Sztuka od kilku stuleci uznawana jest za jeden z najcenniejszych dóbr kultury ludzkiej. Obrazy znanych artystów stają się skarbami państwowymi, nad którymi bacznie czuwają tysiące specjalistów, a kosztują setki milionów dolarów. W naszym kraju sztukę ceni się znacznie mniej, ale chyba każdy zna poniższe najsłynniejsze obrazy rosyjskich artystów. Każdy wykształcony człowiek powinien o nich wiedzieć.
Ukazanie się Chrystusa ludziomAleksander Iwanow
„Pojawienie się Chrystusa ludziom” odpowiednio otwiera szczyt najsłynniejszych obrazów rosyjskich artystów. Rosyjski artysta Aleksander Iwanow zasłynął z obrazu „Pojawienie się Chrystusa ludziom”, który malował przez całe dwadzieścia lat. Rozmiar obrazu jest niesamowity, podobnie jak jego szczegółowość. Autor inspirował się oczywiście opowieściami biblijnymi i nie była to pierwsza praca artysty o tematyce religijnej – Iwanow wiedział, co wszystkim się podoba na pierwszym obrazie, i ucieleśniał to ponownie – po raz ostatni. Obraz został nazwany przez współczesnych nie tylko niesamowitym, ale najważniejszym wydarzeniem w ich życiu. Jak na ironię, tego samego dnia zmarł sam Iwanow, a car kupił obraz zaraz po śmierci autora.
Wasilij Pukirew
Za niezwykle głęboki obraz Wasilija Pukirewa uważany jest jeden z najsłynniejszych obrazów rosyjskich artystów. Pukirev to niezwykły wieśniak, który zasłynął tylko z jednego obrazu - wszystkie inne dzieła autora zostały zapomniane. Dlaczego „nierówne małżeństwo”? Zdjęcie opisuje fabułę z życia samego Pukirewa - jest on nawet przedstawiony na samym zdjęciu. Młody Pukirew stoi w tle ze skrzyżowanymi ramionami i nie może nic zrobić, bo jego narzeczona wychodzi za mąż za starego generała. Sam Kostomarow, obejrzawszy płótno, poślubił młodą dziewczynę.
Przybyły Wieże Aleksiej Sawrasow
„Przybyły gawrony”- najsłynniejszy obraz rosyjskiego artysty Aleksieja Savrasowa. Obraz zyskał popularność już podczas pierwszej wystawy, gdzie doceniono go za realizm i szczerość. „Takie krajobrazy są tylko w Rooks” – mówili o obrazie Savrasova. Co ciekawe, widoczny w tle kościół istnieje i w niezmienionej formie istnieje do dziś. W tej samej wiosce słynny Susanin dokonał swojego wyczynu.
Myśliwi w spoczynku Wasilij Perow
Autor obrazu „Myśliwi w odwrocie” to słynny autor Wasilij Grigoriewicz Perow. Teraz wszyscy znają ten jeden z najsłynniejszych obrazów rosyjskich artystów, aw XIX wieku wielu uważało go za nieudany. Byli i tacy, którzy podziwiali twórczość Perowa. Przede wszystkim wielki klasyk Dostojewski podziwiał to dzieło. Niektórzy krytykowali obraz ze względu na nierzetelność, ponieważ Perow malował myśliwych od swoich przyjaciół, którzy nie byli zaznajomieni z tego rodzaju zawodem.
Trzej Bogatyrzy Wiktor Wasniecow
Wiktor Wasniecow stworzył jeden z najsłynniejszych obrazów wśród rosyjskich autorów - „Trzej bohaterowie”. Wasnetsow powiedział, że zainspirowały go grube dęby - był zdumiony ich mocą, a bohaterowie pojawili się mu nieco później we śnie. Obraz przedstawia znane postacie z rosyjskich opowieści ludowych. W samym centrum przedstawiony jest Ilja Muromiec, w którego dłoni trzyma włócznię, po lewej stronie Dobrynya Nikitich dobywający miecz, a po prawej Alosza Popowicz z łukiem i strzałami. Wiadomo, że artysta namalował Aloszę od syna Mamontowa, w którego majątku wisiał obraz. A pozostali bohaterowie są podobni do członków rodziny samego Wasnetsowa.
dziewczyna z brzoskwiniami Walenty Sierow
Walentin Aleksandrowicz Sierow, w przeciwieństwie do poprzednich autorów, po malowaniu "Brzoskwiniowa dziewczyna", stał się jednym z najważniejszych artystów w imperium. Obraz tak zaimponował publiczności, a nawet rodzinie królewskiej, że zwrócili się do autora z zamówieniem na kilka kolejnych obrazów, które miały zdobić pałace królewskie. „Dziewczyna z brzoskwiniami” zasłużenie wchodzi na szczyt najsłynniejszych obrazów rosyjskich artystów ze względu na radość, jaką promieniuje dziewczyna. Krytycy nazywają obraz „żywym”. Ale wyobraźcie sobie, jak to było z dziewczyną, która musiała pozować dla Sierowa, a nie tylko on ucieleśniał tę młodą damę na swoich płótnach.
Przewoźnicy barek na Wołdze Ilia Efimowicz
Ilya Efimovich – pochodzący z Ukrainy, jako dziecko nigdy nie widział dużych statków, barek, a tym bardziej Wołgi. Po raz pierwszy Efimowicz zobaczył przewoźników barek na Newie, gdzie ułożył fabułę przyszłego arcydzieła. Teraz „Przewoźnicy barek na Wołdze” jeden z najbardziej odkrywczych obrazów rosyjskich artystów, który zasłużenie trafia do pierwszej dziesiątki. Obraz był wielokrotnie opisywany przez wielkie postaci literackie, w tym samego Dostojewskiego. Na namalowanie obrazu „Przewoźnicy barek na Wołdze” autor potrzebował na podróż zaledwie 200 rubli. Następnie został sprzedany za jedyne 3000 rubli wielkiemu księciu rosyjskiemu Władimirowi Aleksandrowiczowi. Teraz obraz jest dziedzictwem kultury rosyjskiej i nie można oszacować jego wartości.
Bojar Morozowa Wasilij Surikow
„Bojar Morozowa” Rosyjski artysta Wasilij Surikow jest jednym z najważniejszych eksponatów Galerii Trietiakowskiej i jednym z najsłynniejszych obrazów rosyjskich artystów. Obraz jest duży i zwiedzający są zdumieni szczegółowością życia na tak dużym płótnie. Galeria Trietiakowska kupiła obraz za jedyne 25 000 rubli – to oczywiście dużo pieniędzy jak na XIX wiek, ale obecnie jego wartości nie można przecenić. Co ciekawe, zakup obrazu był dla galerii ryzykiem, gdyż większość nie przyjęła płótna.
Nieznajomy Iwan Kramskoj
Drugi najsłynniejszy obraz rosyjskich artystów jest słusznie zagadkowy "Nieznajomy" Iwan Kramskoj. Małe płótno przedstawia młodą kobietę ubraną w najdroższe i najmodniejsze stroje końca XIX wieku. Ktoś twierdzi, że zdjęcie przedstawia Annę Kareninę, a niektórzy nawet uważają, że „Nieznajomy” przynosi wielkie nieszczęście każdemu, kto spojrzy w jej oczy. „Nieznany” to najsłynniejszy obraz ze wszystkich dzieł Kramskoja, a świat wciąż nie wie, od kogo artysta namalował obraz. Sam autor nic nie wspomniał.
Ranek w sosnowym lesie Iwan Szyszkin
„Poranek w sosnowym lesie”. Iwan Szyszkin, artysta, który w akademii odpowiedział, że będzie malarzem pejzażu, namalował słynny obraz „Poranek w sosnowym lesie”. Nawet małe dzieci wiedzą o płótnie, chociaż nazywają je „niedźwiedziami”, ponieważ są przedstawiane na czekoladkach o tej samej nazwie. Wśród artystów rosyjskich najbardziej rozpoznawalnym i często krytykowanym za brak realizmu jest „Poranek w sosnowym lesie” Szyszkina. Najbardziej irytujący narzekają, że jest dokładnie trzy młode, bo niedźwiedzica rzadko ma takie potomstwo. Obraz zyskał popularność dzięki bajecznie pięknemu leśnemu pejzażowi z dodatkiem fabuły zwierzęcej, czyli rodziny niedźwiedziej.
