Il primo Rinascimento (secoli XIV-XV) nell'arte italiana è associato principalmente a Firenze, dove i Medici patrocinarono gli umanisti e tutte le arti. All'inizio del XV secolo. La scuola fiorentina è l'avanguardia dell'arte umanistica del Rinascimento. Qui nel 1439 venne istituita l'Accademia Platonica, furono fondate la Biblioteca Laurenziana e le collezioni d'arte medicee; lavorano scrittori, poeti, umanisti, scienziati.
Fra Filippo Lippi. Adorazione del Bambino.
La percezione della realtà è testata dall'esperienza, dall'esperimento e controllata dalla ragione. Da qui lo spirito di ordine e misura che è così caratteristico dell'arte del Rinascimento. La geometria, la matematica, l'anatomia, lo studio delle proporzioni del corpo umano sono di grande importanza per gli artisti; È allora che iniziano a studiare attentamente la struttura umana. Sta emergendo un nuovo criterio per valutare la bellezza, basato sulla somiglianza con la natura e sul senso di proporzionalità. Nell'arte particolare attenzione è riservata all'elaborazione plastica delle forme e del disegno. Il desiderio di comprendere le leggi della natura porta allo studio delle proporzioni della figura e dell'anatomia umana. Nel XV secolo gli artisti italiani risolsero anche il problema della prospettiva rettilinea, maturato nell'arte del Trecento.
Durante questo periodo, l'arte antica, la filosofia e la letteratura antiche vengono studiate consapevolmente e intenzionalmente. Tuttavia, l'influenza dell'antichità è stratificata sulle tradizioni secolari e forti del Medioevo, sull'arte cristiana. Trame pagane e cristiane si intrecciano e si trasformano, conferendo alla cultura del Rinascimento un carattere particolarmente complesso.
Architettura del primo Rinascimento.
Il fondatore dell'architettura rinascimentale in Italia fu Filippo Brunelleschi (1377-1446), architetto, scultore e scienziato, uno dei creatori della teoria scientifica della prospettiva. La più grande impresa ingegneristica di Brunelleschi fu la costruzione della cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore a Firenze. Grazie al suo genio matematico e tecnico, Brunelleschi riuscì a risolvere il problema più difficile per il suo tempo. La cupola della Cattedrale di Santa Maria del Fiore divenne il predecessore di numerose chiese a cupola in Italia e in altri paesi europei.
Leon Battista Alberti. Cappella di Sant'Andrea a Mantova. Brunelleschi fu uno dei primi nell'architettura italiana a comprendere in modo creativo e interpretare originariamente l'antico sistema di ordine e gettò le basi per la creazione di un tempio a cupola basato sull'antico ordine. Una vera perla del primo Rinascimento fu la Cappella dei Pazzi realizzata dal Brunelleschi su richiesta di una ricca famiglia fiorentina (iniziata nel 1429). L'umanesimo e la poesia della creatività di Brunelleschi, l'armoniosa proporzionalità, la leggerezza e la grazia dei suoi edifici, che conservano legami con le tradizioni gotiche, la libertà creativa e la validità scientifica dei suoi progetti determinarono la grande influenza di Brunelleschi sul successivo sviluppo dell'architettura rinascimentale.
Una delle principali realizzazioni dell'architettura italiana del XV secolo. fu la creazione di un nuovo tipo di palazzi cittadini, che servì da modello per gli edifici pubblici dei tempi successivi. I palazzi italiani si chiamano palazzos (dal latino palatium; da qui deriva la parola russa “camere”). Caratteristiche del palazzo quattrocentesco sono una chiara divisione del volume chiuso dell'edificio in tre piani, un cortile aperto con portici estivi piano per piano, l'uso del bugnato, cioè. pietra con superficie frontale approssimativamente arrotondata o convessa, per il rivestimento della facciata, nonché una cornice decorativa fortemente estesa. Un esempio lampante di questo stile è la costruzione del capitello di Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), allievo di Brunelleschi e suo talentuoso seguace, architetto di corte della famiglia Medici, il Palazzo Medici Riccardi (1444-60), che servì da modello per il costruzione di molti palazzi fiorentini.
Scultura del primo Rinascimento.
XV secolo Fiorente è la scultura italiana, che ha acquisito un significato autonomo e indipendente dall'architettura. La pratica della vita artistica cominciò a comprendere commesse da ricchi artigiani e circoli mercantili per la decorazione di edifici pubblici; si tengono concorsi artistici. Uno di questi concorsi - per la realizzazione del bronzo della seconda porta settentrionale del Battistero fiorentino (1401) - è considerato un evento significativo che ha aperto una nuova pagina nella storia della scultura rinascimentale italiana. A questo concorso partecipò Filippo Brunelleschi, divenuto poi un famoso architetto. La vittoria la ottenne però Lorenzo Ghiberti (1381-1455). Una delle persone più colte del suo tempo, il primo storico dell'arte italiana, un brillante disegnatore, Ghiberti dedicò la sua vita a un tipo di scultura: il rilievo. Ghiberti considerava il principio fondamentale della sua arte l'equilibrio e l'armonia di tutti gli elementi dell'immagine. L'apice dell'opera del Ghiberti furono le porte orientali del Battistero fiorentino (1425-52), che immortalarono il nome del maestro. La decorazione delle porte comprende dieci composizioni quadrate in bronzo dorato, che ricordano i dipinti con la loro straordinaria espressività.
lui uno dei più grandi scultori della prima metà del XV secolo. fu Jacopo della Quercia (1374-1438), contemporaneo più anziano di Ghiberti e Donatello. La sua opera, ricca di numerose scoperte, si collocava come se fosse separata dal percorso generale lungo il quale si sviluppò l'arte del Rinascimento. I rilievi monumentali del Quercia del portale principale della Chiesa di San Petronio a Bologna (La Creazione di Adamo) hanno avuto un'influenza significativa sull'arte di Michelangelo.
Pittura del primo Rinascimento.
L'enorme ruolo che Brunelleschi ebbe nell'architettura del primo Rinascimento e Donatello nella scultura, appartenne a Masaccio (1401-1428) nella pittura. Il famoso storico dell'arte Whipper ha detto: "Masaccio è uno dei geni più indipendenti e coerenti nella storia della pittura europea, il fondatore del nuovo realismo..." Continuando la ricerca di Giotto, Masaccio rompe coraggiosamente con le tradizioni artistiche medievali. Nell'affresco "Trinità" (1426-27), realizzato per la chiesa di Santa Maria Novella a Firenze, Masaccio utilizzò per la prima volta la prospettiva completa nella pittura murale. Nei dipinti della Cappella Brancacci della Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze (1425-28) - la creazione principale della sua breve vita - Masaccio conferisce alle immagini una persuasività realistica senza precedenti, sottolinea la fisicità e la monumentalità dei suoi personaggi, trasmette magistralmente lo stato emotivo e la profondità psicologica delle immagini. Nell'affresco “Cacciata dal Paradiso”, l'artista risolve il compito più difficile per il suo tempo di rappresentare una figura umana nuda. L'arte severa e coraggiosa di Masaccio ebbe un enorme impatto sulla cultura artistica del Rinascimento, in particolare sull'opera di Piero della Francesca e Michelangelo.
Un posto speciale nella pittura del primo Rinascimento appartiene a Sandro Botticelli (1445-1510), contemporaneo di Leonardo da Vinci e del giovane Michelangelo. La squisita arte di Botticelli con elementi di stilizzazione (cioè generalizzazione di immagini utilizzando tecniche convenzionali - semplificazione di colore, forma e volume) ha avuto un grande successo tra i fiorentini colti. L'arte di Botticelli, a differenza della maggior parte dei maestri del primo Rinascimento, era basata sull'esperienza personale. Tra i tanti dipinti realizzati da Botticelli, ci sono alcune delle creazioni più belle della pittura mondiale (“La nascita di Venere”, “Primavera”). Eccezionalmente sensibile e sincero, Botticelli ha attraversato un percorso difficile e tragico di ricerca creativa: dalla percezione poetica del mondo nella sua giovinezza al misticismo e all'esaltazione religiosa nell'età adulta.
