Donna con un gatto. 1875

Pittore, grafico e scultore francese, uno dei principali rappresentanti dell'impressionismo. Renoir è conosciuto principalmente come maestro del ritratto secolare, non privo di sentimentalismo; fu il primo degli impressionisti ad avere successo con i ricchi parigini. A metà degli anni 1880. in realtà ruppe con l'impressionismo, ritornando alla linearità del classicismo, all'engrismo.

Auto ritratto. 1876

Auguste Renoir nasce il 25 febbraio 1841 a Limoges, una città situata nel sud della Francia centrale. Renoir era il sesto figlio di un povero sarto di nome Léonard e di sua moglie Marguerite.

Ritratto della madre di Renoir. 1860

Nel 1844 i Renoir si trasferirono a Parigi, e qui Auguste entrò nel coro della chiesa della grande cattedrale di Saint-Eustache. Aveva una tale voce che il direttore del coro, Charles Gounod, cercò di convincere i genitori del ragazzo a mandarlo a studiare musica. Tuttavia, oltre a questo, Auguste ha mostrato il dono di un artista, e all'età di 13 anni ha iniziato ad aiutare la sua famiglia trovando lavoro presso un maestro, dal quale ha imparato a dipingere piatti di porcellana e altri piatti. La sera Auguste frequentava una scuola di pittura.

Danza a Bougival. 1883

Nel 1865, a casa del suo amico, l'artista Jules Le Coeur, conobbe una ragazza di 16 anni, Lisa Treo, che presto divenne l'amante di Renoir e la sua modella preferita. Nel 1870 nacque la loro figlia Jeanne Marguerite, anche se Renoir si rifiutò di riconoscere ufficialmente la sua paternità. La loro relazione continuò fino al 1872, quando Lisa lasciò Renoir e ne sposò un altro.

Auto ritratto. 1875

La carriera creativa di Renoir fu interrotta nel 1870-1871, quando fu arruolato nell'esercito durante la guerra franco-prussiana, che si concluse con una schiacciante sconfitta per la Francia.

Danza in campagna. 1883

Il ritratto di Aline Charigot, moglie di Renoir, fu probabilmente dipinto mentre la famiglia si trovava nelle campagne della Francia orientale. 1885

Nel 1890, Renoir sposò Alina Charigot, che aveva conosciuto dieci anni prima quando era una sarta di 21 anni.

Maternità. 1886

Avevano già un figlio, Pierre, nato nel 1885, e dopo il matrimonio ebbero altri due figli: Jean, nato nel 1894, e Claude (noto come "Coco"), nato nel 1901 e diventato uno dei modelli preferiti di suo padre.

Dipinto di Jean Renoir. 1901

Quando la sua famiglia fu finalmente formata, Renoir aveva raggiunto il successo e la fama, fu riconosciuto come uno dei principali artisti di Francia e riuscì a ricevere dallo stato il titolo di Cavaliere della Legione d'Onore.

La famiglia dell'artista. 1896

La felicità personale e il successo professionale di Renoir furono oscurati dalla malattia. Nel 1897, Renoir si ruppe il braccio destro dopo essere caduto dalla bicicletta. Di conseguenza, ha sviluppato reumatismi, di cui ha sofferto per il resto della sua vita. I reumatismi resero difficile per Renoir vivere a Parigi, e nel 1903 la famiglia Renoir si trasferì in una tenuta chiamata "Colette" nella piccola città di Cagnes-sur-Mer.

Auto ritratto. 1899

Dopo un attacco di paralisi avvenuto nel 1912, nonostante due operazioni chirurgiche, Renoir fu incatenato a una sedia a rotelle, ma continuò a dipingere con un pennello che gli fu messo tra le dita da un'infermiera.

Agosto Renoir. Autoritratto. 1910

Negli ultimi anni della sua vita, Renoir ha guadagnato fama e riconoscimento universale. Nel 1917, quando i suoi "Ombrelli" furono esposti alla National Gallery di Londra, centinaia di artisti britannici e semplici amanti dell'arte gli inviarono congratulazioni, che dicevano: "Dal momento in cui il tuo dipinto è stato appeso nella stessa fila con le opere degli antichi maestri, abbiamo provato la gioia che il nostro contemporaneo abbia preso il posto che gli spetta nella pittura europea".

Gli ombrelli. 1883

Il dipinto di Renoir fu esposto anche al Louvre e nell'agosto 1919 l'artista visitò Parigi per l'ultima volta per guardarlo.

Auto ritratto. 1910

Il 3 dicembre 1919, Pierre-Auguste Renoir morì a Cagnes-sur-Mer di polmonite all'età di 78 anni. Sepolto a Essua.

Profumo primaverile. 1866

Creazione

Scelta dei generi 1862-1873

All'inizio del 1862, Renoir superò gli esami alla Scuola di Belle Arti dell'Accademia delle Arti e si iscrisse allo studio di Gleyre. Lì conosce Fantin-Latour, Sisley, Basil e Claude Monet. Ben presto divennero amici di Cezanne e Pizarro, così si formò la spina dorsale del futuro gruppo impressionista.

Camillo Monet. 1873

Nei suoi primi anni, Renoir fu influenzato dal lavoro dei Barbizon, Corot, Prudhon, Delacroix e Courbet.

Nell'estate del 1868

Nel 1864 Gleyre chiuse l'officina, la formazione terminò. Renoir iniziò a dipingere le sue prime tele e poi per la prima volta presentò al Salon il dipinto "Esmeralda che balla tra i vagabondi". Fu accettata, ma quando gli fu restituita la tela, l'autore la distrusse.

Ritratto dei Sisley. 1868

Piscina per bambini. 1869

Avendo scelto i generi per le sue opere in quegli anni, non li ha cambiati fino alla fine della sua vita. Questo è un paesaggio - "Jules le Coeur nella foresta di Fontainebleau" (1866), scene quotidiane - "The Frog" (1869), "Pont Neuf" (1872), una natura morta - "Spring Bouquet" (1866), "Natura morta con un bouquet e un ventaglio" (1871), un ritratto - "Lisa con un ombrello" (1867), "Odalisca" (1870), natura nuda naya - "D iana la cacciatrice" (1867).

Odalisca. 1870

Natura morta con bouquet e ventaglio. 1871

Nel 1872, Renoir ei suoi amici crearono la Anonymous Cooperative Partnership.

signorina Sicot. 1865

Madame Clementine Valensi Stora. 1870

Camillo Monet. 1872

Madame Édouard Bernier. 1871

Donna con un pappagallo. 1871

Raffa Mater.1871

Ombrello inutile. 1872

Guidando verso il Bois de Boulogne. 1873

Lotta per il riconoscimento 1874-1882

La prima mostra del partenariato si aprì il 15 aprile 1874. Renoir ha presentato pastelli e sei dipinti, tra cui "Dancer" e "Lodge" (entrambi - 1874). La mostra si è conclusa con un fallimento ei membri della partnership hanno ricevuto un soprannome offensivo: "Impressionisti".

Loggia. 1874

Il dipinto raffigura una donna (in primo piano) e un uomo (sullo sfondo) seduti in un palco dell'opera. Il fratello di Renoir, il giornalista Edmond Renoir e la modella di Montmartre Nini Lopez, hanno posato per questa foto.

Donna sorridente. Ritratto della signora Pechi. 1875

Pescivendola. 1875

Madame Victor Choquet. 1875

Nonostante la povertà, è in questi anni che l'artista realizza i suoi principali capolavori: Grands Boulevards (1875), Walk (1875), Ball at the Moulin de la Galette (1876), Nude (1876), Nude in the Sunlight (1876), Swing (1876), First Departure (1876/1877), Path to tall grass" (1877).