Dziś przedstawiamy Państwu dwadzieścia obrazów godnych uwagi i uznania. Obrazy te namalowali znani artyści i powinien je znać nie tylko osoba zajmująca się sztuką, ale także zwykli śmiertelnicy, ponieważ sztuka maluje nasze życie, estetyka pogłębia nasze spojrzenie na świat. Daj sztuce należne miejsce w swoim życiu...
1. „Ostatnia wieczerza”. Leonardo Da Vinci, 1495-1498
Monumentalny obraz Leonarda da Vinci przedstawiający scenę ostatniego posiłku Chrystusa z uczniami. Powstał w latach 1495-1498 w klasztorze dominikanów Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.
Obraz został zamówiony przez Leonarda u jego patrona, księcia Lodovico Sforzy i jego żony Beatrice d'Este. W lunetach nad obrazem namalowany jest herb Sforzy, utworzony przez strop z trzema łukami. Malowanie rozpoczęto w 1495 r., a ukończono w 1498 r.; praca była przerywana. Data rozpoczęcia prac nie jest dokładna, gdyż „zniszczeniu uległo archiwum klasztorne, a niewielka część dokumentów, którą mamy datowaną na rok 1497, kiedy obraz był już prawie ukończony”.
Obraz stał się kamieniem milowym w historii renesansu: poprawnie odwzorowana głębia perspektywy zmieniła kierunek rozwoju malarstwa zachodniego.
Uważa się, że na tym obrazie kryje się wiele tajemnic i wskazówek - na przykład zakłada się, że obrazy Jezusa i Judasza są spisane od jednej osoby. Kiedy Da Vinci malował ten obraz, w swojej wizji Jezus uosabiał dobroć, podczas gdy Judasz był czystym złem. A kiedy mistrz odnalazł „swojego Judasza” (pijaka z ulicy), okazało się, że według historyków pijak ten kilka lat wcześniej posłużył za prototyp do namalowania wizerunku Jezusa. Można zatem powiedzieć, że to zdjęcie uchwyciło osobę w różnych okresach jego życia.
2. „Słoneczniki”. Vincenta van Gogha, 1887
Nazwa dwóch cykli obrazów holenderskiego artysty Vincenta van Gogha. Pierwsza seria powstała w Paryżu w 1887 roku. Poświęcony jest kwiatom leżącym. Druga seria została ukończona rok później w Arles. Przedstawia bukiet słoneczników w wazonie. Dwa paryskie obrazy nabył przyjaciel van Gogha, Paul Gauguin.
Artysta namalował słoneczniki jedenaście razy. Pierwsze cztery obrazy powstały w Paryżu w sierpniu-wrześniu 1887 roku. Duże cięte kwiaty leżą jak jakieś dziwne stworzenia umierające na naszych oczach.
3. „Dziewiąta fala”. Iwan Konstantynowicz Aiwazowski?, 1850.
W Muzeum Rosyjskim przechowywany jest jeden z najsłynniejszych obrazów rosyjskiego malarza morskiego Iwana Aiwazowskiego.
Malarz przedstawia morze po najsilniejszej nocnej burzy i ludzi, którzy rozbili się na statku. Promienie słońca oświetlają ogromne fale. Największy z nich – dziewiąty szyb – gotowy jest zawalić się na ludzi próbujących uciec na wraku masztu.
Pomimo tego, że statek zostaje zniszczony i pozostaje tylko maszt, ludzie na maszcie żyją i nadal walczą z żywiołami. Ciepłe odcienie obrazu sprawiają, że morze nie jest tak surowe i dają widzowi nadzieję na uratowanie ludzi.
Powstały w 1850 roku obraz „Dziewiąta fala” natychmiast stał się najsłynniejszym ze wszystkich jego przystani i został zakupiony przez Mikołaja I.
4. „Naga Maja”. Francisco Goya, 1797-1800
Obraz hiszpańskiego artysty Francisco Goyi, namalowany około 1797-1800. Pasuje do obrazu "Maja ubrana" (La maja westida). Obrazy przedstawiają Maję - hiszpańską mieszczankę z XVIII-XIX w., jeden z ulubionych obiektów obrazu artysty. Akt Maji to jedno z wczesnych dzieł sztuki zachodniej, przedstawiające zupełnie nagą kobietę, pozbawione konotacji mitologicznych i negatywnych.
5. „Lot kochanków”. Marca Chagalla, 1914-1918
Prace nad obrazem „Nad miastem” rozpoczęły się w 1914 r., a prace wykończeniowe mistrz wykonał dopiero w 1918 r. W tym czasie Bella z ukochanej stała się nie tylko uwielbianą małżonką, ale także matką ich córki Idy, stając się na zawsze główną muzą malarza. Związek bogatej córki dziedzicznego jubilera i prostego żydowskiego młodzieńca, którego ojciec utrzymywał się z wyładunku śledzi, można nazwać jedynie mezaliansem, ale miłość była silniejsza i przezwyciężyła wszelkie konwencje. To właśnie ta miłość ich zainspirowała, unosząc ich do nieba.
Karina przedstawia dwie miłości Chagalla naraz - Bellę i drogi Witebsk. Ulice przedstawione są w formie domów oddzielonych wysokim, ciemnym płotem. Widz nie od razu dostrzeże pasącą się na lewo od środka obrazu kozę, a na pierwszym planie prostego mężczyznę ze spuszczonymi spodniami – humor malarza, wyrywający się z ogólnego kontekstu i romantycznego nastroju dzieła, ale to jest cały Chagall...
6. „Oblicze wojny”. Salvadora Dali, 1940
Obraz hiszpańskiego artysty Salvadora Dali, namalowany w 1940 roku.
Obraz powstał w drodze do USA. Pod wrażeniem tragedii, jaka rozegrała się na świecie, krwiożerczości polityków, kapitan rozpoczyna pracę na statku. Znajduje się w Muzeum Boijmans-van Beuningen w Rotterdamie.
Straciwszy wszelką nadzieję na normalne życie w Europie, artysta opuszcza ukochany Paryż i udaje się do Ameryki. Wojna ogarnia Stary Świat i ma na celu przejęcie reszty świata. Mistrz jeszcze nie wie, że ośmioletni pobyt w Nowym Świecie uczyni go prawdziwą sławą, a jego dzieła – arcydziełami sztuki światowej.
7. „Krzyk”. Edvarda Muncha, 1893
Krzyk (norweski Skrik) to seria obrazów powstałych w latach 1893–1910 przez norweskiego malarza ekspresjonistę Edvarda Muncha. Przedstawiają krzyczącą z rozpaczy postać ludzką na tle krwistoczerwonego nieba i mocno uogólnionego tła krajobrazowego. W 1895 roku Munch stworzył litografię na ten sam temat.
Czerwone, ogniście gorące niebo pokryło zimny fiord, co z kolei daje fantastyczny cień, przypominający jakiegoś potwora morskiego. Napięcie zniekształca przestrzeń, linie się załamują, kolory nie pasują, perspektywa zostaje zniszczona.
Wielu krytyków uważa, że fabuła obrazu jest owocem chorej fantazji osoby chorej psychicznie. Ktoś widzi w dziele zapowiedź katastrofy ekologicznej, ktoś rozwiązuje pytanie, jaka mumia zainspirowała autora do wykonania tej pracy.
8. „Dziewczyna z perłą”. Jana Vermeera, 1665
Obraz „Dziewczyna z perłą” (holenderski „Het meisje met de parel”) powstał około 1665 roku. Obecnie przechowywany w Muzeum Mauritshuis w Hadze w Holandii i jest znakiem rozpoznawczym muzeum. Obraz, nazywany holenderską Mona Lisą lub Mona Lisą Północy, jest napisany w gatunku Tronie.
Dzięki filmowi Petera Webbera „Dziewczyna z perłą” z 2003 roku ogromna liczba osób dalekich od malarstwa poznała wspaniałego holenderskiego artystę Jana Vermeera, a także jego najsłynniejszy obraz „Dziewczyna z perłą”.
9. „Wieża Babel”. Pietera Brueghela, 1563
Słynny obraz Pietera Brueghela. Artysta stworzył co najmniej dwa obrazy o tej tematyce.
Obraz znajduje się w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.
W Biblii jest opowieść o tym, jak mieszkańcy Babilonu próbowali zbudować wysoką wieżę, aby sięgnąć nieba, ale Bóg kazał im mówić różnymi językami, przestali się rozumieć, a wieża pozostała niedokończona.
10. „Algierskie kobiety”. Pabla Picassa, 1955
„Kobiety Algierii” – cykl 15 obrazów stworzonych przez Picassa w latach 1954-1955 na podstawie obrazów Eugene'a Delacroix; obrazy wyróżniają się literami nadanymi przez artystę od A do O. „Wersja O” powstała 14 lutego 1955 roku; przez pewien czas należał do słynnego amerykańskiego kolekcjonera sztuki XX wieku Victora Ganza.
