Portret mężczyzny Antonello da Messina. Encyklopedia szkolna. Przedstawiciel nowego kierunku

Antonello da Messina urodził się około 1430 roku i zmarł jako stosunkowo młody mężczyzna w 1479 roku. Vasari opisuje także swoje życie w swoim zbiorze biografii. Nieprzypadkowo zapamiętałem Vasariego, pisał o prawie wszystkich i opowiedział romantyczną, niemal pełną przygód, ale zupełnie niewiarygodną historię o Antonello. Według Vasariego Antonello da Messina w młodości wyjechał do Holandii i odbył praktykę u Jana van Eycka, który – jak mieli wówczas pewność – wynalazł malarstwo olejne. Van Eyck, a właściwie bracia van Eyck: Jan i Hubert nie wymyślali, lecz udoskonalali malarstwo olejne. I tak Jan van Eyck rzekomo zachowywał przepis w najściślejszej tajemnicy nawet przed swoimi najbliższymi braćmi, jednak młody Włoch był na tyle czarujący, że nabrał tak dużej pewności siebie, że Jan van Eyck zdradził tajniki malarstwa olejnego Antonello da Messina. Dowiedziawszy się wszystkiego od mistrza, Antonello wyszedł i przywiózł holenderski przepis do Włoch.

Zacznijmy od tego, że nie mógł uczyć się u Jana van Eycka, ponieważ van Eyck zmarł, gdy Antonello miał zaledwie jedenaście lat. Ale tak naprawdę znał technikę malarstwa olejnego bardzo dobrze, pracował w niej i oczywiście uczył się jej w swojej ojczyźnie, na południu Włoch, od tych Holendrów, którzy mogli być w jakiś sposób, przynajmniej pośrednio, związani ze środowiskiem Jana van Eycka i inni artyści, którzy tworzyli w pierwszej połowie XV wieku. na terytorium Flandrii.

„Salvator Mundi (Zbawiciel świata)” . 1465. Olej na drewnie, Galeria Narodowa, Londyn.

Rozbudowane powiązania włoskiego miasta Mesyna z Holandią sięgają średniowiecza. Są to przede wszystkim stosunki handlowe, ale także kulturalne. Nie można powiedzieć, że w Mesynie powstała cała kolonia artystów holenderskich, ale od panowania zmarłego w 1250 roku Fryderyka II, jednego z najwybitniejszych cesarzy Świętego Cesarstwa Rzymskiego, mieszkańcy północy – Francuzi, Flamandowie, Holenderski – nie został tutaj przetłumaczony. A Antonello da Messina ze względu na swoje wykształcenie jest z nimi wyraźnie powiązany.
A Toskania, przypomnę, w tym czasie pracuje wyłącznie w temperze. Malarstwo olejne z połowy i trzeciej ćwierci XV wieku. dla Włochów to wciąż zupełna nowość. Niektóre eksperymenty były przeprowadzane, ale sporadycznie i miały, że tak powiem, charakter eksperymentalny. A Antonello da Messina przeżywa swój najlepszy czas – to półtora roku: 1475 i część 1476, kiedy to prawdopodobnie na zaproszenie mieszkał w Wenecji. W tym czasie tworzy wiele dzieł i pisze swoje najlepsze rzeczy. Bardzo możliwe, że w Wenecji doceniono go w każdym razie wyżej niż w ojczyźnie. Możliwe, że w roku 1476 Antonello udał się na stosunkowo krótki czas do Mediolanu, do księcia Sforzy. Wiemy, że otrzymał takie zaproszenie, a następnie powrócił do swojej ojczyzny, Messyny, gdzie, jak już mówiłem, zmarł w 1479 roku.
Sam fakt, że Antonello da Messina rozpowszechnił i wprowadził nie tylko sztukę włoską, ale także niemiecką, nową, znacznie bogatszą, elastyczną, zwinną technikę artystyczną, wystarczył, aby jego nazwisko zapisało się w historii sztuki. Ale na dodatek wyróżnia się jako mistrz najwyższej klasy, jeden z najwybitniejszych artystów Quattrocento, mistrz, który wyróżnił się w różnych dziedzinach malarstwa sztalugowego. Zarówno w przedstawieniu nagiego ciała (jego słynny drezdeński „św. Sebastian”), jak i w ukształtowaniu czysto weneckiego typu ołtarza „Santa Conversazione” („Święta Rozmowa”) w jego „Ołtarzu św. Kasjana”, która niestety dotarła do nas w formie fragmentarycznej.

„Chrystus przy kolumnie”. Około 1476. Drewno, olej. Luwr, Paryż.

