Chłopaki, włożyliśmy w tę stronę całą naszą duszę. Dziękuję za to
za odkrycie tego piękna. Dziękuję za inspirację i gęsią skórkę.
Dołącz do nas o godz Facebook I W kontakcie z
Przynajmniej po to, aby na własne oczy zobaczyć obrazy „Dziewczyna z brzoskwiniami”, „Przybyły gawrony”, „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, „Poranek w sosnowym lesie” i wiele innych dzieł rosyjskiej sztuki pięknej, znane nawet wszystkim osobom, którym daleko do malowania od opakowań po cukierkach i internetowych memów.
strona internetowa przeszukał zbiory muzeum sztuki i wybrał 10 obrazów z ciekawą historią. Mamy nadzieję, że zainspirują Państwa do odwiedzenia Galerii Trietiakowskiej.
„Apoteoza wojny” Wasilij Wierieszczagin
Obraz namalowano w 1871 roku pod wrażeniem działań wojennych w Turkiestanie, które uderzyły naocznych świadków swoim okrucieństwem. Początkowo płótno nazywało się „Triumf Tamerlana”, którego żołnierze pozostawili po sobie takie piramidy czaszek. Według historii, pewnego razu kobiety z Bagdadu i Damaszku zwróciły się do Tamerlana, który poskarżył się na swoich mężów, pogrążonych w grzechach i zepsuciu. Następnie okrutny dowódca nakazał każdemu żołnierzowi ze swojej 200-tysięcznej armii przynieść odciętą głowę lubieżnych mężów. Po wykonaniu rozkazu ułożono 7 piramid głów.
„Nierówne małżeństwo” Wasilij Pukirew
Obraz przedstawia proces ślubny w cerkwi prawosławnej. Młoda panna młoda z posagu poślubia starego urzędnika wbrew swojej woli. Według jednej wersji obraz przedstawia dramat miłosny samego artysty. Prototyp na obrazie panny młodej przedstawia nieudaną narzeczoną Wasilija Pukirewa. A na obrazie drużby, przedstawionym na krawędzi obrazu za panną młodą, z rękami złożonymi na piersi, jest sam artysta.
„Bojar Morozowa” Wasilij Surikow
Olbrzymi rozmiarami (304 x 586 cm) obraz Wasilija Surikowa przedstawia scenę z historii schizmy kościelnej w XVII wieku. Obraz poświęcony jest Morozowej Teodozji Prokopiewnej – współpracowniczce duchowego przywódcy zwolenników starej wiary, arcykapłana Avvakuma. Około 1670 r. potajemnie przyjęła zasłonę jako zakonnica, w 1671 r. została aresztowana, a w 1673 r. zesłana do klasztoru Pafnutev-Borovsky, gdzie zmarła z głodu w ziemnym więzieniu.
Obraz przedstawia epizod transportu szlachcianki Morozowej po Moskwie na miejsce uwięzienia. Obok Morozowej jest jej siostra Evdokia Urusova, która podzieliła los schizmatyka; w głębinach – wędrowiec, z którego twarzy odczytane są rysy artysty.
„Nie spodziewali się” Ilya Repin
Drugi obraz, namalowany w latach 1884-1888, przedstawia moment nieoczekiwanego powrotu do domu wygnania politycznego. Chłopiec i kobieta przy fortepianie (najwyraźniej jego żona) są szczęśliwi, dziewczyna wygląda na ostrożną, pokojówka z niedowierzaniem, w zgarbionej postaci matki na pierwszym planie odczuwa się głęboki szok emocjonalny.
Obecnie oba obrazy znajdują się w zbiorach Galerii Trietiakowskiej.
„Trójca” Andriej Rublow
Galeria Trietiakowska posiada najbogatszą kolekcję starożytnej sztuki rosyjskiej XI-XVII w., w tym dzieła Dionizego, Szymona Uszakowa i Andrieja Rublowa. W 60. sali galerii wisi jedna z najbardziej znanych i znanych ikon na świecie - „Trójca”, namalowana przez Andrieja Rublowa w pierwszej ćwierci XV wieku. Trzej aniołowie zgromadzili się wokół stołu, na którym stoi misa ofiarna, aby prowadzić spokojną, niespieszną rozmowę.
