Andrea del Verrocchio (italiano: Andrea del Verrocchio), presente. nome Andrea di Michele Choni (italiano Andrea di Michele Cioni; 1435, Firenze, Repubblica di Firenze - 10 ottobre 1488, Venezia, Repubblica di Venezia) - scultore e pittore del Rinascimento, rappresentante della scuola fiorentina. Tra i suoi allievi ci sono Sandro Botticelli, Pietro Perugino, Leonardo da Vinci e Lorenzo di Credi.
Andrea del Verrocchio è nato e ha lavorato a Firenze. Ha ricevuto il suo nome ("dal Verrocchio") dal suo maestro, il gioielliere Verrocchio. Si specializzò nella scultura, ma si dedicò anche alla pittura.
Nell'era del primo Rinascimento, gli artisti lavoravano quasi esclusivamente su commissione, quindi a quel tempo il ruolo dei mecenati era eccezionale. Questa pratica era particolarmente diffusa nella Firenze del XV secolo, dove le botteghe d'arte eseguivano tutti gli ordini dei mecenati, dalla pittura di piatti ai progetti architettonici. Il Verrocchio era noto come insuperabile decoratore e direttore delle feste di corte.
Nel 1465 realizzò la tomba di Cosimo de' Medici (1389-1464). Nel 1467-1483 lavorò alla composizione scultorea "Assicurazione di Tommaso" per la chiesa di Orsanmichele.
Uno studente che voleva diventare un artista divenne prima apprendista di un maestro e solo dopo sei anni di studio poté fondare il proprio laboratorio. Tra gli allievi del Verrocchio nel suo studio c'erano maestri del Rinascimento come Sandro Botticelli, Pietro Perugino e Leonardo da Vinci - secondo la leggenda fu lui a posare per l'insegnante per la statua del David (1476), sul cui volto gioca una sorta di mezzo sorriso, che in seguito divenne un tratto distintivo dello stile dell'artista. La graziosa statua, realizzata in bronzo, è diventata un simbolo della cultura umanistica rinascimentale. Era destinato alla villa medicea, che Bartolomeo Ammanati iniziò a costruire a Roma, su commissione di Ferdinando Medici, ma Lorenzo e Giuliano lo trasferirono nel Palazzo della Signoria a Firenze.
Nel 1479 il Verrocchio partecipò ad un concorso indetto dalla Serenissima per l'esecuzione di una statua equestre del condottiero Bartolomeo Colleoni (1400-1475), destinata alla piazza San Zanipolo. Verrocchio realizzò un bozzetto scultoreo in legno e vinse un concorso nel 1483. Ricevuta la commissione, iniziò a lavorare nella sua bottega su un modello in cera e nel 1486 venne a Venezia per sovrintendere alla fusione di una statua in bronzo. Senza portare a termine ciò che aveva iniziato, l'artista vi morì il 10 ottobre 1488. Secondo la sua volontà, la statua doveva essere fusa dal suo allievo, il fiorentino Lorenzo di Credi - ma il consiglio comunale affidò l'opera al veneziano Alessandro Leopardi, che partecipò anche lui al concorso - che completò l'opera nel 1496.
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2. Grandi scultori fiorentini: Donatello, Ghiberti, Verrocchio
Dal rilievo alla scultura
Oggi parleremo della scultura del Quattrocento, perché, probabilmente, fu nella scultura che l'arte fece il passo più grande rispetto anche al Protorinascimento. Lo si vede già all'inizio del XV secolo, nella sua prima metà, sull'esempio dei famosi scultori Donatello, Ghiberti, Verrocchio.
E per capire l'entità di questo passaggio, bisogna fare un piccolo passo indietro, perché l'architettura romanica d'Italia, a differenza, diciamo, della Francia e persino della Germania, non era così piena di scultura. Bene, ecco i rilievi ... Fondamentalmente, ovviamente, i rilievi romanici non sono composizioni molto profonde del genere, e praticamente non c'erano sculture rotonde. Quelli. per l'Italia l'abbondanza di sculture sulle facciate non era molto caratteristica. Lo vediamo nelle cattedrali di Piacenza, Ferrara, la famosa chiesa di San Zeno a Verona ... E questa è una tale specificità italiana.
In parte nel Nord Italia si possono vedere bellissime porte simili a quelle che vediamo in Germania, ad esempio, nello stesso San Zeno, con immagini scultoree. A proposito, possiamo vedere porte simili, le cosiddette porte di Magdeburgo, nella chiesa di Santa Sofia a Novgorod. Naturalmente, queste porte una volta venivano portate a Novgorod dall'Europa occidentale, ma era una cultura romanica così comune che utilizzava figure di bassorilievi e composizioni poco intricate.
Ma gradualmente, ovviamente, la scultura ha acquisito la sua plasticità, e nel XIII secolo. vediamo già composizioni sviluppate. Abbiamo ricordato Niccolò e Giovanni Pisano, che fecero rilievi interessanti e si stavano già avvicinando quasi a una scultura rotonda.
Si può ricordare Arnolfo di Cambio, autore sia delle lapidi che della famosa statua di San Pietro, oggi a Roma. Tuttavia, erano tutti legati a un piano, orizzontale o verticale, stavano in nicchie o erano appoggiati al muro.
Ma il Quattrocento, ovviamente, ha spostato la scultura, l'ha spinta in avanti, forse per la prima volta dopo l'antichità, ha restituito alla scultura la deviazione circolare. In effetti, l'inizio della scultura del primo Rinascimento è considerato il 1401. Si tratta del famoso concorso per decorare i cancelli del Battistero fiorentino di San Giovanni. Come sappiamo, Ghiberti vinse questo concorso. Sebbene ci siano stati due vincitori, Brunelleschi e Ghiberti, ma è stato Ghiberti a farlo, su questo torneremo più avanti.
La generosità di Donatello
E inizieremo la conversazione non con il rivale di Brunelleschi, che fu Ghiberti in questo concorso, ma con il suo amico Donatello, perché proprio Donatello può essere considerato il fondatore della scultura del Quattrocento e della scultura rinascimentale in generale. È stato lui a renderla così plasticamente perfetta.
Ecco, ad esempio, la statua di Donatello sulla facciata della Galleria degli Uffizi. Beh, certo, è più tardi e non può essere considerato un ritratto, ma comunque iniziamo con esso. Donatello, o Donato di Niccolò di Betto Bardi, nacque nella famiglia di Niccolò di Betto Bardi, ricco pettinatore di lana. Ha studiato presso la bottega di Lorenzo Ghiberti, dove ha imparato, in particolare, la tecnica della fusione in bronzo, in cui, infatti, Ghiberti è riuscito.
Ma il lavoro di Donatello fu maggiormente influenzato non dal suo maestro immediato, ma dal suo amico, Filippo Brunelleschi. Sono diventati amici abbastanza presto. Lo sviluppo della prospettiva lineare di Brunelleschi influenzò anche la visione dello spazio di Donatello. E in generale, la loro amicizia - hanno viaggiato molto insieme, sono andati agli scavi a Roma - ha trasformato Donatello nell'antica comprensione della plasticità.
Vasari scrive che Donatello era una persona molto generosa, molto gentile, trattava molto bene i suoi amici, non dava mai importanza al denaro. I suoi studenti e amici gli hanno preso tutto ciò di cui avevano bisogno. Nella sua officina era appesa una borsa dove metteva i soldi, e chiunque poteva metterci dentro la mano. Certo, sappiamo che Vasari era una persona del genere, incline alla finzione, ma penso comunque che questa caratterizzazione sia vicina alla realtà, perché in effetti, a quanto pare, Donatello era una persona aperta, generosa, creativa e poco con i piedi per terra.
Chiesa di Orsanmichele
Nacque nel 1386. Nel 1400, nel 1410, lavora ai cosiddetti ordini comunali, cioè per ordine della città, e fa, come molti, infatti, una scultura per una chiesa molto interessante - Orsanmichele. Soffermiamoci un po 'su questa chiesa, perché in essa furono notati molti scultori di quest'epoca e anche di un periodo successivo.
Di per sé, questa chiesa è molto interessante, perché esteriormente non sembra una chiesa. Questo è un edificio piuttosto grande a tre piani, che fungeva sia da granaio che da chiesa. Quelli. ai piani superiori c'erano uffici e magazzini, e al piano inferiore c'era una cappella, probabilmente per pregare prima delle transazioni.
Il nome stesso Orsanmichele si traduce come "San Michele nell'orto", perché questo luogo un tempo era un monastero dedicato a San Michele, l'Arcangelo Michele. O c'era un giardino, o si chiamava semplicemente "nel giardino", perché l'idea della Vergine Maria nel giardino, o degli angeli nel giardino è una delle idee tardo gotiche, una sorta di ritorno allo stato paradisiaco.
È interessante notare che quando Firenze sopravvisse alla peste, molti contributori iniziarono a investire qui la gratitudine a Dio - le loro donazioni. E gradualmente la chiesa ha estromesso da lì il granaio. Forse per la prima volta, o forse anche l'unica volta, perché Firenze è ancora una città molto particolare, basata sulla capitale, sul commercio, su tutto ciò che è così terreno. Forse per la prima volta, o forse anche l'unica rara volta, l'arte e la religione hanno estromesso da qui questo elemento di mercato e l'intero piano inferiore è stato dedicato alla chiesa.
Ci fu una pestilenza nel 1348 ei sopravvissuti alla peste donarono 35.000 fiorini, che era più del budget annuale della città. E fu con questo denaro che Orsanmichel fece un grande tabernacolo marmoreo con l'immagine della Madonna di Bernardo Daddi. Questa è la metà del XIV secolo, quando questo mercato del grano, il granaio e le botteghe commerciali, che inizialmente si trovavano sotto i portici di questo edificio, furono davvero espulsi da qui. La chiesa si espanse e occupò quasi tutto il primo piano.
Sculture nelle nicchie della facciata di Orsanmichele
E fuori, varie associazioni artigiane, varie associazioni di categoria iniziarono a ordinare i loro mecenati, le cui statue erano collocate in bellissime nicchie.
Solo una di queste statue è realizzata da Donatello, che è ancora piuttosto giovane. Fa San Giorgio. E già questo San Giorgio dichiara il giovane scultore un innovatore molto interessante e coraggioso, un uomo che non ha paura di strappare la scultura dal muro. Sebbene si inserisca in una nicchia, si trova liberamente lì, e sembra che San Giorgio possa uscirne, e noi lo aggireremo con calma e lo vedremo da tutte le parti. Quelli. lei è così completa.
Un'opera ancora più interessante, anche una delle prime, del 1408, è "David". Ma questo non è il "David" che Donatello ha glorificato, ma "David", che dimostra che lavorare con la pietra, lavorare con il marmo è molto importante per Donatello, anche se, come molti, compreso il suo maestro Ghiberti, ha iniziato come gioielliere. Ma si allontana da ciò su cui gli altri si concentrano, dallo sviluppo di alcuni dettagli individuali, ma piuttosto inizia a generalizzare la forma, lasciando liberamente scorrere tali pieghe, dando libertà alla posa, ecc. Vediamo che è nel volto di Donatello che la scultura parte da ciò che era in gotico, da tali elementi grafici, e passa a interpretazioni molto plastiche. E, naturalmente, la stessa testa di David sembra una statua di un giovane dio romano, ad es. chiaramente fa appello all'antica eredità.
