26. Морис Шевалье Она еще не знала, что означает эта зловещая тишина. Вдруг обнаружила, что шарф Балле лежит у ее ног. И все видят ее нелепый свитер без одного рукава.На глазах у Эдит заблистали слезы отчаяния.И вдруг раздались аплодисменты… Нет, не аплодисменты –

Эпилог С любовью, Морис Дорогая Лори.Я пишу тебе это письмо, чтобы рассказать о том, какое влияние ты оказала на мою жизнь. Когда я вспоминаю себя и свое прошлое, то понимаю, что никогда бы не стал тем, кем стал, если бы не встретил тебя. Я бесконечно благодарен тебе за любовь

Андрей Хитрук,
кандидат искусствоведения

РАВЕЛЬ

Музыка Равеля слишком динамична, темпераментна, чтобы быть типично импрессионистской, и слишком многоцветна, красочна, колоритна, чтобы совсем не быть ею. С. Рихтер

Морис Равель родился в 1875 году в городке Сибур, почти на самой границе между Францией и Испанией. Его мать происходила из семьи басков, а отец – француз родом из Женевы, и можно сказать, что композитор так на всю жизнь и остался на этой границе, хотя прожил большую часть жизни в Париже и возле него. Мы, естественно, причисляем творчество Мориса Равеля к французской музыке, но его с достаточно полным правом можно было бы считать одновременно и испанским композитором. Во всяком случае знаменитое “Болеро” (как, впрочем, и ряд других принадлежащих его перу произведений) является шедевром не только французского искусства ХХ века, а сам Равель – величайший (за исключением разве Дебюсси) создатель испанской музыки того же времени.

Говорить о Равеле, с одной стороны, легко, поскольку его стиль логичен и предсказуем, с другой – трудно, и в первую очередь потому, что, подобно Николаю Метнеру в России, оказавшемуся в тени Рахманинова и Скрябина, Равель, с его наследием, все-таки оказался в тени своего гениального собрата – Дебюсси. И тем не менее это, бесспорно, крупнейший французский композитор-импрессионист последней трети ХIХ и первой трети ХХ века. Попутно зададимся вопросом: а может ли импрессионизм ассоциироваться с классикой? Наверное, в случае с Равелем может, поскольку приемы и методы импрессионизма, как в области оркестровки, так и в области гармонии, ладовых структур, фактуры в его лице обрели прозрачность и четкость, подлинно классическую ясность. Его стиль действительно расположен на стыке между импрессионизмом и неоклассицизмом, включая в себя элементы и того, и другого.

В Парижскую консерваторию, согласно тогдашней традиции, он поступил рано, в возрасте четырнадцати лет. Первоначальные его успехи были связаны с игрой на фортепиано, в частности, в 1891 году он получил первую премию на консерваторском конкурсе (вторым был Альфред Корто, впоследствии всемирно известный пианист). Однако пианистической карьеры Равелю сделать не удалось, и сфера его интересов вскоре переключается на композицию. Первые его сочинения относятся к 1893–1894 годам. То были “Серенада-гротеск” для фортепиано и романс “Баллада о королеве, умершей от любви”, на слова Ролана де Мара. На старших курсах консерватории Равель – ученик двух выдающихся преподавателей: Андре Жедальжа (по контрапункту и фуге) и Габриеля Форе (по композиции).

Как любой начинающий композитор, Равель не избежал определенных влияний, прежде всего со стороны старших коллег, в первую очередь Эммануэля Шабрие, влияние которого заметно в очень популярной фортепианной пьесе Равеля “Павана”, и Эрика Сати – знаменитого своей экстравагантностью, проявившейся как в поведении, так и в названиях фортепианных пьес (например, один из его циклов называется “Три отрывка в форме груши”), а также пророческими идеями в области гармонии, которые, как считается, повлияли и на Дебюсси.

Биографы Равеля отмечают и определенные воздействия на Равеля русских композиторов, особенно Балакирева, Римского-Корсакова и Бородина (любовь к последнему подтверждает и сочиненная позднее фортепианная пьеса “В манере Бородина”). Но, возможно, самым значительным и продолжительным было воздействие творчества его старшего собрата по композиторскому цеху Клода Дебюсси. На протяжении многих лет сравнение Дебюсси и Равеля, а также определение их первенства в тех или иных открытиях стало излюбленной темой парижской музыкальной журналистики.

Еще в консерватории Равель сближается с группой молодых литераторов, музыкантов и художников, называвших себя “апаши” (от английского “Apach”, – термин, проникший во французский, а позднее даже в русский язык в связи с модой на

романы из жизни индейцев). Все участники группы всецело поддерживали творчество Дебюсси и Равеля, с восторгом принимали новинки русской школы. Поэт Тристан Клингзор в воспоминаниях о Равеле рассказывает об этой поре так: “Мы все были очень увлечены русскими. Бородин, Мусоргский, Римский-Корсаков приводили нас в восторг. Балеты с участием Нижинского, декорации и костюмы Бакста, чудесные исполнения “Шехеразады” Римского-Корсакова под управлением Шарля Ламуре – вот что лишало нас сна. Особенную слабость Равель испытывал к Балакиреву. Именно тогда он сочинял свою прозрачную “Игру воды”.

Это этапное сочинение, знаменитая пьеса, о которой критик писал: “Звуковыми брызгами “Игры воды” Равель начинает серию пьес живописной виртуозности, в которых им вновь открыт на радость пианистам секрет той переливчатой техники, тех впечатлений, которые в свое время ввел в музыку Лист”. И действительно, несмотря на всю новизну языка, в этом и во многих других сочинениях Равеля отчетливо проступает влияние листовского виртуозного пианизма. Да и сам Равель не скрывал этого. Когда его спросили, как нужно исполнять “Игру воды”, он ответил просто: как сочинения Листа.

Среди наиболее сильных впечатлений молодого композитора надо упомянуть и Всемирную парижскую выставку 1889 года, на которой, в частности, были представлены и образцы экзотических музыкальных культур Востока. Известно, какое сильное впечатление оказало посещение этой выставки на Дебюсси. Не менее сильным оказалось оно и в случае с Равелем. Один из биографов Равеля пишет, что четырнадцатилетний мальчик “останавливался перед японскими лавочками, китайскими лотками и восхищался японскими танцовщицами. Колючие ритмы, неизвестные ладовые последовательности восхищали его. Он не забывал их никогда”. Наряду с восточной экзотикой юный Равель мог любоваться (или же возмущаться, как многие) громадой Эйфелевой башни, возведенной по случаю Всемирной выставки как символ новой эпохи.

Тема Востока неоднократно отразилась в произведениях Равеля. Сначала это была симфоническая увертюра “Шехеразада”, созданная еще в студенческие годы, затем цикл песен для голоса с оркестром под тем же названием. В этой музыке еще очень сильны воздействия как Дебюсси, так и композиторов русской школы. К этому же периоду относится и сочинение струнного квартета, в котором исследователи усматривают влияние музыки Бородина. Музыка Равеля и на этот раз встретила резкий отпор консервативных (главным образом, консерваторских) кругов, но, познакомившись с партитурой квартета, Дебюсси обратился к нему с призывом: “Именем всех музыкальных богов заклинаю вас – не меняйте ни одной ноты в вашем квартете!” – что было, конечно, очень важно для композитора, с трудом пробивавшего себе дорогу.