I wreszcie, być może najważniejsza, jest ogromny wkład Antonello da Messina w rozwój włoskiego portretu. Rozmawialiśmy o Botticellim, który w pewnym sensie był innowatorem portretu, ale dzieła Antonello da Messina etapami poprzedzają Botticellego i pod wieloma względami, pomimo pozornej skromności, go przewyższają.
Zachowała się większość jego dzieł z okresu weneckiego. Ale nie tylko. Znane są także rzeczy, które identyfikowane są jako wczesne dzieła mistrza. Wśród nich jest jego słynny „Św. Hieronim w swojej celi”. Niewielka tablica datowana około 1460 roku, wykonana na długo przed pojawieniem się artysty w mieście nad Adriatykiem. W tej pracy szczególnie zauważalny jest jego ścisły związek z malarstwem holenderskim. Przekonaliśmy się nie raz, a ja wypowiadałem się i sam można było odczuć, że wnętrze jako specyficzny problem, wnętrze jako temat zawarty w jego, że tak powiem, specyfice portretu, nie przyciągało włoskich artystów. Wnętrza mistrzów toskańskich z połowy XV wieku. a wnętrza Ghirlandaio, jeśli mówimy o artystach końca stulecia, są zawsze w pewnym stopniu fantastyczne, zagmatwane, dekoracyjne, monumentalne, nielogiczne i jakoś mało związane z człowiekiem. Zupełnie inne podejście do wnętrza pokazał Antonello da Messina w tym niewielkim, ale bardzo ważnym, przełomowym obrazie dla malarstwa włoskiego.

Św. Hieronim w swojej celi. Około 1475. Drewno, olej. Galeria Narodowa w Londynie.

Ogromne, potężne kamienne portale otwierają się na nieco ponure, ale wcale nie ponure pomieszczenie, w którym jest też element pewnej fantazji architektonicznej. Coś w rodzaju sali, jeśli spróbujesz postrzegać całą otwierającą się przestrzeń architektoniczną jako integralność określonej sali, której funkcje nie są wskazane. We wnętrzu pojawia się kolejne mikrownętrze – miejsce pracy lub półzamknięty gabinet, w którym pracuje św. Hieronim, patron humanistów, mistrz skryby. Jeśli spojrzysz na gałęzie przestrzeni, które rozwidlają się w głębiny, wówczas przestrzeń ta wydaje się opływać ramę biura, wchodząc dwoma strumieniami do obrazu. Po lewej stronie coś w rodzaju salonu, światło padające z okna na podłogę, stojące przy oknie stołki, z tyłu prostokątne okno, a po prawej - nagle pojawiają się gotyckie kolumny, sklepienie, prawie nawa kościoła . Na górze pojawiają się także gotyckie ostrołuki, wysokość nie jest określona, ​​wykracza poza granice obrazu, gdzie gęstnieje nieprzenikniona ciemność. Jest tu pewna niemal romantyczna niepewność, zwłaszcza, że ​​wnętrze się kończy, podłoga zbliża się do ściany, bliżej widza, nie są na tym samym poziomie, więc trudno wyobrazić sobie ścianę jako pojedynczą i monolityczną. To bogactwo detali wnętrz, wśród których żyje i pracuje św. Hieronim, najwyraźniej wynika z holenderskiego zamiłowania do obiektywizmu. Znajdują się tu różne naczynia - ceramiczne, szklane, metalowe, książki, rękopisy, kilka drewnianych pudełek trzaskających lakierem i wiszące ręczniki. Wszystko to jest napisane z wielką miłością i subtelnością, tak jak pisali Holendrzy, i tylko od holenderskich mistrzów można było nauczyć się tak dużej uwagi na rzecz i zyskać pojęcie o jej uroku.

Dziewica Zwiastująca (Antonello da Messina, Galleria Regionale della Sicilia, Palermo)

„Maria Annuziata (olej na desce, wymiary: 45 x 34,5 cm) to jeden z najsłynniejszych obrazów włoskiego artysty Antonello da Messina. Znajduje się obecnie w Muzeum Narodowym w Palermo.
Antonello da Messina urodził się w mieście Mesyna na Sycylii. Urodzony około 1430 r. Był przedstawicielem południowej szkoły malarstwa wczesnego renesansu. Kształcenie początkowe odbywało się w prowincjonalnej szkole, z dala od ośrodków artystycznych Włoch, gdzie głównymi punktami odniesienia byli mistrzowie południowej Francji, Katalonii i Holandii. Portrety zajmują szczególne miejsce w twórczości Antonello da Messina. „Maria Annuciata” posiada cechy charakterystyczne malarstwa mesyńskiego.
Istnieją różne hipotezy dotyczące daty powstania obrazu. Uważa się, że napisał go w 1475 roku, kiedy udał się do Wenecji.
Film ukazuje podstawowe wartości włoskiego renesansu. Perspektywa, pragnienie równowagi i symetrii, chęć wydobycia odwiecznych praw geometrii ze zmieniających się form natury, umieszczając człowieka w samym centrum Wszechświata.
Obraz ten świadczy o głębokiej znajomości przez Antonello techniki malarstwa flamandzkiego, które zawsze sumiennie, z analityczną uwagą oddawało rzeczywistość i fizyczną istotę materiałów: świetlną mównicę, ruchome strony książki, starannie pomalowane oczy i brwi.
Na czarnym tle przedstawiona jest sięgająca do piersi kompozycja Marii. Antonello używa go, aby podkreślić jasny obraz Maryi i tym samym ukazać Jej znaczenie w wybawieniu ludzkości z mocy ciemności.
Większość artystów przedstawiała Zwiastowanie jako scenę dialogu Maryi z Archaniołem. Antonello stara się jednak położyć inny nacisk. Jego zadaniem jest przekazanie wewnętrznego świata Maryi.
Dziewica Maryja, siedząca za pulpitem nutowym, lewą ręką trzyma narzucony na siebie niebieski koc, a drugą rękę podnosi. Trudno zrozumieć jej gest. Być może jest adresowany do Archanioła. A może jest to gest zgody, a może zaskoczenia. Maria jest zamyślona. Jej wyraz twarzy, postawa rąk i głowy, a także spojrzenie mówią widzowi, że Maryja jest teraz daleko od świata śmiertelników.

