Legendarny spektakl baletowy opowiadający o wydarzeniach rewolucji francuskiej uważany jest za jeden z największych sukcesów radzieckiego teatru muzycznego. Pierwsi widzowie, nie zważając na teatralne konwencje, pod wpływem ogólnego impulsu wstali z miejsc i na cały głos zaśpiewali Marsyliankę wraz z artystami. Odtworzony na naszej scenie z szacunkiem dla stylu „złotego wieku” radzieckiego baletu, błyskotliwy i spektakularny spektakl nie tylko zachowuje tekst choreograficzny i mise-en-scène oryginalnego źródła, ale także wskrzesza jego rewolucyjny zapał. W wielkim fresku historyczno-romantycznym zatrudnionych jest ponad sto osób – tancerze baletowi, mimamy, chór – a ich wyjątkowy sposób bycia na scenie łączy umiejętności taneczne i aktorskie w jedną całość. Żywy i energiczny balet, w którym akcja rozwija się błyskawicznie i nie wymaga dodatkowych wyjaśnień, niezmiennie jest źródłem radości i wiary w ideały.
Akt pierwszy
Zdjęcie pierwsze
Lato 1792. Przedmieście Marsylii. Skraj lasu w pobliżu zamku markiza de Beauregard. Chłop Gaspard i jego dzieci, 18-letnia Żanna i 9-letni Jacques, wychodzą z lasu z wozem zarośli. Jeanne bawi się z Jacques’em. Chłopiec przeskakuje wiązki chrustu rozłożone przez niego na trawie. Słychać dźwięki rogu – to markiz wracający z polowania. Gaspard z dziećmi, po zebraniu tobołków, spieszy się do wyjścia. Ale z lasu wyłaniają się markiz de Beauregard i myśliwi. De Beauregard jest zły, że chłopi zbierają zarośla w jego lesie. Myśliwi przewracają wóz z zarośli, a markiz nakazuje myśliwym pobić Gasparda. Joanna próbuje stanąć w obronie ojca, wtedy markiz też się na nią zamachuje, ale słysząc dźwięki rewolucyjnej pieśni, pospiesznie ukrywa się w zamku.
Oddział rebeliantów z Marsylii pod dowództwem Filipa pojawia się z flagami, wysyłani są do Paryża, aby pomóc narodowi rewolucyjnemu. Rebelianci pomagają Gaspardowi i Jeanne postawić wózek i zebrać rozsypane chrusty. Jacques entuzjastycznie macha rewolucyjną flagą podarowaną mu przez jednego z Marsylijczyków. W tym czasie markizowi udaje się uciec z zamku przez tajne drzwi.
Przychodzą chłopi i wieśniaczki, pozdrawiają żołnierzy oddziału marsylskiego. Philip zachęca ich, aby dołączyli do drużyny. Dołącz do rebeliantów i Gaspara z dziećmi. Wszyscy jadą do Paryża.
Zdjęcie drugie
Uroczystość w pałacu królewskim. Damy dworskie i oficerowie gwardii królewskiej tańczą sarabandę.
Taniec dobiegł końca, a konferansjer zaprasza wszystkich na przedstawienie teatru dworskiego. Aktorka Diana Mireille i aktor Antoine Mistral odgrywają przerwę, wyobrażając sobie bohaterów zranionych strzałą Kupidyna.
Wchodzą król Ludwik XVI i królowa Maria Antonina. Oficerowie wznoszą toasty pochwalne na cześć króla. Pojawia się markiz de Beauregard, który właśnie przybył z Marsylii. Pokazuje i rzuca pod nogi króla trójkolorową flagę buntowników z napisem „Pokój chatom, wojna pałacom!” i depcze po nim, po czym całuje sztandar królewski stojący przy tronie. Markiz odczytuje opracowane przez siebie przesłanie do Prusów, w którym Ludwik XVI powinien wezwać Prusy do wysłania wojsk do Francji i położenia kresu rewolucji. Ludwik zostaje poproszony o podpisanie dokumentu. Król się waha, ale Maria Antonina przekonuje go do podpisania. Markiz i oficerowie w przypływie monarchicznego entuzjazmu przysięgają spełnić swój obowiązek wobec króla. Wyciągnąwszy broń, entuzjastycznie pozdrawiają parę królewską. Królowa wyraża ufność w oddanie obecnych. Ludovic jest wzruszony, przykłada chusteczkę do oczu.
Para królewska i większość pań dworu opuszczają salę. Lokaje wnoszą stoły, wznoszą toasty na cześć monarchii. Fani Diany Mireille zapraszają aktorów do wzięcia udziału w uroczystości. Mireille zostaje namówiona, żeby coś zatańczyć, ona i Antoine improwizują krótki taniec, który zostaje entuzjastycznie przyjęty przez publiczność. Ledwie już na nogach markiz, natarczywie zaprasza Mireille do tańca, ona jest zmuszona się zgodzić. Jest zniesmaczona jego nieuprzejmością, chciałaby odejść, ale nie może. Diana stara się trzymać blisko Mistrala, który próbuje odwrócić uwagę de Beauregarda, ale markiz brutalnie odpycha aktora; kilku funkcjonariuszy zabiera Antoine'a do stołu. Panie po cichu opuszczają salę. Wreszcie Mireille pod prawdopodobnym pretekstem również wychodzi, ale markiz podąża za nią.
Wino ma coraz większy wpływ, niektórzy oficerowie zasypiają tuż przy stołach. Mistral zauważa na stole zapomniany „Apel do Prus” i czyta go najpierw mechanicznie, a potem z ciekawością. Markiz wraca i zauważa papier w rękach Antoine'a: wymykając się spod kontroli, wyciąga pistolet i strzela, śmiertelnie raniąc aktora. Strzał i upadek Mistrala budzą kilku oficerów, otaczają markiza i pospiesznie go zabierają.
Na dźwięk wystrzału Mirei wbiega do sali. Martwe ciało Mistrala leży na środku sali, Mireille pochyla się nad nim: „Czy on żyje?” - a potem trzeba wezwać pomoc... Ale ona jest przekonana, że Antoine nie żyje. Nagle zauważa trzymaną w dłoni gazetę, bierze ją i czyta. Za oknami słychać zbliżające się odgłosy Marsylianki. Mireille rozumie, dlaczego Mistral został zabity i teraz wie, co robić. Po ukryciu papieru ucieka z pałacu.
Akt drugi
Zdjęcie pierwsze
Noc. Plac w Paryżu, na którym gromadzą się tłumy obywateli, uzbrojonych oddziałów z prowincji, w tym Auvergów i Basków. Paryżanie z radością witają oddział Marsylii. Zaciekłą gotowością do walki wyróżnia się grupa Basków, a wśród nich Teresa, aktywna uczestniczka ulicznych przedstawień i demonstracji sanskulotów stolicy. Pojawienie się Diany Mireille przerywa taniec. Daje tłumowi zwój z apelem króla do Prusów, a lud jest przekonany o zdradzie arystokracji.
Brzmi „Carmagnola”, tłum tańczy. Rozdawanie broni. Filip wzywa do szturmu na Tuileries. Z rewolucyjną piosenką „Ça ira” i rozłożonymi trójkolorowymi sztandarami tłum maszeruje w stronę pałacu królewskiego.
Zdjęcie drugie
Tłumy uzbrojonych ludzi pędzą do szturmu na pałac.
Pałac Tuileries. Markiz de Beauregard przedstawia żołnierzy Gwardii Szwajcarskiej. Na jego rozkaz Szwajcarzy zajmują wyznaczone stanowiska. Kawalerzyści wyprowadzają przestraszone panie. Nagle drzwi się otwierają, ludzie wpadają do wewnętrznych komnat pałacu. Philippe konfrontuje się z markizem de Beauregard. Po zaciętej walce Filip wybija miecz markizowi, próbuje zastrzelić Filipa z pistoletu, lecz tłum go atakuje.
Szwajcarzy, ostatni obrońcy króla, zostają zmieceni. Baskijska Teresa wbiega z transparentem w rękach i upada, przeszyta kulą jednego z funkcjonariuszy. Walka się skończyła. Pałac zdobyty. Baskowie, Philippe i Gaspar podnoszą ciało Teresy nad głowę, lud opuszcza flagi.
