L'arte del teatro risale ai tempi antichi con danze totemiche, copia rituale di abitudini animali e esecuzione di rituali utilizzando costumi speciali, maschere, tatuaggi e body painting. Nelle prime fasi dello sviluppo del teatro, il drammaturgo e l'attore erano uniti in una sola persona.
Nel mondo antico, fino a quindicimila spettatori si riunivano per gli spettacoli. L'azione delle performance si svolgeva nel grembo della natura, come se rimanesse un evento della vita stessa. Ciò conferiva naturalezza e vivacità al teatro antico.
Nel Medioevo il teatro si sviluppò in forme risalenti al dramma liturgico rappresentato nell'ambito di una funzione religiosa. Nei secoli XIII-XIV. Sorgono generi isolati dal servizio: misteri, miracoli e motivi e idee popolari penetrano in queste produzioni ecclesiali. Le forme del teatro popolare vengono realizzate sia attraverso la creatività amatoriale che come spettacoli di strada da parte di attori itineranti. Nel XV secolo Emerse il genere più democratico del teatro medievale: la farsa, che riproduceva argutamente la vita e la morale dei suoi contemporanei.
Durante il Rinascimento, le forme popolari dell'arte teatrale furono intrise di umanesimo (commedia italiana delle maschere), il teatro divenne filosofico, divenne un mezzo per analizzare lo stato del mondo (Shakespeare) e uno strumento di lotta sociale (Lope de Vega).
Il teatro del classicismo (XVII secolo) è l'arte contemporanea della sua epoca, costruita sulla base dell'estetica normativa (Boileau) e della filosofia razionalista (Cartesio). Si basa su una grande drammaturgia tragica (Racine, Corneille) e comica (Moliere), affermando gli eroi ideali e ridicolizzando i vizi. Gli attori incarnano i tratti umani universali dei personaggi, trascurando le loro specifiche caratteristiche storiche e nazionali. Il teatro della classicità è al centro degli interessi artistici della corte e delle esigenze del pubblico.
Nel XVIII secolo Le idee illuministiche penetrarono nel teatro (Diderot, Lessing), divenne un mezzo di lotta sociale del terzo stato contro il feudalesimo. Gli attori si sforzano di esprimere la posizione sociale del personaggio.
Nella prima metà del XIX secolo. Il teatro romantico si diffonde. Si distingue per una maggiore emotività, lirismo, pathos ribelle e particolarità nella rappresentazione dei personaggi.
Negli anni '30 del XIX secolo. Il realismo critico diventa la direzione dominante nel teatro. Questa direzione si sviluppa sulla base della drammaturgia di Gogol, Ostrovsky e successivamente di Cechov, Ibsen, Shaw. Il teatro diventa profondamente nazionale e democratizzato, si sviluppano le sue forme popolari e di massa. Apparvero i teatri pensati per la gente comune: “boulevard” (Parigi), “piccoli” (New York), teatri suburbani (Vienna).
Arti dello spettacolo russe del XIX secolo. - un teatro di realismo, questioni sociali acute, un atteggiamento critico nei confronti della realtà, arrivando al punto della sua esposizione satirica, tipizzazione della vita, analisi psicologica della personalità.
Nel primo terzo del Novecento nel teatro avviene una Grande Riforma: in teatro arriva un regista. Questa è la conquista del XX secolo. I registi K. Stanislavsky, V. Meyerhold, M. Reinhardt, A. Appiah, G. Craig, L. Kurbas hanno creato nuove teorie scientifiche sull'arte scenica. Nei tempi moderni, il principio fondamentale della performance è l'insieme. Il regista guida questo ensemble (troupe), interpreta il piano del drammaturgo, traduce l'opera in uno spettacolo e organizza il suo intero corso.
La storia del teatro russo è divisa in diverse fasi principali. La fase iniziale e ludica ha origine nella società dei clan e termina nel XVII secolo, quando, insieme a un nuovo periodo della storia russa, inizia una nuova fase più matura nello sviluppo del teatro, che culmina con l'istituzione di un professionista statale permanente. teatro nel 1756.
