Chłopaki, włożyliśmy w tę stronę całą naszą duszę. Dziękuję za to
że odkrywasz to piękno. Dziękuję za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas na Facebook I W kontakcie z
Jesień jest pełna romantyzmu i wyjątkowej duchowości. Natura błyszczy złotem i karmazynem, ludzie stają się bardziej sentymentalni, a artyści sięgają po pędzle z natchnieniem. A ich dzieła, tak odmienne w wykonaniu, odzwierciedlają to, co najpiękniejsze: kolorowe lasy, deszcze uśpiające metropolie, opadłe liście w jeziorach...
Zespół strona internetowa przepojona także lirycznym nastrojem i zaprasza do podziwiania obrazów artystów zaczarowanych jesienią.
Melodie miejskie autorstwa Guya Dessata
Utalentowany francuski artysta odwiedził różne zakątki świata. Na jego obrazach widać zarówno Japonię, jak i Amerykę. Ale przede wszystkim zapadają w pamięć prace Guya Dessata, poświęcone najbardziej romantycznemu miastu na ziemi – Paryżowi.
Magiczna akwarela autorstwa Abe Toshiyuki
Wspaniałe akwarele japońskiego artysty Abe Toshiyuki wprowadzą Cię w filozoficzny nastrój. Ważne są najdrobniejsze szczegóły: plusk rzeki, szelest liści, delikatność płatków sakury... Według malarza „sztuka jest zwierciadłem duszy patrzącego”, dzięki czemu sam możesz ustawić własne nastrój każdemu obrazowi.
Piękna rzeczywistość Petera Mörka Mönsteda
Peter Mørk Mønsted, słynny artysta realista pochodzący z Danii, w swoich obrazach najczęściej przedstawiał obszary wiejskie, lasy i rzeki. Pomimo prostoty fabuły nie sposób zapomnieć pejzaży utalentowanego malarza. Wykonane są z mistrzowskim kunsztem i zapraszają do czerpania przyjemności z kontemplacji świata przyrody.
Słoneczny świat Laurenta Parseliera
Jeśli pochmurna pogoda Cię smuci, słoneczne obrazy prawdziwego Francuza Laurenta Parseliera przypadną Ci do gustu. Na obrazach pozytywnego impresjonisty nawet jesienią panuje tylko piękna pogoda. A jego „charakterystyczne” promienie słońca natychmiast podnoszą na duchu.
Tajemnica Johna Atkinsona Grimshawa
Mówili o tym niesamowitym artyście, że „maluje światłem księżyca, mgłą i zmierzchem”. Jego wspaniałe obrazy zdają się być wypełnione jakimś mistycznym znaczeniem. Dziś prace Johna Atkinsona można oglądać jedynie w katalogach, gdyż wszystkie oryginały znajdują się w kolekcjach prywatnych. Ale pewnego razu rodzice młodego Johna kategorycznie sprzeciwiali się jego pasji do malarstwa.
18-19 wieków wyznaczył rozkwit sztuki europejskiej. We Francji cesarz Napoleon III nakazał odbudowę Paryża po działaniach wojennych podczas wojny francusko-pruskiej. Paryż szybko stał się tym samym „lśniącym miastem”, jakim był za czasów Drugiego Cesarstwa i ponownie ogłosił się centrum sztuki europejskiej. Dlatego wielu impresjonistów w swoich pracach sięgało po tematykę współczesnego miasta. W ich pracach współczesne miasto nie jest potworem, ale ojczyzną, w której żyją ludzie. Wiele dzieł przepojonych jest silnym poczuciem patriotyzmu.
Widać to szczególnie na obrazach Claude'a Moneta. Stworzył ponad 30 obrazów przedstawiających widoki katedry w Rouen w różnorodnych warunkach oświetleniowych i atmosferycznych. Na przykład w 1894 roku Monet namalował dwa obrazy - „Katedrę w Rouen w południe” i „Katedrę w Rouen wieczorem”. Obydwa obrazy przedstawiają ten sam fragment katedry, tyle że w różnych tonacjach – w ciepłych, żółto-różowych tonacjach południa i w zimnych, niebieskawych odcieniach gasnącego światła zmierzchu. Na obrazach kolorowa plama całkowicie rozmywa linię, artysta nie przekazuje materialnego ciężaru kamienia, ale jakby lekką, kolorową zasłonę.