In Italia ebbe inizio il Rinascimento. Ha acquisito il suo nome grazie alla straordinaria fioritura intellettuale e artistica iniziata nel XIV secolo e che ha fortemente influenzato la società e la cultura europea. Il Rinascimento si espresse non solo nella pittura, ma anche nell'architettura, nella scultura e nella letteratura. I rappresentanti più importanti del Rinascimento sono Leonardo da Vinci, Botticelli, Tiziano, Michelangelo e Raffaello.
A quei tempi, l'obiettivo principale dei pittori era una rappresentazione realistica del corpo umano, quindi dipingevano principalmente persone e raffiguravano vari soggetti religiosi. Fu inventato anche il principio della prospettiva, che aprì nuove possibilità agli artisti.
Firenze divenne il centro del Rinascimento, Venezia passò al secondo posto e più tardi, più vicino al XVI secolo, Roma.
Leonardo ci è noto come pittore, scultore, scienziato, ingegnere e architetto di talento del Rinascimento. Leonardo lavorò gran parte della sua vita a Firenze, dove creò numerosi capolavori conosciuti in tutto il mondo. Tra questi: “La Gioconda” (altrimenti detta “La Gioconda”), la “Dama con l'ermellino”, la “Madonna Benois”, “Giovanni Battista” e “S. Anna con Maria e il Bambino Gesù."
Questo artista è riconoscibile grazie allo stile unico che ha sviluppato nel corso degli anni. Dipinse anche le pareti della Cappella Sistina su richiesta personale di papa Sisto IV. Botticelli scrisse famosi dipinti su temi mitologici. Tali dipinti includono "Primavera", "Pallade e il Centauro", "Nascita di Venere".
Tiziano era il capo della scuola di artisti fiorentina. Dopo la morte del suo maestro Bellini, Tiziano divenne l'artista ufficiale e generalmente riconosciuto della Repubblica di Venezia. Questo pittore è noto per i suoi ritratti su temi religiosi: “L'Ascensione di Maria”, “Danae”, “Amore terreno e Amore celeste”.
Il poeta, scultore, architetto e artista italiano dipinse numerosi capolavori, tra cui la famosa statua del “David” in marmo. Questa statua è diventata una delle principali attrazioni di Firenze. Michelangelo dipinse la volta della Cappella Sistina in Vaticano, un'importante commissione di Papa Giulio II. Durante il periodo della sua creatività, prestò maggiore attenzione all'architettura, ma ci regalò “La crocifissione di San Pietro”, “Deposizione”, “La creazione di Adamo”, “Forteller”.
Il suo lavoro si è formato sotto la grande influenza di Leonardo da Vinci e Michelangelo, grazie ai quali ha acquisito un'esperienza e un'abilità inestimabili. Dipinse le sale di rappresentanza del Vaticano, rappresentando l'attività umana e raffigurando varie scene della Bibbia. Tra i dipinti famosi di Raffaello ricordiamo “La Madonna Sistina”, “Le Tre Grazie”, “San Michele e il Diavolo”.
Ivan Sergeevich Tseregorodtsev
Tratti caratteristici nell'arte del Rinascimento
Prospettiva. Per aggiungere profondità e spazio tridimensionale al loro lavoro, gli artisti del Rinascimento presero in prestito e ampliarono notevolmente i concetti di prospettiva lineare, linea dell'orizzonte e punto di fuga.
§ Prospettiva lineare. Dipingere in prospettiva lineare è come guardare fuori da una finestra e dipingere esattamente ciò che vedi sul vetro della finestra. Gli oggetti nella foto iniziarono ad avere dimensioni proprie a seconda della loro distanza. Quelli più lontani dallo spettatore diventavano più piccoli e viceversa.
§ Orizzonte. Questa è una linea a una distanza alla quale gli oggetti vengono ridotti a un punto spesso quanto quella linea.
§ Punto di fuga. Questo è il punto in cui le linee parallele sembrano convergere in lontananza, spesso sulla linea dell'orizzonte. Questo effetto può essere osservato stando sui binari ferroviari e osservando i binari che si allontanano. l.
Ombre e luce. Gli artisti hanno giocato con interesse su come la luce cade sugli oggetti e crea ombre. Ombre e luce potrebbero essere utilizzate per attirare l'attenzione su un punto specifico in un dipinto.
Emozioni. Gli artisti del Rinascimento volevano che lo spettatore, guardando l'opera, sentisse qualcosa, vivesse un'esperienza emotiva. Era una forma di retorica visiva in cui lo spettatore si sentiva ispirato a migliorare in qualcosa.
Realismo e naturalismo. Oltre alla prospettiva, gli artisti cercavano di far apparire gli oggetti, in particolare le persone, più realistici. Studiarono l'anatomia umana, misurarono le proporzioni e cercarono la forma umana ideale. Le persone sembravano reali e mostravano emozioni autentiche, consentendo allo spettatore di fare deduzioni su ciò che le persone raffigurate pensavano e sentivano.
Il Rinascimento si divide in 4 fasi:
Protorinascimento (2a metà del XIII secolo - XIV secolo)
Primo Rinascimento (inizio XV - fine XV secolo)
Alto Rinascimento (fine XV - primi vent'anni del XVI secolo)
Tardo Rinascimento (metà del XVI - 1590)
Protorinascimento
Il Protorinascimento è strettamente connesso con il Medioevo; infatti appare nel Basso Medioevo, con tradizioni bizantine, romaniche e gotiche, questo periodo fu il precursore del Rinascimento. È diviso in due sottoperiodi: prima della morte di Giotto di Bondone e dopo (1337). Artista e architetto italiano, fondatore del Protorinascimento. Una delle figure chiave della storia dell'arte occidentale. Dopo aver superato la tradizione della pittura di icone bizantina, divenne il vero fondatore della scuola di pittura italiana e sviluppò un approccio completamente nuovo alla rappresentazione dello spazio. Le opere di Giotto furono ispirate da Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo. Giotto divenne la figura centrale della pittura. Gli artisti del Rinascimento lo consideravano un riformatore della pittura. Giotto ha delineato il percorso lungo il quale si è svolto il suo sviluppo: riempimento di forme religiose con contenuti secolari, un graduale passaggio dalle immagini piatte a quelle tridimensionali e in rilievo, un aumento del realismo, ha introdotto nella pittura il volume plastico delle figure e ha raffigurato l'interno nella pittura.
Alla fine del XIII secolo a Firenze fu eretto l'edificio principale del tempio: la Cattedrale di Santa Maria del Fiore, l'autore fu Arnolfo di Cambio, poi i lavori furono continuati da Giotto.
Le scoperte più importanti, i maestri più brillanti vivono e lavorano nel primo periodo. Il secondo segmento è associato all’epidemia di peste che colpì l’Italia.
La prima arte del protorinascimento apparve nella scultura (Niccolò e Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio, Andrea Pisano). La pittura è rappresentata da due scuole d'arte: Firenze e Siena.
Primo Rinascimento
Il periodo del cosiddetto “Primo Rinascimento” copre il periodo dal 1420 al 1500 in Italia. Nel corso di questi ottant'anni l'arte non ha ancora abbandonato del tutto le tradizioni del recente passato (il Medioevo), ma ha cercato di fondere in esse elementi presi in prestito dall'antichità classica. Solo più tardi, sotto l'influenza di condizioni di vita e di cultura sempre più mutevoli, gli artisti abbandonano completamente le basi medievali e utilizzano con audacia esempi di arte antica, sia nel concetto generale delle loro opere che nei loro dettagli.
Mentre l'arte in Italia seguiva già risolutamente la via dell'imitazione dell'antichità classica, in altri paesi aderì a lungo alle tradizioni dello stile gotico. A nord delle Alpi, e anche in Spagna, il Rinascimento non inizia prima della fine del XV secolo, e il suo primo periodo dura fino alla metà del secolo successivo.
Artisti del primo Rinascimento
Uno dei primi e più brillanti rappresentanti di questo periodo è giustamente considerato Masaccio (Masaccio Tommaso Di Giovanni Di Simone Cassai), il famoso pittore italiano, il più grande maestro della scuola fiorentina, riformatore della pittura del Quattrocento.