I termini “teatro” e “dramma” sono entrati nel dizionario russo solo nel XVIII secolo. Alla fine del XVII secolo era in uso il termine “commedia” e nel corso del secolo – “divertimento” (Poteshny Chulan, Amusing Chamber). Tra le masse, il termine "teatro" era preceduto dal termine "disgrazia", il termine "dramma" - "gioco", "gioco". Nel Medioevo russo, le definizioni con loro sinonimi erano comuni: giochi di buffoni "demoniaci" o "satanici". Anche tutti i tipi di meraviglie portate dagli stranieri nei secoli XVI-XVII, così come i fuochi d'artificio, erano chiamati divertimento. Divertimento venivano chiamate anche le attività militari del giovane zar Pietro I. Il termine "gioco" è vicino al termine "gioco" ("giochi di buffoni", "giochi di festa"). In questo senso sia i matrimoni che le mamme venivano chiamati “gioco”, “giochi”. "Giocare" ha un significato completamente diverso in relazione agli strumenti musicali: suonare tamburelli, tiri su col naso, ecc. I termini "gioco" e "gioco" applicati al dramma orale furono conservati tra la gente fino ai secoli XIX e XX.
Arte popolare
Il teatro russo ha avuto origine in tempi antichi. Le sue origini risalgono all'arte popolare: rituali, vacanze legate al lavoro. Nel tempo, i rituali hanno perso il loro significato magico e si sono trasformati in giochi di spettacolo. In loro sono nati elementi di teatro: azione drammatica, recitazione, dialogo. Successivamente, i giochi più semplici si trasformarono in drammi popolari; sono stati creati nel processo di creatività collettiva e sono stati conservati nella memoria delle persone, passando di generazione in generazione.
Nel processo del loro sviluppo, i giochi si sono differenziati, suddividendosi in varietà correlate e allo stesso tempo allontanandosi sempre più l'una dall'altra: in drammi, rituali, giochi. L'unica cosa che li univa era che tutti riflettevano la realtà e usavano metodi espressivi simili: dialogo, canto, danza, musica, travestimento, recitazione, recitazione.
I giochi hanno instillato il gusto per la creatività drammatica.
I giochi erano originariamente un riflesso diretto dell'organizzazione della comunità del clan: avevano una danza rotonda, un carattere corale. Nei giochi di danza rotonda, la creatività corale e drammatica si fondevano organicamente. Canzoni e dialoghi abbondantemente inclusi nei giochi hanno contribuito a caratterizzare le immagini dei giochi. Anche le commemorazioni di massa avevano un carattere ludico; coincidevano con la primavera e venivano chiamate “Rusalia”. Nel XV secolo il contenuto del concetto di “Rusalia” era definito come segue: demoni in forma umana. E già l’Azbukovnik di Mosca del 1694 definisce i rusalia come “giochi di buffoni”.
L'arte teatrale dei popoli della nostra Patria ha origine in rituali e giochi, azioni rituali. Nel feudalesimo l'arte teatrale era coltivata da un lato dalle “masse popolari”, dall'altro dalla nobiltà feudale, e i buffoni venivano di conseguenza differenziati.
Nel 957, la granduchessa Olga conobbe il teatro di Costantinopoli. Gli affreschi della Cattedrale di Santa Sofia di Kiev dell'ultimo terzo dell'XI secolo raffigurano spettacoli dell'ippodromo. Nel 1068 i buffoni furono menzionati per la prima volta nelle cronache.
Kievan Rus era nota per tre tipi di teatri: corte, chiesa e popolare.
Buffoneria
Il "teatro" più antico erano i giochi di attori popolari: i buffoni. La buffoneria è un fenomeno complesso. I buffoni erano considerati una specie di stregoni, ma questo è errato, perché i buffoni, partecipando ai rituali, non solo non esaltavano il loro carattere magico-religioso, ma, al contrario, introducevano contenuti mondani e secolari.
Chiunque poteva fare uno scherzo, cioè cantare, ballare, scherzare, recitare scenette, suonare strumenti musicali e recitare, cioè ritrarre qualche tipo di persona o creatura. Ma solo coloro la cui arte si distingueva dal livello dell'arte delle masse per la sua abilità artistica divennero e furono chiamati abili buffoni.