Impresjoniści starali się, aby obraz przypominał otwarte okno, przez które widać prawdziwy świat. Często wybierali widok z okna na ulicę. Doskonałym przykładem tej techniki jest słynny „Boulevard des Capucines” C. Moneta, namalowany w 1873 roku i pokazany na pierwszej wystawie impresjonistów w 1874 roku. Jest tu sporo innowacji – jako motyw pejzażu wybrano widok dużej ulicy miejskiej, jednak artystę interesuje jego wygląd jako całość, a nie jego atrakcje. Cała masa ludzi jest przedstawiona płynnymi pociągnięciami, w sposób uogólniony, w którym trudno rozróżnić poszczególne postacie.
Monet przekazuje w tym dziele chwilowe, czysto wizualne wrażenie ledwo zauważalnej wibracji powietrza, ulic, ludzi i odjeżdżających w głąb wagonów. Niszczy ideę płaskiego płótna, tworząc iluzję przestrzeni i wypełniając ją światłem, powietrzem i ruchem. Ludzkie oko pędzi w nieskończoność i nie ma granicznego punktu, w którym mogłoby się zatrzymać.
Wysoki punkt widzenia pozwala artyście porzucić pierwszy plan, a jaskrawe światło słoneczne kontrastuje z niebiesko-fioletowymi cieniami domów leżących na chodniku ulicy. Monet nadaje słonecznej stronie pomarańczową, złocisto-ciepłą, cienistą stronę fioletową, ale pojedyncza mgiełka jasnego powietrza nadaje całemu krajobrazowi harmonię tonalną, a kontury domów i drzew wyłaniają się w powietrzu przesiąkniętym promieniami słońca.
W 1872 roku w Le Havre Monet namalował „Impresję. Wschód słońca” – widok na port w Hawrze, prezentowany później na pierwszej wystawie impresjonistów. Tutaj artysta najwyraźniej ostatecznie uwolnił się od ogólnie przyjętej koncepcji obiektu obrazu jako pewnej objętości i całkowicie poświęcił się oddaniu chwilowego stanu atmosfery w odcieniach błękitu i różu i pomarańczy. Tak naprawdę wszystko wydaje się nieuchwytne: molo w Hawrze i statki łączą się ze smugami na niebie i odbiciami w wodzie, a sylwetki rybaków i łodzi na pierwszym planie to tylko ciemne plamy powstałe kilkoma intensywnymi pociągnięciami . Odrzucenie technik akademickich, malowanie w plenerze i wybór nietypowych tematów spotkały się z wrogością ówczesnych krytyków. Louis Leroy, autor wściekłego artykułu, który ukazał się w czasopiśmie „Charivari”, po raz pierwszy w związku z tym konkretnym obrazem użył terminu „impresjonizm” jako definicji nowego nurtu w malarstwie.
Kolejnym wybitnym dziełem poświęconym miastu był obraz Claude’a Moneta „Gare Saint-Lazare”. Monet namalował ponad dziesięć obrazów przedstawiających stację kolejową Saint-Lazare, z których siedem zostało wystawionych na III wystawie impresjonistów w 1877 roku.
Monet wynajął malutkie mieszkanie na Monsey Street, niedaleko dworca. Artysta otrzymał pełną swobodę działania. Ruch pociągów ustał na chwilę i wyraźnie było widać perony, paleniska dymiących lokomotyw, które napełniano węglem - tak, że z kominów wydobywała się para. Monet mocno „zadomowił się” na stacji, pasażerowie obserwowali go z szacunkiem i podziwem.