Stół lub mównica ukazana jest po przekątnej, na niej stoi pulpit nutowy z książką, która przenosi postać w głąb, wzmacniając poczucie przestrzenności. Widz znajduje się w miejscu Archanioła Gabriela i jest uczestnikiem wydarzeń.
Przedstawienie popiersia na ciemnym tle to technika odziedziczona po portrecie flamandzkim, stanowiąca innowację w przedstawieniu Maryi. Maria jest izolowana, dominująca w otaczającej ją przestrzeni.

Historia tego obrazu rozpoczęła się w 1906 roku, kiedy prałat Di Giovanni, który odziedziczył go od rodziny Colluzio, przekazał go ówczesnemu Muzeum Narodowemu w Palermo.
„Najpiękniejsza ręka, jaką kiedykolwiek widziałem w sztuce” – powiedział Roberto Longhi, odnosząc się do ruchu swojej prawej ręki do przodu. Ręka być może reprezentuje przestrzeń wokół niej. Centralna fałda szaty na głowie Dziewicy wyznacza ostrość pola widzenia widza.
Dokładnie tak Leonardo Sciascia opisał wpływ obrazu na widza: „Widz powinien zauważyć głęboką zmarszczkę pośrodku czoła”.
Chociaż dla artysty był to po prostu szczegół malarski, mówi nam o ubraniu, które zostało starannie zachowane w skrzyni wraz z innymi cennymi przedmiotami. Płaszcz ten był zdejmowany przy specjalnych, uroczystych okazjach.
Zwróćcie uwagę na wspaniały kontrast pomiędzy gestem jej prawej ręki a gestem lewej ręki, typowym dla wieśniaczki: podwija ​​brzegi szaty.
Spójrz na tajemniczy wyraz twarzy warg, przyjrzyj się bliżej wieczności. Być może jest to realizacja ich przyszłego macierzyństwa.
Dzięki bezpośredniemu wpływowi malarstwa flamandzkiego, które ukształtowało się w Neapolu, za sprawą jego nauczyciela Colantino, dzięki studiowaniu malarstwa wielu pracujących tam artystów, Antonello w znacznym stopniu przyczynił się do szerzenia wartości włoskiego renesansu wśród różnych klas społecznych profesjonalistów i kupców w miastach takich jak Mesyna, Neapol, Wenecja.

Artyści wczesnego renesansu odnajdywali nowe formy, wymyślali nowe techniki i rozwiązania stylistyczne, zasłynęli dzięki eksperymentom malarskim. Twórczość artystów renesansu bezpośrednio wpłynęła na twórczość wszystkich kolejnych artystów i do dziś stanowi przykład dla początkujących malarzy.

Antonello da Messina (włoski Antonello da Messina ok. 1429 (1429)/1431 - 1479) – artysta włoski, wybitny przedstawiciel południowowłoskiej szkoły malarstwa wczesnego renesansu.

Nauczyciel Girolamo Alibrandiego, zwanego „Mesyńskim Rafaelem”.

Antonello urodził się w mieście Mesyna na Sycylii pomiędzy 1429 a 1431 rokiem. Początkową edukację odbył w prowincjonalnej szkole, z dala od ośrodków artystycznych Włoch, gdzie głównym punktem odniesienia byli mistrzowie południowej Francji, Katalonii i Holandii. Około 1450 roku przeniósł się do Neapolu. Na początku lat pięćdziesiątych XIV wieku studiował u Colantonio, malarza związanego z tradycją holenderską. W latach 1475-1476 tak Messina odwiedził Wenecję, gdzie przyjmował i realizował zamówienia, zaprzyjaźnił się z artystami, zwłaszcza z Giovannim Bellinim, który w pewnym stopniu przejął jego technikę malarską.

