Il significato del lavoro di Ostrovsky per lo sviluppo ideologico ed estetico della letteratura. Alexander Nikolaevich Ostrovsky nello specchio della critica russa, il significato della creatività di Ostrovsky Il significato della creatività di Ostrovsky per la modernità

introduzione

Alexander Nikolayevich Ostrovsky... Questo è un fenomeno insolito. L'importanza di Alexander Nikolaevich per lo sviluppo della drammaturgia russa e del palcoscenico, il suo ruolo nelle conquiste di tutta la cultura russa sono innegabili ed enormi. Continuando le migliori tradizioni della drammaturgia progressista russa e straniera, Ostrovsky ha scritto 47 opere originali. Alcuni vanno costantemente sul palco, ripresi nei film e in televisione, altri non vengono quasi mai messi in scena. Ma nella mente del pubblico e del teatro vive un certo stereotipo di percezione in relazione a quella che viene chiamata "la commedia di Ostrovsky". Le opere di Ostrovsky sono scritte per sempre e non è difficile per il pubblico vedere in esse i nostri problemi e vizi attuali.

Rilevanza:Il suo ruolo nella storia dello sviluppo della drammaturgia russa, delle arti dello spettacolo e dell'intera cultura nazionale difficilmente può essere sopravvalutato. Ha fatto tanto per lo sviluppo della drammaturgia russa quanto Shakespeare in Inghilterra, Lope de Vega in Spagna, Molière in Francia, Goldoni in Italia e Schiller in Germania.

Ostrovsky è apparso in letteratura in condizioni molto difficili del processo letterario, nel suo percorso creativo c'erano situazioni favorevoli e sfavorevoli, ma nonostante tutto è diventato un innovatore e un eccezionale maestro dell'arte drammatica.

L'influenza dei capolavori drammatici di A.N. Ostrovsky non si limitava al palcoscenico teatrale. Si applicava anche ad altre forme d'arte. Il carattere popolare caratteristico delle sue opere, l'elemento musicale e poetico, la vivacità e la chiarezza dei personaggi su larga scala, la profonda vitalità delle trame hanno suscitato e continuano a suscitare l'attenzione di eccezionali compositori del nostro Paese.

Ostrovsky, essendo un eccezionale drammaturgo, un notevole conoscitore dell'arte scenica, si è mostrato anche come un personaggio pubblico di grandi dimensioni. Ciò è stato notevolmente facilitato dal fatto che il drammaturgo per tutta la vita è stato "alla pari del secolo".
Bersaglio:L'influenza della drammaturgia di A.N. Ostrovsky nella creazione del repertorio nazionale.
Compito:Segui il percorso creativo di A.N. Ostrovsky. Idee, percorso e innovazione di A.N. Ostrovsky. Mostra il significato di A.N. Ostrovsky.

1. Drammaturgia russa e drammaturghi precedenti A.N. Ostrovsky

.1 Teatro in Russia prima di A.N. Ostrovsky

Le origini del dramma progressista russo, in linea con il quale è nata l'opera di Ostrovsky. Il teatro popolare nazionale ha un vasto repertorio, composto da giochi di buffoni, intermezzi, avventure comiche di Petrushka, battute farsesche, commedie "orso" e opere drammatiche di un'ampia varietà di generi.

Il teatro popolare è caratterizzato da un tema socialmente appuntito, amante della libertà, ideologia satirica ed eroico-patriottica, conflitto profondo, personaggi grandi, spesso grotteschi, una composizione chiara e chiara, un linguaggio colloquiale colloquiale, che utilizza abilmente un'ampia varietà di mezzi comici : omissioni, confusione, ambiguità, omonimie, ossimori.

“Per il suo carattere e il modo di suonare, il teatro popolare è un teatro di movimenti acuti e chiari, gesti ampi, dialoghi estremamente rumorosi, canzoni potenti e danze audaci - qui tutto si sente e si vede lontano. Per sua stessa natura, il teatro popolare non tollera un gesto poco appariscente, parole rese sottovoce, tutto ciò che può essere facilmente percepito in una sala teatrale con il pubblico in completo silenzio.

Continuando le tradizioni del dramma popolare orale, il dramma scritto russo ha fatto passi da gigante. Nella seconda metà del XVIII secolo, con il ruolo preponderante della traduzione e della drammaturgia imitativa, apparvero scrittori di varie tendenze, che si sforzavano di rappresentare i costumi domestici, occupandosi di creare un repertorio originale a livello nazionale.

Tra le commedie della prima metà del XIX secolo spiccano capolavori di drammaturgia realistica come Woe from Wit di Griboedov, Undergrowth di Fonvizin, The Government Inspector e Marriage di Gogol.

Indicando queste opere, V.G. Belinsky ha detto che "farebbero onore a qualsiasi letteratura europea". Apprezzando di più le commedie "Woe from Wit" e "The Government Inspector", il critico credeva che potessero "arricchire qualsiasi letteratura europea".

Le eccezionali opere realistiche di Griboedov, Fonvizin e Gogol hanno delineato chiaramente le tendenze innovative nella drammaturgia russa. Consistevano in argomenti sociali di attualità, in un pronunciato pathos pubblico e persino socio-politico, in un allontanamento dall'amore tradizionale e dalla trama domestica che determina l'intero sviluppo dell'azione, in violazione della trama e dei canoni compositivi della commedia e del dramma intrigo , nell'ambientazione per lo sviluppo di caratteri tipici e allo stesso tempo individuali, strettamente legati all'ambiente sociale.

Queste tendenze innovative, manifestate nelle migliori commedie del dramma domestico progressista, scrittori e critici iniziarono a realizzarsi teoricamente. Quindi, Gogol collega l'emergere della drammaturgia progressista russa con la satira e vede l'originalità della commedia nel suo vero pubblico. Ha giustamente notato che "la commedia non ha ancora preso una tale espressione da nessuno dei popoli".

Quando A.N. Ostrovsky, la drammaturgia progressista russa aveva già capolavori di livello mondiale. Ma queste opere erano ancora estremamente poche, e quindi non determinarono il volto dell'allora repertorio teatrale. Un grande danno allo sviluppo del dramma domestico progressista fu che le commedie di Lermontov e Turgenev, ritardate dalla censura, non potevano apparire in tempo.

La stragrande maggioranza delle opere che riempivano il palcoscenico teatrale erano traduzioni e adattamenti di opere teatrali dell'Europa occidentale, nonché esperienze teatrali di scrittori domestici dal senso protettivo.

Il repertorio teatrale non è stato creato spontaneamente, ma sotto l'influenza attiva del corpo dei gendarmi e l'occhio vigile di Nicola I.

Prevenendo la comparsa di commedie accusatorie-sateriche, la politica teatrale di Nicola I patrocinò in ogni modo possibile la produzione di opere drammatiche puramente divertenti, autocratico-patriottiche. Questa politica si è rivelata infruttuosa.

Dopo la sconfitta dei Decabristi, il vaudeville è venuto alla ribalta nel repertorio teatrale, che aveva perso da tempo la sua nitidezza sociale e si è trasformato in una commedia leggera, sconsiderata e di grande effetto.

Molto spesso, una commedia in un atto si distingueva per una trama aneddotica, distici giocosi, attuali e spesso frivoli, un linguaggio di giochi di parole e un intrigo ingegnoso intrecciato da incidenti divertenti e inaspettati. In Russia, il vaudeville ha guadagnato slancio negli anni '10. Il primo vaudeville, sebbene senza successo, è considerato "The Cossack Poet" (1812) di A.A. Shakhovsky. Un intero sciame di altri lo seguì, soprattutto dopo il 1825.

Vaudeville godeva dell'amore e del patrocinio speciali di Nicola I. E la sua politica teatrale ebbe il suo effetto. Teatro - Gli anni 30-40 del XIX secolo divennero il regno del vaudeville, in cui l'attenzione era rivolta principalmente alle situazioni amorose. “Ahimè”, scrisse Belinsky nel 1842, “come pipistrelli, un bellissimo edificio si è impossessato del nostro palcoscenico con commedie volgari con amore di pan di zenzero e un matrimonio inevitabile! Questo è ciò che chiamiamo "trama". Guardando le nostre commedie e vaudeville e prendendoli come espressione della realtà, penserai che la nostra società è impegnata solo nell'amore, vive e respira solo, che è amore!

La distribuzione del vaudeville fu facilitata anche dal sistema di spettacoli di beneficenza allora esistente. Per uno spettacolo di beneficenza, che era una ricompensa materiale, l'artista sceglieva spesso un'opera teatrale poco divertente, calcolata per essere un successo al botteghino.

Il palcoscenico teatrale era pieno di opere piatte, cucite frettolosamente, in cui il posto principale era occupato da flirt, scene farsesche, aneddoti, errori, possibilità, sorprese, confusione, travestimenti, nascondigli.

Sotto l'influenza della lotta sociale, il vaudeville è cambiato nel suo contenuto. Secondo la natura delle trame, il suo sviluppo è passato dall'amore-erotico alla vita di tutti i giorni. Ma dal punto di vista compositivo, è rimasto per lo più standard, affidandosi ai mezzi primitivi della commedia esterna. Descrivendo il vaudeville di questo periodo, uno dei personaggi del "Viaggio teatrale" di Gogol ha giustamente detto: "Vai solo a teatro: lì ogni giorno vedrai uno spettacolo in cui uno si nascondeva sotto una sedia e l'altro lo tirava fuori per il gamba."

L'essenza del vaudeville di massa degli anni 30-40 del XIX secolo è rivelata da tali titoli: "Confusione", "Si sono riuniti, si sono confusi e si sono separati". Sottolineando le proprietà giocose e frivole del vaudeville, alcuni autori iniziarono a chiamarli farsa del vaudeville, scherzo del vaudeville, ecc.

Avendo fissato "l'insignificanza" come base del contenuto, il vaudeville è diventato un mezzo efficace per distrarre gli spettatori dalle questioni fondamentali e dalle contraddizioni della realtà. Intrattenendo il pubblico con situazioni e casi stupidi, il vaudeville "di sera in sera, di spettacolo in spettacolo, inoculava lo spettatore con lo stesso siero ridicolo, che avrebbe dovuto proteggerlo dall'infezione di pensieri superflui e inaffidabili". Ma le autorità hanno cercato di trasformarlo in una glorificazione diretta dell'ortodossia, dell'autocrazia e della servitù.