Десятилетие между 1905 и 1915 годами, можно сказать, поровну поделено между сочинениями для фортепиано и произведениями для оркестра. Тут следует отметить одну из характерных черт равелевского творчества, присущую, пожалуй, ему одному: многие свои фортепианные сочинения он сам затем перекладывает для оркестра, причем во многих случаях они выигрывают от такого переложения, поскольку Равель был непревзойденным мастером оркестровки. Среди важнейших сочинений этого периода – очень популярный фортепианный цикл “Отражения”, включающий знаменитую “Альбораду” (впоследствии оркестрованную автором), “Испанскую рапсодию” для оркестра”, вокальный цикл “Естественные истории” (по рассказам Жюля Ренара), цикл детских пьес в четыре руки, “Моя матушка гусыня” (переработанный позднее в балет под названием “Сон Флорины”). Может быть, самое значительное из созданного Равелем в эти годы – фортепианный цикл “Ночной Гаспар”, цикл из трех пьес, навеянный поэмами французского романтического поэта Алоизиуса Бертрана. В “Ундине” и “Скарбо” (скарбо – сказочный персонаж вроде нашего домового) – первой и третьей пьесах из этого цикла – фортепианно-виртуозное письмо Равеля достигает вершин как в образной сфере, так и в специфических эффектах фортепианной техники.

В 1907 году он увлекся забавной пьесой М.Франк-Ноэна и быстро сочинил одноактную комическую оперу “Испанский час”. Забавный сюжет оперы разворачивается в лавке часовщика. Один за другим на сцене появляются персонажи, каждый из который стремится завоевать внимание красивой молодой жены часовщика. Ветреная женщина пытается спрятать ухажеров в многочисленных футлярах от часов. Невероятная путаница, возникающая из-за этого, и составляет основу комедии. Равелю удалось здесь соединить некоторые характерные черты традиционной итальянской комедии дель арте c методом, который был использован ранее Мусоргским в его разговорной опере “Женитьба” по Гоголю.

Все эти сочинения, характеризуют вполне сложившийся стиль композитора, в котором сочетается полное владение импрессионистической красочностью (как в области фортепиано, так и в области оркестра), использование специфических терпких (иногда не без джазовых элементов) гармоний, политональных эффектов (то есть наложений друг на друга аккордов, принадлежащих разным тональностям), умение создавать определенный колорит (чаще всего испанский). И все это при достаточно строгой классической разработке формы. Подобно Скрябину, другому великому новатору гармонии, Равель почти всегда оставался строг и даже педантичен в области формы. В этом плане его музыка сильно отличается от музыки Дебюсси (за исключением некоторых сочинений Дебюсси позднего периода, намеренно отмеченных чертами классичности).

Годы перед Первой мировой войной в Париже прошли под знаком “Русских сезонов”. В репертуаре дягилевской труппы примерно в равной пропорции ставились балеты как русских, так и французских композиторов. Равель соприкоснулся с “Русскими сезонами”, когда Дягилев в 1912 году заказал ему музыку к балету “Дафнис и Хлоя”. Либретто было создано русским балетмейстером Михаилом Фокиным, а главные роли исполняли великие русские танцовщики Вацлав Нижинский и Тамара Карсавина. Равель писал: “В этом сочинении я задумал дать большую музыкальную фреску, в которой не столько стремился воссоздать подлинную античность, сколько запечатлеть Элладу моей мечты, близкую тому представлению о Древней Греции, которое воплощено в произведениях французских художников конца ХVIII века”. Балет имел большой успех и широкий общественный резонанс, рецензии появились не только в парижских, но и в русских газетах.

Как известно, одним из ведущих композиторов, работавших для “Русских сезонов”, был И.Стравинский. Примерно в течение двадцати лет, начиная с 1913 и по начало 30-х годов, он был одним из крупнейших композиторов, живших и творивших во Франции. (Этот факт сопоставим с тем, что, например, Гендель в свое время являлся крупнейшим композитором в Англии, а Скарлатти – в Испании.) Равель был дружен со Стравинским, совместно работал с ним над переоркестровкой “Хованщины” Мусоргского, и хотя позднее их творческие пути разошлись, оба с большим уважением относились к друг к другу. В ряде произведений Равеля можно легко ощутить влияние автора “Весны священной”, особенно это касается роли ритма.

Первая мировая война затронула и Равеля. После нескольких неудачных попыток поступить в авиацию, ему удалось уговорить медицинскую комиссию принять его на должность водителя военного грузовика. Три года Равель провел на полях войны, подорвав и без того слабое здоровье.

Окончание войны принесло и новые художественные веяния, обобщенно называемые неоклассицизмом. Повсюду наблюдается отход от импрессионизма, к которому очень враждебно начинают относиться молодые композиторы, идущие на смену признанным мэтрам. У Равеля тоже наблюдаются попытки отойти от прежних позиций. Это особенно заметно в фортепианной сюите “Гробница Куперена”, созданной в 1917 году. Как говорил сам композитор, сюита явилась данью уважения ко всей французской музыке ХVIII века. Музыка Равеля воспроизводит внешние нормы старинных французских танцев (ригодона, менуэта, форланы), хотя здесь же используется и жанр прелюдии и фуги, а также токкаты – так называется последняя, наиболее виртуозная часть цикла.

Однако отход от импрессионизма был для Равеля лишь временным явлением, это подтвердило появление в 1920 году хореографической поэмы “Вальс”. Эта знаменитая поэма – своего рода апофеоз (впрочем, не лишенный и некоторой ироничности, вообще присущей Равелю) венского вальса. “Сквозь клубящиеся облака, – пишет автор в предисловии к партитуре “Вальса”, – можно заметить в просветах вальсирующие пары. Постепенно облака рассеиваются. Виден огромный зал, заполненный массой танцующих. Сцена постепенно освещается все ярче… Перед нами императорский дворец около 1855 года”. Музыка “Вальса” стала одним из наиболее популярных произведений Равеля и не только в оркестровой версии, но и в переложении для фортепиано. Даже такой далекий от импрессионизма исполнитель, как Глен Гульд, сделал и записал свою версию фортепианной транскрипции равелевского шедевра.

Но все же самым популярным произведением Равеля стало сочиненное в 1928 году “Болеро”. Стихия танца вообще более чем характерна для всего равелевского творчества. Но нигде больше энергия танцевальных ритмов не проявилась столь мощно и ярко, как в этой пьесе, первоначально задуманной как балет для знаменитой танцовщицы Иды Рубинштейн. Неустанно повторяющиеся две темы “Болеро” (с каждым новым проведением меняется лишь оркестровка, становящаяся все более красочной и богатой) воздействуют именно своей неуклонной настойчивой повторяемостью, отсутствием вариационности, упорной неизменяемостью. Интересно отметить, что позднее исследователи справедливо усмотрели в знаменитом эпизоде “Нашествие” из Седьмой симфонии Шостаковича прямое воздействие равелевского шедевра.

Среди последних крупных сочинений Равеля надо назвать два фортепианных концерта, написанных в 1931 году. Наиболее значителен Второй концерт ре мажор для одной левой руки, написанный по заказу австрийского пианиста Пауля Витгенштейна, потерявшего в Первую мировую войну правую руку. Это мощное трагическое сочинение (несмотря на основную мажорную тональность), где, как в фокусе, сосредоточены почти все основные черты равелевского стиля – красочность оркестровки, взрывчатость эмоций, испанские ритмы, детская шаловливость, пряность гармонического языка и точность пропорций.

После 1933 года тяжело заболевший Равель уже почти не сочиняет. Его лебединой песней стали “Три песни Дон Кихота к Дульцинее”, предназначавшиеся для кинофильма с участием Федора Шаляпина. В конце 1937 года Равель умер. СергейПрокофьев откликнулся теплой, прочувствованной статьей, где подчеркивалось выдающееся место Равеля в истории музыки ХХ века.

Каков же был человеческий облик этого замечательного художника? Близко знавший Равеля и изучавший фортепианные произведения под его руководством пианист вспоминал о занятиях, которые проходили в домике Равеля в местечке Монфор л’Амори, под Парижем: “...старомодные безделушки соседствовали с куклами, механическими птичками, корабликами, навеки замурованными на дне стеклянных сосудов…” Свидетель рисует нам дом некоего волшебника, наполненный диковинными предметами. И все это чувствуется во многих произведениях Равеля – изысканных, иронично-лукавых, сказочных, чем-то перекликающихся со сказками Андерсена.