Akt trzeci
Na placu w pobliżu dawnego pałacu królewskiego – uroczystość ku czci zdobycia Tuileries. Tańce wesołych ludzi zastępują występy aktorów paryskich teatrów. Diana Mireille w otoczeniu dziewcząt w antycznych strojach wykonuje taniec z trójkolorową flagą, uosabiającą zwycięstwo Rewolucji i Wolności. Odgrywane są tańce-alegorie Równości i Braterstwa. Ludzie obsypują kwiatami tańczącą Jeanne i Philippe’a: to także dzień ich ślubu.
Brzmi jak „Carmagnola”… Jako symbol wolności ludzie noszą na rękach Dianę Mireille.
Bębny rewolucji znów biją w Petersburgu w absolutnie doskonałej wersji baletu Płomienie Paryża, stworzonego w 1932 roku przez Wasilija Vainonena, stworzonego przez Michaiła Messera dla Michajłowskiego przez Michaiła Messera. Odtworzenie tego baletu stało się główną i ulubioną troską Michaiła Messera, który jest dziś słynnym „obrońcą” bogatego dziedzictwa choreograficznego ZSRR, który zaoszczędził maksymalną możliwą ilość oryginalnej choreografii. Nie jest to jednak sucha, akademicka akcja; wyszło z tego dzieło imponujące, niezwykłe pod względem energii i wykonania.
... „Płomienie Paryża” – aktywne i energiczne spojrzenie człowieka radzieckiego na rewolucję francuską – stworzył w 1932 roku Wasilij Vainonen, a w zeszłym roku redagował go Michaił Messerer. Historia jest wyraźnie opowiedziana i pompatycznie zainscenizowana. Wspaniała sceneria i kostiumy autorstwa Władimira Dmitriewa tworzą obrazy przypominające kolorowe ilustracje z podręcznika historii. Pomysłowe połączenie oldschoolowego klasycyzmu i pikantnego, charakterystycznego tańca podkreśla imponującą różnorodność stylistyczną. Pantomima jest wyraźna, ale w żaden sposób nienaruszona, a kulminacyjne akcenty są choreografowane z przekonującym patosem.
Niedzielny ekspres Jeffreya Taylora
Choreografowi Michaiłowi Messererowi, który z niezwykłą precyzją i mistrzostwem odtworzył oryginalne przedstawienie Vainonena, udało się zamienić tę osobliwą eksponat muzealny w prawdziwe arcydzieło sztuki teatralnej.
To nowoczesny hit kinowy, niezależnie od preferencji politycznych. Nie jest to jednak wcale proste, jest głębokie w choreografii, a w momentach tańca klasycznego jest krystalicznie czyste. Pełna wdzięku i dumna szlachta w wysokich szarych perukach wykonuje menuet w leniwy, arystokratyczny sposób. Następnie – tłumy mas wirują i kręcą się w buntowniczych tańcach ludowych, w tym zaraźliwym tańcu w chodakach i tańcu z nadrukowanym – aż serce zatrzymuje się – pasem. W zupełnie innym stylu, jako pomnik wielkich artystów radzieckich, wystawiono alegoryczny taniec „Wolność”.<...>W scenach pałacowych - wyrafinowany styl klasyczny XIX wieku. Dziewczęta z corps de ballet delikatnie wygięły talie i ułożyły ramiona, przypominając postacie na porcelanie Wedgwooda.
Podczas gdy Ratmansky podzielił swój balet na dwa akty, Messerer powraca do pierwotnej struktury – trzech krótszych aktów, co nadaje spektaklowi żywiołowości, energicznie popychając akcję do przodu. Czasami „Płomienie Paryża” przypominają nawet „Don Kichota” na amfetaminie. Każdy akt ma kilka niezapomnianych tańców, a każdy akt kończy się jakąś niezapomnianą sceną. Poza tym jest to rzadki balet, w którym akcja nie wymaga wyjaśnień. Płomienie Paryża to źródło radości i niesamowitego zwycięstwa Teatru Michajłowskiego. Można dodać, że jest to także podwójny triumf Michaiła Messerera: niezwykła jakość wykonania znalazła odzwierciedlenie w samym materiale, za co należy szczególnie podziękować Messererowi jako niedoścignionemu nauczycielowi. Jego talent pedagogiczny widoczny jest w tańcu wszystkich wykonawców, jednak na szczególną uwagę zasługuje spójność tańca corps de ballet i solistów.
Igor Stupnikov, Czasy tańca
Wersja Płomieni Paryża Michaiła Messerera to arcydzieło jubilerskiego rzemiosła: wszystkie zachowane fragmenty baletu są tak mocno zlutowane, że nie sposób odgadnąć istnienia szwów. Nowy balet to rzadka przyjemność zarówno dla publiczności, jak i dla tancerzy: dla wszystkich 140 osób zaangażowanych w spektakl znaleziono rolę.
Przede wszystkim jest to triumf zespołu jako całości, tutaj wszystko i wszyscy są genialni.<...>Rewia barokowa dworska<...>z subtelnym wyczuciem stylu historycznego kontrapost- wszędzie zmiękczone łokcie i lekko pochylona głowa - nie mówiąc już o eleganckiej filigranowej stopce.
Ogromna, kolosalna zasługa Michaiła Messerera polega na tym, że wyciągnął ten balet z błota czasów (ostatni raz tańczono go w Bolszoj w latach sześćdziesiątych) tak żywy, wesoły i waleczny, jak go wymyślił autor . Kiedy pięć lat temu Aleksey Ratmansky wystawiał w głównym teatrze kraju swoją sztukę pod tym samym tytułem, wziął tylko kilka fragmentów choreografii Vainonena i, co najważniejsze, zmienił intonację spektaklu. Balet ten opowiadał o nieuchronnej stracie (nie rewolucji, ale człowieka – gilotyna czekała na gilotynę wymyśloną na nowo przez sympatyzującego z rewolucjonistami choreografa) i o tym, jak niekomfortowo czuje się pojedynczy człowiek nawet w odświętnym tłumie. Nic dziwnego, że w tym „Płomieniu” połączenia tańca i muzyki katastrofalnie się rozeszły: Boris Asafiew skomponował własną partyturę (choć dość małą) do jednej historii, Ratmansky opowiedział inną.
Dla praktyków baletu wartość Płomieni Paryża tkwi przede wszystkim w choreografii Wasilija Vainonena, najzdolniejszego choreografa epoki socrealizmu. I jest pewien schemat w tym, że pierwszą próbę wskrzeszenia zmarłego baletu podjął najzdolniejszy choreograf poradzieckiej Rosji Aleksiej Ratmański<...>Ze względu na szczupłość materiału nie mógł jednak zrekonstruować historycznego przedstawienia, wystawiając zamiast tego własny balet, w którym zainstalował 18 minut choreografii Vainonena, zachowanej w filmie z 1953 roku. I trzeba przyznać, że w powstałym kontrrewolucyjnym balecie (intelektualista Ratmansky nie mógł ukryć przerażenia wywołanego terrorem zbuntowanego tłumu) były to najlepsze fragmenty. W Teatrze Michajłowskim Michaił Messerer poszedł inną drogą, starając się jak najpełniej zrekonstruować historyczny oryginał.<...>Podejmując się jawnie propagandowego baletu, w którym tchórzliwi i podli arystokraci spiskują przeciwko narodowi francuskiemu, wzywając armię pruską do obrony zgniłej monarchii, wielce doświadczony Messerer oczywiście zrozumiał, że wiele dzisiejszych scen wyglądałoby, delikatnie mówiąc, nieprzekonywający. Dlatego wykluczył najbardziej odrażające sceny, jak zdobycie zamku markiza przez powstańczych chłopów, i jednocześnie ugodził epizody pantomimiczne.<...>Właściwie to tańce (klasyczne i charakterystyczne) to główna zasługa choreografa-reżysera: udało mu się odrestaurować Owernię i Farandole, a utraconą choreografię zastąpić własną, tak zbliżoną stylistycznie do oryginału, że trudno powiedzieć pewność, kto należy do . Na przykład źródła publiczne milczą na temat bezpieczeństwa alegorii duetu Vaynonen z trzeciego aktu w wykonaniu aktorki Diany Mireille z anonimowym partnerem. Tymczasem w petersburskim wykonaniu ten znakomity duet, obfitujący w niezwykle ryzykowne serie górnych supportów w duchu rozpaczliwych lat 30. XX wieku, prezentuje się zupełnie autentycznie.
