Пьер-Огюст Ренуар считается одной из ведущих фигур в импрессионизме. За все время он создал больше тысячи полотен. Художник был настолько предан живописи, что даже будучи прикованным к инвалидному креслу, он писал картины кистью, привязанной к руке.
Ренуар мог и не стать художником. Мальчиком пел в церковном хоре, и преподаватель всерьез настаивал, чтобы его отдали учиться музыке. Однако когда родители заметили, как красиво их сын рисует углем на стенах, то они отправили его в подмастерья. Он расписывал фарфор в мастерской господина Леви.
13-летний Ренуар работал невероятно быстро и качественно. Хозяин мастерской не знал, радоваться ему или огорчаться. «Мальчишка! А зарабатывает такие деньги!» - вздыхал он. Господин Леви и понижал ставку юному дарованию и переводил его на сдельную оплату, но все равно Пьер Огюст работал с такой скоростью, что в скором времени заработал столько денег, что их хватило на покупку дома для родителей.
Когда Огюст Ренуар оказался в доме Рихарда Вагнера, он сумел написать портрет прославленного композитора всего за 35 минут.
Несмотря на то, что творчество Ренуара относят к импрессионизму, художник не вгонял себя в четкие рамки какого-то определенного стиля. Он экспериментировал. После изучения живописи Ренессанса манеру работы художника оказали влияние картины Рафаэля и других мастеров той эпохи. Этот период его творчестве называют «энгровским» (производное от имени лидера европейского академизма XIX века Жана-Огюста-Доминика Энгра).
Последние 10 лет XIX века искусствоведы определяют как «перламутровый» период Ренуара. Именно тогда живописец активно экспериментирует с цветовыми переходами, сохраняя при этом свой индивидуальный стиль. Его картины наполнены своеобразной игрой света и особым обаянием.
В 1897 году художник неудачно упал с велосипеда, сломав руку. На этом фоне у него развился ревматизм. Еще через 13 лет у Ренуара случился приступ паралича, который приковал его к инвалидному креслу. Но желание создавать картины помогало художнику жить. Он просил служанку привязывать кисть к руке и продолжал творить.
Слава и всеобщее признание пришли к Ренуару только в последние годы его жизни. Когда в 1917 году картину «Зонтики» выставили в Лондонской национальной галерее, художнику стали приходить сотни писем. Люди, которые видели его полотно, поздравляли Ренуара с успехом: «С того момента, как Ваша картина была вывешена в одном ряду с работами старых мастеров, мы испытали радость от того, что наш современник занял подобающее ему место в европейской живописи».
В 1919 году, за несколько месяцев до своей кончины, уже парализованный Ренуар прибыл в Лувр только для того, чтобы увидеть свою картину в художественном музее.
Ренуар продолжает попадать на полосы газет даже в XXI веке. В 2009 году на блошином рынке женщина купила картину за 7 долларов. Позже оказалось, что «Пейзаж на берегу Сены» принадлежит кисти Ренуара и оценивается в сумму от 75 до 100 тысяч американских долларов.
Не только картина Огюста Ренуара, но и прочие произведения искусства по иронии судьбы попадали на блошиные рынки. Эти
Однажды Огюст Ренуар сравнил себя с пробкой, которую несет по волнам. Именно так он ощущал себя во время создания очередного произведения. С манящей страстью и нежностью он полностью отдавался бушующим «волнам», которые несли его по незыблемым просторам художественного мира. Под таким вдохновением картины Ренуара всегда рождались с особенным очарованием. Они никогда не загромождали мысли своих зрителей. Наоборот, глядя на произведения французского автора, поклонники его таланта, наконец-то, могли просто наслаждаться насыщенными оттенками, правильными формами и близкими для себя сюжетами картин. Действительно, Огюст Ренуар не видел себя среди шокирующих произведений или глубоких философских полотен. Глядя на картины Ренуара, можно с уверенностью сказать, что автор просто дарил людям частичку прекрасного и неповторимого. И, возможно, именно эти незамысловатые радости, отображенные в произведениях автора, до сих пор так нравятся поклонникам живописи. Художник не любил трагические, героические или драматические сюжеты. Этого всегда хватало в обыденности людей, поэтому в произведениях Огюста Ренуара ярко отображены красивые пейзажи, искрящиеся улыбки детей, манящие букеты ароматных цветов и неповторимые линии и формы полных, обнаженных женщин. Французский живописец был убежден, что любое произведение должно радовать своей привлекательностью, веселым и приятным настроением, а скучные жизненные сюжеты должны оставаться на заднем плане. Что ж, эту идею Ренуар успешно пронес через все свои работы. Каждое полотно благодаря своим ярким и насыщенным тонам дарит неповторимое ощущение влюбленности, влюбленности в мир, людей и самого французского автора.