Parallelamente al teatro popolare si sviluppò l'arte teatrale professionale, i cui portatori nell'antica Rus' erano buffoni. La comparsa del teatro delle marionette nella Rus' è associata ai giochi dei buffoni. Le prime informazioni di cronaca sui buffoni coincidono con la comparsa di affreschi raffiguranti spettacoli di buffoni sulle pareti della Cattedrale di Santa Sofia di Kiev. Il monaco cronista chiama i buffoni servi dei diavoli e l'artista che dipinse le pareti della cattedrale ritenne possibile includere la loro immagine nelle decorazioni della chiesa insieme alle icone. I buffoni erano associati alle masse e uno dei loro tipi di arte era il "cupo", cioè la satira. Gli Skomorokh sono chiamati "beffardi", cioè schernitori. La presa in giro, la presa in giro, la satira continueranno ad essere saldamente associate ai buffoni.
L'arte mondana dei buffoni era ostile alla chiesa e all'ideologia clericale. L'odio che il clero nutriva per l'arte dei buffoni è testimoniato dai resoconti dei cronisti ("Il racconto degli anni passati"). Gli insegnamenti della Chiesa dei secoli XI-XII dichiarano che anche le mummers a cui ricorrono i buffoni sono un peccato. I buffoni furono sottoposti a persecuzioni particolarmente gravi durante gli anni del giogo tartaro, quando la chiesa iniziò a predicare intensamente uno stile di vita ascetico. Nessuna persecuzione ha sradicato l'arte della buffoneria tra la gente. Al contrario, si è sviluppato con successo e la sua punta satirica è diventata più acuta.
Nell'antica Rus' erano conosciuti i mestieri legati all'arte: pittori di icone, gioiellieri, intagliatori di legno e ossa, scribi di libri. I buffoni appartenevano al loro numero, essendo “astuti”, “maestri” di canto, musica, danza, poesia, teatro. Ma erano considerati solo intrattenitori e divertitori. La loro arte era ideologicamente legata alle masse popolari, agli artigiani, che di solito si opponevano alle masse dominanti. Ciò rendeva la loro abilità non solo inutile, ma, dal punto di vista dei feudatari e del clero, ideologicamente dannosa e pericolosa. I rappresentanti della Chiesa cristiana collocarono i buffoni accanto ai saggi e agli stregoni. Nei rituali e nei giochi non esiste ancora la divisione tra artisti e spettatori; mancano di trame sviluppate e di trasformazione in immagini. Appaiono nel dramma popolare, permeato di acuti motivi sociali. L'emergere dei teatri pubblici di tradizione orale è associato al dramma popolare. Gli attori di questi teatri popolari (buffoni) ridicolizzavano i poteri costituiti, il clero, i ricchi e mostravano con simpatia la gente comune. Gli spettacoli di teatro popolare erano basati sull'improvvisazione e includevano pantomima, musica, canto, danza e numeri di chiesa; gli artisti hanno utilizzato maschere, trucco, costumi e oggetti di scena.
La natura delle esibizioni dei buffoni inizialmente non richiedeva la loro unione in grandi gruppi. Per eseguire fiabe, poemi epici, canzoni e suonare uno strumento, era sufficiente un solo artista. Gli Skomorokh lasciano i loro luoghi nativi e vagano per la terra russa in cerca di lavoro, spostandosi dai villaggi alle città, dove servono non solo le zone rurali, ma anche i cittadini e talvolta anche le corti principesche.
I buffoni erano anche coinvolti in spettacoli popolari di corte, che si moltiplicarono sotto l'influenza della conoscenza di Bisanzio e della sua vita di corte. Quando alla corte di Mosca furono allestiti l'Amusing Closet (1571) e la Amusing Chamber (1613), i buffoni si ritrovarono nella posizione di giullari di corte.
Le esibizioni dei buffoni combinavano diversi tipi di arti: drammatica, sacra e pop.
La Chiesa cristiana contrapponeva ai giochi popolari e all'arte dei buffoni l'arte rituale, satura di elementi religiosi e mistici.
Le esibizioni dei buffoni non si sono sviluppate nel teatro professionale. Non c'erano condizioni per la nascita di compagnie teatrali, dopotutto le autorità perseguitavano i buffoni. La Chiesa perseguitava anche i buffoni, chiedendo assistenza alle autorità secolari. Contro i buffoni furono inviate una Carta del Monastero della Trinità-Sergio del XV secolo e una Carta dell'inizio del XVI secolo. La Chiesa poneva persistentemente i buffoni alla pari dei portatori della visione del mondo pagana (magi, stregoni). Eppure le rappresentazioni dei buffoni continuarono a vivere e si sviluppò il teatro popolare.