„Kobiety Algieru (wersja O)” Pabla Picassa sprzedano za 180 milionów dolarów.
11. „Nowa planeta”. Konstantin Yuon, 1921
Rosyjski malarz radziecki, mistrz pejzażu, artysta teatralny, teoretyk sztuki. Akademik Akademii Sztuk ZSRR. Artysta Ludowy ZSRR. Laureat Nagrody Stalinowskiej I stopnia. Od 1951 członek KPZR.
Ten niesamowity, stworzony w 1921 roku i wcale nie charakterystyczny dla realistycznego artysty Yuona, obraz „Nowa planeta” jest jednym z najjaśniejszych dzieł, które ucieleśnia obraz zmian, jakie stała się rewolucją październikową w drugiej dekadzie XX wieku. Nowy system, nowy sposób i nowy sposób myślenia nowo narodzonego społeczeństwa radzieckiego. Co teraz czeka ludzkość? Świetlana przyszłość? Wtedy jeszcze o tym nie myślano, ale oczywisty jest fakt, że Rosja Radziecka i cały świat wkraczają w erę zmian, podobnie jak szybkie narodziny nowej planety.
12. „Madonna Sykstyńska”. Rafael Santi, 1754
Obraz Rafaela, znajdujący się od 1754 roku w Galerii Starych Mistrzów w Dreźnie. Należy do powszechnie uznawanych szczytów wysokiego renesansu.
Ogromne formaty (265 × 196 cm, jak wskazano w katalogu Galerii Drezdeńskiej) płótno zostało wykonane przez Rafaela na ołtarz kościoła klasztoru św. Sykstusa w Piacenzy na zlecenie papieża Juliusz II. Istnieje hipoteza, że obraz powstał w latach 1512-1513 na cześć zwycięstwa nad Francuzami, którzy najechali Lombardię podczas wojen włoskich i późniejszego włączenia Piacenzy do Państwa Kościelnego.
13. „Pokutująca Maria Magdalena”. Tycjan (Tiziano Vecellio), namalowany około 1565 roku
Obraz namalowany około 1565 roku przez włoskiego artystę Tycjana Vecellio. Należy do Państwowego Muzeum Ermitażu w Petersburgu. Czasami jako datę powstania podaje się „lata 60. XVI wieku”.
Modelką obrazu była Giulia Festina, która uderzyła artystę burzą złotych włosów. Gotowe płótno zrobiło na księciu Gonzagi ogromne wrażenie, dlatego zdecydował się zamówić jego kopię. Później Tycjan, zmieniając tło i pozę kobiety, namalował jeszcze kilka podobnych dzieł.
14. Mona Lisa. Leonardo Da Vinci, 1503-1505
Portret pani Lisy del Giocondo (wł. Ritratto di Monna Lisa del Giocondo) - obraz Leonarda da Vinci, znajdujący się w Luwrze (Paryż, Francja), jeden z najsłynniejszych obrazów świata, za który uważa się portret Lisy Gherardini, żony handlarza jedwabiem z Florencji, Francesco del Giocondo, malowany około 1503-1505.
Według jednej z proponowanych wersji „Mona Lisa” jest autoportretem artystki.
15. „Poranek w sosnowym lesie”, Szyszkin Iwan Iwanowicz, 1889.
Malarstwo rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. Savitsky namalował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Tretiakow usunął jego podpis, dlatego często jako autora wymieniany jest jeden obraz.
Pomysł na obraz podsunął Szyszkinowi Savitsky, który później był współautorem i przedstawił postacie młodych. Niedźwiedzie te, różniące się postawą i liczbą (początkowo były dwa), pojawiają się na rysunkach przygotowawczych i szkicach. Zwierzęta wyszły tak dobrze Savitsky'emu, że nawet podpisał obraz razem z Shishkinem.
16. „Nie czekaliśmy”. Ilja Repin, 1884–1888
Obraz rosyjskiego artysty Ilji Repina (1844-1930), namalowany w latach 1884-1888. Jest częścią kolekcji Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
Obraz prezentowany na 12. wystawie objazdowej wpisuje się w cykl narracyjny poświęcony losom rosyjskiego populistycznego rewolucjonisty.
17. Bal w Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir, 1876.
Obraz namalowany przez francuskiego artystę Pierre-Auguste Renoira w 1876 roku.
Miejscem, w którym znajduje się obraz jest Musée d'Orsay. Moulin de la Galette to niedroga tawerna na Montmartre, w której gromadzili się studenci i młodzież pracująca Paryża.
18. Gwiaździsta noc. Vincenta van Gogha, 1889
De sterrennacht- obraz holenderskiego artysty Vincenta van Gogha, namalowany w czerwcu 1889 roku, przedstawiający niebo przed świtem nad fikcyjnym miasteczkiem ze wschodniego okna mieszkania artysty w Saint-Remy-de-Provence. Od 1941 roku znajduje się w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku. Uważany jest za jedno z najlepszych dzieł Van Gogha i jedno z najważniejszych dzieł malarstwa zachodniego.
19. „Stworzenie Adama”. Michał Anioł, 1511.
Fresk Michała Anioła, namalowany około 1511 roku. Fresk jest czwartą z dziewięciu centralnych kompozycji na suficie Kaplicy Sykstyńskiej.
Stworzenie Adama to jedna z najwybitniejszych kompozycji ściennych w Kaplicy Sykstyńskiej. W nieskończonej przestrzeni leci Bóg Ojciec, otoczony bezskrzydłymi aniołami, w powiewającej białej tunice. Prawa ręka jest wyciągnięta w stronę dłoni Adama i prawie jej dotyka. Leżąc na zielonej skale, ciało Adama stopniowo zaczyna się poruszać, budzi się do życia. Cała kompozycja skupia się na geście dwóch rąk. Ręka Boga daje impuls, a ręka Adama go odbiera, dając energię życiową całemu ciału. Przez to, że ich ręce się nie stykają, Michał Anioł podkreślił niemożność połączenia tego, co boskie i ludzkie. Według artysty na obrazie Boga nie panuje cudowna zasada, ale gigantyczna energia twórcza. Na obraz Adama Michał Anioł śpiewa o sile i pięknie ludzkiego ciała. Tak naprawdę nie ukazuje się nam samo stworzenie człowieka, ale moment, w którym otrzymuje on duszę, żarliwe poszukiwanie boskości, pragnienie wiedzy.
20. „Pocałunek w gwiaździstym niebie”. Gustaw Klimt, 1905-1907
Obraz austriackiego artysty Gustava Klimta, namalowany w latach 1907-1908. Płótno należy do okresu twórczości Klimta, zwanego „złotym”, ostatniego dzieła autora w jego „złotym okresie”.
Na skale, na skraju kwietnej łąki, w złotej aurze, zakochani stoją całkowicie w sobie zanurzeni, odgrodzeni od całego świata. W związku z niepewnością miejsca wydarzeń wydaje się, że ukazana na zdjęciu para przechodzi w stan kosmiczny, niepodlegający czasowi i przestrzeni, poza wszelkimi stereotypami i kataklizmami historycznymi i społecznymi. Całkowita samotność i odwrócona twarz mężczyzny tylko podkreślają wrażenie izolacji i oderwania w stosunku do obserwatora.
Źródło – Wikipedia, muzei-mira.com, say-hi.me
Kiedy zapytano wielkiego i strasznego Salvadora Dali, czy trudno jest malować, odpowiedział: „Albo jest to łatwe, albo niemożliwe”. Nie sposób sobie wyobrazić, że nazwisko artysty może być komuś nieznane. Jednak podobnie jak imiona Rafaela, da Vinci, Botticellego, Van Gogha, Picassa. W końcu Sierow, Wasniecow i Malewicz… Ale nawet jeśli tak się stanie, nie jesteś krytykiem sztuki, nie artystą, a w ogóle osobą z dala od świata sztuki. Ale ich praca jest ci znana!
Każdy z nas przynajmniej raz w życiu widział obrazy, bez których trudno wyobrazić sobie kulturę światową, a ich cytowalność w kulturze masowej jest ogromna. Patrzą na nas z reklam i stron książek, zamieniają się w internetowe memy, same stają się obiektami sztuki.
Oto one - najsłynniejsze obrazy świata, których nazwy znasz na pewno!
Ta jasna twarz żony bogatego florenckiego kupca jest znana każdemu cywilizowanemu człowiekowi. Bez przesady Mona Lisa uznawana jest za najsłynniejszy obraz świata.