Боль проходит, а красота остаётся
В заголовке выписаны слова великого французского художника Пьера Огюста Ренуара. Это ещё один последователь направления импрессионистов, правда, в этом направлении он писал совсем не долго. Но и этого хватило, чтобы вписать его в анналы великих французов. Он потрясающий художник, с великолепным ощущением пространства, света и цвета, что не маловажно для любого художника. Кроме того, он был графиком и скульптором. И так же, как и все, работал не покладая рук, его наследство огромно. Но вот как он работал? Про это и стоит рассказать.
Вообще-то Ренуару с детства прочили славу отличного певца, у него был превосходный голос. Но Огюст петь то пел, но всё же больше его притягивало к себе умение рисовать. И вот чтобы помочь своей семье он устраивается в мастерскую для раскраски фарфоровых тарелок, а вот по вечерам он обязательно посещал школу живописи. Потом он стал расти и, подрастая, всё больше прославлялся на линии творчества. Став взрослым он женился, появились дети. Его творчество оценивалось вполне хорошо, да и работалось постоянно. Но вся эта идиллия была перечёркнута одним падением с велосипеда. Упав с него Огюст сломал себе правую руку. Казалось бы, обычная травма при падении, но именно она послужила толчком для возникновения более страшной болезни – ревматизм. И ему стало практически уже не до творчества. так казалось многим, но не ему самому. Превозмогая боль он продолжал работать над полотнами. В Париже он уже не жил, его семья переехала в провинцию, и он стал работать там. Но вскоре случилось ещё более страшное – припадок паралича. И вот теперь если раньше он еле – еле ходил, то теперь он просто напросто был прикован к креслу или к постеле.
Его искусство давно уже расписано всеми известными критиками и искусствоведами. И условно его творчество поделено на три периода: энгровский («кислый», так его назвал сам художник), перламутровый (в этот период он писал полотна под впечатлением Веласкеса, Рембрандта и Вермеера; этот период отличался переливчатыми красками) и наконец, красный период (почти все полотна этого периода – красного или розового оттенка). Что самое интересное, что все полотна, написанные в эти три периода совершенно разного жанра, реально разного и потому постоянно вызывает интерес.
Анри Матисс, знаменитый французский художник был сильно дружен с Ренуаром и посещал его практически каждый день. Каждый день он видел как превозмогая боль Огюст писал свои полотна. Он практически постоянно морщился от боли и даже плакал, но всё же рисовал. Пока он ещё мог ходить, и был в более-менее нормальном состоянии его успели наградить Орденом Почётного Легиона, это высшая награда французского государства. Но сейчас он не был в состоянии хорошо держать в руках кисть и всё же творил. Слова в заголовке были сказаны в ответ на вопрос Матисса: «Зачем тебе всё это? Оставь творчество, тебе же тяжело». Ренуар по-другому то ответить не мог. Каждое утро сиделка вкладывала ему в застывшие руки кисть и придвигала его к полотну, и он рисовал. Для многих – это подвиг, кому то это кажется показухой, а вот для Ренуара это был способ выживать или точнее жить. Картина «Зонтики», которую он создал в 1917 году, была удостоена чести своего появления в Лувре. И художник смог это увидеть, тогда он ещё ходил. Но умер великий художник вовсе не от ревматизма, а от воспаления лёгких, которое он случайно подхватил.
За достаточно большую жизнь он успел сотворить большое количество полотен, скульптур. И это всё теперь выставлено не только в Лувре, но и в других не менее знаменитых музеях мира.
Алексей Васин
Портрет актрисы Жанны Самари - портрет, кисти Огюста Ренуара, молодой актрисы театра «Комеди Франсез», написанный в 1877 году. Хранится в Москве, в ГМИИ им. А. С. Пушкина.
В 1877-1878 годах Ренуар написал четыре портрета Жанны Самари, каждый из которых и размерами, и композицией, и колоритом существенно отличается от других. Жанна Самари до своего замужества жила недалеко от мастерской Ренуара на улице Фрошо и часто приходила к нему позировать.