Przywrócenie prawdziwej starożytności jest droższe niż remake, ale w rzeczywistości jasne jest, że szczegółowe zapamiętanie baletu w trzech aktach przez pół wieku jest trudne. Oczywiście część tekstu została skomponowana od nowa. Jednocześnie nie można znaleźć szwów między nowym a zachowanym (tym samym pas de deux, taniec baskijski, podręcznikowy marsz zbuntowanych sans-culottes frontalnie po sali). Poczucie doskonałej autentyczności - ponieważ styl jest doskonale zachowany.<...>Spektakl zresztą okazał się całkowicie żywy. I jakość: postacie są opracowane szczegółowo, szczegółowo. Zarówno chłopom w drewniakach, jak i arystokratom w sakwach i pudrowanych perukach udało się nadać organiczny patos tej opowieści o Wielkiej Rewolucji Francuskiej (wspaniała malowana sceneria oparta na szkicach Włodzimierza Dmitriewa wnosi wiele do romantycznych uniesień).
Nie tylko podręcznikowe pas de deux i taniec baskijski, ale także Marsylia, Owernia, taniec z flagą i scena baletu dworskiego - zostały z blaskiem odrestaurowane. Rozciągnięta pantomima, która nie została jeszcze zabita zgodnie z modą początku lat trzydziestych, została przez Messerera zredukowana do minimum: współczesny widz potrzebuje dynamiki, a poświęcenie choć jednego tańca z kalejdoskopu fantazji Vainonena wydaje się zbrodnią. Trzyaktowy balet, choć zachował swoją strukturę, jest skompresowany do dwóch i pół godziny, część nie zatrzymuje się ani na minutę<...>Nie budzi wątpliwości aktualność wznowienia pytań – w finale sala tak szaleje, że wydaje się, że dopiero szybkie zasunięcie kurtyny nie pozwala publiczności spieszyć się na plac, gdzie dwójka głównych bohaterów balet wspina się na wysokich podporach.
Arystokraci – co od nich wziąć! - głupi i arogancki do końca. Patrzą z przerażeniem na rewolucyjny sztandar z napisem w języku rosyjskim: „Pokój chatom - wojna pałacom” i biją pokojowego chłopa biczem, rozgniewając lud w kulminacyjnym momencie powstania, łatwo zapominając w pałacu królewskim o ważny dokument, który kompromituje ich, szlachtę. Można być w tym mądrym przez długi czas, ale Vainonenowi takie absurdy się nie przejmowały. Myślał kategoriami teatralnymi, a nie historycznymi i nie miał zamiaru niczego stylizować. Poszukiwanie logiki historii i jej trafności nie powinno być niczym innym, jak studiowaniem starożytnego Egiptu w balecie „Córka faraona”.
Romans walki rewolucyjnej z jej wezwaniami do wolności, równości i braterstwa okazał się bliski dzisiejszemu widzowi. Publiczność, zapewne zmęczona rozwiązywaniem zagadek w twórczości dyrektora artystycznego zespołu baletowego Nacho Duato, żywo reagowała na wydarzenia, które jasno i logicznie ułożyły się w fabule Płomieni Paryża. Spektakl charakteryzuje się piękną scenografią i kostiumami. Zatrudnionych na scenie 140 uczestników ma okazję wykazać się talentem w wykonaniu najbardziej skomplikowanych technik tanecznych i umiejętności aktorskich. „Taniec w obrazie” wcale nie jest przestarzały, nie przestał być wysoko ceniony przez publiczność. Dlatego też premiera Płomieni Paryża w Teatrze Michajłowskim została przyjęta przez petersburską publiczność z prawdziwym entuzjazmem.
Według kilku zachowanych fraz plastycznych Messerer Jr. jest w stanie przywrócić farandole i carmagnolę, zgodnie z opisami - taniec Kupidyna i nie pomyślisz, że to nie jest tekst Vainonena. Zakochany w Płomieniach Paryża Messerer odtwarza barwne i niezwykle wyraziste przedstawienie. Wiaczesław Okuniew pracował nad historyczną scenerią i luksusowymi kostiumami, opierając się na pierwotnych źródłach artysty Władimira Dmitriewa.
Z pozycji estety spektakl jest jak rzecz dobrze zrobiona: dobrze skrojona i ciasno uszyta. Z wyjątkiem przesadnie długich projekcji wideo, podczas których łopoczą na zmianę sztandary przeciwników – królewskiej i rewolucyjnej – balet nie ma żadnych dramatycznych wad. Akcja krótko i wyraźnie wymawia momenty pantomimiczne i ku uciesze widza przechodzi do smakowitych tańców, inteligentnie przeplatając wzory dworskie, folklorystyczne i klasyczne. Nawet szeroko potępiany przerywnik muzyczny Borisa Asafiewa, w którym akademik bez zbędnych ceregieli nałożył na siebie cytaty z Gretry'ego i Lully'ego własnymi, nieskomplikowanymi tematami, wygląda na całkowicie solidne dzieło - dzięki umiejętnym cięciom i przemyślanemu tempu, Michaiłowi Messererowi i dyrygentowi Pavelowi Ovsyannikovowi udaje się rozwiązać to trudne zadanie.
Mike'a Dixona
Znakomita inscenizacja Płomieni Paryża Michaiła Messerera w Teatrze Michajłowskim jest przykładem doskonałej syntezy przejrzystości narracji i tempa choreograficznego. Ta historia pozostaje żywa i wciągająca przez wszystkie trzy akty, których akcja rozgrywa się na przedmieściach Marsylii, w Wersalu i na placu przed Pałacem Tuileries.
To upalne lato prawdopodobnie nie osiągnęło jeszcze swojego punktu kulminacyjnego: w petersburskim Teatrze Michajłowskim szykuje się prawdziwy ogień. Odrestaurowane Płomienie Paryża, legendarne przedstawienie z czasów sowieckich o rewolucji francuskiej, będzie ostatnią premierą sezonu baletu rosyjskiego.
Anna Galayda, dziennik RBC
18.07.2013
Choreograf opowiada Belcanto.ru o cechach moskiewskiego Don Kichota, legendach i tradycjach rodziny Messererów, a także pomysłach na produkcję Płomieni Paryża.
Każdy projekt „rekonstrukcji” Baletu Bolszoj miał swoją specyfikę. Ale „ognisty” jest chyba jednym z najciekawszych i najbardziej oryginalnych. Balet Płomienie Paryża nie należy ani do pereł dawnej klasyki (jak niedawno odrestaurowany Le Corsaire), ani do dzieł epoki sowieckiej, które daremnie cierpiały od władzy (jak Jasny Strumień). Nie zniknęło bez śladu, ale w większości nie przetrwało…
Wystawiony w latach 30. ubiegłego wieku w Leningradzie w ówczesnym Kirowie, a nie Maryjskim, Teatrze i wkrótce przeniesiony do Bolszoj, stał się jednym z ulubionych baletów Stalina, który w rzeczywistości nie szczególnie lubił ten gatunek w sztuce. Balet wystawiono w przeddzień rocznicy „Wielkiego Października”, a następnie w dalszym ciągu włączano go do klipu dzieł, których życie twórcze „aktywowało się” w takie rocznice. I nic dziwnego, bo płomienie Paryża to ogień Wielkiej Rewolucji Francuskiej. A taki „bohater” jak w tym balecie nie był jeszcze znany - jedną z jego pełnoprawnych postaci były masy ludowe, rewolucyjne i gotowe do bardzo aktywnych działań.