Bronzo David Donatello
Naturalmente, l'opera più famosa di Donatello è il suo David di bronzo. Ecco una storia leggermente diversa. Innanzitutto, materiale diverso. E si vede anche il rapporto libero dello scultore con la materia e con la forma. Perché nel primo, precedente "David", e in questo vediamo che prende un essere giovane. Ma se, tuttavia, nel precedente "David", 1408, l'intera figura è tradizionalmente ricoperta da una veste, solo attraverso di essa vediamo buone proporzioni, movimento libero, posa della figura, come nell'antichità, appoggiata su una gamba, allora qui Donatello spoglia il suo eroe, rendendolo, da un lato, indifeso ... E lo mostra già vincitore, lo mostra mentre calpesta la testa di Golia con un piede.
Infatti, secondo le Sacre Scritture, secondo la Bibbia, come leggiamo, Davide era giovane. Ha rifiutato l'armatura, perché qualsiasi armatura era ottima per lui. Ed esce con una fionda. È vero, Donatello gli dà una spada, con la quale apparentemente ha tagliato la testa di Golia. Ma in una mano tiene ancora una pietra, che, infatti, ha lanciato con una fionda a Golia. E questo corpo giovane, che non ha ancora preso forma fino alla fine, non ha ancora quei muscoli che lo saranno nemmeno ... Ricordi subito il "David" di Michelangelo, anch'esso giovane, ma abbastanza in una forma così sportiva, come si suol dire.
Qui vediamo questo passo avanti veramente rivoluzionario, perché una bellezza così giovanile e quasi giovanile di questo eroe in qualche modo non si adatta a questa lotta. E capisci che l'ha fatto non per sforzo umano, ma per la grazia di Dio che era in una persona data a Dio. Uscì contro il gigante Golia, affidandosi solo al potere di Dio. Questo è un cappello bellissimo, un po 'civettuolo - in qualche modo non si adatta nemmeno all'immagine di un guerriero.
Tuttavia, questo è esattamente il tipo di David che fa Donatello. Questa è una scultura che sembra interessante da tutti i lati. Questa è una scultura completamente realizzata sulla base di una passeggiata circolare.
Si possono anche confrontare due "David", uno precedente e uno successivo. Il David di bronzo è già un'opera matura, 1440. David realizzato in pietra è del 1408, forse del 1409. Certo, hanno qualcosa in comune, ma è chiaro come la plasticità, il volume, la libertà, il movimento, la proporzione, ecc. si stiano conquistando all'interno dell'opera di Donatello.
Crocifissi di Brunelleschi e Donatello
Brunelleschi ha iniziato come scultore, ma poi ha lasciato la scultura. Ha sempre cercato l'armonia, ha calcolato la sua cupola in modo molto scrupoloso, l'ha pensata in modo che ci fosse spazio, in modo che tutte le proporzioni fossero rispettate. Pertanto, il suo Cristo crocifisso, sebbene magnificamente eseguito anatomicamente e magnificamente raffigurato la sua sofferenza, è ancora un approccio armonioso, un'opera che può essere ammirata.
Donatello mostra comunque un corpo già sfigurato dalla morte, non c'è più armonia in esso, sembra afflosciarsi, perché per Donatello era più importante questa verità dell'immagine. Proprio come la verità trionfa nel giovane David, una verità così particolare, sembra sottolineare questa giovinezza, che da sola non poteva vincere, ma vinta solo dalla potenza di Dio, così qui vediamo il cedimento di questo corpo, che non è più possibile ammirare, ma puoi solo singhiozzare e piangere.
Rilievi di Donatello
Certo, non era solo un maestro della scultura rotonda, ma anche un maestro del rilievo, ei suoi rilievi sono bellissimi. Ecco la famosa Madonna dei Pazzi, dove crea in rilievo non solo un'immagine, ma un'immagine psicologicamente molto carica. In generale, devo dire, il merito di Donatello era che sembrava allontanarsi da immagini lontane nella scultura, ma andare verso un tale realismo. Il realismo era inteso a quel tempo come la verità della terra. Nel Medioevo, naturalmente, la contemplazione del celeste era chiamata realismo, cioè realtà celeste. Lo stesso Tommaso d'Aquino chiama Dio la realtà più vera, l'unica, tutto il resto è reale proprio in quanto in esso è presente il divino.
E da quel tempo, a partire dal Quattrocento, forse anche poco prima, quando lo sguardo dal cielo scende sulla terra, quello che riflette la verità della vita si chiama già realismo. E qui una Madre di Dio così, forse, non molto bella, non un'immagine ideale, ma è l'immagine di una vera madre che abbraccia suo figlio con vero sentimento. È in qualche modo molto consueto per noi sminuire questo e dire che ora inizia il periodo in cui la Madre di Dio è dipinta come una semplice fiorentina, residente a Siena o in qualsiasi altra città. Ma in realtà, per quei maestri, questa fu una conquista: mostrarono che questi non erano sentimenti astratti della Santa Vergine Maria per suo figlio, ma erano sentimenti reali. E se questi sono sentimenti reali, allora questa è la realtà dell'incarnazione, il che significa che anche le sofferenze della Madre e del Figlio saranno reali, e così via. Quelli. per i maestri del Rinascimento, questo realismo era pieno di esperienza religiosa, l'approccio di Dio all'uomo. Il divario tra cielo e terra si sta riducendo.
Alcuni ricercatori scrivono che Donatello “disegna con uno scalpello”, che porta molto pittoresco nei suoi rilievi. Innanzitutto, vediamo che porta prospettiva. Ha diversi piani in rilievo. Ad esempio, nel rilievo del Battistero di Siena è nota la composizione "Festa di Erode". Vediamo diversi piani in architettura. Questa è una cosa che non tutti riescono a fare in pittura, e Donatello lo sta già facendo in scultura. Forse a quel tempo fu lo studente più coerente di Brunelleschi in questo senso, che sviluppò la prospettiva, ovviamente, la applicò in architettura, la applicò nei disegni, ecc. Ma soprattutto, ovviamente, lo vediamo in Donatello.
O, ad esempio, questo rilievo nel Duomo di Pisa di Sant'Antonio, che raffigura il Cristo morto. Anche qui c'è l'anatomia del corpo umano, la matericità delle pieghe. Qui, forse, non c'è prospettiva, perché c'è uno sfondo molto chiaro, ma, in ogni caso, c'è questo desiderio di autenticità. Il realismo è inteso come autenticità. Lo guardi e capisci che la sofferenza di Cristo è reale. Il suo corpo umano è reale, la sua sofferenza umana è reale e la sua morte umana è reale.
A volte sembra che entri in deliberata brutalità, maleducazione, ma a volte fa cose molto eleganti, come, ad esempio, questa famosa "Annunciazione". Questo è l'altare Cavalcanti nella chiesa di Santa Croce. Qui vengono usati anche l'oro e il marmo, e questa scena è molto elegante quando l'arcangelo Gabriele porta alla Vergine Maria la notizia della nascita del Salvatore. Questa composizione è molto interessante proprio nel senso che qui la scultura si avvicina alla pittura. Anche questo taglio dorato conferisce pittoresco alla plasticità.
E, naturalmente, vediamo di nuovo volti fantastici. Sono completamente umani, solo con la psicologia umana. Un arcangelo così un po' stupito-sublime, una Maria così un po' contemplativa e un po' spaventata.
Così scrive il Vasari, chiamandolo Donato: “Donato fu tanto e tanto stupefacente in ogni suo atto, che si può tranquillamente dire che per abilità, gusto e scienza fu il primo de' nuovi artisti che glorificarono l'arte della scultura e del buon disegno, e merita tanto più lode perché a' suoi tempi non si toglievano ancora dalla terra le cose antiche, eccettuate le colonne, i sarcofagi e gli archi trionfali. Fornirono anche una potente iniziativa il fatto che Cosimo Medici risvegliò il desiderio di portare a Firenze quelle antichità che erano e sono tuttora in casa Medici e che furono tutte restaurate per mano di Donato.
Questa è un'osservazione molto importante, perché, come ho detto, insieme a Brunelleschi, Donatello è andato agli scavi a Roma. In effetti, molto non è stato ancora scavato e quel poco che ha visto, in qualche modo si è subito trasformato nel suo lavoro. A quanto pare, era così affascinato dall'antichità da contagiare anche uno dei suoi clienti, il più influente, Cosimo de Medici, tanto da acquistare cose antiche. E lui, Donatello, li ha restaurati. Questo è un punto molto importante, perché durante il Quattrocento c'è davvero un accumulo di conoscenza sull'antichità. Possiamo dire che il ritorno all'antichità è avvenuto un po' prima, che è stato piuttosto intuitivo. E da quel momento l'archeologia si è sviluppata e, come diremmo, si è sviluppata la conoscenza scientifica, ad es. ricerca e restauro, accumulo di conoscenze documentarie, ecc. E tutto questo si traduce immediatamente in pratica artistica. A Donatello, almeno, questo si vede molto bene.
Statua equestre del condottiero Gattamelata
Una delle opere brillanti e, forse, le prime di questo genere è la statua equestre del condottiero Gattamelata, realizzata da Donatello per Venezia. Probabilmente, dopo la famosa antica statua equestre di Marco Aurelio, su cui Donatello si è chiaramente concentrato (l'ha vista, ovviamente, a Roma), questa è la successiva figura equestre così significativa. Ancora una volta, è progettato per una rotonda, molto monumentale, molto espressiva. Altri scultori ne saranno poi guidati. Ma prima, forse, due parole su chi, infatti, Donatello ha glorificato con questo monumento.
Erasmo de Narni era il signore di Padova. Gattamelata è un soprannome. Suona piuttosto strano in italiano, perché "gatta" è italiano per "gatto", e "melata" è "favo". Pertanto, questo soprannome è spiegato in modo molto diverso. Tutti insieme - "gatto maculato" o "gatto del miele", che potrebbe riferirsi al suo personaggio. Forse la persona era lusinghiera. O "gatto color miele". Forse indossava una specie di armatura macchiata. Alcuni erigono questo soprannome al nome di sua madre - Gattelli. E alcuni lo attribuiscono alla tattica, alla capacità di attirare il nemico come un gatto. In generale, è molto incomprensibile. Per noi, in russo, suona normale, ma per gli italiani suona un po' strano.
Donatello fondò questa statua nel 1447, ma fu installata molto più tardi, già nel 1453. Come ho detto, il monumento a Marco Aurelio, che ora si trova sul Campidoglio, servì da modello. Ma qui tutto è in qualche modo più brutale: un cavallo più potente è già un po 'stretto, anche, direi, il cavaliere ci si siede sopra con poca grazia. Le sue gambe sono leggermente accorciate in modo che non pendano, ha accorciato appositamente queste gambe. E per collegare in qualche modo le due figure, Donatello fa una cosa molto interessante: da un lato dà la verga nella mano destra del condottiero, e sulla sinistra ha una spada che pende in diagonale. E questa diagonale, per così dire, porta la figura di un cavallo fuori dalla staticità. In ogni caso, si tratta di un'opera davvero monumentale e molto significativa, a dimostrazione che Donatello sapeva pensare in modo monumentale.
Donatello nei suoi ultimi anni
Per qualche tempo vive a Siena, poi torna nuovamente a Firenze. Si diceva che alla fine della sua vita lavorasse poco, forse era molto malato. A proposito, ha vissuto una lunga vita quando è morto, aveva circa 80 anni, il che, ovviamente, è stato un periodo di vita piuttosto significativo per quel tempo. Ma difficilmente si può dire di lui che alla fine della sua vita la sua energia creativa si sia esaurita. Anche se a volte alcuni ricercatori ne scrivono, definendo le sue opere successive un po 'retrograde, tornando a una sorta di plastica pre-rinascimentale, un po', forse, più gotica.