Ponieważ wygląd stacji ulegał ciągłym zmianom, Monet wykonywał jedynie szkice w plenerze i na ich podstawie w pracowni namalował same obrazy. Na płótnie widzimy duży dworzec kolejowy, przykryty baldachimem osadzonym na żelaznych słupach. Po lewej i prawej stronie znajdują się perony: jeden tor przeznaczony jest dla pociągów podmiejskich, drugi dla pociągów dalekobieżnych. Wyjątkową atmosferę podkreśla kontrast przyćmionego oświetlenia wewnątrz stacji i jasnego, oślepiającego oświetlenia ulicznego. Kłęby dymu i pary rozsiane po płótnie równoważą kontrastujące paski oświetlenia. Dym unosi się wszędzie, świecące chmury wirują na tle słabych sylwetek budynków. Gęsta para zdaje się nadawać kształt masywnym wieżom, okrywając je lekką zasłoną, niczym najcieńsza pajęczyna. Obraz utrzymany jest w delikatnych, stonowanych tonach z subtelnymi przejściami odcieni. Charakterystyczne dla tamtych czasów szybkie, precyzyjne pociągnięcia w kształcie przecinków odbierane są jako mozaika, widz ma wrażenie, że para albo się rozprasza, albo skrapla.
Inny przedstawiciel impresjonistów, C. Pissarro, jak wszyscy impresjoniści, uwielbiał malować miasto, które urzekało go niekończącym się ruchem, przepływem strumieni powietrza i grą świateł. Postrzegał go jako żywy, niespokojny organizm, zdolny do zmian w zależności od pory roku i stopnia oświetlenia.
Zimą i wiosną 1897 roku Pissarro pracował nad serią obrazów zatytułowanych „Bulwary Paryża”. Prace te przyniosły artyście sławę i przyciągnęły uwagę krytyków, którzy jego nazwisko kojarzyli z ruchem dywizjonistycznym. Artysta wykonał szkice do cyklu z okna pokoju hotelowego w Paryżu, a prace nad obrazami zakończył w swojej pracowni w Eragny pod koniec kwietnia. Seria ta jest jedyną w twórczości Pissarro, w której artysta starał się uchwycić z maksymalną dokładnością różne warunki pogodowe i słoneczne. Na przykład artysta namalował 30 obrazów przedstawiających bulwar Montmartre, oglądając go z tego samego okna.
Na obrazach „Boulevard Montmartre w Paryżu” mistrz C. Pissarro po mistrzowsku przekazał bogactwo efektów atmosferycznych, barwną złożoność i subtelność pochmurnego dnia. Dynamika życia miejskiego, tak przekonująco oddana przez szybki pędzel malarza, tworzy obraz nowoczesnego miasta – nie ceremonialnego, nie oficjalnego, ale podekscytowanego i żywego. Krajobraz miejski stał się głównym gatunkiem twórczości wybitnego impresjonisty – „piosenkarza Paryża”.
Stolica Francji zajmuje szczególne miejsce w twórczości Pissarro. Artysta stale mieszkał poza miastem, ale Paryż uparcie go przyciągał. Paryż urzeka go nieustannym i powszechnym ruchem – chodzeniem pieszych i biegiem powozów, przepływem prądów powietrza i grą świateł. Miasto Pissarra to nie lista godnych uwagi domów, które pojawiły się w polu widzenia artysty, ale żywy i niespokojny organizm. Urzeczeni tym życiem nie zdajemy sobie sprawy z banalności budynków tworzących Boulevard Montmartre. Artysta odnajduje niepowtarzalny urok w niepokoju Wielkich Bulwarów. Pissarro uchwycił bulwar Montmartre jako poranek i dzień, wieczór i noc, słoneczny i szary, patrząc na niego z tego samego okna. Wyraźny i prosty motyw ciągnącej się w dal ulicy tworzy wyraźną podstawę kompozycyjną, która nie zmienia się z płótna na płótno. Zupełnie inaczej skonstruowany został cykl płócien namalowanych w następnym roku z okna hotelu Louvre. W liście do syna podczas pracy nad cyklem Pissarro podkreślił odmienność tego miejsca od Bulwarów, czyli placu Teatru Francuskiego i okolic. Rzeczywiście wszystko tam pędzi wzdłuż osi ulicy. Tutaj plac, który był ostatnim przystankiem kilku linii omnibusowych, przecina się w różnych kierunkach i zamiast szerokiej panoramy z obfitością powietrza naszym oczom ukazuje się zamknięta przestrzeń na pierwszym planie.