W latach 30. ubiegłego wieku na scenie baletowej zapanowała era baletu dramatycznego. Dyrektorzy teatru dramatycznego aktywnie pomagali choreografom. Miało tańczyć tylko wtedy, gdy było to uzasadnione przebiegiem akcji. A fabuła poruszyła pantomimę, różne rodzaje „chodzenia” i inne urządzenia w tym samym duchu. Ale Wasilij Vainonen uwielbiał wystawiać tańce i sam będąc w młodości tancerzem o charakterze ludowym, oddał hołd tańcom tego typu. Jego „Płomień” wyprowadził na scenę niemal cały, nawet bardzo liczny, trupę, dostarczył doskonałego materiału do zademonstrowania błyskotliwych talentów znacznej liczbie charakterystycznych tancerzy, a „klasycy” mieli w nim coś do wykonania – zarówno z czysto tanecznego i aktorskiego punktu widzenia. Co więcej, fabuła nie pozwoliła szczególnie sprzeciwić się kanonowi baletu dramatycznego. W końcu jak masy ludzkie mogą wyrażać swoje uczucia, jeśli nie tańcem?
Aleksiej Ratmansky, który uwielbia bawić się stylami, nie przeszedł obok tego imienia. Nie tylko bez Petipy, ale także bez osiągnięć sowieckich choreografów rosyjski balet nie osiągnąłby takich pozycji, jakie zajmuje na całym świecie. Trzeba znać swoją historię, zwłaszcza, że jeśli nie powtarza się „lekcji”, szybko się o nich zapomina. Balet opuścił repertuar dopiero w latach 60. XX wieku, jednak został już bardzo gruntownie zapomniany.
Oprócz filmu, w którym zachowały się pojedyncze fragmenty, twórcom Bolszoj w przypomnieniu Płomieni Paryża pomogli ci, którzy znali ten balet z pierwszej ręki – weterani Baletu Bolszoj Faina Efremova, Yulamey (Madzhi) Scott, Yuri Papko, Vladimir Koshelev; obecnie nauczyciele Bolszoj Marina Kondratiew, Michaił Ławrowski, Jurij Władimirow, Walery Łagunow, była solistka Teatru Kirowa Irina Gensler.
Podziwiając wyrafinowane rytmicznie kombinacje taneczne Vainonena, który miał nawet taki przydomek - synkopista Vaska, Ratmansky starał się zachować jak najwięcej tego, co przetrwało w nowym balecie. W jej tkaninie znalazł się taniec baskijski w inscenizacji Wasilija Vainonena, pas de Mireille i Antoine Mistral, farandole, dwie kieszenie i oczywiście słynne pas de deux Jeanne i Philippe, tak uwielbiane przez zawodników i „koncertantów”. Otóż to, czego nie udało się zachować, także w tych fragmentach, odtworzono w stylu zaginionego oryginału.
Oprócz rozważań czysto choreograficznych Aleksiej Ratmanski kierował się innymi, „ideologicznymi”. Być może to w naszych dość cynicznych czasach warto pamiętać, jak pragnienie „wolności, równości i braterstwa” mogło jednoczyć ludzi. Tak czy inaczej, hasło to pozostaje jednym z najjaśniejszych i najpiękniejszych w historii ludzkości. Co roku 14 lipca cała Francja zgodnie świętuje rocznicę swojej Rewolucji Francuskiej i honoruje Marsyliankę jako swój hymn.
Niemniej jednak balet nie jest filmem, którego nie da się już zmienić i który w razie potrzeby można postrzegać wyłącznie jako pomnik epoki. Teatr to żywa istota. Wymaga dialogu, także z „oryginalnym źródłem”. Aleksiej Ratmanski (z pomocą dramaturga Aleksandra Bielińskiego) wszedł w ten dialog. Fabuła uległa pewnym zmianom. Zamiast więc jednej pary najważniejszych postaci, są dwie, tworzące odpowiednio dwa duety miłosne, połączone ze sobą przyjacielskimi więzami. Wcześniej w balecie nie było tematu miłosnego. Ale nie doszło też do egzekucji jednej z bohaterek, co wywołało dreszcze u jej przyjaciół i na własnej skórze przekonało się, jakie są okropności rewolucyjnego terroru…
Materiał muzyczny został zredukowany – cztery akty „pasują” do dwóch. Koncepcję dramatu muzycznego opracował przyszły dyrektor artystyczny Baletu Bolszoj Jurij Burlaka. Reżyserem scenicznym jest Paweł Sorokin. Balet ten ma jasną kolorystykę już w samym tytule, ale akcja toczy się wśród czarno-białych grafik malowanych scenerii (Ilja Utkin, Jewgienij Monachow), przypominających ryciny z tamtej epoki, na przykład Jacquesa Louisa Davida , który stał się jedną z postaci tego baletu, oraz o zamieszaniu i zadymionej ciemności, która towarzyszy wielkim rewolucyjnym pożarom. Jasność kolorów została w pełni ucieleśniona w kostiumach (Elena Markovskaya) oraz w płomieniu zapalonym przez projektanta oświetlenia Damira Ismagilova.
Legendarny spektakl baletowy opowiadający o wydarzeniach rewolucji francuskiej uważany jest za jeden z największych sukcesów radzieckiego teatru muzycznego. Pierwsi widzowie, nie zważając na teatralne konwencje, pod wpływem ogólnego impulsu wstali z miejsc i na cały głos zaśpiewali Marsyliankę wraz z artystami. Odtworzony na naszej scenie z szacunkiem dla stylu „złotego wieku” radzieckiego baletu, błyskotliwy i spektakularny spektakl nie tylko zachowuje tekst choreograficzny i mise-en-scène oryginalnego źródła, ale także wskrzesza jego rewolucyjny zapał. W wielkim fresku historyczno-romantycznym zatrudnionych jest ponad sto osób – tancerze baletowi, mimamy, chór – a ich wyjątkowy sposób bycia na scenie łączy umiejętności taneczne i aktorskie w jedną całość. Żywy i energiczny balet, w którym akcja rozwija się błyskawicznie i nie wymaga dodatkowych wyjaśnień, niezmiennie jest źródłem radości i wiary w ideały.
Akt pierwszy
Zdjęcie pierwsze
Lato 1792. Przedmieście Marsylii. Skraj lasu w pobliżu zamku markiza de Beauregard. Chłop Gaspard i jego dzieci, 18-letnia Żanna i 9-letni Jacques, wychodzą z lasu z wozem zarośli. Jeanne bawi się z Jacques’em. Chłopiec przeskakuje wiązki chrustu rozłożone przez niego na trawie. Słychać dźwięki rogu – to markiz wracający z polowania. Gaspard z dziećmi, po zebraniu tobołków, spieszy się do wyjścia. Ale z lasu wyłaniają się markiz de Beauregard i myśliwi. De Beauregard jest zły, że chłopi zbierają zarośla w jego lesie. Myśliwi przewracają wóz z zarośli, a markiz nakazuje myśliwym pobić Gasparda. Joanna próbuje stanąć w obronie ojca, wtedy markiz też się na nią zamachuje, ale słysząc dźwięki rewolucyjnej pieśni, pospiesznie ukrywa się w zamku.
Oddział rebeliantów z Marsylii pod dowództwem Filipa pojawia się z flagami, wysyłani są do Paryża, aby pomóc narodowi rewolucyjnemu. Rebelianci pomagają Gaspardowi i Jeanne postawić wózek i zebrać rozsypane chrusty. Jacques entuzjastycznie macha rewolucyjną flagą podarowaną mu przez jednego z Marsylijczyków. W tym czasie markizowi udaje się uciec z zamku przez tajne drzwi.
Przychodzą chłopi i wieśniaczki, pozdrawiają żołnierzy oddziału marsylskiego. Philip zachęca ich, aby dołączyli do drużyny. Dołącz do rebeliantów i Gaspara z dziećmi. Wszyscy jadą do Paryża.
Zdjęcie drugie
Uroczystość w pałacu królewskim. Damy dworskie i oficerowie gwardii królewskiej tańczą sarabandę.
Taniec dobiegł końca, a konferansjer zaprasza wszystkich na przedstawienie teatru dworskiego. Aktorka Diana Mireille i aktor Antoine Mistral odgrywają przerwę, wyobrażając sobie bohaterów zranionych strzałą Kupidyna.