Dojrzałe dzieło Antonello da Messina to fuzja elementów włoskich i holenderskich. Jako jeden z pierwszych we Włoszech zajmował się techniką czystego malarstwa olejnego, zapożyczając ją w dużej mierze od Van Eycka.

Styl artysty cechuje wysoki poziom wirtuozerii technicznej, dbałość o szczegóły oraz charakterystyczne dla szkoły włoskiej zainteresowanie monumentalnymi formami i głębią tła.

Na obrazie „Martwy Chrystus podtrzymywany przez anioły” postacie wyraźnie wyróżniają się na oświetlonym, jasnym tle, na którym słabo widoczna jest Mesyna, rodzinne miasto artysty. Ikonografia i emocjonalne podejście do tematu kojarzone są z twórczością Giovanniego Belliniego.

Obrazy, które namalował w Wenecji, należą do najlepszych. „Ukrzyżowania” (1475, Antwerpia) mówią o holenderskim wykształceniu artysty.

W latach siedemdziesiątych XIV wieku portrety zaczęły zajmować znaczące miejsce w twórczości („Młody człowiek”, ok. 1470; „Autoportret”, ok. 1473; „Portret mężczyzny”, 1475 itd.), naznaczone cechami sztuki holenderskiej: ciemne, neutralne tło, dokładne odwzorowanie mimiki modelki. Jego sztuka portretowa pozostawiła głęboki ślad w malarstwie weneckim końca XV wieku. - początek XVI wieku

Zmarł w Mesynie w 1479 r.

Twórczość Antonello da Messina jest przykładem tego, jak w malarstwie włoskim od około 1470 roku nowe formy portretu rozprzestrzeniały się w różnych ośrodkach niemal jednocześnie, czasem niezależnie od siebie, a często dzięki nawiązaniu kontaktów pomiędzy szkołami artystycznymi a determinacją rolę kilku czołowych mistrzów. Tym samym równolegle z Mantegną w latach 70. XIV w. na odległych obrzeżach Sycylii wyłonił się kolejny znaczący mistrz portretu, Antonello da Messina, który stworzył szereg prac będących przykładami portretu popiersia w trzech czwartych, który przez dziesięciolecia wyznaczał główny ścieżkę rozwoju portretu weneckiego (dodatkowo podbił Wenecjan, ucząc ich malowania farbami olejnymi). Jest, w ścisłym tego słowa znaczeniu, pierwszym włoskim mistrzem portretu sztalugowego. Nigdy nie malował fresków z ukrytymi portretami ani darczyńcami w obrazach ołtarzowych. Zachowało się około 10 jego wiarygodnych portretów, zajmuje on jednak bardzo ważne miejsce w rozwoju portretu sztalugowego wczesnego renesansu.

Wszystkie jego zachowane dzieła pochodzą z okresu dojrzałości (Sycylia i Wenecja, 1465-76). Stosuje jedną ustaloną formułę kompozycji portretu, nie zmieniając jej w przyszłości, a co więcej, nie zmieniając ideału, z którym porównywany jest żywy model. Opierał się bowiem na długoletniej tradycji portretu holenderskiego, którą bezpośrednio odniósł do włoskiego rozumienia obrazu osoby. Najprawdopodobniej pojawienie się w jego twórczości portretu sztalugowego ma bezpośredni związek z jego żarliwą pasją do malarstwa holenderskiego. Narodziny gatunku portretu w jego twórczości również bezpośrednio zbiegły się z okresem aktywnego zapoznania się z formami i ideałami renesansu. Antonello skupia się na najbardziej zaawansowanym kierunku tego okresu - twórczości Jana van Eycka, zapożyczając od niego kompozycję, technikę i kolor. Być może pojechał do Holandii.

Z twórczości Eykowa wybiera najbardziej lakoniczne i plastyczne rozwiązanie kompozycji - jednocześnie najbardziej emocjonalne. Antonello zawsze maluje modelkę do biustu, z parapetem, zawsze w nakryciu głowy i patrząc bezpośrednio na widza. Nie maluje rąk i nie przedstawia akcesoriów. Dzięki parapetowi na pierwszym planie i ramie perspektywicznej nieco cofnięte w głębi popiersie portretowe nabiera przestrzenności. Widok z dołu nadaje obrazowi nutę monumentalności. Na „kamiennym” parapecie zawsze znajduje się zmięta kartka papieru „przymocowana” kroplą laku, z napisem „Antonello Messinets napisał do mnie” i datą. Iluzja trójwymiarowości jest wzmocniona przez miękkie środowisko świetlne. Twarz zwrócona w stronę padającego z lewej strony światła, subtelnie modelowana jest przez przezroczyste cienie, które stopniowo zagęszczają się w kierunku krawędzi obrazu i stają się całkowicie nieprzeniknione w tle. Najbliższą w Holandii analogią do jego portretów jest portret nieznanego mężczyzny w czerwonym turbanie. Antonello i van Eyck są podobni nie tylko kompozycją, ale także malarstwem, głębokimi i kolorowymi tonami, które uzyskuje się za pomocą cienkich przezroczystych warstw oleju; prześwietlenia rentgenowskie pokazują, że ich prace są identyczne pod względem technicznym. Ale sposób konstruowania formy obrazowej zastosowany przez Antonello ma również swoją specyfikę. Jego rysunek jest celowo zaokrąglony i uproszczony, w odróżnieniu od Holendrów nie bada różnic, lecz uogólnia. Szczegóły są nieliczne, portrety przypominają okrągłą rzeźbę, która sprawia wrażenie namalowanej – kształty twarzy są stereometryczne.