Non mi sembra. Mi sembra che possano essere meno monumentali, se guardiamo, ad esempio, alle ultime due opere: le sculture di Giovanni Battista e Santa Maria Maddalena. Sono contrassegnati con il 1450, molto probabilmente è il 1455, cioè questo non è nemmeno l'ultimo, ma il decennio precedente prima della morte. Forse, in effetti, alla fine della sua vita non ha lavorato così tanto. Ma queste opere, completate verso la fine della sua vita, mostrano che rimane ancora uno scultore che sente molto chiaramente la plasticità del corpo umano.
Qui realizza sicuramente dei vestiti piuttosto dettagliati. E sente la scultura non solo come un'immagine di qualche astrazione, ma si abitua a ciascuno dei suoi personaggi, vede una persona. Vede un uomo in Giovanni Battista, vede Maria Maddalena, che ha già perso tutta la sua bellezza. Ma è chiaro che dentro si immedesima in lei. È uno scultore che passa tutto attraverso se stesso. Cosa non vedremo, diciamo, con altri scultori. Pertanto, possiamo dire che è davvero per molti versi il fondatore. Anche se Ghiberti, forse, inizia prima, ha anche studiato con lui, ma è stato Donatello a fare molti punti di svolta chiave.
Morì, come ho detto, all'età di 80 anni nel 1466. Fu sepolto con grandi onori nella chiesa di San Lorenzo, che è decorata con le sue opere. Nella famosa tavola di Paolo Uccello, che raffigura cinque artisti rinascimentali, è catturato già in un'età così avanzata, a quanto pare come lo ricordava la generazione successiva di maestri.
Scrive Vasari: “La sua morte ha causato un dolore senza fine ai suoi concittadini, agli artisti ea tutti coloro che lo hanno conosciuto durante la sua vita. Onde, per onorarlo dopo morto più di quanto lo onorarono in vita, gli fecero onorevolissimo funerale nella predetta chiesa, e tutti i pittori, architetti, scultori, orefici e quasi tutto il popolo di questa città lo salutarono, nel quale per lungo tempo non cessarono di comporre in suo onore varie sorti di poesie in varie lingue... il suo amico Brunelleschi, e in un'età così onorevole, ovviamente, molte persone lo lodavano.
E c'era qualcosa da lodare! In effetti, fu il primo, ad esempio, a studiare il meccanismo del movimento. Ecco perché ha figure così libere: perché ha studiato il meccanismo di movimento del corpo umano. Nelle sue sculture, ha cercato non solo di ripetere il principio della scultura antica - basandosi su una gamba sola - ma anche di ripetere questo movimento. Ha sempre un movimento più complesso. Fu il primo a rappresentare l'azione di massa nei suoi rilievi. Ha iniziato a interpretare i vestiti in connessione con la plasticità del corpo.
Ha impostato il compito di esprimere un ritratto individuale nella scultura. Vorrei chiamare i suoi santi ritratti. Non solo un'immagine canonica con un'espressione facciale così generale, ma qualcosa di così psicologico e realistico da dare individualità a questo o quel personaggio.
Perfezionò la fusione del bronzo, la modellazione del marmo. Ha finito con molta attenzione e sorprendentemente il lavoro con il marmo. Una scultura rotonda: è stato il primo a realizzare liberamente questa rotonda in questo modo. E, naturalmente, questi rilievi a tre piani, ad es. ha introdotto la prospettiva nei rilievi. Tutto questo è stato fatto da Donatello.
Lorenzo Ghiberti - da gioielliere a scultore
Ora parleremo di un altro scultore, forse non meno significativo. Anche i ricercatori a volte gli prestano più attenzione. Questo è Ghiberti. Ma rispetto a Donatello è più freddo, più distante. Lui, ovviamente, padroneggia, ma anche in termini di qualità umane, e questo è stato notato dai contemporanei, era una persona completamente diversa. Ecco il suo autoritratto sulla famosa Porta del Paradiso del Battistero fiorentino - lo stesso battistero che, appunto, lo glorificò, grazie al quale Ghiberti si dedicò alla scultura, perché prima lui stesso era un gioielliere, e studiava con gioiellieri, e pensava di più a se stesso, forse in piccola plastica, ma qui dovevo realizzare sculture così monumentali.
Nacque nel 1378 a Firenze. Il suo patrigno, Bertoluccio Ghiberti, era un gioielliere. In effetti, ha iniziato nel suo laboratorio. Si è anche cimentato nella pittura, ma le sue opere pittoresche non sono state conservate. Sebbene molti maestri del Rinascimento si siano cimentati in generi diversi, Ghiberti ha comunque lasciato un ricordo di se stesso come scultore.
A proposito, lui stesso ha scritto bene, era un tale, direi addirittura, un teorico dell'arte. Ecco cosa scrive di sé: “Nei miei anni giovanili, nell'estate della nascita di Cristo nel 1400, partii di qui a causa dell'epidemia che apparve a Firenze, nonché della sventura che colpì la mia patria, insieme a un insigne pittore, che il signor Malatesta chiamò a Pesaro. Ci ha affidato una stanza e l'abbiamo dipinta con la massima diligenza. Il mio spirito era molto appassionato alla pittura, e questo fu cagione che le opere affidateci dal signor, come pure la compagnia in cui mi trovavo, mi portarono fama e favore. Ma in questo tempo i miei amici mi scrissero che i fiduciari del tempio di San Giovanni Battista mandavano inviti a tutti i maestri che erano famosi per la loro dottrina e dai quali volevano ricevere prove.
In realtà, qui sta solo parlando del fatto che fu invitato a questo concorso nel 1401 a San Giovanni Battista. Questa non è una chiesa, questo è solo il battistero di San Giovanni, ed è stato indetto un concorso per la decorazione delle porte. Come ho detto, i dipinti non sono sopravvissuti, anche se Ghiberti scrive di loro che gli hanno dato fama e piacere, quindi non possiamo dire nulla sui suoi dipinti. Ma il suo lavoro scultoreo è ben noto.
Porta Celeste e Porta Nord del Battistero di San Giovanni
Per cominciare, mostrerò le opere di salto ostacoli di Brunelleschi e Ghiberti, che sono state individuate dalla giuria del concorso come le migliori. La preferenza è stata data ancora a Ghiberti, anche se, a mio avviso, Brunelleschi ha risolto il tema del sacrificio di Abramo in modo molto più interessante. Vasari scrive, ovviamente, che erano amici, che avevano avuto l'opportunità di realizzare insieme queste porte, e solo la generosità di Brunelleschi, che vide che Ghiberti era superiore a lui, portò Ghiberti a lavorare da solo. In effetti, non era tutto così. Brunelleschi era molto offeso dal fatto di non essere stato scelto da solo, era ancora una persona vanitosa, e si è ritirato da questo lavoro.
E Ghiberti, ovviamente, lo prese per sé e realizzò ciò che Michelangelo in seguito chiamò la Porta del Paradiso, cioè porta del paradiso. In effetti, la porta orientale del battistero, con scene dell'Antico Testamento, è eccellente anche rispetto alle altre porte da lui realizzate. Ci sono tre porte su cui hanno lavorato diversi scultori, e due porte appartengono al Ghiberti (orientale e settentrionale). La porta meridionale è opera di Andrea Pisano: la vita di Giovanni Battista, allegoria della Virtù, ecc. Ma l'Antico Testamento sulla porta orientale e il Nuovo Testamento sulla porta settentrionale sono opera del Ghiberti. Naturalmente ha avuto l'aiuto dei suoi discepoli, e anche con l'aiuto dei suoi discepoli ha lavorato per diversi decenni su questa porta.
Ghiberti trattava questo ordine come un onore, perché, ovviamente, lo poneva su un alto piedistallo come uno dei primi maestri di Firenze. Ma allo stesso tempo i ricercatori scrivono che era un uomo che sapeva spremere denaro dalla signoria, dai padri della città. Pertanto, ha spesso rallentato con gli ordini, aggiungendo e aggiungendo continuamente alla sua quota. E anche rallentato per ottenere di più per questi cancelli. Ebbene, quando il lavoro fu terminato, numerosi cittadini di Firenze si riunirono per assistere alla creazione delle sue mani e, naturalmente, tutti furono felicissimi. Altri artigiani vennero e resero omaggio all'artigianato di Ghiberti. E poi, ovviamente, gli viene chiesto di fare un altro cancello.
È interessante che una copia in bronzo di queste porte sia installata qui in Russia nella cattedrale di Kazan a San Pietroburgo. Quindi in ogni momento sembra che ci sia un appello tra Italia e Russia.
Anzi, qui, specialmente in queste porte del Paradiso, Ghiberti, si potrebbe dire, ha superato se stesso. Realizza anche tali composizioni pittoriche e plastiche. Ad esempio, la sua "Creazione di Adamo ed Eva" è una composizione molto elegante, molto ben costruita, dove ci sono diversi piani. Forse non è così sviluppato come in Donatello, ancora l'aereo, per così dire, gravita, ma ci sono elementi del paesaggio, le pieghe scorrono magnificamente, le proporzioni sono sorprendenti, soprattutto del corpo femminile. E, naturalmente, questa libertà plastica è presente anche qui.
Il "Sacrificio di Abramo" è già presentato in una diversa interpretazione su queste porte. Anche qui c'è un paesaggio, diverse scene sono collegate e c'è qualcosa che la gente amava molto in quel momento: questi sono i cosiddetti dettagli realistici. Ad esempio, il posto centrale: gli angeli che dialogano con Abramo sono un po' spinti nell'angolo sinistro, la scena più importante è data nella parte in alto a destra.
E al centro della parte inferiore si trova, ad esempio, un asino, che viene rivolto allo spettatore. Tali dettagli erano molto amati in quel momento: dettagli realistici che diluiscono la trama sacra, aggiungono realtà terrene alle trame sacre.
Ecco una composizione meravigliosa, ovviamente, "Salomone e la regina di Saba". È solo una scena di corte così bella, dove Salomone e la regina di Saba sono in piedi al centro, tenendosi per mano, anche le persone intorno sono in pose così libere.
Le porte settentrionali sono rese un po 'più semplici, in quadrati, in cui sono inscritte singole scene, più concise, inscritte in cornici così ricci. Ma al loro interno, sebbene ci siano composizioni meno sature, ci sono ancora scene molto ben realizzate.
Ad esempio, questa è "La tentazione di Cristo". È più conciso che su Heavenly Gates, ma non per questo meno espressivo. Tuttavia, i maestri del Quattrocento si sforzavano ogni volta per questa individualità di interpretazione - per farlo in qualche modo in un modo nuovo, come non era mai successo prima. In questo senso possiamo dire che ognuno di loro era una sorta di avanguardia che voleva spingersi un po' più in là rispetto ai suoi predecessori. Ecco, ad esempio, "Flagello". È realizzato sullo sfondo di un portico così chiaramente antico e bello.
Sculture del Ghiberti per Orsanmichele
Devo dire che Ghiberti non era ancora un uomo che afferrava le stelle dal cielo. Ha opere molto meno eccezionali di Donatello. Forse questa è la mia opinione personale. Comunque quelle figure che fece per Orsanmichele… Ho già parlato di questa chiesa, dove una volta c'era un granaio, e poi tutto si è trasformato in una chiesa con nicchie esterne, dove sono inserite sculture di santi. E qui, ovviamente, ha notato anche Ghiberti. E le sue sculture, mi sembra, sono meno interessanti. Sembra trovare una versione così media dell'immagine di un santo, che, forse, è più facile da ripetere ad altre persone - meno individualizzata, più idealista, che poi, forse, è più replicata, più ci si riferirà. Ma, ovviamente, da un punto di vista artistico è meno interessante.