Wchodzą król Ludwik XVI i królowa Maria Antonina. Oficerowie wznoszą toasty pochwalne na cześć króla. Pojawia się markiz de Beauregard, który właśnie przybył z Marsylii. Pokazuje i rzuca pod nogi króla trójkolorową flagę buntowników z napisem „Pokój chatom, wojna pałacom!” i depcze po nim, po czym całuje sztandar królewski stojący przy tronie. Markiz odczytuje opracowane przez siebie przesłanie do Prusów, w którym Ludwik XVI powinien wezwać Prusy do wysłania wojsk do Francji i położenia kresu rewolucji. Ludwik zostaje poproszony o podpisanie dokumentu. Król się waha, ale Maria Antonina przekonuje go do podpisania. Markiz i oficerowie w przypływie monarchicznego entuzjazmu przysięgają spełnić swój obowiązek wobec króla. Wyciągnąwszy broń, entuzjastycznie pozdrawiają parę królewską. Królowa wyraża ufność w oddanie obecnych. Ludovic jest wzruszony, przykłada chusteczkę do oczu.
Para królewska i większość pań dworu opuszczają salę. Lokaje wnoszą stoły, wznoszą toasty na cześć monarchii. Fani Diany Mireille zapraszają aktorów do wzięcia udziału w uroczystości. Mireille zostaje namówiona, żeby coś zatańczyć, ona i Antoine improwizują krótki taniec, który zostaje entuzjastycznie przyjęty przez publiczność. Ledwie już na nogach markiz, natarczywie zaprasza Mireille do tańca, ona jest zmuszona się zgodzić. Jest zniesmaczona jego nieuprzejmością, chciałaby odejść, ale nie może. Diana stara się trzymać blisko Mistrala, który próbuje odwrócić uwagę de Beauregarda, ale markiz brutalnie odpycha aktora; kilku funkcjonariuszy zabiera Antoine'a do stołu. Panie po cichu opuszczają salę. Wreszcie Mireille pod prawdopodobnym pretekstem również wychodzi, ale markiz podąża za nią.
Wino ma coraz większy wpływ, niektórzy oficerowie zasypiają tuż przy stołach. Mistral zauważa na stole zapomniany „Apel do Prus” i czyta go najpierw mechanicznie, a potem z ciekawością. Markiz wraca i zauważa papier w rękach Antoine'a: wymykając się spod kontroli, wyciąga pistolet i strzela, śmiertelnie raniąc aktora. Strzał i upadek Mistrala budzą kilku oficerów, otaczają markiza i pospiesznie go zabierają.
Na dźwięk wystrzału Mirei wbiega do sali. Martwe ciało Mistrala leży na środku sali, Mireille pochyla się nad nim: „Czy on żyje?” - a potem trzeba wezwać pomoc... Ale ona jest przekonana, że Antoine nie żyje. Nagle zauważa trzymaną w dłoni gazetę, bierze ją i czyta. Za oknami słychać zbliżające się odgłosy Marsylianki. Mireille rozumie, dlaczego Mistral został zabity i teraz wie, co robić. Po ukryciu papieru ucieka z pałacu.
Akt drugi
Zdjęcie pierwsze
Noc. Plac w Paryżu, na którym gromadzą się tłumy obywateli, uzbrojonych oddziałów z prowincji, w tym Auvergów i Basków. Paryżanie z radością witają oddział Marsylii. Zaciekłą gotowością do walki wyróżnia się grupa Basków, a wśród nich Teresa, aktywna uczestniczka ulicznych przedstawień i demonstracji sanskulotów stolicy. Pojawienie się Diany Mireille przerywa taniec. Daje tłumowi zwój z apelem króla do Prusów, a lud jest przekonany o zdradzie arystokracji.
Brzmi „Carmagnola”, tłum tańczy. Rozdawanie broni. Filip wzywa do szturmu na Tuileries. Z rewolucyjną piosenką „Ça ira” i rozłożonymi trójkolorowymi sztandarami tłum maszeruje w stronę pałacu królewskiego.
Zdjęcie drugie
Tłumy uzbrojonych ludzi pędzą do szturmu na pałac.
Pałac Tuileries. Markiz de Beauregard przedstawia żołnierzy Gwardii Szwajcarskiej. Na jego rozkaz Szwajcarzy zajmują wyznaczone stanowiska. Kawalerzyści wyprowadzają przestraszone panie. Nagle drzwi się otwierają, ludzie wpadają do wewnętrznych komnat pałacu. Philippe konfrontuje się z markizem de Beauregard. Po zaciętej walce Filip wybija miecz markizowi, próbuje zastrzelić Filipa z pistoletu, lecz tłum go atakuje.
Szwajcarzy, ostatni obrońcy króla, zostają zmieceni. Baskijska Teresa wbiega z transparentem w rękach i upada, przeszyta kulą jednego z funkcjonariuszy. Walka się skończyła. Pałac zdobyty. Baskowie, Philippe i Gaspar podnoszą ciało Teresy nad głowę, lud opuszcza flagi.
Akt trzeci
Na placu w pobliżu dawnego pałacu królewskiego – uroczystość ku czci zdobycia Tuileries. Tańce wesołych ludzi zastępują występy aktorów paryskich teatrów. Diana Mireille w otoczeniu dziewcząt w antycznych strojach wykonuje taniec z trójkolorową flagą, uosabiającą zwycięstwo Rewolucji i Wolności. Odgrywane są tańce-alegorie Równości i Braterstwa. Ludzie obsypują kwiatami tańczącą Jeanne i Philippe’a: to także dzień ich ślubu.
Brzmi jak „Carmagnola”… Jako symbol wolności ludzie noszą na rękach Dianę Mireille.
Bębny rewolucji znów biją w Petersburgu w absolutnie doskonałej wersji baletu Płomienie Paryża, stworzonego w 1932 roku przez Wasilija Vainonena, stworzonego przez Michaiła Messera dla Michajłowskiego przez Michaiła Messera. Odtworzenie tego baletu stało się główną i ulubioną troską Michaiła Messera, który jest dziś słynnym „obrońcą” bogatego dziedzictwa choreograficznego ZSRR, który zaoszczędził maksymalną możliwą ilość oryginalnej choreografii. Nie jest to jednak sucha, akademicka akcja; wyszło z tego dzieło imponujące, niezwykłe pod względem energii i wykonania.
... „Płomienie Paryża” – aktywne i energiczne spojrzenie człowieka radzieckiego na rewolucję francuską – stworzył w 1932 roku Wasilij Vainonen, a w zeszłym roku redagował go Michaił Messerer. Historia jest wyraźnie opowiedziana i pompatycznie zainscenizowana. Wspaniała sceneria i kostiumy autorstwa Władimira Dmitriewa tworzą obrazy przypominające kolorowe ilustracje z podręcznika historii. Pomysłowe połączenie oldschoolowego klasycyzmu i pikantnego, charakterystycznego tańca podkreśla imponującą różnorodność stylistyczną. Pantomima jest wyraźna, ale w żaden sposób nienaruszona, a kulminacyjne akcenty są choreografowane z przekonującym patosem.
Niedzielny ekspres Jeffreya Taylora
Choreografowi Michaiłowi Messererowi, który z niezwykłą precyzją i mistrzostwem odtworzył oryginalne przedstawienie Vainonena, udało się zamienić tę osobliwą eksponat muzealny w prawdziwe arcydzieło sztuki teatralnej.
To nowoczesny hit kinowy, niezależnie od preferencji politycznych. Nie jest to jednak wcale proste, jest głębokie w choreografii, a w momentach tańca klasycznego jest krystalicznie czyste. Pełna wdzięku i dumna szlachta w wysokich szarych perukach wykonuje menuet w leniwy, arystokratyczny sposób. Następnie – tłumy mas wirują i kręcą się w buntowniczych tańcach ludowych, w tym zaraźliwym tańcu w chodakach i tańcu z nadrukowanym – aż serce zatrzymuje się – pasem. W zupełnie innym stylu, jako pomnik wielkich artystów radzieckich, wystawiono alegoryczny taniec „Wolność”.<...>W scenach pałacowych - wyrafinowany styl klasyczny XIX wieku. Dziewczęta z corps de ballet delikatnie wygięły talie i ułożyły ramiona, przypominając postacie na porcelanie Wedgwooda.
