza przeciwko Persom w 622 r. i arabskich najazdów na Konstantynopol w 626 r. zostały dobrze przyjęte przez publiczność i porównane z arcydziełami Eurypidesa.

Ryc.?69. Muzyk grający na flecie

Starożytni Grecy akompaniowali ich świeckim pieśniom i tańcom na flecie i cytrze. Bizantyjczycy dodali do nich organy, cymbały i lirę. Przypuszczano, że Teofil, który uwielbiał kulturę arabską i tańce arabskich dziewcząt, zapoznał rodaków z lirą, ale w rzeczywistości instrument ten musiał być znany dużo wcześniej. Muzycy używali 16-dźwiękowej skali do utworów świeckich do komponowania melodii na wszystkie te instrumenty, zamiast 8-dźwiękowej skali używanej do utworów religijnych. Do IX wieku utwory muzyczne były przekazywane z jednej osoby na drugą, ale potem rozwinął się system notacji. Jest tak różny od zachodniego, że naukowcy zaczęli go rozumieć całkiem niedawno. Z tego powodu, a także dlatego, że zachowało się do nas bardzo niewiele nagranych melodii, nasza wiedza nawet o religijnej muzyce Bizancjum jest niezwykle uboga.

Najpiękniejsze hymny pisane były wierszem rytmicznym, a nie rymowanym. Wiele z nich jest nadal używanych jako hymny kościelne w prawosławiu. Tworzyli je zarówno świeccy, jak i duchowni, którzy często wymyślali własne melodie. Wykonywano je głosem a cappella, ale rozróżniano wykonania koloraturowe i recytatywne. Głównie dlatego, że pierwszy znany śpiewnik pochodził z Syrii, sugerowano, że śpiewna część nabożeństwa prawosławnego (tj. Liturgia) ma orientalne korzenie. Jednak ta teoria nie została jeszcze potwierdzona. Zbiór hymnów kościelnych pochodzi z VI wieku i jest dziełem pewnego Rzymianina, Żyda z Nizjany w Syrii, który przyjął chrzest, przeniósł się do Konstantynopola i został diakonem. Cesarz Justynian napisał kilka znakomitych hymnów i znakomitych dzieł teologicznych prozą. W VIII wieku greckie hymny były tak lubiane w Europie Zachodniej, że Karol Wielki wybrał hymny przetłumaczone na łacinę.

Ryc.?70. Bard. VI wiek

Pomimo znaczenia tych dzieł na Zachodzie, największy wkład Bizantyjczyków w europejską muzykę kościelną nastąpił dzięki odrodzeniu organów w Europie w 757 r., Kiedy to cesarz Konstantyn V wysłał je w darze królowi Francji Pepinowi. Chociaż były to pierwsze organy powietrzne, które pojawiły się w Europie, nie można ich uznać za pierwsze organy tego rodzaju i grano na nich już w świecie zachodnim. Organy hydrauliczne wykonano prawdopodobnie już w III wieku pne. mi. Ich wynalazek przypisuje się Steribiusowi z Aleksandrii. Instrument stał się znany w Rzymie w I wieku naszej ery. mi. Odniosła wielki sukces i pozostała popularna aż do czasów Augustyna. Potem przestali na nim grać i wkrótce zapomniano o nim w Rzymie, ale nie na Wschodzie, gdzie Bizantyjczycy zastąpili typ hydrauliczny nowym, w którym powietrze przepływa rurami o różnej długości. Do VIII wieku, kiedy do Europy przywieziono ulepszoną wersję, Bizantyńczycy wytwarzali kilka rodzajów organów. W większości były bardzo nieporęczne, ale niektóre były łatwe w transporcie, ponieważ istnieją dowody na to, że cesarz Konstantyn VI (780-797) i jego matka Irena byli w stanie zabrać je ze sobą, gdy udali się na pozycje wojskowe w Tracji. W Bizancjum wydaje się, że instrument ten był używany podczas imprez towarzyskich, ale na Zachodzie uznano go za bardziej odpowiedni dla kościoła, ponieważ często grano na nim w klasztorze św. gusta. W 873 roku papież poczynił wielkie starania, by zwiększyć jego popularność, mianując organy, a także osobę zdolną do gry na nich, z posiadłości biskupa Anno z Freisingen.