Allo stesso tempo, la chiesa ha adottato tutte le misure per affermare la propria influenza. Ciò ha trovato espressione nello sviluppo del dramma liturgico. Alcuni drammi liturgici ci sono pervenuti insieme al cristianesimo, altri - nel XV secolo, insieme alla carta solenne della "grande chiesa" recentemente adottata ("Processione della spazzata", "Lavanda dei piedi").
Nonostante l'uso di forme teatrali e di intrattenimento, la Chiesa russa non ha creato un proprio teatro.
Nel XVII secolo Simeone di Polotsk (1629-1680) cercò di creare un dramma letterario artistico sulla base del dramma liturgico; questo tentativo si rivelò isolato e infruttuoso.
Teatri del XVII secolo
Nel XVII secolo si svilupparono i primi drammi orali, semplici nella trama, che riflettevano i sentimenti popolari. La commedia di marionette su Petrushka (il suo nome inizialmente era Vanka-Ratatouille) raccontava le avventure di un ragazzo intelligente e allegro che non aveva paura di nulla al mondo. Il teatro apparve veramente nel XVII secolo: teatro di corte e scolastico.
Teatro di Corte
L'emergere del teatro di corte fu causato dall'interesse della nobiltà di corte per la cultura occidentale. Questo teatro è apparso a Mosca sotto lo zar Alexei Mikhailovich. La prima rappresentazione dell'opera "L'atto di Artaserse" (la storia della biblica Ester) ebbe luogo il 17 ottobre 1672. All'inizio il teatro di corte non aveva locali propri; scene e costumi venivano spostati da un luogo all'altro. Le prime rappresentazioni furono messe in scena dal pastore Gregory dell'insediamento tedesco; anche gli attori erano stranieri. Successivamente iniziarono ad attrarre e formare con forza i “giovani” russi. Venivano pagati irregolarmente, ma non lesinavano su addobbi e costumi. Le esibizioni erano caratterizzate da grande sfarzo, a volte accompagnate da suoni di strumenti musicali e danze. Dopo la morte dello zar Alessio Mikhailovich, il teatro di corte fu chiuso e gli spettacoli ripresero solo sotto Pietro I.
Teatro scolastico
Oltre al teatro di corte, in Russia nel XVII secolo si sviluppò anche un teatro scolastico presso l'Accademia slavo-greco-latina, nei seminari teologici e nelle scuole di Lvov, Tiflis e Kiev. Gli insegnanti hanno scritto opere teatrali e gli studenti hanno messo in scena tragedie storiche, drammi allegorici vicini ai miracoli europei, spettacoli collaterali - scene satiriche quotidiane in cui c'era una protesta contro il sistema sociale. Gli spettacoli teatrali scolastici hanno gettato le basi per il genere commedia nel dramma nazionale. Le origini del teatro scolastico furono il famoso personaggio politico e drammaturgo Simeon Polotsky.
L'emergere dei teatri scolastici di corte ha ampliato la sfera della vita spirituale della società russa.
Teatro dell'inizio del XVIII secolo
Per ordine di Pietro I, nel 1702 fu creato il Teatro Pubblico, destinato al pubblico di massa. Un edificio fu costruito appositamente per lui sulla Piazza Rossa a Mosca: il "Tempio Comediale". Lì si è esibita la compagnia tedesca di J. H. Kunst. Il repertorio comprendeva opere straniere che non ebbero successo di pubblico e il teatro cessò di esistere nel 1706, quando cessarono i sussidi di Pietro I.
Conclusione
Una nuova pagina nella storia delle arti dello spettacolo dei popoli della nostra Patria è stata aperta dai teatri servi e amatoriali. Le compagnie di servi che esistevano dalla fine del XVIII secolo mettevano in scena vaudeville, opere comiche e balletti. Sulla base dei teatri della gleba, sorsero imprese private in numerose città. L'arte teatrale russa ha avuto un'influenza benefica sulla formazione del teatro professionale dei popoli della nostra Patria. Le compagnie dei primi teatri professionali includevano dilettanti di talento, rappresentanti dell'intellighenzia democratica.