Sebbene, come scultore, possieda, ovviamente, la plasticità. Ad esempio, ecco la sua figura di Santo Stefano: puoi vedere come dispone deliberatamente queste pieghe degli abiti di Santo Stefano in modi diversi, come rende il viso del giovane diacono molto carino, ma allo stesso tempo molto attento, con uno sguardo attento. Gli dà un libro tra le mani, dimostrando che è un tale scienziato. Ma se non firmi che questo è Santo Stefano, puoi dire che questo è il ritratto di un certo scolaro, uno studente di quel tempo.
Forse più interessante è il suo Giovanni Battista. Qui, in qualche modo, forse, c'è un'interpretazione più individuale, una sorta di mascolinità nel volto e allo stesso tempo un'aspirazione orante.
Tuttavia, mi sembra che in queste statue ci sia più di ciò che lo spettatore si aspetta, che diventerà classico e così snello e quasi nessuno dopo un po' di tempo, quando una statua cattolica così media sarà sviluppata. E questo è un po' pietoso, perché dove Donatello ha spostato la scultura, il canone elaborato da Ghiberti, sembra chiuderla in questo arco.
Ha diverse lapidi, che, in generale, non sono male, ma non posso nemmeno definirle eccezionali. Ad esempio, in Santa Maria Novella, la lapide di Leonardo Dati. Possiamo anche vedere molte di queste lapidi prima e dopo il Ghiberti.
Le sue Madonne non sono così espressive come la Madonna Pazzi di Donatello. È, direi, uno scultore che soddisfa il gusto di massa. Qui si sta già formando il gusto di massa, e ne è formato. Perciò lo propongono spesso, davanti a Donatello, ma mi sembra che Donatello sia molto più interessante.
Andrea del Verrocchio
Concludiamo la conversazione sulla scultura con un uomo che era sia scultore che pittore. Sebbene fosse apprezzato di più come scultore. Questo è Andrea del Verrocchio. Ecco il suo ritratto di Lorenzo di Credi. Vediamo un volto abbastanza semplice, forse non aristocratico, ma con occhi molto attenti e un aspetto, direi, umile. In effetti, era probabilmente il più umile di tutti i maestri, anche se fu lui a allevare molti maestri che in seguito lo superarono e addirittura lo misero in ombra. Nella sua bottega hanno iniziato tanti maestri: Leonardo da Vinci, Paolo Uccello, Sandro Botticelli, Pietro Perugino, e chi non ha studiato con lui! E per la maggior parte erano pittori. Ma lo stesso Andrea Verrocchio si considerava più uno scultore, sebbene amasse molto dipingere, e non era cattivo.
Iniziamo con le sculture. La sua prima opera significativa è una lapide sulla tomba di Cosimo de' Medici. Abbiamo già detto che i Medici erano mecenati, clienti ed erano bravissimi a scegliere i maestri. E la lapide sopra la tomba di Cosimo de Medici sembra molto modesta. Tuttavia, dopo averlo realizzato, il Verrocchio cade proprio nella gabbia di quei maestri particolarmente avvicinati e amati dai Medici.
Vediamo il suo bellissimo rilievo, che è stato realizzato come un ritratto in bassorilievo, dove è visibile il personaggio di Cosimo de Medici, i suoi tratti del ritratto sono conservati. Uno sguardo fermo, labbra compresse: è chiaro che questo è un uomo di volontà, azioni, parole, a cui non mancheranno le sue. Questo è, infatti, quello che era.
I suoi ritratti di altri membri di questa meravigliosa famiglia sono notevoli. Ad esempio, ecco il bel Giuliano Medici in armatura romana, con una bella acconciatura e una testa fieramente sollevata.
E il busto in terracotta di Lorenzo il Magnifico ha tutt'altro carattere. Andrea del Verrocchio lo rendeva così pensieroso, con una piega dolente tra le sopracciglia e le labbra serrate, un uomo chiuso in se stesso. Quelli. questa è la persona che porta anche il fardello del potere e deve essere sempre all'erta, perché i nemici sono costantemente in giro. E allo stesso tempo, era un uomo che ha reso famose molte persone.
Verrocchio ha lavorato magnificamente con diverse tecniche: in marmo, in bronzo e in terracotta. Questa “Dama con i fiori” mostra la sua capacità di lavorare il marmo, perché qui il marmo risplende letteralmente, il marmo mostra la tenerezza delle mani, la tenerezza della pelle, la finezza del tessuto, la tenerezza del fiore che questa signora preme sul suo petto.
David - La versione del Verrocchio
Certo, l'opera più famosa di Andrea Verrocchio è il suo David. Abbiamo parlato del "David" di Donatello, ed ecco un altro David - David Verrocchio. Anche giovane, ma una caratteristica completamente diversa, un'immagine diversa, una visione diversa. C'è una leggenda secondo cui ha realizzato questa immagine dal giovane Leonardo da Vinci. Leonardo da Vinci, infatti, entra giovanissimo, quasi dodici anni, nella bottega di Andrea Verrocchio. Qui inizia a studiare e ben presto si distingue tra i maestri, tra gli studenti. È noto che Leonardo da Vinci era abbastanza bello, ed è possibile che la sua bellezza abbia attratto Verrocchio come modello. Lo prende come base nell'immagine di David. Se a Donatello abbiamo visto un David un po' timido, un po' anche con una sorta di plasticità, direi, da ragazzina, allora ecco un David completamente diverso. Anche qui David è giovane, forse un po' più grande, ma capisce il suo ruolo e conosce il proprio valore. Non calpesta Golia qui, Golia giace nelle vicinanze, ma lui, sui fianchi, è orgoglioso della sua vittoria.
La scultura ha anche un percorso circolare, magnificamente risolto plasticamente, perché qui viene mostrato il corpo umano, e il tessuto, e capelli così belli. E una faccia giovane con un piccolo, direi, un sorriso sarcastico. Qui si rende conto di aver vinto. Un'altra caratteristica.
È molto interessante come gli stessi argomenti siano stati risolti da diversi maestri. Possiamo anche confrontare tre David, perché, parlando del "David" di Donatello e del "David" del Verrocchio, ovviamente non possiamo fare a meno di anticipare noi stessi, ricordando - questa conversazione sarà avanti - del "David" di Michelangelo. Qui solo ci sono caratteristiche diverse, molto diverse. Diverse soluzioni all'immagine, diverse soluzioni plastiche, diversi approcci psicologici, diverse, si potrebbe dire, strategie artistiche. E questo dice solo che il Rinascimento ha dato a una persona l'opportunità di mettersi alla prova sia come maestro che come persona.
Certo, sempre, in qualsiasi arte e in quel momento, il ruolo dell'ordine era eccezionale. Ma penso che tale libertà, che lo stesso Medici ha dato ai maestri, pagando il loro lavoro, ma non caricandoli di chissà quali vincoli ideologici, forse l'artista non l'ha mai avuta. In ogni caso, anche i maestri che hanno lavorato nelle vicinanze danno risultati molto diversi nel loro lavoro.
Assicurazione di San Tommaso
Andrea Verrocchio fece lo stesso per Orsanmichele, vi fece anche una statua, addirittura un intero gruppo. Questa è la "Cura di San Tommaso" quando Cristo mostra le piaghe al suo discepolo Tommaso e dice "Metti le tue dita nelle mie piaghe". Forse questa non è la migliore opera del Verrocchio. Anche se, forse, era orgoglioso di lei, perché questa è una composizione complessa di due figure, hanno una relazione e allo stesso tempo c'è un viaggio di andata e ritorno. Ma questo mucchio di pieghe, questa specie di vaghezza di posizioni... Mi sembra che qui sia molto meno interessante che anche nel suo "David". In "David" va chiaramente anche a una sorta di disputa, una sorta di rivalità con il suo predecessore Donatello. Qui esprime ciò che solo lui poteva esprimere.
Ma non era un maestro eccezionale. Era un bravo artigiano, era un artigiano coscienzioso e raccoglieva molto anche dai suoi studenti. I ricercatori scrivono che forse la grandezza del Verrocchio è che ha saputo imparare anche dai suoi studenti. Tuttavia, ogni artista ha le sue vette e ha le sue opere di passaggio. Quest'opera, sebbene sia spesso citata come opera di un grande maestro, perde comunque molto davanti a David. "David" è più conciso, "David" è più interessante sia psicologicamente che spiritualmente. Tuttavia, anche questo lavoro è significativo. È vero, va detto che il Verrocchio non lo completò. È stato poi portato alla perfezione dai suoi studenti.
Statua equestre di Bartolomeo Colleoni
Infatti, alla fine della sua vita, non portò a termine diverse opere per vari motivi. E uno di loro, anche, ovviamente, un'opera significativa è la statua equestre di Bartolomeo Colleoni. Possiamo già vedere che questa è la seconda opera così significativa di statue equestri. E in generale c'è il desiderio di glorificare i guerrieri, il desiderio di glorificare i condottieri, questi eroi, in generale, il tema eroico nel Rinascimento è molto significativo. E questi monumenti iniziano a moltiplicarsi. Consideriamo il primo di loro, e poi ce ne saranno molti altri. Ma questi primi temi sono interessanti perché segnano, per così dire, la linea di sviluppo dei successivi monumenti.
Verrocchio riceve l'incarico di realizzare un monumento al condottiero Colleoni a metà degli anni '80. La sua vita è già in declino, tuttavia è un maestro significativo, glorificato, gli è affidato questo lavoro. È noto dai documenti che iniziò a lavorare nell'aprile del 1486. Aveva solo due anni di vita. E nel suo testamento già nel 1488, definisce appena iniziata la fabbricazione della statua equestre. Un documento risalente a questo periodo dice che ha realizzato solo un modello in creta. Quelli. questa statua è stata fusa da altre persone, i suoi studenti. E anche nella ricevuta si dice che su un totale di 1700 ducati veneziani, che si basavano su questo monumento, riuscì a riceverne solo 380. Cioè. questo è davvero solo l'inizio del lavoro. Ma nonostante il fatto che altri abbiano lanciato questa statua, è chiaro come sia stato risolto. Ed è anche risolto in un modo molto interessante e originale. Certo, non poteva fare a meno di conoscere il monumento a Donatello, ma decide il suo eroe in modo completamente diverso. Questo è un monumento più potente, progettato ancora di più, forse in modo sgarbato.
Se il cavallo è più espressivo lì, allora qui, ovviamente, il cavaliere è molto più espressivo. E sembra diverso da diverse angolazioni. Donatello ha ancora due punti di vista principali, ma qui ce ne sono diversi. E devo dire che, ovviamente, ha pensato a tutto questo in un piccolo modello, e poi sono stati in grado di fondere tutto in bronzo di grandi dimensioni.
Il volto del condottiero è molto espressivo. Ancora una volta, questo è il desiderio di mostrare non l'eroe medio, ma una persona specifica. Non so come sia la ritrattistica, ma molto espressiva, con questi lineamenti ruvidi, un naso adunco prominente, con una tale espressione, da cui, forse, dovrebbe raffreddarsi il sangue nelle vene dei nemici, con questa determinazione.
E sebbene il cavallo sia abbastanza calmo, ha solo alzato la gamba ed è leggermente in movimento, ma sembra che il prossimo movimento del condottiero sarà, che tirerà le redini, il cavallo si precipiterà, e poi non ci sarà pietà per i nemici. Anche la sua armatura è molto potente. La sua armatura, il suo elmo: tutto qui sottolinea davvero forza e potenza. Forse ancor più della statua equestre del Gattamelata di Donatello.