„Trójca” przechowywana jest w sali starożytnego malarstwa rosyjskiego Galerii Trietiakowskiej, w specjalnej szklanej gablocie, która utrzymuje stałą wilgotność i temperaturę oraz chroni ikonę przed wpływami zewnętrznymi.
„Nieznany” Iwan Kramskoj
Miejsce akcji obrazu nie budzi wątpliwości – jest to Newski Prospekt w Petersburgu, most Aniczkowa. Ale wizerunek kobiety wciąż pozostaje tajemnicą artysty. Ani w listach, ani w pamiętnikach Kramskoj nie pozostawił żadnej wzmianki o nieznanej osobie. Krytycy łączyli ten obraz z Anną Kareniną Lwa Tołstoja, z Nastasją Filippovną Fiodora Dostojewskiego, nazywano nazwiska sławnych dam świata. Istnieje również wersja, w której obraz przedstawia córkę artysty, Sofię Iwanownę Kramską.
W czasach sowieckich „Nieznany” Kramskoja stał się niemal rosyjską Madonną Sykstyńską – ideałem nieziemskiego piękna i duchowości. I wisiał w każdym przyzwoitym sowieckim domu.
„Bogatyrs” Wiktor Wasniecow
Wasnetsow malował ten obraz przez prawie dwadzieścia lat. 23 kwietnia 1898 roku został ukończony i wkrótce zakupiony przez P. M. Tretiakowa do swojej galerii.
W eposach Dobrynya jest zawsze młody, podobnie jak Alosza, ale z jakiegoś powodu Wasnetsow przedstawił go jako dojrzałego mężczyznę z luksusową brodą. Niektórzy badacze uważają, że rysy twarzy Dobrynyi przypominają samego artystę. Prototypem Ilyi Murometsa był chłop z prowincji Włodzimierz Iwan Pietrow, którego Wasnetsow schwytał wcześniej w jednym ze studiów.
Nawiasem mówiąc, Ilya Muromets nie jest postacią z bajki, ale osobą historyczną. Historia jego życia i wyczynów zbrojnych to prawdziwe wydarzenia. Zestarzał się i zakończył pracę w obronie ojczyzny, został mnichem klasztoru Jaskinie Kijowskie, gdzie zmarł w 1188 roku.
„Kąpiel czerwonego konia” Kuzma Petrov-Vodkin
Obraz „Kąpiel czerwonego konia”, który zadziwił współczesnych swoją monumentalnością i fatalnością, przyniósł światową sławę artyście Kuzmie Petrov-Vodkinowi. Czerwony koń jest przeznaczeniem Rosji, którego kruchy i młody jeździec nie jest w stanie utrzymać. Według innej wersji Czerwonym Koniem jest sama Rosja. W tym przypadku nie sposób nie zauważyć wizjonerskiego daru artysty, który swoim malarstwem symbolicznie przepowiedział „czerwone” losy Rosji w XX wieku.
Petrov-Vodkin namalował konia z prawdziwego ogiera o imieniu Boy. Aby stworzyć wizerunek nastolatka siedzącego na koniu, artysta wykorzystał cechy swojego ucznia, artysty Siergieja Kałmykowa: „Dla uwagi przyszłych autorów mojej monografii. Na czerwonym koniu przedstawiła mnie nasza najdroższa Kuźma Siergiejewicz. ... Na tym sztandarze w postaci ospałego młodzieńca jestem przedstawiony we własnej osobie.
„Księżniczka łabędzi” Michaił Wrubel
Obraz powstał w 1900 roku na podstawie scenicznego wizerunku bohaterki opery N. A. Rimskiego-Korsakowa „Opowieść o carze Saltanie” na podstawie fabuły baśni A. S. Puszkina pod tym samym tytułem. Spektakl zaprojektował Vrubel, a rolę Księżniczki Łabędzi wykonała żona artysty, Nadieżda Zabela-Vrubel. „Wszyscy śpiewacy śpiewają jak ptaki, a Nadia - jak osoba!” Vrubel mówił o niej.