Podczas gdy Ratmansky podzielił swój balet na dwa akty, Messerer powraca do pierwotnej struktury – trzech krótszych aktów, co nadaje spektaklowi żywiołowości, energicznie popychając akcję do przodu. Czasami „Płomienie Paryża” przypominają nawet „Don Kichota” na amfetaminie. Każdy akt ma kilka niezapomnianych tańców, a każdy akt kończy się jakąś niezapomnianą sceną. Poza tym jest to rzadki balet, w którym akcja nie wymaga wyjaśnień. Płomienie Paryża to źródło radości i niesamowitego zwycięstwa Teatru Michajłowskiego. Można dodać, że jest to także podwójny triumf Michaiła Messerera: niezwykła jakość wykonania znalazła odzwierciedlenie w samym materiale, za co należy szczególnie podziękować Messererowi jako niedoścignionemu nauczycielowi. Jego talent pedagogiczny widoczny jest w tańcu wszystkich wykonawców, jednak na szczególną uwagę zasługuje spójność tańca corps de ballet i solistów.
Igor Stupnikov, Czasy tańca
Wersja Płomieni Paryża Michaiła Messerera to arcydzieło jubilerskiego rzemiosła: wszystkie zachowane fragmenty baletu są tak mocno zlutowane, że nie sposób odgadnąć istnienia szwów. Nowy balet to rzadka przyjemność zarówno dla publiczności, jak i dla tancerzy: dla wszystkich 140 osób zaangażowanych w spektakl znaleziono rolę.
Przede wszystkim jest to triumf zespołu jako całości, tutaj wszystko i wszyscy są genialni.<...>Rewia barokowa dworska<...>z subtelnym wyczuciem stylu historycznego kontrapost- wszędzie zmiękczone łokcie i lekko pochylona głowa - nie mówiąc już o eleganckiej filigranowej stopce.
Ogromna, kolosalna zasługa Michaiła Messerera polega na tym, że wyciągnął ten balet z błota czasów (ostatni raz tańczono go w Bolszoj w latach sześćdziesiątych) tak żywy, wesoły i waleczny, jak go wymyślił autor . Kiedy pięć lat temu Aleksey Ratmansky wystawiał w głównym teatrze kraju swoją sztukę pod tym samym tytułem, wziął tylko kilka fragmentów choreografii Vainonena i, co najważniejsze, zmienił intonację spektaklu. Balet ten opowiadał o nieuchronnej stracie (nie rewolucji, ale człowieka – gilotyna czekała na gilotynę wymyśloną na nowo przez sympatyzującego z rewolucjonistami choreografa) i o tym, jak niekomfortowo czuje się pojedynczy człowiek nawet w odświętnym tłumie. Nic dziwnego, że w tym „Płomieniu” połączenia tańca i muzyki katastrofalnie się rozeszły: Boris Asafiew skomponował własną partyturę (choć dość małą) do jednej historii, Ratmansky opowiedział inną.
Dla praktyków baletu wartość Płomieni Paryża tkwi przede wszystkim w choreografii Wasilija Vainonena, najzdolniejszego choreografa epoki socrealizmu. I jest pewien schemat w tym, że pierwszą próbę wskrzeszenia zmarłego baletu podjął najzdolniejszy choreograf poradzieckiej Rosji Aleksiej Ratmański<...>Ze względu na szczupłość materiału nie mógł jednak zrekonstruować historycznego przedstawienia, wystawiając zamiast tego własny balet, w którym zainstalował 18 minut choreografii Vainonena, zachowanej w filmie z 1953 roku. I trzeba przyznać, że w powstałym kontrrewolucyjnym balecie (intelektualista Ratmansky nie mógł ukryć przerażenia wywołanego terrorem zbuntowanego tłumu) były to najlepsze fragmenty. W Teatrze Michajłowskim Michaił Messerer poszedł inną drogą, starając się jak najpełniej zrekonstruować historyczny oryginał.<...>Podejmując się jawnie propagandowego baletu, w którym tchórzliwi i podli arystokraci spiskują przeciwko narodowi francuskiemu, wzywając armię pruską do obrony zgniłej monarchii, wielce doświadczony Messerer oczywiście zrozumiał, że wiele dzisiejszych scen wyglądałoby, delikatnie mówiąc, nieprzekonywający. Dlatego wykluczył najbardziej odrażające sceny, jak zdobycie zamku markiza przez powstańczych chłopów, i jednocześnie ugodził epizody pantomimiczne.<...>Właściwie to tańce (klasyczne i charakterystyczne) to główna zasługa choreografa-reżysera: udało mu się odrestaurować Owernię i Farandole, a utraconą choreografię zastąpić własną, tak zbliżoną stylistycznie do oryginału, że trudno powiedzieć pewność, kto należy do . Na przykład źródła publiczne milczą na temat bezpieczeństwa alegorii duetu Vaynonen z trzeciego aktu w wykonaniu aktorki Diany Mireille z anonimowym partnerem. Tymczasem w petersburskim wykonaniu ten znakomity duet, obfitujący w niezwykle ryzykowne serie górnych supportów w duchu rozpaczliwych lat 30. XX wieku, prezentuje się zupełnie autentycznie.
Przywrócenie prawdziwej starożytności jest droższe niż remake, ale w rzeczywistości jasne jest, że szczegółowe zapamiętanie baletu w trzech aktach przez pół wieku jest trudne. Oczywiście część tekstu została skomponowana od nowa. Jednocześnie nie można znaleźć szwów między nowym a zachowanym (tym samym pas de deux, taniec baskijski, podręcznikowy marsz zbuntowanych sans-culottes frontalnie po sali). Poczucie doskonałej autentyczności - ponieważ styl jest doskonale zachowany.<...>Spektakl zresztą okazał się całkowicie żywy. I jakość: postacie są opracowane szczegółowo, szczegółowo. Zarówno chłopom w drewniakach, jak i arystokratom w sakwach i pudrowanych perukach udało się nadać organiczny patos tej opowieści o Wielkiej Rewolucji Francuskiej (wspaniała malowana sceneria oparta na szkicach Włodzimierza Dmitriewa wnosi wiele do romantycznych uniesień).
Nie tylko podręcznikowe pas de deux i taniec baskijski, ale także Marsylia, Owernia, taniec z flagą i scena baletu dworskiego - zostały z blaskiem odrestaurowane. Rozciągnięta pantomima, która nie została jeszcze zabita zgodnie z modą początku lat trzydziestych, została przez Messerera zredukowana do minimum: współczesny widz potrzebuje dynamiki, a poświęcenie choć jednego tańca z kalejdoskopu fantazji Vainonena wydaje się zbrodnią. Trzyaktowy balet, choć zachował swoją strukturę, jest skompresowany do dwóch i pół godziny, część nie zatrzymuje się ani na minutę<...>Nie budzi wątpliwości aktualność wznowienia pytań – w finale sala tak szaleje, że wydaje się, że dopiero szybkie zasunięcie kurtyny nie pozwala publiczności spieszyć się na plac, gdzie dwójka głównych bohaterów balet wspina się na wysokich podporach.
Arystokraci – co od nich wziąć! - głupi i arogancki do końca. Patrzą z przerażeniem na rewolucyjny sztandar z napisem w języku rosyjskim: „Pokój chatom - wojna pałacom” i biją pokojowego chłopa biczem, rozgniewając lud w kulminacyjnym momencie powstania, łatwo zapominając w pałacu królewskim o ważny dokument, który kompromituje ich, szlachtę. Można być w tym mądrym przez długi czas, ale Vainonenowi takie absurdy się nie przejmowały. Myślał kategoriami teatralnymi, a nie historycznymi i nie miał zamiaru niczego stylizować. Poszukiwanie logiki historii i jej trafności nie powinno być niczym innym, jak studiowaniem starożytnego Egiptu w balecie „Córka faraona”.