Finito il monumento, come ho detto, altre persone. L'abbiamo affidata al fonditore Alessandro Leopardi. Anche se nel testamento è stato detto che il maestro vuole che il suo allievo Lorenzo di Credi lo completi. Questo potrebbe essere migliore. Ma anche in questa versione è ancora visibile l'idea e la soluzione plastica che lo stesso Verrocchio propone. Nell'estate del 1492 il monumento fu fuso e nel 1495 era già al suo posto in piazza San Giovanni di Paolo.
Dipinti del Verrocchio
Sono sopravvissuti pochi documenti, ma sono comunque sopravvissuti. E in tutti i documenti Andrea Verrocchio è definito scultore. E, in generale, i suoi contemporanei lo apprezzavano soprattutto come scultore. Ma ha anche dipinto. Molti pittori sono usciti dal suo studio, come ho già detto.
Tra le tante opere attribuite al Verrocchio, solo una è documentata in modo attendibile. Questo è il "Battesimo di Cristo", dove c'è anche un angelo scritto da Leonardo da Vinci - anche questo è documentato e tutti i ricercatori ne parlano. Il fatto è che il giovane Leonardo era allievo del Verrocchio. Spesso i maestri, specialmente se l'ordine era grande e doveva essere eseguito rapidamente, attiravano i loro studenti su alcuni dettagli minori. Di norma, non ci si fidava delle figure principali, ma di alcuni elementi del paesaggio, o di alcuni dettagli, vestiti, dipinti, e poi hanno portato tutto alla fine.
È così, no, ma la leggenda dice che questo suo giovane allievo, che in seguito conosceremo come il più grande artista, prese e dipinse lui stesso uno degli angeli. E quando l'insegnante venne e vide, disse: "Non ho niente da fare, mi hai superato". In effetti, vediamo che l'angelo di sinistra è molto diverso da tutto ciò che è nell'intero quadro, che supera davvero tutte le altre figure per abilità, grazia di esecuzione. Probabilmente così è stato. Forse. E ancora, vale molto riconoscere l'altezza dello studente all'insegnante.
Ma in difesa, forse, Andrea Verrocchio dirà che lui stesso era in realtà un buon disegnatore. I suoi disegni parlano da soli. Forse non era un bravo pittore, perché ancora una volta, per uno scultore, lavorare con il colore, lo spazio e l'aria presenta sempre qualche difficoltà.
Ad esempio, le sue composizioni figurative, ovviamente, sono più simili a sculture leggermente dipinte, come, ad esempio, questa "Madonna con santi in arrivo". Sebbene, ovviamente, quelle opere che gli vengono attribuite - se sia affidabile o meno che l'abbia scritto, non lo sappiamo, ma ce ne sono anche di molto belle.
In ogni caso, penso che da Andrea Verrocchio si possa già fare un tale ponte con i maestri - pittori del Quattrocento. E infatti, anche se non fu un pittore eccezionale, poté dare molto a coloro che poi ne eclissarono la fama, e già fecero la gloria di Firenze come pittore eccezionale.
Letteratura
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- Smirnova I.A. Arte italiana della fine del XIII - XV secolo. M., 1987.
- Firenze. La città ei suoi capolavori. Firenze, CASA EDITRICE BONECHI, 1994.
Oggi parlerò del maestro italiano Andrea Verrocchio, diventato famoso nel primo Rinascimento non solo per i suoi dipinti classici, ma anche per le sue sculture.Andrea del Verrocchio, presente. nome Andrea di Michele Choni (1435, Firenze, Repubblica di Firenze - 10 ottobre 1488, Venezia, Repubblica di Venezia) - scultore e pittore del Rinascimento, rappresentante della scuola fiorentina. Tra i suoi allievi ci sono Sandro Botticelli, Pietro Perugino, Leonardo da Vinci e Lorenzo di Credi.
Il fiorentino Andrea Verrocchio appartiene alla galassia di eccezionali maestri del Rinascimento. Non fu un innovatore decisivo come i grandi scultori della prima metà del secolo - Donatello e Ghiberti, che aprirono nuove strade in quest'arte. Il Verrocchio non è come un rivoluzionario nella scultura come Michelangelo, che iniziò a lavorare più tardi, alle soglie del XVI secolo. La sede storica del Verrocchio è più modesta, ma di grande rispetto.
Basilica di Santa Maria Gloriosa dei Frari. Ingresso in pietra d'Istria al coro dei fratelli. 1475 opera della bottega di Pietro Lombardo. All'interno della cornice, bassorilievi rappresentanti i patriarchi ei profeti dell'Antico Testamento. L'ultimo fotogramma in basso a destra è lo sponsor, Giacomo Morosini. In alto otto statue degli apostoli di Vittore Gambello detto il Camelio. A lui sono attribuite le statue della Vergine e di San Giovanni ai lati del crocifisso. Il crocifisso è attribuito ad Andrea del Verrocchio.
Questo maestro è, per così dire, uno degli anelli di congiunzione tra i due periodi di grande impennata dell'arte della scultura nel Rinascimento. Quasi ugualmente giustificate sono le opinioni di chi vuole vedere in lui un grande pioniere che ha aperto l'ultima strada all'arte del "secolo d'oro", e di chi lo considera solo un abile seguace di Castagno, Baldovinetti e persino un imitatore di Sandro Botticelli, che aveva nove anni meno di Andrea, ma avanzato nella pittura prima dell'amico. Il Verrocchio è l'erede dei creatori della scultura rinascimentale, cioè i maestri della prima metà del secolo, e il predecessore dei maestri dell'Alto Rinascimento, uno dei quali (Leonardo da Vinci) fu allievo diretto del Verrocchio.
Un amato clavicembalo del Landos del XVI secolo, con un disegno sul coperchio attribuito al Verrocchio, è attualmente conservato nella Hans Adler Memorial Music Collection.
Nell'era del Quattrocento (arte italiana del XV secolo), gli artisti dipingevano principalmente su ordinazione, e quindi i mecenati giocavano un ruolo importante per loro. I laboratori artistici hanno eseguito qualsiasi capriccio, dalla pittura di una brocca di argilla a un serio progetto architettonico. È interessante notare che solo un artista che ha ricevuto la conoscenza dal maestro per 6 anni potrebbe aprire il suo laboratorio.
la sua bara
Verrocchio era famoso per le sue insuperabili abilità di decoratore. Tra i principali clienti della sua bottega c'era una nobiltà di alto rango. Durante la sua vita creativa, ha allevato grandi maestri del Rinascimento come Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli e Pietro Perugino.
Lapide sopra la tomba di Cosimo de' Medici. 1465Andrea del Verrocchio. Chiesa di San Lorenzo, Firenze
Cripta della Basilica di San Lorenzo
Nel 1465 realizzò la lastra tombale di Cosimo de' Medici (1389-1464) Il "gioiello" dello stile scultoreo dell'artista apparve per la prima volta nella fusione in bronzo che ornava la tomba di Giovanni e Pietro Medici nella chiesa di San Lorenzo a Firenze. Questo primo lavoro è un esempio di squisito decorativismo.
Tomba di Pietro e Giovanni Medici. 1469-72 Andrea del Verrocchio. Marmo, porfido, bronzo. San Lorenzo, Firenze.
Verrocchio, monumento forteguerri
Uno studente che voleva diventare un artista divenne prima apprendista di un maestro e solo dopo sei anni di studio poté fondare il proprio laboratorio. Tra gli studenti del Verrocchio nel suo studio c'erano maestri del Rinascimento come Sandro Botticelli, Pietro Perugino e Leonardo da Vinci - secondo la leggenda, fu lui a posare per l'insegnante per la statua del David, sul cui volto gioca una sorta di mezzo sorriso, che in seguito divenne un tratto distintivo dello stile dell'artista.
Il giovane Davide. 1473-75Andrea del Verrocchio. Bronzo. Museo del Bargello, Firenze.
Nel 1476 Andrea del Verrocchio realizzò la statua del David, una squisita statua in bronzo. Era destinato alla villa medicea, ma nel 1576 Lorenzo e Giuliano lo trasferirono a Palazzo della Signoria a Firenze.
Il coraggioso giovane pastore biblico che sconfisse il gigante e gli tagliò la testa è raffigurato mentre vede un giovane elegante e snello. Con la sua posa, il costume, assomiglia a un ballerino virtuoso di un balletto di corte piuttosto che a un povero pastore ed eroe combattente. L'abilità del Verrocchio nel disporre la figura e scegliere le proporzioni, nel rifinire le superfici ei dettagli è quasi da gioielliere.
Il giovane Davide. Dettaglio. 1473-75Andrea del Verrocchio. Bronzo. Museo del Bargello, Firenze.
La tradizione dice che "David" è stato uno dei risultati più eclatanti dell'unione spirituale dell'allievo e insegnante di Leonardo da Vinci, Andrea del Verrocchio - si dice che Leonardo stesso abbia posato per lei. Una sorta di mezzo sorriso gioca sul volto del David di bronzo, secondo la stessa leggenda - che in seguito divenne un tratto distintivo dello stile di Leonardo da Vinci.
Ragazzo con un delfino. 1470 circa Andrea del Verrocchio. Bronzo. Palazzo Vecchio, Firenze.
Oltre alla statua del David, commissionata da Lorenzo Medici, lo scultore realizzò schizzi di stendardi e armature cavalleresche per i tornei del 1469, 1471 e 1475 e la composizione scultorea "Ragazzo con delfino" per la fontana della villa medicea di Careggi.
giovane 1480
Cristo
Cosimo de Medici
Inizialmente, Andrea era legato al decorativo sofisticato, mentre studiava gioielli, si dedicò anche alla scultura, anche a causa del calo della domanda di gioielli. Ma furono i gioiellieri ereditari del Rinascimento, che si dedicarono alla scultura, ad avere un'influenza considerevole sullo sviluppo della plasticità della fusione del bronzo.
Altare di San Giovanni Battista
Andrea del verrocchio, giovane dormiente, firenze, 1475-1480
Sapevano usare la cesellatura e l'incisione, sapevano molare il metallo e ne conoscevano le particolarità, e Verrocchio era uno dei migliori conoscitori del metallo. Il bronzo, con la sua resistenza e durevolezza, che permette di rifinire i dettagli con grande precisione, diventa il suo materiale principale.
Museo del Bargello (Firenze). Rilievo marmoreo (XV secolo) di Andrea del Verrocchio: Le donne presentano il bambino morto al padre Giovanni Tornabuoni.
Oggi Andrea del Verrocchio è messo alla pari di Donatello e Michelangelo.
Andrea del Verrocchio ci è noto soprattutto come scultore. Nei documenti del XV secolo è raramente citato come pittore. Si sono conservati pochi dei suoi dipinti, e tra questi l'unico che gli appartiene in modo abbastanza affidabile può essere considerato solo il "Battesimo di Cristo" dell'Accademia fiorentina.
Il Battesimo di Cristo è il dipinto più famoso del Verrocchio. È stato scritto nei primi anni '70. quattrocento, cioè alla fine del primo Rinascimento in Italia, e in generale è molto tipico di quest'epoca. Nella raffigurazione delle figure, partecipanti alla scena del battesimo, si può ancora sentire l'influenza delle tradizioni della pittura medievale. Appaiono incorporee e piatte, come scolpite in un materiale duro e secco. I loro movimenti e gesti sono spigolosi e rigidi, come se si muovessero solo in due dimensioni. Le espressioni facciali sono astratte e prive di individualità. Queste non sono persone viventi, ma immagini simboliche, maestose e spiritualizzate. Il paesaggio sullo sfondo manca di prospettiva e sembra uno scenario pittoresco. E il paesaggio, le figure e l'intera composizione sembrano condizionati.