Con la sua opera ha contribuito al passaggio dal gotico alla nuova arte, glorificando la grandezza dell'uomo e del suo mondo. Il contributo di Masaccio all'arte si rinnova nel 1988, quando la sua creazione principale - affreschi della Cappella Brancacci nella Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze- sono stati riportati alla loro forma originaria.
- Resurrezione del figlio di Teofilo, Masaccio e Filippino Lippi
- Adorazione dei Magi
- Miracolo con statir
Altri importanti rappresentanti di questo periodo furono Sandro Botticelli. grande pittore italiano del Rinascimento, rappresentante della scuola pittorica fiorentina.
- Nascita di Venere
- Venere e Marte
- Primavera
- Adorazione dei Magi
Alto Rinascimento
Il terzo periodo del Rinascimento - il periodo del più magnifico sviluppo del suo stile - è solitamente chiamato "Alto Rinascimento". Si estende in Italia dal 1500 al 1527 circa. In questo momento, il centro d'influenza dell'arte italiana da Firenze si trasferì a Roma, grazie all'ascesa al trono papale di Giulio II - un uomo ambizioso, coraggioso e intraprendente che attirò alla sua corte i migliori artisti d'Italia, occupandoli di numerose ed importanti opere e diede ad altri un esempio di amore per l'arte. Sotto questo Papa e sotto i suoi immediati successori, Roma diventa, per così dire, la nuova Atene dei tempi di Pericle: in essa vengono costruiti molti edifici monumentali, vengono realizzate magnifiche opere scultoree, vengono dipinti affreschi e dipinti, che sono ancora considerati il perle di pittura; allo stesso tempo, tutti e tre i rami dell'arte vanno armoniosamente di pari passo, aiutandosi a vicenda e influenzandosi a vicenda. L'antichità viene ora studiata più a fondo, riprodotta con maggiore rigore e coerenza; la calma e la dignità sostituiscono la giocosa bellezza che era l'aspirazione del periodo precedente; i ricordi del Medioevo scompaiono completamente e un'impronta completamente classica cade su tutte le creazioni d'arte. Ma l'imitazione degli antichi non soffoca la loro indipendenza negli artisti, e con grande intraprendenza e vividezza di immaginazione rielaborano liberamente e applicano al loro lavoro ciò che ritengono opportuno prendere in prestito dall'antica arte greco-romana.
L'opera di tre grandi maestri italiani segna l'apice del Rinascimento, questo è Leonardo da Vinci (1452-1519) Leonardo di Ser Piero da Vinci grande pittore italiano del Rinascimento, rappresentante della scuola pittorica fiorentina. Artista italiano (pittore, scultore, architetto) e scienziato (anatomista, naturalista), inventore, scrittore, musicista, uno dei maggiori rappresentanti dell'arte dell'Alto Rinascimento, fulgido esempio dell '"uomo universale"
Ultima cena,
Monna Lisa,
-uomo vitruviano ,
- Madonna Litta
- Madonna delle Rocce
-Madonna con il fuso
Michelangelo Buonarroti (1475-1564) Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni. Scultore, artista, architetto [⇨], poeta [⇨], pensatore [⇨] italiano. . Uno dei più grandi maestri del Rinascimento [ ⇨ ] e del primo Barocco. Le sue opere erano considerate le più alte conquiste dell'arte rinascimentale durante la vita del maestro stesso. Michelangelo visse per quasi 89 anni, un'intera epoca, dal periodo dell'Alto Rinascimento alle origini della Controriforma. Durante questo periodo c'erano tredici Papi: per nove di loro eseguì ordini.
Creazione di Adamo
Ultimo Giudizio
e Raffaello Santi (1483-1520). grande pittore, grafico e architetto italiano, rappresentante della scuola umbra.
- Scuola di Atene
-Madonna Sistina
- Trasfigurazione
- Meraviglioso giardiniere
Tardo Rinascimento
Il tardo Rinascimento in Italia abbraccia il periodo che va dal 1530 al 1590 fino al 1620. La Controriforma trionfò nell’Europa meridionale ( Controriforma(lat. Controriforma; da contra- contro e riformazione- trasformazione, riforma) - un movimento politico-ecclesiastico cattolico in Europa nella metà del XVI-XVII secolo, diretto contro la Riforma e mirato a ripristinare la posizione e il prestigio della Chiesa cattolica romana.), che guardava con cautela a qualsiasi libertà pensiero, inclusa la glorificazione del corpo umano e la resurrezione degli ideali dell'antichità come pilastri dell'ideologia rinascimentale. Le contraddizioni della visione del mondo e un generale sentimento di crisi hanno portato a Firenze nell'arte “nervosa” dei colori artificiosi e delle linee spezzate: il manierismo. Il Manierismo raggiunse Parma, dove il Correggio lavorò, solo dopo la morte dell’artista nel 1534. Le tradizioni artistiche di Venezia avevano una propria logica di sviluppo; Palladio (vero nome) vi lavorò fino alla fine degli anni Settanta del Cinquecento Andrea di Pietro). grande architetto italiano del tardo Rinascimento e del Manierismo.( Manierismo(dall'italiano maniera, maniera) - Stile letterario e artistico dell'Europa occidentale del XVI - primo terzo del XVII secolo. Caratterizzato dalla perdita dell'armonia rinascimentale tra fisico e spirituale, natura e uomo.) Fondatore del Palladianesimo ( Palladianesimo O Architettura del palladio- una prima forma di classicismo nata dalle idee dell'architetto italiano Andrea Palladio (1508-1580). Lo stile si basa sul rigoroso rispetto della simmetria, sulla considerazione della prospettiva e sul prestito dei principi dell'architettura classica dei templi dell'antica Grecia e di Roma) e sul classicismo. Probabilmente l'architetto più influente della storia.
La prima opera indipendente di Andrea Palladio, come talentuoso designer e architetto di talento, fu la Basilica di Vicenza, in cui si rivelò il suo talento originale e inimitabile.
Tra le case di campagna, la creazione più straordinaria del maestro è la Villa Rotonda. Andrea Palladio lo costruì a Vicenza per un funzionario vaticano in pensione. È noto per essere il primo edificio secolare-domestico del Rinascimento, eretto sotto forma di tempio antico.
Un altro esempio è Palazzo Chiericati, la cui particolarità si manifesta nel fatto che il primo piano dell'edificio era quasi interamente destinato ad uso pubblico, secondo quanto richiesto dalle autorità cittadine dell'epoca.
Tra i celebri edifici urbani del Palladio è necessario citare il Teatro Olimpico, progettato ad anfiteatro.
Tiziano ( Tiziano Vecellio) Pittore italiano, il più grande rappresentante della scuola veneziana dell'Alto e Tardo Rinascimento. Il nome di Tiziano è al pari di artisti del Rinascimento come Michelangelo, Leonardo da Vinci e Raffaello. Tiziano dipinse dipinti su soggetti biblici e mitologici; divenne famoso anche come ritrattista. Ricevette ordini da re e papi, cardinali, duchi e principi. Tiziano non aveva nemmeno trent'anni quando fu riconosciuto come il miglior pittore di Venezia.
Dal suo luogo di nascita (Pieve di Cadore in provincia di Belluno, Repubblica di Venezia) viene talvolta chiamato sì, Cadore; noto anche come Tiziano il Divino.
- Ascensione della Vergine Maria
- Bacco e Arianna
- Diana e Atteone
-Venere Urbino
- Il rapimento di Europa
la cui opera aveva poco in comune con la crisi dell'arte fiorentina e romana.
Per cento anni dopo la morte di Giotto, non ci fu un solo artista altrettanto dotato a Firenze. I migliori maestri successivi erano consapevoli della loro inferiorità, ma non vedevano altra via che la copia intensiva e la distorsione di Giotto. Giotto era in anticipo sui tempi e solo cento anni dopo un altro fiorentino, Masaccio (1401-1428), elevò l'arte a un livello ancora più alto.