Bizantyjczycy wszędzie czytali męczeństwa lub żywoty świętych. Pierwszy zbiór w formie księgi został opracowany w VI wieku przez Cyryla ze Scytopola w języku syryjskim. Jego pojawienie się może kojarzyć się z „Księgą raju” Palladiusza – tak nazywało się jego dzieło, opisujące wątpliwości co do prawdziwości cudów i zdarzeń przypisywanych pustelnikom i sprawiedliwym z egipskiej pustyni. Pod koniec VI wieku ukazała się kolejna księga żywotów napisana przez Jana Moschusa. Od tego czasu ich liczba zwielokrotniła się i obejmowała historie przedstawione w formie pouczających powieści. Zarówno literatura faktu, jak i fikcja literacka stały się niezwykle popularne wśród wszystkich środowisk; fikcja zajmowała to samo miejsce w stosunku do prawdziwych historii, co apokryfy Ewangelii.

Ryc.?71. Muzyk grający na instrumencie smyczkowym

Bizantyjczycy byli obdarzeni takim samym satyrycznym nastawieniem i żywym zainteresowaniem polityką jak współcześni Grecy, ale mieli mniej okazji, by to pokazać. Niemniej jednak pisano także broszury polityczne, które krążyły w społeczeństwie. W salonach szlacheckich epigramy cieszyły się szczególnym powodzeniem. Młodzi ludzie, zdolni do emanowania subtelnym dowcipem, kąpali się w podziwie innych. Chociaż wiele z tych fraszek nawiązywało do klasycznych historii, większość była bardzo aktualna. Theodore II Laskaris wymyślił wiele ostrych dowcipów. Udane wiersze zebrano w antologiach, które zawierały także anagramy i szarady. Profesjonalni pisarze spędzali dużo czasu na tworzeniu panegiryków dla cesarza, pochwał, kazań opartych na zasadach określonych przez retorów; wszystkie te dzieła obfitowały w aluzje mitologiczne, ponieważ literatura starożytnej Grecji pozostawała źródłem powszechnej przyjemności. Wszystkim bardzo podobały się też wspomnienia. Listy pisano nie tylko po to, by zadowolić przyjaciół, ale także jako ćwiczenie literackie; w tym przypadku adresowane były do ​​osób fikcyjnych. Czytelnicy, którzy kochali listy jako gatunek literacki, czerpali przyjemność także z powieści i opowiadań. Novella (czyli opowiadanie) przybyła do Bizancjum, kiedy Jan z Damaszku przetłumaczył na język grecki historię Barlaama i Józefa, która była bardzo popularna na dworze kalifów Umajjadów. Tytuł opowieści jest nieco niezgodny z treścią, ponieważ pierwotnie była to indyjska wersja życia Buddy. W wersji greckiej Budda zmienił się w Józefa. Wiele powieści powtórzyło to pierwsze opowiadanie w formie. Jedna z najsłynniejszych opowiadań o miłości Teagenesa i Charyklei. Historie takie jak ta powstawały i wszystkie były kochane w Konstantynopolu, co doprowadziło do ich rozprzestrzenienia się na Zachód, gdzie zdobyły wielu wielbicieli, w tym Racine'a.

Ryc.?72. Digenis Akritus i jego smok

Chociaż większość ludności wiejskiej była mniej wykształcona niż mieszkańcy miast, uważa się, że wielu z nich było piśmiennych. Mimo to w ich ręce trafiło niewiele książek. Ich aktywność umysłowa polegała na studiowaniu traktatów o magii i wróżbiarstwie wyroczni, oglądaniu rzadkich inscenizacji Męki Pańskiej w miejscowym kościele, gdzie od IX wieku wszystkie role odgrywali duchowni, oraz słuchaniu pieśni i opowieści w wykonaniu śpiewaków. i wędrownych gawędziarzy.