W tym artykule zobaczysz Petersburg pejzaż miejski prezentowane w galerii sztuki Art-Breeze. Zgromadzone są tutaj prace różnych autorów, wykonane w różnych stylach i technikach. Wszystkie te prace łączy jedno – przedstawiają Świętego takim, jakim go widział artysta.
Pejzaż miejski jako gatunek malarstwa ukształtował się dość późno, bo w XVIII wieku. Wtedy to miasta zaczęły nabierać nowoczesnego charakteru, a liczba mieszkańców miast zaczęła gwałtownie rosnąć. Wcześniej tylko kilku średniowiecznych artystów przedstawiało miasta na swoich płótnach. Obrazy te były bardzo prymitywne, brakowało im dokładności topograficznej i służyły wskazywaniu miejsca wydarzeń, którym poświęcona była fabuła. Przodkowie pejzaż miejski w malarstwie wymienić można artystów holenderskich XVII w. Wermeera z Delft, J. Goyena i J. Ruisdaela. To w ich pracach odnaleźć można pejzaż miejski taki, jaki zwykliśmy widzieć na współczesnym malarstwie.
Współcześni artyści, którzy wystawiają swoje własne pejzaże miejskie w galerii sztuki Ar-Breeze w Petersburgu, przedstawiają Petersburg przede wszystkim jako mgliste nadmorskie miasto z tętniącym życiem życiem i wspaniałą architekturą. Większość obrazów powstała w stylu impresjonizmu i klasyki. Bogactwo kolorów i możliwość wypełnienia płótna światłem, jaką zapewnia impresjonistyczna technika malarska, pozwala najpełniej oddać ducha tego miasta nad Newą!
Jednym z największych ruchów w sztuce ostatnich dziesięcioleci XIX i początku XX wieku jest impresjonizm, który rozprzestrzenił się na cały świat począwszy od Francji. Jej przedstawiciele zajmowali się rozwojem takich metod i technik malarskich, które pozwoliłyby jak najżywiej i naturalnie odzwierciedlić dynamikę rzeczywistego świata, przekazać jego ulotne wrażenia.
Wielu artystów tworzyło swoje płótna w stylu impresjonizmu, ale założycielami tego ruchu byli Claude Monet, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Edgar Degas, Frederic Basil, Camille Pissarro. Nie sposób wymienić ich najlepszych dzieł, ponieważ wszystkie są piękne, ale są te najbardziej znane i zostaną one omówione dalej.
Claude Monet: „Wrażenie. Wschodzące słońce"
Płótno, od którego warto rozpocząć rozmowę o najlepszych obrazach impresjonistów. Claude Monet namalował go w 1872 roku z życia w starym porcie w Le Havre we Francji. Dwa lata później obraz po raz pierwszy pokazano publiczności w dawnej pracowni francuskiego artysty i karykaturzysty Nadara. Wystawa ta stała się fatalna dla świata sztuki. Pod wrażeniem (nie w najlepszym tego słowa znaczeniu) dzieła Moneta, którego tytuł w oryginale brzmi jak „Impresja, soleil levant”, dziennikarz Louis Leroy jako pierwszy ukuł termin „impresjonizm”, oznaczający nowy kierunek w malarstwie.
Obraz został skradziony w 1985 roku wraz z dziełami O. Renoira i B. Morisota. Odkryto je pięć lat później. Obecnie „Impresja. Wschodzące słońce” należy do Muzeum Marmottan-Monet w Paryżu.
Edouard Monet: „Olimpia”
Obraz „Olimpia”, stworzony przez francuskiego impresjonistę Edouarda Maneta w 1863 roku, jest jednym z arcydzieł malarstwa współczesnego. Po raz pierwszy zaprezentowano go na Salonie Paryskim w 1865 roku. Artyści impresjoniści i ich obrazy często znajdowali się w centrum głośnych skandalów. Jednak Olimpia spowodowała największe z nich w historii sztuki.