Romans walki rewolucyjnej z jej wezwaniami do wolności, równości i braterstwa okazał się bliski dzisiejszemu widzowi. Publiczność, zapewne zmęczona rozwiązywaniem zagadek w twórczości dyrektora artystycznego zespołu baletowego Nacho Duato, żywo reagowała na wydarzenia, które jasno i logicznie ułożyły się w fabule Płomieni Paryża. Spektakl charakteryzuje się piękną scenografią i kostiumami. Zatrudnionych na scenie 140 uczestników ma okazję wykazać się talentem w wykonaniu najbardziej skomplikowanych technik tanecznych i umiejętności aktorskich. „Taniec w obrazie” wcale nie jest przestarzały, nie przestał być wysoko ceniony przez publiczność. Dlatego też premiera Płomieni Paryża w Teatrze Michajłowskim została przyjęta przez petersburską publiczność z prawdziwym entuzjazmem.
Według kilku zachowanych fraz plastycznych Messerer Jr. jest w stanie przywrócić farandole i carmagnolę, zgodnie z opisami - taniec Kupidyna i nie pomyślisz, że to nie jest tekst Vainonena. Zakochany w Płomieniach Paryża Messerer odtwarza barwne i niezwykle wyraziste przedstawienie. Wiaczesław Okuniew pracował nad historyczną scenerią i luksusowymi kostiumami, opierając się na pierwotnych źródłach artysty Władimira Dmitriewa.
Z pozycji estety spektakl jest jak rzecz dobrze zrobiona: dobrze skrojona i ciasno uszyta. Z wyjątkiem przesadnie długich projekcji wideo, podczas których łopoczą na zmianę sztandary przeciwników – królewskiej i rewolucyjnej – balet nie ma żadnych dramatycznych wad. Akcja krótko i wyraźnie wymawia momenty pantomimiczne i ku uciesze widza przechodzi do smakowitych tańców, inteligentnie przeplatając wzory dworskie, folklorystyczne i klasyczne. Nawet szeroko potępiany przerywnik muzyczny Borisa Asafiewa, w którym akademik bez zbędnych ceregieli nałożył na siebie cytaty z Gretry'ego i Lully'ego własnymi, nieskomplikowanymi tematami, wygląda na całkowicie solidne dzieło - dzięki umiejętnym cięciom i przemyślanemu tempu, Michaiłowi Messererowi i dyrygentowi Pavelowi Ovsyannikovowi udaje się rozwiązać to trudne zadanie.
Mike'a Dixona
Znakomita inscenizacja Płomieni Paryża Michaiła Messerera w Teatrze Michajłowskim jest przykładem doskonałej syntezy przejrzystości narracji i tempa choreograficznego. Ta historia pozostaje żywa i wciągająca przez wszystkie trzy akty, których akcja rozgrywa się na przedmieściach Marsylii, w Wersalu i na placu przed Pałacem Tuileries.
To upalne lato prawdopodobnie nie osiągnęło jeszcze swojego punktu kulminacyjnego: w petersburskim Teatrze Michajłowskim szykuje się prawdziwy ogień. Odrestaurowane Płomienie Paryża, legendarne przedstawienie z czasów sowieckich o rewolucji francuskiej, będzie ostatnią premierą sezonu baletu rosyjskiego.
Anna Galayda, dziennik RBC
18.07.2013
Choreograf opowiada Belcanto.ru o cechach moskiewskiego Don Kichota, legendach i tradycjach rodziny Messererów, a także pomysłach na produkcję Płomieni Paryża.
Nowa scena
Spektakl ma jedną przerwę.
Czas trwania - 2 godziny 15 minut.
Akt I
Malowanie 1
Przedmieście Marsylii to miasto, od którego pochodzi nazwa wielkiego hymnu Francji.
Duża grupa ludzi przemieszcza się przez las. To batalion Marsylii zmierzający do Paryża. Ich zamiary można ocenić po armacie, którą ze sobą niosą. Wśród Marsylii – Filip.
To właśnie w pobliżu armaty Filip spotyka wieśniaczkę Żannę. Całuje ją na pożegnanie. Brat Jeanne, Jérôme, jest pełen pragnienia dołączenia do Marsylii.
W oddali widać zamek władcy markiza Costa de Beauregard. Do zamku wracają myśliwi, a wśród nich markiz i jego córka Adeline.
„Szlachetny” markiz nęka piękną wieśniaczkę Joannę. Próbuje uwolnić się od jego niegrzecznych zalotów, ale jest to możliwe tylko dzięki pomocy Jerome'a, który stanął w obronie jej siostry.
Hieronim zostaje pobity przez myśliwych z orszaku markiza i wrzucony do podziemi więzienia. Adeline, która obserwowała tę scenę, uwalnia Jerome'a. W ich sercach rodzi się wzajemne uczucie. Złowroga stara kobieta Zharkas, wyznaczona przez markiza do opieki nad córką, informuje swojego uwielbianego pana o ucieczce Jerome'a. Daje córce policzek i każe wsiąść do powozu w towarzystwie Zharkasa. Jadą do Paryża.
Hieronim żegna się z rodzicami. Nie może zostać w posiadłości markiza. On i Jeanne wyjeżdżają z oddziałem Marsylii. Rodzice są niepocieszeni.
Trwa nabór wolontariuszy. Marsylia tańczy wraz z ludem farandole. Ludzie zmieniają kapelusze na czapki frygijskie. Jerome otrzymuje broń z rąk przywódcy rebeliantów Gilberta. Jérôme i Philippe „ujarzmiają” armatę. Oddział rusza w stronę Paryża przy dźwiękach Marsylianki.
Zdjęcie 2
Marsyliankę zastępuje wykwintny menuet. Pałac Królewski. Przybyli tu markiz i Adelina. Mistrz ceremonii ogłasza rozpoczęcie baletu.
Balet dworski „Rinaldo i Armida” z udziałem paryskich gwiazd Mireille de Poitiers i Antoine Mistral:
Sarabanda z Armidy i jej przyjaciele. Oddziały Armidy wracają z kampanii. Poprowadź więźniów. Wśród nich jest książę Rinaldo.
Kupidyn rani serca Rinaldo i Armidy. Odmiana Kupidyna. Armida uwalnia Rinaldo.
Pas de Rinaldo i Armides.
Pojawienie się ducha narzeczonej Rinaldo. Rinaldo porzuca Armidę i płynie statkiem w pogoni za duchem. Armida wywołuje burzę. Fale wyrzucają Rinaldo na brzeg, otaczają go wściekłości.
Taniec wściekłości. Rinaldo pada martwy u stóp Armidy.
Pojawiają się król Ludwik XVI i Maria Antonina. Następują pozdrowienia, przysięgi wierności i toasty za pomyślność monarchii.
Podchmielony markiz wybiera Aktorkę na swoją kolejną „ofiarę”, o którą „opiekuje się” niczym wieśniaczka Joanna. Z ulicy dochodzą odgłosy Marsylianki. Wśród dworzan i oficerów panuje zamieszanie, Adeline korzystając z tego ucieka z pałacu.
Akt II
Scena 3
Plac w Paryżu, na który przybywają Marsylijczycy, w tym Philippe, Jerome i Jeanne. Strzał z armaty Marsylii powinien zasygnalizować początek szturmu na Tuileries.
Nagle na placu Jerome widzi Adeline. Spieszy do niej. Złowroga stara kobieta Zharkas obserwuje ich spotkanie.
Tymczasem na cześć przybycia oddziału Marsylii na plac wtoczono beczki z winem. Rozpoczynają się tańce: Owernię zastępuje Marsylia, po czym następuje pełen temperamentu taniec Basków, w którym biorą udział wszyscy bohaterowie - Jeanne, Philippe, Adeline, Jerome i kapitan Marsylii Gilbert.
W tłumie rozpalonym winem tu i ówdzie wybuchają bezsensowne bójki. Lalki przedstawiające Ludwika i Marię Antoninę są rozrywane na kawałki. Jeanne, przy śpiewie tłumu, tańczy dziurę w kieszeni z włócznią w dłoniach. Pijany Filip podpala lont – grzmi salwa armatnia, po czym cały tłum rzuca się do szturmu.