„Klasa robotnicza”, niezależnie od tego, czy mieszkała na wsi, czy w mieście, szczególnie lubiła farsę i prymitywną satyrę. Gatunki te odgrywały w ich życiu taką samą rolę, jak fraszki w życiu ich mistrzów. Niektóre żarty pochodziły z klasyki, a niektóre z wpływów orientalnych. Do IX wieku najpopularniejsze szkice zebrano w antologii. Wyszli pod nazwami: „Silny i przebiegły prawnik”, „Skąpiec”, „Dodger”, „Głupi” i tak dalej. Najbardziej ulubionymi piosenkami pozostały jednak poematy epickie. Jeden z nich, niezmiennie podobający się przedstawicielom wszystkich klas i zachowany dzięki niesłabnącej popularności, nosi tytuł „Poemat Bazylego Digenis Akrita” (czyli strażnika granic, zrodzonego z dwóch ludów). W dużej mierze była inspirowana walką z muzułmanami w IX i X wieku, walką toczoną głównie przez tematy, czyli „straż graniczną”. Jego bohater ucieleśnia sprzeciw Bizantyjczyków wobec Saracenów, ale poemat ujawnia nam, że wrogowie mieli do siebie pewien szacunek, a nawet sympatię. Taka postawa znajduje odzwierciedlenie także w historii, gdyż wzajemny szacunek między Saladynem a jego chrześcijańskimi przeciwnikami pozwalał na regularną wymianę jeńców i inne humanitarne czyny. Ten wiersz ma być oparty na życiu prawdziwej osoby, Pantheriusa. Jego rodzice byli przedstawicielami różnych ludów i wyznań: matka należała do słynnego bizantyjskiego rodu Duków, a ojciec był arabskim emirem, który z miłości do niej przeszedł na chrześcijaństwo. Pantherius wstąpił do służby cywilnej za Romana Lecapenusa iw 941 pomógł odeprzeć niebezpieczny atak wojsk kijowskich. Wiersz „Digenis Akritus” opisuje, jak syn człowieka, który zajmował tron ​​​​nie niższy niż emir Edessy, porwał lub uciekł z córką greckiego stratega Andronicusa Dukasa, a następnie poślubił ją. Tym wydarzeniom poświęcona jest pierwsza część wiersza. Druga, późniejsza część opowiada o początkach życia Digenisa. Z różnymi dygresjami opowiada o dzieciństwie i edukacji, o rycerskich czynach, jakich dokonywał w okresie dojrzewania, o jego odwadze i miłości do pięknej Eudoksji, córki chrześcijańskiego władcy, który zabijał każdego, kto ośmielił się o nią zabiegać. Digenisowi udało się z nią uciec, ale rozwścieczony ojciec puścił za nimi swoje sługi. Młodzieniec i dziewczyna pokonali wiele trudności i swoją odwagą zasłużyli sobie na szacunek ojca. Zgodził się na ich ślub, który odbył się z wielką pompą i radością. Potem na los Digenis spadło wiele przygód, które są opisane barwnie i obrazowo. Wśród nich jest opowieść o spotkaniu Eudokii ze smokiem, a następnie wydarzenia podobne do tych, które miały miejsce ze św. Jerzym, walka Digenisa z Maximo, indyjskim potomkiem Aleksandra Wielkiego. Ta część wiersza odzwierciedla zamiłowanie do przygód i wyczynów zbrojnych, błyskotliwość i odwagę kojarzoną z rycerstwem europejskim, trochę z odwagą Rolanda i szybkością Robin Hooda; wszystko to jest przedstawione z chaucerowską zjadliwością. W ostatniej części poematu Digenis i jego żona żyją w luksusie w pięknym pałacu nad brzegiem Eufratu. Ich życie staje się pogodne, ale Digenis, który uwielbiał pływać w rzece, umiera po kąpieli w jej lodowatej wodzie.