В жизни Равель отличался определенным дендизмом, был всегда подчеркнуто изысканно и модно одет, при этом он был довольно молчаливым, сдержанным человеком, небольшого роста, хрупкого телосложения, с аристократическими манерами. Равель производил впечатление суховатого, не склонного к эмоциональным проявлениям человека. Однажды он сказал одному из друзей: “Часто говорят о сухости моего сердца. Это неверно. Ведь я баск. А баски ощущают неистово, но предаются этому мало и только в отдельных случаях”.

Композитор был весьма парадоксальной личностью. В нем сочетались потребность дружеского общения и привычка к одиночеству. Большую часть жизни Равель прожил один, у него никогда не было семьи, а главными привязанностями всю жизнь были мать и брат. Приверженность к дисциплине и порядку связывалась с острой жаждой новизны, а любовь к природе – с увлечением разного рода игрушками и автоматами. Эстетизм был, бесспорно, важной чертой его композиторского стиля, но каким-то образом сочетался с хрупкой и легкоранимой душой, с взрывчатостью эмоций, которые заметны в кульминациях многих его произведений. Светлая прозрачность и умиротворенность часто сменялись трагической напряженностью. Близость к французскому ХVIII веку органически сочеталась у него с приверженностью принципам музыкального импрессионизма.

Равель любил повторять, что его музыку надо исполнять точно так, как предписано в нотах, ничего не привносить от себя (недаром Стравинский как-то в шутку прозвал его щвейцарским часовщиком). Но, как обычно, последующий опыт исполнительства доказывает, что наиболее сильное впечатление от музыки (в том числе равелевской) несут не те исполнители, которые следуют требованиям композитора, но интерпретаторы, вскрывающие глубины, о которых, может быть, не догадывался сам автор музыки. Огромное впечатление производят, например, равелевские записи Святослава Рихтера. В его интерпретации “Благородные и сентиментальные вальсы”, “Ночной Гаспар”, “Отражения” становятся мощными полотнами, где проявляются все крайности равелевской эстетики, где сдержанность и крайняя экспрессия органично сочетаются друг с другом. И именно такие пианисты, как С.Рихтер, или такие дирижеры, как Ш.Мюнш или Э.Ансерме, ставят Равеля на то высокое место в истории музыки ХХ века, которого он по справедливости достоин.

Даты жизни и творчества

1875 – родился в Сибуре, через три месяца семья перебирается в Париж.
1882 – начало занятий музыкой.
1889 – поступление в Парижскую консерваторию. Посещение Всемирной выставки.
1893–1894 – первые опыты сочинения.
1905 – сюита “Отражения” и “Сонатина” для фортепиано.
1907 – “Испанская рапсодия” для симфонического оркестра. “Испанский час” – комическая опера.
1908 – “Ночной Гаспар”, сюита для фортепиано. “Моя матушка гусыня”, пять легких пьес для фортепиано в четыре руки. Первое зарубежное турне – в Англию.
1911 – знакомство в Париже с А.Ролан-Манюэлем, впоследствии учеником, другом и биографом композитора.
1912 – “Благородные и сентиментальные вальсы” для фортепиано. Балеты “Аделаида, или Язык цветов”, “Дафнис и Хлоя”, “Сон Флорины”.
1913 – Кларан, Швейцария. Оркестровка оперы Мусорского “Хованщина” совместно со Стравинским. Три песни на стихи С.Малларме для голоса и фортепиано.
1914 – Трио для фортепиано, скрипки и виолончели. Начало Первой мировой войны.
1919–1920 – “Вальс” – хореографическая поэма для симфонического оркестра.
1920–1922 – Соната для скрипки и виолончели памяти Дебюсси. Оркестровка цикла Мусоргского “Картинки с выставки”. Равель переселяется в купленный им домик в предместье Парижа Монфор л’Амори.
1925 – “Дитя и волшебство” – опера-балет, либретто С.Коллет.
1928 – “Болеро” для симфонического оркестра. Концертное турне по Америке.
1929–1931 – два концерта для фортепиано с оркестром, соль мажор и ре мажор (для левой руки).
1932 – “Три песни Дон Кихота к Дульсинее” для голоса и фортепиано на стихи П.Морана.
1935 – последнее путешествие Равеля – в Марокко и Испанию.
28 ноября 1937 года Морис Равель скончался после тяжелой болезни.

Как ни странно, но, в отличие от живописцев или писателей, вклад в мировое искусство французских композиторов оказался весьма скромен. Тем не менее уникальный талант одного из них стал символом 20 века и дал импульс творческому развитию многих музыкантов новой эпохи. Имя этого крупнейшего реформатора классической музыки - Морис Равель. Представитель импрессионизма, одарённый композитор, значительно обогативший европейскую музыку и повлиявший на последующее поколение композиторов, своим творчеством внёс неоценимый вклад в сокровищницу мировой музыкальной культуры.

Краткую биографию Мориса Равеля и множество интересных фактов о композиторе читайте на нашей странице.

Краткая биография Равеля

7 марта 1875 года в маленьком городке Сибур на берегу Атлантики родился Морис Равель. Отец его был швейцарцем, мать принадлежала к нации басков, которые издревле проживали в этом регионе – на юго-западной границе Франции с Испанией. Морис удивительным образом вобрал в себя черты культуры обоих родителей. Отец работал инженером путей сообщения, но в домашней обстановке был музыкантом, отменно владея не только техническими знаниями, но и флейтой, и трубой. Благодаря матери, мальчик рос среди мелодий баскского фольклора, отголоски которых впоследствии слышались во многих его произведениях.

Однако сам Равель, вероятно, считал себя в большей степени парижанином, нежели сибурцем – ведь именно в столицу его семья переехала, когда ему было всего несколько месяцев от роду. С семи лет мальчик занимается музыкой, а в 14 поступает в Парижскую консерваторию. Согласно биографии Равеля, через 6 лет он становится её выпускником по классу фортепиано. Стремление получить композиторский диплом вылилось в долгие годы драматических событий. В 1895 году его исключают из консерватории, спустя два года – восстанавливают. Одаренного студента берет под свою опеку знаменитый композитор Габриэль Форе, под влиянием которого талант Равеля начинает раскрываться. Другой известный композитор, Андре Жедальж, дает Марису частные уроки контрапункта. Однако уникальный стиль музыки и независимость суждений Мориса не находят понимания в консерватории, включая и ее директора, Теодора Дюбуа. И в 1900 Равель повторно отчисляется из альма-матер, сохранив за собой право посещать занятия Форе как вольнослушатель.

Четырежды с 1901 по 1905 год Равель предпринимал попытки стать стипендиатом престижнейшей Римской премии, получатели которой на два года за счет государства отправлялись на стажировку в итальянскую столицу. Но, если трижды произведения Равеля оставались в тени иных, ныне почти неизвестных, то в последний раз его кандидатуру даже не стали рассматривать, сославшись на формальный предлог. Такова была реакция официальных музыкальных кругов Франции на «антимузыкальное» творчество стремительно набиравшего популярность композитора. В прессе поднялась кампания против консерваторского произвола в отношении Равеля, и принятое руководством Римской премии решение стоило Дюбуа директорского кресла. Пройдет еще 15 лет, Равелю будет предложено членство и в Ордене Почетного легиона, и во Французском институте – от обоих символов национального признания он откажется.

К началу Первой мировой войны Равель – один из самых известных французских композиторов, его произведения имеют успех, его имя, наравне с именем К. Дебюсси , становится символом прогрессивного творчества нового столетия. Известие о начале войны повергло его в шок, но он счел своим долгом записаться в армию, несмотря даже на то, что из-за субтильной комплекции получил медотвод. Более трех лет один из самых заметных талантов 20 века служил водителем грузовика при различных полках. Состояние здоровья в 1918 году заставило его покинуть войска – за несколько лет он успел пережить и операцию на кишечнике, и обморожение ног, и смерть любимой матери.