Il teatro in Russia nel XVIII secolo acquisì un'enorme popolarità, divenne proprietà delle grandi masse, un'altra sfera accessibile al pubblico dell'attività spirituale delle persone.
Le prime rappresentazioni teatrali europee sorsero nel VI secolo a.C. dalle feste religiose dedicate al dio del vino e della fertilità Dioniso. Gli attori hanno utilizzato le maschere per mostrare le emozioni dei personaggi, oltre a rendere chiaro al pubblico il sesso e l'età del personaggio quando è apparso sul palco. La tradizione millenaria che vietava alle donne di esibirsi sul palco ha origine nell'antico teatro greco.Il primo attore è considerato il greco Tesipo, che vinse un concorso di poesia in onore di Dioniso.
Nel 3 ° secolo aC. I romani, ispirati dal teatro greco, crearono le proprie versioni delle antiche opere greche e iniziarono a rappresentarle su palcoscenici improvvisati. Gli attori di queste rappresentazioni erano schiavi. Le donne potevano svolgere solo ruoli minori. Poiché i teatri romani dovevano competere per attirare l'attenzione del pubblico abituato ai combattimenti dei gladiatori, alle esecuzioni pubbliche e alle corse dei carri, le opere teatrali contenevano sempre più scene di violenza e umorismo crudo. Con la diffusione del cristianesimo tali idee finirono.
La nascita del teatro nel Medioevo
Sebbene le rappresentazioni teatrali fossero considerate peccaminose nell’Europa medievale, le tradizioni teatrali si sono evolute. I menestrelli inventavano ed eseguivano ballate e burattinai, acrobati e cantastorie si esibivano alle fiere. Durante il servizio pasquale, i sacerdoti hanno recitato misteri: storie teatrali che hanno permesso agli analfabeti di comprendere il significato di ciò che stava accadendo.Successivamente, i misteri iniziarono ad essere rappresentati durante altre festività religiose, presentando varie storie bibliche.
Teatro rinascimentale
Durante il Rinascimento (secoli XIV-XVII) sorse l'interesse per la rinascita del teatro classico greco e romano. All'incrocio tra le tradizioni del teatro antico e medievale sorsero spettacoli teatrali secolari e apparve la commedia dell'arte, uno spettacolo improvvisato creato da diversi attori mascherati. Queste rappresentazioni rappresentavano la prima volta dall'epoca romana in cui alle donne veniva permesso di tornare sul palco.Nel 1576 fu costruito il primo teatro a Londra; prima di allora, tutte le rappresentazioni venivano rappresentate negli hotel, nelle fiere o al centro delle sale dei castelli e delle case nobiliari. La regina inglese Elisabetta I patrocinò le arti teatrali, nell'epoca che porta il suo nome apparvero i primi drammaturghi professionisti, il più famoso dei quali è il grande Shakespeare, attori, la tradizione di usare oggetti di scena e cambiare costumi durante le rappresentazioni. Il teatro classico fu finalmente formato verso la metà del XVIII secolo.
La varietà è un tipo di teatro le cui rappresentazioni si basano su una combinazione di diversi generi di arti teatrali, musicali, pop e circensi. Gli spettacoli dei teatri di varietà sono sempre leggeri e allegri. Sono pieni di umorismo, ironia ed elementi di parodia. Sul palco dello spettacolo di varietà si esibiscono attori e lettori, cantanti e ballerini, maghi e acrobati.
Spettacoli di varietà parigini
I teatri di varietà si diffusero nelle grandi città dell'Europa occidentale a cavallo tra il XIX e il XX secolo. Prendono il nome dal Variety Theatre, fondato nel 1720 a Parigi.I caféschantan e i cabaret sono considerati i predecessori dei teatri di varietà, sebbene i concetti di “cabaret” e “spettacolo di varietà” siano talvolta considerati sinonimi. Parigi rimase a lungo il centro di sviluppo dei teatri di varietà.
Gli spettacoli dei teatri di varietà si distinguevano per decorazioni incredibilmente sontuose. Forse il genere principale degli spettacoli di varietà è diventato la rivista: la rassegna di varietà.