To jest część artykułu w Wikipedii używanego na licencji CC-BY-SA. Pełny tekst artykułu tutaj →

W okresie wczesnego renesansu reprezentował południową szkołę malarstwa. Był nauczycielem Girolamo Alibrandiego, zwanego Rafaelem z Messyny. Aby osiągnąć głębię koloru w ostrych portretach i obrazach poetyckich, posługiwał się techniką malarstwa olejnego. W artykule zwrócimy uwagę na krótką biografię artysty i bardziej szczegółowo omówimy jego twórczość.

Przedstawiciel nowego kierunku

Wiele informacji o życiu Antonello da Messina jest kontrowersyjnych, wątpliwych lub zagubionych. Ale jest całkiem oczywiste, że to on zademonstrował weneckim artystom świetliste możliwości malarstwa olejnego. W ten sposób Włoch położył podwaliny pod jeden z kluczowych nurtów w sztuce zachodnioeuropejskiej. Wzorem wielu innych artystów tamtych czasów Antonello połączył holenderską tradycję optycznie dokładnego odtwarzania szczegółów obrazu z malarskimi innowacjami Włochów.

Historycy znaleźli wzmiankę, że w 1456 roku bohater tego artykułu miał ucznia. Oznacza to, że najprawdopodobniej malarz urodził się przed 1430 rokiem. Pierwszym nauczycielem Antonello da Messina, którego twórczość zostanie opisana poniżej, był neopolitańczyk Colantonio. Fakt ten potwierdza przekaz G. Vasariego. Właśnie w tym czasie Neapol znajdował się pod kulturowymi wpływami Półwyspu Iberyjskiego, Holandii i Francji, a nie północnych Włoch i Toskanii. Pod wpływem twórczości Van Eycka i jego zwolenników zainteresowanie malarstwem rosło z dnia na dzień. Krążyły pogłoski, że bohater tego artykułu nauczył się od niego techniki malarstwa olejnego.

Mistrz portretu

Antonello da Messina był z urodzenia Włochem, ale jego edukacja artystyczna była w dużej mierze związana z tradycjami malarskimi północnej Europy. Znakomicie malował portrety, które stanowią prawie trzydzieści procent jego zachowanych dzieł. Antonello zazwyczaj przedstawiał modela od klatki piersiowej w górę i w zbliżeniu. W tym przypadku ramiona i głowę umieszczono na ciemnym tle. Czasami na pierwszym planie artysta malował parapet, do którego przyczepiono kartellino (małą kartkę papieru z napisem). Iluzjonistyczna precyzja i jakość graficzna odwzorowania tych szczegółów wskazują, że są one pochodzenia holenderskiego.

„Portret męski”

Obraz ten został namalowany przez Antonello da Messina w latach 1474-1475. jest jednym z jego najlepszych dzieł. Paleta mistrza ogranicza się do bogatego brązu, czerni i pojedynczych pociągnięć ciała i bieli. Wyjątkiem jest czerwona czapka, uzupełniona wystającym ciemnoczerwonym paskiem spodni. Wewnętrzny świat narysowanego modelu praktycznie nie jest ujawniony. Ale twarz promieniuje inteligencją i energią. Antonello modelował to bardzo subtelnie za pomocą światłocienia. Ostre przedstawienie rysów twarzy w połączeniu z grą świateł nadaje pracom Antonello niemal rzeźbiarską ekspresję.

"To jest facet"

Portrety Włocha przyciągają widza błyszczącą, błyszczącą powierzchnią i intymną formą. A kiedy Messyna przenosi te cechy na malarstwo religijne (obraz „To jest człowiek”), widok ludzkiego cierpienia staje się niezwykle bolesny.

Ze łzami na twarzy i sznurem na szyi nagi Chrystus patrzy na widza. Jego postać wypełnia niemal całe pole płótna. Interpretacja fabuły odbiega nieco od tematu ikonograficznego. Włoch starał się jak najbardziej realistycznie oddać psychologiczny i fizyczny obraz Chrystusa. To właśnie sprawia, że ​​widz skupia się na znaczeniu cierpienia Jezusa.