Послевоенное сотрудничество с С.П. Дягилевым и концерты в США существенно поправили финансовое положение композитора, позволив скрыться от назойливого внимания в новоприобретенном доме в городке Монфор-Л’амори близ Парижа. В 1933 году Равель, попав в автокатастрофу, получив травму головы. Тяжелое неврологическое заболевание не позволило ему продолжать работу. За последние четыре года своей жизни композитор не написал ни строчки. 28 декабря 1937 года после операции на мозге он скончался.

Интересные факты о Морисе Равеле

• Биография Равеля гласит, что на самом деле композитор не очень любил играть на фортепиано. Его друг, один из самых выдающихся пианистов своего времени, Рикардо Виньес, заметил, что Морис любил музыку гораздо больше, чем фортепиано.
• Любимым композитором Равеля был Моцарт .
• Во время Всемирной выставки, проходившей во французской столице в 1895 году, композитор посетил концерт русской музыки и высоко оценил творчество его дирижера, Н.А. Римского-Корсакова .
• Равель посетил все 29 спектаклей «Пеллиаса и Мелизанды» К. Дебюсси, прошедших в премьерный сезон.
• За первые 24 года своего существования «Испанский час» был исполнен в Париже всего 6 раз.

• Морис Равель – одна из немногих знаменитостей, личная жизнь которой осталась абсолютной тайной. Он не имел детей, никогда не состоял в браке, в истории не осталось следов об именах его партнеров или любовниц.
• Для постановки оперы Мусоргского «Хованщина» в 1913 году в Париже С.П. Дягилев заказал М. Равелю и И.Ф. Стравинскому ее новую оркестровку.
• Исполнение «Болеро » длится 17 минут.
• С 2010 года в Мариинском театре опера «Испанский час» исполняется на русском языке.

Творчество Равеля

Нет ничего удивительного в том, что пианист Равель большую часть своих сочинений написал для этого инструмента. Оркестровых работ у него едва наберется дюжина, две оперы, три балета и считанные произведения с солирующими струнными. Первое из сохранившихся сочинений Мориса Равеля датировано 1888 годом, последнее – 1933, годом начала болезни. При этом число его опусов – 85 , то есть в среднем из-под пера композитора выходило не более двух работ в год. Вероятно, его вдохновение было настолько же избирательно, насколько он сам – требователен к себе. Каждое произведение тщательно продумывалось и детально доводилось до совершенства – подобный перфекционизм объясняет столь умеренный список сочинений.

В 1895 году Равель впервые публикует свою работу, «Старинный менуэт ». В то же время он начинает писать на испанские темы – первой стала «Хабанера » для двух фортепиано, написанная для исполнения совместно с Р. Виньесом. Благодаря занятиям с Форе стиль молодого композитора становится все более глубоким и зрелым. В 1898 году он пишет свое первое оркестровое произведение - увертюру «Шехеразада », с которой год спустя дебютирует как дирижер на концерте в Национальном музыкальном обществе Франции.

Равель не был в чистом виде авангардистом или музыкальным «хулиганом», большинство его произведений созданы по классическим канонам. Однако после второго изгнания из консерватории он стал сооснователем «Апачей» или «Хулиганов», как именовала себя группа единомышленников, включающая музыкантов, поэтов и художников. Помимо Равеля, в нее входили и И. Стравинский , и М. де Фалья, и Р. Виньес. Пятерым членам «Апачей» Равель посвятил пятичастную сонату «Отражения» , на премьере в 1906 году ее исполнял Р. Виньес, которому посвящена вторая ее часть, «Печальные птицы».

Одной из оригинальных работ композитора стал цикл песен для голоса и фортепиано «Естественные истории », написанный в 1906 году на сатирические стихи о животных Ж. Ренара. Невинное произведение сразу же обросло скандалом – газетные критики обрушились на него с обвинениями в плагиате одной из работ К. Дебюсси. Композитор оставался невозмутим, заканчивая работу над оркестровкой «Испанской рапсодии» из «Хабанеры», которая на премьере имела большой успех и быстро вошла в репертуар лучших оркестров мира.

Из биографии Равеля мы узнаём, что в 1909 состоялись его первые зарубежные гастроли как пианиста – в Лондоне, эти концерты принесли композитору отличные рецензии и упрочили его положение на международном музыкальном Олимпе. По возвращении в Париж, Равель совместно с несколькими своими сокурсниками учреждает Независимое музыкальное общество, целью которого было развитие новой французской музыки. Президентом этой организации становится Форе. 20 апреля 1910 года состоялся первый концерт под эгидой общества, на котором Равель исполнил пьесы цикла «Матушка Гусыня ».

19 мая 1911 года в парижском театре Опера-Комик состоялась премьера оперы Равеля «Испанский час » по пьесе М. Фран-Ноэна. Этого события композитор ждал три года, поскольку, заказанная в 1907 для американских гастролей, опера не пришлась по вкусу администрации театра. «Испанский час», хоть и следует лучшим традициям итальянской оперы-буффа, но создавался под впечатлением от другой оперы – «Женитьбы» М.П. Мусоргского. Причем композитор использовал и идею Мусоргского об отсутствии самостоятельного либретто – текстом оперы является авторский текст пьесы. Публика встретила премьеру прохладно, но с течением времени опера стала более востребованной.

История с появлением первой оперы – не единственное доказательство того, что Равель был прекрасно знаком с музыкой русских композиторов. Именно он предложил сделать музыкальным символом «Апачей» начальную тему из Второй симфонии А.П. Бородина . В 1908 году он написал фортепианный цикл «Гаспар из тьмы». До его появления самой технически сложной пьесой для пианиста был «Исламей» М.А. Балакирева . Но Равель поставил перед собой цель создать еще более сложную партитуру и ему это вполне удалось.

Если в опере композитор особенно не преуспел, то второй жанр музыкального театра, балет, принес ему немало приятных минут успеха. Все три своих балета Равель выпустил в свет в 1912 году. «Матушка Гусыня » была показана в Париже и Лондоне, получив отличную критику. Прелестная «Аделаида, или Язык цветов » в своей первооснове имел фортепианный цикл «Благородные и сентиментальные вальсы », созданный в 1908 году. Балерина Н. Труханова была очарована этой музыкой и предложила Равелю переработать ее в балет. 22 апреля состоялась парижская премьера, за дирижерским пультом стоял автор. Сейчас сложно в это поверить, но «Аделаида…» стала гораздо более успешной постановкой, нежели третья работа композитора на балетной сцене. 8 июня еще одна российская творческая команда, на сей раз – С.П. Дягилева, выпустила «Дафниса и Хлою ». Постановку осуществил М. Фокин, главные партии исполнили Т. Карсавина и В. Нижинский.

Во время Первой мировой войны была написана фортепианная сюита «Гробница Куперена », а после и без того неторопливый темп написания музыки замедлился до одной работы в год. В 1920 году Равель сыграл в кругу друзей только что написанный «Вальс». Дягилев, присутствовавший на вечере, заявил, что композитор написал шедевр, но не балет. Равель не стал с этим спорить, но и сотрудничество с антрепренёром больше не продолжал. А «Вальс» стал хореографической поэмой для оркестра и вторым по популярности произведением композитора.

В том же 1920 композитор приступает к созданию своей второй оперы – на сюжет детских сказок, предложенный писательницей Колетт. Оперой произведение стало не сразу – вначале планировалось написать балет. «Дитя и волшебство » в 1925 году с успехом поставил оперный театр Монте-Карло. В 1926 году в Париже впервые были исполнены «Мадагаскарские песни » на слова Э. Парни. В них настолько органично сочетаются слова и музыка, декламация и напевность, голос и оркестр, что они по праву принадлежат к числу лучших камерных произведений композитора.

На закате своей творческой жизни Равель пишет «Болеро » по заказу танцовщицы Иды Рубинштейн для собственного бенефиса. Балетмейстером стала Бронислава Нижинская, сестра знаменитого танцовщика. 22 ноября 1928 года мир впервые услышал одну из самых знаковых мелодий 20 века, вошедшую в репертуар всех крупных симфонических оркестров, знакомую даже далеким от классической музыки людям. Это уникальное по своему построению произведение, состоящее из цепочки повторяющихся мелодий, исполненных различными солирующими инструментами, в числе которых такие редкости, как кларнет-пикколо, гобой д’амур и саксофон.