Działka
Pośrodku gorącego stepu wznosi się piramida ze spalonych słońcem ludzkich czaszek. Każdy z nich jest napisany bardzo wyraźnie, można nawet określić, od czego dana osoba zmarła - od kuli, szabli, silnego ciosu. Na niektórych czaszkach zachowały się ostatnie emocje ludzi: groza, cierpienie, nieznośna męka.
Za stertą kości na horyzoncie widać zrujnowane miasto. W pobliżu krążą wrony. Dla nich, obojętnych na los mieszkańców zniszczonej osady, jest to święto w czasie zarazy.
Wasilij Vereshchagin zawsze zwracał uwagę na projekt ramy - każdy z jego obrazów ma indywidualną ramę. Często artysta prosił o napisy wyjaśniające, które mają charakter reportażowy – wyjaśniają fabułę i przekazują emocje autora. W ramach „Apoteozy wojny” Wierieszczagin poprosił o napisanie na ramce: „Dedykowany wszystkim wielkim zdobywcom – przeszłości, teraźniejszości i przyszłości”. Tym zwrotem artysta przekazuje ideę płótna: ważne jest, aby pamiętać, jakim kosztem odnoszone są triumfy wojskowe.
Kontekst
„Apoteoza wojny” to jedyny obraz, w którym Vereshchagin przedstawił to, czego w rzeczywistości nie widział. Fabuła oparta jest na wydarzeniach z XIV wieku związanych z Tamerlanem. Jego imię przerażało władców Wschodu i Zachodu. Wykrwawił Hordę, brutalnie podbijając każdą wioskę na swojej drodze. Przykładowo, gdy przybył do Iranu i zajął twierdzę Sebzevar, Tamerlan nakazał budowę wieży, w której wmurowano żywcem 2 tysiące ludzi. A po splądrowaniu Delhi na rozkaz dowódcy ścięto 100 tysięcy cywilów. Według wspomnień współczesnych wieże wykonane z głów Indian osiągnęły ogromne wysokości. Tamerlan wierzył, że takie piramidy gloryfikują jego talent wojskowy.
Drzwi Chana Tamerlana (Timur), 1875
Obraz należy do cyklu Turkiestan, nad którym Wierieszczagin pracował po udziale w kampanii rosyjskiej w Azji Środkowej w drugiej połowie lat 60. XIX wieku. Artysta został zaproszony na miejsce działań wojennych przez generalnego gubernatora Turkiestanu i dowódcę wojsk rosyjskich K. P. Kaufmana. Vereshchagin nie tylko pisał, ale także bohatersko walczył, za co został odznaczony Orderem Świętego Jerzego IV stopnia. Jak wynika z powstałych szkiców, artysta przez dwa lata pracował w Monachium. Obrazy wchodzące w skład cyklu Turkiestanu oraz szkice i szkice po raz pierwszy pokazano w Londynie w 1873 r., a następnie w 1874 r. w Petersburgu i Moskwie.
Obraz z cyklu Turkiestan , 1872
W Rosji wojsko, w tym Kaufman, nazwało Wierieszczagina oszczercą. Dziennikarze napisali, że bohaterami serialu Turkiestan są Turkmeni triumfujący nad armią rosyjską, a „Apoteoza wojny” rzekomo wyśpiewuje ich wyczyny.
Samarkanda. Mauzoleum Gur-Emir, 1890
Tymczasem podczas kampanii w Turkiestanie Vereshchagin malował nie tylko płótna bojowe. Wśród jego prac znajdują się takie, które ukazują piękno świata, egzotykę miejsc: zgiełk bazaru z kolorowymi towarami, rzeźbione minarety, lokalnych mieszkańców i ich sposób życia. Pokazując takie obrazy, Vereshchagin otworzył przed widzami nowy, cudowny świat, wobec którego wojna, śmierć i okrucieństwo wyglądały jak niezrozumiały nonsens.