Na tle strzałów i bębnienia Adeline i Jerome wyznają swoją miłość. Nie widzą nikogo wokół, tylko siebie nawzajem.
Marsylia wdarła się do pałacu. Jeanne jest przodem ze sztandarem w rękach. Walka. Pałac zdobyty.
Scena 4
Ludzie wypełniają plac ozdobiony światłami. Na podium stanęli członkowie Konwentu i nowy rząd.
Ludzie się cieszą. Słynni artyści Antoine Mistral Mireille de Poitiers, którzy zabawiali króla i dworzan, teraz tańczą dla ludu Taniec Wolności. Nowy taniec niewiele różni się od starego, tyle że teraz aktorka trzyma w rękach sztandar Republiki. Artysta David szkicuje uroczystości.
W pobliżu armaty, z której rozległa się pierwsza salwa, Przewodniczący Konwentu składa ręce Joannie i Filipowi. To pierwsi nowożeńcy nowej Rzeczypospolitej.
Odgłosy tańca weselnego Joanny i Filipa ustępują głuchym uderzeniom spadającego noża gilotynowego. Wyprowadzono skazanego markiza. Widząc ojca, Adeline rzuca się do niego, ale Jerome, Jeanne i Philippe błagają ją, aby się nie zdradzała.
Aby pomścić markiza, Zharkas zdradza Adeline, ujawniając jej prawdziwe pochodzenie. Wściekły tłum żąda jej śmierci. Pogrążony w rozpaczy Jerome próbuje uratować Adeline, ale jest to niemożliwe. Zabierają ją na egzekucję. W obawie o swoje życie Jeanne i Philip zatrzymują Hieronima, który zostaje wyrwany z ich rąk.
A wakacje trwają. Przy dźwiękach „Ca ira” zwycięscy ludzie ruszają do przodu.
Libretto
Akt I
Malowanie 1
Przedmieście Marsylii to miasto, od którego pochodzi nazwa wielkiego hymnu Francji.
Duża grupa ludzi przemieszcza się przez las. To batalion Marsylii zmierzający do Paryża. Ich zamiary można ocenić po armacie, którą ze sobą noszą. Wśród Marsylii – Filip.
To właśnie w pobliżu armaty Filip spotyka wieśniaczkę Żannę. Całuje ją na pożegnanie. Brat Jeanne, Jérôme, jest pełen pragnienia dołączenia do Marsylii.
W oddali widać zamek władcy markiza Costa de Beauregard. Do zamku wracają myśliwi, a wśród nich markiz i jego córka Adeline.
„Szlachetny” markiz nęka piękną wieśniaczkę Joannę. Próbuje uwolnić się od jego niegrzecznych zalotów, ale jest to możliwe tylko dzięki pomocy Jerome'a, który stanął w obronie jej siostry.
Hieronim zostaje pobity przez myśliwych z orszaku markiza i wrzucony do podziemi więzienia. Adeline, która obserwowała tę scenę, uwalnia Jerome'a. W ich sercach rodzi się wzajemne uczucie. Złowroga stara kobieta Zharkas, wyznaczona przez markiza do opieki nad córką, informuje swojego uwielbianego pana o ucieczce Jerome'a. Daje córce policzek i każe wsiąść do powozu w towarzystwie Zharkasa. Jadą do Paryża.
Hieronim żegna się z rodzicami. Nie może zostać w posiadłości markiza. On i Jeanne wyjeżdżają z oddziałem Marsylii. Rodzice są niepocieszeni.
Trwa nabór wolontariuszy. Marsylia tańczy wraz z ludem farandole. Ludzie zmieniają kapelusze na czapki frygijskie. Jerome otrzymuje broń z rąk przywódcy rebeliantów Gilberta. Jerome i Philippe „ujarzmiają” armatę. Oddział rusza w stronę Paryża przy dźwiękach Marsylianki.
Zdjęcie 2
„La Marsyliankę” zastępuje wykwintny menuet. Pałac Królewski. Przybyli tu markiz i Adelina. Mistrz ceremonii ogłasza rozpoczęcie baletu.
Balet dworski „Rinaldo i Armida” z udziałem paryskich gwiazd Mireille de Poitiers i Antoine Mistral:
Sarabanda z Armidy i jej przyjaciele. Oddziały Armidy wracają z kampanii. Poprowadź więźniów. Wśród nich jest książę Rinaldo.
Kupidyn rani serca Rinaldo i Armidy. Odmiana Kupidyna. Armida uwalnia Rinaldo.
Pas de Rinaldo i Armides.
Pojawienie się ducha narzeczonej Rinaldo. Rinaldo porzuca Armidę i płynie statkiem w pogoni za duchem. Armida wywołuje burzę. Fale wyrzucają Rinaldo na brzeg, otaczają go wściekłości.
Taniec wściekłości. Rinaldo pada martwy u stóp Armidy.
Pojawiają się król Ludwik XVI i Maria Antonina. Następują pozdrowienia, przysięgi wierności i toasty za pomyślność monarchii.
Podchmielony markiz wybiera Aktorkę na swoją kolejną „ofiarę”, o którą „opiekuje się” podobnie jak wieśniaczka Żanna. Z ulicy dochodzą odgłosy Marsylianki. Dworzanie i urzędnicy są w nieładzie. Adeline korzystając z tej sytuacji ucieka z pałacu.
Akt II
Scena 3
Plac w Paryżu, na który przybywają Marsylijczycy, w tym Philippe, Jerome i Jeanne. Strzał z armaty Marsylii powinien zasygnalizować początek szturmu na Tuileries.
Nagle na placu Jerome widzi Adeline. Spieszy do niej. Złowroga stara kobieta Zharkas obserwuje ich spotkanie.
Tymczasem na cześć przybycia oddziału Marsylii na plac wtoczono beczki z winem. Rozpoczynają się tańce: Owernię zastępuje Marsylia, po czym następuje pełen temperamentu taniec Basków, w którym biorą udział wszyscy bohaterowie - Jeanne, Philippe, Adeline, Jerome i kapitan Marsylii Gilbert.
W tłumie rozpalonym winem tu i ówdzie wybuchają bezsensowne bójki. Lalki przedstawiające Ludwika i Marię Antoninę są rozrywane na kawałki. Jeanne, przy śpiewie tłumu, tańczy dziurę w kieszeni z włócznią w dłoniach. Pijany Filip podpala lont – grzmi salwa armatnia, po czym cały tłum rzuca się do szturmu.
Na tle strzałów i bębnienia Adeline i Jerome wyznają swoją miłość. Nie widzą nikogo wokół, tylko siebie nawzajem.
Marsylia wdarła się do pałacu. Jeanne jest przodem ze sztandarem w rękach. Walka. Pałac zdobyty.
Scena 4
Ludzie wypełniają plac ozdobiony światłami. Na podium stanęli członkowie Konwentu i nowy rząd.
Ludzie się cieszą. Słynni artyści Antoine Mistral Mireille de Poitiers, którzy zabawiali króla i dworzan, teraz tańczą dla ludu Taniec Wolności. Nowy taniec niewiele różni się od starego, tyle że teraz aktorka trzyma w rękach sztandar Republiki. Artysta David szkicuje uroczystości.
W pobliżu armaty, z której rozległa się pierwsza salwa, Przewodniczący Konwentu składa ręce Joannie i Filipowi. To pierwsi nowożeńcy nowej Rzeczypospolitej.
Odgłosy tańca weselnego Joanny i Filipa ustępują głuchym uderzeniom spadającego noża gilotynowego. Wyprowadzono skazanego markiza. Widząc ojca, Adeline rzuca się do niego, ale Jerome, Jeanne i Philippe błagają ją, aby się nie zdradzała.
Aby pomścić markiza, Zharkas zdradza Adeline, ujawniając jej prawdziwe pochodzenie. Wściekły tłum żąda jej śmierci. Pogrążony w rozpaczy Jerome próbuje uratować Adeline, ale jest to niemożliwe. Zabierają ją na egzekucję. W obawie o swoje życie Jeanne i Philip zatrzymują Hieronima, który zostaje wyrwany z ich rąk.
A wakacje trwają. Przy dźwiękach „Ca ira” zwycięscy ludzie ruszają do przodu.