Meno di dieci anni di creatività gli sono stati assegnati dal destino. Ma anche in questo breve tempo riuscì a compiere, secondo i suoi contemporanei, “una vera rivoluzione nella pittura”. A Firenze dipinse due delle più grandi cattedrali: la chiesa di Santa Maria Novella e la Cappella Brancacci nella chiesa di Santa Maria del Carmine.
Successore di Giotto, Masaccio si sforzò sempre di costruire lo spazio secondo le leggi della prospettiva, trasportando i volumi reali su un piano. Ma la sua innovazione non si limitò allo sviluppo della prospettiva. Era attratto dall'immagine del mondo circostante, dall'imitazione della natura naturale. Il critico d'arte A.K. Dzhivelegov ha notato la natura innovativa del suo lavoro: “La pittura prima di Masaccio e la pittura dopo Masaccio sono due cose completamente diverse, due epoche diverse. Giotto ha scoperto il segreto per trasmettere le sensazioni di una persona e di una folla. Masaccio ha insegnato a rappresentare l'uomo e la natura... Si è completamente liberato dalla stilizzazione. Le montagne non sono più ciottoli appuntiti, simili a sporgenze, ma montagne vere e proprie. O assumono i contorni morbidi dei contrafforti appenninici... oppure si sviluppano in un aspro paesaggio roccioso... Il terreno su cui poggia l'uomo è un vero e proprio piano su cui si può effettivamente stare e che lo sguardo può tracciare lo sfondo. Gli alberi e la vegetazione in generale non sono più oggetti di scena, a volte stilizzati, a volte semplicemente fittizi, ma la natura stessa... Se le persone che compaiono nella foto decidono di entrare nelle case, ciò non causerà alcun inconveniente: non sfondaranno i tetti con la testa non romperanno i muri, con le spalle cadranno a pezzi. Masaccio iniziò a guardare come tutto accadeva nella realtà. Poi le pose convenzionali, i fatti innaturali e il paesaggio fittizio sono naturalmente scomparsi”.
I soggetti principali dei dipinti di Masaccio erano la vita e le gesta degli apostoli, Gesù Cristo e le scene della creazione del mondo. Si tratta degli affreschi “La Cacciata di Adamo ed Eva dal Paradiso” (1427-1428) [Appendice 3] e “Il Miracolo dello Statire” (1427-1428) [Appendice 4] nella chiesa di Santa Maria del Carmine. Uno dei primi dipinti di Masaccio, Madonna col Bambino e angeli [Appendice 5], fu concepito come parte centrale di un grande altare per la chiesa di Santa Maria del Carmine. Su un alto trono posto in una profonda nicchia, Maria siede con un bambino in braccio. Lo sfondo dorato, le aureole sulle teste e gli abiti fluenti conferiscono all'immagine una solennità speciale. Nella foto colpisce la novità della soluzione artistica. Nessuno dei maestri del XV secolo. Non troverete tanta chiarezza nel trasmettere la profondità dello spazio, "ottenuta grazie alla riduzione geometricamente precisa delle dimensioni del trono. Le figure si inseriscono naturalmente nello spazio architettonico con l'arco gotico e le colonne classiche del trono. "
“Trinità” [Appendice 6] è una delle ultime e perfette creazioni di Masaccio, in cui è stata proposta un'interpretazione completamente nuova della trama della Trinità dell'Antico Testamento. Nello spazio tridimensionale, l'artista mostra figure reali di Dio Padre, Cristo e lo Spirito Santo, incarnando simbolicamente l'immagine del mondo creata dalla mente umana. Nella capacità di distribuire luci e ombre, nel creare una chiara composizione spaziale, nel volume e nella tangibilità delle figure, Masaccio è per molti versi superiore ai suoi contemporanei. Mostrando il corpo nudo di Cristo, gli conferisce tratti ideali ed eroici, ne esalta la potenza e la bellezza, glorifica la forza dello spirito umano. All'interno della cappella, ai piedi della croce, stanno la Vergine Maria e l'apostolo Giovanni. Il volto della Madre di Cristo, privato della sua consueta bellezza, è rivolto allo spettatore. Essendo il collegamento tra Dio e l'uomo, indica con un gesto moderato della mano il Figlio crocifisso. In questa composizione generalmente statica, il gesto di Maria è l'unico movimento che organizza simbolicamente lo spazio. Davanti all'arco, all'ingresso della cappella, sono raffigurati di profilo inginocchiati un uomo e una donna, committenti dei dipinti per la chiesa.
L'unità artistica di Masaccio, proprio come quella del grande Giotto, fondatore della nuova pittura italiana, non era identica alla realtà reale, ma rappresentava qualcosa di più alto di essa, qualcosa che non doveva essere una copia di questa realtà. Questo fenomeno diventa più chiaro quando si analizza l'immagine delle singole figure rispetto all'intera composizione nel suo insieme. E gli affreschi della Cappella Brancacci a questo riguardo riflettono soprattutto la nuova epoca. Un abisso gigantesco separa le potenti figure di Cristo e dei suoi discepoli dalle graziose bambole in costume delle opere del periodo immediatamente precedente. Sono scomparse non solo le mode preziose e i dettagli divertenti, ma anche ogni tentativo di influenzare lo spettatore attraverso la verosimiglianza nella rappresentazione di oggetti reali tratti dalla realtà: l'affresco cattura un'esistenza umana senza tempo, eterna, apparendo davanti a noi allo stesso modo in cui Giotto, e ancora - completamente diverso dal suo. Questa differenza è solitamente definita come un diverso senso della forma. Ciò che si vede negli affreschi di Masaccio è la tipicità, sublime attraverso lo studio intenso della natura. Le forme reali che stavano alla base dei vecchi schemi iconografici si sono rivelate così arricchite di nuove conoscenze da sembrare non più formule morte, ma persone vive. Lontane dalle immagini snelle e aggraziate del tardo Trecento raffigurate in movimento vivace, queste figure ci ricordano i potenti personaggi di Giotto. Come nell'arte antica, qui la pesantezza e la mancanza di vita del corpo vengono superate con l'aiuto dell'energia vitale, e questo equilibrio funge da fonte di un nuovo senso della forma e da ciò che dovrebbe servire come contenuto più importante dell'arte. rappresentazione artistica della figura umana. E allo stesso tempo questo supera il gotico.
I personaggi di Masaccio sono molto più indipendenti di quelli di Giotto, quindi sono pieni di una nuova comprensione della dignità umana, espressa in tutto il loro aspetto. Questa comprensione si basa sul riflesso di una certa forza spirituale, si basa anche sulla consapevolezza degli eroi di Masaccio del proprio potere e del libero arbitrio. In questo sta il momento del loro isolamento. Infatti, non importa quanto tutti questi personaggi della storia sacra partecipino agli eventi rappresentati, sono tuttavia caratterizzati non solo dal loro atteggiamento verso questi eventi, ma anche dal loro significato individuale, che conferisce loro il carattere di solennità. Ma questo isolamento si esprime anche nel ruolo compositivo delle singole figure. Giotto divideva in figure separate il tradizionale gruppo di massa medievale dei partecipanti ad un evento; in Masaccio, al contrario, i gruppi sono costituiti da figure separate, del tutto indipendenti. Ognuna di queste figure sembra assolutamente libera nella sua posizione nello spazio e nel suo volume plastico. L'intero processo artistico procede in Masaccio in modo diverso rispetto all'arte del periodo precedente. Giotto, come gli artisti medievali, parte nelle sue composizioni da un concetto generale in cui alle singole figure vengono assegnate determinate funzioni di contenuto e forma che ne determinano il carattere. Le composizioni di Masaccio sono dotate di un'originalità speciale: è caratterizzata dal fatto che, nonostante tutti i risultati ottenuti nella rappresentazione delle figure e dell'ambiente spaziale, la loro connessione reciproca non è diventata più stretta di prima, ma, al contrario, si è indebolita .