Losy artysty
Wasilij Wierieszczagin urodził się w rodzinie zamożnego właściciela ziemskiego w Czerepowcu. Jego ojciec nalegał, aby każdy z jego czterech synów został wojskowym. Wasilij ukończył korpus kadetów marynarki wojennej i po otrzymaniu stopnia oficera przeszedł na emeryturę, chcąc zostać artystą. W odpowiedzi ojciec powiedział, że jeśli Wasilij zrealizuje swój plan, może nie wrócić do domu. To było ich ostatnie spotkanie.
Vereshchagin był precyzyjny w każdym szczególe. Wędrowcy podziwiali jego bezkompromisową prawdomówność. Ale krytycy i autorytety powątpiewały w niego jako artystę, twierdząc, że był bardziej fotografem, a nie malarzem. Współczesnym Wasilij Wasiljewicz wydawał się okropny, krwawy, egzotycznie okrutny. Byli tacy, którzy podejrzewali go o celowe delektowanie się szczegółami – aby łaskotać ludzi. Sam artysta powiedział: „Na wspomnienie całej tej grozy płyną mi łzy, a «mądrzy ludzie» zapewniają, że bajki piszę z zimnym umysłem”.
"Pokonany. Panichida za poległych żołnierzy, 1877
Jako zawodowy wojskowy Wierieszczagin znał prawdziwe oblicze wojny. Był oburzony, że ludzie umierali za nic z powodu miernego rozkazu. A w kwaterze głównej piją szampana na chwałę władcy, wierząc, że im więcej ludzi zginęło, tym głośniejsza jest chwała.
Brał także udział w wojnach bałkańskich. Jego cykle obrazów przedstawiają ogromną liczbę rannych i umierających ludzi. Na swoich wystawach dosłownie krzyczał o bezsensownych poświęceniach. Publiczność nie uwierzyła i nadal oskarżała malarza o oszczerstwo.
Mauzoleum Taj Mahal niedaleko Agry, 1874
Wierieszczagin postanowił nie pisać już o wojnie. Kilka lat poświęca podróżom po Indiach, Japonii i Bliskim Wschodzie. Studiował także osobowość Napoleona, o której stworzył nie tylko kilka obrazów, ale także książki.
Japonka, 1903
Wraz z wybuchem wojny rosyjsko-japońskiej Vereshchagin otrzymał propozycję towarzyszenia wiceadmirałowi S. O. Makarowowi. 31 marca 1904 r., będąc na pancerniku Pietropawłowsk, zginęli, gdy statek został wysadzony w powietrze przez minę.
„Apoteoza wojny” to nie tylko obraz, to zdanie skierowane do militarystów wszystkich czasów i narodów. Wojny są wyzwoleniem, święte. Ale płótno Wasilija Wasiljewicza Wierieszczagina potępia wojny podboju: na ramie znajduje się napis o poświęceniu tego dzieła zdobywcom, zarówno przeszłym, teraźniejszym, jak i przyszłym.
Historia obrazu: dwie wersje
„Apoteoza wojny” to obraz, który nabrał tak potężnego, ponadczasowego brzmienia, że obie wersje, rzekomo skłaniające artystę do stworzenia arcydzieła, wydają się śmieszne.
Według pierwszej kobiety z dwóch miast – Damaszku i Bagdadu – skarżyły się Tamerlanowi na swoich mężów, grzeszników i rozpustników. I ten wyjątkowo przyzwoity mężczyzna, skłonny do monogamii, głęboko wziął sobie do serca bzdury kobiety i zniszczył 200 tysięcy ludzi, z których czaszek ułożono 7 piramid. Zniszczono brutalnie lubieżnych: na czaszkach są ślady kul i ciosów szablą. Należy założyć, że oszukane żony były bardzo zadowolone z tego, co zobaczyły i bez końca dziękowały Timurowi. Być może legenda była rodzajem chwytu PR, usprawiedliwiającego okrucieństwa jednego z dziesięciu najbardziej okrutnych zdobywców stuleci.
Druga opcja świadczy także o okrucieństwie Tamerlana, który nakazał umieścić na samym szczycie piramidy odciętą głowę podróżnika z czaszek wcześniej straconych osób. Oczywiście oba przypadki miały miejsce, co świadczy o okrucieństwie zarówno mężczyzn, jak i kobiet, ale miały one charakter prywatny.