Портрет актрисы Жанны Самари (1878, Государственный Эрмитаж)
Этот портрет Жанны Самари считается одним из наиболее импрессионистических портретов во всём творчестве художника. Жанна, одновременно улыбающаяся и задумчивая, изображена в изысканном зелёно-голубом платье на розовом фоне. Актриса опирается подбородком на левую руку, запястье которой обрамлено браслетом. Её рыжеватые волосы чуть разлетаются в разные стороны. В этом портрете Ренуар сумел подчеркнуть лучшие черты своей модели: красоту, грацию, живой ум, открытый и непринуждённый взгляд, лучезарную улыбку. Основные цвета, составляющие колорит картины, - оттенки розового и зелёного. Стиль работы художника очень свободный, местами до небрежности, однако это создаёт атмосферу необычайной свежести, душевной ясности и безмятежности.
Картина «Бал в Мулен де ла Галетт» была выставлена на 3-й выставке импрессионистов в 1877 году (вместе с картиной «Качели»), и она считается основной работой Ренуара середины 1870-х годов.
С 1879 года картина находилась в коллекции французского маршана и художника Гюстава Кайботта (Gustave Caillebotte). После его смерти в 1894 году она перешла в собственность государства в качестве налога на наследство, а в 1896 году была передана в Музей в Люксембургском саду. С 1929 года картина находилась в собрании Лувра, откуда в 1986 году она была передана в Музей Орсе, где она и находится до сих пор.
В 1876 году Ренуар снимал на Монмартре студию с садом, которая находилась недалеко от Мулен де ла Галетт - ресторана с танцевальным залом в верхней части Монмартра, который получил своё название по имени мельницы, находящейся недалеко от него. В хорошую погоду основное действие происходило на улице, где были расставлены по кругу столики и скамейки. Ренуару нравилась такая весёлая, непринуждённая обстановка, и здесь он начал создавать первые наброски будущей картины. Для картины он просил позировать своих друзей, так что некоторых из них можно узнать среди танцующих и сидящих за столиками. При написании этой картины художник справился с трудной задачей - изобразить отражение солнечных бликов, пробивающихся сквозь листву акаций, на лицах и одежде танцующих и сидящих людей
«Лягушатник» (фр. La Grenouillère) - картина французского художника Пьера Огюста Ренуара, написанная в 1869 году.
«Лягушатник» представлял собой кафе на воде, размещавшееся на пришвартованном к берегу Сены понтоне, стоявшем в небольшом рукаве реки и соединявшемся с островом переходным мостиком, перекинутым через крохотный островок. В этом месте на Сене между Шату (фр. Chatou) и Буживалем к северо-западу от Парижа была целая группа островов, куда парижане приезжали на отдых. Эти места подробно описаны братьями Гонкурами («Манетт Саломон»), Эмилем Золя и Мопассаном.
Огюст Ренуар (Pierre-Auguste Renoir) 1841-1919 г. Французский художник, признанный мастер женского портрета. Биография и картины.
Уж как не советовал знаменитый композитор Шарль Гуно юному Огюсту посвятить себя музыке, отец мальчика, портной, видел вершиной карьеры своего отпрыска профессию художника по фарфору – прибыльно и уважаемо. Однако Огюст Ренуар превзошёл и амбиции своего отца, и личные притязания, став всемирно известным художником-импрессионистом, обогатившим мировое художественное наследие своими превосходными работами.
От ремесла к искусству.
Юный Ренуар не мог жаловаться на судьбу – его работа, заключающаяся в росписи фарфоровых сервизов приносила удовлетворение и заработки, но технический прогресс, внедривший технику печати, свел его ремесло на нет. Скопив кое-какие средства, юноша решил учиться, выбрав для себя Школу при Академии художеств, где попал в мастерскую Шарля Глейра.
Уже первые шаги Огюста вызывали неудовольствие учителя – слишком смело юноша работал с красками, отвергая каноны академизма. Впрочем, в мастерской Ренуар нашёл много единомышленников, которые искали новые средства выразительности, и уже 1863 году Ренуар вместе с Моне, Сислеем, Базилем, Писсаро перестал посещать занятия. Отчаянно сражаясь с нуждой, будущие основоположники импрессионизма, вместе добывали краски для работы, как и еду.
Последующие годы характеризуются поиском стиля, экспериментами и первым признанием Ренуара. Первой знаковой картиной, которая открыла публике ещё неизвестного художника, явилась работа «Лиза», изображающая возлюбленную Огюста – Салон положительно принял картину в 1868 году. Вообще портретный жанр можно отметить как ведущий у раннего Ренуара, причём он преимущественно изображал своих собратьев «по цеху» — Сислея, Базиля с супругой, Моне.
Да здравствует импрессионизм!
Можно сказать, что Ренуар очень рано уразумел свою индивидуальность и составил личный взгляд на искусство в целом, который заключался в желании дарить публике радость посредством живописи, нести свет и красоту, в ущерб морализаторским и назидательным поучениям.