После фантастического «Болеро » Морис Равель написал два концерта для фортепиано с оркестром. Первый концерт был тепло принят публикой во всей Европе, турне по которой Равель предпринял в 1932 году. Второй, названный «Концерт для левой руки», был написан в 1930 году для австрийского пианиста Пауля Витгенштейна, который на войне лишился правой руки.

Музыка Равеля в кино

«Болеро» - вот главная приманка кинематографа в наследии Мориса Равеля. Более полутора сотен фильмов включили эту магнетическую мелодию в свои саундтреки:

• «Секретный агент», 2016
• «Эдди «Орел», 2016
• «Магия лунного света», 2014
• «Магнолия», 1999
• «Сталкер», 1979

Однако было бы несправедливо не отметить и фильмы, обратившие внимание на другие произведения композитора.

Сочинения композитора составили музыкальную основу фильма Клода Соте «Ледяное сердце». Главная героиня, скрипачка Камилла, без ума от музыки Равеля, под аккомпанемент которой разворачивается тонкая психологическая драма классического любовного треугольника.

Звания почетного доктора Оксфордского университета, почетного члена Королевского филармонического общества Великобритании, высшая государственная награда Бельгии - Орден Леопольда I – знаки признания заслуг Мориса Равеля перед мировой культурой. И десятилетия неприятия его творчества на собственной родине. Таковой оказалась двуликая слава этого удивительного маэстро, радушного хозяина и одинокого затворника с так и не раскрытыми сердечными тайнами.

Видео: смотреть фильм о Морисе Равеле

Творческий путь Равеля охватывает около 40 лет, пересекая две исторические эпохи, разделённые Первой Мировой войной. В 1890-100 гг. он создаёт превосходные импрессионистские примеры образно-звуковой картинности, откликается на эстетику неоклассицизма. В годы войны и поздний период его творчества Равель отражает тему войны, сближается с современностью, стиль вбирает некоторые элементы джаза.

Образное содержание разнопланово: углублённо-психологические образы, природа, сказочно-фантастические (циклы «Ночной Гаспар», «Сказки Матушки Гусыни»), античные мотивы, танец («Болеро», «Испанская рапсодия»), поэзия различных эпох, обращение к другим национальным культурам. Импрессионистские черты – красочность, изысканность ладогармонического языка; богатый оркестр, но не в составном значении, а в умелом использовании различных оригинальных тембров. Классические традиции – стройность, ясность мышления, тяготение к старинным жанрам.

Интерес к классике и античным сюжетам (цикл «Гробница Куперена») у композитора сочетается с ярким воплощением национальности – испанской, французской, других экзотичных народов («Еврейские мелодии», «Новогреческие песни», «Мадагаскарские песни», вокальный цикл «Шехеразада»).

Огромное влияние на оркестровые и ладогармонические принципы Равеля, как и на Дебюсси, оказали представители Могучей кучки: Римский-Корсаков, Балакирев, Бородин, Мусоргский.

Творчество отличается жанровым многообразием:

Симфонические произведения: «Испанская рапсодия», две сюиты «Дафнис и Хлоя», «Вальс», «Болеро», Рапсодия для скрипки с оркестром – «Цыганка», оркестровка фортепианного цикла «Картинки с выставки» Мусоргского;

Оперы «Испанский час» (комическая), «Дитя и волшебство»;

Балеты «Дафнис и Хлоя» (по замыслу Дягилева), «Сон Флорины», «Сказки Матушки Гусыни»;

Фортепианные: два фортепианных концерта (Второй – для левой руки), циклы и сюиты «Благородные и сентиментальные вальсы», «Гробница Куперена», «Сказки Матушки Гусыни», «Ночной Гаспар»; «Хабанера», «Античный менуэт», Сонатина, «Игра в лады», «В духе Шабрие», «В духе Бородина»;

Инструментальные: струнный квартет, фортепианное трио, соната для скрипки, соната для виолончели памяти Дебюсси, соната для скрипки и фортепиано;

Вокальные: цикл «Шехеразада», «Новогреческие песни», «Мадагаскарские песни», баллады, мелодии, песни.

Историческое значение творчества Равеля заключается в том, что в пору крайних левых течений кризисного периода европейского искусства, он сохранил верность традициям. Вместе с Дебюсси он является крупнейшим композитором рубежа 19-20 вв.

4 курс пианисты

М. Равель Фортепианное творчество.

Щедрый вклад Равеля во французскую фортепианную музыку начала ХХ века можно сравнить с вкладом его старшего современника Дебюсси. Оба композитора обновляли его, опираясь на сходные истоки: романтический пианизм и творчество клавесинистов. Равелю была ближе, скорее, линия, идущая от Листа, чем от Шопена, что отличало пианизм Дебюсси.

Сочинениями для фортепиано композитор начинал свой творческий путь. Фортепиано – это лаборатория его стиля. Некоторые его фортепианные опусы приобретали затем известность в оркестровой версии («Павана», «Альборада», «Хабанера», «Сказки Матушки гусыни»).

К подлинным шедеврам импрессионистского пианизма принадлежит ранняя пьеса Равеля «Игра воды». Другие зрелые работы композитора в сфере фортепиано – Сонатина и «Отражения» (1905 г.) ярко воплощают две характерные для автора стилистические тенденции – классицистскую и импрессионистскую. С одной стороны, непрограммный цикл Сонатины, воскрешающий – в современной стилистике – утончённый лаконизм французской клавесинной музыки XVIII века; с другой – программно-импрессионистские «пьесы настроения», навеянные созерцанием природы или сценками быта Испании.

Фортепианный цикл «Ночной Гаспар» (1908) представляет тип программности, опирающейся на развёрнутые эпиграфы-цитаты из одноименного поэтического сборника Алоизиуса Бертрана. В «трансцендентально виртуозных» пьесах преобладает атмосфера мрачных видений, трагической экзальтации. В их виртуозности и поэмности нашла продолжение «мефистофельская» романтика Листа.

Первая поэма «Ундина» повествует о неразделённой любви русалки к человеку. На фоне зыбкой вибрирующей фигурации возникает певучая холодноватая мелодия в высоком регистре. Её продолжением служит вторая тема с характерными тритоновыми оборотами. В кульминации мощно звучит преобразованная вторая тема. Зеркальная реприза показывает постепенный спад звучности. Грустная мелодия – вариант первой темы – растворяется в сложной инструментальной фактуре.

Образы трагического оцепенения запечатлены во второй поэме цикла «Виселица». Непрерывное остинато имитирует далёкие удары колокола, на которые наслаивается скорбная мелодия небольшого диапазона в уменьшённом ладу. Необычны звуковые эффекты: острота целотонного лада, строгость старинных контрапунктических приёмов, семизвучные и восьмизвучные аккордовые комплексы.

Драматической вершиной цикла служит труднейшая по фактуре поэма «Скарбо». Из тревожных звучаний вырастают возбуждённые мотивы, передающие причудливый облик Скарбо. Скерцозный характер музыки изобилует острыми диссонансами, изломанной интерваликой. Его гримасы предстают в резко синкопированных скачущих аккордах на пульсирующем фоне. Апогей пьесы воплощён в гигантски разрастающихся звучностях, а внезапное исчезновение Скарбо – в отзвуках тремоло. Структура пьесы имеет черты сонатности. Особого внимания заслуживает виртуозная фактура пьесы с её «гирляндами секунд», параллельными кварто-квинтовыми созвучиями и грозными martellato. Равель признавал, что в виртуозности «Скарбо» был в известной мере отражён опыт «Исламея» Балакирева. В каждой из трёх поэм применён определённый круг виртуозных средств: в «Ундине» - льющаяся фактура legato, в «Виселице» - строгий баланс звуковых пластов, в «Скарбо» - стремительная токкатность.