„Okropności wojny”
Obraz „Apoteoza wojny” naprawdę miał oryginalną nazwę „Triumf Tamerlana”, ale planetarna tragedia płótna wyniosła go ponad granice i czas. Największy artysta rosyjski nie jest malarzem batalistycznym w pełnym tego słowa znaczeniu; On, podobnie jak Goya, pokazuje „okropności wojny” (jak nazywano serial o wielkim Hiszpanie), tragedię, brud i skrajne okrucieństwo. Niewielu geniuszy potrafi to wszystko przekazać w jednym dziele.
A nazwa „Apoteoza wojny” została wybrana zaskakująco trafnie. Z płótna spogląda zwycięska śmierć: spalona ziemia, drzewa, które nigdy się nie zazielenią, w oddali martwe miasto, na pierwszym planie zniekształcone szczątki mieszkańców i obrońców twierdzy oraz jej symbole i towarzysze – wrona, która wciąż ma nadzieję czerpać korzyści z czegoś w tym martwym miejscu.
płótno-objawienie
Tego obrazu nie da się opisać słowami: jest niesamowity. Siła jego oddziaływania na zwykłych ludzi jest tak duża, że pruski generał poradził Aleksandrowi II, aby go spalił, aby każdy, kto zobaczy obraz, nie zamienił się w pacyfistów. Tak, a cesarz rosyjski był bardzo niezadowolony z dzieła, oczywiście uważał, że takie płótna zabijają patriotyzm, chęć walki w ogóle, w tym obrony Ojczyzny. To apokaliptyczny dźwięk osiągnięty w tym dziele V.V. Wiereszchagin. Obraz „Apoteoza wojny” namalowany w 1871 roku należy do cyklu Turkiestanu (1871-1874), który powstał w wyniku podróży artysty w latach 1867-1870. V. Vereshchagin brał udział w działaniach wojennych i został odznaczony Orderem św. Jerzego do bitwy pod Samarkandą.
Wszystkie obrazy z tej serii są bardzo dobre („Brama Tamerlana”, „Portret Bachiego”, „Śmiertelnie ranny”). Ale oczywiście głównym dziełem było objawienie malarskie „Apoteoza wojny”. Wasilij Wierieszczagin, który pokazywał już cykl w Londynie (wystawa znajdowała się w Pałacu Kryształowym), postawił warunek zakupu całego cyklu w całości. W 1874 r. Tretiakow kupił go za 92 000 srebra.
Ocena współczesnych
Wszyscy najlepsi ludzie tamtych czasów, patrząc na zdjęcie, ocenili je bardzo wysoko. V.V. Stasow, mówiąc entuzjastycznie o płótnie, nazwał Vereshchagina historykiem i sędzią ludzkości. Kramskoj miał dobrą opinię zarówno o obrazie, jak i samym artyście, który jako pierwszy pokazał niewłaściwą stronę wojny. Niektóre prace z serii wywołały oburzenie, nazwano je oszczerstwami (obraz „Zapomniany”). Wielu nawet postępowych artystów, takich jak Perow i Repin, uznało serię Turkiestanu za obcą sztuce rosyjskiej.
Jednak z biegiem czasu opinia Kramskoya zwyciężyła. Powiedział, że jednym z najlepszych przedstawicieli rosyjskiego realizmu był Wierieszczagin. Apoteoza wojny, podobnie jak cały cykl, jest jednym z najwyższych osiągnięć rosyjskiej szkoły malarstwa, jej błyskotliwym sukcesem. Według Kramskoja wystawa, w której wzięła udział seria Turkiestanu, przyniosła Rosji więcej podbojów niż sukcesów terytorialnych.
Znaczenie płótna
Należy zauważyć, że Wasilij Vereshchagin nie wysuwał roszczeń wobec niektórych abstrakcyjnych zdobywców, zarzucał sobie specjalnie udział w działaniach wojennych. Pisał o tym w liście do Stasowa. Dlatego słowa, które płótna z serii Turkiestanu napełniają serce dumą, nie są zaskakujące, ponieważ Vereshchagin jest Rosjaninem. Tak wysoko ceniona „Apoteoza wojny” Kramskoja.