Ballo al Moulin de la Galette. 1876

Oscillazione. 1876

Ritratto di Madame Alphonse Daudet. 1876

Nudo. 1876

Giovane donna che intreccia i capelli. 1876

Renoir cessò gradualmente di partecipare alle mostre degli impressionisti. Nel 1879, presentò al Salon nel 1879 il Ritratto dell'attrice Jeanne Samary (1878) a figura intera e il Ritratto di Madame Charpentier con bambini (1878) e ottenne il riconoscimento universale e, successivamente, l'indipendenza finanziaria. Ha continuato a scrivere nuove tele - in particolare, il famoso "Clichy Boulevard" (1880), "Breakfast of the Rowers" (1881), "On the Terrace" (1881), che divenne famoso.

Ragazza che legge un libro. 1876

Ritratto di Madame Charpentier. 1877

Ritratto dell'attrice Jeanne Samary. 1877

Ritratto dell'attrice Jeanne Samary. 1878

Una tazza di cioccolato. 1878

In segreto. 1878

Ritratto di Alfonsine Pechi. 1879

Rematori a cena sulle rive del fiume. 1879

Una giovane donna che cuce. 1879

Ritratto di Teresa Berardo. 1879

Vicino al lago. 1880

Colazione dei canottieri. 1881

Il dipinto è stato dipinto nel ristorante Fournaise, situato su un'isola della Senna, situata a Chatou, poco a ovest di Parigi. Renoir adorava questo posto - qui non è stata dipinta solo "La colazione dei rematori", ma anche altri dipinti. In effetti, l'immagine è un ritratto di gruppo di una riunione di amici. Regna un'atmosfera gioiosa e rilassata, non c'è splendore, tutti sono in pose naturali e casuali. Dietro la ringhiera è visibile una fitta vegetazione, oltre la quale fa capolino la Senna.Nel dipinto, Renoir ha raffigurato molti dei suoi amici e conoscenti.

Due sorelle (Sulla terrazza). 1881

Albert Caen, compositore d'opera francese, 1881

Ragazza con un ventilatore. 1881

Ragazze in nero. 1881

Ritratto di Alfred Berard con il suo cane. 1881

Marie-Thérèse Durand-Ruel cucito. 1882

"Periodo Engrov" 1883-1890

Renoir si recò in Algeria, poi in Italia, dove conobbe da vicino le opere dei classici del Rinascimento, dopodiché il suo gusto artistico cambiò. Renoir dipinse una serie di dipinti "Dance in the Village" (1882/1883), "Dance in the City" (1883), "Dance in Bougival" (1883), così come tele come "In the Garden" (1885) e "Umbrellas" (1881/1886), dove il passato impressionista è ancora visibile, ma appare il nuovo approccio alla pittura di Renoir.

Ragazza con un cappello di paglia. 1884

Si apre il cosiddetto "periodo Ingres". L'opera più famosa di questo periodo è The Great Bathers (1884/1887). Per la costruzione della composizione, l'autore ha utilizzato per la prima volta schizzi e schizzi. Le linee del disegno sono diventate chiare e definite. I colori hanno perso la luminosità e la saturazione precedenti, il dipinto nel suo insieme ha cominciato a sembrare più sobrio e freddo.

Grandi bagnanti. 1884-1887.

In primo piano sono raffigurate tre donne nude: due sono sulla riva e la terza è in piedi nell'acqua, apparentemente con l'intenzione di spruzzarle. Le figure delle donne sono scritte in modo molto chiaro e realistico, che era uno stile caratteristico per questo periodo dell'opera di Renoir, che era chiamato il periodo "secco" o "Ingres" (dal nome dell'artista Dominique Ingres).

Per il dipinto, Renoir fu posato (da sinistra a destra) da Alina Charigot, futura moglie di Renoir (nel 1885 nacque il loro primo figlio, Pierre, e ufficialmente il matrimonio fu concluso nel 1890), e Suzanne Valadon (vero nome Marie-Clementine Valadon), che in seguito divenne una famosa artista.

Renoir ha lavorato a questo dipinto per circa tre anni e nel processo ha disegnato un gran numero di schizzi e schizzi, comprese almeno due versioni a più figure a grandezza naturale. Dopo The Great Bathers, non c'era un solo film a cui avrebbe dedicato così tanto tempo e fatica.

Proprio sulla riva del mare. 1883

Danza in città. 1883

Giovani donne che giocano a badminton. 1885

Ritratto di Suzanne Valadon. 1885

Lettura della ragazza. 1886

Acconciatura. 1888

Ragazza con le margherite. 1889

Madame de Vernon. 1889

Ragazza in un cappello rosa e nero. 1890

"Periodo di perla" 1891-1902

Nel 1892, Durand-Ruel aprì una grande mostra di dipinti di Renoir, che ebbe un grande successo. Il riconoscimento è arrivato anche da funzionari governativi: il dipinto "Girls at the Piano" (1892) è stato acquistato per il Museo del Lussemburgo.

Ragazze al pianoforte. 1892
Il dipinto raffigura due giovani ragazze: una è seduta al pianoforte e l'altra è in piedi accanto a lei. Entrambe le ragazze guardano con attenzione ed entusiasmo le note, apparentemente scegliendo una sorta di melodia. Un'immagine così calma e idilliaca era un simbolo della cultura borghese francese di quel tempo.

Donna in un cappello. 1891

Le ragazze stanno leggendo. 1891

Christina Lerolle ricama. 1895

Suonare la chitarra. 1897

Renoir si è recato in Spagna, dove ha conosciuto il lavoro di Velasquez e Goya.
All'inizio degli anni '90 si sono verificati nuovi cambiamenti nell'arte di Renoir. In modo pittoresco è apparsa un'iridescenza di colore, motivo per cui questo periodo è talvolta chiamato "madreperla".
In questo periodo, Renoir dipinse dipinti come "Mele e fiori" (1895/1896), "Primavera" (1897), "Figlio Jean" (1900), "Ritratto della signora Gaston Bernheim" (1901). Ha viaggiato nei Paesi Bassi, dove si è interessato ai dipinti di Vermeer e Rembrandt.

Madame Paul Gallimard, nata Lucie Duce. 1892

Ragazze che guardano l'album. 1892

Ragazza che si lava i capelli. 1894

Donna con arrossire rosso. 1896

Tre bagnanti con un granchio. 1897

Ritratto di Christina Lerolle.1897

Una giovane donna spagnola che suona la chitarra. 1898

Yvonne e Christine al pianoforte. 1898

"Periodo rosso" 1903-1919

Il periodo "perlato" ha lasciato il posto al "rosso", così chiamato per la preferenza per le sfumature dei fiori rossastri e rosa.
Renoir continuò a dipingere paesaggi solari, nature morte dai colori vivaci, ritratti dei suoi figli, donne nude, creò A Walk (1906), Portrait of Ambroise Vollard (1908), Gabriel in a Red Shirt (1910), Bouquet of Roses (1909/1913), Woman with a Mandolin (1919).

Ritratto di Marthe Denis. 1904

premurosità. 1906

Ritratto di Ambroise Vollard. 1908

Ambroise Vollard - uno dei più importanti mercanti d'arte (mercanti) a Parigi nel XIX - all'inizio. XX secoli Ha sostenuto sia finanziariamente che moralmente un gran numero di artisti famosi e sconosciuti, tra cui Cezanne, Maillol, Picasso, Rouault, Gauguin e van Gogh. Era anche conosciuto come collezionista ed editore.

Gabriel per un maledetto. 1908

Signora con un ventaglio. 1908

Il signore e la signora Bernheim de Villers. 1910

Lavare. 1912

La donna ai fornelli. 1912

Fatti interessanti

Un caro amico di Auguste Renoir era Henri Matisse, che aveva quasi 28 anni meno di lui. Quando O. Renoir era essenzialmente costretto a letto a causa di una malattia, A. Matisse lo visitava ogni giorno. Renoir, quasi paralizzato dall'artrite, superando il dolore, ha continuato a dipingere nel suo studio. Una volta, osservando il dolore con cui gli viene dato ogni tratto di pennello, Matisse non lo sopportò e chiese: "Auguste, perché non lasci la pittura, soffri così tanto?" Renoir si è limitato alla sola risposta: "Il dolore passa, ma la bellezza rimane". E questo era l'intero Renoir, che ha lavorato fino al suo ultimo respiro.