W XI wieku wielu dużych właścicieli ziemskich opuściło swoje majątki i przeniosło się do Konstantynopola. Przyzwyczajeni do życia w Azji Mniejszej, nie sympatyzowali tak bardzo z upowszechniającymi się w stolicy poglądami nowoplatońskimi, że prawie w ogóle nie brali udziału w jej życiu intelektualnym, tworzyli własną wspólnotę, gdzie z dala od głównego nurtu, poświęcali czas legendom, farsom i utworom satyrycznym, którymi mieszkając poza miastem bawili się wędrowni artyści, a z nieustannym zainteresowaniem słuchali opowieści o Basilu Digenis Akrita.

Z książki Bohaterska Ruś [Pogańscy tytani i półbogowie] autor Prozorow Lew Rudolfowicz

autor Wiazemski Jurij Pawłowicz

Rozdział siódmy Zagraniczni naukowcy Pytanie 7.1 Jak nazywała się słynna książka słynnego matematyka z IX wieku Mohammeda ibn Musa al-Khwarizmi?

Z książki Od Leonarda da Vinci do Nielsa Bohra. Sztuka i nauka w pytaniach i odpowiedziach autor Wiazemski Jurij Pawłowicz

Rozdział ósmy Rosyjscy naukowcy Pytanie 8.1 Przed swoją drugą wyprawą na Kamczatkę (1733-1741) Vitus Bering był pewien, że „Ameryka i ziemie leżące między nią” znajdują się niedaleko Kamczatki, w odległości około 150-200 mil. Na jakiej podstawie czy Bering to zrobił

Z książki Historia hiszpańskiej inkwizycji. Tom I autor Llorente Juan Antonio

ROZDZIAŁ XXV NAUKOWCY, KTÓRZY BYLI OFIARAMI INKWIZYCJI

Z książki Życie codzienne Anglików w epoce Szekspira autor Barton Elżbieta

Muzycy biorący udział w spektaklu. 1588 Muzyków biorących udział w przedstawieniu. 1588

Z książki Rosyjskie korzenie. Trzymamy niebo [Trzy bestsellery w jednym tomie] autor Prozorow Lew Rudolfowicz

Rozdział 2 Jak naukowcy odkryli eposy Wykształcone społeczeństwo rosyjskie naprawdę musiało otworzyć epopeję własnego narodu, jak jakiegoś nieznanego kraju. Jednak w momencie powstania nauki historycznej kraj ten nie budził większego zainteresowania. Zarówno Tatishchev, jak i

Z książki Armia cesarskiego Rzymu. I-II wieku OGŁOSZENIE autor Golyzhenkov I A

Muzycy W armii rzymskiej nie było instrumentów perkusyjnych. Wszystkie sygnały dźwiękowe nadawane były za pomocą wiatru. Trębacze w szeregach zawsze znajdowali się razem z chorążymi. Muzycy wojskowi: tubicines, cornicines i bucinatores - swoją nazwę zawdzięczają instrumentom, na których grają.

Z książki Ruś Scytyjska. Od Troi do Kijowa autor Abraszkin Anatolij Aleksandrowicz

ROZDZIAŁ 6 KIEDY NAUKOWCY „STOPUJĄ”… A może nie wystarczymy? Albo od Permu do Taurydy, Od fińskich zimnych skał do ognistej Kolchidy, Od wstrząśniętego Kremla Do murów nieruchomych Chin, Lśniących stalową szczeciną, Rosyjska ziemia nie powstanie?