Battesimo di Cristo. Verrocchio e Leonardo da Vinci.1473-1478. Tempera e olio su tavola.
Molti esperti suggeriscono che sotto forma di piccoli angeli sul lato sinistro dell'immagine, Verrocchio abbia raffigurato i suoi talentuosi studenti Leonardo da Vinci e Sandro Botticelli in gioventù ...
Dettagli pittorici...Leonardo
Tuttavia, ci sono altre ipotesi: questi stessi angeli furono dipinti dallo stesso da Vinci, poiché l'insegnante dedicava la maggior parte del suo tempo alle sculture, ed eseguiva ordini di pittura con pause piuttosto lunghe.
Le incoerenze sono evidenti anche a uno spettatore inesperto
Inoltre, alcuni critici hanno anche notato diverse tecniche di disegno: la figura centrale di Cristo e l'angelo a destra sono dipinti in modo secco, lineare, tipico di Andrea, ma gli angeli a sinistra sono dipinti con una trasmissione morbida di luci e ombre, le immagini sono avvolte da una leggera foschia dovuta all'uso di colori ad olio in misura maggiore, piuttosto che a tempera.
Disegni salvati:
Testa di donna, bozzetto per la ninfa Venere. 1475, British Museum
E un disegno assolutamente magnifico, uno schizzo della testa di una ragazza. In effetti, Leonardo da Vinci ha imparato molto dal suo maestro.
Degli altri dipinti di Andrea Verrocchio, firmati proprio dal maestro, resta solo la Madonna con i Santi Giovanni Battista e Donato. Ma secondo il modo della pennellata, i dettagli, sono attribuiti come opera di Andrea ... Anche se alcuni storici sostengono che quest'opera, come tutte le altre, sia stata scritta dai suoi studenti. Forse l'insegnante stesso ha solo supervisionato i processi e / o ha contribuito a creare composizioni complesse? Si può solo supporre...
Le sue Madonne
Madonna con i Santi Giovanni Battista e Donato, 1478
Madonna col Bambino, 1470
Andrea del Verrocchio (bottega) Madonna col Bambino 1475
Andrea del Verrocchio
1475 Verrocchio Madonna con gentile anagoria
Verrocchio e Leonardo da Vinci (attrib) L'Adorazione di Detroit
Madonna col Bambino del Verrocchio
Andrea del Verrocchio e assistente (Lorenzo di Credi).
di nuovo volti familiari di angeli
E questa Madonna è stata fatta dagli allievi della scuola di Andrea Verrocchio
Vergine di fronte al bambino di Cristo, Ruskin Madonna
Tobia e l'angelo, 1480
Un uomo giusto di nome soffriva di una malattia agli occhi e si stava preparando a morire. Chiede al figlio Tobius di andare in Media a raccogliere dei soldi per lui, e il sogno con il suo fedele cane parte. Tobio non conosceva bene la strada e si trovò un compagno di viaggio che accettò di accompagnarlo. Tobio non sapeva che il compagno di viaggio che ebbe la fortuna di incontrare era l'arcangelo Raffaele. Quando si avvicinarono al fiume Tigri, Tobio decise di nuotare, ma inaspettatamente "il pesce cominciò a saltare fuori dall'acqua, come se volesse divorarlo. Allora l'angelo gli disse: Prendi il pesce. E il giovane si sdraiò, tenendo il pesce con il suo corpo e lo tirò a riva". Seguendo le istruzioni dell'angelo, Tobius friggeva il pesce in modo che potesse essere mangiato, separando il cuore, il fegato e la bile da esso, poiché, come disse l'angelo: "... toccando il cuore e il fegato, se il diavolo o uno spirito malvagio vince qualcuno, brucia incenso davanti a quell'uomo o quella donna, e poi tutti si calmeranno. Quanto alla bile, allora ungi con essa una persona con un pugno nell'occhio e sarà guarita ". Poiché Tobias era costantemente accompagnato da un angelo, il suo viaggio finì felicemente. Ha raccolto denaro per suo padre e, quando è tornato a casa, ha restituito la vista a suo padre.
Si noti che i costumi dei personaggi dell'artista sono dominati da un gran numero di motivi ricamati in oro e gioielli di lusso ... Con questo, Andrea ha sicuramente ricordato il suo mestiere originale.
Molto convincente, a differenza di altri, San Girolamo - senza il leone d'obbligo, con uno strano sorriso, sorprendentemente vivace e sorprendentemente soprannaturale.
Andrea del Verrocchio - Testa di San Gerolamo; Firenze, Palazzo Pitti, Galleria Palatina
colpisce la versatilità dell'argomento del maestro .... quanto è talentuosa una persona
Andrea del Verrocchio - Battaglia di Pidna
ed ecco le pale d'altare
Come puoi vedere, non c'è molto dipinto e molto da conservare per secoli.
Oltre alla statua abbastanza nota del David, sono presenti bassorilievi e altre sculture realizzate dal maestro in diversi periodi della sua opera.
Gli artisti del Rinascimento hanno studiato diligentemente il vero corpo umano, le leggi della sua struttura, proporzioni e movimenti. Entro la fine del XV secolo, gli artisti erano sempre più impegnati negli studi anatomici. La conoscenza della struttura del corpo umano dall'interno - le sue ossa, tendini, muscoli - ha permesso di ottenere una persuasività speciale nella rappresentazione di figure sia nude che vestite, i loro movimenti. Tuttavia, un tale approfondimento degli artisti nello studio del corpo umano ha avuto un tale effetto collaterale come un aumento dell'aridità nell'interpretazione delle masse plastiche. Andrea Verrocchio era solo uno di quelli particolarmente inclini alla rifinitura arida, dettagliata e precisa dei dettagli della figura, del viso e del costume. Come se percepisse un pericolo da questo lato, ha cercato di usare un inizio enfaticamente eroico e monumentale come contrappeso.
Lorenzo Medici. 1480Andrea del Verrocchio. Terracotta dipinta. Galleria Nazionale d'Arte, Washington.
Busto di Giuliano Medici. 1475-1478, National Gallery, Washington
La National Gallery of Art è un museo d'arte a Washington (USA) nel National Mall Park
L'assicurazione di Tommaso. 1467-1483, Chiesa di Orsanmichele, Firenze
Negli anni 1463-1487 Verrocchio completò il gruppo scultoreo "Assicurazione di Tommaso" (1476-1483, Firenze, chiesa di Orsanmichele; restaurato nel 1986-1993), di cui uno dei committenti fu Piero Medici.
L'assicurazione di Tommaso. 1476-83 Andrea del Verrocchio Bronzo. Orsanmichele, Firenze.
Secondo il Vangelo di Giovanni, Tommaso era assente alla prima apparizione di Gesù Cristo agli altri apostoli e, avendo appreso da loro che Gesù era risorto dai morti ed era venuto da loro, disse: "Se non vedo i segni dei chiodi sulle sue mani e non metto il mio dito nelle ferite dei chiodi e non metto la mia mano nel suo costato, non ci crederò". L'apparizione di Gesù ha permesso a Tommaso di mettere il dito nelle ferite (secondo alcuni teologi, Tommaso si è rifiutato di farlo, mentre altri credono che Tommaso abbia toccato le ferite di Cristo, Tommaso credette e disse "Mio Signore e mio Dio!"
Chiesa di Orsanmichele a Firenze.
Statua equestre di Bartolomeo Colleoni 1479-1496, Piazza San Giovanni e Paolo, Venezia
Nel 1479 il Verrocchio partecipò ad un concorso indetto dalla Serenissima per l'esecuzione di una statua equestre del condottiero Bartolomeo Colleoni (1400-1475), destinata a Piazza San Zanipolo. Verrocchio realizzò un bozzetto scultoreo in legno e vinse un concorso nel 1483.
In questa statua equestre di quattro metri del condottiero Bartolomeo Colleoni a Venezia, il Verrocchio sembra competere con Donatello. In contrasto con la severa grandezza del Gattamelatta, Verrocchio incarna nel suo Colleoni l'immagine di un capo militare frenetico e combattuto. In piedi sulle staffe, il condottiero, per così dire, esamina il campo di battaglia, pronto a precipitarsi in avanti, trascinando dietro di sé le truppe. Il suo corpo è teso, il suo volto è stravolto da un'espressione di crudeltà e rabbia cieca, tutto nel suo aspetto parla di un'indomabile volontà di vincere. Questa interpretazione rifletteva non solo il desiderio di una maggiore vistosità del monumento, ma anche un interesse per le caratteristiche psicologiche, nel trasmettere lo stato di un guerriero al momento della battaglia. In sostanza, ciò che abbiamo davanti a noi non è una persona vivente specifica, ma un'immagine condizionale di un "potente guerriero".
Ricevuta la commissione, iniziò a lavorare nella sua bottega su un modello in cera e nel 1486 venne a Venezia per sovrintendere alla fusione di una statua in bronzo. Senza portare a termine ciò che aveva iniziato, l'artista vi morì il 10 ottobre 1488. Secondo la sua volontà, la statua doveva essere fusa dal suo allievo, il fiorentino Lorenzo di Credi - ma il consiglio comunale affidò l'opera al veneziano Alessandro Leopardi, che partecipò anche lui al concorso - che completò l'opera nel 1496.
Lo stesso Bartolomeo Colleone incarnato nel bronzo è un condottiero italiano. Abbastanza senza scrupoli - ha servito a Milano contro il Venezia, poi a Venezia contro il Milan - ma tutto questo era abbastanza coerente con lo spirito dell'epoca. Dopo le vittoriose conquiste effettuate sotto la sua guida, il condottiero lasciò in eredità la sua fortuna a Venezia a condizione che dopo la sua morte gli venisse eretto un monumento in Piazza San Marco (i veneziani avevano il divieto di erigere monumenti nella piazza principale della città). Per ricevere una cospicua eredità dal Colleoni, morto nel 1475, le autorità veneziane imbrogliarono erigendo un monumento al condottiero - proprio quello che realizzò il Verrocchio - sul piazzale antistante la Scuola San Marco, accanto alla chiesa dei Santi Giovanni e Paolo.
Campo San Zanipolo sul Vedave
Mi colpisce molto il poetico, delicato, delicato "Ritratto di donna" del 1475 del Museo Nazionale del Bargello di Firenze. Questo è un ritratto estremamente semplice, senza pretese ed esagerazioni - e molto umano. Con dita delicate e fragili, una giovane donna si preme sul petto un mazzo di fiori. Ciò conferisce una femminilità e un calore speciali all'immagine.
Donna con un mazzo di fiori. 1475-80 Andrea del Verrocchio. Marmo. Museo Nazionale del Bargello, Firenze.
le sue mani
e un altro ritratto, in uno stile simile - molto vivace, gentile, con un proprio carattere:
Giovane donna. 1465-66 Andrea del Verrocchio. Marmo. Collezione Frick, New York
L'uomo addolorato di Andrea del Verrocchio allo Szépművészeti Múzeum Budapest
Seguace del verrocchio, madonna col bambino e san giovannino
Madonna col Bambino di Andrea del Verrocchio.