Na płótnie widzimy nagą kobietę, z twarzą i ciałem zwróconą w stronę widza. Druga postać to ciemnoskóra pokojówka trzymająca luksusowy bukiet owinięty w papier. W nogach łóżka stoi czarny kotek w charakterystycznej pozie z wygiętymi w łuk plecami. Niewiele wiadomo o historii obrazu, dotarły do nas jedynie dwa szkice. Modelką był najprawdopodobniej ulubiony model Maneta, Quiz Meunard. Istnieje opinia, że artysta posłużył się wizerunkiem Marguerite Bellanger, kochanki Napoleona.
W okresie twórczym, kiedy powstała Olympia, Manet był zafascynowany sztuką japońską i dlatego celowo odmawiał opracowania niuansów ciemności i światła. Z tego powodu jego współcześni nie dostrzegali objętości przedstawionej postaci i uważali ją za płaską i szorstką. Artystę oskarżano o niemoralność i wulgaryzmy. Nigdy wcześniej obrazy impresjonistów nie wywoływały takiego podniecenia i kpiny ze strony tłumu. Administracja była zmuszona umieścić wokół niej strażników. Degas porównał sławę Maneta zdobytą dzięki Olimpii i odwagę, z jaką przyjmował krytykę, z historią życia Garibaldiego.
Przez niemal ćwierć wieku po wystawie płótno było trzymane w pracowni artysty poza zasięgiem wścibskich oczu. Następnie wystawiono go ponownie w Paryżu w 1889 roku. Prawie został kupiony, ale przyjaciele artysty zebrali potrzebną kwotę i kupili „Olimpię” od wdowy po Manecie, a następnie przekazali ją państwu. Obecnie obraz znajduje się w Muzeum Orsay w Paryżu.
Auguste Renoir: „Wielcy kąpiący się”
Obraz namalował francuski artysta w latach 1884-1887. Biorąc pod uwagę wszystkie znane obecnie obrazy impresjonistów z okresu od 1863 roku do początków XX wieku, „Wielcy kąpiący się” nazywani są największym płótnem przedstawiającym nagie postacie kobiece. Renoir pracował nad nim przez ponad trzy lata iw tym okresie powstało wiele szkiców i szkiców. Żadnemu innemu obrazowi w jego twórczości nie poświęcił tyle czasu.
Na pierwszym planie widz widzi trzy nagie kobiety, z czego dwie stoją na brzegu, a trzecia stoi w wodzie. Postacie namalowane są bardzo realistycznie i wyraziście, co jest cechą charakterystyczną stylu artysty. Modelkami Renoira były Alina Charigo (jego przyszła żona) i Suzanne Valadon, która w przyszłości sama stała się sławną artystką.
Edgar Degas: „Niebiescy tancerze”
Nie wszystkie wymienione w artykule słynne obrazy impresjonistów zostały namalowane techniką olejną na płótnie. Powyższe zdjęcie pozwala zrozumieć, co przedstawia obraz „Niebiescy tancerze”. Wykonany został pastelą na kartce papieru o wymiarach 65x65 cm i należy do późnego okresu twórczości artysty (1897). Namalował go już z wadą wzroku, dlatego ogromne znaczenie przywiązuje się do organizacji dekoracyjnej: obraz jest postrzegany jako duże plamy koloru, zwłaszcza oglądany z bliska. Temat tancerzy był bliski Degasowi. Powtarzało się to wielokrotnie w jego twórczości. Wielu krytyków uważa, że ze względu na harmonię koloru i kompozycji „Niebiescy tancerze” można uznać za najlepsze dzieło artysty poświęcone tej tematyce. Obecnie obraz znajduje się w Muzeum Sztuki. A. S. Puszkina w Moskwie.