„Maria Annunziata” Antonello da Messina

Praca ta, w odróżnieniu od obrazu „This is a Man”, ma zupełnie inny nastrój. Ale wymaga to także wewnętrznego doświadczenia i emocjonalnego udziału widza. Jeśli chodzi o „Marię Annunziatę”, Antonello zdaje się umieszczać widza w miejscu archanioła w przestrzeni. Daje to poczucie mentalnego uczestnictwa. Dziewica Maryja, siedząca za pulpitem nutowym, lewą ręką trzyma narzucony na siebie niebieski koc, a drugą rękę podnosi. Kobieta jest całkowicie spokojna i zamyślona, ​​jej równomiernie oświetlona, ​​rzeźbiona głowa zdaje się promieniować światłem na ciemnym tle obrazu.

„Maria Annunziata” nie jest jedynym sięgającym popiersia portretem kobiety namalowanym przez Antonello da Messinę. „Zwiastowanie” to nazwa innego podobnego płótna malarza, które przedstawia tę samą Dziewicę Maryję, tyle że w innej pozie: trzyma ona obiema rękami niebieski welon.

W obu starał się wyrazić poczucie duchowego związku kobiety z siłami wyższymi. Jej wyraz twarzy, postawa rąk i głowy, a także spojrzenie mówią widzowi, że Maryja jest teraz daleko od świata śmiertelników. A czarne tło obrazów tylko podkreśla dystans Matki Bożej.

„Św. Hieronim w swojej celi”

W omówionych powyżej obrazach nie ma nawet minimalnego zainteresowania problematyką przekazania otaczającej przestrzeni. Ale w innych pracach malarz znacznie wyprzedził swój czas pod tym względem. Na obrazie „Św. Hieronim w celi” przedstawia świętego czytającego przy pulpicie muzycznym. Jego biuro mieści się w gotyckiej sali, w której tylnej ścianie znajdują się okna wycięte na dwie kondygnacje. Na pierwszym planie obraz jest otoczony ramką i łukiem. Postrzegane są jako proscenium (technika powszechna w sztuce krajów położonych na północ od Alp). Musztardowy kolor kamienia podkreśla kontrast cienia i światła wewnątrz przypominającej jaskinię przestrzeni. Szczegóły obrazu (krajobraz w oddali, ptaki, przedmioty na półkach) są oddane z bardzo dużą dokładnością. Efekt ten można osiągnąć jedynie nakładając farbę olejną dość małymi pociągnięciami. Jednak najważniejszą zaletą malarstwa da Messiny nie jest rzetelne oddanie szczegółów, ale stylistyczna jedność powietrza i światła.

Monumentalny ołtarz

W latach 1475-1476 artysta mieszkał w Wenecji. Tam namalował wspaniały ołtarz dla kościoła San Cassiano. Niestety do dziś przetrwała jedynie jego środkowa część, na której przedstawiona jest górująca na tronie Madonna z Dzieciątkiem. Po obu jej stronach stoją święci. Ołtarz ten należy do typu sacra konwersji. Oznacza to, że święci znajdują się w tej samej przestrzeni. A to jest przeciwieństwo formy do poliptyku podzielonego na części. Rekonstrukcję monumentalnego ołtarza oparto na późniejszych pracach Giovanniego Belliniego.

„Pieta” i „Ukrzyżowanie”

Malarstwo olejne Antonello, a dokładniej umiejętność przekazywania światła tą techniką, zostało bardzo wysoko ocenione przez jego kolegów-artystów. Od tego momentu koloryzm wenecki opierał się wyłącznie na rozwijaniu wielkiego potencjału nowego kierunku. Prace Da Messiny z okresu weneckiego wpisują się w ten sam nurt konceptualny, co jego wcześniejsze dzieła. Mocno zniszczona Pieta, nawet w stanie zniszczonym, napełnia widza intensywnym poczuciem współczucia. Na pokrywie grobowca zwłoki Chrystusa trzymają trzej aniołowie ze spiczastymi skrzydłami przecinającymi powietrze. Artysta przedstawił w zbliżeniu centralną postać.

Jest jakby dociśnięty do powierzchni płótna. Empatię dla ukazanego cierpienia osiągnął Antonello da Messina stosując powyższą technikę. „Ukrzyżowanie” to kolejny obraz malarza. Tematycznie nawiązuje do Piety. Płótno przedstawia Jezusa ukrzyżowanego na krzyżu. Po jego prawej stronie siedzi Maryja, a po lewej stronie apostoł Jan. Podobnie jak Pieta, obraz ma na celu wzbudzenie w widzu empatii.