Если классическое искусство представляла вещи слишком идеальными, то Ренуар выступал за максимальную передачу естественности и реальности, где колоссальное значение играл свет, воздух, сиюминутность, спонтанность и колористическое решение. Переходной работой у Ренуара в его импрессионистском периоде является картина «Новый мост», где сюжет с тщательно выстроенной перспективой и точными архитектурными деталями представлен зрителю через размытую призму воздуха, расплавленного на солнце, благодаря чему, всю линии лишены чёткости, а фигуры определённости.
В 1874 году Ренуар часто посещает Аржантёе, где живёт Моне – вместе они пишут на пленэре, работают в эскизной манере, уделяя особое внимание Сене как сюжету. Это совместное творчество окажет значительное влияние на творчество обоих художников.
Кроме богатых пейзажей и бульварных просторов, импрессионистов неизменно влёк театр с его многочисленными образами, сюжетами, разномастной публикой, и Ренуар не был исключением. Картины «Ложа», «Танцовщица», «Парижанка» явились прекрасным примером работы мастера в театральных и притеатральных декорациях.
Ещё одна яркая страница в творчестве мастера была перевернута в 1875 году, когда на свет появились полотна, демонстрирующие единение человека и природы – «Обнажённая в солнечном свете» и «Обнажённая». Картины отличают непревзойдённая гармония, наполненная светом, играющим на нежной коже моделей.
Необходимо отметить, что все эти поиски, приведшие к созданию поистине великих картин, не приносили денежного довольствия – импрессионизм отвергался публикой, и поэтому верному стилю Ренуару приходилось туго. Однако уже тогда его популярностью пользовались портреты, и именно они приносили доход. Так появились прекрасные работы «Портреты Жанны Самари», «Портрет мадам Шарпантье с детьми», «Девушка с веером», «Портрет Альфонсины Фурне» и др.
На гребне успеха и закате дней.
В отличие от сотоварищей, Ренуар стремился участвовать в Салоне, так как именно в этом случае можно было рассчитывать на признание. Не без помощи связей, живописец всё-таки пробивается на официальные выставки, заслуживая мало-помалу почёт. В начале 80-х Ренуар уважаемый художник, а в 1883 году была устроена его первая персональная выставка.
Вначале 80-х гг. Ренуар знакомится с Алиной Шериго, ставшей женой и музой мастера. Художник теперь финансово благополучен, что только способствует творчеству, благодаря многочисленным путешествиям, совершённым в поисках новых тем.
На протяжении всей своей жизни художник оставался верен себе – он «певец» красоты, радости и счастья, в чём можно ещё раз убедиться в его серии танцующих парных картин: «Танец в деревне», «Танец в городе», «Танец в Буживале».
Ренуар неустанно развивал свои сюжеты и в 80-х и в 90-х, изображая обнажённых муз на лоне природы («Большие купальщицы», «Сидящая купальщица») и создавая восхитительные по своей красоте портреты («Девушка в соломенной шляпе», «Причёсывающаяся девушка») вплоть до трагической травмы, полученной после падения с велосипеда. Законченный оптимист, Ренуар, сломавший правую руку, научился писать левой, однако, стремительно развивающийся артрит напоминал о себе болями и атрофией.
С приходом 1900-х пришло и международное признание, зарубежные выставки, всемирная слава и получение почётных знаков отличия, но ничто не могло спасти Ренуара от паралича. Конец жизни оказался и вовсе безрадостным — вернулись раненными с Первой мировой войны два сына, боровшаяся за здоровье мужа Алина быстро ушла из жизни под гнётом переживаний, а самого мастера продолжал снедать недуг.
Но до самой своей кончины 2 декабря 1919 года палитра мастера светилась оптимизмом и радостью, а творчество полно любованием светом, гладкой кожей, нежными изгибами тела, лучезарной улыбкой и яркими глазами. Ренуар до последних дней служил единожды выбранному для себя бремени в искусстве – нести радость и свет через живопись. О том, как справился он с задачей, красноречиво повествуют его картины.
Ренуара относят к одному из родоначальников классического импрессионизма, однако, в отличие от полотен коллег, его живопись развивалась в ином направлении. Он посвятил свое творчество приемам прозрачной живописи. Используя совершенно новые приемы наложения мазков, Ренуар добился обособленной структуры своих работ, что в значительной степени отличает его творчество от школы старых мастеров.