„Mona Lisa”, „La Gioconda” – obraz Leonarda da Vinci.
krzyk
Krzyk to obraz Edvarda Muncha.
Obraz „Krzyk”, napisany przez norweskiego ekspresjonistę Edvarda Muncha w 1893 roku, zyskał dziś niesamowitą popularność. Liczba parodii, przeróbek, wykorzystania rozpoznawalnego wizerunku w reklamie, a nawet w filmach (nie mów, że nie słyszałeś o horrorze Krzyk) jest niezliczona. Tymczasem autor stworzył swoje arcydzieło, aby pozbyć się bolesnego poczucia samotności i cierpienia. Na tle krwistoczerwonego nieba postać z twarzą zniekształconą krzykiem można oczywiście interpretować na różne sposoby.
Z całego jego bogatego dziedzictwa artystycznego - a jest to około 800 obrazów, być może najbardziej znanych nawet wśród niedoświadczonej publiczności, były obrazy „Słoneczniki” i „Gwiaździsta noc”. Ale ten drugi jest preferowany, ponieważ wioska Saint-Remy została napisana z pamięci.
Noc Gwiazd
Fantastyczna „Gwiaździsta noc” to dziś niezwykle popularny i znany obraz.
Gwiaździsta noc to obraz Vincenta van Gogha.
Kolejnym artystą science fiction jest oczywiście Salvador Dali. Jego najpopularniejszy obraz uważany jest za Trwałość pamięci.
Trwałość pamięci to obraz Salvadora Dali.
Ten obraz jest całkowicie grą skojarzeń. Nieskończony upływ czasu jest tu przedstawiony w dosłownym tego słowa znaczeniu. To ciekawe, ale o tym, że obrazu „Trwałość pamięci” tak naprawdę nikt nie zapomni, jako pierwsza powiedziała Gala Dali, odwieczna muza artysty. A jej słowa były prorocze. Obraz napisany w 1931 r. i 2017 r. pozostaje więcej niż sławny. I kto by pomyślał, że topiony ser zainspirował Dali do chwycenia pędzla.
Czarny kwadrat
Kres tradycyjnego obiektywnego myślenia artysty przepowiedział już wcześniej Kazimierz Malewicz. Nie można znać tej nazwy, ale nie znać „Czarnego kwadratu” jest prawie niemożliwe. W historii sztuki światowej trudno znaleźć obraz o większej sławie. „Czarny kwadrat” to ta sama Madonna, ikona, tylko dla futurystów.
Plac Czarnej Suprematyzmu jest dziełem Kazimierza Malewicza.
Kontrowersyjny. Dwuznaczny. Unikalny. Do tego obrazu można zastosować dowolne epitety, z wyjątkiem jednego - nieznanego. Nawiasem mówiąc, zagraniczni koneserzy sztuki nazywają Plac Czarnej Suprematyzmu najsłynniejszym rosyjskim dziełem sztuki. Nie więcej nie mniej.
Ale dla prostego laika nie ma ładniejszego i bardziej zrozumiałego obrazu innego rosyjskiego artysty - Iwana Szyszkina. Sława dzieła „Poranek w lesie sosnowym” jest fenomenalna. Jednak jak miłość ludzi: ludzie dalecy od sztuki znają tę historię pod inną nazwą – „Trzy Misie” i widzieli ją nie w galerii sztuki, ale na opakowaniach po cukierkach.
„Poranek w sosnowym lesie” – obraz Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego.
Płótno również kryje w sobie tajemnicę! Okazuje się, że autorstwo jest podwójne. Malarz Iwan Szyszkin przedstawił las, a te same niedźwiedzie namalował Konstantin Savitsky. Nazwisko drugiego rosyjskiego artysty zostało usunięte na osobistą prośbę właściciela galerii Pawła Tretiakowa. Ale arcydzieło – jest zupełnie bezimienne – pozostaje arcydziełem.
A teraz - obraz olejny, o którym absolutnie wszyscy zaczęli mówić po 2016 roku. „Dziewczyna z brzoskwiniami” Walentina Sierowa i do ubiegłego roku była nie tylko najsłynniejszym dziełem rosyjskiego artysty, ale także jednym z najlepszych portretów na świecie.
„Dziewczyna z brzoskwiniami” – obraz Walentina Serowa.
Ale w roku 150-lecia Sierowa nagły szum wokół wystawy, kilometrowe kolejki, memy, a nawet anegdoty związane z obrazem i jego autorem wyniosły na szczyt „Dziewczynę z brzoskwiniami”. Nawiasem mówiąc, pomogli w tym sami pracownicy Galerii Trietiakowskiej, ożywiając bohaterkę portretu. Dziewczyna przemówiła i opowiedziała historię powstania dzieła.
I wreszcie jeden z najsłynniejszych obrazów Iwana Kramskoja jest uważany za „Nieznany”. Tajemnica tego płótna to nie mniej niż popularność. Może dlatego nieznajoma nazywana jest Rosjanką Mona Lisą?
„Nieznany” – obraz Iwana Kramskoja.
Przez ponad 130 lat nie było wiadomo, kim jest ta dziewczyna. I nie ma znaczenia, skąd na nas patrzy: z pudełka czekoladek, z samej Galerii Trietiakowskiej, z podręcznika o malarstwie. Ten „Nieznany” jest najbardziej znany.
Każdy współczesny człowiek powinien wiedzieć, czym jest malarstwo. Arcydzieła o światowym znaczeniu, które prezentujemy w naszym artykule, nie mogą pozostawić nikogo obojętnym. Możesz także dowiedzieć się, gdzie znaleźć pełną listę obrazów znanych na całym świecie. Malarstwo odgrywa ważną rolę w życiu każdego człowieka. Dzięki niemu możesz ukształtować wieloaspektową osobowość.
Co to jest malowanie? informacje ogólne
Malarstwo jest rodzajem sztuki pięknej. Dzięki niemu artysta przekazuje obrazy wizualne nakładając farby na dowolną powierzchnię. Pojawienie się malarstwa w Rosji wiąże się z rozwojem realizmu i symboliki. Eksperci wyróżniają pięć głównych odmian malarstwa:
- sztaluga;
- monumentalny;
- dekoracyjny;
- teatralne i dekoracyjne;
- miniaturowy.
Przez długi czas wierzono, że historia zaczyna się od holenderskiego artysty Jana van Eycka, który tworzył swoje obrazy w XV wieku. Wielu ekspertów nazywa go twórcą sztuki olejnej. Teoria ta jest również opisana w literaturze specjalistycznej. Nie można tego jednak potwierdzić. Wiadomo, że kilku artystów zajmowało się olejami na długo przed van Eyckiem.
Wielkie arcydzieła malarstwa pozwalają dowiedzieć się, jak żyli ludzie wiele lat temu. Leonardo da Vinci twierdził, że obrazy tworzą człowiek, natura i czas. Malowanie można wykonać na absolutnie dowolnym podłożu. Bierze udział w kształtowaniu środowiska sztucznego i naturalnego.
Malarstwo jest iluzoryczne. Plotyn twierdził, że nie należy kopiować natury, należy się od niej uczyć. Rozwój malarstwa już dawno wykroczył poza rozumienie jego głównych zadań, jakim jest „odtwarzanie rzeczywistości”. Dlatego wielu artystów porzuca nieistotne sposoby wyrażania siebie i oddziaływania na widza. W malarstwie pojawiają się nowe trendy.
Słynne arcydzieła malarstwa i ogólnie tego rodzaju sztuki piękne mogą pełnić następujące funkcje:
- kognitywny;
- religijny;
- estetyka;
- filozoficzny;
- ideologiczny;
- społeczne i edukacyjne;
- film dokumentalny.
Główną i najbardziej znaczącą wartością w malarstwie jest kolor. Uważa się, że to on jest nosicielem idei.
Istnieje szeroka gama:
- portret;
- sceneria;
- przystań;
- malarstwo historyczne;
- bitwa;
- martwa natura;
- Malarstwo rodzajowe;
- architektoniczny;
- religijny;
- animalistyczny;
- dekoracyjny.
Malarstwo odgrywa ogromną rolę w samorozwoju. Arcydzieła o światowym znaczeniu, pokazane dziecku, pomagają ukształtować w nim osobowość i uczą go doceniać ten lub inny przedmiot sztuki. Często malowanie pomaga złagodzić stan pacjenta cierpiącego na określoną chorobę. Terapia sztuką nie tylko polega na zapoznawaniu się z rodzajami sztuk pięknych, ale także pozwala podjąć próbę samodzielnego stworzenia arcydzieła.