Frédéric Bazille: „Różowa sukienka”
Jeden z twórców francuskiego impresjonizmu, Frédéric Bazille, urodził się w mieszczańskiej rodzinie zamożnego winiarza. Jeszcze w czasie nauki w Liceum zaczął interesować się malarstwem. Po przeprowadzce do Paryża poznał C. Moneta i O. Renoira. Niestety los sprawił, że artysta miał krótką drogę życiową. Zginął w wieku 28 lat na froncie podczas wojny francusko-pruskiej. Jednak jego obrazy, choć nieliczne, słusznie znajdują się na liście „Najlepszych obrazów impresjonistycznych”. Jedną z nich jest „Różowa sukienka” namalowana w 1864 roku. Wszystko wskazuje na to, że płótno można przypisać wczesnemu impresjonizmowi: kontrastom kolorystycznym, dbałości o kolor, słońcu i zamrożonemu momentowi, właśnie temu, co nazywano „impresją”. W roli modelki wystąpiła jedna z kuzynek artysty, Teresa de Hors. Obraz znajduje się obecnie w Musée d'Orsay w Paryżu.
Camille Pissarro: „Boulevard Montmartre. Popołudnie, słoneczne”
Camille Pissarro zasłynął ze swoich pejzaży, których cechą charakterystyczną jest przedstawianie obiektów świetlnych i oświetlonych. Jego twórczość wywarła znaczący wpływ na gatunek impresjonizmu. Artysta samodzielnie rozwinął wiele swoich nieodłącznych zasad, które stały się podstawą jego przyszłej twórczości.
Pissarro lubił malować to samo miejsce o różnych porach dnia. Ma całą serię płócien przedstawiających paryskie bulwary i ulice. Najbardziej znanym z nich jest „Boulevard Montmartre” (1897). Odzwierciedla cały urok, jaki artysta widzi w kipiącym i niespokojnym życiu tego zakątka Paryża. Oglądając bulwar z tego samego miejsca, pokazuje go widzowi w słoneczny i pochmurny dzień, rano, po południu i późnym wieczorem. Poniższe zdjęcie przedstawia obraz „Bulwar Montmartre nocą”.
Styl ten został później przyjęty przez wielu artystów. Wspomnimy tylko, które obrazy impresjonistów powstały pod wpływem Pissarro. Tendencję tę wyraźnie widać w twórczości Moneta (cykl obrazów „Stogi siana”).
Alfred Sisley: „Trawniki na wiosnę”
„Trawniki na wiosnę” to jeden z najnowszych obrazów pejzażysty Alfreda Sisleya, namalowany w latach 1880-1881. Widz widzi na nim leśną ścieżkę wzdłuż brzegów Sekwany z wioską na przeciwległym brzegu. Na pierwszym planie dziewczyna – córka artysty Jeanne Sisley.
Pejzaże artysty oddają autentyczną atmosferę historycznego regionu Ile-de-France i zachowują szczególną miękkość i przejrzystość zjawisk naturalnych charakterystycznych dla określonych pór roku. Artysta nigdy nie był zwolennikiem niecodziennych efektów, trzymał się prostej kompozycji i ograniczonej palety barw. Obraz znajduje się obecnie w National Gallery w Londynie.
Zestawiliśmy najsłynniejsze obrazy impresjonistów (wraz z nazwami i opisami). Są to arcydzieła malarstwa światowego. Wyjątkowy styl malarstwa, wywodzący się z Francji, był początkowo odbierany z kpiną i ironią, krytycy podkreślali wręcz niedbałość artystów w malowaniu płócien. Teraz mało kto ma odwagę kwestionować swój geniusz. Obrazy impresjonistów wystawiane są w najbardziej prestiżowych muzeach na świecie i stanowią pożądany eksponat w każdej prywatnej kolekcji.
Styl nie odszedł w zapomnienie i ma wielu naśladowców. Nasz rodak Andrei Koch, francuski malarz Laurent Parselier, Amerykanie Diana Leonard i Karen Tarleton to znani współcześni impresjoniści. Ich obrazy wykonane są w najlepszych tradycjach gatunku, pełne jasnych kolorów, odważnych pociągnięć i życia. Na zdjęciu powyżej praca Laurenta Parseliera „W promieniach słońca”.