La rappresentazione di un segmento paesaggistico dello spazio è diventata più coerente con l'esperienza sensoriale. Quei progressi occasionali nella prospettiva durante il periodo del Trecento vengono sostituiti da un sistema prospettico universale e più accurato. In Giotto, tutto - sia lo spazio che le figure - è costituito da un unico pezzo ed è costruito come una sorta di unità, qui piano e spazio sono inestricabilmente intrecciati. Questa unità assoluta, che racchiude tutti gli elementi della composizione e crea una solida struttura dell'opera, è sostituita da Masaccio (e ancor più dai suoi seguaci) con collegamenti alquanto condizionati. Ciò può essere visto nella divisione dell'immagine in tre scene. Di conseguenza, sorge un dualismo tra figura e spazio. Questo dualismo è ancora più evidente negli ultimi maestri del Quattrocento che in Masaccio, nel quale la composizione giottiana è un po' più forte; nei maestri successivi questo dualismo porta all'opposizione dello sfondo del paesaggio e delle figure sul piano. Questo dualismo si basa sul fatto che corpo e spazio appaiono come complessi separati di mezzi visivi. Di conseguenza, i dipinti diventano una giustapposizione di spazio e singole figure, e le figure, in quanto componente più importante di questa complessa unità, hanno il vantaggio.
Senza questo fatto è impossibile comprendere la natura dello sviluppo dell'arte nel Quattrocento. Le regole compositive durante tutto il XV secolo cambiano in misura insignificante - di conseguenza, sono sopravvissuti pochissimi schizzi di composizioni - ma nella rappresentazione delle figure e nella rappresentazione dello spazio c'è un progresso continuo e intenso, che è evidenziato non solo dalle opere completate, ma in misura molto maggiore: numerosi schizzi e disegni. Il grande atto del Rinascimento non fu proprio la “scoperta del mondo e dell’uomo”, ma la scoperta delle leggi materiali. Sulla base di questa scoperta, che è in stretto contatto con l'antica concezione del mondo, il significato e il contenuto di ogni successivo sviluppo dell'arte risiedono ora nel compito di una nuova comprensione dell'immagine e di una nuova conquista del mondo. La rappresentazione dell'uomo come il complesso più importante e responsabile doveva venire in primo piano negli interessi artistici, ed è in quest'area che si può osservare l'ulteriore miglioramento del nuovo stile. Quanto è breve il periodo di tempo in cui la vita di Masaccio gli ha concesso di realizzare gli affreschi della Cappella Brancacci, tanto grandi sono i progressi compiuti durante questo periodo.
Nello stretto affresco “San Pietro che guarisce con la sua ombra” [Appendice 7], Pietro, immerso nei suoi pensieri, accompagnato da San Giovanni, attraversa il quartiere dei poveri, e la sua ombra guarisce i malati situati vicino al muro della casa. L'emozione del malato - è rappresentata in varie sfumature, è bella nel disegno come l'andatura maestosa del santo. Gli abiti del santo - proprio come quelli di Giotto - toccano ancora terra, cosa che però Masaccio era solito evitare. caratterizzare più chiaramente i motivi del riposo e del movimento. Ma gli abiti larghi, quando rappresentati solo da rare pieghe entro i confini di grandi piani che creano animazioni plastiche, ricordano Giotto. Segni del realismo dell'arte del tardo Trecento si ritrovano anche nella seconda scena, che raffigura i Santi Pietro e Giovanni che distribuiscono l'elemosina. Questa volta è raffigurata la periferia della città: le strade finiscono qui, e solo pochi edifici precedono il campo. I poveri si riunivano qui per ricevere modesti doni dai santi. Niente di simile, ovviamente, non era mai accaduto prima nella pittura italiana: grazie alla loro imponenza e allo stile libero, assomigliano a figure vestite classiche e indicano che il desiderio di rappresentare l'abito nella sua funzione naturale ha portato l'artista non solo all'imitazione di modelli antichi. , ma anche alla comprensione del significato artistico degli abiti antichi. E non solo questa grandezza, ma anche il concetto sottostante di bellezza e perfezione - questo può insegnarci l'affresco situato sopra quello sopra descritto e raffigurante San Pietro mentre compie il rito del battesimo. Questo evento si svolge in una zona montuosa deserta, le cui forme potenti sottolineano il significato della scena. I convertiti si riunirono in semicerchio vicino al santo procedendo a battezzare nell'acqua un uomo inginocchiato. Già tutto il Quattrocento ammirava tra i testimoni del battesimo la figura di un giovane nudo, apparentemente tremante dal freddo, ma merita più attenzione il gruppo di San Pietro e dell'uomo inginocchiato. Giotto ne “Il Battesimo di Cristo” [Appendice 8] raffigura il Salvatore nudo: la figura di un uomo emaciato in piedi; nell’affresco di Masaccio fu reintrodotto nell’arte il bel corpo maschile, simile a una statua antica, fu introdotto l’ideale classico della bellezza e della perfezione corporea. Masaccio sembrava aver utilizzato un modello antico per rappresentare il corpo - eppure, nonostante alcune contraddizioni che diventano evidenti solo dopo uno studio attento, l'intera figura inginocchiata è percepita nel suo insieme come una libera concorrenza con l'antica immagine del corpo nudo. Per partecipare ad una tale competizione ad armi pari, tuttavia, mancava ancora - e ciò è dimostrato dalla “Cacciata dal Paradiso” [Appendice 3] - la conoscenza esatta di un organismo vivente. Il passo pesante e senza speranza delle persone che lasciano la loro beatitudine perduta fuori dai cancelli sembra goffo; il superamento di questo vincolo era il problema da risolvere. Masaccio acquisì la conoscenza dell'anatomia del corpo umano lavorando con la natura e studiando opere di scultura classica; Nel suo lavoro abbandonò la decoratività e la convenzionalità inerenti all'arte gotica. Le figure, la cui tridimensionalità è trasmessa attraverso una potente modellazione ritagliata, sono correlate in scala con il paesaggio circostante, dipinto tenendo conto della prospettiva luce-aria.
Possiamo quindi concludere che Masaccio è stato un grande maestro che ha compreso l'essenza della pittura, era molto dotato della capacità di trasmettere valore tattile nelle immagini artistiche.
Masaccio fu un degno successore di Giotto, di cui conobbe bene l'arte e studiò attentamente. Giotto lo introdusse alle forme monumentali, gli insegnò a rappresentare ciò che è importante e significativo dal punto di vista dell'alta unità artistica. L'arte di Masaccio contiene l'intero programma della nuova pittura rinascimentale: l'uomo come centro dell'universo
A differenza di Giotto, una caratteristica dell’opera di Masaccio è uno studio più accurato della natura. È stato anche il primo a rappresentare il corpo nudo nella pittura e a conferire a una persona tratti eroici. Nella pittura di epoca successiva si potrà trovare una maggiore perfezione di dettaglio, ma non avrà lo stesso realismo, potenza e persuasività. Masaccio acquisì la conoscenza dell'anatomia del corpo umano lavorando con la natura e studiando opere di scultura classica; Nel suo lavoro abbandonò la decoratività e la convenzionalità inerenti all'arte gotica.
Masaccio è caratterizzato da uno spazio razionale e tridimensionale costruito secondo le regole della prospettiva, dell'elaborazione di luci e ombre della forma, rendendola convessa e voluminosa, e di una maggiore plasticità della forma attraverso il colore. Le figure, la cui tridimensionalità è trasmessa attraverso una potente modellazione ritagliata, sono correlate in scala con il paesaggio circostante, dipinto tenendo conto della prospettiva luce-aria.
Masaccio fu un grande maestro che capì l'essenza della pittura, fu fortemente illuminato dalla capacità di trasmettere valore tattile nelle immagini artistiche. Il concetto dell’artista è espresso dall’affermazione di uno dei suoi contemporanei: un affresco o un dipinto è una finestra attraverso la quale vediamo il mondo.
Conclusione
Durante il Rinascimento, ci si aspettava che la pittura raffigurasse nuove persone destinate a grandi scopi. Oggetto di grande attenzione da parte degli storici continua ad essere uno dei principali centri della cultura rinascimentale: Firenze. Dopotutto, è stato qui che, prima che in altre città-stato, si sono formati i prerequisiti per il cambiamento delle epoche culturali, sono nate le idee umanistiche del Rinascimento e scrittori, artisti, architetti e scultori hanno creato le loro più grandi creazioni. E al suo interno la vita sociale pulsava con insolita intensità, coinvolgendo quasi tutta la popolazione maschile adulta, per la quale le preoccupazioni legate all’istruzione, all’educazione e alla cultura non erano certo le meno importanti.