Триптих «Ночной Гаспар» иногда рассматривают как единый сонатный цикл, в котором «Ундина» играет роль сонатного allegro, «Виселица» - Adagio, а «Скарбо» - скерцо-финала. Все три поэмы объединены также некоторыми тематическими перекличками.

4 курс инструменталисты

Морис Равель Испанская рапсодия

Состав оркестра: 2 флейты, 2 флейты-пикколо, 2 гобоя, английский рожок, 2 кларнета, бас-кларнет, 3 фагота, саррюзофон, 4 валторны, 3 трубы, 3 тромбона, туба, литавры, треугольник, кастаньеты, бубен, малый барабан, тарелки, большой барабан, тамтам, ксилофон, челеста, 2 арфы, струнные.

Морис Равель (1875-1937) был младшим современником Дебюсси и долгое время воспринимался просто как его подражатель. «Тень» основоположника музыкального импрессионизма мешала увидеть истинное лицо Равеля, а между тем, его творческий почерк во многом отличен от стиля Дебюсси, которого Равель пережил на два десятилетия.Его творческая биография началась в пору расцвета импрессионизма, а продолжалась после I мировой войны, когда импрессионизм исчерпал себя, уступив место новым художественным течениям. Война стала тем рубежом, который разграничил творческий путь Равеля на два периода:

· I – с 1895 (когда был издан «Старинный менуэт», первое опубликованное сочинение) по 1914;

· II – 1917-1932 («3 песни Дон Кихота», последнее произведение композитора).

В парижской консерватории, куда Равель поступил в 14-летнем возрасте, он прошел строгую школу музыкального профессионализма. Его учителем композиции был Габриэль Форе. Уже тогда проявилась независимость художественных вкусов Равеля. Его интересовали «нетрадиционные» произведения Эрика Сати, «Послеполуденный отдых фавна» и «Ноктюрны» Дебюсси (Равель сделал их фортепианные переложения), произведения Римского-Корсакова (с русской музыкой Равель впервые познакомился во время Всемирной выставки, которая открылась в год его поступления в консерваторию). Он всегда много читал (его любимцами были Шарль Бодлер, Эдгар По), увлекался современной живописью Моне, Ван Гога.Интерес к новому искусству причудливо смешивался с тяготением к рационализму XVIII века. Равель изучал классическую французскую философию, произведения Дени Дидро («Парадокс об актере»), поэзию Ронсара и Маро (поэты франц. Ренессанса), восхищался творчеством франц. клависинистов. Следовательно, художественные вкусы Равеля формировались под воздействием различных, порой противоположных факторов.Своих единомышленников Равель обрел в кружке молодых поэтов, художников, музыкантовименовавших себя в шутку «апашами» («бродягами», «босяками»). Встречи апашей посвящались в основном музицированию. Кроме того, Равель посещал артистический салон польской семьи Годебских (с которыми был дружен Тулуз-Лотрек). В салоне Годебских собирался художественный и артистический цвет Парижа.

1 период творчества (1895-1914)

В I период творчества были созданы:

· фортепианные произведения «Павана на смерть инфанты», «Игра воды», Сонатина, циклы «Отражения», «Ночной Гаспар», «Моя матушка Гусыня»;

· вокальные циклы «Шехерезада», «Естественные истории», романсы и поэмы на стихи поэтов-символистов;

· опера «Испанский час»;

· балет «Дафнис и Хлоя»;

· «Испанская рапсодия».

В этих произведениях преобладают поэтич. картины природы, народного быта, образы Востока, родной ему Испании. Композитор обращается к поэтизированному танцу, сказке, мотивам античности (т.о. отсутствует социальная тематика). Мелодика Равеля избегает вводнотоновости (тема «Паваны»), в ней часто встречаются секундово-квартовые, пентатонные обороты, Ритмы очень активны, характерны полиритмические комбинации, смещения акцентов, сложные размеры. В гармонии встречаются необычные аккорды (например, «колючий» аккорд с неприготовленным задержанием), многозвучные аккордовые комплексы (до 12-звучия). В терцовую структуру включаются побочные тоны, альтерации (характерны созвучия с ум.8). Используются архаические лады, лады испанской музыки.

Оркестровка изысканна и блестяща, с частыми solo, необычными эффектами звукоизвлечения, флажолетами и glissando, сложнейшими пассажами струнных и деревянных. В целом – доминирует интерес к красочности, любование «прекрасным мгновением».

2 период творчества (1917-1932)

События I мировой войны глубоко потрясли Равеля. Несмотря на освобождение от воинской службы он добровольно вступил в действующую армию и только после перенесенных тяжелых болезней весной 1917 года демобилизовался. В этом году он сочинил свой последний фортепианный цикл – сюиту «Гробница Куперена» – «дань уважения не только Куперену, но и всей французской музыке XVIII века». Посвятил погибшим друзьям.

«Гробница Куперена» открыла новый – послевоенный период в творчестве Равеля. Если раньше оно развивалось в русле импрессионизма, то сейчас импрессионистские черты теряют главенство, хотя и не исчезают бесследно. Равель понял и отразил горечь войны с ее неслыханными жертвами. Его творчество эволюционирует от радостного восприятия жизни к большему драматизму отельных произведений («Вальс», 2-й фортепианный концерт).

Меняется его стиль, сам композитор определил эту тенденцию как «лаконизм, доведенный до предела». Появились новые черты:

A. – стремление к отчетливости мелодического рисунка и его преобладанию над колоритом; при этом на смену кратким мотивам приходят протяженные мелодии широкого дыхания (они встречались эпизодически и раньше). Яркий пример – тема «Болеро».

B. – возрастает роль полифонии;

C. – усиливается роль конструктивного начала;

D. – усиливается контрастность музыкальной формы, действенность развития;

E. – в произведениях послевоенных лет Равель чаще обращается к традициям прошлых веков, к искусству XVII – XVIII веков, т.о. его стиль соприкасается с эстетикой неоклассицизма. Очень ярко это проявилось в «Гробнице Куперена», в Первом фортепианном концерте.

F. – новым было и увлечение джазом. Равель был в числе музыкантов, увидевших в джазе источник обновления традиционных форм.

· Произведения 2-го периода

· фортепианные – цикл «Гробница Куперена», два фортепианных концерта;

· вокальные – «Мадагаскарские песни», «3 песни Дон Кихота»;

· симфонические – хореографич. поэма «Вальс», «Болеро»;

· камерные - соната для скрипки и виолончели; соната для скипки и ф-но; опера-балет «Дитя и волшебство».

Говоря о стилистических отличиях, произведений I-го и II-го периодов, следует выделить и некоторые общие приметы равелевского стиля:

· тяготение к рельефному тематизму, в котором ясно ощущаются народные истоки;

· интерес к фольклору, особенно испанскому;

· огромная роль танцевальных элементов; тяготение к танцевальной ритмике самых разных жанров, от менуэта до фокстрота;

· четкость музыкальной формы. К Равелю, в отличие от многих других композиторов рубежа веков, вполне применимы критерии классичности (стройность, уравновешенность формы). В отличие от Дебюсси, Равель вполне лоялен к традиционным формам, в частности, к сонатной, которую часто использует;

· мастерство оркестрового письма («виртуоз оркестровки»

9. Оркестровые сочинения М. Равеля. « Испанская рапсодия», «Болеро»

Четкая ритмическая фигура, отбиваемая малым барабаном со скупым сопровождением альтов и виолончелей пиццикато, открывает пьесу. Этот двутакт (здесь он повторен дважды, прежде чем вступит тема) будет звучать непрерывно на протяжении всего «Болеро». Флейта еле слышно запевает извилистую, упругую, чисто инструментальную мелодию, которая четко делится надвое, причем вторая ее часть приобретает страстно-страдальческий характер. Закончив напев, флейта присоединяется к барабану, дублируя его ритм на доминантовом звуке (соль), а мелодию начинает петь кларнет. Далее она переходит к фаготу, затем - кларнету-пикколо, гобою д"амур, дуэту флейты и трубы, саксофону. (Тот редкий случай, когда саксофон введен в состав симфонического оркестра.) Его напряженный, полный экспрессии звук придает особую краску мелодии, проходящей поочередно у саксофонов - тенора, сопрано и сопранино. Одновременно с переходом темы от одного к другому инструменту, увеличивается и мощь аккомпанемента. От еле слышных пиццикато начала он разрастается: вступают новые инструменты, у струнных появляются арпеджио в ритме, установленном малым барабаном, вместо отдельных звуков слышны красочные аккордовые пятна. Постепенное неуклонное оркестровое крещендо приводит к грандиозной кульминации в конце: все три линии (мелодия, аккомпанемент и ритмическая фигура) многократно дублируются в полнозвучном tutti, причем в заключительных тактах Равель использует крайне редкий и очень сильный эффект - глиссандо тромбонов. Все резко обрывается на высшей точке кульминации.