„Święty Sebastian”

Obraz ten jest przykładem rywalizacji Antonello w przedstawieniu heroicznej nagości i opanowaniu perspektywy linearnej ze swoimi kolegami z północnych Włoch. Na tle brukowanego placu ciało świętego przebite strzałami nabiera ogromnych rozmiarów. Schodząca w głąb przestrzeń, na pierwszym planie fragment kolumny oraz perspektywa z bardzo niskim punktem zbiegu wskazują, że malarz przy konstruowaniu kompozycji posłużył się zasadami geometrii euklidesowej.

• Antonello da Messina, którego obrazy opisano powyżej, przedstawiał swoich bohaterów zwykle na wysokości piersi, w zbliżeniu i na ciemnym tle.
• Według G. Vasariego Włoch udał się do Holandii, aby poznać tajemnicę nowej techniki malarskiej. Jednakże fakt ten nie został udowodniony.
• Nie udało się jeszcze wiarygodnie ustalić, kto uczył bohatera tego artykułu malarstwa olejnego. Według plotek był to Van Eyck.

Informacje biograficzne o Antonello da Messinie są skąpe – głównie wzmianki o nazwisku mistrza w różnych dokumentach nie pozwalają na odtworzenie jego twórczej biografii. Pochodzący z Sycylii, być może studiował w Neapolu, ale znaczną część swojego życia spędził w rodzinnym mieście. W latach 1474-1475 pracował w Wenecji, gdzie wykonał szereg zamówień. Formacja twórcza Antonello da Messina odbywała się w znacznie mniej sprzyjającym środowisku niż jego rówieśnicy pracujący w środkowych i północnych Włoszech. Ani w Neapolu, ani tym bardziej na Sycylii nie istniała żadna znacząca szkoła malarstwa. Ale jednocześnie Sycylia i południowe Włochy były bogate w zabytki starożytności, sycylijskie kościoły zdobiono bizantyjskimi mozaikami, w Neapolu w XIV i XV wieku pracowali wybitni rzeźbiarze szkoły toskańskiej, a znane były obrazy mistrzów holenderskich. Wreszcie tutaj, na dworze neapolitańskiego króla Alfonsa Aragońskiego, zgromadził się krąg wybitnych włoskich humanistów. Prace Antonello da Messina wskazują, że znał on twórczość mistrzów holenderskich, od których przejął technikę malowania farbami olejnymi. Jego dorobek twórczy jest stosunkowo niewielki i sięga głównie lat 70. XIV w., choć w poprzedniej dekadzie artysta dużo pracował. Niestety część jego utworów dotarła do nas w bardzo złym stanie. Ale jednocześnie Antonello da Messina jawi się jako jeden z największych mistrzów wczesnego renesansu. W jego twórczości wyraźnie pojawiają się „akcenty północne”, co świadczy o znajomości twórczości mistrzów holenderskich. Cechuje go dość nietypowa jak na włoskich mistrzów dbałość o świat „drobnych rzeczy”; Nie tylko meble, ale nawet rzucane przez nie cienie zyskują niezależne życie. Uwielbia iluzje optyczne – artysta często składa swój podpis na przykład na umiejętnie zapisanych, zmiętych kartkach papieru o zakrzywionych rogach, rzekomo przyklejonych do parapetów. Wreszcie, podążając za północnymi mistrzami, otwiera życie światła słonecznego, przesuwając się, stopniowo słabnąc, w głąb pomieszczeń, wyraźnie odsłaniając kształt przedmiotów, lekko świecących na ich powierzchni. Jednocześnie Antonello da Messina patrzy na świat oczami mistrza włoskiego renesansu, który w swoim pstrokatym obrazie widzi jasny, rozsądny i harmonijny początek.

Do jego najwybitniejszych dzieł zalicza się w pewnym stopniu programowe dzieło Antonello da Messina – niewielka (46 x 36,5 cm) kompozycja „Św. Hieronim w celi” (Londyn, National Gallery, ok. 1474). Jest pełen powagi i harmonijnej równowagi. Ogromny łukowy portal okalający rozległą przestrzeń wnętrza kościoła, gdzie lew spokojnie przechadza się po portyku schodząc w głąb głębiny, podkreśla majestatyczną powagę pozy św. Hieronima, siedzącego w swojej dziwnej celi wbudowanej we wnętrze kościoła, jak na scenie teatralnej. Jednocześnie w tym majestatycznym spektaklu, który się przed nami otwiera, mikro i makro światy jawią się w przedziwnej jedności. Kolosalny portal zamienia się w mały otwór, w dolnej części którego spacerują przepiórka i paw; Maleńkie okienka w głębi świątyni ukazują rozległe panoramy krajobrazu zalane srebrzystym światłem. Tę organiczną jedność świata, majestatyczną powagę ogólnego rozwiązania kompozycji i znaków życia codziennego dopełnia złożone życie światła, które zdaje się wpadać z zewnątrz, przez łukowaty otwór, oświetlając postać św. Hieronima, a jednocześnie wylewa się z okien w głębiny, rozlewając się jak srebrny strumień po mozaikowej posadzce naw bocznych i podkreślając łuki prawej nawy z kroczącym po niej lwem.