Vorrei anche notare separatamente il cosiddetto Ritratto ideale di Alessandro Magno - magnifico, originale ed estremamente finemente eseguito - uno dei migliori esempi dell'abilità dell'artista - un elmo fantastico, una corazza urlante, un'armatura meravigliosamente rifinita.
Galleria Nazionale di Washington D.C., bottega del verrocchio, alessandro il grande
Bassorilievo di Alessandro (dettagli)
Mi piace Verrocchio. Questa è la sua aridità e astrattezza, quasi incolpata di lui, e gli piace. Precisione dei gioielli. adornare. Una sorta di facilità. Forse introversione. Con tutti i segni del primo Rinascimento, sta ancora in qualche modo da solo: non esce dalla sua pelle, non si arrampica negli occhi, ma non può passare inosservato. Quasi tutte le sue opere possono essere definite le migliori ed evidenziare qualcosa: basta strappare a caso una delle migliori dall'altra migliore. Guarda il Ritratto di una ragazza, secondo lei - lo è! - e sembrerebbe con gli occhi vuoti! Su San Girolamo risplendente di una luce strana, su un condottiero orgoglioso e implacabile - è facile scegliere una cosa?
Giorgio Vasari, "La vita di Andrea Verrocchio", "Le vite de' più celebri pittori, scultori e architetti" (III parte)
Zuffi S. Rinascita. XV secolo. Quattrocento. - M.: Omega, 2008. - (Ere artistiche)
Ingrid Münch: Andrea del Verrocchio. Biographisch-Bibliographisches Kirchenlexikon (BBKL). Banda 12, Herzberg 1997
Voce originale e commenti su
LEONARDO DA VINCI e "DAVID" Andrea del Verrocchio. Leonardo da Vinci entrò nella bottega del Verrocchio all'età di quattordici anni, nel 1466, quando ancora il Verrocchio era conosciuto solo come pittore, solo più tardi il maestro di Leonardo divenne famoso come scultore. Negli anni Sessanta del Quattrocento la fama del Verrocchio come maestro di pittura era grandissima, tanto che il poeta Ugolino Verino gli dedicò una quartina latina dal seguente contenuto: "Veramente, Lissip, il Verrocchio toscano non ti cederà! Del resto, da questa fonte, molti pittori attingevano tutta la loro bravura. Quasi tutti quelli la cui fama ora tuona si sono formati alla scuola del Verrocchio".
Quando Leonardo entrò nel Verrocchio, il maestro aveva solo trent'anni e lui stesso continuò a migliorare. L'apparizione di uno studente brillantemente dotato ha animato ancora di più la già famosa bottega del Verrocchio. Il rapido successo di Leonardo incitò lo stesso maestro a lavorare e perfezionarsi, e più tardi influenzò la determinazione del Verrocchio a dedicarsi principalmente alla scultura. Vent'anni, nel 1472, Leonardo fu proclamato "maestro", ma ciò nonostante, per affetto verso il maestro, rimase nella sua bottega per altri cinque anni. Tobio e l'angelo. 1470-80 Andrea del Verrocchio. Nell'immagine di un angelo è molto facile riconoscere Leonardo da Vinci.
Chi era Leonardo? I contemporanei scrivono di lui: era di bell'aspetto, proporzionalmente complesso, aggraziato, con un viso attraente. Con il suo aspetto brillante, che mostrava la più alta bellezza, rendeva chiarezza ad ogni anima rattristata, e con le sue parole poteva far dire "sì" o "no" a qualsiasi testardaggine. Con il suo silon domava ogni collera violenta e con la mano destra piegava un anello di muro di ferro o un ferro di cavallo, come se fosse di piombo. Ha fermato i cavalli più caldi al galoppo; le sue dita sottili, quasi femminili, piegavano a metà come cera fiorini e ducati d'oro. Difficile immaginare un ideale più perfetto di un giovane: un bell'uomo, un atleta, un uomo intelligente e, con tutto questo, un magnifico artista che si è appena brillantemente dichiarato uno dei primi maestri della prima città d'Italia. Sembrava che una tale combinazione di salute fisica e pienezza creativa avrebbe dato un raccolto abbondante di capolavori. Ed è così che si vedeva lo stesso Leonardo. 1475-1480.
Tra il 1473 e il 1476 Andrea del Verrocchio creò la statua del David, una squisita statua in bronzo. Era destinato alla villa medicea, ma nel 1576 Lorenzo e Giuliano lo trasferirono a Palazzo della Signoria a Firenze. Il coraggioso giovane pastore biblico che sconfisse il gigante e gli tagliò la testa è raffigurato mentre vede un giovane elegante e snello. Con la sua posa, il costume, assomiglia a un ballerino virtuoso di un balletto di corte piuttosto che a un povero pastore ed eroe combattente. L'abilità del Verrocchio nel disporre la figura e scegliere le proporzioni, nel rifinire le superfici ei dettagli è quasi da gioielliere. La tradizione vuole che "David" sia stato uno dei risultati più eclatanti dell'unione spirituale dell'allievo e insegnante di Leonardo da Vinci Andrea del Verrocchio - Leonardo stesso ha posato per lei. Una sorta di mezzo sorriso gioca sul volto del David di bronzo, divenuto poi un tratto distintivo dello stile di Leonardo da Vinci.
L'intenditore dell'arte italiana SO ha descritto la statua in modo molto dettagliato. Androsov: “Verrocchio ha ritratto David come un giovane vivace e vivace, vestito con tunica e schinieri. Si erge sopra l'enorme testa di Golia, appoggiandosi sul piede destro e spingendo indietro il sinistro. Nella mano destra tiene una spada corta, la sinistra è appoggiata alla cintura. In tutta la figura e il volto di David si avverte il trionfo del giovane vincitore. Verrocchio non poteva fare a meno di conoscere il "David" di Donatello, volontariamente o inconsapevolmente dovette entrare in concorrenza con il suo predecessore. Lo scultore ha quasi ripetuto la posa del "David" di Donatello, che ha anche messo indietro la gamba sinistra, sui fianchi con la mano sinistra e stringendo una spada nella destra. Eppure, la statua del Verrocchio fa un'impressione completamente diversa: celebrando una vittoria, il suo eroe, per così dire, si mette in posa davanti a spettatori entusiasti, ammirandosi. Questa franchezza è la cosa principale che lo distingue dall'introspettivo, riflessivo David Donatello. Il nostro maestro ottiene questa impressione in modo abbastanza semplice: il suo eroe guarda dritto davanti a sé, sorridendo a metà allo spettatore. Il viso è come illuminato dall'interno di gioia. L'intera figura irradia soddisfazione e fiducia in se stessi. Possiamo girare intorno alla statua del Verrocchio da tutti i lati e da tutti i punti di vista si sentirà lo stesso personaggio: la messa in scena della figura e le espressioni facciali sono così espressive. Anche se guardi la scultura da dietro, puoi sentire la fiducia in se stesso di David - attraverso il movimento generale del giovane, attraverso il gesto della sua mano sinistra. Una statua del genere è davvero progettata per un viaggio di andata e ritorno e questo calcolo è implementato con grande abilità. Vorrei vederla posta su un piedistallo piuttosto alto in mezzo a un piccolo cortile o giardino, in modo che “David” possa elevarsi al di sopra di chi lo contempla.
Il giovane Davide. 1473-75 Andrea del Verrocchio
Gershwin
Andrea del Verrocchio (Andrea del Verrocchio, vero nome Andrea di Michele Cioni - Andrea di Michele Choni, e prese il nome Verocchio dal suo maestro, il gioielliere Verrocchio) (1435, Firenze - 1488, Venezia) - Scultore e pittore italiano del Rinascimento, uno dei maestri di Leonardo da Vinci. Il fiorentino Andrea Verrocchio appartiene alla galassia di eccezionali maestri del Rinascimento. Questo maestro è, per così dire, uno degli anelli di congiunzione tra i due periodi di grande impennata dell'arte della scultura nel Rinascimento. Quasi ugualmente giustificate sono le opinioni di chi vuole vedere in lui un grande pioniere che ha aperto l'ultima strada all'arte del "secolo d'oro", e di chi lo considera solo un abile seguace di Castagno, Baldovinetti e persino un imitatore di Sandro Botticelli, che aveva nove anni meno di Andrea, ma avanzato nella pittura prima dell'amico. Il Verrocchio è l'erede dei creatori della scultura rinascimentale, cioè i maestri della prima metà del secolo, e il predecessore dei maestri dell'Alto Rinascimento, uno dei quali (Leonardo da Vinci) fu allievo diretto del Verrocchio. Andrea del Verrocchio ci è noto soprattutto come scultore. Nei documenti del XV secolo non è mai citato come pittore. Si sono conservati pochi dei suoi dipinti, e tra questi l'unico che gli appartiene in modo abbastanza affidabile può essere considerato solo il "Battesimo di Cristo" dell'Accademia fiorentina. Inizialmente, Andrea era legato al decorativo sofisticato, mentre studiava gioielli, si dedicò anche alla scultura, anche a causa del calo della domanda di gioielli. Ma furono i gioiellieri ereditari del Rinascimento, che si dedicarono alla scultura, ad avere un'influenza considerevole sullo sviluppo della plasticità della fusione del bronzo. Sapevano usare la cesellatura e l'incisione, sapevano molare il metallo e ne conoscevano le particolarità, e Verrocchio era uno dei migliori conoscitori del metallo. Il bronzo, con la sua resistenza e durevolezza, che permette di rifinire i dettagli con grande precisione, diventa il suo materiale principale. Nel 1465 Verrocchio creò una lapide per Cosimo de' Medici; il maestro riuscì a cogliere e realizzare il desiderio del duca di perpetuarne il nome. Alla fine di questo lavoro, ha trovato mecenati nella persona dei rappresentanti della famiglia Medici: è come acquistare un fortunato biglietto della lotteria.
1465 Andrea del Verrocchio
Lapide sopra la tomba di Cosimo de' Medici. 1465 Andrea del Verrocchio I "gioielli" dello stile scultoreo dell'artista sono apparsi per la prima volta nella fusione in bronzo che adorna la tomba di Giovanni e Pietro Medici nella chiesa di San Lorenzo a Firenze. Questo primo lavoro è un esempio di squisito decorativismo.
Tomba di Pietro e Giovanni Medici. 1469-72 Andrea del Verrocchio . Marmo, porfido, bronzo. San Lorenzo, Firenze. Nel 1476 creò Andrea del Verrocchio statua di Davide- un'elegante statua in bronzo. Era destinato alla villa medicea, ma nel 1576 Lorenzo e Giuliano lo trasferirono a Palazzo della Signoria a Firenze. Il coraggioso giovane pastore biblico che sconfisse il gigante e gli tagliò la testa è raffigurato mentre vede un giovane elegante e snello. Con la sua posa, il costume, assomiglia a un ballerino virtuoso di un balletto di corte piuttosto che a un povero pastore ed eroe combattente. L'abilità del Verrocchio nel disporre la figura e scegliere le proporzioni, nel rifinire le superfici ei dettagli è quasi da gioielliere.
Il giovane Davide. Dettaglio. 1473-75 Andrea del Verrocchio . Bronzo. Museo del Bargello, Firenze.
Il giovane Davide. Dettaglio. 1473-75 Andrea del Verrocchio . Bronzo. Museo del Bargello, Firenze.