Le linee guida ideologiche della cultura rinascimentale italiana furono influenzate dal clima psicologico della vita cittadina. Nella moralità mercantile di orientamento secolare cominciarono a prevalere nuove massime: l'ideale dell'attività umana, gli sforzi personali energici, senza i quali era impossibile raggiungere il successo professionale, e questo passo dopo passo si allontanò dall'etica ascetica della chiesa, che condannava aspramente la desiderio di accumulo. L'ambiente urbano inferiore era il più conservatore, era lì che erano saldamente preservate le tradizioni della cultura popolare medievale, che ebbe un certo impatto sulla cultura del Rinascimento.
L'innovazione di Giotto si manifestò in tre caratteristiche principali della sua opera, che i suoi seguaci continuarono poi a sviluppare. Da un lato è stata migliorata la bellezza delle linee, sono state utilizzate varie fusioni di colori. D’altra parte, l’elemento narrativo diventa di grande importanza. Inoltre, figure e scene prese in prestito dalla vita sono associate a una comprensione poetica dell'insieme, e quindi da questa fonte derivano anche molti motivi realistici, come la veridicità nella rappresentazione della natura, ecc. La stessa comprensione dell'uomo di Giotto era in accordo con la natura . Per Giotto l'immagine del movimento e dell'azione è importante. Il raggruppamento delle figure e i loro gesti sono completamente subordinati al significato di ciò che è raffigurato. Con il tratto e il chiaroscuro, che esprimono il pieno significato dell'evento, con gli sguardi rivolti al cielo o verso il basso, con i gesti che parlano senza parole, basandosi sulla tecnica pittorica più semplice, senza conoscenza dell'anatomia, Giotto restituisce un'immagine del movimento.
Masaccio è simile a Giotto, ma Giotto, che nacque un secolo dopo e si trovò in condizioni artistiche favorevoli. Mostrò alla pittura fiorentina il percorso che essa seguì fino al suo declino. Questo percorso risiede nella capacità di distribuire luci e ombre, nel creare una chiara composizione spaziale, nella potenza con cui trasmette il volume, Masaccio è di gran lunga superiore a Giotto. Nella pittura di epoca successiva si potrà trovare una maggiore perfezione di dettaglio, ma non avrà lo stesso realismo, potenza e persuasività.
Masaccio ha compiuto il passo decisivo successivo dopo Giotto nel creare un'immagine collettiva di una persona, ora liberata dalle basi religiose ed etiche e intrisa di una nuova visione del mondo veramente secolare. Ha utilizzato le possibilità del chiaroscuro, modellando la forma plastica, in un modo nuovo.
In generale, il fenomeno del Rinascimento è un fenomeno molto sfaccettato nello sviluppo culturale dell'Europa, il cui nucleo era una nuova visione del mondo, una nuova autocoscienza dell'uomo. Durante questo periodo, l'arte si sviluppò così rapidamente come non si era mai sviluppata prima. Ogni artista aggiunge qualcosa di proprio, una caratteristica unica allo sviluppo della pittura di questo periodo. Pertanto, le grandi opere d'arte create anche in un'epoca lontana non solo non perdono il loro significato, ma acquisiscono nuove sfumature nella comprensione del loro contenuto e delle questioni morali ed etiche. Le forme artistiche, intese dalla prospettiva dei tempi moderni, e i valori umani universali in esse contenuti, ci emozionano in ogni momento.
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Appendice 1. Giotto “Il bacio di Giuda”.
Affrescare.
Appendice 2. Giotto “Compianto di Cristo”
Affrescare.
Cappella degli Scrovegni (Capella del Arena), Padova
Appendice 3. Masaccio “La cacciata di Adamo ed Eva dal Paradiso”.
Affrescare.
Appendice 4. Masaccio “Il Miracolo dello Statere”
Affrescare.
Chiesa di Santa Maria del Carmine (Cappella Brancacci), Firenze
www.school.edu.ru
Appendice 5. Masaccio “Madonna col Bambino e angeli”
Legno, tempera.
Galleria Nazionale, Londra
www.school.edu.ru
Appendice 6. Masaccio “Trinità”
Affrescare.
Chiesa di Santa Maria Novella, Firenze
www.school.edu.ru
Appendice 7. Masaccio “San Pietro che guarisce con la sua ombra”
Affrescare.
Chiesa di Santa Maria del Carmine (Cappella Brancacci), Firenze
www.school.edu.ru
Appendice 8. Giotto “Il Battesimo di Cristo”
Affrescare.
Cappella degli Scrovegni (Capella del Arena), Padova
www.school.edu.ru
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Liberandosi dal contenuto religioso e mistico che la vincola, la pittura si rivolge alla vita, alle immagini reali della realtà, all'uomo. Oltre alle immagini della mitologia cristiana e dell’antichità che conservano il loro significato, gli oggetti delle rappresentazioni degli artisti ora includono anche persone viventi, eroi del nostro tempo. Superando l'astrazione gotica delle immagini, sviluppando le migliori caratteristiche della pittura di Giotto, gli artisti del XV secolo intrapresero l'ampio percorso del realismo. La pittura ad affresco monumentale sta vivendo una fioritura senza precedenti.
Masaccio. Il riformatore della pittura, che giocò lo stesso ruolo che nello sviluppo dell'architettura del Brunelleschi, e di Donatello nella scultura, fu il fiorentino Masaccio, che visse solo 27 anni (1401-1428), che creò un ciclo di affreschi che servì da modello per diverse generazioni di artisti italiani, in cui hanno trovato la continua ricerca di un'immagine eroica generalizzata di una persona, una rappresentazione veritiera del mondo che lo circonda. Seguendo la tradizione di Giotto, l'artista Masaccio si concentra sull'immagine di una persona, esaltandone la dura energia e attività, l'umanesimo civico. Masaccio compie un passo decisivo nel coniugare figura e paesaggio, introducendo per la prima volta la prospettiva aerea. Negli affreschi di Masaccio, la piattaforma poco profonda - scena d'azione nei dipinti di Giotto - è sostituita dall'immagine di uno spazio profondo reale; La modellazione plastica di luci e ombre delle figure diventa più convincente e ricca, la loro costruzione è più forte e le loro caratteristiche sono più varie. E inoltre, Masaccio conserva l'enorme potere morale delle immagini, che affascina Giotto nell'arte.
L'opera principale di Masaccio sono gli affreschi della Cappella Brancacci della Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze, che raffigurano episodi delle leggende di San Pietro e due scene bibliche: "La Caduta" e "La Cacciata dal Paradiso".
Tra le opere indiscusse di Masaccio c'è l'affresco "Cacciata dal Paradiso". Sullo sfondo di un paesaggio appena abbozzato, emergono chiaramente le figure di Adamo ed Eva che emergono dalle porte del paradiso, sopra le quali svetta nel cielo un angelo con una spada. Questo affresco rappresenta un sorprendente contrasto con la pittura del tardo Trecento, le cui tradizioni dominavano ancora Firenze al momento della sua creazione. Rifiutando il disordine di figure e oggetti e i minuziosi dettagli, Masaccio si concentra sul contenuto drammatico della trama, sulla messa in scena e sulla scultura plastica delle figure. Per la prima volta nella storia della pittura rinascimentale, Masaccio riuscì a scolpire in modo convincente un corpo nudo, dargli le proporzioni corrette, posizionarlo con fermezza e fermezza a terra, dove per la prima volta nella pittura rinascimentale sono raffigurate figure nude, con forza modellato dalla luce laterale. Riuscì particolarmente con la figura di Adamo che camminava a grandi passi, che abbassò la testa per la vergogna e si coprì il viso con le mani. La testa gettata all'indietro di Eva che piange con gli occhi infossati e una macchia scura di una bocca spalancata è raffigurata in modo sorprendentemente audace e generale.