Do najważniejszych dzieł Antonello da Messina należy „Święty Sebastian” (ok. 1475, Drezno, Galeria Obrazów), powstały podczas jego pobytu w Wenecji i stanowiący lewą stronę niezachowanego ołtarza weneckiego kościoła San Giuliano. To jedno z najbardziej harmonijnych dzieł Antonello. Włoscy artyści XV wieku zazwyczaj interpretowali wizerunek św. Sebastiana w sposób dramatyczny, przedstawiając jego męczeństwo. W Antonello da Messina nagie ciało młodzieńca również przebijają strzały, jednak w wyrazie jego pięknej twarzy z oczami wzniesionymi do nieba i półotwartymi ustami pojawia się jedynie lekki cień cierpienia. Bohater Antonello jest spokojny i piękny, pełen życia i pojawia się przed nami w całkowitej harmonii ze światem, na tle którego jest przedstawiany - schodzącymi w głąb budynkami, których ściany zdają się pochłaniać ciepłe światło słoneczne, łącząc je łukami, których kontury nawiązują do gładkie kontury postaci świętego Piękna panorama ulicy miejskiej, schodzącej w głąb, emanuje spokojem: wędrowiec spokojnie drzemie, młodzi mężczyźni cicho rozmawiają przy arkadzie, a w tle spacerują mieszczanie, kobiety, które wywiesiły dywany na zewnątrz, patrzą w dół w zamyśleniu. Te sztafaże, malowane lekkimi, swobodnymi kresami, nie mają charakteru ilustracyjnego, w naturalny sposób wpisują się w harmonijną strukturę malarstwa Antonello. Barwna gama obrazu, zbudowana na połączeniu błękitu nieba i jasnych, złocistych tonów nagiego ciała młodego mężczyzny, budynków i płytek chodnikowych, zdaje się emanować ciepłem światła słonecznego.

Chęć większego uogólnienia form niż w obrazach poprzedzających św. Sebastiana często kojarzona jest ze znajomością Antonello z twórczością Piera della Francesca, którą mógł zobaczyć w drodze do Wenecji. Tak czy inaczej, styl Antonello da Messina w Wenecji znacząco się zmienia. Staje się bardziej uogólniona, formy są delikatnie zaokrąglone, kontury zyskują szerokość i gładkość, obrazy zyskują pełnię życia i spokojną wielkość. To „Madonna z Dzieciątkiem” (1475-1476, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum) – jeden z zachowanych fragmentów dużego ołtarza namalowanego przez artystę dla weneckiego kościoła San Casiano, skradzionego z kościoła w XVII wieku i barbarzyńsko pociąć na kawałki. Monumentalną ogólnością stylu i pełnią życia wyróżnia niewielka kompozycja „Madonna Annunziata” (ok. 1475, Palermo, Galeria Narodowa Sycylii), wykonana najwyraźniej w Wenecji i przywieziona przez artystę do ojczyzny.

Osobnym rozdziałem w twórczości Antonello da Messina jest stworzona przez niego galeria portretów. Jako portrecista zajmuje czołowe miejsce wśród artystów włoskich XV wieku i może konkurować jedynie z mistrzami holenderskimi. Z jego nazwiskiem wiąże się nie więcej niż dwadzieścia portretów, tożsamość niektórych z nich według pędzla pozostaje kontrowersyjna. Większość tych portretów powstała w latach 1475-1476 w Wenecji, o czym świadczą daty umieszczone na niektórych z nich przez artystę. Kompozycyjnie rozwiązuje się je w ten sam sposób – są to małe (mniejsze od naturalnej wielkości) obrazy sięgające popiersia na ciemnym tle; twarz i ramiona modelki podane są w obrocie o trzy czwarte w prawo. Ten typ portretu najwyraźniej zapożyczył Antonello da Messina od mistrzów holenderskich. Antonello był urodzonym portrecistą, potrafiącym uchwycić w rysach twarzy swojego modela coś, co jedynie w przybliżeniu oddaje słowny opis jego portretów – odzwierciedlenie wyjątkowej osobowości. Pojawia się w wyraźnej, spokojnej twarzy młodzieńca w czerwonej szacie („Portret młodzieńca”, 1474, Berlin, Muzea Państwowe) oraz w tzw. „Portrecie Trivulzio”, 1476, Turyn, Palazzo Madama Muzeum). Twórczość Antonello da Messina, który odcisnął piętno na sztuce włoskiej XV wieku, wywarła ogromny wpływ na mistrzów szkoły weneckiej, w szczególności na Giovanniego Belliniego.

Irina Smirnova