Opis może zakończyć się faktem, że według tego samego Kramskoja artyście udało się osiągnąć na obrazie jedną kolorystykę, że płótno o wymiarach 127 x 197 cm jest ozdobą Sali Wierieszczagina w Galerii Trietiakowskiej. Śmierć i wojna zemściły się na oskarżycielu: pancernik, którym Wasilij Vereshchagin pojechał na wojnę rosyjsko-japońską, został wysadzony w powietrze przez minę w 1904 roku.
Obraz „Apoteoza wojny” został namalowany przez Wasilija Wierieszczagina w 1871 roku. Wywarła silne wrażenie na współczesnych artystce, jednak nawet ponad sto lat później ludzie zatrzymują się przed nią, myśląc o życiu i śmierci. „Apoteozę wojny” można nazwać dziełem programowym Vereshchagina. Obecnie dzieło znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej. Historycy sztuki nadal spierają się o historię fabuły, znajdując coraz więcej potwierdzeń lub obaleń jednej lub drugiej wersji.
Wasilij Wasiljewicz Wierieszczagin jest najbardziej znany jako malarz batalistyczny. Urodził się w 1842 r. w Czerepowcu, ukończył korpus kadetów marynarki wojennej, służył krótko, następnie wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, studiował malarstwo w Paryżu.
W 1867 roku Wierieszczagin wyjechał do Turkiestanu, gdzie w randze chorążego był artystą pod rządami generalnego gubernatora K.P. Kaufmana. „Pojechałam, bo chciałam dowiedzieć się, czym jest prawdziwa wojna, o której wiele czytałam i słyszałam…” – napisała artystka. Tutaj wymyślił słynny „seria Turkiestanu”, w którym później przedstawił nie rzeczywiste sceny bitewne, ale momenty poprzedzające bitwę lub po niej. Malował także przyrodę i sceny z życia codziennego mieszkańców Azji Środkowej. Jednak podczas wojny Wierieszczagin nie tylko kontemplował to, co się działo, aby później uchwycić to na papierze. Zmieniwszy ołówek na broń, brał udział w bitwach, wraz z żołnierzami i oficerami przetrwał oblężenie Samarkandy, otrzymał Order Świętego Jerzego IV klasy za zasługi wojskowe. Ale w każdych warunkach robił szkice.
Wracając z Turkiestanu, Wierieszczagin wyjechał w 1871 r. do Monachium, gdzie na podstawie szkiców i przywiezionych zbiorów ciężko pracował nad tematami turkiestańskimi. W ostatecznej formie „Seria Turkiestanu” obejmowała trzynaście obrazów, osiemdziesiąt jeden studiów i sto trzydzieści trzy rysunki. W tej kompozycji została pokazana na pierwszej indywidualnej wystawie Wierieszczagina w Londynie w 1873 r., a następnie w 1874 r. w Petersburgu i Moskwie.
Artysta połączył szereg obrazów batalistycznych w cykl, który nazwał „Barbarzyńcami”. Znajduje się w nim obraz „Apoteoza wojny”, który z kolei należy do „Serii Turkiestanu”.
Działka
Obraz przedstawia piramidę ludzkich czaszek na tle zrujnowanego miasta i zwęglonych drzew pośrodku gorącego stepu. Stada głodnych ptaków drapieżnych krążą nad piramidą, siadają na czaszkach. Wszystkie detale płótna, w tym szaro-żółty kolor, symbolizują śmierć i zniszczenie, oddają wrażenie wysuszonej słońcem, martwej natury. Czyste, błękitne niebo tylko podkreśla martwotę obrazu. Żyją tu tylko wrony – symbole śmierci w sztuce.
„Apoteoza wojny” w formie symbolicznej opowiada o okropnościach wojny, która przynosi jedynie smutek, zniszczenie, zniszczenie. Artysta surowo potępia w nim wszelkie agresywne wojny, które przynoszą śmierć.