Il vaudeville, che ha conquistato il palcoscenico russo nel secondo quarto del XIX secolo, di regola non era domestico e originale. Per la maggior parte si trattava di commedie, nelle parole di Belinsky, "trascinate con la forza" dalla Francia e in qualche modo adattate alle usanze russe. Osserviamo un'immagine simile in altri generi di drammaturgia degli anni Quaranta. Le opere drammatiche che erano considerate originali si sono rivelate traduzioni in gran parte mascherate. Alla ricerca di una parola tagliente, per effetto, per una trama leggera e divertente, la commedia vaudeville degli anni '30 e '40 era molto spesso molto lontana dal rappresentare la vera vita del suo tempo. Le persone della realtà, i personaggi di tutti i giorni erano spesso assenti in esso. Ciò è stato ripetutamente sottolineato dagli allora critici. Riguardo al contenuto del vaudeville, Belinsky ha scritto con dispiacere: “La scena è sempre in Russia, i personaggi sono contrassegnati con nomi russi; ma né la vita russa, né la società russa, né il popolo russo riconoscerai o vedrai qui. Indicando l'isolamento del vaudeville del secondo quarto del XIX secolo dalla realtà concreta, uno dei critici successivi ha giustamente osservato che sarebbe stato "uno sbalorditivo malinteso" studiare l'allora società russa sulla base di esso.

Vaudeville, in via di sviluppo, ha mostrato in modo del tutto naturale un desiderio per la specificità della lingua. Ma allo stesso tempo, l'individualizzazione del discorso dei personaggi in esso è stata effettuata puramente esternamente - mettendo insieme parole insolite, divertenti morfologicamente e foneticamente distorte, introducendo espressioni errate, frasi ridicole, detti, proverbi, accenti nazionali, ecc.

A metà del XVIII secolo, il melodramma era molto popolare nel repertorio teatrale insieme al vaudeville. La sua formazione come uno dei principali tipi drammatici avviene alla fine del XVIII secolo nel contesto della preparazione e dell'attuazione delle rivoluzioni borghesi dell'Europa occidentale. L'essenza morale e didattica del melodramma dell'Europa occidentale di questo periodo è determinata principalmente dal buon senso, dalla praticità, dalla didattica, dal codice morale della borghesia, che sale al potere e oppone i propri principi etnici alla depravazione della nobiltà feudale.

E il vaudeville e il melodramma nella stragrande maggioranza erano molto lontani dalla vita. Tuttavia, non erano solo fenomeni negativi. In alcuni di essi, non alienati da tendenze satiriche, si fecero strada tendenze progressiste - liberali e democratiche. La successiva drammaturgia, indubbiamente, ha utilizzato l'arte del vaudeville nella conduzione di intrighi, commedia esterna, gioco di parole acutamente affinato ed elegante. Non ha superato i risultati dei melodrammatisti nella rappresentazione psicologica dei personaggi, nello sviluppo emotivamente intenso dell'azione.

Mentre il melodramma ha storicamente preceduto il dramma romantico in Occidente, in Russia questi generi sono apparsi contemporaneamente. Allo stesso tempo, il più delle volte agivano l'uno in relazione all'altro senza un'accentuazione sufficientemente precisa dei loro tratti, fondendosi, passando l'uno nell'altro.

Riguardo alla retorica dei drammi romantici, usando effetti melodrammatici e falsamente patetici, Belinsky ha parlato in modo acuto molte volte. “E se tu”, ha scritto, “vuoi dare un'occhiata più da vicino alle“ rappresentazioni drammatiche ”del nostro romanticismo, vedrai che sono impastate secondo le stesse ricette di cui erano composti i drammi e le commedie pseudoclassiche: il stesse trame banali e epiloghi violenti, quella stessa innaturalità, la stessa "natura decorata", le stesse immagini senza volti al posto dei personaggi, la stessa monotonia, la stessa volgarità e la stessa abilità.

I melodrammi, i drammi romantici e sentimentali, storico-patriottici della prima metà dell'Ottocento erano per lo più falsi non solo nelle idee, nelle trame, nei personaggi, ma anche nel linguaggio. Rispetto ai classicisti, i sentimentalisti e i romantici hanno indubbiamente compiuto un grande passo in termini di democratizzazione della lingua. Ma questa democratizzazione, soprattutto tra i sentimentalisti, spesso non andava oltre il linguaggio colloquiale del salotto nobile. Il discorso degli strati non privilegiati della popolazione, le grandi masse lavoratrici, sembrava loro troppo scortese.

Insieme alle commedie conservatrici domestiche del genere romantico, anche le commedie tradotte a loro vicine nello spirito penetrano ampiamente sul palcoscenico in questo momento: "opere romantiche", "commedie romantiche" sono solitamente combinate con il balletto, "spettacoli romantici". Anche le traduzioni delle opere di drammaturghi progressisti del romanticismo dell'Europa occidentale, come Schiller e Hugo, ebbero un grande successo in questo periodo. Ma nel ripensare queste commedie, i traduttori hanno ridotto il loro lavoro di "traduzione" a suscitare simpatia nel pubblico per coloro che, subendo i colpi della vita, conservavano una mite rassegnazione al destino.

Nello spirito del romanticismo progressista, Belinsky e Lermontov hanno creato le loro opere in questi anni, ma nessuna di esse è stata messa in scena a teatro nella prima metà del XIX secolo. Il repertorio degli anni Quaranta non soddisfa non solo i critici progressisti, ma anche artisti e spettatori. I notevoli artisti degli anni '40, Mochalov, Shchepkin, Martynov, Sadovsky, hanno dovuto sprecare le loro energie in sciocchezze, recitando in spettacoli di saggistica di un giorno. Ma, riconoscendo che negli anni Quaranta le commedie "nascono in sciami, come insetti", e "non c'è niente da vedere", Belinsky, come molte altre figure progressiste, non guardava disperatamente al futuro del teatro russo. Insoddisfatto dell'umorismo piatto del vaudeville e del falso pathos del melodramma, il pubblico avanzato ha convissuto a lungo con il sogno che opere realistiche originali diventassero determinanti e protagoniste del repertorio teatrale. Nella seconda metà degli anni Quaranta, l'insoddisfazione del pubblico avanzato per il repertorio cominciò a essere condivisa in una certa misura dal frequentatore del teatro di massa degli ambienti nobili e borghesi. Alla fine degli anni '40, molti spettatori, anche nel vaudeville, "cercavano accenni di realtà". Non erano più soddisfatti degli effetti melodrammatici e del vaudeville. Volevano le commedie della vita, volevano vedere la gente comune sul palco. Lo spettatore progressista ha trovato un'eco delle sue aspirazioni solo in poche produzioni di opere teatrali di classici drammatici russi (Fonvizin, Griboedov, Gogol) e dell'Europa occidentale (Shakespeare, Molière, Schiller). Allo stesso tempo, ogni parola associata a protesta, libera, il minimo accenno di sentimenti e pensieri che lo disturbavano, acquisiva un valore decuplicato nella percezione dello spettatore.

I principi di Gogol, così chiaramente riflessi nella pratica della "scuola naturale", hanno contribuito alla creazione di un'identità realistica e nazionale nel teatro. Ostrovsky è stato l'esponente più chiaro di questi principi nel campo della drammaturgia.

1.2 Dalla prima creatività alla maturità

OSTROVSKY Alexander Nikolaevich, drammaturgo russo.

Ostrovsky era dipendente dalla lettura da bambino. Nel 1840, dopo essersi diplomato al ginnasio, fu iscritto alla facoltà di giurisprudenza dell'Università di Mosca, ma lasciò nel 1843. Quindi entrò nell'ufficio della Corte costituente di Mosca, successivamente prestò servizio presso il Tribunale commerciale (1845-1851). Questa esperienza ha avuto un ruolo significativo nel lavoro di Ostrovsky.

Entrò nel campo letterario nella seconda metà degli anni Quaranta dell'Ottocento. come seguace della tradizione Gogol, incentrato sui principi creativi della scuola naturale. A quel tempo, Ostrovsky creò il saggio in prosa "Note di un residente della regione di Mosca", le prime commedie (la commedia "Family Picture" fu letta dall'autore il 14 febbraio 1847 nella cerchia del professor S.P. Shevyrev e approvata da lui).

Il drammaturgo divenne famoso per la commedia satirica "The Bankrupt" ("La nostra gente - andiamo d'accordo", 1849). La trama (il falso fallimento del mercante Bolshov, l'inganno e la spietatezza dei suoi familiari - la figlia di Lipochka e l'impiegato, e poi il genero di Podkhalyuzin, che non ha riscattato il vecchio padre dal buco del debito , la successiva intuizione di Bolshov) si basavano sulle osservazioni di Ostrovsky sull'analisi delle controversie familiari, ottenute durante il servizio presso il tribunale di coscienza. La rafforzata padronanza di Ostrovsky, una nuova parola che risuonava sul palcoscenico russo, ha colpito, in particolare, in una combinazione di intrighi che si sviluppano in modo spettacolare e vividi inserti descrittivi quotidiani (discorso di un sensale, litigi tra madre e figlia), che rallentano il azione, ma ti fanno anche sentire i dettagli della vita e i costumi dell'ambiente mercantile. Un ruolo speciale qui è stato svolto dalla colorazione psicologica unica, allo stesso tempo di classe e individuale del discorso dei personaggi.

Già in Bankrut si individuava un tema trasversale dell'opera drammatica di Ostrovsky: lo stile di vita patriarcale, tradizionale, così come si conservava nell'ambiente mercantile e piccolo-borghese, e la sua progressiva degenerazione e collasso, nonché le complesse relazioni in cui una persona entra con uno stile di vita che cambia gradualmente.

Avendo creato cinquanta opere teatrali in quarant'anni di lavoro letterario (alcune delle quali co-autrici), che sono diventate la base del repertorio del teatro pubblico e democratico russo, Ostrovsky ha presentato il tema principale del suo lavoro in modi diversi nelle diverse fasi della sua carriera. Quindi, essendo diventato nel 1850 un impiegato della rivista Moskvityanin nota per la sua tendenza del suolo (editore M.P. Pogodin, dipendenti A.A. Grigoriev, T.I. Filippov, ecc.), Ostrovsky, che era un membro del cosiddetto "giovane comitato editoriale", ha cercato di dare alla rivista una nuova direzione: concentrarsi sulle idee di identità e identità nazionale, ma non sui contadini (a differenza dei "vecchi" slavofili), ma sulla classe mercantile patriarcale. Nelle sue commedie successive "Non salire sulla tua slitta", "La povertà non è un vizio", "Non vivere come vuoi" (1852-1855), il drammaturgo ha cercato di riflettere la poesia della vita popolare: "Per hai il diritto di correggere le persone senza offenderle , devi mostrargli che sai bene dietro di lui; questo è quello che sto facendo adesso, unendo l'alto con il comico”, scriveva nel periodo “moscovita”.

Allo stesso tempo, il drammaturgo andava d'accordo con la ragazza Agafya Ivanovna (che aveva quattro figli da lui), il che portò a una rottura nei rapporti con suo padre. Secondo testimoni oculari, era una donna gentile e di buon cuore, alla quale Ostrovsky doveva gran parte della sua conoscenza della vita di Mosca.