L’affresco abbinato “La Caduta” produce un’impressione leggermente diversa. È vero, anche qui il piano generale è laconico, le figure sono scolpite plasticamente. Tuttavia, l’azione qui si sviluppa lentamente ed è completamente priva della tensione interna, solitamente insita nelle opere di Masaccio, le figure non sono messe in scena con la stessa sicurezza che in “Cacciata dal Paradiso” e danno l’impressione di staticità. È possibile che questo affresco sia stato dipinto da Masolino, che imitò le opere del fratello minore più evoluto e dotato.
Gli affreschi di Masaccio nella Cappella Brancacci sono intrisi di sobrio razionalismo. Raccontando i miracoli compiuti da S. Pietro, Masaccio priva le scene che raffigura di ogni sfumatura di misticismo. Il suo Cristo, Pietro e gli apostoli sono persone terrene, i loro volti sono individualizzati e segnati dal timbro dei sentimenti umani, le loro azioni sono dettate da impulsi umani naturali. Pertanto, i miracoli da loro compiuti sono percepiti come il risultato dello sforzo della volontà umana e non dell'intervento della divina provvidenza.
Le composizioni di Masaccio si distinguono per un chiaro sviluppo dell'azione. Nell'affresco "Miracolo con tassa" il posto centrale è occupato dal momento iniziale della storia, quando Cristo e i suoi discepoli furono fermati alle porte della città da un pubblicano che pretendeva il pagamento di denaro per l'ingresso. In questo gruppo sono chiaramente identificati tre personaggi principali: Cristo, Pietro e il pubblicano. Il collezionista è dipinto dall'artista di spalle, in piedi saldamente a terra, bloccando il cammino di Cristo e degli apostoli. Questa è la personificazione della forza bruta. Gli si oppone Cristo, calmo e maestoso. Indicando il fiume che scorre lì vicino, ordina a Pietro di prendere una moneta dalla bocca del pesce per pagare la tassa. Il momento stesso del miracolo viene relegato in secondo piano dall'artista. A sinistra, in profondità, accovacciato e chinato sul fiume, Pietro con uno sforzo apre la bocca di un pesce che spunta fuori dall'acqua ed estrae una moneta. Sul lato destro, Pietro consegna la moneta alla guardia. L'intera composizione è scritta da un unico punto di vista, le teste dei personaggi sono sulla linea dell'orizzonte. Le figure si trovano una dopo l'altra nello spazio e sono date sullo sfondo di un paesaggio montuoso, ben correlato con esse sia per scala che per colore. Masaccio utilizza qui non solo i mezzi della prospettiva lineare, ma anche quella aerea, ammorbidendo gradualmente i colori man mano che si spostano in profondità.
Masaccio interpretò in maniera semplice e realistica anche gli episodi “L'elemosina”, “Guarigione per ombra” e “Battesimo dei convertiti”. I volti dei personaggi presentati sono individualizzati, apparentemente molti di loro sono ritratti. Le singole figure sono raffigurate con grande osservazione, ad esempio il giovane nudo che trema dal freddo nella scena del “Battesimo”.
Masaccio ruppe con le tendenze decorative e narrative che dominarono la pittura della seconda metà del XIV secolo. Ha compiuto un passo decisivo nel combinare figura e paesaggio, per la prima volta ha dato una prospettiva aerea e una linea dell'orizzonte naturale. Invece di un pomposo colorito decorativo, nei dipinti e negli affreschi dell’artista è apparsa una combinazione di colori sobria e armoniosa.
Castano. Tra i seguaci di Masaccio spicca Andrea del Castagno (1421-1457 circa), che mostrò interesse non solo per la forma plastica e le strutture prospettiche caratteristiche della pittura fiorentina di quel tempo, ma anche per il problema del colore. Le migliori immagini create di questo artista ruvido, coraggioso e irregolare per natura si distinguono per forza eroica ed energia irrefrenabile. Questi sono gli eroi dei dipinti di Villa Pandolfini (1450 circa, Firenze, Chiesa di Santa Apollonia) - un esempio di soluzione a un tema secolare. Sugli sfondi verde e rosso scuro si stagliano le figure di personaggi di spicco del Rinascimento, tra cui i condottieri di Firenze: Farinata degli Uberti e Pippo Spano. Quest'ultimo sta saldamente a terra, con le gambe divaricate, rivestito di un'armatura, con la testa scoperta, con la spada sguainata tra le mani; è una persona viva, piena di energia frenetica e fiducia nelle sue capacità. La potente modellazione di luci e ombre conferisce all'immagine forza plastica, espressività, enfatizza la nitidezza delle caratteristiche individuali e una ritrattistica brillante mai vista prima nella pittura italiana.
Tra gli affreschi della chiesa di Santa Apollonia spicca per l'ampiezza dell'immagine e la nitidezza dei caratteri l'Ultima Cena (1445-1450). Questa scena religiosa - il pasto di Cristo circondato dai discepoli - è stata dipinta da molti artisti, che hanno sempre seguito un certo tipo di composizione. Castagno non si è discostato da questo tipo di costruzione, dalla brillante specificità delle immagini, dalla nazionalità dei tipi degli apostoli e di Cristo, dalla profonda espressione drammatica dei sentimenti, dalla combinazione di colori enfaticamente ricca e contrastante.
Fra Beato Angelico. Le prime opere di Fra Beato sono vicine nello stile alle miniature tardo gotiche e si distinguono per il debole sviluppo delle relazioni spaziali, l'allungamento e la curvatura delle figure, l'attenta rifinitura dei dettagli, l'abbondanza di oro e colori locali. Le opere di Fra Beato sono intrise di sentimento religioso, ma sono prive del duro ascetismo del Medioevo. Le immagini di Cristo, di Maria e dei santi da lui create sono liriche e poetiche; la natura circostante non è più ostile all'uomo, ma gli si rivela in tutta la sua bellezza.
Il dipinto “Il Giudizio Universale” (Firenze, Museo di San Marco), dipinto dall’artista dopo il 1524, sembra ancora molto gotico accanto agli affreschi di Masaccio. Non c'è unità di spazio in esso, la struttura complessiva è subordinata al vecchio schema iconografico. Eppure, irrompe un senso rinascimentale della realtà e della bellezza del mondo, soprattutto nella rappresentazione di una danza rotonda dei beati che danzano sull'erba cosparsa di fiori dei Giardini dell'Eden. È interessante notare che in questo dipinto Fra Beato ha cercato di utilizzare la prospettiva lineare, ma non è riuscito a mantenere il principio spaziale in tutte le parti della composizione.
Il Beato Angelico non rimase estraneo alla riforma artistica di Masaccio. Dopo aver subito una grande evoluzione nel corso della sua lunga vita, nelle sue opere successive padroneggiò i mezzi per trasmettere volume e spazio e passò a uno stile pittorico più generalizzato. Ciò si rifletteva in parte nel suo grande ciclo di affreschi nel monastero di San Marco a Firenze, ma in misura ancora maggiore nei dipinti della cappella di S. Nicola in Vaticano, l'ultima grande opera del maestro.
Paolo Uccello. All'inizio della sua carriera si associò all'arte del tardo Trecento anche Paolo Uccello (1397-1475), che si interessò poi con passione ai nuovi problemi dell'arte, in particolare alla teoria della prospettiva lineare e al problema della rappresentazione di una figura da angoli complessi.
Fu assistente nella bottega del Ghiberti mentre stava ancora lavorando alla porta nord del battistero. La prima opera datata di Uccello a noi nota è un affresco del condottiero John Gokwood nel Duomo di Firenze (1436). A differenza della prima di queste opere - l'affresco di Simone Martini nel Palazzo Pubblico di Siena, eseguito un secolo prima, Paolo Uccello non solo raffigura un condottiero a cavallo, ma sembra imitare un monumento equestre. Nel costruirlo, Uccello utilizza abilmente la prospettiva lineare, creando l'impressione che lo spettatore guardi il monumento un po' dal basso verso l'alto. Dipinto in monocromo, in modo laconico e generalizzato, questo affresco, secondo il progetto dell’artista, avrebbe dovuto, per così dire, sostituire un monumento scultoreo.