Испанская рапсодия

Испанская рапсодия открывается прелюдией «К ночи» - образом ночного южного пейзажа. Тончайшая оркестровая звукопись вызывает в воображении таинственную, полную любовного томления ночь. На фоне тихого тремоло скрипок непрерывно слышится мотив из четырех нисходящих звуков. Он проходит сначала у скрипок и альтов, затем передается гобою, английскому рожку, флейте, челесте. В нежных оркестровых красках, в ладовой, ритмической и гармонической переменчивости создается изысканная импрессионистская картина. Два кларнета в октаву вступают с грустно-меланхолическим напевом, который сменяется мотивом танца, затем вступает новая каденция - на этот раз фаготов, которую сопровождают тихие шорохи, смутные отзвуки танца, обрывки напевов, смешивающиеся в общем движении. Замыкает часть возвращение нисходящего мотива ночи.

«Малагенья» - любовная песня-танец, одна из самых распространенных в Андалузии. Здесь это колоритная танцевальная сценка, изящная, проникнутая подлинным испанским духом. Она открывается короткой (всего три такта) рельефной темой, звучащей у виолончелей и контрабасов пиццикато таинственно, даже тревожно. Она повторяется, причудливо раскрашивается. Новая, импульсивная тема, у трубы с сурдиной, затем мечтательно повторяемая скрипками, вызывает в воображении выход солистов-танцоров, кавалера и дамы. Все более оживляющийся танец внезапно прерывается монологом английского рожка - призывным, полным страстного томления. В завершающую его каденцию врывается нисходящий мотив из первой части (челеста, солирующие скрипки, альты и виолончель с сурдиной). Возвращается ненадолго движение танца, которым и завершается «Малагенья».

«Полная выдумки поэтичная "Хабанера" чарует нас своим трепетно-томным характером, ритмикой и ностальгической образностью; прелесть насыщенной и точной оркестровки придает пьесе тембральное богатство и красочность», - пишет о третьей части Рапсодии А. Корто. На протяжении почти всей «Хабанеры» слышится повторяемый в неизменном ритме один и тот же звук - своего рода стержень, вокруг которого обвиваются краткие мотивы, изысканные гармонии, полные томной неги. Танцевальные мелодии словно наплывают издалека и снова исчезают, облеченные в красочный, своеобразный оркестровый наряд. Отдельные краткие нисходящие интонации, вступая в противоречие с общим восходящим движением мелодий, придают особое лирико-драматическое напряжение музыке. Короткие всплески у скрипок вызывают ассоциации с порывистыми танцевальными движениями (хабанеру «танцуют всем станом и особенно руками, которые взлетают ввысь как птицы»).

Заключительная часть, «Ферия», являет собой яркую картину народного празднества. Слышатся наигрыши флейт, рокот малых барабанов, характерное пощелкивание кастаньет, звон гитар, имитируемый струнными. Разворачивается хота: начинаясь у флейты, тема ее постепенно захватывает весь оркестр. Звучат подлинные мотивы самого яркого народного танца Испании, знакомого по «Арагонской хоте» Глинки. Появляются и мотивы из предшествующих частей Рапсодии. После захватывающего tutti наступает внезапный спад. На фоне чуть слышных «вздохов» низких струнных звучит, как во второй части, импровизация английского рожка. Мотивы, напоминающие о прелюдии «К ночи», приводят к возвращению начального раздела. Хота разворачивается все ярче и зажигательнее, заканчиваясь ослепительным вихрем.

10. Фортепианное творчество М. Равеля в его эволюции. « Гробница Куперена», Концерты для ф-но с орк. Соль мажор, Ре мажор.Как и Дебюсси, Равель много сочинял в области фортепианной музыки, создав свой особый фортепианный стиль. Он тоже был блестящим пианистом и часто исполнял свои сочинения. Произведениями для фортепиано Равель начал свой творческий путь, поэтому можно сказать, что именно здесь формировалась его творческая индивидуальность.\ Дебюсси, и Равель обновили фортепианную музыку, опираясь на сходные истоки – романтический пианизм и творчество французских клавесинистов. Но если Дебюсси претворял, главным образом, шопеновскую традицию, то Равелю ближе был Лист«Старинный менуэт» – первое сочинение, которое Равель счел достойным публикации – свидетельствует о его стремлении к возрождению старинных национальных жанров, что является важной приметой неоклассицизма. Близость к этому течению проявляется у Равеля более определенно, чем у Дебюсси, особенно в поздних сочинениях («Гробнице Куперена» и 1-м фортепианном концерте, стилизованном в духе Моцарта).Уже ранние фортепианные сочинения Равеля можно назвать подлинными шедеврами – это «Павана на смерть инфанты» и «Игра воды».Популярность «Паваны» во многом объясняется напевной, вокальной по природе мелодией. Она неотделима от фактуры и, вместе с тем, не заслоняется ею. Простая на первый взгляд, эта мелодия оригинальна и характерна для Равеля: в ней избегается вводнотоновость. Характер пьесы созерцательно-спокойный, в котором чуть ощутима светлая печаль. От лирического образа уснувшей инфанты смысловые нити тянутся к сюите музыкальных сказок «Матушки гусыни» (так во Франции называют няню).«Игра воды» – образец импрессионистической красочности, который можно поставить в один ряд с такими «манифестами» импрессионистского стиля, как картина Клода Моне «Восход солнца» или оркестровая прелюдия Дебюсси «Послеполудень фавна». Созданная в 1901 году, эта пьеса предшествовала импрессионистским фортепианным произведениям Дебюсси; таким образом, Равель с полным правом может оспаривать у Дебюсси славу основоположника нового фортепианного стиляПоэзия водной стихии – излюбленная тема фортепианной музыки, особенно романтической. Фактура «Игры воды» показывает, что Равель многое воспринял от живописных пьес Листа из цикла «Годы странствий» («У ручья», «На Валленштадском озере», «Фонтаны виллы д,Эсте»). Развивая эти традиции, композитор создает колоритную пейзажную зарисовку, музыка которой в своем непрерывном движении никуда не стремится: она фиксирует «прекрасное мгновение».Таким же поэтическим настроением окрашена Сонатина (1905). Она состоит из трех миниатюрных частей, лишенных сильных контрастов. Лирическая напевность I части сменяется танцевальной грацией Менуэта и четкой пассажностью финала. Общая композиция объединяется тематической «аркой»: главная партия первой части возвращается в слегка измененном виде в побочной партии финала.Совсем иная атмосфера – в фортепианном цикле «Ночной Гаспар»(1908). Это первое проявление драматизма в творчестве Равеля. Здесь получила развитие традиция «мефистофельских» образов Листа. Цикл состоит из трех пьес: «Ундина», «Виселица», «Скарбо», в музыке которых преобладает атмосфера мрачных видений.Следующее сочинение для фортепиано – «Моя матушка – гусыня» –цикл 4-ручных детских пьес «Павана Спящей красавицы»,

· «Мальчик-с-пальчик»,

· «Дурнушка, императрица китайских статуэток»,

· «Разговор Красавицы с Чудовищем»,

· «Волшебный сад».