Le commedie “moscovite” sono caratterizzate da un noto utopismo nella risoluzione dei conflitti tra generazioni (nella commedia “La povertà non è vizio”, 1854, un felice incidente sconvolge il matrimonio imposto dal padre tiranno e odiato dalla figlia, organizza la matrimonio di una ricca sposa - Lyubov Gordeevna - con un povero impiegato Mitya) . Ma questa caratteristica della drammaturgia "moscovita" di Ostrovsky non nega l'elevata qualità realistica delle opere di questo circolo. L'immagine di Lyubim Tortsov, il fratello ubriaco del mercante tiranno Gordey Tortsov, nella commedia "Hot Heart" (1868), scritta molto più tardi, risulta essere complessa, collegando dialetticamente qualità apparentemente opposte. Allo stesso tempo, Lyubim è l'araldo della verità, il portatore della moralità popolare. Fa vedere chiaramente a Gordey, avendo perso una visione sobria della vita a causa della sua stessa vanità, passione per i falsi valori.

Nel 1855, il drammaturgo, insoddisfatto della sua posizione nel Moskvityanin (costanti conflitti e magri compensi), lasciò la rivista e si avvicinò alla redazione del San Pietroburgo Sovremennik (N.A. Nekrasov considerava Ostrovsky "senza dubbio il primo scrittore drammatico"). Nel 1859 furono pubblicate le prime opere raccolte del drammaturgo, che gli portarono fama e gioia umana.

Successivamente, due tendenze nella copertura del modo di vivere tradizionale - critico, accusatorio e poetico - si manifestarono pienamente e si fusero nella tragedia di Ostrovsky The Thunderstorm (1859).

L'opera, scritta nella cornice di genere del dramma sociale, è dotata allo stesso tempo di profondità tragica e significato storico del conflitto. Lo scontro di due personaggi femminili - Katerina Kabanova e sua suocera Marfa Ignatievna (Kabanikha) - nella sua portata supera di gran lunga il conflitto tra generazioni, tradizionale per il teatro Ostrovsky. Il carattere del personaggio principale (chiamato da N.A. Dobrolyubov "un raggio di luce in un regno oscuro") è costituito da diverse dominanti: la capacità di amare, il desiderio di libertà, una coscienza sensibile e vulnerabile. Mostrando la naturalezza, la libertà interiore di Katerina, la drammaturga allo stesso tempo sottolinea che lei è, tuttavia, la carne della carne dello stile di vita patriarcale.

Vivendo secondo i valori tradizionali, Katerina, dopo aver tradito il marito, arrendendosi al suo amore per Boris, intraprende la strada della rottura con questi valori e ne è profondamente consapevole. Il dramma di Katerina, che si è denunciata davanti a tutti e si è suicidata, risulta essere dotato dei tratti della tragedia di un intero ordine storico, che si sta gradualmente distruggendo, diventando un ricordo del passato. Il timbro dell'escatologismo, il sentimento della fine, è segnato anche dall'atteggiamento di Marfa Kabanova, la principale antagonista di Katerina. Allo stesso tempo, l'opera di Ostrovsky è profondamente intrisa dell'esperienza della "poesia della vita popolare" (A. Grigoriev), elementi di canto e folklore, un senso di bellezza naturale (le caratteristiche del paesaggio sono presenti nelle osservazioni, stand nelle repliche dei personaggi).

Il successivo lungo periodo dell'opera del drammaturgo (1861-1886) rivela la vicinanza delle ricerche di Ostrovsky ai percorsi di sviluppo del romanzo russo contemporaneo - da M.E. Saltykov-Shchedrin ai romanzi psicologici di Tolstoj e Dostoevskij.

Le commedie degli anni “post-riforma” risuonano prepotentemente del tema del “denaro pazzo”, del carrierismo egoistico e spudorato dei rappresentanti della nobiltà impoverita, unito alla ricchezza delle caratteristiche psicologiche dei personaggi, al sempre- crescente arte della costruzione della trama del drammaturgo. Quindi, l '"antieroe" dell'opera teatrale "Basta stupidità per ogni saggio" (1868) Egor Glumov ricorda in qualche modo il Molchalin di Griboedov. Ma questo è Molchalin di una nuova era: la mente inventiva e il cinismo di Glumov per il momento contribuiscono alla sua vertiginosa carriera iniziata. Queste stesse qualità, accenna il drammaturgo, nel finale della commedia non lasceranno cadere Glumov nell'abisso anche dopo la sua esposizione. Il tema della ridistribuzione delle benedizioni della vita, l'emergere di un nuovo tipo sociale e psicologico: un uomo d'affari ("Mad Money", 1869, Vasilkov) e persino un uomo d'affari predatore di nobili ("Wolves and Sheep", 1875, Berkutov) esisteva nell'opera di Ostrovsky fino alla fine del suo percorso di scrittore. Nel 1869 Ostrovsky contrasse un nuovo matrimonio dopo la morte di Agafya Ivanovna per tubercolosi. Dal suo secondo matrimonio, lo scrittore ha avuto cinque figli.

Di genere e compositivamente complessa, ricca di allusioni letterarie, citazioni nascoste e dirette della letteratura classica russa e straniera (Gogol, Cervantes, Shakespeare, Molière, Schiller), la commedia La foresta (1870) riassume il primo decennio post-riforma. L'opera tocca temi sviluppati dalla prosa psicologica russa: la graduale rovina dei "nobili nidi", il declino spirituale dei loro proprietari, la stratificazione del secondo stato e quelle collisioni morali in cui sono coinvolte le persone nelle nuove condizioni storiche e sociali. In questo caos sociale, domestico e morale, il portatore di umanità e nobiltà è un uomo d'arte: un nobile declassato e attore provinciale Neschastlivtsev.

Oltre alla "tragedia popolare" ("Temporale"), la commedia satirica ("Foresta"), Ostrovsky nella fase avanzata del suo lavoro crea anche opere esemplari nel genere del dramma psicologico ("Dowry", 1878, "Talents e ammiratori", 1881, "Without Guilty Guilty", 1884). Il drammaturgo in queste commedie espande, arricchisce psicologicamente i personaggi del palcoscenico. Correlandosi con i ruoli teatrali tradizionali e con le mosse drammatiche di uso comune, personaggi e situazioni risultano in grado di cambiare in modo imprevisto, dimostrando così l'ambiguità, l'incoerenza della vita interiore di una persona, l'imprevedibilità di ogni situazione quotidiana. Paratov non è solo un "uomo fatale", l'amante fatale di Larisa Ogudalova, ma anche un uomo dal calcolo mondano semplice e rozzo; Karandyshev non è solo un "piccolo uomo" che tollera i cinici "maestri della vita", ma anche una persona dall'immenso, doloroso orgoglio; Larisa non è solo un'eroina che soffre d'amore, idealmente diversa dal suo ambiente, ma anche sotto l'influenza di falsi ideali ("Dote"). Il personaggio di Negina ("Talenti e ammiratori") è risolto psicologicamente in modo ambiguo dal drammaturgo: la giovane attrice non solo sceglie la strada del servizio dell'arte, preferendola all'amore e alla felicità personale, ma accetta anche il destino di una donna mantenuta, cioè, “rafforza praticamente” la sua scelta. Il destino della famosa attrice Kruchinina ("Guilty Without Guilt") ha intrecciato sia l'ascesa all'Olimpo teatrale sia un terribile dramma personale. Ostrovsky segue così un percorso paragonabile ai percorsi della prosa realistica russa contemporanea: il percorso di una consapevolezza sempre più profonda della complessità della vita interiore dell'individuo, della natura paradossale della scelta che fa.

2. Idee, temi e personaggi sociali nelle opere drammatiche di A.N. Ostrovsky

.1 Creatività (la democrazia di Ostrovsky)

Nella seconda metà degli anni '50, alcuni importanti scrittori (Tolstoj, Turgenev, Goncharov, Ostrovsky) stipularono un accordo con la rivista Sovremennik sulla fornitura preferenziale delle loro opere. Ma presto questo accordo fu violato da tutti gli scrittori tranne Ostrovsky. Questo fatto è una delle testimonianze della grande vicinanza ideologica del drammaturgo con i redattori della rivista democratica rivoluzionaria.

Dopo la chiusura di Sovremennik, Ostrovsky, consolidando la sua alleanza con i democratici rivoluzionari, con Nekrasov e Saltykov-Shchedrin, pubblicò quasi tutte le sue opere sulla rivista Fatherland Notes.

Maturando ideologicamente, il drammaturgo raggiunge le vette della sua democrazia, dell'occidentalismo alieno e dello slavofilismo entro la fine degli anni '60. Nel suo pathos ideologico, la drammaturgia di Ostrovsky è la drammaturgia del riformismo pacifico-democratico, ardente propaganda dell'illuminazione e dell'umanità e protezione dei lavoratori.

La democrazia di Ostrovsky spiega la connessione organica del suo lavoro con la poesia popolare orale, il materiale di cui ha usato così meravigliosamente nelle sue creazioni artistiche.

Il drammaturgo apprezza molto M.E. Saltykov-Shchedrin. Ne parla "nel modo più entusiasta, dichiarando di considerarlo non solo uno scrittore eccezionale, con metodi di satira incomparabili, ma anche un profeta in relazione al futuro".

Strettamente associato a Nekrasov, Saltykov-Shchedrin e altri leader della democrazia contadina rivoluzionaria, Ostrovsky, tuttavia, non era un rivoluzionario nelle sue opinioni socio-politiche. Nelle sue opere non ci sono inviti a una trasformazione rivoluzionaria della realtà. Ecco perché Dobrolyubov, completando l'articolo "The Dark Kingdom", ha scritto: "Dobbiamo confessare: non abbiamo trovato una via d'uscita dal" regno oscuro "nelle opere di Ostrovsky". Ma nella totalità delle sue opere, Ostrovsky ha dato risposte abbastanza chiare alle domande sulla trasformazione della realtà dal punto di vista della pacifica democrazia riformista.

Il caratteristico democratismo di Ostrovsky determinò l'enorme forza della sua veste fortemente satirica della nobiltà, della borghesia e della burocrazia. In molti casi queste vesti sono state elevate al livello della critica più risoluta delle classi dominanti.

Il potere satirico accusatorio di molte delle opere di Ostrovsky è tale da servire oggettivamente alla causa della trasformazione rivoluzionaria della realtà, di cui parlava Dobrolyubov: “Le aspirazioni moderne della vita russa nelle dimensioni più estese trovano la loro espressione in Ostrovsky, come in un comico, dal lato negativo. Disegnandoci in un'immagine vivida false relazioni, con tutte le loro conseguenze, attraverso le stesse funge da eco di aspirazioni che richiedono un dispositivo migliore. Concludendo questo articolo, ha detto, e ancora più decisamente: "La vita russa e la forza russa sono chiamate dall'artista in The Thunderstorm a un compito decisivo".

Negli ultimi anni Ostrovsky ha una tendenza al miglioramento, che si riflette nella sostituzione di chiare caratteristiche sociali con quelle moralizzanti astratte, nella comparsa di motivi religiosi. Nonostante tutto ciò, la tendenza a migliorare non viola i fondamenti del lavoro di Ostrovsky: si manifesta entro i confini della sua democrazia e realismo intrinseci.