Ogni paese ha i suoi eroi dell'arte contemporanea, i cui nomi sono noti, le cui mostre raccolgono folle di appassionati e curiosi e le cui opere sono distribuite tra collezioni private.

In questo articolo, ti presenteremo gli artisti contemporanei più popolari in Francia.

Malika Favre

Malika Favre è stata introdotta nel mondo delle belle arti dalla madre artista: non c'erano TV e videogiochi in casa loro, questi divertimenti sono stati sostituiti dal disegno. Dopo la laurea, Favre si è trasferita a Londra, dove vive e lavora ancora oggi. Fu a Londra, dopo quattro anni ad Airside, che trovò la sua vocazione e divenne un'illustratrice professionista.

Tommaso Mainardi

Thomas è un artista autodidatta francese. I suoi dipinti, il cui stile l'artista definisce espressionismo pop, sono impressioni soggettive e momenti strappati alla moderna cultura pop e saturi di emozioni e fantasie. Attualmente l'artista vive e lavora in una piccola città tra Parigi e Lille.

Nushka

L'artista Nushka vive e lavora a Parigi e dipinge da oltre 10 anni. Ha studiato Nushka pittura a Detroit con l'artista americano Zawaki, che le ha insegnato le basi della pittura, e con Maggie Siner, che l'ha introdotta alla meccanica dei colori. Ha anche studiato con l'artista Hashpa. Grazie a una base così ricca, la pittura dell'artista unisce abilità tecnica e stile a temi contemporanei.

Lorenzo Botella

Laurent ha studiato pittura al laboratorio Maithe Rovino di Osson e alla scuola d'arte Beaux Arts di Tolosa. I suoi dipinti sono realizzati con la tecnica impressionista - e la tecnica per Laurent è di fondamentale importanza: la composizione e la combinazione di colori mirano a enfatizzare la componente della trama dell'immagine. Dal 1991, Laurent Botella partecipa regolarmente a mostre e concorsi, dove riceve più volte premi e riconoscimenti.

Laurent Dauptain

Laurent Doptin ha un master in pittura. La trama delle sue opere è insolita: fondamentalmente l'artista disegna i propri ritratti, sperimentando varie tecniche. Di tanto in tanto Laurent si cimenta in altri generi, ma torna sempre all'autoritratto. Dal 1981 Dopten espone costantemente, ha partecipato più volte a vari concorsi e ha ricevuto più volte premi per il suo lavoro, i più significativi dei quali includono il Grand Prix del Salon Peintres de l "Armee, 2003, il Taylor Prize, 2001 e la medaglia d'oro del Salon Artist of France, 1997.

Michel Delacroix Michel Delacroix

Michel Delacroix è nato nel 1933. Il suo amore per il disegno risale ai tempi dell'occupazione tedesca di Parigi. È Parigi, che anche allora è rimasta Parigi, è l'eroe dei suoi dipinti: una città tranquilla e calma dell'infanzia dell'artista. Delacroix ha sperimentato a lungo gli stili, fino a quando non ha finalmente deciso la direzione che è diventata il suo marchio di fabbrica: lo stile pittorico "ingenuo". Delacroix ha vinto numerosi premi tra cui il Grand Prix des Amateurs d'Art, Parigi 1973, il Grand Prix de la Cote d'Azur, Cannes, 1976, il Premier Prix de Sept Collines, Roma, 1976, ecc. Il suo lavoro si trova in diverse collezioni pubbliche e private, tra cui il Museo Nazionale d'Arte Moderna di Parigi e il Museo Internazionale di Arte Naïve.

Silvestro Évrard

L'artista francese Sylvester Evrard vive e lavora a Lille. Fondamentalmente, gli eroi dei suoi dipinti sono persone. Lo stile e l'umore dei dipinti dell'artista, secondo le sue stesse parole, possono essere brevemente caratterizzati dall'espressione di Andre Malraux: "L'arte è la presenza nella vita di ciò che dovrebbe appartenere alla morte".

Patricia Perrier Radix

Il lavoro di Patricia è caratterizzato da leggerezza, semplicità e perfezione. L'artista non si ferma alla ricerca del suo stile, arricchisce costantemente le sue conoscenze studiando vari materiali, ma tende a lavorare con acrilico e pittura ad olio su tela. I suoi dipinti sono sorprendentemente emotivi: disegnando eroi senza volto, Patricia trasmette magistralmente le più piccole sfumature di sentimenti e stati d'animo con l'accuratezza di gesti e pose fugaci.

Enrico Lamy

L'artista figurativo francese contemporaneo Henri Lamy ha studiato pittura a olio, ma è rimasto affascinato dalla spontaneità e spontaneità dell'acrilico, che esalta il suo lavoro con colori nitidi ed espressivi. I dipinti di Henri sono creati dalla vernice che cola da un coltello, le cui striature si intrecciano, si uniscono e si asciugano quasi istantaneamente. Da vicino, questi dipinti acrilici possono sembrare astratti e mostrare i loro veri colori solo allo spettatore, che ha fatto un paio di passi indietro.

Giovanna Perdu

Joanna, conosciuta anche tra colleghi e amanti dell'arte come La D "Jo, ha conseguito un diploma in belle arti e si è dedicata a lui in tutta la sua diversità, dalla pittura alla fotografia. Trae le sue idee dal mondo dello spettacolo: musica, danza, teatro, circo .., e al centro dei suoi dipinti ci sono sempre creature viventi di questo mondo magico. Oggi i suoi dipinti si trovano nelle gallerie di varie parti del mondo. una regola, entusiasta.

C'è stato un tempo in cui gli artisti non erano apprezzati per il loro lavoro. Ma oggi questi individui sono molto apprezzati, indipendentemente dal fatto che appartengano a tempi storici o siano vivi. I pittori francesi sono particolarmente venerati per il loro lavoro straordinario e delizioso.

Ecco 10 dei più famosi e importanti artisti e pittori francesi. Torniamo al passato e consideriamolo tutto insieme. Divertitevi!

TOP 10 artisti e pittori francesi più famosi:

10. Paul Gauguin (1848-1903)

Paul Gauguin è un pittore e pittore francese dei tempi post-impressionisti. Ha dato un grande contributo allo sviluppo dei dipinti d'avanguardia. Gauguin era in stretta associazione con Van Gogh.

9. Vincent van Gogh (1853-1890)

Vincent van Gogh appartiene al periodo postimpressionista. È uno dei pittori e artisti più famosi al mondo. Vincent è noto per la sua audacia e i suoi dipinti sgargianti ed è nato nei Paesi Bassi.

8. Camillo Pissarro (1830-1903)

Camille Pissarro appartiene alle epoche impressionista e post-impressionista. È uno dei pittori più influenti e migliori di tutti i tempi. Ha lavorato su stili nuovi e unici nei suoi dipinti, che potrebbero dare un vantaggio alla sua carriera.

7. Édouard Manet (1832-1883)

Edouard Manet è noto per i suoi contributi alle scuole del realismo e dell'impressionismo. Fu un grande e innovativo pittore. Ha trasformato le opere in impressionismo per dare loro un aspetto moderno.

6. Eugène Delacroix (1798-1863)

Eugène Delacroix è noto per i dipinti romantici e le opere d'arte. Ha ricevuto ispirazione in questo lavoro dai pittori del Rinascimento veneziano e da Rubens.

5. Paul Cézanne (1839-1906)

Paul Cézanne è nato nel XVIII secolo. Un artista straordinario dell'era impressionista. Ha iniziato la sua carriera in forme impressioniste ma si è sviluppato come artista innovativo, regalando le migliori opere d'arte del XIX secolo.