Znany rosyjski krytyk sztuki Władimir Stasow tak pisał o „apoteozie wojny”:
„Tutaj nie chodzi tylko o umiejętność, z jaką Wierieszczagin namalował pędzlami suchy, spalony step, a wśród niego piramidę czaszek, po której fruwają wrony w poszukiwaniu ocalałego, może kawałka mięsa. NIE! Tutaj na obrazie pojawiło się coś cenniejszego i wyższego niż niezwykła wirtualność kolorów Vereshchagina: to głębokie poczucie historyka i sędziego ludzkości…”
Kilka wersji obrazu
Początkowo płótno nazywało się „Triumf Tamerlana”. Istnieje kilka wersji na temat tego, co zainspirowało artystę do stworzenia tego obrazu. Według jednego z nich swoją pracą chciał pokazać historię wojen Tamerlana, po których kampaniach pozostały tylko sterty czaszek i puste miasta.
Według innej wersji, wciąż kojarzonej z Tamerlanem, artystka przedstawiła historię, w której kobiety z Bagdadu i Damaszku skarżyły się wodzowi, że ich mężowie pogrążeni są w rozpuście i pijaństwie. Tamerlan nakazał każdemu ze swoich 200 000 wojowników przynieść głowę niegodziwców. Po wykonaniu rozkazu z głów ułożono siedem piramid. Ta wersja jest mniej prawdopodobna, ponieważ słabo nawiązuje zarówno do pierwszego, jak i drugiego tytułu obrazu.
Według trzeciej wersji Vereshchagin stworzył ten obraz po tym, jak usłyszał, że władca Kaszgaru Valikhan-Tore dokonał egzekucji na europejskim podróżniku i nakazał położyć jego głowę na szczycie piramidy wykonanej z czaszek innych straconych ludzi.
Uważa się również, że inspiracją dla obrazu było bezwzględne stłumienie powstania Ujgurów w zachodnich Chinach przez Tamerlana. Jednak okrągłe ślady kul w czaszkach wymownie świadczą o tym, że Tamerlan nie ma nic wspólnego z tym zdjęciem. Dodatkowo iluzję średniowiecza rozwiewa wykonany przez artystę napis na ramie: „Dedykowany wszystkim wielkim zdobywcom – przeszłości, teraźniejszości i przyszłości”.
Zaproponowano spalenie obrazów Vereshchagina
„Apoteoza wojny” wywarła przygnębiające wrażenie na elitarnej publiczności w Rosji i za granicą. Dwór cesarski uznał ten i inne obrazy batalistyczne artysty za dyskredytację armii rosyjskiej. Jeden generał z Prus namówił nawet Aleksandra II, aby spalił wszystkie obrazy Wiereszchagina dotyczące wojny, ponieważ mają one „najbardziej zgubny wpływ”. Z powodu tej pracy mistrzowie nie zostali sprzedani, jedynie prywatny filantrop Tretiakow kupił kilka obrazów z serii Turkiestanu.
Wasilij Wierieszczagin nie umarł w swoim łóżku. Na początku wojny rosyjsko-japońskiej artysta ponownie udał się tam, gdzie toczyły się bitwy. Na Pacyfiku, na zewnętrznej redzie Port Arthur, zginął w eksplozji miny na pancerniku Pietropawłowsk wraz z admirałem Makarowem.
Niestety, współczesny człowiek jest tak przyzwyczajony do przemocy i śmierci, które zdarzają się codziennie na całym świecie, że masakry nie są obecnie zaskoczeniem. Aby stworzyć „Apoteozę wojny”, Vereshchagin miał tylko kilka czaszek, które przedstawił pod różnymi kątami. Jednak we współczesnej historii zdarzają się już przypadki, gdy w praktyce odtwarzane jest to, co narysował artysta. Vereshchagin nie wiedział, że aby piramida ludzkich głów była stabilna, czaszki muszą być pozbawione dolnej szczęki. Jednak przerażające realia XX wieku czynią z nas wszystkich smutnych „ekspertów” w tej kwestii.