Женщины в картинах Ренуара
Картины Ренуара, с названиями которых ассоциируется поистине женское очарование, удивительным образом передают едва заметные черты девичьей красоты. Он был оптимистом и выискивал самые лучшие проявления в жизни, стараясь сохранить их с помощью живописной кинетики своих кистей.
Как которого излучают свет, умел находить и изображать только радостные и счастливые лица. Во многом благодаря этой своей способности, а также присущей людям любвеобильности, творец сделал квинтэссенцией своего искусства женщин.
Картины Ренуара с названиями «Жанна Самари», «Балерина», «Купальщицы» выдают в нем знатока женской натуры, который обладал собственным идеалом красоты и был чужд условностям. Женщины на картинах Огюста узнаваемы, и любой, кто хоть когда-то сталкивался с историей живописи, в состоянии распознать руку мастера. Каждая дама всегда смотрит с полотна глазами, наполненными жаждой любви и тягой к изменениям. Среди общих черт, которые просматриваются во всех женских портретах художника, - все дамы на картинах обладают маленьким лбом и тяжеловатым подбородком.
«Портрет Жанны Самари» и «Портрет Анриетт Анрио»
В 1877 году проходила персональная выставка экспозиций художника в рамках импрессионизма. Среди большинства работ наибольший интерес вызвали картины Ренуара с названиями «Портрет Жанны Самари» и «Портрет Анриетт Анрио». Изображенные на картинах дамы - актрисы. Автор не единожды писал их портреты. Картины захватили внимание во многом благодаря умело созданной иллюзии подвижности бело-голубого фона, который постепенно уплотняется вокруг очертаний женственной Анриетт и приводит зрителя к ее бархатным карим глазам. Невзирая на то, что в целом экспозиция вышла очень кинетической и эмоциональной, она в то же время осталась неподвижной, с акцентом на контрасте темных надбровных дуг и податливых рыжих локонов.
В подобной манере Пьер Огюст Ренуар, картины которого не славятся расстановкой акцентов и детализацией, написал и портрет очаровательной Жанны Самари. Фигура актрисы словно вылепливается из витиеватых пурпурных мазков, которые невероятным образом впитали в себя всю возможную цветовую палитру и при этом сохранили доминантный красный цвет. Ренуар мастерски подводит зрителя к лицу девушки, останавливая внимание на прорисованном рте, глазах и даже прядях волос. Фон накладывает рефлексы на лицо актрисы путем пурпурного румянца, который весьма гармонично вписывается в образ дивы. Само тело актрисы исполнено характерными для импрессионистов спешащими мазками.
Технические особенности исполнения Ренуара
Пьер Огюст Ренуар, картины которого так и излучают дух импрессионизма, продолжал работать до последних дней жизни, не позволяя болезни отстранить его от красок. Помимо своей любви к изображению женской натуры, художник прославился своей способностью эффектно использовать цвет и работать с теми красками, к которым крайне редко прибегали его коллеги по ремеслу.
Огюст - один из немногих, кто умело прибегал к использованию на своих полотнах сочетания черного, серого и белого цветов так, чтобы картины не выглядели «грязно». Идея экспериментировать с этой цветовой гаммой посетила художника, когда он как-то сидел и наблюдал за каплями дождя. Многие искусствоведы замечают, что художника можно назвать мастером изображения зонтиков, так как он часто прибегал к этой детали в творчестве.
По большей части мастер использовал для работы белила, неаполитанскую желтую краску, кобальт синий, крон, ультрамарин, краплак, изумрудно-зеленую краску и вермильон, однако умелое их сочетание рождало невероятно живописные шедевры. Ближе к 1860 году, когда импрессионизм набирал размах, цветовая палитра Ренуара претерпела изменения и он стал прибегать к более ярким оттенкам, например, красным.
Влияние Моне на творчество Ренуара
Случай привел Ренуара к встрече с не менее значимым для французского искусства живописцем, Их судьбы переплелись, и они какое-то время жили в одной квартире, постоянно оттачивая свое мастерство, изображая друг друга на полотнах. Некоторые критики утверждают, что сходство их картин настолько очевидно, что, если бы не подпись в нижнем левом углу, технически их было бы невозможно отличить. Однако в их творчестве просматриваются явные расхождения. Например, Моне фокусировал внимание на игре света и тени, благодаря чему и творил свои контрасты на полотнах. Огюст больше ценил цвет как таковой, от того его картины более радужные и преисполнены света. Еще одно принципиальное различие в творчестве живописцев было в том, что картины Ренуара, с названиями которых непременно связаны женщины, всегда тяготели к изображению человеческих фигур, в то время как Клод Моне непременно уводил их на второй план.