Ogni scrittore si distingue per la sua curiosità e osservazione. Ma Ostrovsky possedeva queste qualità al massimo grado. Ha guardato ovunque: per strada, a un incontro di lavoro, in una compagnia amichevole.

2.2 Innovazione A.N. Ostrovsky

L'innovazione di Ostrovsky si è già manifestata nell'argomento. Ha trasformato bruscamente la drammaturgia alla vita, alla sua vita quotidiana. È stato con le sue opere che il contenuto della drammaturgia russa è diventato la vita così com'è.

Sviluppando una gamma molto ampia di argomenti del suo tempo, Ostrovsky ha utilizzato principalmente materiale della vita e dei costumi della regione dell'alto Volga e di Mosca in particolare. Ma indipendentemente dal luogo dell'azione, le opere di Ostrovsky rivelano i tratti essenziali delle principali classi sociali, proprietà e gruppi della realtà russa in una certa fase del loro sviluppo storico. "Ostrovsky", ha giustamente scritto Goncharov, "ha scarabocchiato l'intera vita di Mosca, cioè il Grande Stato russo".

Insieme alla copertura degli aspetti più importanti della vita dei mercanti, la drammaturgia del XVIII secolo non passò accanto a fenomeni privati ​​​​della vita mercantile come la passione per la dote, preparata su scala mostruosa ("La sposa sotto un velo, o le nozze piccolo-borghesi” di autore ignoto 1789)

Esprimendo le esigenze socio-politiche e i gusti estetici della nobiltà, del vaudeville e del melodramma, che invasero il teatro russo nella prima metà del XIX secolo, attenuarono notevolmente lo sviluppo del dramma e della commedia quotidiana, in particolare del dramma e della commedia con temi mercantili. Il vivo interesse del teatro per le commedie con temi mercantili emerse solo negli anni '30.

Se alla fine degli anni '30 e proprio all'inizio degli anni '40 la vita dei mercanti nella letteratura drammatica era ancora percepita come un nuovo fenomeno in teatro, allora nella seconda metà degli anni '40 diventa già un cliché letterario.

Perché Ostrovsky si è rivolto al tema del mercante fin dall'inizio? Non solo perché la vita mercantile lo circondava letteralmente: incontrava la classe mercantile nella casa paterna, al servizio. Per le strade di Zamoskvorechye, dove ha vissuto per molti anni.

Nelle condizioni della disintegrazione delle relazioni feudale-servo, la Russia del proprietario terriero si stava rapidamente trasformando nella Russia capitalista. La borghesia commerciale e industriale avanzava rapidamente sulla scena pubblica. Nel processo di trasformazione della Russia dei proprietari terrieri nella Russia capitalista, Mosca diventa un centro commerciale e industriale. Già nel 1832, la maggior parte delle case in esso apparteneva alla "classe media", cioè. mercanti e cittadini. Nel 1845, Belinsky dichiarò: “Il nucleo della popolazione indigena di Mosca è la classe mercantile. Quante vecchie case nobili sono ora passate in proprietà dei mercanti!

Una parte significativa delle commedie storiche di Ostrovsky è dedicata agli eventi del cosiddetto "Time of Troubles". Questa non è una coincidenza. Il periodo turbolento dei "guai", chiaramente segnato dalla lotta di liberazione nazionale del popolo russo, riecheggia chiaramente il crescente movimento contadino degli anni '60 per la loro libertà, con la dura lotta delle forze reazionarie e progressiste che si è svolta in questi anni nella società , nel giornalismo e nella letteratura.

Raffigurando il lontano passato, il drammaturgo aveva in mente il presente. Esponendo le ulcere del sistema socio-politico e delle classi dirigenti, ha flagellato l'ordine autocratico contemporaneo. Attingendo a opere teatrali sulle immagini del passato di persone infinitamente devote alla loro patria, riproducendo la grandezza spirituale e la bellezza morale della gente comune, ha così espresso simpatia per i lavoratori della sua epoca.

Le commedie storiche di Ostrovsky sono un'espressione attiva del suo patriottismo democratico, un'effettiva realizzazione della sua lotta contro le forze reazionarie della modernità, per le sue aspirazioni progressiste.

Le commedie storiche di Ostrovsky, apparse durante gli anni di una feroce lotta tra materialismo, idealismo, ateismo e religione, democratismo rivoluzionario e reazione, non potevano essere portate allo scudo. Le commedie di Ostrovsky enfatizzavano l'importanza del principio religioso, ei democratici rivoluzionari intrapresero una propaganda atea inconciliabile.

Inoltre, la critica avanzata ha percepito negativamente l'allontanamento stesso del drammaturgo dal presente al passato. Le opere storiche di Ostrovsky iniziarono a trovare una valutazione più o meno obiettiva in seguito. Il loro vero valore ideologico e artistico comincia a realizzarsi solo nella critica sovietica.

Ostrovsky, raffigurante il presente e il passato, è stato portato via dai suoi sogni nel futuro. Nel 1873. Crea una meravigliosa fiaba "The Snow Maiden". Questa è un'utopia sociale. Ha una trama, personaggi e ambientazioni favolosi. Profondamente diverso nella sua forma dai drammi sociali del drammaturgo, entra organicamente nel sistema delle idee democratiche e umanistiche della sua opera.

Nella letteratura critica su The Snow Maiden, è stato giustamente sottolineato che Ostrovsky disegna qui un "regno contadino", una "comunità contadina", sottolineando ancora una volta la sua democrazia, il suo legame organico con Nekrasov, che idealizzava i contadini.

È con Ostrovsky che inizia il teatro russo nel suo senso moderno: lo scrittore ha creato una scuola di teatro e un concetto olistico di recitazione in teatro.

L'essenza del teatro di Ostrovsky è l'assenza di situazioni estreme e l'opposizione all'istinto dell'attore. Le opere di Alexander Nikolaevich descrivono situazioni ordinarie con persone comuni, i cui drammi entrano nella vita di tutti i giorni e nella psicologia umana.

Le idee principali della riforma del teatro:

· il teatro dovrebbe essere costruito su convenzioni (c'è una quarta parete che separa il pubblico dagli attori);

· invariabilità dell'atteggiamento nei confronti del linguaggio: padronanza delle caratteristiche del linguaggio, che esprime quasi tutto sui personaggi;

· scommettere su più di un attore;

· "La gente va a vedere la partita, non la commedia in sé: puoi leggerla".

Il teatro di Ostrovsky richiedeva una nuova estetica scenica, nuovi attori. In accordo con ciò, Ostrovsky crea un insieme di attori, che include attori come Martynov, Sergei Vasilyev, Evgeny Samoilov, Prov Sadovsky.

Naturalmente, le innovazioni hanno incontrato avversari. Erano, per esempio, Shchepkin. La drammaturgia di Ostrovsky richiedeva all'attore il distacco dalla sua personalità, che M.S. Shchepkin no. Ad esempio, ha lasciato le prove generali di The Thunderstorm, essendo molto insoddisfatto dell'autore dell'opera.

Le idee di Ostrovsky furono portate alla loro logica conclusione da Stanislavsky.

.3 Drammaturgia socio-etica di Ostrovsky

Dobrolyubov ha affermato che Ostrovsky "ha esposto in modo estremamente completo due tipi di relazioni: relazioni familiari e relazioni di proprietà". Ma queste relazioni sono sempre date loro in un ampio quadro sociale e morale.

La drammaturgia di Ostrovsky è socio-etica. Solleva e risolve i problemi della moralità, del comportamento umano. Goncharov ha giustamente attirato l'attenzione su questo: “Ostrovsky è solitamente chiamato uno scrittore della vita quotidiana, della morale, ma questo non esclude il lato mentale ... non ha una sola commedia in cui questo o quell'interesse, sentimento, verità della vita puramente umani non è influenzato”. L'autore di "Thunderstorm" e "Dowry" non è mai stato un lavoratore quotidiano ristretto. Continuando le migliori tradizioni della drammaturgia progressista russa, fonde organicamente nelle sue opere motivi familiari e quotidiani, morali e quotidiani con motivi profondamente sociali o addirittura socio-politici.

Al centro di quasi tutte le sue opere teatrali c'è il tema principale e conduttore di grande risonanza sociale, che viene rivelato con l'ausilio di temi privati ​​subordinati, per lo più quotidiani. Pertanto, le sue opere acquisiscono una complessità tematicamente complessa, versatilità. Quindi, ad esempio, il tema principale della commedia "La propria gente - sistemiamoci!" - la predazione sfrenata, che ha portato al fallimento doloso - si svolge in un intreccio organico con i suoi argomenti privati ​​subordinati: educazione, rapporti tra anziani e giovani, padri e figli, coscienza e onore, ecc.

Poco prima della comparsa di "Thunderstorm" N.A. Dobrolyubov ha pubblicato gli articoli "Dark Kingdom", in cui sosteneva che Ostrovsky "possiede una profonda comprensione della vita russa ed è bravo a ritrarre i suoi aspetti più essenziali in modo nitido e vivido".

Il Temporale è servito come nuova prova della correttezza delle proposizioni espresse dal critico democratico-rivoluzionario. In The Thunderstorm, il drammaturgo ha finora mostrato con eccezionale forza lo scontro tra vecchie tradizioni e nuove tendenze, tra oppressi e oppressori, tra le aspirazioni delle persone oppresse per la libera manifestazione dei loro bisogni spirituali, inclinazioni, interessi e il sociale e gli ordini familiari-domestici che dominavano nelle condizioni di vita pre-riforma.

Risolvendo il problema urgente dei bambini illegittimi, la loro impotenza sociale, Ostrovsky nel 1883 creò la commedia Guilty Without Guilt. Questo problema è stato toccato in letteratura sia prima che dopo Ostrovsky. La narrativa democratica vi ha prestato particolare attenzione. Ma in nessun'altra opera questo tema suonava con una passione così penetrante come nella commedia Guilty Without Guilt. A conferma della sua rilevanza, un contemporaneo del drammaturgo ha scritto: "La questione del destino degli illegittimi è una questione inerente a tutte le classi".

In questa commedia, anche il secondo problema è rumoroso: l'arte. Ostrovsky li legò abilmente e giustamente in un unico nodo. Ha trasformato una madre in cerca di suo figlio in un'attrice e ha svolto tutti gli eventi in un ambiente artistico. Così, due problemi eterogenei si sono fusi in un processo di vita organicamente inseparabile.