Dalszy rozwój malarstwa europejskiego wiąże się z impresjonizmem. Termin ten narodził się przez przypadek. Powodem był tytuł pejzażu C. Moneta „Impresja. Wschód słońca” (patrz załącznik nr 1, ryc. 3) (z impresji francuskiej – impresja), która pojawiła się na wystawie impresjonistów w 1874 roku. Ten pierwszy publiczny występ grupy artystów, w skład której wchodzili C. Monet, E. Degas, O. Renoir, A. Sisley, C. Pissarro i inni, został przyjęty przez oficjalną krytykę burżuazyjną, brutalną kpiną i prześladowaniami. To prawda, że już od końca lat osiemdziesiątych XIX wieku formalne techniki ich malarstwa przejęli przedstawiciele sztuki akademickiej, co dało Degasowi powód do gorzkiej notatki: „Rozstrzelano nas, ale jednocześnie przeszukano nasze kieszenie”.
Teraz, gdy gorące debaty na temat impresjonizmu należą już do przeszłości, mało kto odważy się zaprzeczyć, że ruch impresjonistyczny był kolejnym krokiem w rozwoju europejskiego malarstwa realistycznego. „Impresjonizm to przede wszystkim sztuka obserwacji rzeczywistości, która osiągnęła niespotykane dotąd wyrafinowanie” (V.N. Prokofiew). Dążąc do maksymalnej spontaniczności i dokładności w przekazywaniu świata widzialnego, zaczęli malować głównie w plenerze, podnosząc rangę szkiców z natury, które niemal zastąpiły tradycyjny rodzaj malarstwa, starannie i powoli tworzony w pracowni.
Konsekwentnie doprecyzowując swoją paletę, impresjoniści uwolnili malarstwo od ziemistych i brązowych lakierów i farb. Konwencjonalna, „muzealna” czerń w ich płótnach ustępuje miejsca nieskończenie różnorodnej grze refleksów i kolorowych cieni. Niezmiernie poszerzyli możliwości sztuk pięknych, odsłaniając nie tylko świat słońca, światła i powietrza, ale także piękno mgieł, niespokojną atmosferę wielkomiejskiego życia, rozproszenie nocnych świateł i rytm ciągłego ruchu.
Ze względu na sam sposób pracy w plenerze, odkryty przez nich krajobraz, w tym także miejski, zajmował bardzo ważne miejsce w sztuce impresjonistów. O tym, jak tradycja i innowacja organicznie przenikały się w sztuce impresjonistów, świadczy przede wszystkim twórczość wybitnego XIX-wiecznego malarza Edouarda Maneta (1832-1883). Co prawda on sam nie uważał się za przedstawiciela impresjonizmu i zawsze wystawiał osobno, ale pod względem ideologicznym i ideologicznym był niewątpliwie zarówno prekursorem, jak i ideologicznym przywódcą tego ruchu.
Na początku swojej kariery twórczej E. Manet spotkał się z ostracyzmem (wyśmiewaniem społeczeństwa). W oczach mieszczańskiej publiczności i krytyków jego sztuka staje się synonimem brzydoty, a sam artysta nazywany jest „szaleńcem, który maluje obraz, trzęsąc się w delirium tremens” (M. de Montifaud) (por. Załącznik nr 1, Ryc. 4). Tylko najbardziej wnikliwe umysły tamtych czasów były w stanie docenić talent Maneta. Byli wśród nich Charles Baudelaire i młody E. Zola, którzy oświadczyli, że „panowi Manetowi pisane jest miejsce w Luwrze”.
Najbardziej konsekwentny, ale i dalekosiężny wyraz impresjonizm otrzymał w twórczości Claude'a Moneta (1840-1926). Jego nazwisko często kojarzone jest z takimi osiągnięciami tej metody malarskiej, jak przenoszenie nieuchwytnych przejściowych stanów oświetlenia, wibracja światła i powietrza, ich wzajemne powiązanie w procesie ciągłych zmian i przekształceń. „Było to niewątpliwie wielkie zwycięstwo sztuki nowożytnej” – pisze V.N. Prokofiew i dodaje: „Ale i zwycięstwo ostateczne”. To nie przypadek, że Cezanne, choć nieco polemicznie zaostrzając swoje stanowisko, argumentował później, że sztuka Moneta to „tylko oko”.