4. Charles-Francois Dabigny (1817-1878)

Charles-Francois Dabigny è uno degli artisti più famosi di tutti i tempi. È ancora ricordato per i suoi tradizionali dipinti di paesaggi ed è abituato a impressionare coloro che lo circondano con opere d'arte uniche.

3. Agosto Renoir (1841-1919)

August Renoir appartiene all'era dell'impressionismo. È uno dei pittori più famosi che ha svolto un ruolo chiave nello sviluppo delle opere impressioniste.

2. Claude Monet (1840-1926)

Claude Monet è un pittore impressionista. È uno dei pittori più influenti del XVIII secolo. È stato fortemente influenzato dalle opere degli studenti delle scuole superiori e ha originato le sue opere come "Impression", "Sunrise" e altre.

1. Edgar Degas (1834-1917)

Edgar Degas è considerato il precursore dell'Impressionismo. Ha dipinto aspetti realistici della vita umana. Il suo stile di lavoro era davvero unico e molto impressionante.

Dettagli Categoria: Belle arti e architettura del tardo '500-'700 Pubblicato il 27.04.2017 14:46 Visualizzazioni: 3249

All'inizio del XVIII secolo. in Francia apparve un nuovo stile: il rococò.

Tradotto dal rococò francese (rocaille) - "guscio". Il nome di questo stile artistico rivela il suo tratto caratteristico: l'amore per le forme complesse, le linee bizzarre, che ricordano l'elegante sagoma di una conchiglia.
Lo stile rococò non durò a lungo (fino agli anni '40 circa), ma la sua influenza sulla cultura europea si rivelò molto forte.
Nella seconda metà del XVIII sec. iniziò una nuova ondata di interesse per la cultura antica. Ciò è stato in parte dovuto agli scavi di Pompei, che hanno scoperto monumenti d'arte unici. D'altra parte, le idee dell'Illuminismo francese hanno contribuito a questo interesse: hanno visto l'ideale dell'arte e della vita sociale nella storia e nella cultura dell'antica Grecia e dell'antica Roma. Così si formò un nuovo stile: il neoclassicismo. Questo non era il caso in tutti i paesi. Ad esempio, in Italia, lo stile barocco esisteva contemporaneamente allo stile rococò, mentre in Francia il barocco non ebbe molto sviluppo. In Russia, rococò e neoclassicismo si completavano a vicenda.
Nel XVIII sec. i clienti non hanno più un ruolo importante nel destino dell'artista: l'opinione pubblica diventa il principale giudice delle opere d'arte. Apparve la critica d'arte: Denis Diderot, Jean Jacques Rousseau e altri.
Un evento importante nella vita artistica della Francia nel XVIII secolo. divenne mostre pubbliche - Saloni. Dal 1667 furono organizzate annualmente dall'Accademia reale di pittura e scultura di Parigi con il sostegno della corte reale. Il successo al Salon era un riconoscimento per un pittore o uno scultore. Non erano solo i francesi ad aspirare a partecipare ai Saloni, così Parigi si trasformò gradualmente in un centro artistico paneuropeo.

Jean-Antoine Watteau (1684-1721)

Rosalba Carriera. Ritratto di Antoine Watteau (1721)
Antoine Watteau è un pittore francese del primo terzo del XVIII secolo, fondatore dello stile rococò.
Ha scoperto nella pittura la sfera delle emozioni più sottili, in sintonia con i testi del paesaggio.
A. Watteau è nato in una città di provincia nella famiglia di un roofer. Già nei suoi primi anni le sue capacità artistiche si manifestarono e suo padre lo diede come apprendista presso un pittore locale di talento insignificante. Ben presto il mentore ha cessato di essere utile al futuro artista. Antoine Watteau, contro la volontà del padre, lascia segretamente la sua città natale di Valenciennes e si reca a Parigi a piedi, dove lavora in un laboratorio di pittura sul ponte di Notre Dame, il cui proprietario organizzava la produzione in serie di copie economiche di dipinti di "gusto comune" per i compratori all'ingrosso. Watteau copiava meccanicamente gli stessi dipinti popolari e nel tempo libero dipingeva dal vero. Era eccezionalmente laborioso.

Antoine Watteau "Il capriccioso" (1718 circa). Museo statale dell'Ermitage (Pietroburgo)
Ben presto Watteau trovò i primi mecenati: Pierre Mariette e suo figlio Jean, incisori e collezionisti, proprietari di una grande azienda che commerciava stampe e dipinti. Alle Mariettes, Watteau ha avuto l'opportunità di conoscere le opere di Rembrandt, Tiziano, Rubens. Attraverso la mediazione delle Mariettes, Watteau diventa allievo dell'artista Claude Gillot, maestro della scenografia teatrale e creatore di piccoli quadri. “Da questo maestro, Watteau prese solo il gusto per il grottesco e il comico, nonché il gusto per i soggetti moderni, ai quali si dedicò in seguito. Eppure bisogna ammettere che Gillo Watteau ha finalmente capito se stesso e che da allora i segni del talento che doveva essere sviluppato si sono fatti più pronunciati ”(Biografia dell'artista Edm-Francois Gercin).

Antoine Watteau "Attori della commedia francese" (c. 1712). Museo statale dell'Ermitage (Pietroburgo)
A 33 anni, Watteau diventa il pittore più popolare di Parigi, il che ha contribuito alla sua fama europea.

Antoine Watteau "Gilles" (1718-1719). Louvre (Parigi)
Ecco come Watteau M.Yu parla di questa immagine. Tedesco, ricercatore di spicco presso il Museo Russo: “Nella storia dell'arte, Gilles non ha praticamente analogie. Poche persone hanno scritto attori. Inoltre, nessuno ha osato mostrare l'attore in completa inerzia. Per lo stesso Watteau, questo è stato un passo coraggioso: dipingere una figura proprio al centro della tela, riempiendone la maggior parte con un'ampia felpa con cappuccio che nasconde completamente il corpo del comico, e nel profondo ritrarre i volti di altri attori, con divertimento e animazione in netto contrasto con il volto quasi immobile dell'eroe ... Privato di gesti ed espressioni facciali, simmetricamente e piattamente inscritto nella tela, esiste tranquillamente nel tempo, come se si fosse fermato per sempre per lui. Tutto ciò che è fugace e transitorio gli è estraneo. Il trambusto dietro di lui è nei movimenti degli attori. Risate e divertimento del pubblico è di fronte a lui. E rimane immancabilmente immobile, con un buffo e commovente rimprovero negli occhi rotondi, affettuosi e intelligenti.
Già piuttosto malato, Watteau prese un'insegna per il negozio di antiquariato "The Great Monarch" sul ponte di Notre Dame. Questo negozio apparteneva al suo amico Gersen.

Antonio Watteau. Insegna della bottega di Gersin (1720-1721). Castello di Charlottenburg (Berlino)
Watteau dipinse un quadro-segno su due tele separate e poi inserite in un unico telaio. L'azione dell'immagine viene trasferita dal paesaggio all'interno. La tela raffigura un ampio negozio, che, secondo il progetto dell'artista, va direttamente al pavimento parigino.
In primo piano, a sinistra, dei servitori depongono in una cassetta un ritratto di Luigi XIV, recentemente scomparso. Nell'angolo superiore è appeso un ritratto del suocero, re Filippo IV di Spagna, a destra gli intenditori studiano attentamente il quadro in una cornice ovale; paesaggi e nature morte convivono qui con scene mitologiche.
La caratteristica principale di questo lavoro è la sua natura programmatica. Secondo Louis Aragon, Watteau, sotto le spoglie di un segno, ha presentato la storia della pittura così come la conosceva. Questa immagine è diventata come un testamento artistico dell'autore. Antoine Watteau è morto all'età di 36 anni di tubercolosi.