I modi per creare un'opera d'arte sono molto diversi. Lo scrittore può nascere da un fatto reale che lo ha colpito o da un problema o un'idea che lo ha entusiasmato, da un eccesso di esperienza di vita o dall'immaginazione. UN. Ostrovsky, di regola, partiva dai fenomeni concreti della realtà, ma allo stesso tempo difendeva una certa idea. Il drammaturgo condivideva pienamente il giudizio di Gogol secondo cui “l'idea, il pensiero governa l'opera. Senza di esso, non c'è unità in esso. Guidato da questa posizione, l'11 ottobre 1872 scrisse al suo coautore N.Ya. Solovyov: "Ho lavorato a "The Savage Woman" per tutta l'estate, e ho pensato per due anni, non solo non ho un solo personaggio o posizione, ma non c'è una sola frase che non seguirebbe rigorosamente dall'idea ... "

Il drammaturgo è sempre stato oppositore della didattica frontale, così caratteristica del classicismo, ma allo stesso tempo ha difeso la necessità di una completa chiarezza della posizione dell'autore. Nelle sue commedie si può sempre sentire l'autore-cittadino, patriota del suo paese, figlio del suo popolo, paladino della giustizia sociale, che agisce sia come appassionato difensore, avvocato, sia come giudice e pubblico ministero.

La posizione sociale, ideologica e ideologica di Ostrovsky è chiaramente rivelata in relazione alle varie classi sociali e personaggi rappresentati. Mostrando i mercanti, Ostrovsky rivela con particolare pienezza il suo egoismo predatore.

Insieme all'egoismo, una caratteristica essenziale della borghesia ritratta da Ostrovsky è l'avidità, accompagnata da un'avidità insaziabile e da spudorati imbrogli. L'avidità acquisitiva di questa classe consuma tutto. Sentimenti affini, amicizia, onore, coscienza vengono scambiati qui con denaro. Lo scintillio dell'oro oscura in questo ambiente tutti i soliti concetti di moralità e onestà. Qui, una madre facoltosa dà la sua unica figlia a un vecchio solo perché "non becca soldi" ("Family Picture"), e un padre ricco cerca uno sposo per la sua, anche lei unica figlia, considerando solo che ha " c'erano soldi e un piccolo dolore alla dote "(" "Persone proprie - sistemiamoci!").

Nell'ambiente commerciale ritratto da Ostrovsky, nessuno tiene conto delle opinioni, dei desideri e degli interessi degli altri, considerando solo la propria volontà e arbitrarietà personale come base della propria attività.

Una caratteristica integrante della borghesia commerciale e industriale ritratta da Ostrovsky è l'ipocrisia. I mercanti si sforzavano di nascondere la loro natura fraudolenta sotto la maschera della calma e della pietà. La religione dell'ipocrisia professata dai mercanti divenne la loro essenza.

Egoismo predatore, avidità acquisita, praticità ristretta, totale mancanza di indagini spirituali, ignoranza, tirannia, ipocrisia e ipocrisia: queste sono le principali caratteristiche morali e psicologiche della borghesia commerciale e industriale pre-riforma ritratta da Ostrovsky, le sue proprietà essenziali.

Riproducendo la borghesia commerciale e industriale pre-riforma con il suo stile di vita pre-costruzione, Ostrovsky ha mostrato chiaramente che nella vita le forze che si opponevano stavano già crescendo, minando inesorabilmente le sue fondamenta. Il terreno sotto i piedi dei despoti autoindulgenti divenne sempre più traballante, prefigurando la loro inevitabile fine nel futuro.

La realtà post-riforma è molto cambiata nella posizione dei commercianti. Il rapido sviluppo dell'industria, la crescita del mercato interno e l'espansione delle relazioni commerciali con l'estero hanno trasformato la borghesia commerciale e industriale in una forza non solo economica ma anche politica. Il tipo del vecchio commerciante pre-riforma iniziò a essere sostituito da uno nuovo. Venne a sostituirlo un mercante di altro genere.

In risposta al nuovo che la realtà post-riforma ha introdotto nella vita e nei costumi dei mercanti, Ostrovsky pone ancora più nettamente nelle sue opere la lotta della civiltà con il patriarcato, dei nuovi fenomeni con l'antichità.

Seguendo il corso mutevole degli eventi, il drammaturgo in alcune delle sue commedie disegna un nuovo tipo di commerciante, formatosi dopo il 1861. Acquisendo una lucentezza europea, questo commerciante nasconde la sua essenza egoista e predatoria sotto plausibilità esterna.

Disegnando rappresentanti della borghesia commerciale e industriale dell'era post-riforma, Ostrovsky ne espone l'utilitarismo, l'ottusità, la povertà spirituale, la preoccupazione per gli interessi dell'accaparramento e il comfort domestico. “La borghesia”, si legge nel Manifesto del partito comunista, “ha strappato il suo toccante velo sentimentale dai rapporti familiari e li ha ridotti a rapporti puramente monetari”. Vediamo una convincente conferma di questa posizione nelle relazioni familiari e quotidiane della borghesia russa pre-riforma e, in particolare, post-riforma, rappresentata da Ostrovsky.

Il matrimonio e le relazioni familiari sono qui subordinati agli interessi dell'imprenditorialità e del profitto.

La civiltà ha indubbiamente snellito la tecnica dei rapporti professionali tra la borghesia commerciale e quella industriale e le ha conferito la lucentezza di una cultura esterna. Ma l'essenza della pratica sociale della borghesia pre-riforma e post-riforma è rimasta immutata.

Confrontando la borghesia con la nobiltà, Ostrovsky preferisce la borghesia, ma da nessuna parte, ad eccezione di tre commedie: "Non sederti sulla tua slitta", "La povertà non è un vizio", "Non vivere come vuoi", - non idealizza esso come una tenuta. È chiaro a Ostrovsky che i fondamenti morali dei rappresentanti della borghesia sono determinati dalle condizioni del loro ambiente, della loro esistenza sociale, che è un'espressione particolare del sistema, che si basa sul dispotismo, il potere della ricchezza. L'attività commerciale e imprenditoriale della borghesia non può servire come fonte di crescita spirituale della personalità umana, dell'umanità e della moralità. La pratica sociale della borghesia può solo sfigurare la personalità umana, instillando in essa proprietà individualistiche e antisociali. La borghesia, che storicamente sostituisce la nobiltà, è viziosa nella sua essenza. Ma è diventata una forza non solo economica, ma anche politica. Mentre i mercanti di Gogol avevano paura del sindaco come il fuoco e si crogiolavano ai suoi piedi, i mercanti di Ostrovsky trattano il sindaco con familiarità.

Raffigurando gli affari e i giorni della borghesia commerciale e industriale, la sua vecchia e giovane generazione, il drammaturgo ha mostrato una galleria di immagini piene di originalità individuale, ma, di regola, senza anima e cuore, senza vergogna e coscienza, senza pietà e compassione .

Anche la burocrazia russa della seconda metà del XIX secolo, con le sue proprietà intrinseche di carrierismo, appropriazione indebita e corruzione, fu oggetto di aspre critiche da parte di Ostrovsky. Esprimendo gli interessi della nobiltà e della borghesia, era infatti la forza socio-politica dominante. "L'autocrazia zarista è", disse Lenin, "l'autocrazia dei funzionari".

Il potere della burocrazia, diretto contro gli interessi del popolo, era incontrollato. I rappresentanti del mondo burocratico sono i Vyshnevsky ("Luogo redditizio"), i Potrokhov ("Pane del lavoro"), gli Gnevyshev ("La sposa ricca") e i Benevolensky ("La sposa povera").

I concetti di giustizia e dignità umana esistono nel mondo burocratico in un senso egoistico, estremamente volgare.

Rivelando i meccanismi dell'onnipotenza burocratica, Ostrovsky dipinge un quadro del terribile formalismo che ha dato vita a oscuri uomini d'affari come Zakhar Zakharych ("Una notte da leoni a uno strano banchetto") e Mudrov ("Hard Days").

È del tutto naturale che i rappresentanti dell'onnipotenza autocratico-burocratica siano strangolatori di ogni libero pensiero politico.

Appropriazione indebita, corruzione, spergiuro, imbiancamento del male e annegamento della giusta causa in un flusso cartaceo di pettegolezzi astuti casistici, queste persone sono moralmente devastate, tutto ciò che è umano in loro è esposto alle intemperie, non c'è nulla di caro per loro: la coscienza e l'onore sono venduti per profitto posti, ranghi, denaro.

Ostrovsky ha mostrato in modo convincente la fusione organica della burocrazia, la burocrazia con la nobiltà e la borghesia, l'unità dei loro interessi economici e socio-politici.

Riproducendo gli eroi della vita burocratica borghese conservatrice con la loro volgarità e impenetrabile ignoranza, avidità carnivora e maleducazione, il drammaturgo crea una magnifica trilogia su Balzaminov.

Guardando avanti nei suoi sogni verso il futuro, quando sposerà una ricca sposa, l'eroe di questa trilogia dice: “In primo luogo, mi cucirei un mantello blu con una fodera di velluto nero ... mi comprerei un cavallo grigio e un correre droshky e guidare lungo l'Hook, madre, e lui ha governato ... ".

Balzaminov è la personificazione dei volgari limiti burocratici piccolo-borghesi. Questo è un tipo di grande potere generalizzante.

Ma una parte significativa della piccola burocrazia, trovandosi socialmente tra l'incudine e il martello, subì essa stessa l'oppressione del sistema autocratico-dispotico. Tra la piccola burocrazia c'erano molti lavoratori onesti che si piegavano e spesso cadevano sotto il peso insopportabile dell'ingiustizia sociale, della privazione e del bisogno. Ostrovsky trattava questi lavoratori con ardente attenzione e simpatia. Ha dedicato una serie di commedie alle piccole persone del mondo burocratico, dove si comportano come erano nella realtà: buoni e cattivi, intelligenti e stupidi, ma entrambi sono indigenti, privati ​​​​dell'opportunità di rivelare le loro migliori capacità.

Sentivano più acutamente la loro infrazione sociale, più profondamente sentivano la loro futilità persone in un modo o nell'altro eccezionali. E così le loro vite furono per lo più tragiche.

I rappresentanti dell'intellighenzia operaia nell'immagine di Ostrovsky sono persone di vivacità spirituale e luminoso ottimismo, buona volontà e umanesimo.

La franchezza di principio, la purezza morale, una ferma convinzione nella verità delle proprie azioni e il brillante ottimismo dell'intellighenzia operaia trovano un ardente sostegno da Ostrovsky. Raffigurando i rappresentanti dell'intellighenzia lavoratrice come veri patrioti della loro patria, come portatori di luce, progettati per dissipare l'oscurità del regno oscuro, basato sul potere del capitale e dei privilegi, dell'arbitrarietà e della violenza, il drammaturgo mette i suoi cari pensieri nel loro discorsi.

Le simpatie di Ostrovsky appartenevano non solo all'intellighenzia lavoratrice, ma anche ai normali lavoratori. Li ha trovati nel filisteismo: una classe eterogenea, complessa e contraddittoria. Per le loro stesse aspirazioni, i piccolo-borghesi sono attaccati alla borghesia e, per la loro essenza lavorativa, alla gente comune. Ostrovsky ritrae da questa tenuta principalmente persone che lavorano, mostrando loro evidente simpatia.

Di norma, le persone comuni nelle opere di Ostrovsky sono portatrici di intelligenza naturale, nobiltà spirituale, onestà, innocenza, gentilezza, dignità umana e sincerità di cuore.