Negli anni ottanta dell'Ottocento apparvero famosi spettacoli di varietà di cabaret come "The Black Cat" e "Foli Bergere". Oltre allo sfarzo, le loro esibizioni erano caratterizzate da eccessivo sentimentalismo e battute oscene.
I teatri di varietà raggiunsero il loro apice negli anni '20 e '30 del XX secolo. Chansonnier di talento come Maurice Chevalier e Josephine Baker iniziarono ad esibirsi nei famosi spettacoli di varietà di cabaret parigini "Moulin Rouge" e "Apollo". Sono riusciti a combinare abilità vocali e recitative.
Allo stesso tempo, i teatri di varietà iniziarono a padroneggiare la tecnica della spettacolare danza pop, nata nell'operetta, e in seguito divenne uno dei mezzi di espressione.
L'arte della varietà in Russia
In Russia, gli spettacoli di divertissement, che includevano versi, danze e canzoni frivole, che possono essere considerati i predecessori degli spettacoli di varietà, apparvero a metà del XIX secolo e venivano mostrati nei caffè e nei ristoranti.I teatri di varietà in Russia iniziarono a svilupparsi attivamente durante l'età dell'argento. In questo periodo aprirono numerose taverne artistiche, ristoranti, cabaret e teatri in miniatura. A Mosca sono apparsi i famosi ristoranti “Aquarium” e “Hermitage”, i teatri in miniatura “The Bat” e “Curved Mirror”; a San Pietroburgo - "Theater Buff", cabaret "Comedians' Halt", caffè "Stray Dog". Hanno ospitato spettacoli di parodia e varietà, serate di poesia e spettacoli di marionette. Uno dei rappresentanti più importanti dell'estetica dello spettacolo di varietà è stato l'eccezionale attore e cantante russo Alexander Vertinsky, che si è esibito nel ruolo di Pierrot.
Negli anni '20, uno degli elementi principali di uno spettacolo di varietà, i tavoli davanti al palco, che avvicinavano il teatro e il ristorante, cessò di essere obbligatorio.
Negli ultimi decenni, l’estetica degli spettacoli di varietà ha vissuto un nuovo periodo di massimo splendore. È vero, i confini tra i termini “cabaret”, “spettacolo di varietà”, “revue”, “burlesque” e “music hall” sono ormai sfumati.
Video sull'argomento
La parola "teatro" è tradotta dal greco come "spettacolo" e come "luogo per gli spettacoli".
“Spettacolo”, “spettatore”, “visione” sono parole correlate con la stessa radice.
Il teatro è cioè:
- cosa guarda lo spettatore: spettacoli, concerti, spettacoli (necessariamente sul palco, in modo da poter vedere lo spettacolo da qualsiasi punto dell'auditorium);
- dove lo spettatore guarda: un luogo speciale, un edificio in cui si svolge la rappresentazione teatrale.
Pertanto possiamo dire: “Eravamo a teatro”. Oppure potresti dire "Abbiamo guardato il teatro".
La nascita del teatro
Il teatro ha origini antichissime. Nell'antica Grecia era consuetudine celebrare eventi significativi: l'inizio della primavera, il raccolto. I greci amavano particolarmente la festa del dio Dioniso, che personificava le forze della natura che si addormentano in inverno e rinascono con i primi raggi del sole.
(Commento per adulti: A questa essenza di Dioniso è collegata anche la sua seconda ipostasi, il dio dell'uva e della vinificazione. L'intero processo di lavorazione delle uve, di fermentazione e di trasformazione in un'esperienza emozionanteil vino può essere considerato una metafora della morte e rinascita di DioneÈ un.)
Questa festa gioia e libertà, quando i prigionieri venivano rilasciati su cauzione, i debitori venivano lasciati soli e nessuno veniva arrestato, affinché tutti potessero prendere parte al divertimento,Si chiamava così "Grande Dionisia" e celebrava la completa vittoria della primavera sull'inverno.
La gente cantava canzoni, si cambiava vestiti, indossava maschere e creava animali di peluche. Inizialmente, la festa si teneva nelle piazze delle città, quindi iniziarono a essere costruite speciali strutture architettoniche per tenere spettacoli.