Monumento ad Antoine Watteau nella sua città natale di Valenciennes (1884)
Lo sviluppo dello stile rococò è anche associato al lavoro di Francois Boucher.

Francesco Boucher (1703-1770)

F. Boucher - Pittore, incisore, decoratore francese. Le sue opere sono caratterizzate da forme squisite, colorazione liricamente delicata, grazia, civetteria, a volte raggiungendo la dolcezza.

Gustav Lundberg. Ritratto di Francois Boucher
Boucher era un maestro incisore, libri illustrati di Ovidio, Boccaccio, Molière. Ha creato scenografie per opere e spettacoli, dipinti per le manifatture di arazzi reali; ha eseguito dipinti ornamentali di porcellana di Sevres, ventagli dipinti, miniature eseguite, ecc.
Nella pittura si rivolse a soggetti allegorici e mitologici, scene di genere dipinte, pastorali (poeticizzazione della vita rurale pacifica e semplice), paesaggi e ritratti.

F. Bush. Ritratto di Madame de Pompadour
Bush ha ricevuto il titolo di pittore di corte. Ha decorato le residenze del re e di Madame de Pompadour, palazzi privati ​​a Parigi. Negli ultimi anni della sua vita fu direttore della Royal Academy of Painting and Sculpture e "primo pittore del re".

F. Bush. Ritratto di Marie Buseau, moglie dell'artista (1733)
Un altro dipinto di F. Boucher illustra un episodio del racconto di La Fontaine "L'eremita". Un giovane che decide di sedurre una bella ma timida ragazza del villaggio si stabilisce nelle vicinanze sotto le spoglie di un eremita. Riesce a convincere la madre della ragazza della sua santità, e lei stessa gli porta la figlia per ascoltare i suoi buoni insegnamenti. Boucher mostra un'interpretazione originale dell'opera di Lafontaine, ma il paesaggio occupa il posto principale nella sua composizione.

F. Boucher “Paesaggio con un eremita. Frate Luce" (1742). Museo delle Belle Arti. AS Pushkin (Mosca)

Visioni democratiche dell'arte francese

Erano incarnati nell'opera del "pittore del terzo stato" Jean Baptiste Simeon Chardin, ritratti di Maurice Quentin de Latour.

Jean Baptiste Siméon Chardin (1699-1779)

Chardin. auto ritratto
Chardin evitava consapevolmente le trame tipiche dell'arte del suo tempo. Dipinse principalmente nature morte e scene quotidiane, ma in esse espresse le proprie osservazioni. Era interessato alla vita del popolo del "terzo stato" (tutti i gruppi della popolazione ad eccezione dei privilegiati: il clero e la nobiltà).
Le attività di Chardin come artista continuarono le tradizioni dei maestri olandesi e fiamminghi e rappresentarono il periodo di massimo splendore del realismo nel XVIII secolo. Anche la sua natura morta era un aspetto per rappresentare la realtà. Gli oggetti più ordinari sono diventati per lui fonti di composizione per rappresentare l'essere armonioso: brocche, vecchie pentole, verdure, ecc.

Chardin "Scat" (1728). Louvre (Parigi)
L'artista ha saputo trasmettere perfettamente la diversità dei colori, ha sentito l'interconnessione interna degli oggetti. Con piccoli tratti trasmetteva sfumature di colore, possedeva la capacità di includere l'influenza della luce solare nell'immagine.
Passando alla pittura di genere, alle normali scene domestiche, Chardin ha ricreato sulla tela un modo di vivere quotidiano calmo e misurato, vicino a ogni persona. Sono stati questi dipinti a rafforzare per lui uno dei posti di rilievo nella storia della pittura francese. Nel 1728 divenne membro dell'Accademia delle arti di Parigi, nel 1743 - suo consigliere; in seguito divenne membro dell'Accademia delle scienze, della letteratura e delle belle arti di Rouen.
Ha ispirato gli oggetti e le attività più banali: Lavandaia (1737), Vaso di olive (1760), Attributi delle arti (1766).

Chardin "Natura morta con attributi delle arti" (1766 State Hermitage Museum (Petersburg). Il dipinto fu commissionato da Caterina II per la costruzione dell'Accademia delle arti in costruzione a San Pietroburgo
D. Diderot ha paragonato la sua abilità alla stregoneria: “Oh, Chardin, questa non è vernice bianca, rossa e nera che strofini sulla tavolozza, ma l'essenza stessa degli oggetti; prendi aria e luce dalla punta del pennello e le adagi sulla tela!”

Chardin "Bolle di sapone" (1733-1734). Galleria Nazionale d'Arte, Washington (USA)
Una peculiare fusione di pittura "galante" e genere quotidiano contraddistingue l'opera di Jean Honoré Fragonard.

Jean Honoré Fragonard (1732-1806)

Pittore e incisore francese. Ha lavorato in stile rococò. Autore di oltre 550 dipinti (senza contare disegni e incisioni).

JO Fragonardo. Autoritratto (1760-1770 circa)
Fu allievo di F. Boucher e J.B.S. Chardin. Inizialmente amava la pittura storica, quindi iniziò a scrivere nello spirito di Watteau e Boucher. Spesso ha scene di vita intima, contenuti erotici, pannelli decorativi, ritratti, miniature, acquerelli, pastelli. Ha anche fatto acquaforte.
Ma nell'era del classicismo perse popolarità.

JO Fragonard "Latch" (1777). Louvre (Parigi)
Il dipinto raffigura una scena d'amore: il signore, senza staccare gli occhi dalla dama, tende la mano destra verso la porta di cui chiude il chiavistello superiore. La mano sinistra della signora, per così dire, ripete questo movimento. Sul tavolo c'è una mela, simbolo biblico della tentazione e della caduta nel peccato.
Nei dipinti storici, Fragonard non è molto originale. I suoi paesaggi sono piuttosto abbelliti. D'altra parte, i dipinti di genere dell'artista si distinguono per la loro abile composizione, l'eleganza del disegno, i colori delicati e il gusto delicato: "Lezione di musica", "Pastorale", "Bagnanti", "Ninfa dormiente", "Cupido che si toglie la camicia da una bellezza", "Giovane chitarrista", "Bacio furtivo".

JO Fragonard "Bacio furtivo" Hermitage (Pietroburgo)
A metà del XVIII secolo. l'Illuminismo francese proponeva gli ideali classici dei mezzi educativi. Nella pittura è apparsa una direzione sentimentale e moralistica, in cui si è distinto l'artista Jean-Baptiste Greuze.

Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)

J.-B. Sogni. auto ritratto
Greuze è riuscito soprattutto nel genere della vita familiare con i suoi problemi e drammi - qui ha pochi rivali nella pittura francese.

J.-B. Greuze "La maledizione di un padre" (1777). Louvre (Parigi)
Il dipinto raffigura una scena di un dramma familiare quando il figlio annuncia al padre che sta partendo per l'esercito, e il padre lo maledice.
Come ritrattista, era anche al suo meglio, perché. comprendeva la ritrattistica in modo diverso rispetto ai suoi contemporanei, che rappresentavano gli uomini come Apollo e le donne come Flores e Venuses. I suoi ritratti sono pieni di somiglianza, pieni di vita e sentimenti.

J.-B. Greuze "Ritratto di una ragazza". Museo Nazionale delle Arti dell'Azerbaigian
Ci sono 11 opere di Greuze nell'Ermitage di San Pietroburgo.
Nella Francia del XVIII secolo maggiore interesse per la natura e la pittura di paesaggio. Un tipo di paesaggio caratteristico del neoclassicismo ("fantasia architettonica") è stato creato da Hubert Robert.

Uberto Roberto (1733-1808)

Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Ritratto di Hubert Robert (1788) Louvre (Parigi)
Pittore paesaggista francese; ha guadagnato fama europea per le sue tele dimensionali con immagini romantiche di antiche rovine circondate da una natura idealizzata. Il suo soprannome era "Robert of the Ruins".