Uccello è anche conosciuto come l'autore delle prime scene monumentali di battaglia nella storia dell'arte dell'Europa occidentale. Uccello variò composizioni con episodi della Battaglia di San Romano tre volte, raffigurando con entusiasmo cavalli e cavalieri multicolori in un'ampia varietà di tagli e inversioni prospettici. Insieme alla ben nota maniera arcaica, rivelano anche la passione dell’artista per la prospettiva e gli angoli, che arriva fino all’eccesso.
Non meno indicativi a questo riguardo sono gli affreschi scarsamente conservati di Uccello nella chiesa di Sita Maria Novella, in cui la piccola tecnica miniaturistica e l'abbondanza di dettagli si uniscono all'interesse per la rappresentazione dello spazio e all'audace soluzione degli angoli. .
Domenico Veneziano. Un po' distinto nell'arte fiorentina della prima metà del XV secolo è Domenico Veneziano (c. 1410-1461). Originario di Venezia, a quanto pare conobbe in gioventù le miniature olandesi, che suscitarono il suo interesse per il problema del colore, della luce e della trasmissione della trama delle cose. Era più vicino all'arte arcaica dell'Angelico che a Masaccio. Le sue figure mancano di struttura e le costruzioni prospettiche non sono sempre corrette. Ma allo stesso tempo, le opere di Veneziano sono ricoperte di sottile lirismo e intrise della poesia della luce e del colore. Il colore assume un ruolo di primo piano nei suoi dipinti, con il suo aiuto trasmette spazio, aria, forma e luce e unisce le figure con l'ambiente. Fu uno dei primi in Italia ad utilizzare la tecnica della pittura ad olio. Tra le sue opere migliori ricordiamo “L'Adorazione dei Magi” (Berlino, Dahlem), “Madonna e Santi” (Firenze, Uffizi).
Nel XV secolo il genere del ritratto acquisì un proprio significato. Si è diffusa molto la composizione del profilo, ispirata alle medaglie antiche e che consente di generalizzare e glorificare l'immagine della persona ritratta. Una linea precisa delinea un profilo netto nel “Ritratto di donna” (metà del XV secolo, Berlino-Dahlem, Pinacoteca). L'artista raggiunge una vivente somiglianza diretta e allo stesso tempo una sottile unità coloristica nell'armonia di colori chiari e brillanti, trasparenti, ariosi, che ammorbidiscono i contorni.
Filippo Lippi. Fra Filippo Lippi (circa 1406-1469), un tipico rappresentante del primo Rinascimento, che scambiò la tonaca monastica con l'inquieta professione di artista errante, raggiunge nelle sue opere una straordinaria sottigliezza nell'esecuzione, un colore molto sobrio e un carattere secolare . In immagini tenere e liriche - "La Madonna Velata" (1465 circa, Firenze, Uffizi), il pittore e monaco fuggitivo Filippo Lippi catturò l'aspetto toccantemente femminile della sua amata Lucrezia Buti mentre ammirava un bambino paffuto.
Pittura fiorentina. La pittura del primo Rinascimento si sviluppò in modi complessi a Firenze nell'ultimo terzo del XV secolo, in cui i molteplici problemi del realismo rinascimentale ricevettero una varietà di soluzioni: dall'epica monumentale, all'eroico alla narrativa di genere, sublimemente poetica e lirica. Il crescente interesse per i motivi quotidiani e i dettagli della situazione conferisce alle composizioni pittoriche le caratteristiche di un genere. Le figure delle persone acquisiscono proporzioni e flessibilità maggiori.
Ghirlandaio. Le opere di Domenico Ghirlandaio (1449-1494), e soprattutto nei suoi affreschi, riassumono le ricerche degli artisti del primo Rinascimento; in essi appare come uno scrittore attento alla vita quotidiana del patriziato fiorentino, che ha conservato lucidità spirituale e uno sguardo calmo e attento al mondo. Dipinti su richiesta della famiglia Medici e delle persone a loro vicine, gli affreschi hanno un carattere narrativo, che si combina con solennità e decoratività, interesse per i dettagli quotidiani e trasferimento di illuminazione e spazio. Spesso includono ritratti di clienti.
Il tradizionalismo dell'arte del Ghirlandaio si rivela nel dipinto della Chiesa di Ognissanti "L'Ultima Cena" (1480). Ripetendo la composizione trovata dai suoi predecessori, unisce le figure degli apostoli in gruppi, rivela più chiaramente la natura conflittuale della situazione, presta attenzione alle caratteristiche della scena. L'opera principale del Ghirlandaio sono gli affreschi della chiesa di Santa Maria Novella (1485-1490) su scene della vita di Maria e Giovanni Battista.
Situati uno sopra l'altro su più livelli, si trasformano, nella sua interpretazione, in scene quotidiane cerimoniali essenzialmente solenni della vita moderna dei cittadini. L'azione si svolge per strada o all'interno di una casa ricca. Nell'affresco “La Natività di Maria”, tra coloro che vennero a visitare la partoriente, sono raffigurate dame fiorentine vestite alla moda dell'epoca, guidate dalla figlia del patrizio Tornabuoni.
Tra le altre opere, Ghirlandaio si distingue per la sua gentile umanità e calore nel “Ritratto di un vecchio con suo nipote” (Parigi, Louvre), dove l'ingenuità e il fascino infantile si contrappongono alla vecchiaia che svanisce, trasformata da profonda tenerezza e cura per il prossimo. bambino.
Botticelli. Se l'arte del Ghirlandaio rivela una connessione con la tradizione della pittura olistica della visione del mondo dell'inizio del XV secolo, allora le caratteristiche della poesia sublime, della raffinatezza e della raffinatezza aristocratica trovano la loro incarnazione più vivida nell'opera di Sandro Botticelli (1445-1510). Il fascino poetico delle sue immagini e la loro profonda spiritualità si uniscono nelle sue opere successive ad un atteggiamento tragico e ad una dolorosa frattura.
Le prime opere di Botticelli si distinguono per il morbido lirismo e la serenità. Insieme alle composizioni religiose, dipinge ritratti pieni di vita interiore, purezza spirituale e fascino. I suoi dipinti della maturità più famosi - "La Primavera" (1480 circa) e "La Nascita di Venere" (1484 circa, entrambi - Firenze, Uffizi) - sono ispirati alla poesia del poeta di corte mediceo A. Poliziano e sono caratterizzati dall'originalità dell'interpretazione di trame e immagini di miti antichi, tradotti attraverso una visione del mondo poetica profondamente personale.
Nel dipinto "La nascita di Venere" Botticelli raggiunge una combinazione organica di bellezza sensuale e sublime spiritualità. Rafforzando le caratteristiche decorative, introduce la tecnica convenzionale di dorare i capelli della dea, intrecciati in un complesso motivo lineare. L'oro scintillante arricchisce la squisita vivacità dell'immagine, combinandosi con i toni verdastri trasparenti del mare, i toni scuri e ricchi delle piante e l'azzurro del cielo. La rapidità del ritmo lineare, la purezza e la tenerezza dei toni freddi danno origine a un sentimento di fragilità, instabilità del bello ideale. Sia gli zefiri volanti, sia la ninfa che spiega il suo mantello davanti a Venere, sia la dea stessa con il suo viso pensoso e triste, in cui scivolano movimenti nascosti di sentimenti, sono percepiti come immagini che spiritualizzano la natura.
I lineamenti sottili e aggraziati del tipo femminile, ritrovati da Botticelli in Venere e la Primavera, si riconoscono anche nelle immagini delle Madonne realizzate dall'artista. Il più famoso di essi è il Magnificat (Madonna in gloria, 1481, Firenze, Uffizi), presentato circondato da angeli che la incoronano. La composizione inscritta in un cerchio fa eco alla cornice con le sue linee. Botticelli trova nella costruzione delle composizioni i ritmi lineari musicali più complessi; Per lui la linea è il principale mezzo di espressività emotiva. Allo stesso tempo, a differenza della maggior parte dei pittori fiorentini, Botticelli sente e trasmette perfettamente la bellezza di squisite combinazioni di colori.