Z książki Oblężona twierdza. Nieopowiedziana historia pierwszej zimnej wojny autor Mlechin Leonid Michajłowicz

„Muzycy” i „prostytutki” Z siłami antybolszewickimi w Rosji, podzielonymi i niezdolnymi do porozumienia między sobą, wszystko nie było łatwe. A sojusznicy nie rozumieli, na kim polegać i komu pomagać.Przejście Kozaków na jedną lub drugą stronę w latach wojny domowej

Z książki Wokół tronu autor Waliszewski Kazimierz

Rozdział 2 Pisarze, naukowcy i artyści I. Wymiana uprzejmości z cesarzami Zachodu. - Kult św. Katarzyna. - Laharpe'a. - Dorę. - Opaci. - Sceptycy i dysydenci. — Mademoiselle de Lespinas. - Opat Galiani. - Władca. - Chappe d'Autroche. — Pisarze francuscy na dworze

Z książki Historia filozofii rosyjskiej autor Łosski Nikołaj Onufrewicz

Z książki Świat żydowski [Najważniejsza wiedza o narodzie żydowskim, jego historii i religii (litry)] autor Teluszkin Józef

Z książki Normana. Od podboju do osiągnięcia. 1050–1100 autor Douglasa Davida Charlesa

ROZDZIAŁ X NAUKOWCY I ARTYŚCI Chociaż Normanowie byli zajęci problemami politycznymi, nie sposób w pełni docenić rezultatów ich podbojów bez odwołania się do „renesansu” sztuki i literatury, który przetoczył się przez Europę w XII wieku. Wtedy (nadal

Z książki Walka powietrzna (pochodzenie i rozwój) autor Babich V.K.

Z książki Stilyagi autor Kozłow Włodzimierz

Z książki Russian Truth [Pogaństwo to nasz „złoty wiek”] autor Prozorow Lew Rudolfowicz

ROZDZIAŁ 1. Tajemnica pentaeizmu kijowskiego i uczonych W żadnej części nauki duch systemów i aprioryzm nie wyrażał się tak wyraźnie, jak w poszukiwaniach najstarszych form wiary. Każdy widział w nich to, co chciał znaleźć, od najbrutalniejszego fetyszyzmu po najwznioślejszą filozofię.

12 listopada 1833 roku urodził się słynny rosyjski chemik, lekarz i kompozytor Aleksander Borodin. Chłopiec, który z urodzenia był uważany za niewolnika i nie mógł zdobyć wyższego wykształcenia, udało mu się zostać profesorem, akademikiem i członkiem-założycielem Rosyjskiego Towarzystwa Chemicznego.

Sługa z własnym ojcem

Aleksander Porfiryewicz Borodin urodził się z pozamałżeńskiego romansu 62-letniego księcia z 25-letnią córką żołnierza. Ojciec chłopca, Luka Stepanovich Giedianov, pochodził z gruzińskiej arystokratycznej rodziny, więc nie mógł rozpoznać dziecka. Noworodek został zapisany jako syn Porfirija Iwanowicza Borodina (poddanego sługi Giedianowa) i jego żony Tatiany Grigoriewnej - więc chłopiec otrzymał cudze nazwisko i patronimię.

Do 8 roku życia dziecko było formalnie niewolnikiem własnego ojca, ale przed śmiercią książę mimo to dał mu wolność, a nawet kupił czteropiętrowy dom dla Avdotyi Konstantinowej Antonowej, matki jego „nieślubnego” syna. Tam młoda kobieta, która była już wtedy zamężna, mieszkała z synem – jednak musiała przedstawiać chłopca jako swojego siostrzeńca wszystkim znajomym.

Dziecko dorastało spokojne, elastyczne i bardzo dociekliwe.

AP Borodin. Portret autorstwa Ilji Repina (1888) Zdjęcie: Commons.wikimedia.org

Studiuj, ucz się i jeszcze raz studiuj

Ponieważ syn chłopa pańszczyźnianego nie miał prawa wstępu do gimnazjum, chłopiec uczył się w domu. Już wtedy stało się jasne, że Sasza interesuje się muzyką – w wieku 9 lat napisał polkę Helen, opanował grę na flecie, pianinie, a później na wiolonczeli.