Они словно перенося слушателя в мир детства, добрых фей. Равель впоследствии создал оркестровый вариант этого цикла, а потом, сочинив сценарий, превратил его в детский балет «Сон Флорины», сюжет которого напоминает сказку о Спящей красавице.

Аналогичным образом фп. цикл «Благородные и сентиментальные вальсы» со временем был переработан в балет «Аделаида, или Язык цветов».

Последнее произведение Равеля для фортепиано – сюита «Гробница Куперена». По словам самого композитора, это памятник всей французской музыке XVIII века. Состоит из 6 пьес: прелюдия с фугой предваряют три танца – форлану, ригодон, менуэт, после чего следует финальная токката. Первой исполнительницей цикла стала Маргарита Лонг.

11. М. Равель и музыкальный театр(опера « Испанский час», опера-балет «Дитя и волшебство»)

Значение Равеля определяется яркой оригинальностью его музыки, исключительным совершенством композиторского мастерства. Музыка Равеля характеризуется сжатыми формами, четким и непринужденным построением мелодических фраз, большой динамичностью. Большое место в творчестве Равеля занимает хореография, народный танец.

Его одноактный балет "Дафнис и Хлоя" явился новаторским произведением в этом жанре. В балете использована звучность хора (без слов), музыка отличается подлинно симфоническим характером, живостью ритмов и яркостью оркестровых красок. Второй одноактный балет - "Моя матушка гусыня" (по мотивам французских сказок, переделан из фортепианной сюиты, пост. 1915, Париж) проникнут глубоко народным складом музыки, в нем проявилось богатейшее дарование Равеля-мелодиста. Все хореографические произведения Равеля вошли в симфонический репертуар оркестров многих стран.

Первая опера Равеля "Испанский час" (1907, пост. 1911, Париж) обновляет жанр лирической музыкальной комедии; она отмечена тонким юмором, блеском вокального и оркестрового стиля. Вторая его одноактная опера "Дитя и волшебство" названа автором "лирической фантазией"; в ней оживает фантастический мир игрушек, зверей, даже предметов домашнего обихода - часы, кушетка и т. д. Опера овеяна поэзией детства. В то же время в ней проявилась и тонкая ирония Равеля.Естественные истории" подготовили меня к сочинению "Испанского часа", музыкальной комедии на текст г-на Франк-Ноэна, которая является не чем иным, как своего рода музыкальным разговором. Основной замысел этого произведения - возрождение жанра оперы-буфф.Совсем иного плана "Дитя и волшебства", лирическая фантазия в двух действиях, в которой преследуются, однако, те же цели. Мелодическое начало, господствующее в ней, опирается на сюжет, который мне хотелось трактовать в духе американской опер етты. Либретто г-жи Колетт позволяло подобную вольность в музыкальной феерии. Тут господствует пение. Оркестр, хотя и не лишенный виртуозности, остается на втором плане.«ДИТЯ И ВОЛШЕБСТВО». В опере, которую сам автор назвал «лирической фантазией» оживает мир игрушек, зверей и предметов домашнего обихода. Среди действующих лиц – старое кресло, разбитая чашка, деревья, звери, птицы и даже… учебник арифметики – всё овеяно поэзией детства. Ее герой – шестилетний мальчик, наказанный матерью за непослушание. Он срывает своё недовольство, пытаясь «назло» всё сломать и испортить. В его сне мир неузнаваемо преображается, и мальчик начинает постигать, что всё вокруг него полно жизни. Тяжело вздыхает раненное его ножом дерево, белка жалуется, что мальчик мучает её подружку. Он пытается подружиться с животными и растениями, но они его боятся из-за тех обид, что он им причинил, когда они ещё были неодушевленными…Во время Второй мировой войны директор Парижской оперы Жак Руше попросил известную французскую писательницу Сидони-Габриель Колетт подготовить текст для сказочного балета. В оригинале история называлась «Дивертисменты для моей дочки». После того, как Колетт выбрала Равеля, ему в 1916 году был прислан на фронт текст, но письмо потерялось. В 1917 году Равель, наконец, получил копию текста и согласился написать партитуру. Работа длилась долго, и Колетт уже потеряла надежду на то что она когда-нибудь завершится, но, 21 марта 1925 года опера была поставлена в Монте Карло с хореографией Жоржа Баланчина. Равель сравнивал её со своей предыдущей работой («Испанский час») «Больше, чем когда-либо я за мелодию. Да, мелодия, бельканто, вокализы, вокальная виртуозность – это главное. Здесь лирическая фантазия зовет мелодию и ничего, кроме мелодии... Партитура «Дитя и Волшебства» это смесь стилей и эпох, от Баха до... Равеля».Опера «Дитя и волшебство» – является признанным шедевром Мориса Равеля. Музыкальный язык сочинения свидетельствует об активных экспериментах композитора в области гармонии, ритма, лада, оркестровки. Это проявляется в обращении к бытовым жанрам (вальс, марш, городской шансон), ритмам новых для того времени танцев (фокстрота, канкана, регтайма), использование не «музыкальных» звуков (шумов, скрипа, треcка). Музыка отдельных сцен, таких как марш-скерцо Часов, фокстрот Чашки и Чайника, сцена Задачника, дуэт Кота и Кошки содержит джазово-блюзовые звучания, характерные для эстетики мюзикла, мюзик-холла.

12. «Дафнис и Хлоя» М. Равеля и пути симфонизации балета

Дафнис и Хлоя пасут свое стадо. С другими пастухами они приносят дары изваяниям трех нимф, высящимся над гротом в священной роще. Дафнис и Хлоя прекраснее всех, и пастушка пытаются соблазнить девушки, а юноши ухаживают за Хлоей. В обоих это вызывает ревность. Особенно сильна она у Дафниса, который видит, как Хлою хочет поцеловать волопас Даркон. Девушки подбивают Даркона соревноваться с Дафнисом в танце. Дафнис одерживает верх, и Хлоя целует победителя. Все расходятся, Дафнис ложится на землю. Влюбленная в него Ликейон пользуется одиночеством пастушка, чтобы соблазнить его, но он остается равнодушным. В досаде Ликейон убегает, а тишина рощи нарушается криками и звоном оружия: через лес бегут пираты. Они похищают девушек, грабят и убивают мужчин. Дафнис бросается на поиски Хлои, которая ищет защиты у трех нимф. Пираты хватают Хлою, и прибежавший на крики Дафнис видит лишь обрывки ее одежды. В мольбах он падает к подножию нимф. Они спускаются с пьедестала и призывают Пана. Бог является Дафнису.

В разбойничьем стане пир по случаю богатой добычи. Идет дележ. Самая прекрасная добыча - пастушка Хлоя. Бриксис заставляет ее танцевать со связанными руками, под ударами бичей. Несчастная молит Пана о спасении, и бог насылает на пиратов панический ужас. С Хлои спадают узы, на ее голове, как знак покровительства Пана, появляется сосновый венок. Она возносит Пану благодарственные моления.

«Тишина, нарушаемая лишь журчанием ручейков росы, стекающих со скал... Постепенно рассветает» (Равель). Дафнис приходит в чувство перед гротом нимф. Друзья приводят спасенную Хлою. Старый Ламон соединяет Дафниса и Хлою, они клянутся вечно любить друг друга. Ламон рассказывает легенду о Пане и нимфе Сиринкс, превратившейся в тростник, из которого Пан сделал свою флейту. Он играет на флейте, а Дафнис и Хлоя танцем передают содержание мифа о боге и убегающей от него нимфе.

Равель назвал «Дафниса и Хлою» хореографической симфонией. «Это произведение построено симфонически, по строгому тональному плану на нескольких темах, развитием которых достигается единство целого»,- читаем в одном из его писем. В партитуре балета пластичность и танцевальность органично сочетаются с непрерывностью развития. Музыка «Дафниса и Хлои» отличается сдержанной страстностью, роднящей ее с романтическими произведениями, яркостью гармонических красок, разнообразием и изяществом оркестровых средств. Значительную роль играет при этом особая краска - хор, поющий с закрытым ртом.