Hubert Robert "Antiche rovine" (1754-1765). Budapest

Jacques-Louis David (1748-1825)

J.-L. Davide. Autoritratto (1794)
Pittore e insegnante francese, uno dei maggiori rappresentanti del neoclassicismo francese in pittura. Un cronista sensibile dei suoi tempi turbolenti.
Nato nella famiglia di un grossista di ferro. È cresciuto principalmente in una famiglia di parenti. Quando si è notata la capacità di disegnare del bambino, si è ipotizzato che sarebbe diventato un architetto, come entrambi gli zii.
David prese lezioni di disegno all'Accademia di St. Luca. Nel 1764 i parenti lo presentarono a Francois Boucher, ma a causa di una malattia non poté studiare con il giovane. Nel 1766, David entrò alla Royal Academy of Painting and Sculpture e iniziò a studiare nel laboratorio di Vienne. Nel 1775-1780. David ha studiato all'Accademia di Francia a Roma, ha studiato arte antica e il lavoro dei maestri del Rinascimento.
Nel 1783 fu eletto membro dell'Accademia di pittura.
Partecipò attivamente al movimento rivoluzionario, fu eletto membro della Convenzione Nazionale, si unì ai Montagnard, guidati da Marat e Robespierre, votò per la morte del re Luigi XVI. Dipinge una serie di dipinti dedicati ai rivoluzionari: "The Oath in the Ballroom" (1791, non finito), "The Death of Marat" (1793). Sempre in questo periodo organizzò feste popolari di massa e creò il Museo Nazionale al Louvre.

J.-L. David "Morte di Marat" (1793). Musei Reali di Belle Arti (Bruxelles)
Questa tela è uno dei dipinti più famosi dedicati alla Grande Rivoluzione Francese.
Jean Paul Marat è un giornalista del quotidiano radicale Friend of the People, leader dei giacobini. Ammalatosi di una malattia della pelle, Marat non uscì di casa e, per alleviare le sue sofferenze, fece il bagno. Il 13 luglio 1793 fu pugnalato a morte nel suo appartamento dalla nobildonna Charlotte Corday.
L'iscrizione sul piedistallo in legno è la dedica dell'autore: "MARATU, David". Nella mano di Marat c'è un foglio con il testo: “13 luglio 1793, Marie Anna Charlotte Corday - al cittadino Marat. Sono infelice, e quindi ho diritto alla tua protezione. In effetti, Marat non ha avuto il tempo di ricevere questa nota, perché. Korday l'ha già ucciso.
Nel 1794 fu imprigionato per opinioni rivoluzionarie.
Nel 1797 assistette al solenne ingresso a Parigi di Napoleone Bonaparte e da allora ne divenne un ardente sostenitore, e dopo essere salito al potere - il "primo artista" di corte. David crea dipinti dedicati al passaggio di Napoleone attraverso le Alpi, alla sua incoronazione, oltre a numerose composizioni e ritratti di persone vicine a Napoleone. Dopo la sconfitta di Napoleone nella battaglia di Waterloo nel 1815, fuggì in Svizzera, quindi si trasferì a Bruxelles, dove visse fino alla fine della sua vita.

J.-L. David "Bonaparte al passo del San Bernardo" (1801)
Questa immagine di David apre l'era del romanticismo nella pittura europea. Si tratta di un ritratto equestre molto romanzato del generale Napoleone Bonaparte, che nel maggio 1800 guidò l'esercito italiano attraverso il passo del San Bernardo in alto nelle Alpi.
Lo sfondo naturale conferisce anche un significato romantico all'immagine: ripide scogliere di montagna, neve, vento forte e maltempo. In basso, se guardi bene, puoi vedere scolpiti i nomi dei tre grandi condottieri che passarono di qui: Annibale, Carlo Magno e Bonaparte.

J.-L. David "Incoronazione di Napoleone" (1805-1808)
La tela è stata creata sotto l'impressione del dipinto di Rubens "L'incoronazione di Maria Medici".
Jacques-Louis David fu sepolto a Bruxelles e il suo cuore fu trasportato a Parigi e sepolto nel cimitero di Pere Lachaise.
Nel XVIII sec. I pittori storici Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleyra, i ritrattisti Claude Lefebvre, Nicolas Largilier e Hyacinthe Rigaud hanno lavorato in Francia.
A metà del XVIII secolo. la famiglia Vanlo era famosa, in particolare i fratelli Jean-Baptiste e Charles, e altri artisti.

La scuola d'arte francese a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo può essere definita la principale scuola europea, fu in Francia a quel tempo che nacquero stili artistici come il rococò, il romanticismo, il classicismo, il realismo, l'impressionismo e il post-impressionismo.

Rococò (Rococò francese, da rocaille - motivo decorativo a forma di conchiglia) - uno stile nell'arte europea della prima metà del XVIII secolo. Il rococò è caratterizzato dall'edonismo, dal ritiro nel mondo del gioco teatrale idilliaco, dalla passione per i soggetti pastorali e sensuali-erotici. La natura dell'arredamento rococò ha acquisito forme enfaticamente eleganti, sofisticate e sofisticate.

Francois Boucher, Antoine Watteau, Jean Honore Fragonard hanno lavorato in stile rococò.

Classicismo - uno stile nell'arte europea del XVII - inizio XIX secolo, il cui tratto caratteristico era il richiamo alle forme dell'arte antica, come standard estetico ed etico ideale.

Jean Baptiste Greuze, Nicolas Poussin, Jean Baptiste Chardin, Jean Dominique Ingres, Jacques-Louis David hanno lavorato nello stile del classicismo.

Romanticismo - lo stile dell'arte europea nei secoli XVIII-XIX, i cui tratti caratteristici erano l'affermazione del valore intrinseco della vita spirituale e creativa dell'individuo, l'immagine di passioni e caratteri forti e spesso ribelli.

Francisco de Goya, Eugene Delacroix, Theodore Gericault, William Blake hanno lavorato nello stile del romanticismo.

Edward Manet. Colazione in officina. 1868

Realismo - uno stile artistico, il cui compito è la fissazione più accurata e oggettiva della realtà. Stilisticamente il realismo è multiforme e multivariante. Vari aspetti del realismo nella pittura sono l'illusionismo barocco di Caravaggio e Velazquez, l'impressionismo di Manet e Degas e le opere di Nyunen di Van Gogh.

La nascita del realismo nella pittura è più spesso associata al lavoro dell'artista francese Gustave Courbet, che nel 1855 aprì la sua mostra personale "Padiglione del realismo" a Parigi, sebbene anche prima di lui gli artisti della scuola di Barbizon Theodore Rousseau, Jean-Francois Millet, Jules Breton lavorassero in modo realistico. Negli anni '70 dell'Ottocento il realismo era diviso in due aree principali: naturalismo e impressionismo.

La pittura realistica si è diffusa in tutto il mondo. Nello stile del realismo di un acuto orientamento sociale nella Russia del XIX secolo, i Wanderers hanno lavorato.

Impressionismo (dall'impressione francese - impressione) - uno stile nell'arte dell'ultimo terzo del XIX - inizio XX secolo, il cui tratto caratteristico era il desiderio di catturare nel modo più naturale il mondo reale nella sua mobilità e variabilità, per trasmettere le loro impressioni fugaci. L'impressionismo non ha sollevato questioni filosofiche, ma si è concentrato sulla fluidità del momento, dell'umore e dell'illuminazione. La vita stessa diventa i soggetti degli impressionisti, come una serie di piccole vacanze, feste, piacevoli picnic nella natura in un ambiente amichevole. Gli impressionisti furono tra i primi a dipingere en plein air, senza ultimare il loro lavoro in studio.