L'edificio del teatro è stato costruito su una collina. Ai piedi c'era una piattaforma rotonda: un'orchestra sulla quale si esibivano cantanti, recitatori e attori. Dietro l'orchestra c'era una skena, una tenda per cambiare gli attori e gli oggetti di scena.
Alcuni teatri erano davvero enormi e paragonabili in termini di capacità agli stadi moderni.
Antico teatro greco situato nella città di Larisa, sul lato sud del monte Furourio
Solo gli uomini potevano essere attori nell'antico teatro greco: interpretavano sia ruoli maschili che femminili. Era una professione molto rispettata. E molto difficile. Gli attori dovevano esibirsi con maschere speciali (maggiori dettagli qui), il pubblico non poteva vedere le loro espressioni facciali, quindi era necessario trasmettere tutte le emozioni con gesti e voce.
Inoltre, gli attori della tragedia salivano sul palco indossando sandali speciali su una piattaforma alta: venivano chiamati coturni. Questi sandali alti rendevano l'andatura più lenta, più maestosa e orgogliosa, come si addice a un personaggio di una tragedia.
(È interessante notare che nell'antica Roma si indossavano solo stivali di coturnoattori che interpretano dei e imperatori per differenziarsi dagli attori che interpretano la gente comune.
E a questo link potete leggere uno studio che dimostra una diversa origine dei coturni: “Quando il tragico greco ricevette il ruolo di dio, dovette risolvere un dilemma:<...>come muoversi sul palco? Abbassare gli dei dal loro piedistallo sulla terra dell'orchestra, metterli sull'antico palcoscenico “allo stesso livello” dell'uomo? Greco VI-V secolo a.C e. Non ritenevo possibile farlo con le immagini degli dei. Era ancora troppo strettamente legato a loro dai vincoli della religione. All'attore resta solo una strada: attraversare il palco insieme al piedistallo, senza lasciarlo. Per fare ciò, il piedistallo è stato tagliato in due metà e ciascuna di esse è stata legata a una gamba. Così furono inventati i coturni.")
Come vediamo, il teatro è sopravvissuto fino ad oggi, preservando i concetti di base. La visita al teatro è ancora vacanza, UN attore e adesso gioca su un sito speciale - palcoscenico- Prima spettatori, cercando di mostrare l'intera gamma emozioni il suo carattere.
Odeon di Erode Attico e Sala Acustica del Teatro Mariinsky (Mariinsky-2 )
Attori e attori della Grecia antica dello spettacolo "Cipollino" ("Teatro Taganka")
Il teatro è un grande miracolo.Come diceva una delle eroine di Tove Jansson, “il teatro è la cosa più importante al mondo, perché mostra ciò che tutti dovrebbero essere e ciò che sognano di essere - però molti non hanno il coraggio di farlo - e come sono nella vita."
Le radici del teatro risalgono all'antica Grecia più di due millenni fa. L'arte più antica nasce come intrattenimento spettacolare per il pubblico, scene festive di attori in costume. Gli spettacoli erano originariamente programmati per coincidere con il Grande Dionisio, un'importante festa religiosa.
Ora il teatro è senza dubbio più di una processione di cantori vestiti di pelli di capra per la città. È diventata arte alta, un modo di rilassarsi per l'alta società e un luogo di illuminazione culturale. La storia del teatro è un affascinante processo di sviluppo che continua ancora oggi. Lo diremo al lettore nel nostro articolo. Troverai anche molti fatti interessanti nel materiale presentato. Quindi, cominciamo.
Inizio
Ad Atene del V secolo a.C. e. gli spettacoli teatrali erano parte integrante delle feste religiose. Le processioni con la statua di Dioniso erano accompagnate da canti allegri e giochi drammatici. Possiamo dire che la storia del teatro ateniese è iniziata come uno spettacolo amatoriale per un numero ristretto di spettatori. Inizialmente venivano rappresentate solo le tragedie, in seguito le commedie. È interessante notare che le opere teatrali, di regola, venivano mostrate solo una volta. Ciò ha stimolato gli autori a creare opere rilevanti e interessanti. Il drammaturgo non solo ha scritto l'opera, ma è stato un partecipante a pieno titolo allo spettacolo, interpretando i ruoli di regista, compositore, coreografo e persino attore. Naturalmente, queste erano persone estremamente talentuose.