Leonardo da Vinci, „Mona Lisa”
Niektóre obrazy (arcydzieła sztuki światowej) kryją w sobie wiele tajemnic i zagadek. Nadal trudno je rozgryźć. Mona Lisa to obraz Leonarda da Vinci. Uważany jest za jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie. Jego oryginał znajduje się w Luwrze (Paryż). Tam jest uważany za główny eksponat. To nie przypadek, ponieważ większość turystów codziennie odwiedza Luwr tylko po to, żeby obejrzeć obraz Leonarda da Vinci.
Do tej pory „Mona Lisa” nie jest w najlepszym stanie. Dlatego kilka lat temu dyrekcja muzeum ogłosiła, że dzieło sztuki nie będzie już prezentowane na żadnej wystawie. Portret można zobaczyć jedynie w Luwrze.
Obraz zyskał popularność po kradzieży przez muzealnika w 1911 roku. Poszukiwania skradzionego arcydzieła trwały dwa lata. Przez cały ten czas pisali o niej w czasopismach i gazetach, umieszczając je na okładkach. Stopniowo „Mona Lisa” stała się obiektem kopiowania i kultu.
Obrazy (arcydzieła sztuki światowej) są aktywnie badane przez specjalistów. Mona Lisa powstała ponad 500 lat temu. Naukowcy twierdzą, że zmienia się jak prawdziwa kobieta. Z biegiem czasu portret wyblakł, zmienił kolor na żółty, aw niektórych miejscach pojawiły się ciemne plamy. Drewniane podpory były pomarszczone i popękane. Wiadomo, że zdjęcie zawiera 25 sekretów.
9 lat temu zwiedzający muzeum mogli po raz pierwszy cieszyć się oryginalną kolorystyką obrazu. Unikalne ujęcia zaprojektowane przez Pascala Cotte'a pozwoliły zobaczyć, jak wyglądało arcydzieło, zanim zaczęło blaknąć.
Zdjęcia wykonane przy użyciu unikalnej technologii pozwalają dowiedzieć się, że po stworzeniu arcydzieła Leonardo zmienił położenie dłoni Mony Lisy, jej wyraz twarzy i uśmiech. Wiadomo, że na portrecie w okolicy oka znajduje się ciemna plama. Naukowcy twierdzą, że uszkodzenie to powstało na skutek przedostania się wody na powłokę lakierniczą. Jego wykształcenie wiąże się z faktem, że obraz przez jakiś czas wisiał w łazience Napoleona.
Artysta pracował nad obrazem ponad dwa lata. Znajduje się na liście „500 arcydzieł malarstwa o znaczeniu światowym”. Istnieje teoria, według której portret w ogóle nie przedstawia Mony Lisy. Obraz otrzymał swoją nazwę od słów Naukowcy naszych czasów twierdzą, że może to być pomyłka, a na arcydziele przedstawiona jest zupełnie inna kobieta. Najwięcej pytań wywołuje uśmiech Giocondy. Istnieje wiele wersji jego interpretacji. Niektórzy twierdzą, że Gioconda jest przedstawiana jako ciężarna, a jej wyraz twarzy kojarzy się z chęcią poczucia ruchu płodu, inni zaś uważają, że uśmiech zdradza ukryty homoseksualizm samej artystki. Niektórzy eksperci uważają, że „Mona Lisa” to autoportret Leonarda da Vinci.
„Koronacja Napoleona”, Jacques Louis David
Wiele osób ciągnie do malarstwa. Arcydzieła o światowym znaczeniu często ukazują widzowi epizod jakiegoś ważnego wydarzenia historycznego. Obraz, który namalował Jacques Louis David, powstał na zamówienie cesarza Francji Napoleona I. „Koronacja Napoleona” przedstawia wydarzenia z 2 grudnia 1804 roku. Wiadomo, że klient prosił artystę o przedstawienie koronacji lepiej, niż jest w rzeczywistości.
David stworzył arcydzieło inspirowane obrazem Rubensa. Pracował nad nim kilka lat. Przez długi czas obraz pozostawał własnością artysty. Trafiła do muzeum po odejściu Jacques’a Louisa Davida. Na wielu jego twórczość wywarła dobre wrażenie. W 1808 roku artysta otrzymał zamówienie od amerykańskiego przedsiębiorcy, który poprosił go o wykonanie identycznej kopii.
Obraz przedstawia około 150 postaci. Wiadomo, że każdy obraz charakteryzuje się niesamowitą dokładnością i realizmem. W lewym rogu płótna przedstawieni są wszyscy krewni cesarza. Za Napoleonem siedzi jego matka. Nie pojawiła się jednak na koronacji. Eksperci twierdzą, że najprawdopodobniej zrobiono to w związku z życzeniami samego Napoleona. Wiadomo, że traktował ją z wielkim szacunkiem.
W tamtych czasach obraz był fantastycznym sukcesem. Po obaleniu Napoleona płótno przez długi czas pozostawało w rezerwie i nie było wystawiane. W naszych czasach obraz, podobnie jak wcześniej, zachwyca wielu.
Valentin Serov, „Dziewczyna z brzoskwiniami”
Nie mniej popularne są arcydzieła malarstwa rosyjskiego. „Dziewczyna z brzoskwiniami” to obraz namalowany przez Walentina Sierowa w 1887 roku. Obecnie można ją zobaczyć na żywo w Państwowej Galerii Trietiakowskiej. Obraz przedstawia 12-letnią Verę Mamontovą. Siedzi przy stole z nożem, brzoskwiniami i liśćmi. Dziewczynka ubrana jest w różową bluzkę z ciemnoniebieską kokardką.
Obraz Walentina Sierowa został namalowany w majątku Savwy Iwanowicza Mamontowa w Abramcewie. W 1871 roku na terenie posiadłości posadzono brzoskwinie. Opiekę nad nimi sprawowała specjalnie wynajęta osoba. Artysta po raz pierwszy przybył do majątku w 1875 roku wraz z matką.
W sierpniu 1877 roku 11-letnia Vera Mamontova usiadła przy stole i wzięła brzoskwinię. Valentin Serov zaprosił dziewczynę do pozowania. Vera przyjęła propozycję artysty. Pozowała codziennie przez prawie dwa miesiące. Po namalowaniu obrazu artysta podarował go Elizavecie Mamontovej, matce dziewczynki. Długo wisiała w jednym z pokoi. Obecnie istnieje kopia, a oryginał znajduje się w muzeum. W 1888 roku autor obrazu otrzymał nagrodę Moskiewskiego Towarzystwa Miłośników Sztuki.
Arcydzieła malarstwa rosyjskiego zawierają wiele mało znanych faktów. Dziewczyna Peaches nie jest wyjątkiem. Wiadomo, że Vera Mamontova, przedstawiona na płótnie, żyła tylko 32 lata. Przyczyną jej śmierci było zapalenie płuc. Jej mąż nie ożenił się po śmierci wybrańca. Samotnie wychował trójkę dzieci.
Literatura specjalna
Niestety nie każdego stać na zwiedzanie znanych na całym świecie muzeów. Jednak wielu chce zobaczyć arcydzieła malarstwa. Zdjęcia niektórych z nich znajdziesz w naszym artykule. Warto zauważyć, że dziś istnieje ogromna liczba drukowanych publikacji prezentujących najlepsze obrazy z całego świata. Można tam znaleźć zarówno współczesne, jak i starożytne dzieła różnych artystów. Warto zaznaczyć, że niektóre edycje produkowane są w limitowanych ilościach i nie jest łatwo je znaleźć.
Magazyn „50 artystów. Arcydzieła malarstwa rosyjskiego” jest tygodnikiem. Zainteresuje czytelników w każdym wieku. Zawiera fotografie światowej sławy obrazów, historię ich powstania i ciekawostki na ich temat. Do pierwszego magazynu, który ukazał się sześć lat temu, dołączona była segregator do przechowywania publikacji oraz reprodukcja jednego z obrazów, którą można umieścić na biurku lub ścianie. Każdy numer opisuje twórczość jednego z artystów. Objętość czasopisma wynosi 32 strony. Można go znaleźć na terytorium Federacji Rosyjskiej lub pobliskich krajów. „50 artystów rosyjskich. Arcydzieła malarstwa rosyjskiego” to magazyn, który z pewnością przypadnie do gustu koneserom sztuk pięknych. Kompletny zbiór numerów pozwoli Państwu zapoznać się z podstawowymi informacjami o najpopularniejszych artystach. Koszt magazynu nie przekracza 100 rubli.