Edgar Degas, Edouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro, Auguste Renoir, Georges Seurat, Alfred Sisley e altri hanno lavorato nello stile dell'impressionismo.

post impressionismo - uno stile artistico sorto alla fine del XIX secolo. I postimpressionisti cercavano di trasmettere liberamente e in generale la materialità del mondo, ricorrendo alla stilizzazione decorativa.

Il post-impressionismo ha dato origine a tali aree dell'arte come l'espressionismo, il simbolismo e la modernità.

Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cezanne, Toulouse-Lautrec hanno lavorato nello stile del post-impressionismo.

Consideriamo più in dettaglio l'impressionismo e il post-impressionismo sull'esempio del lavoro dei singoli maestri della Francia del XIX secolo.

Edgar Degas. Auto ritratto. 1854-1855

Edgar Degas (anni di vita 1834-1917) - Pittore, grafico e scultore francese.

Partendo da rigorosi dipinti e ritratti storici, negli anni '70 dell'Ottocento Degas si avvicinò ai rappresentanti dell'impressionismo e si rivolse all'immagine della vita urbana moderna: strade, caffè, spettacoli teatrali.

Nei dipinti di Degas, la composizione dinamica, spesso asimmetrica, il disegno accurato e flessibile, gli angoli inaspettati, l'interazione attiva tra figura e spazio sono attentamente studiati e verificati.

E. Degas. Bagno. 1885

In molte opere Edgar Degas mostra la specificità del comportamento e dell'aspetto delle persone, generato dalle peculiarità della loro vita, rivela il meccanismo di un gesto professionale, postura, movimento di una persona, la sua bellezza plastica. L'arte di Degas è insita nella combinazione del bello e del prosaico; l'artista, da osservatore sobrio e sottile, coglie allo stesso tempo il noioso lavoro quotidiano che si nasconde dietro l'elegante intrattenimento.

La tecnica pastello preferita ha permesso a Edgar Degas di mostrare in modo più completo il suo talento di disegnatore. Toni saturi e tocchi "scintillanti" di pastelli hanno aiutato l'artista a creare quella speciale atmosfera colorata, quell'ariosità iridescente che contraddistingue così tanto tutte le sue opere.

Nei suoi anni maturi, Degas si rivolge spesso al tema del balletto. Figure fragili e senza peso di ballerine appaiono davanti allo spettatore o al crepuscolo delle lezioni di danza, o alla luce dei riflettori sul palco, o in brevi momenti di riposo. L'apparente casualità della composizione e la posizione imparziale dell'autore danno l'impressione di uno sbirciato nella vita di qualcun altro, l'artista ci mostra il mondo della grazia e della bellezza, senza cadere in un eccessivo sentimentalismo.

Edgar Degas può essere definito un colorista sottile, i suoi pastelli sono sorprendentemente armoniosi, a volte delicati e leggeri, a volte costruiti su netti contrasti cromatici. Il modo di Degas era notevole per la sua sorprendente libertà, applicava i pastelli con tratti audaci e spezzati, a volte lasciando trasparire il tono della carta attraverso il pastello o aggiungendo tratti ad olio o acquerello. Il colore nei dipinti di Degas nasce da uno splendore iridescente, da un fluire di linee cangianti che danno origine alla forma.

Le ultime opere di Degas si distinguono per l'intensità e la ricchezza del colore, a cui si aggiungono gli effetti dell'illuminazione artificiale, forme ingrandite, quasi piatte, e la costrizione dello spazio, che conferisce loro un carattere teso e drammatico. In ciò

periodo Degas ha scritto una delle sue migliori opere - "Blue Dancers". L'artista lavora qui in grandi macchie di colore, dando un'importanza fondamentale all'organizzazione decorativa della superficie del dipinto. In termini di bellezza dell'armonia dei colori e della soluzione compositiva, il dipinto "Blue Dancers" può essere considerato la migliore incarnazione del tema del balletto di Degas, che ha raggiunto la massima ricchezza di combinazioni di texture e colori in questo dipinto.

PO Renoir. Auto ritratto. 1875

Pierre Auguste Renoir (anni di vita 1841-1919) - Pittore, grafico e scultore francese, uno dei principali rappresentanti dell'impressionismo. Renoir è conosciuto principalmente come maestro di un ritratto secolare, non privo di sentimentalismo. A metà degli anni 1880. in realtà ha rotto con l'impressionismo, tornando alla linearità del classicismo nel periodo della creatività di Ingres. Un colorista straordinario, Renoir ottiene spesso l'impressione della pittura monocromatica con l'aiuto delle migliori combinazioni di valères, simili nelle tonalità di colore.

PO Renoir. Piscina per bambini. 1869

Come la maggior parte degli impressionisti, Renoir sceglie episodi fugaci della vita come soggetti dei suoi dipinti, preferendo scene di città festive: balli, balli, passeggiate ("New Bridge", "Frog", "Moulin da la Galette" e altri). Su queste tele non vedremo né il nero né il marrone scuro. Solo una gamma di colori chiari e luminosi che si fondono insieme se visti da una certa distanza. Le figure di persone in questi dipinti sono dipinte con la stessa tecnica impressionista del paesaggio che le circonda, con il quale spesso si fondono.

PO Renoir. Ritratto dell'attrice Jeanne Samary. 1877

Un posto speciale nell'opera di Renoir è occupato da immagini femminili poetiche e affascinanti: internamente diverse, ma esternamente leggermente simili tra loro, sembrano segnate da un comune sigillo dell'epoca. Renoir ha dipinto tre diversi ritratti dell'attrice Jeanne Samary. Su uno di essi, l'attrice è raffigurata in uno squisito abito verde-blu su sfondo rosa. In questo ritratto, Renoir è riuscito a mettere in risalto le migliori caratteristiche del suo modello: bellezza, mente vivace, sguardo aperto, sorriso radioso. Lo stile del lavoro dell'artista è molto libero, a volte fino alla negligenza, ma questo crea un'atmosfera di straordinaria freschezza, chiarezza spirituale e serenità.Nell'immagine del nudo, Renoir raggiunge una rara raffinatezza di garofani (dipingendo il colore della pelle umana), costruita su una combinazione di toni caldi della carne con leggeri riflessi verdastri e grigio-blu, che conferiscono levigatezza e opacità alla superficie della tela. Nel dipinto "Nudo alla luce del sole" Renoir utilizza principalmente colori primari e secondari, escludendo completamente il nero. Le macchie di colore ottenute con l'aiuto di piccoli tratti colorati danno un caratteristico effetto di fusione quando lo spettatore si allontana dall'immagine.

Va notato che l'uso dei toni del verde, del giallo, dell'ocra, del rosa e del rosso per raffigurare la pelle ha scioccato il pubblico dell'epoca, impreparato alla percezione del fatto che le ombre dovessero essere colorate, riempite di luce.

Negli anni Ottanta dell'Ottocento iniziò nell'opera di Renoir il cosiddetto "periodo Ingres". L'opera più famosa di questo periodo è The Great Bathers. Per la prima volta, Renoir ha iniziato a utilizzare schizzi e schizzi per costruire una composizione, le linee del disegno sono diventate chiare e definite, i colori hanno perso la luminosità e la saturazione precedenti, il dipinto nel suo insieme ha iniziato a sembrare più sobrio e freddo.

All'inizio degli anni 1890, si verificarono nuovi cambiamenti nell'arte di Renoir. In modo pittorico appare un'iridescenza di colore, motivo per cui questo periodo viene talvolta chiamato "perla", quindi questo periodo lascia il posto a "rosso", così chiamato per la preferenza per le sfumature di fiori rossastri e rosa.

Eugenio Henri Paul Gauguin (anni di vita 1848-1903) - Pittore, scultore e grafico francese. Insieme a Cezanne e Van Gogh, è stato il più grande rappresentante del post-impressionismo. Ha iniziato a dipingere in età adulta, il primo periodo della creatività è associato all'impressionismo. Le migliori opere di Gauguin furono scritte sulle isole di Tahiti e Hiva-Oa in Oceania, dove Gauguin lasciò la "civiltà perversa". I tratti caratteristici dello stile di Gauguin includono la creazione di composizioni statiche e contrastanti di colore su grandi tele planari, profondamente emotive e allo stesso tempo decorative.