Ma per diventare choreg (direttore di coro) non era necessario un grande talento. Tutto ciò di cui avevano bisogno erano soldi e contatti con funzionari governativi. La responsabilità principale dei choregas era pagare le bollette, fornire pieno supporto materiale e sostenere il teatro. A quei tempi era luogo di gare; i vincitori erano il corega, il poeta e il protagonista. I vincitori sono stati incoronati con edera e premiati. La vittoria è stata assegnata loro per decisione della giuria.
Un fatto interessante è che gli antichi romani erano veri fan del realismo. Una produzione in cui l'attore interpretava il ruolo al 100% era considerata ideale: se necessario, doveva essere pronto anche a morire.
All'epoca in cui Pushkin era vivo, i teatri in Russia non erano completamente occupati. Le ultime file erano piene di persone in piedi durante l'intera esibizione.
Un'opera fondamentale nella storia dell'arte teatrale russa è "La Minore" di D. I. Fonvizin, che divenne il primo tentativo di prendere in giro funzionari, nobili e personaggi tipici del XVIII secolo. Starodum (un personaggio positivo) è stato interpretato per la prima volta dal già citato Dmitrevskij.
Nel 1803 i teatri imperiali furono divisi. Compagnie drammatiche e musicali, opera e balletto, apparivano come parti della compagnia musicale. Il predominio della scuola francese sulla scena russa durò fino al XIX secolo. Fu allora che il teatro russo finalmente si alzò e andò per la sua strada. L'esperienza adottata divenne una buona base e la scoperta di nuovi compositori, attori e ballerini russi di talento portò il teatro ad un livello elevato.
P. N. Arapov è stato il primo a descrivere l'intera storia del teatro russo in un'enciclopedia: "Cronache del teatro russo". Apparvero riviste teatrali e critici professionisti. Pertanto, lo sviluppo del teatro ha dato impulso, tra le altre cose, alla letteratura russa.
Il teatro più famoso di Mosca
La storia del Teatro Bolshoi inizia il 28 marzo 1776. Fu in questo giorno a Mosca che l'imperatrice Caterina II firmò un "privilegio" per il principe Peter Urusov, permettendogli di mantenere il teatro per dieci anni. Inizialmente fu chiamato Teatro Petrovsky (in onore della strada su cui si affacciava l'ingresso). Nel 1805 l'edificio bruciò completamente e l'architetto Osip Bove realizzò un nuovo progetto. Nel 1820 iniziò la costruzione, durata 5 anni.
Il teatro che venne costruito divenne più grande, da qui il suo nome. Questo edificio bello, armonioso e ricco portò gioia agli abitanti di Mosca fino al 1853, quando si verificò il secondo incendio. Questa volta la ricostruzione è stata affidata all'architetto Albert Kavos. Il teatro fu restaurato nel 1856. Il Teatro Imperiale Bolshoi divenne famoso non solo in Russia, ma anche nel mondo: aveva un'acustica eccellente. Nel 1917, dopo la Rivoluzione, il nome fu cambiato in Teatro Bolshoi di Stato. La decorazione è stata integrata con simboli sovietici.
Fu gravemente ferito durante la Grande Guerra Patriottica, assumendo una bomba. L'edificio è stato nuovamente ricostruito. Fino al 1987 l'edificio ha subito solo piccole riparazioni estetiche. Ora il Teatro Bolshoi è un edificio con un nuovo palcoscenico dove è possibile utilizzare effetti moderni. Allo stesso tempo, ha mantenuto lo spirito dell'architettura classica e la sua acustica “caratteristica”, che gli dà il diritto di essere considerato uno dei migliori teatri del mondo. Questa è la storia del Teatro Bolshoi.
E infine, un altro fatto, non meno interessante. Film ambientati in tutto o in parte al cinema: Birdman, The Disaster Artist, La La Land, Il Fantasma dell'Opera, Burlesque Tales, Knockout, Stumbling on Broadway, Black-ish Swan”, “Il Burattinaio”, “A Terribly Big Adventure” ”, “Shakespeare innamorato”, “Assassinio in una piccola città”, “Quai Orfevre”.
La storia del teatro (dramma e altri generi di quest'arte) continuerà a svilupparsi, poiché l'interesse per esso è rimasto invariato per più di duemila anni.