„Arcydzieła malarstwa rosyjskiego” to książka autorstwa L. M. Żukowej, zawierająca 180 stron. Publikacja zawiera 150 wysokiej jakości zdjęć. Książka-album przyciąga wielu. To nie przypadek, bo zademonstrowano ogromną liczbę reprodukcji. Dzięki nim można prześledzić, jak powstawało malarstwo rosyjskie. Koszt książki waha się od 700 do 1000 rubli.
„Słynne muzea Włoch. Arcydzieła malarstwa” – książka, która ukazała się w tym roku. Prezentuje najlepsze obrazy z sześciu muzeów we Włoszech. W publikacji czytelnik może zapoznać się także z historią powstania muzeów. Książka zawiera 304 strony.
Pragnącym zobaczyć dzieła o światowym znaczeniu z pewnością spodoba się elektroniczna galeria arcydzieł malarstwa. Obecnie istnieje wiele zasobów i aplikacji zawierających najsłynniejsze płótna.
Wiktor Wasniecow, „Bogatyrzy”
„Bogatyrs (Trzej bohaterowie)” – obraz namalowany przez Wiktora Wasniecowa w 1898 roku. Zaliczany jest do arcydzieł sztuki. Malarstwo Wasnetsowa jest znane wielu. Dzieło „Bohaterowie” uważane jest za symbol sztuki rosyjskiej. Podstawą całej twórczości Wasnetsowa są tematy folklorystyczne.
Przedstawiono trzech rosyjskich bohaterów. Symbolizują siłę i władzę narodu rosyjskiego. Artysta pracował nad powstaniem tego dzieła sztuki przez około 30 lat. Pierwszy szkic wykonał Wasnetsow w 1871 roku.
Jednym z bohaterów przedstawionych na zdjęciu jest Ilya Muromets. Jest nam znany jako postać rosyjskich eposów. Jednak niewiele osób wie, że ten bohater istniał naprawdę. Wiele historii o jego wyczynach jest prawdziwych, a sam Ilya Muromets jest postacią historyczną.
Dobrynya Nikitich, który według legend ludowych jest również przedstawiony na zdjęciu, był bardzo wykształcony i odważny. Z jego osobowością wiąże się wiele niesamowitych historii. Często można usłyszeć historię o jego zaczarowanym mieczu i zbroi.
Alyosha Popovich różni się od pozostałych dwóch bohaterów wiekiem. Jest młody i szczupły. W jego rękach widać łuk i strzały. Na obrazie znajduje się wiele drobnych szczegółów, które pomogą dokładnie przestudiować charakter postaci.
Michaił Wrubel, „Siedzący demon”
Innym znanym obrazem jest „Siedzący demon”. Jej autorem jest Michaił Wrubel. Powstała w 1890 roku. Jego oryginał można zobaczyć w Galerii Trietiakowskiej. Uważa się, że obraz uosabia wątpliwości tkwiące w człowieku.
Eksperci uważają, że artysta był opętany przez wizerunek demona, ponieważ wiadomo, że napisał wiele podobnych dzieł. Istnieją informacje, że w tym okresie znajomi Vrubela zauważyli, że u artysty rozwijają się zaburzenia psychiczne. Wystąpienie choroby wiąże się z doświadczanym stresem. Wiadomo, że Vrubel miał syna z tzw. rozszczepioną wargą. Bliscy artysty zauważyli, że w związku z wystąpieniem zaburzeń psychicznych wzmogła się w nim potrzeba sztuki. Jednak przebywanie w jego pobliżu było prawie niemożliwe. Wiosną 1902 roku choroba osiągnęła punkt krytyczny. Artysta został umieszczony na leczeniu w szpitalu psychiatrycznym. Pomimo trudnego losu Vrubela jego obrazy nie przestają przyciągać nowych wielbicieli jego twórczości i koneserów sztuki z całego świata. Jego prace prezentowane są na różnych wystawach. „Siedzący demon” to jeden z najpopularniejszych obrazów artysty.
Kuzma Petrov-Vodkin, „Kąpiel czerwonego konia”
Każdy współczesny człowiek powinien znać arcydzieła malarstwa. Zdjęcia prezentowane w naszym artykule pomogą Ci się z nimi zapoznać. „Kąpiel Czerwonego Konia” to obraz namalowany przez artystę w 1912 roku. Jej autorem jest Kuzma Petrov-Vodkin. Malując konia w nietypowym kolorze, artysta nawiązuje do tradycji rosyjskiego malarstwa ikonowego. Czerwień jest symbolem wielkości życia i poświęcenia. Niezłomny koń symbolizuje niezrozumiałość rosyjskiego ducha. Jasny różowy kolor kojarzy się z obrazem Ogrodu Eden.
10 listopada 1912 roku w Moskwie odbyła się wystawa. Nad drzwiami wejściowymi umieszczono zdjęcie Pietrowa-Wodkina, wierząc, że stanie się ono rodzajem sztandaru. Jednak ta opinia była błędna. Obraz nie spodobał się części zwiedzających wystawę, a także artystom. Wokół pionierskiego dzieła wybuchły kontrowersje. W 1914 roku w Szwecji odbyła się wystawa, na której zaprezentowano 10 dzieł Pietrowa-Wodkina, m.in. Kąpiel czerwonego konia. Wyceniono je na dziesiątki milionów dolarów.
Obraz ma ponad 100 lat. Dziś jej rola w rozwoju malarstwa jest oczywista. Jednak w naszych czasach jest wielu koneserów sztuki, którym nie podobało się dzieło Pietrowa-Wodkina.
Salvador Dali, „Trwałość pamięci”
Wiele osób interesuje się malarstwem. Arcydzieła sztuki światowej nie przestają zadziwiać nawet dzisiaj. Cała twórczość Salvadora Dali jest paradoksalna i trudna do logicznej analizy. Obraz „Trwałość pamięci”, napisany w 1931 roku, przyciągnął uwagę wielu krytyków. Główny obraz dzieła tłumaczony jest najczęściej złożonością i nielinearnością charakteru tamtego czasu. Ulubione symbole Salvadora Dali zebrane na jednym zdjęciu. Morze symbolizuje nieśmiertelność, jajko – życie, a oliwka – mądrość. Zdjęcie przedstawia wieczorną porę dnia. Wieczór jest symbolem melancholii. Określa ogólny nastrój pracy. Wiadomo, że trzy zegary na zdjęciu to przeszłość, teraźniejszość i przyszłość. Uważa się, że zamazany obiekt z rzęsami to autoportret śpiącego autora. Salvador Dali argumentował, że sen uwalnia wszelkie podświadome myśli, a człowiek staje się bezbronny. Dlatego na zdjęciu jego postać ukazana jest jako rozmyty obiekt.
Co zaskakujące, obraz dzieła powstał u artysty po spojrzeniu na ser topiony. Obraz stworzył w ciągu kilku godzin.
Obraz Salvadora Dali wyróżnia się niewielkimi rozmiarami (24 × 33 cm). Dzieło stało się symbolem surrealizmu. Obraz został po raz pierwszy wystawiony w Paryżu w 1931 roku. Tam został sprzedany za 250 dolarów.
Podsumowując
Malarstwo odgrywa ważną rolę w naszym życiu. Arcydzieła sztuki pięknej są nadal aktualne. Istnieje wiele godnych uwagi obrazów o znaczeniu światowym. W naszym artykule znajdziesz kilka z nich. Każde prezentowane zdjęcie ma indywidualne szczegóły i obrazy. Warto zaznaczyć, że część z nich wiąże się z mało znanymi faktami i tajemnicami, które dziś nie są do końca poznane.
Malarstwo odgrywa szczególną rolę w życiu dzieci i młodzieży. Studiując arcydzieła, uczą się analizować, wyrażać swój punkt widzenia i kształtować niezależną i wysoce intelektualną osobowość. Malarstwo odgrywa ważną rolę nie tylko w życiu dzieci, ale także dorosłych. Nie jest tajemnicą, że współczesny człowiek musi być wszechstronnie rozwiniętą osobowością. Warto studiować wszystkie dziedziny życia, łącznie z malarstwem, aby czuć się wartościowym w wykształconym społeczeństwie i ewentualnie odnaleźć swoje powołanie w sztuce.
Najbardziej znane i znaczące dla historii sztuki obrazy świata dla Twojej inspiracji.
Nieśmiertelne obrazy wielkich artystów podziwiają miliony ludzi. Sztuka, klasyczna i nowoczesna, jest jednym z głównych źródeł inspiracji, gustu i edukacji kulturalnej każdego człowieka, a nawet bardziej twórczego.