In Il Cristo giallo, Gauguin ha raffigurato un crocifisso sullo sfondo di un tipico paesaggio rurale francese, il Gesù sofferente è circondato da tre contadine bretoni. La pace nell'aria, le pose calme e sottomesse delle donne, un paesaggio saturo di giallo solare con alberi dal fogliame autunnale rosso, un contadino impegnato in lontananza con i suoi affari, non possono che entrare in conflitto con ciò che sta accadendo sulla croce. L'ambiente contrasta nettamente con Gesù, sul cui volto si mostra quella fase di sofferenza, che rasenta l'apatia, l'indifferenza per tutto ciò che lo circonda. La contraddizione degli sconfinati tormenti accettati da Cristo e l '"invisibilità" di questo sacrificio da parte delle persone: questo è il tema principale di quest'opera di Gauguin.

P.Gauguin. Sei geloso? 1892

Dipingere "Sei geloso?" si riferisce al periodo polinesiano del lavoro dell'artista. Il dipinto si basa su una scena dal vero, sbirciata dall'artista:

sulla riva, due sorelle - hanno appena nuotato, e ora i loro corpi sono distesi sulla sabbia in pose casuali e voluttuose - parlano d'amore, un ricordo fa discutere: “Come? Sei geloso!".

Dipingendo la succosa bellezza purosangue della natura tropicale, persone naturali incontaminate dalla civiltà, Gauguin ha raffigurato un sogno utopico di un paradiso terrestre, di una vita umana in armonia con la natura. Le tele polinesiane di Gauguin assomigliano a pannelli in termini di colore decorativo, planarità e monumentalità della composizione, generalizzazione del motivo stilizzato.

P.Gauguin. Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando? 1897-1898

L'immagine "Da dove veniamo? Chi siamo noi? Dove stiamo andando?" Gauguin considerava il sublime culmine delle sue riflessioni. Secondo l'intenzione dell'artista, l'immagine va letta da destra a sinistra: tre gruppi principali di figure illustrano le domande poste nel titolo. Il gruppo di donne con un bambino sul lato destro del quadro rappresenta l'inizio della vita; il gruppo centrale simboleggia l'esistenza quotidiana della maturità; nel gruppo di estrema sinistra, Gauguin raffigurava la vecchiaia umana, che si avvicina alla morte; l'idolo blu sullo sfondo simboleggia l'altro mondo. Questo dipinto è l'apice dell'innovativo stile post-impressionista di Gauguin; il suo stile combinava un chiaro uso dei colori, colori decorativi e soluzioni compositive, piattezza e monumentalità dell'immagine con espressività emotiva.

L'opera di Gauguin anticipò molte caratteristiche dello stile Art Nouveau che si sviluppò in questo periodo e influenzò la formazione dei maestri del gruppo Nabis e di altri pittori del primo Novecento.

W.Van Gogh. Auto ritratto. 1889

Vincent Van Gogh (anni di vita 1853-1890) - Pittore post-impressionista francese e olandese, iniziò a dipingere, come Paul Gauguin, già in età adulta, negli anni Ottanta dell'Ottocento. Fino a quel momento, Van Gogh ha lavorato con successo come commerciante, poi come insegnante in un collegio, successivamente ha studiato alla Protestant Missionary School e ha lavorato per sei mesi come missionario in un povero quartiere minerario in Belgio. All'inizio degli anni 1880, Van Gogh si dedicò all'arte, frequentando l'Accademia di Belle Arti di Bruxelles (1880-1881) e Anversa (1885-1886). Nel primo periodo del suo lavoro, Van Gogh dipinse schizzi e dipinti in una gamma pittorica oscura, scegliendo scene della vita di minatori, contadini e artigiani come trame. Le opere di questo periodo di Van Gogh ("The Potato Eaters", "The Old Church Tower in Nynen", "The Shoes") segnano una percezione dolorosamente acuta della sofferenza umana e dei sentimenti di depressione, un'atmosfera opprimente di tensione psicologica. Nelle sue lettere al fratello Theo, l'artista scrive quanto segue su uno dei dipinti di questo periodo, I mangiatori di patate: “In esso, ho cercato di sottolineare che queste persone, mangiando le loro patate alla luce di una lampada, scavavano la terra con le stesse mani che tendevano al piatto; quindi, la tela parla di duro lavoro e che i personaggi si guadagnavano onestamente il cibo ". Nel 1886-1888. Van Gogh visse a Parigi, visitò il prestigioso studio d'arte privato del famoso insegnante in tutta Europa P. Cormon, studiò pittura impressionista, incisione giapponese e opere sintetiche di Paul Gauguin. Durante questo periodo, la tavolozza di Van Gogh divenne leggera, l'ombra terrosa della pittura scomparve, apparvero i toni del blu puro, giallo dorato, rosso, la sua dinamica caratteristica, come se fosse una pennellata fluente ("Agostina Segatori nel caffè Tambourine", "Ponte sulla Senna", "Papa Tanguy", "Veduta di Parigi dall'appartamento di Theo in Lepic Street").

Nel 1888 Van Gogh si trasferì ad Arles, dove fu finalmente determinata l'originalità del suo modo creativo. Un focoso temperamento artistico, un doloroso impulso verso l'armonia, la bellezza e la felicità e, allo stesso tempo, la paura delle forze ostili all'uomo, si incarnano sia nei paesaggi splendenti dei colori solari del sud ("The Yellow House", "The Harvest. La Crot Valley"), sia in immagini sinistre che ricordano un incubo ("Night Cafe Terrace"); dinamica del colore e del tratto

W.Van Gogh. Terrazza del caffè notturno. 1888

riempie di vita e movimento spiritualizzati non solo la natura e le persone che la abitano ("Red Vineyards in Arles"), ma anche oggetti inanimati ("Van Gogh's Bedroom in Arles").

L'intenso lavoro di Van Gogh negli ultimi anni è stato accompagnato da attacchi di malattia mentale, che lo hanno portato all'ospedale per malati di mente ad Arles, poi a Saint-Remy (1889-1890) e ad Auvers-sur-Oise (1890), dove si suicidò. Il lavoro degli ultimi due anni della vita dell'artista è segnato da un'ossessione estatica, un'espressione estremamente intensa di combinazioni di colori, bruschi sbalzi d'umore - dalla disperazione frenetica e dal visionario cupo ("Strada con cipressi e stelle") a un tremante sentimento di illuminazione e pace ("Paesaggio ad Auvers dopo la pioggia").

W.Van Gogh. Iris. 1889

Durante il periodo di cura presso la clinica Saint-Remy, Van Gogh dipinse una serie di dipinti "Iris". Nella sua pittura di fiori non c'è alta tensione e si può rintracciare l'influenza delle stampe giapponesi ukiyo-e. Questa somiglianza si manifesta nella selezione dei contorni degli oggetti, angoli insoliti, presenza di aree dettagliate e aree riempite con un colore solido che non corrisponde alla realtà.

W.Van Gogh. Campo di grano con corvi. 1890

"Campo di grano con corvi" è un dipinto di Van Gogh, dipinto dall'artista nel luglio 1890 ed è una delle sue opere più famose. Il dipinto sarebbe stato terminato il 10 luglio 1890, 19 giorni prima della sua morte ad Auvers-sur-Oise. Esiste una versione in cui Van Gogh si è suicidato mentre dipingeva questo quadro (uscendo all'aria aperta con materiali da disegno, si è sparato con una pistola acquistata per spaventare gli stormi di uccelli nell'area del cuore, quindi ha raggiunto autonomamente l'ospedale, dove è morto per perdita di sangue).