Kiedy miał około dziesięciu lat, dziecko zainteresowało się chemią. Jakiś czas później Aleksander został zapisany do trzeciej gildii kupców Novotorzhskoye - otrzymał więc prawo do ukończenia gimnazjum i wstąpienia do wyższej uczelni. Po zdaniu egzaminów młody człowiek został wolontariuszem Akademii Medyczno-Chirurgicznej w Petersburgu.

Uczeń najbardziej interesował się chemią. Na trzecim roku Borodin zwrócił się do swojego nauczyciela, profesora Zinina (chemika organicznego i akademika Akademii Nauk w Petersburgu) z prośbą o podjęcie studiów w laboratorium akademickim. Przez cały ten czas uczeń studiował muzykę równolegle ze studiami.

Medycyna czy muzyka?

Po ukończeniu studiów młody lekarz pracował jako stażysta w 2 Wojskowym Szpitalu Lądowym (gdzie poznał leczonego oficera Musorgskiego), obronił pracę doktorską, pogłębiał wiedzę na Uniwersytecie w Heidelbergu w Niemczech, brał udział w międzynarodowym kongresie chemików w Karlsruhe, razem z profesorem Zinenko i jego drugim Mendelejewem… Ale muzyka wciąż zajmowała Borodina. W jego mieszkaniu w Heidelbergu (niemieckie miasto, w którym mieszkał i studiował kiedyś młody specjalista) znajdowało się pianino, na którym naukowiec często grał dla swoich gości.

A w 1861 roku chemik poznał Ekaterinę Protopopową, młodą pianistkę, która przyjechała do Europy na leczenie. Ale wkrótce stan zdrowia dziewczynki pogorszył się jeszcze bardziej (cierpiała na przewlekłą chorobę oskrzelowo-płucną), a lekarze doradzili jej wyjazd do Włoch - naukowiec towarzyszył jej już jako pan młody.

Założyciele Rosyjskiego Towarzystwa Chemicznego. 1868. Zdjęcie: Commons.wikimedia.org

„Książę Igor” i fluorek benzoilu

W domu, do którego naukowiec i muzyk wrócił ze swoją przyszłą żoną, Borodin jednocześnie budował karierę naukową i muzyczną. Pieniędzy było za mało, więc musiał ciężko pracować, ale znalazł też czas na kreatywność. Borodin dołączył do kręgu Milija Bałakiriewa (później otrzymał imię „Potężna garstka”) i kręgu Belyaevsky'ego.

Borodin jest autorem ponad 40 prac z zakresu chemii i wielu utworów muzycznych, z których najbardziej znanym jest opera Książę Igor. Muzyk pracował nad ostatnią kompozycją przez 18 lat, ale nie miał czasu jej dokończyć - po śmierci Borodina jego dzieło zakończyło dwóch innych kompozytorów: Nikołaj Rimski-Korsakow i Aleksander Głazunow. Opera odniosła ogromny sukces (wystawiono ją w 1890 roku w Teatrze Maryjskim) i do dziś uważana jest za jedno z arcydzieł rosyjskiej sztuki operowej.

Ale Borodin zasłynął nie tylko ze swojego „Księcia Igora” - nazywany jest założycielem rosyjskiego symfonizmu epickiego.

W chemii słynny kompozytor dokonał także kilku odkryć: na przykład wynalazł metodę otrzymywania węglowodorów podstawionych bromem przez działanie bromu na sole srebra kwasów (tzw. Reakcja Borodina-Hunsdiekera) i otrzymał związek fluoroorganiczny ( fluorek benzoilu).

Pomimo tego, że chemii poświęcił znaczną część swojego życia (był nawet jednym z założycieli Rosyjskiego Towarzystwa Chemicznego), to jednak muzyka przyniosła mu największą sławę. Teraz Kwartet Państwowy nosi imię Borodin, a także kilka szkół muzycznych i ulic w różnych miastach Rosji.

Sam naukowiec i kompozytor powiedział: „Wszystko, czego nie mamy, zawdzięczamy tylko sobie”.