Il giovane Davide. Dettaglio. 1473-75 Andrea del Verrocchio . Bronzo. Museo del Bargello, Firenze. La tradizione dice che "David" è stato uno dei risultati più eclatanti dell'unione spirituale dell'allievo e insegnante di Leonardo da Vinci, Andrea del Verrocchio - si dice che Leonardo stesso abbia posato per lei. Una sorta di mezzo sorriso gioca sul volto del David di bronzo, secondo la stessa leggenda - che in seguito divenne un tratto distintivo dello stile di Leonardo da Vinci. Oltre alla statua del David, commissionata da Lorenzo Medici, lo scultore realizzò schizzi di stendardi e armature cavalleresche per i tornei del 1469, 1471 e 1475 e una composizione scultorea "Ragazzo con delfino" per la fontana della Villa Medici di Careggi.
Ragazzo con un delfino. intorno al 1470 Andrea del Verrocchio . Bronzo. Palazzo Vecchio, Firenze. Verrocchio è anche autore di accurati ritratti scultorei di Lorenzo e Giuliano Medici, realizzati in terracotta e dipinti
Lorenzo Medici. 1480 Andrea del Verrocchio . Terracotta dipinta. Galleria Nazionale d'Arte, Washington.
Giuliano di Piero Medici. 1475-78 Andrea del Verrocchio Terracotta (originariamente dipinta) ed estremamente poetica, gentile, sottile "Ritratto di donna" 1475 dal Museo Nazionale del Bargello di Firenze. Questo è un ritratto estremamente semplice, senza pretese ed esagerazioni - e molto umano. Con dita delicate e fragili, una giovane donna si preme sul petto un mazzo di fiori. Ciò conferisce una femminilità e un calore speciali all'immagine.
Donna con un mazzo di fiori. 1475-80 Andrea del Verrocchio . Marmo. Museo Nazionale del Bargello, Firenze.
Donna con un mazzo di fiori. Dettaglio. 1475-80 Andrea del Verrocchio . Marmo. Museo Nazionale del Bargello, Firenze. e un altro ritratto, in uno stile simile - molto vivace, gentile, con un proprio carattere:
Giovane donna. 1465-66 Andrea del Verrocchio . Marmo. Frick Collection, New York Negli anni 1463-1487 Verrocchio completò il gruppo scultoreo "La persuasione di Thomas"(1476-1483, Firenze, chiesa di Orsanmichele; restaurata nel 1986-1993), di cui fu committente Piero Medici. Secondo il Vangelo di Giovanni, Tommaso era assente alla prima apparizione di Gesù Cristo agli altri apostoli e, avendo appreso da loro che Gesù era risorto dai morti ed era venuto da loro, disse: "Se non vedo i segni dei chiodi sulle sue mani e non metto il mio dito nelle ferite dei chiodi e non metto la mia mano nel suo costato, non ci crederò". L'apparizione di Gesù ha permesso a Tommaso di mettere il dito nelle ferite (secondo alcuni teologi, Tommaso si è rifiutato di farlo, mentre altri credono che Tommaso abbia toccato le ferite di Cristo, Tommaso credette e disse "Mio Signore e mio Dio!"
L'assicurazione di Tommaso. 1476-83 Andrea del Verrocchio Bronzo. Orsanmichele, Firenze.
L'assicurazione di Tommaso. 1476-83 Andrea del Verrocchio Bronzo. Orsanmichele, Firenze. Nel 1482 il Verrocchio partì per Venezia per lavorare a una statua equestre del condottiero Bartolomeo Colleoni. In questa statua equestre di quattro metri del condottiero Bartolomeo Colleoni a Venezia, il Verrocchio sembra competere con Donatello. In contrasto con la severa grandezza del Gattamelatta, Verrocchio incarna nel suo Colleoni l'immagine di un capo militare frenetico e combattuto. In piedi sulle staffe, il condottiero, per così dire, esamina il campo di battaglia, pronto a precipitarsi in avanti, trascinando dietro di sé le truppe. Il suo corpo è teso, il suo volto è stravolto da un'espressione di crudeltà e rabbia cieca, tutto nel suo aspetto parla di un'indomabile volontà di vincere. Questa interpretazione rifletteva non solo il desiderio di una maggiore vistosità del monumento, ma anche un interesse per le caratteristiche psicologiche, nel trasmettere lo stato di un guerriero al momento della battaglia. In sostanza, ciò che abbiamo davanti a noi non è una persona vivente specifica, ma un'immagine condizionale di un "potente guerriero". Gli artisti del Rinascimento hanno studiato diligentemente il vero corpo umano, le leggi della sua struttura, proporzioni e movimenti. Entro la fine del XV secolo, gli artisti erano sempre più impegnati negli studi anatomici. La conoscenza della struttura del corpo umano dall'interno - le sue ossa, tendini, muscoli - ha permesso di ottenere una persuasività speciale nella rappresentazione di figure sia nude che vestite, i loro movimenti. Tuttavia, un tale approfondimento degli artisti nello studio del corpo umano ha avuto un tale effetto collaterale come un aumento dell'aridità nell'interpretazione delle masse plastiche. Andrea Verrocchio era solo uno di quelli particolarmente inclini alla rifinitura arida, dettagliata e precisa dei dettagli della figura, del viso e del costume. Come se percepisse un pericolo da questo lato, ha cercato di usare un inizio enfaticamente eroico e monumentale come contrappeso. Lo stesso Bartolomeo Colleone incarnato nel bronzo è un condottiero italiano. Abbastanza senza scrupoli - ha servito a Milano contro il Venezia, poi a Venezia contro il Milan - ma tutto questo era abbastanza coerente con lo spirito dell'epoca. Dopo le vittoriose conquiste effettuate sotto la sua guida, il condottiero lasciò in eredità la sua fortuna a Venezia a condizione che dopo la sua morte gli venisse eretto un monumento in Piazza San Marco (i veneziani avevano il divieto di erigere monumenti nella piazza principale della città). Per ricevere una cospicua eredità dal Colleoni, morto nel 1475, le autorità veneziane imbrogliarono erigendo un monumento al condottiero - proprio quello che realizzò il Verrocchio - sul piazzale antistante la Scuola San Marco, accanto alla chiesa dei Santi Giovanni e Paolo.
1481-1495 Andrea del Verrocchio . Bronzo. Venezia.
Statua equestre di Bartolomeo Colleoni. 1481-1495 Andrea del Verrocchio . Bronzo. Venezia. L'artista morì a Venezia nel 1488, senza completare la statua che aveva iniziato. Alcuni dipinti del Verrocchio si distinguono per la nitidezza e la precisione del disegno, la modellazione scultorea delle forme (Madonna, 1470 circa, Pinacoteca, Berlino-Dahlem) e il famoso Battesimo di Cristo della Galleria degli Uffizi.
Madonna col Bambino. 1470 Andrea del Verrocchio . Musei Statali, Berlino. "Battesimo di Cristo"- il dipinto più famoso del Verrocchio. È stato scritto nei primi anni '70. quattrocento, cioè alla fine del primo Rinascimento in Italia, e in generale è molto tipico di quest'epoca. Nella raffigurazione delle figure, partecipanti alla scena del battesimo, si può ancora sentire l'influenza delle tradizioni della pittura medievale. Appaiono incorporee e piatte, come scolpite in un materiale duro e secco. I loro movimenti e gesti sono spigolosi e rigidi, come se si muovessero solo in due dimensioni. Le espressioni facciali sono astratte e prive di individualità. Queste non sono persone viventi, ma immagini simboliche, maestose e spiritualizzate. Il paesaggio sullo sfondo manca di prospettiva e sembra uno scenario pittoresco. E il paesaggio, le figure e l'intera composizione sembrano condizionati. Sul lato sinistro del quadro spicca involontariamente per naturalezza e disinvoltura la figura di un angelo, scritta non dal Verrocchio, ma dal suo giovane allievo Leonardo da Vinci. Questo angelo, così aggraziato nel suo inginocchiarsi e girare la testa, con uno sguardo profondo e radioso, è una creazione di un'altra epoca: l'Alto Rinascimento, un'epoca d'oro dell'arte italiana.
Battesimo di Cristo. 1472-75 Andrea del Verrocchio . Olio su legno. Galleria degli Uffizi, Firenze.
Battesimo di Cristo. Dettaglio 1472-75 Andrea del Verrocchio . Olio su legno. Galleria degli Uffizi, Firenze. Abbastanza famoso è il suo dipinto "Tovy e l'angelo" su una trama molto popolare all'epoca.
Tobio e l'angelo. 1470-80 Andrea del Verrocchio . Tempera. Galleria Nazionale, Londra. ...Un uomo giusto di nome soffriva di una malattia agli occhi e si stava preparando a morire. Chiede al figlio Tobius di andare in Media a raccogliere dei soldi per lui, e il sogno con il suo fedele cane parte. Tobio non conosceva bene la strada e si trovò un compagno di viaggio che accettò di accompagnarlo. Tobio non sapeva che il compagno di viaggio che ebbe la fortuna di incontrare era l'arcangelo Raffaele. Quando si avvicinarono al fiume Tigri, Tobio decise di nuotare, ma inaspettatamente "il pesce cominciò a saltare fuori dall'acqua, come se volesse divorarlo. Allora l'angelo gli disse: Prendi il pesce. E il giovane si sdraiò, tenendo il pesce con il suo corpo e lo tirò a riva". Seguendo le istruzioni dell'angelo, Tobius friggeva il pesce in modo che potesse essere mangiato, separando il cuore, il fegato e la bile da esso, poiché, come disse l'angelo: "... toccando il cuore e il fegato, se il diavolo o uno spirito malvagio vince qualcuno, brucia incenso davanti a quell'uomo o quella donna, e poi tutti si calmeranno. Quanto alla bile, allora ungi con essa una persona con un pugno nell'occhio e sarà guarita ". Poiché Tobias era costantemente accompagnato da un angelo, il suo viaggio finì felicemente. Ha raccolto denaro per suo padre e, quando è tornato a casa, ha restituito la vista a suo padre. Molto convincente, a differenza di altri, San Girolamo - senza il leone d'obbligo, con uno strano sorriso, sorprendentemente vivace e sorprendentemente soprannaturale.
San Girolamo. 1465 Andrea del Verrocchio Galleria Palatina (Palazzo Pitti), Firenze. E un disegno assolutamente magnifico, uno schizzo della testa di una ragazza. In effetti, Leonardo da Vinci ha imparato molto dal suo maestro.
Testa di ragazza (schizzo) Andrea del Verrocchio Disegno. Vorrei anche sottolineare il cosiddetto Il perfetto ritratto di Alessandro Magno- magnifico, originale ed estremamente finemente eseguito - uno dei migliori esempi dell'abilità dell'artista - un elmo fantastico, una corazza urlante, un'armatura meravigliosamente rifinita.
Perfetto ritratto di Alessandro Magno. 1480. Andrea del Verrocchio . Marmo. Collezione privata. Come già accennato, il Verrocchio morì a Venezia nel 1488, senza aver avuto il tempo di fonderlo in bronzo e senza portare a termine il progetto della fontana commissionato dal re ungherese. Mi piace Verrocchio. Questa è la sua aridità e astrattezza, quasi incolpata di lui, e gli piace. Precisione dei gioielli. adornare. Una sorta di facilità. Forse introversione. Con tutti i segni del primo Rinascimento, sta ancora in qualche modo da solo: non esce dalla sua pelle, non si arrampica negli occhi, ma non può passare inosservato. Quasi tutte le sue opere possono essere definite le migliori ed evidenziare qualcosa: basta strappare a caso una delle migliori dall'altra migliore. Guarda il Ritratto di una ragazza, secondo lei - lo è! - e sembrerebbe con gli occhi vuoti! Su San Girolamo risplendente di una luce strana, su un condottiero orgoglioso e implacabile - è facile scegliere una cosa?