Mostrando i lavoratori della città, Ostrovsky penetra con profondo rispetto per i loro meriti spirituali e ardente simpatia per la difficile situazione. Agisce come un difensore diretto e coerente di questo strato sociale.

Approfondendo le tendenze satiriche della drammaturgia russa, Ostrovsky ha agito come uno spietato denunciatore delle classi sfruttatrici e, quindi, del sistema autocratico. Il drammaturgo ha ritratto un sistema sociale in cui il valore della personalità umana è determinato solo dalla sua ricchezza materiale, in cui i lavoratori poveri sperimentano pesantezza e disperazione, e carrieristi e corrotti prosperano e trionfano. Pertanto, il drammaturgo ha sottolineato la sua ingiustizia e depravazione.

Ecco perché nelle sue commedie e nei suoi drammi tutti i personaggi positivi si trovano prevalentemente in situazioni drammatiche: soffrono, soffrono e persino muoiono. La loro felicità è accidentale o immaginaria.

Ostrovsky era dalla parte di questa crescente protesta, vedendo in essa un segno dei tempi, un'espressione di un movimento nazionale, l'inizio di ciò che avrebbe cambiato tutta la vita nell'interesse dei lavoratori.

Essendo uno dei rappresentanti più brillanti del realismo critico russo, Ostrovsky non solo ha negato, ma ha anche affermato. Usando tutte le possibilità della sua abilità, il drammaturgo ha attaccato coloro che opprimevano il popolo e sfiguravano le loro anime. Permeando il suo lavoro di patriottismo democratico, ha detto: "Come russo, sono pronto a sacrificare tutto ciò che posso per la patria".

Confrontando le opere teatrali di Ostrovsky con i suoi romanzi e racconti liberali-accusatori contemporanei, Dobrolyubov ha giustamente scritto nell'articolo “Un raggio di luce nel regno oscuro”: “È impossibile non ammettere che il lavoro di Ostrovsky è molto più fruttuoso: ha catturato tali aspirazioni generali e bisogni che permeano l'intera società russa la cui voce si sente in tutti i fenomeni della nostra vita, la cui soddisfazione è una condizione necessaria per il nostro ulteriore sviluppo.

Conclusione

La stragrande maggioranza della drammaturgia dell'Europa occidentale del XIX secolo rifletteva i sentimenti e i pensieri della borghesia, che dominava tutte le sfere della vita, ne elogiava la morale e gli eroi e affermava l'ordine capitalista. Ostrovsky ha espresso l'umore, i principi morali, le idee degli strati lavorativi del paese. E questo ha determinato l'altezza della sua ideologia, quella forza della sua protesta pubblica, quella veridicità nella sua rappresentazione dei tipi di realtà con cui si distingue così chiaramente sullo sfondo di tutto il dramma mondiale del suo tempo.

L'attività creativa di Ostrovsky ha avuto una forte influenza sull'intero ulteriore sviluppo del dramma progressista russo. È stato da lui che hanno studiato i nostri migliori drammaturghi, ha insegnato. Fu a lui che gli aspiranti scrittori drammatici furono attratti ai loro tempi.

Ostrovsky ha avuto un enorme impatto sull'ulteriore sviluppo del dramma russo e dell'arte teatrale. IN E. Nemirovich-Danchenko e K.S. Stanislavskij, i fondatori del Moscow Art Theatre, cercarono di creare "un teatro popolare con approssimativamente gli stessi compiti e piani sognati da Ostrovsky". La drammatica innovazione di Cechov e Gorky sarebbe stata impossibile senza padroneggiare le migliori tradizioni del loro straordinario predecessore. Ostrovsky divenne un alleato e compagno d'armi di drammaturghi, registi e attori nella loro lotta per la nazionalità e l'alta ideologia dell'arte sovietica.

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Qual è il merito di A.N. Ostrovskij? Perché, secondo IA Goncharov, solo dopo Ostrovsky potremmo dire di avere il nostro teatro nazionale russo? (Torna all'epigrafe della lezione)

Sì, c'erano "Undergrowth", "Woe from Wit", "Inspector General", c'erano commedie di Turgenev, A.K. Tolstoy, Sukhovo-Kobylin, ma non erano abbastanza! La maggior parte del repertorio teatrale consisteva in vuoti vaudeville e melodrammi tradotti. Con l'avvento di Alexander Nikolayevich Ostrovsky, che dedicò tutto il suo talento esclusivamente alla drammaturgia, il repertorio dei teatri cambiò qualitativamente. Lui solo ha scritto tante commedie quante non ne hanno scritte tutti i classici russi messi insieme: una cinquantina! Ogni stagione per più di trent'anni, i teatri hanno ricevuto un nuovo spettacolo, o anche due! Adesso c'era qualcosa da suonare!

C'era una nuova scuola di recitazione, una nuova estetica teatrale, apparve il "Teatro Ostrovsky", che divenne proprietà di tutta la cultura russa!

Cosa ha causato l'attenzione di Ostrovsky al teatro? Lo stesso drammaturgo ha risposto a questa domanda come segue: “La poesia drammatica è più vicina alle persone di tutti gli altri rami della letteratura. Tutte le altre opere sono scritte per persone istruite, e drammi e commedie sono scritte per tutto il popolo ... ". Scrivere per le persone, risvegliare la loro coscienza, plasmare il loro gusto è un compito responsabile. E Ostrovsky l'ha preso sul serio. Se non c'è un teatro esemplare, il semplice pubblico può scambiare operette e melodrammi che irritano curiosità e sensibilità per vera arte.

Quindi, notiamo i principali meriti di A. N. Ostrovsky al teatro russo.

1) Ostrovsky ha creato il repertorio teatrale. Ha scritto 47 commedie originali e 7 commedie in collaborazione con giovani autori. Venti commedie sono state tradotte da Ostrovsky dall'italiano, dall'inglese e dal francese.

2) Non meno importante è la diversità di genere della sua drammaturgia: si tratta di "scene e immagini" della vita di Mosca, cronache drammatiche, drammi, commedie, la fiaba primaverile "La fanciulla di neve".

3) Nelle sue commedie, il drammaturgo ha interpretato varie classi, personaggi, professioni, ha creato 547 attori, dal re al servitore della taverna, con i loro caratteri, abitudini e discorsi unici.

4) Le commedie di Ostrovsky coprono un vasto periodo storico: dal XVII al X secolo.

5) L'azione delle commedie si svolge anche nelle tenute dei proprietari terrieri, nelle locande e sulle rive del Volga. Sui viali e per le strade dei capoluoghi.

6) Gli eroi di Ostrovsky - e questa è la cosa principale - sono personaggi viventi con le proprie caratteristiche, modi, con il proprio destino, con un linguaggio vivo inerente solo a questo eroe.

È passato un secolo e mezzo da quando è stata messa in scena la prima rappresentazione (gennaio 1853; Don't Get in Your Sleigh), e il nome del drammaturgo non lascia i manifesti dei teatri, gli spettacoli vengono messi in scena su molti palcoscenici del mondo.

Un interesse particolarmente acuto per Ostrovsky sorge in tempi difficili, quando una persona cerca risposte alle domande più importanti della vita: cosa ci sta succedendo? Perché? cosa siamo noi? Forse è in un momento simile che a una persona mancano emozioni, passioni, un senso di pienezza della vita. E abbiamo ancora bisogno di ciò di cui ha scritto Ostrovsky: "E un profondo sospiro per l'intero teatro, e lacrime calde non finte, discorsi caldi che scorrerebbero direttamente nell'anima".