Obrazów światowej sławy jest z pewnością więcej niż 33. Jest ich kilkaset i nie wszystkie zmieściłyby się w jednej recenzji. Dlatego też, dla ułatwienia przeglądania, wybraliśmy kilka, które są najbardziej znaczące dla kultury światowej i często są kopiowane. Każdemu dziełu towarzyszy ciekawostka, wyjaśnienie znaczenia artystycznego lub historii jego powstania.
Rafaela „Madonna Sykstyńska” 1512
Przechowywane w Galerii Dawnych Mistrzów w Dreźnie.
Obraz skrywa małą tajemnicę: tło, które z daleka wygląda jak chmury, po bliższym przyjrzeniu się okazuje się, że są to głowy aniołów. A dwa anioły przedstawione na poniższym zdjęciu stały się motywem licznych pocztówek i plakatów.
Rembrandt „Straż nocna” z 1642 r
Przechowywane w Rijksmuseum w Amsterdamie.
Prawdziwa nazwa obrazu Rembrandta to „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenburga”. Krytycy sztuki, którzy odkryli obraz w XIX wieku, sądzili, że postacie stoją na ciemnym tle i nazwali go „Nocną Strażą”. Później okazało się, że warstwa sadzy powoduje, że obraz jest ciemny, a akcja tak naprawdę toczy się w dzień. Jednak obraz trafił już do skarbnicy sztuki światowej pod nazwą „Nocna straż”.
Leonardo da Vinci „Ostatnia wieczerza” 1495-1498
Znajduje się w klasztorze Santa Maria delle Grazie w Mediolanie.
W ponad 500-letniej historii istnienia dzieła fresk był wielokrotnie niszczony: przez obraz wykonano drzwi, a następnie ułożono drzwi, wykorzystano refektarz klasztoru, w którym znajduje się obraz jako zbrojownię, więzienie i zbombardowany. Słynny fresk był odnawiany co najmniej pięć razy, a ostatnia renowacja trwała 21 lat. Dziś, aby obejrzeć dzieło sztuki, należy zarezerwować bilety z wyprzedzeniem, a w refektarzu można spędzić jedynie 15 minut.
Salvador Dali „Trwałość pamięci”, 1931
Według samego autora obraz powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły w Dali na widok sera topionego. Wracając z kina, do którego poszła tego wieczoru, Gala całkiem słusznie przewidziała, że nikt, kto choć raz obejrzał „Trwałość pamięci”, tego nie zapomni.
Pieter Bruegel Starszy „Wieża Babel” 1563
Przechowywany w Kunsthistorisches Museum w Wiedniu.
Według Brueghela niepowodzenie budowy Wieży Babel nie wynikało z barier językowych, które zgodnie z historią biblijną nagle się pojawiły, ale z błędów popełnionych w procesie budowy. Na pierwszy rzut oka ogromny budynek wydaje się wystarczająco solidny, ale po bliższym przyjrzeniu się staje się jasne, że wszystkie kondygnacje są ułożone nierównomiernie, dolne piętra są albo niedokończone, albo już się zawalają, sam budynek przechyla się w stronę miasta, a perspektywy dla całego projektu są bardzo smutni.
Kazimierz Malewicz „Czarny kwadrat” 1915
Według artysty obraz malował przez kilka miesięcy. Następnie Malewicz wykonał kilka kopii „Czarnego kwadratu” (według niektórych źródeł siedem). Według jednej wersji artysta nie był w stanie ukończyć prac nad obrazem w odpowiednim czasie, dlatego musiał zakryć dzieło czarną farbą. Następnie, po uznaniu publiczności, Malewicz namalował nowe „Czarne kwadraty” już na czystych płótnach. Malewicz namalował także obrazy „Plac Czerwony” (dwie kopie) i jeden „Biały Kwadrat”.
Kuźma Siergiejewicz Pietrow-Wodkin „Kąpiel czerwonego konia” 1912
Znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Obraz namalowany w 1912 roku okazał się wizjonerski. Czerwony koń jest przeznaczeniem Rosji lub samej Rosji, którego kruchy i młody jeździec nie jest w stanie utrzymać. artysta w ten sposób symbolicznie przepowiedział swoim malarstwem „czerwone” losy Rosji w XX wieku.
Peter Paul Rubens „Gwałt na córkach Leukipposa” 1617-1618
Przechowywany w Alte Pinakothek w Monachium.
Obraz „Porwanie córek Leucypa” uważany jest za uosobienie odważnej pasji i cielesnego piękna. Silne, muskularne ramiona młodych mężczyzn podnoszą młode nagie kobiety i sadzają je na koniach. Synowie Zeusa i Ledy kradną narzeczone swoim kuzynom.
Paul Gauguin „Skąd przybyliśmy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?” 1898
Przechowywane w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie.
Pod kierunkiem samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej – trzy główne grupy postaci ilustrują postawione w tytule pytania. Trzy kobiety z dzieckiem symbolizują początek życia; grupa środkowa symbolizuje codzienną egzystencję dojrzałości; w ostatniej grupie, zgodnie z zamysłem artysty, „stara kobieta zbliżająca się do śmierci wydaje się pojednana i oddana swoim myślom”, u jej stóp „dziwny biały ptak… reprezentuje daremność słów”.
Eugene Delacroix „Wolność wiodąca naród”, 1830
Przechowywany w Luwrze w Paryżu
Delacroix stworzył obraz oparty na rewolucji lipcowej 1830 roku we Francji. W liście do brata z 12 października 1830 roku Delacroix pisze: „Jeśli nie walczyłem za Ojczyznę, to przynajmniej dla niej będę pisał”. Naga pierś kobiety prowadzącej lud symbolizuje bezinteresowność ówczesnego narodu francuskiego, który z „nagą klatką piersiową” poszedł do wroga.
Claude Monet „Impresja. Wschodzące słońce” 1872
Przechowywany w Musée Marmottan w Paryżu.
Nazwa dzieła „Impresja, soleil levant” lekką ręką dziennikarza L. Leroya stała się nazwą kierunku artystycznego „Impresjonizm”. Obraz został namalowany z natury w starym porcie Le Havre we Francji.
Jan Vermeer „Dziewczyna z perłą” 1665
Przechowywane w Galerii Mauritshuis w Hadze.
Jeden z najsłynniejszych obrazów holenderskiego artysty Jana Vermeera nazywany jest często północną lub holenderską Mona Lisą. O obrazie wiadomo bardzo niewiele: nie jest datowany, nie jest znane imię przedstawionej dziewczyny. W 2003 roku na podstawie powieści Tracey Chevalier pod tym samym tytułem nakręcono film fabularny „Dziewczyna z perłą”, w którym hipotetycznie przywracana jest historia powstania płótna w kontekście biografii i życia rodzinnego Vermeera .
Iwan Aiwazowski „Dziewiąta fala”, 1850 r
Przechowywane w Petersburgu w Państwowym Muzeum Rosyjskim.
Iwan Aiwazowski to światowej sławy rosyjski malarz morski, który poświęcił swoje życie przedstawianiu morza. Stworzył około sześciu tysięcy dzieł, z których każde zyskało uznanie za życia artysty. Obraz „Dziewiąta fala” znajduje się w książce „100 wielkich obrazów”.
Andriej Rublow „Trójca” 1425–1427
Ikona Trójcy Świętej, namalowana przez Andrieja Rublowa w XV wieku, jest jedną z najsłynniejszych ikon rosyjskich. Ikona to tablica w formacie pionowym. Carowie (Iwan Groźny, Borys Godunow, Michaił Fiodorowicz) „inkrustowali” ikonę złotem, srebrem i drogimi kamieniami. Dziś pensja jest przechowywana w Państwowym Rezerwacie Muzealnym Siergijewa Posada.
Michaił Wrubel „Siedzący demon” 1890
Przechowywane w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Fabuła obrazu inspirowana jest wierszem Lermontowa „Demon”. Demon jest obrazem siły ludzkiego ducha, wewnętrznej walki, wątpliwości. Tragicznie załamując ręce, Demon siedzi ze smutnymi, wielkimi oczami skierowanymi w dal, otoczony niespotykanymi kwiatami.
William Blake „Wielki architekt” 1794
Przechowywane w British Museum w Londynie.
Nazwa obrazu „Przedwieczny” dosłownie tłumaczy się z angielskiego jako „Przedwieczny”. Wyrażenie to było używane jako imię Boga. Głównym bohaterem obrazu jest Bóg w chwili stworzenia, który nie ustanawia porządku, ale ogranicza wolność i wyznacza granice wyobraźni.