Wczesne prace Moneta są dość tradycyjne. Wciąż pojawiają się na nich postacie ludzkie, które później w coraz większym stopniu zamieniają się w sztafaż i stopniowo znikają z jego obrazów. W latach 70. XIX w. ostatecznie ukształtował się impresjonistyczny styl artysty i odtąd całkowicie poświęcił się pejzażowi. Od tego czasu tworzył niemal wyłącznie w plenerze. To w jego twórczości ostatecznie ustalono rodzaj dużego malarstwa - szkic.
Monet jako jeden z pierwszych stworzył cykl obrazów, w których ten sam motyw powtarza się o różnych porach roku i dnia, w różnych warunkach oświetleniowych i pogodowych (por. Załącznik nr 1, ryc. 5, 6). Nie wszystkie są sobie równe, ale najlepsze obrazy z tej serii zadziwiają świeżością barw, intensywnością barw i kunsztem efektów świetlnych.
W późnym okresie twórczości w malarstwie Moneta nasiliły się tendencje do dekoracyjności i płaskości. Jasność i czystość kolorów zamieniają się w swoje przeciwieństwo, pojawia się rodzaj białawości. Opowiadając o nadużywaniu przez późnych impresjonistów „jasnej tonacji, zamienianiu niektórych prac w odbarwione płótno”, E. Zola pisała: „A dzisiaj nie ma nic innego, jak tylko plener... pozostają tylko plamy: portret jest tylko plamą, liczby to tylko plamy, tylko plamy.”
Inni artyści impresjoniści również byli głównie malarzami pejzaży. Ich twórczość często niezasłużenie pozostawała w cieniu obok prawdziwie barwnej i efektownej postaci Moneta, choć nie ustąpili mu czujnością w widzeniu natury i warsztatem malarskim. Wśród nich należy wymienić przede wszystkim nazwiska Alfreda Sisleya (1839-1899) i Camille'a Pissarro (1831-1903). Prace Sisleya, Anglika z urodzenia, charakteryzują się szczególną malarską elegancją. Genialny mistrz plenerów, potrafił oddać przejrzyste powietrze czystego zimowego poranka, lekką mgiełkę rozgrzanej słońcem mgły i chmury biegnące po niebie w wietrzny dzień. Jej gamę wyróżnia bogactwo odcieni i wierność tonów. Pejzaże artysty zawsze przepojone są głębokim nastrojem, odzwierciedlającym jego w istocie liryczne postrzeganie natury (por. Załącznik nr 1, ryc. 7, 8, 9).
Droga twórcza Pissarro, jedynego artysty, który brał udział we wszystkich ośmiu wystawach impresjonistów, była bardziej złożona – J. Rewald nazwał go „patriarchą” tego ruchu. Zaczynając od pejzaży przypominających w malarstwie Barbizony, pod wpływem Maneta i jego młodych przyjaciół zaczął pracować w plenerze, stopniowo rozjaśniając paletę. Stopniowo wypracowuje własną metodę impresjonistyczną. Jako jeden z pierwszych zrezygnował ze stosowania czarnej farby. Pissarro zawsze skłaniał się do analitycznego podejścia do malarstwa, stąd jego eksperymenty z rozkładem koloru - „dywizjonizm” i „pointelizm”. Wkrótce jednak powrócił do impresjonistycznego sposobu, w jaki powstawały jego najlepsze dzieła – wspaniałych serii pejzaży miejskich Paryża (por. Załącznik nr 1, ryc. 10, 11, 12, 13). Ich kompozycja jest zawsze przemyślana i wyważona, ich malarstwo jest wyrafinowane kolorystycznie i mistrzowskie pod względem technicznym.
W Rosji krajobraz miejski w impresjonizmie oświecił Konstantin Korovin. „Paryż był dla mnie szokiem… impresjoniści… w nich widziałem to, za co mnie karcono w Moskwie”. Korowin (1861-1939) wraz ze swoim przyjacielem Walentinem Sierowem byli centralną postacią rosyjskiego impresjonizmu. Pod wielkim wpływem ruchu francuskiego stworzył własny styl, który łączył główne elementy francuskiego impresjonizmu z bogatą kolorystyką sztuki rosyjskiej tamtego okresu (zob. Załącznik nr 1, ryc. 15).