Il drammaturgo quasi non ha messo nel suo lavoro problemi politici e filosofici, espressioni facciali e gesti, giocando con i dettagli dei loro costumi e dell'ambiente quotidiano. Per aumentare gli effetti comici, il drammaturgo di solito introduceva nella trama persone minori - parenti, servi, clienti, passanti casuali - e circostanze secondarie della vita quotidiana. Tali, ad esempio, sono il seguito di Khlynov e il gentiluomo con i baffi in The Hot Heart, o Apollo Murzavetsky con il suo Tamerlano nella commedia Wolves and Sheep, o l'attore Schastlivtsev sotto Neschastlivtsev e Paratov in The Forest and The Dowry, ecc. il drammaturgo, come prima, ha cercato di rivelare i caratteri dei personaggi non solo nel corso stesso degli eventi, ma in misura non minore anche attraverso le peculiarità dei loro dialoghi quotidiani - dialoghi "caratterologici", da lui padroneggiati esteticamente in "His People .. .".
Così, nel nuovo periodo di creatività, Ostrovsky agisce come un maestro affermato con un sistema completo di arte drammatica. La sua fama, i suoi legami sociali e teatrali continuano a crescere ea diventare più complessi. L'abbondanza di opere teatrali create nel nuovo periodo è stata il risultato di una domanda sempre crescente di opere di Ostrovsky da parte di riviste e teatri. Durante questi anni, il drammaturgo non solo ha lavorato instancabilmente se stesso, ma ha trovato la forza per aiutare scrittori meno dotati e alle prime armi, e talvolta partecipare attivamente con loro al loro lavoro. Così, in collaborazione creativa con Ostrovsky, sono state scritte numerose commedie di N. Solovyov (le migliori sono "Le nozze di Belugin" e "Wild Woman"), così come P. Nevezhin.
Contribuendo costantemente alla messa in scena delle sue opere sui palcoscenici dei teatri Alessandria di Mosca Maly e San Pietroburgo, Ostrovsky conosceva bene lo stato delle cose teatrali, che erano principalmente sotto la giurisdizione dell'apparato statale burocratico, ed era amaramente consapevole del loro clamoroso carenze. Vide che non rappresentava l'intellighenzia nobile e borghese nella sua ricerca ideologica, come fecero Herzen, Turgenev e in parte Goncharov. Nelle sue commedie mostrava la vita sociale quotidiana dei normali rappresentanti della classe mercantile, della burocrazia, della nobiltà, una vita in cui si manifestavano conflitti personali, in particolare amorosi, scontri di interessi familiari, monetari e patrimoniali.
Ma la consapevolezza ideologica e artistica di Ostrovsky di questi aspetti della vita russa aveva un profondo significato nazionale e storico. Attraverso le relazioni quotidiane di quelle persone che erano le padrone e le padrone della vita, si rivelava la loro condizione sociale generale. Proprio come, secondo l'appropriata osservazione di Chernyshevsky, il comportamento codardo di un giovane liberale, l'eroe della storia di Turgenev "Asya", ad un appuntamento con una ragazza era un "sintomo di malattia" di tutto il nobile liberalismo, la sua debolezza politica, così il la tirannia quotidiana e il comportamento predatorio di mercanti, funzionari e nobili rappresentavano un sintomo di una malattia più terribile della loro totale incapacità di conferire almeno in una certa misura alle loro attività un significato progressista a livello nazionale.
Questo era abbastanza naturale e naturale nel periodo pre-riforma. Quindi la tirannia, l'arroganza, la predazione dei Voltov, Vyshnevsky, Ulanbekov era una manifestazione del "regno oscuro" della servitù, già destinato a essere demolito. E Dobrolyubov ha correttamente sottolineato che sebbene la commedia di Ostrovsky "non possa fornire una chiave per spiegare molti degli amari fenomeni in essa rappresentati", tuttavia, "può facilmente portare a molte considerazioni analoghe relative a quella vita, che non riguarda direttamente". E il critico lo ha spiegato con il fatto che i “tipi” di piccoli tiranni, allevati da Ostrovsky, “non lo sono. raramente contengono caratteristiche non solo esclusivamente mercantili o burocratiche, ma anche generali (cioè a livello nazionale). In altre parole, le commedie di Ostrovsky del 1840-1860. indirettamente esposto tutti i "regni oscuri" del sistema autocratico-feudale.
Nei decenni successivi alla riforma la situazione è cambiata. Poi "tutto è stato capovolto" e il nuovo sistema borghese della vita russa ha cominciato gradualmente ad "adattarsi". E la questione di come esattamente questo nuovo sistema fosse "adattato" era di enorme importanza nazionale, fino a che punto la nuova classe dirigente, la borghesia russa, potesse prendere parte alla lotta per abolire le sopravvivenze del "regno oscuro" della servitù e l'intero sistema autocratico-proprietario.
Quasi venti nuove commedie di Ostrovsky su temi contemporanei hanno dato una chiara risposta negativa a questa domanda fatale. Il drammaturgo, come prima, ha rappresentato il mondo delle relazioni private sociali, domestiche, familiari e patrimoniali. Non tutto gli era chiaro nelle tendenze generali del loro sviluppo, e la sua "lira" a volte emetteva "suoni corretti" a questo riguardo. Ma nel complesso, le opere di Ostrovsky contenevano un certo orientamento oggettivo. Hanno esposto sia i resti del vecchio "regno oscuro" del dispotismo sia il "regno oscuro" emergente della predazione borghese, della campagna pubblicitaria del denaro, della distruzione di tutti i valori morali in un'atmosfera di compravendita generale. Hanno dimostrato che gli uomini d'affari e gli industriali russi non sono in grado di raggiungere la realizzazione degli interessi dello sviluppo nazionale, che alcuni di loro, come Khlynov e Akhov, sono capaci solo di indulgere in piaceri grossolani, altri, come Knurov e Berkutov, possono subordinare solo tutto ciò che li circonda ai loro interessi predatori, "da lupo", e per terze parti, come Vasilkov o Frol Pribytkov, gli interessi del profitto sono coperti solo dalla decenza esteriore e da richieste culturali molto ristrette. Le commedie di Ostrovsky, oltre ai piani e alle intenzioni del loro autore, delineavano oggettivamente una certa prospettiva di sviluppo nazionale - la prospettiva dell'inevitabile distruzione di tutti i resti del vecchio "regno oscuro" del dispotismo autocratico della gleba, non solo senza la partecipazione di la borghesia, non solo sopra la sua testa, ma insieme alla distruzione del suo stesso "regno oscuro" predatore
La realtà rappresentata nelle commedie quotidiane di Ostrovsky era una forma di vita priva di un contenuto progressista nazionale, e quindi rivelava facilmente un'incoerenza comica interna. Ostrovsky ha dedicato il suo eccezionale talento drammatico alla sua divulgazione. Basandosi sulla tradizione delle commedie e delle storie realistiche di Gogol, ristrutturandola secondo le nuove esigenze estetiche avanzate dalla "scuola naturale" degli anni Quaranta dell'Ottocento e formulate da Belinsky e Herzen, Ostrovsky ha tracciato l'incoerenza comica della vita sociale e quotidiana di gli strati dirigenti della società russa, approfondendo i "dettagli del mondo", guardando filo per filo la "rete delle relazioni quotidiane". Questo è stato il risultato principale del nuovo stile drammatico creato da Ostrovsky.

Saggio sulla letteratura sull'argomento: il significato del lavoro di Ostrovsky per lo sviluppo ideologico ed estetico della letteratura

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Il valore dell'opera di Ostrovsky per lo sviluppo ideologico ed estetico della letteratura

Alexander Nikolayevich Ostrovsky (1823-1886) occupa giustamente un posto degno tra i maggiori rappresentanti del dramma mondiale.

Il significato delle attività di Ostrovsky, che per più di quarant'anni ogni anno ha pubblicato sulle migliori riviste in Russia e ha messo in scena spettacoli sui palcoscenici dei teatri imperiali di San Goncharov, si è rivolto allo stesso drammaturgo.

“Hai portato in dono alla letteratura un'intera biblioteca di opere d'arte, hai creato il tuo mondo speciale per il palcoscenico. Tu solo hai completato l'edificio, alla base del quale hai posto le pietre angolari di Fonvizin, Griboedov, Gogol. Ma solo dopo di te siamo russi, possiamo dire con orgoglio: "Abbiamo il nostro teatro nazionale russo". In tutta onestà, dovrebbe essere chiamato il teatro di Ostrovsky.

Ostrovsky iniziò la sua carriera negli anni '40, durante la vita di Gogol e Belinsky, e la completò nella seconda metà degli anni '80, in un momento in cui A.P. Cechov era già saldamente radicato nella letteratura.

La convinzione che il lavoro di un drammaturgo, creando un repertorio teatrale, sia un alto servizio pubblico ha permeato e diretto l'attività di Ostrovsky. Era organicamente connesso con la vita della letteratura.

Nella sua giovinezza, il drammaturgo ha scritto articoli critici e ha partecipato agli affari editoriali di Moskvityanin, cercando di cambiare la direzione di questa rivista conservatrice, poi, mentre pubblicava su Sovremennik e Otechestvennye Zapiski, è diventato amico di N. A. Nekrasov, L. N. Tolstoy , I. S. Turgenev, I. A. Goncharov e altri scrittori. Ha seguito il loro lavoro, ha discusso con loro delle loro opere e ha ascoltato la loro opinione sulle sue opere.

In un'epoca in cui i teatri statali erano ufficialmente considerati "imperiali" ed erano sotto il controllo del Ministero della Corte, e le istituzioni di intrattenimento provinciali erano a completa disposizione degli imprenditori, Ostrovsky avanzò l'idea di un completo ristrutturazione del business teatrale in Russia. Ha sostenuto la necessità di sostituire il teatro di corte e commerciale con uno popolare.

Non limitato allo sviluppo teorico di questa idea in articoli e note speciali, il drammaturgo ha combattuto per molti anni per la sua attuazione. Le aree principali in cui ha realizzato le sue opinioni sul teatro sono state il suo lavoro e il lavoro con gli attori.

La drammaturgia, la base letteraria della performance, Ostrovsky ne considerava l'elemento determinante. Il repertorio del teatro, che offre allo spettatore l'opportunità di "vedere la vita russa e la storia russa sul palcoscenico", secondo i suoi concetti, era rivolto principalmente al pubblico democratico, "per il quale gli scrittori popolari vogliono scrivere e sono obbligati a scrivere. " Ostrovsky ha difeso i principi del teatro dell'autore.

Considerava i teatri di Shakespeare, Molière e Goethe esperimenti esemplari di questo tipo. La combinazione in una persona dell'autore di opere drammatiche e del loro interprete sul palco - l'insegnante di attori, il regista - sembrava a Ostrovsky una garanzia di integrità artistica, l'attività organica del teatro.

Questa idea, in assenza di regia, con il tradizionale orientamento dello spettacolo teatrale alla performance di singoli attori "solisti", è stata innovativa e fruttuosa. Il suo significato non si è esaurito nemmeno oggi, quando il regista è diventato la figura principale del teatro. Basta ricordare il teatro "Berliner Ensemble" di B. Brecht per esserne convinti.

Superando l'inerzia dell'amministrazione burocratica, gli intrighi letterari e teatrali, Ostrovsky ha lavorato con attori, dirigendo costantemente le produzioni delle sue nuove opere nei teatri Maly Moscow e Alexandrinsky Petersburg.

L'essenza della sua idea era quella di implementare e consolidare l'influenza della letteratura sul teatro. Fondamentalmente e categoricamente, ha condannato il sempre più sentito degli anni '70. subordinazione degli scrittori drammatici ai gusti degli attori: i favoriti del palcoscenico, i loro pregiudizi e capricci. Allo stesso tempo, Ostrovsky non concepiva la drammaturgia senza il teatro.

Le sue opere sono state scritte con l'aspettativa diretta di veri artisti, artisti. Ha sottolineato che per scrivere una buona commedia, l'autore deve avere piena conoscenza delle leggi del palcoscenico, il lato puramente plastico del teatro.

Lontano da ogni drammaturgo, era pronto a cedere il potere sugli artisti di scena. Era sicuro che solo uno scrittore che ha creato la sua drammaturgia unica, il suo mondo speciale sul palcoscenico, ha qualcosa da dire agli artisti, ha qualcosa da insegnare loro. L'atteggiamento di Ostrovsky nei confronti del teatro moderno era determinato dal suo sistema artistico. L'eroe della drammaturgia di Ostrovsky era il popolo.

L'intera società e, inoltre, la vita socio-storica delle persone apparivano nelle sue opere. Non senza ragione, i critici N. Dobrolyubov e A. Grigoriev, che si sono avvicinati al lavoro di Ostrovsky da posizioni reciprocamente opposte, hanno visto nelle sue opere un quadro completo della vita delle persone, sebbene abbiano valutato diversamente la vita rappresentata dallo scrittore.

Questo orientamento dello scrittore ai fenomeni di massa della vita corrispondeva al principio del gioco d'insieme, che difendeva, la coscienza insita nel drammaturgo dell'importanza dell'unità, l'integrità delle aspirazioni creative della squadra di attori che partecipavano allo spettacolo .

Nelle sue commedie, Ostrovsky ha ritratto fenomeni sociali che avevano radici profonde: conflitti, le cui origini e cause spesso risalgono a epoche storiche lontane.

Vide e mostrò le fruttuose aspirazioni che sorgono nella società e il nuovo male che sorge in essa. I portatori di nuove aspirazioni e idee nelle sue opere sono costretti a condurre una dura lotta contro i vecchi costumi e punti di vista tradizionalmente consacrati, e il nuovo male si scontra in essi con il secolare ideale etico del popolo, con forti tradizioni di resistenza all'ingiustizia sociale e alla falsità morale.

Ogni personaggio delle opere di Ostrovsky è organicamente connesso con il suo ambiente, la sua epoca, la storia del suo popolo. Allo stesso tempo, la persona comune, nei cui concetti, abitudini e stessi discorsi è impressa la sua parentela con il mondo sociale e nazionale, è al centro dell'interesse per le opere di Ostrovsky.

Il destino individuale di una persona, la felicità e l'infelicità di un individuo, una persona comune, i suoi bisogni, la sua lotta per il suo benessere personale eccitano lo spettatore dei drammi e delle commedie di questo drammaturgo. La posizione di una persona serve in loro come misura dello stato della società.

Inoltre, la personalità tipica, l'energia con cui la vita delle persone "incide" nelle caratteristiche individuali di una persona, nella drammaturgia di Ostrovsky ha un importante significato etico ed estetico. La caratterizzazione è meravigliosa.

Proprio come nel dramma di Shakespeare l'eroe tragico, che sia bello o terribile in termini di valutazione etica, appartiene alla sfera della bellezza, nelle opere di Ostrovsky l'eroe caratteristico, nella misura della sua tipicità, è l'incarnazione dell'estetica, e in una serie di casi, la ricchezza spirituale, la vita storica e la cultura del popolo. .

Questa caratteristica della drammaturgia di Ostrovsky ha predeterminato la sua attenzione al gioco di ogni attore, alla capacità dell'attore di presentare un tipo sul palco, di ricreare in modo vivido e accattivante un personaggio sociale individuale e originale.

Ostrovsky apprezzava particolarmente questa capacità nei migliori artisti del suo tempo, incoraggiandola e aiutandola a svilupparla. Rivolgendosi ad A. E. Martynov, ha detto: “... da diversi tratti abbozzati da una mano inesperta, hai creato i tipi finali, pieni di verità artistica. Ecco perché sei caro agli autori.

Ostrovsky ha concluso la sua discussione sulla nazionalità del teatro, sul fatto che i drammi e le commedie sono scritti per tutto il popolo: "... gli scrittori drammatici devono sempre ricordarlo, devono essere chiari e forti".

La chiarezza e la forza della creatività dell'autore, oltre ai tipi creati nelle sue opere teatrali, trova espressione nei conflitti delle sue opere, costruite su semplici incidenti di vita, che riflettono però le principali collisioni della vita sociale moderna.

Nel suo primo articolo, valutando positivamente la storia di A.F. Pisemsky “The Mattress”, Ostrovsky ha scritto: “L'intrigo della storia è semplice e istruttivo, come la vita. A causa dei personaggi originali, a causa del corso naturale e altamente drammatico degli eventi, traspare un pensiero nobile, acquisito dall'esperienza mondana.

Questa storia è davvero un'opera d'arte". Il naturale corso drammatico degli eventi, i personaggi originali, la rappresentazione della vita della gente comune - elencando questi segni di vera abilità artistica nella storia di Pisemsky, il giovane Ostrovsky è senza dubbio partito dalle sue riflessioni sui compiti del dramma come arte.

Tipicamente, Ostrovsky attribuisce grande importanza all'istruttività di un'opera letteraria. L'istruttività dell'arte gli dà un motivo per confrontare e avvicinare l'arte alla vita.

Ostrovsky riteneva che il teatro, raccogliendo tra le sue mura un pubblico vasto e diversificato, unendolo a un senso di piacere estetico, dovesse educare la società, aiutare gli spettatori semplici e impreparati "a comprendere la vita per la prima volta" e dare a quelli istruiti "un intera prospettiva di pensieri di cui non ci si può sbarazzare” (ibid.).

Allo stesso tempo, la didattica astratta era estranea a Ostrovsky. "Chiunque può avere buoni pensieri, ma solo pochi eletti possono possedere menti e cuori", ha ricordato, ironizzando sugli scrittori che sostituiscono i seri problemi artistici con tirate edificanti e una tendenza nuda. La conoscenza della vita, la sua veritiera rappresentazione realistica, la riflessione sui temi più urgenti e complessi per la società: questo è ciò che il teatro dovrebbe presentare al pubblico, questo è ciò che rende il palcoscenico una scuola di vita.

L'artista insegna allo spettatore a pensare e sentire, ma non gli dà soluzioni già pronte. La drammaturgia didattica, che non rivela la saggezza e l'istruttività della vita, ma la sostituisce con verità comuni espresse in modo dichiarativo, è disonesta, poiché non è artistica, mentre è proprio per amore delle impressioni estetiche che le persone vengono a teatro.

Queste idee di Ostrovsky trovarono una peculiare rifrazione nel suo atteggiamento nei confronti della drammaturgia storica. Il drammaturgo ha sostenuto che "drammi storici e cronache<...>sviluppare la conoscenza di sé delle persone ed educare a un consapevole amore per la patria.

Allo stesso tempo, ha sottolineato che non la distorsione del passato a favore dell'una o dell'altra idea tendenziosa, non calcolata sull'effetto scenico esterno del melodramma su trame storiche e non la trascrizione di monografie scientifiche in una forma dialogica, ma un vero la ricreazione artistica della realtà vivente dei secoli passati sul palcoscenico può essere la base di una performance patriottica.

Una tale performance aiuta la società a conoscere se stessa, incoraggia la riflessione, dando un carattere consapevole all'immediato sentimento di amore per la madrepatria. Ostrovsky ha capito che le opere teatrali che crea ogni anno costituiscono la base del repertorio teatrale moderno.

Definendo i tipi di opere drammatiche, senza le quali non può esistere un repertorio esemplare, lui, oltre a drammi e commedie che descrivono la vita russa moderna e cronache storiche, ha chiamato stravaganze, spettacoli fiabeschi per spettacoli festivi, accompagnati da musica e danze, progettato come uno spettacolo popolare colorato.

Il drammaturgo ha creato un capolavoro di questo tipo: la fiaba primaverile "La fanciulla di neve", in cui la fantasia poetica e l'ambientazione pittoresca si combinano con un profondo contenuto lirico e filosofico.

Storia della letteratura russa: in 4 volumi / A cura di N.I. Prutskov e altri - L., 1980-1983

30 ottobre 2010

Una pagina completamente nuova nella storia del teatro russo è collegata al nome di A. N. Ostrovsky. Questo più grande drammaturgo russo è stato il primo a porsi il compito di democratizzare il teatro, e quindi porta in scena nuovi temi, introduce nuovi eroi e crea con sicurezza quello che può essere definito il teatro nazionale russo. La drammaturgia in Russia, ovviamente, aveva una ricca tradizione anche prima di Ostrovsky. Lo spettatore conosceva numerose opere teatrali dell'era del classicismo, c'era anche una tradizione realistica, rappresentata da opere eccezionali come "Woe from Wit", "The Government Inspector" e "The Marriage" di Gogol.

Ma Ostrovsky entra nella letteratura proprio come una "scuola naturale", e quindi l'oggetto della sua ricerca diventano le persone non in vista, la vita della città. Ostrovsky fa della vita dei mercanti russi un argomento serio, "alto", lo scrittore è chiaramente influenzato da Belinsky, e quindi collega il significato progressivo dell'arte con la sua nazionalità, e rileva il significato dell'orientamento accusatorio della letteratura. Definendo il compito della creatività artistica, dice: "Il pubblico si aspetta che l'arte si rivesta di una forma viva ed elegante del suo giudizio sulla vita, si aspetta la combinazione in immagini piene dei vizi e dei difetti moderni notati nel secolo ..."

È il "giudizio della vita" che diventa il principio artistico determinante dell'opera di Ostrovsky. Nella commedia "La nostra gente - sistemiamoci" il drammaturgo mette in ridicolo le fondamenta della vita della classe mercantile russa, dimostrando che le persone sono guidate, prima di tutto, dalla passione per il profitto. Nella commedia "La povera sposa" un posto importante è occupato dal tema dei rapporti di proprietà tra le persone, appare un nobile vuoto e volgare. Il drammaturgo sta cercando di mostrare come l'ambiente corrompe una persona. I vizi dei suoi personaggi sono quasi sempre il risultato non delle loro qualità personali, ma dell'ambiente in cui vivono.

Un posto speciale in Ostrovsky è occupato dal tema della "tirannia". Lo scrittore mostra immagini di persone il cui significato della vita è sopprimere la personalità di un'altra persona. Tali sono Samson Bolshoi, Marfa Kabanova, Wild. Ma lo scrittore, ovviamente, non è interessato all'ipocrisia in sé: il fossato. Esplora il mondo in cui vivono i suoi personaggi. Gli eroi dell'opera teatrale "Temporale" appartengono al mondo patriarcale, e il loro legame di sangue con esso, la loro dipendenza inconscia da esso, è la molla nascosta dell'intera azione dell'opera, la molla che fa diventare gli eroi per lo più "burattino" movimenti. sottolinea costantemente la loro mancanza di indipendenza. L'impianto figurativo del dramma quasi ripete il modello sociale e familiare del mondo patriarcale.

La famiglia e i problemi familiari sono posti al centro della narrazione, così come al centro della comunità patriarcale. La dominante di questo piccolo mondo è la maggiore della famiglia, Marfa Ignatievna. Intorno a lei, i membri della famiglia sono raggruppati a varie distanze: una figlia, un figlio, una nuora e residenti quasi privati ​​​​della casa: Glasha e Feklusha. Lo stesso "allineamento delle forze" organizza l'intera vita della città: al centro - Selvaggio (e non menzionato dai mercanti del suo livello), in periferia - persone sempre meno significative, senza soldi e status sociale.

Ostrovsky ha visto la fondamentale incompatibilità del mondo patriarcale e della vita normale, il destino di un'ideologia congelata incapace di rinnovarsi. Resistendo alle imminenti innovazioni, che lo sostituiscono "tutta la vita che scorre rapidamente", il mondo patriarcale rifiuta affatto di notare questa vita, crea attorno a sé uno speciale spazio mitizzato in cui - l'unico - il suo cupo, ostile a tutto l'isolamento alieno può essere giustificato. Un tale mondo schiaccia l'individuo, e non importa chi compie effettivamente questa violenza. Secondo Dobrolyubov, il tiranno “è di per sé impotente e insignificante; può essere ingannato, eliminato, messo in una fossa, infine... Ma il fatto è che la tirannia non scompare con la sua distruzione».

Certo, la "tirannia" non è l'unico male che Ostrovsky vede nella società contemporanea. Il drammaturgo mette in ridicolo la meschinità delle aspirazioni di molti suoi contemporanei. Ricordiamo Misha Balzaminov, che nella vita sogna solo un impermeabile blu, "un cavallo grigio e un droshky da corsa". È così che nasce il tema del filisteismo nelle commedie. L'ironia più profonda segnava le immagini dei nobili: i Murzavetsky, i Gurmyzhsky, i Telyatev. Il sogno appassionato di rapporti umani sinceri, e non l'amore costruito sul calcolo, è la caratteristica più importante della commedia "Dowry". Ostrovsky è sempre sinonimo di relazioni oneste e nobili tra le persone nella famiglia, nella società e nella vita in generale.

Ostrovsky ha sempre considerato il teatro una scuola per l'educazione morale nella società, ha compreso l'alta responsabilità dell'artista. Ecco perché si è sforzato di rappresentare la verità della vita e desiderava sinceramente che la sua arte fosse accessibile a tutte le persone. E la Russia ammirerà sempre il lavoro di questo brillante drammaturgo. Non è un caso che il Teatro Maly porti il ​​\u200b\u200bnome di A. N. Ostrovsky, un uomo che ha dedicato tutta la sua vita al palcoscenico russo.

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