Edouard Manet „Bar w Folies Bergère” 1882
Przechowywane w Courtauld Institute of Art w Londynie.
Folies Bergère to paryski program rozrywkowy i kabaret. Manet bywał w Folies Bergère i ostatecznie namalował ten obraz, ostatni przed śmiercią w 1883 roku. Za barem, pośród tłumu pijącego, jedzącego, rozmawiającego i palącego, barmanka pogrążona we własnych myślach obserwuje akrobatę na trapezie, którą widać w lewym górnym rogu zdjęcia.
Tycjan „Miłość ziemska i miłość niebiańska” 1515-1516
Przechowywane w Galerii Borghese w Rzymie.
Warto zauważyć, że współczesna nazwa obrazu nie została nadana przez samego artystę, ale zaczęła być używana dopiero dwa wieki później. Do tego czasu obraz nosił różne tytuły: „Piękno zdobione i pozbawione ozdób” (1613), „Trzy rodzaje miłości” (1650), „Kobiety boskie i światowe” (1700), a ostatecznie „Miłość ziemska i Miłość niebiańska » (1792 i 1833).
Michaił Niestierow „Wizja młodzieży Bartłomieja” 1889-1890
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.
Pierwsze i najważniejsze dzieło z cyklu poświęconego Sergiuszowi z Radoneża. Artysta do końca swoich dni był przekonany, że „Wizja młodego Bartłomieja” jest jego najlepszym dziełem. Artysta na starość lubił powtarzać: „To nie ja przeżyję. Przeżyje „Młody Bartłomiej”. Teraz, jeśli za trzydzieści, pięćdziesiąt lat po mojej śmierci będzie jeszcze mówił coś do ludzi – to znaczy, że żyje, co oznacza, że i ja żyję.”
Pieter Bruegel Starszy „Przypowieść o ślepcach”, 1568
Przechowywany w Muzeum Capodimonte w Neapolu.
Inne nazwy obrazu to „Ślepy”, „Parabola niewidomych”, „Ślepy prowadzący ślepego”. Uważa się, że fabuła obrazu opiera się na biblijnej przypowieści o niewidomych: „Jeśli ślepy prowadzi ślepego, obaj wpadną do dołu”.
Wiktor Wasniecow „Alyonushka” 1881
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.
Podstawą jest bajka „O siostrze Alyonuszce i bracie Iwanuszce”. Początkowo obraz Wasnetsowa nazywał się „Głupiec Alyonushka”. W tamtych czasach sieroty nazywano „głupcami”. „Alyonushka” – powiedział później sam artysta – „jakby od dawna żyła w mojej głowie, ale w rzeczywistości widziałem ją w Achtyrce, kiedy spotkałem jedną prostowłosą dziewczynę, która uderzyła moją wyobraźnię. Było tak wiele tęsknota, samotność i czysto rosyjski smutek w jej oczach… Emanował z niej jakiś szczególny rosyjski duch”.
Vincenta van Gogha „Gwiaździsta noc” 1889
Przechowywane w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku.
W przeciwieństwie do większości obrazów artysty, „Gwiaździsta noc” została namalowana z pamięci. Van Gogh przebywał w tym czasie w szpitalu Saint-Remy, dręczony napadami szaleństwa.
Karl Bryullov „Ostatni dzień Pompejów” 1830–1833
Przechowywany w Państwowym Muzeum Rosyjskim w Petersburgu.
Obraz przedstawia słynną erupcję Wezuwiusza w 79 r. n.e. mi. i zniszczenie Pompejów pod Neapolem. Wizerunek artysty w lewym rogu obrazu jest autoportretem autora.
Pablo Picasso „Dziewczyna na balu” 1905
Przechowywane w Muzeum Puszkina w Moskwie
Obraz trafił do Rosji za sprawą przemysłowca Iwana Abramowicza Morozowa, który kupił go w 1913 roku za 16 000 franków. W 1918 r. znacjonalizowano zbiory osobiste I. A. Morozowa. W chwili obecnej obraz znajduje się w zbiorach Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkin.
Leonardo da Vinci „Madonna Litta” 1491
Przechowywany w Ermitażu w Petersburgu.
Oryginalny tytuł obrazu to Madonna z Dzieciątkiem. Współczesna nazwa obrazu pochodzi od nazwiska jego właściciela, hrabiego Litty, właściciela rodzinnej galerii sztuki w Mediolanie. Istnieje przypuszczenie, że postać dziecka nie została namalowana przez Leonarda da Vinci, ale należy do pędzla jednego z jego uczniów. Świadczy o tym nietypowa w manierze autorki poza dziecka.
Jean Ingres „Łaźnia turecka” 1862
Przechowywany w Luwrze w Paryżu.
Ingres zakończył malowanie tego obrazu, gdy miał już ponad 80 lat. Artysta podsumowuje tym obrazem swoisty rezultat wizerunku kąpiących się, którego tematyka od dawna jest obecna w jego twórczości. Początkowo płótno miało formę kwadratu, jednak rok po jego ukończeniu artysta przekształcił je w okrągły obraz – tondo.
Iwan Szyszkin, Konstantin Sawicki „Poranek w sosnowym lesie” 1889
Przechowywane w Galerii Trietiakowskiej w Moskwie
„Poranek w sosnowym lesie” to obraz rosyjskich artystów Iwana Szyszkina i Konstantina Sawickiego. Savitsky malował niedźwiedzie, ale kolekcjoner Paweł Tretiakow, kiedy nabył obraz, usunął jego podpis, więc teraz jako autora obrazu wskazany jest tylko Szyszkin.
Michaił Wrubel „Księżniczka łabędzi”, 1900 r
Przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej
Obraz został namalowany na podstawie scenicznego wizerunku bohaterki opery „Opowieść o carze Saltanie” N. A. Rimskiego-Korsakowa na podstawie fabuły bajki A. S. Puszkina pod tym samym tytułem. Vrubel stworzył szkice scenografii i kostiumów na premierę opery w 1900 roku, a jego żona zaśpiewała partię Księżniczki Łabędzi.
Giuseppe Arcimboldo „Portret cesarza Rudolfa II w postaci Vertumnusa” 1590
Znajduje się w zamku Skokloster w Sztokholmie.
Jedno z niewielu zachowanych dzieł artysty, który wykonał portrety z owoców, warzyw, kwiatów, skorupiaków, ryb, pereł, instrumentów muzycznych i innych, książek i tak dalej. „Vertumn” to portret cesarza, przedstawianego jako starożytny rzymski bóg pór roku, roślinności i transformacji. Na zdjęciu Rudolf składa się wyłącznie z owoców, kwiatów i warzyw.
Edgar Degas „Niebiescy tancerze” 1897
Znajduje się w Muzeum Sztuki. A. S. Puszkina w Moskwie.
Degas był wielkim fanem baletu. Nazywany jest artystą baletnic. Praca „Niebiescy tancerze” nawiązuje do późnego okresu twórczości Degasa, kiedy jego wzrok osłabł i zaczął pracować z dużymi plamami barwnymi, przywiązując ogromne znaczenie do dekoracyjnej organizacji powierzchni obrazu.
Leonardo da Vinci „Mona Lisa” 1503-1505
Przechowywany w Luwrze w Paryżu.
Mona Lisa nie zyskałaby zapewne światowej sławy, gdyby nie została skradziona w 1911 roku przez pracownika Luwru. Obraz odnaleziono dwa lata później we Włoszech: złodziej odpowiedział na ogłoszenie w gazecie i zaproponował, że sprzeda Giocondę dyrektorowi Galerii Uffizi. Przez cały czas trwania śledztwa „Mona Lisa” nie schodziła z okładek gazet i czasopism na całym świecie, stając się obiektem kopiowania i kultu.
Sandro Botticelli „Narodziny Wenus”, 1486 r
Przechowywany we Florencji w Galerii Uffizi
Obraz ilustruje mit o narodzinach Afrodyty. Naga bogini unosi się na brzeg w otwartej skorupie, niesiona wiatrem. Po lewej stronie obrazu Zefir (wiatr zachodni) w ramionach swojej żony Chloridy dmucha w muszlę, tworząc wiatr wypełniony kwiatami. Na brzegu boginię spotyka jedna z łask. Narodziny Wenus są dobrze zachowane dzięki temu, że Botticelli nałożył na obraz ochronną warstwę żółtka jaja.
Michał Anioł „Stworzenie Adama” 1511
Znajduje się w Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie.