Il tempo passa in fretta. Un'epoca ne sostituisce impercettibilmente un'altra. Il 21° secolo è "l'era della velocità", "l'era dell'integrazione", "l'era dell'informazione", l'era delle nuove tecnologie, dei telefoni cellulari, di Internet e della nuova gioventù progressista. L'era delle nuove persone moderne, la cui vita è costantemente in movimento. L'uomo del 21° secolo è l'uomo dell'informazione. Cerca di comprendere tutte le sfere della vita, aspira alla libertà, rimodella la realtà portante attraverso l'arte, va oltre, cambia la vita e raggiunge armonia e libertà.
L'arte del 21 ° secolo è una sorta di riflesso della nostra vita odierna, che trasmette l'umore, i problemi, i desideri di una certa epoca di persone. Cos'è l'articolo 21? Qual è la sua caratteristica? Per rispondere a queste domande, propongo di analizzare diversi artisti e scultori che riflettono direttamente la nostra epoca con le loro opere.
Arte o magia?
Arte che confina con la magia e la realtà, che può facilmente essere confusa con un miraggio, un'illusione, un'illusione ottica: un tale effetto è prodotto su uno spettatore impreparato e inesperto dai capolavori dell'artista Cornelia Conrads. Le sue installazioni adornano i parchi e le piazze delle città tedesche e ogni volta sorprendono i passanti, non solo i visitatori, ma anche la gente del posto. Cornelia crea i suoi capolavori nello stile della land art. La land art è una direzione relativamente nuova nell’arte. È nato negli Stati Uniti solo nell'ultimo terzo del XX secolo. Tuttavia, è già riuscito a guadagnare una notevole popolarità e a trovare i suoi seguaci in Occidente. La piattaforma artistica per i maestri di questo genere è principalmente il paesaggio naturale e i suoi singoli elementi. Cornelia Konrads è una delle più brillanti rappresentanti della land art. Ha trovato la sua vocazione nel decorare i soliti paesaggi di parchi e giardini con i frutti della sua immaginazione. Va detto che la maggior parte delle sue idee sono molto insolite, ma nonostante ciò si innamorarono rapidamente degli spettatori involontari: i cittadini.
Su questo e su quello mi farò un tatuaggio!
Nel 21° secolo la pittura è andata oltre la tela. A partire dagli anni ’60, il body painting cominciò a svilupparsi in Occidente come parte di un cambiamento della moralità pubblica verso maggiori libertà. Risorto in Occidente, il body painting è erroneamente considerato un'arte giovane. Artisti famosi hanno utilizzato la body art per le loro mostre e performance. A poco a poco, la body art iniziò ad essere utilizzata per scopi commerciali: per promozioni, pubblicità. Ora una persona su due ha un tatuaggio. L'obiettivo di "farsi un tatuaggio" è diverso per ognuno: qualcuno cerca stupidamente di dimostrare ai propri genitori che è già cresciuto, qualcuno si mette un tatuaggio sulla spalla con il nome della persona amata, ma la popolarità dei tatuaggi su una il falco con delfini e cuori non diminuisce tra le ragazze.
Il tatuatore e fotografo Brian Cummings crede che il tatuaggio sia una forma d'arte e che il corpo sia solo un'altra tela. Il lavoro di Brian è molto interessante. Realizza tatuaggi e poi fotografie che decoreranno ed enfatizzeranno questa creazione. Come artista, è attratto dal contrasto. Il contrasto tra luce e buio, bianco e nero, dramma e commedia, ecc. Brian tira fuori il meglio da due estremi. L'artista è interessato al massimo divario tra due punti opposti.
“Come forma d’arte, i tatuaggi fanno per me. Da un lato, per alcuni è qualcosa di proibito. D’altra parte, è una forma d’arte con una lunga tradizione di bellezza e significato personale”, afferma Brian.
Spazio abitativo sensuale
Guardando il pannello a mosaico in rilievo bianco come la neve della giovane artista russa Irina Zhuk, diventi involontariamente testimone del rumore bianco. Seguendo il titolo di quest'opera, il rumore dapprima è un leggero fruscio e poi si accumula nelle orecchie. Mi viene voglia di toccarlo con le dita. Senti la ruvidità del legno caldo, bianco accecante e del gesso freddo e ghiacciato. Come se al tuo tocco, questi pulsanti bianchi come la neve inizieranno ad alzarsi e abbassarsi in modo caotico.
Una brillante tela bianca di vetro opaco con al centro un cerchio rosso vivo, che simbolicamente contiene il volto convesso di una geisha, trasporta i visitatori in Giappone. Il tratto del geroglifico nero nell'angolo inferiore del pannello dimostra ancora una volta che l'opera appartiene al tema orientale.
La stessa Irina Zhuk si descrive come una conduttrice dello spazio abitativo oggi attraverso la mano di qualsiasi utente.
“La mia arte va oltre i limiti fisiologici, in cui lo spazio abitativo è percepito sensualmente attraverso la pelle e gli occhi. L'arte toccante dovrebbe essere disponibile a tutti, ci permette di imparare gli uni dagli altri, scambiare informazioni e sentire l'energia del nostro prossimo. Raggiungere un livello di comprensione e percezione della creatività ci unisce e ci rende uguali utenti di qualsiasi spazio. Questo codice culturale è sempre diverso per ognuno: contrastante, colorato, monocromatico, ma nella mia filosofia è decisamente tattile”, dice Irina.
Riassumendo, posso dire una cosa: l'arte del 21 ° secolo è molto varia, multipolare. La creatività moderna si distingue per una varietà di stili e tendenze, molti dei quali non sono ancora del tutto chiari al profano medio. Alcuni semplicemente sputano e restano a guardare il lavoro per ore, solo indovinando cosa voleva dire l'autore. Le opere di varie epoche convenzionali trasmettono vividamente sentimenti di umore personale. L'era del Medioevo è un periodo di guerre, poi di declino. Il Rinascimento rivela il colore dell'anima e l'armonia dell'uomo. E se è barocco, allora travolge con la sua dinamica e i suoi colori brillanti. Ma a differenza di quest’ultima, l’arte contemporanea ha assorbito, e da qualche parte disperso. Queste sensazioni lasciano quasi del tutto impercettibilmente seguito dall'eco di antiche tradizioni. Le persone hanno imparato a vedere la bellezza in un modo nuovo. Qualcuno descrive trame semplici e qualcuno richiede idee filosofiche complesse sul mondo. L’idea della spiritualità umana rimane importante.
Anche una goccia su un foglio dirà molto di più di una complessa composizione a più figure. L'arte non richiede troppo. Come in architettura, ci sono solo le fondamenta e gli elementi necessari. Tutto e ovunque è unico. Non ci sono cose che non possono essere distinte. Tecnica e materiale giocano tutti un ruolo importante in questa riflessione. E questo parla di un avvicinamento all'ideale. Tutti possono creare bellezza. La cosa principale è capire e raggiungere con sicurezza l'obiettivo. Solo grazie all'arte possiamo trasmettere, come in una canzone, i nostri sentimenti migliori, lasciando un segno personale, unico nella sua storia.
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Le belle arti domestiche, fino a poco tempo fa, erano una fusione organica delle culture artistiche nazionali. Parlando delle scuole nazionali, si potrebbero citare le principali qualità di ciascuna di esse. Ad esempio, si consideri lo psicologismo tradizionale della scuola russa; emotività e lirismo - ucraino; carattere drammatico e persino, come notano i ricercatori, tragedia eroica - bielorusso; un alto senso di monumentalismo - georgiano; allegra decoratività - delle scuole moldava o armena; particolare vicinanza alle fonti popolari: scuole lituane, kirghise, uzbeke; lo spirito razionale-intellettuale della scuola estone, ecc. Ma queste sarebbero, ovviamente, caratteristiche molto limitate, unilaterali e quindi generalmente errate. Ciascuna delle scuole nazionali, con la sua complessa specificità figurativa e stilistica, rimase fedele ai principali ideali umani in varie forme, tecniche e stili.
Va detto questo con tutte le complessità dello sviluppo storico della nostra società: dalla guerra civile alla Grande Guerra Patriottica, dalla carestia della fine degli anni '20 e dell'inizio degli anni '30. all'economia distrutta del dopoguerra, dalle bugie e falsità della politica dello stato totalitario - alla "rivoluzione" dei primi anni '90, nell'ambito delle libertà strettamente limitate del "realismo socialista", - con tutto questo, lo ammettiamo, molte meravigliose opere d'arte sono state create da maestri meravigliosi (e quante altre sarebbero state create da coloro che sprofondarono nell'oblio durante gli anni di repressione o bruciati nel fuoco della Grande Guerra Patriottica!). E questo va ricordato.
Il quadro della vita artistica qui presentato riflette lo stato dell'arte prima del drammatico periodo del crollo dell'URSS. L'ideatore del libro di testo dell'autore non può non esprimere la sua posizione in relazione all'ulteriore sviluppo della situazione nella vita artistica della Russia nel territorio delle sue ex repubbliche. Non possiamo negare che l'incredibile impennata di tutte le arti nelle repubbliche nazionali dell'URSS, l'emergere di interi strati culturali - dalla scrittura alle belle arti - è stato possibile grazie al ruolo "nutriente" e di scambio culturale della cultura russa, grazie a volte anche agli sforzi sacrificali dei rappresentanti dell'intellighenzia russa. Dopo il crollo dell'Unione Sovietica, alcune élite nazionali dei nuovi stati creati sul suo ex territorio hanno mostrato egoismo e ingratitudine, cercando di cancellare il ruolo del popolo russo e della sua cultura nella vita dei loro paesi, e in alcuni libri e libri di testo chiamavano addirittura invasori russi. Dobbiamo ammettere che il progetto comunista di creare un'unica nazione sovietica non è stato coronato dal successo, infatti solo i russi sono stati educati negli ideali dell'amicizia tra i popoli, dell'abnegazione e di un astratto "dovere internazionale". Ma speriamo che i "mulini della storia" macinino calunnie e falsificazioni e che, col tempo, il ruolo della cultura russa nel XX secolo scompaia. sarà debitamente apprezzato "dalle fredde rocce finlandesi all'ardente Colchide". Per non parlare di ciò significherebbe distorcere il processo di sviluppo della cultura artistica in futuro.
A causa della violazione e della rottura dei legami culturali stabiliti tra le repubbliche, non possiamo giudicare i processi artistici che si stanno svolgendo lì, quindi possiamo parlare dell'arte dell'ultimo decennio del XX - inizio del XXI secolo. e solo la Russia.
Il cosidetto arte post-sovietica la fine del secolo si inserisce in un arco di tempo troppo breve per poter selezionare dei nomi per un quadro storico oggettivo (se possibile). Solo il futuro rimetterà ogni cosa al suo posto e permetterà allo storico dell'arte di trarre le giuste conclusioni e dare corrette valutazioni. Ma è già possibile delineare i problemi principali.
E uno di questi problemi è pittura religiosa, che per la prima volta nella storia moderna del nostro Stato si è dichiarato negli anni '90. Fu allora, durante gli anni del rapido declino del livello morale della società, che la generazione più anziana di artisti non solo affermati, ma anche all'apice della fama, si rivolse sempre più a soggetti cristiani nei dipinti da cavalletto (i temi di Golgota di E. Moiseenko e A. Mylnikov, "Memoria eterna..." V. Ivanov, "L'Annunciazione" (vedi inserto a colori) e "Giuda" di G. Korzhev, "L'Ultima Cena" e "Portare il Croce" della pittrice della generazione più giovane N. Nesterova; anche la precedente "Cappella settentrionale" "V. Popkova può essere menzionata in questa serie). Ma la parola principale, si è scoperto, qui non apparteneva ai pittori da cavalletto, ma ai muralisti.
La pittura sacra ortodossa russa, che conobbe la sua massima fioritura nel Medioevo, continuò il suo sviluppo già nell'ambito dell'arte accademica, trovò ricercatori seri a cavallo tra il XIX e il XX secolo e cessò di esistere nel 1917. La politica statale dell'ateismo , avendo inferto un duro colpo all'Ortodossia, interrompendo così sia lo sviluppo della pittura di icone che la costruzione del tempio. Tuttavia, eminenti critici d'arte russi (Olsufiev, Grabar, Lazarev, Alpatov, ecc.) Erano impegnati nella ricerca di vecchie icone (ad esempio, nel 1922 furono trovate icone di Rublev dall'iconostasi della Cattedrale dell'Assunzione di Vladimir) e nel loro restauro.
L'ultimo quarto del XX e il primo decennio del XXI secolo. - una nuova pagina nello sviluppo della pittura ortodossa in Russia. Nel 1989 è stata fondata a Mosca la Fondazione indipendente per la rinascita dell'arte sacra. In occasione della celebrazione del Millennio del Battesimo della Rus' a Mosca, è stata organizzata la mostra "Icona moderna", nel 1997 - in occasione dell'850° anniversario di Mosca - la mostra "Icona russa alla fine del XX secolo ", che rappresentano diverse direzioni nello sviluppo dell'icona, a partire da Bisanzio. Particolare attenzione è stata prestata al gruppo di icone della "direzione popolare", provenienti dall'immagine popolare, dalla stampa popolare. Importanti pittori di icone apparvero con la propria scuola, avendo successo all'estero (ad esempio, il già citato archimandrita padre Zinon). A Mosca, nel 2000, c'erano più di 30 laboratori di pittura di icone. A San Pietroburgo, le scuole principali sono i laboratori di pittura di icone presso l'Accademia e Seminario Teologico (diretto dall'abate Alexander) e il laboratorio di pittura e restauro di icone presso l'Alexander Nevsky Lavra (diretto da D. Mironenko), senza contare i numerosi laboratori presso monasteri e fattorie. Nella capitale settentrionale è apparsa anche la prima galleria russa di pittura di icone moderne "Russian Icon" (2003), che riunisce opere di artisti di Mosca, San Pietroburgo, Yaroslavl, Novgorod, Pskov, Tver e così via. La scuola di Pietroburgo ha generalmente mostrato una varietà di tendenze stilistiche. Mostre 1994, 1999, 2000, 2001 ha riunito artisti non solo di diverse generazioni e diverse tendenze stilistiche, ma anche di diversi tipi e generi d'arte: muralisti, artisti di vari tipi di arte applicata, come gli smaltatori, e, di regola, sempre di alto livello professionale eseguito insieme ai pittori di icone.
Nel 2002, nel Museo di arte applicata dell'Accademia statale d'arte di San Pietroburgo intitolato al barone A. L. Stieglitz, per la prima volta, oltre alle icone di San Pietroburgo, Mosca, Nord-Ovest, ecc. affreschi, mosaici, copie di antichi maestri e opere proprie. La mostra ha dimostrato chiaramente la profonda comprensione da parte degli artisti dell'icona, il loro studio del suo canone e il significato dello spazio del tempio per essa. Ma soprattutto, ha rivelato due tendenze principali nell'arte religiosa: una - dalle sue fonti, Bisanzio e l'antica Rus', l'altra - dall'arte della cosiddetta periodo sinodale. Questa direzione nella pittura sacra si distingue per un appello alle tradizioni dell'arte dell'Europa occidentale ("scuola di Bologna") e alle tradizioni accademiche domestiche (un esempio è la pittura di icone di Borovikovsky nella cattedrale di Mogilev o le sue icone nella cattedrale di Kazan a San Pietroburgo Pietroburgo). Un particolare interesse tra gli artisti di questa tendenza dovrebbe essere notato nel lavoro di V. M. Vasnetsov, M. V. Nesterov, in centri di pittura di icone come Palekh e Mstera, proprio perché, ciascuno a modo suo, combinano queste tradizioni (V. Lebedev. "Giovanni evangelista" icona di Mstera, inizi del XXI secolo; vedere inserto colore). Qual è il modo più corretto? Non esiste una risposta unica a questa domanda. I pittori di icone cercano la propria espressione moderna in entrambi i casi: sia quando si rivolgono alle antiche fonti russe, sia quando cercano terreno nell'accademismo. Lo stesso V. M. Vasnetsov, dopo aver lavorato nella Cattedrale di Vladimir a Kiev, scrisse di sentirsi insoddisfatto e "lontano" dall'autentico, tanto che i moderni pittori di icone hanno ancora molti problemi che devono essere affrontati.
Pittori e restauratori di icone moderne iniziarono a guadagnare fama all'estero (ad esempio, E. Bolshakov, Yu. Bobrov lavorò su Athos, A. Chashkin, E. Maksimov - negli Stati Uniti, N. Mukhin - in Serbia). Gli artisti che lavorano oggi nel campo della pittura religiosa, come già accennato, sono caratterizzati da una profonda comprensione dell'arte religiosa, sia delle forme da cavalletto che di quelle monumentali. Il grande merito dei maestri moderni nella creazione di una nuova iconografia di Xenia di Pietroburgo (1988); San Giovanni di Kronstadt, l'immagine del Battesimo della Rus' (icone di Padre Zinon, 1988, o Natalia e Nikolai Bogdanov, 2000; vedi inserto a colori), così come quella recentemente riposta nella Cattedrale del 2000, San Serafino di Vyritsky, Veniamin di Pietrogrado, ecc. Si sta facendo molto lavoro per creare l'iconografia dei "martiri reali", che fino ad oggi non è stata completata. Tuttavia, anche nell’iconografia tradizionale e consolidata, molti pittori mostrano un brillante inizio creativo. Basti nominare, ad esempio, un artista come G. Tonkov. Nel suo "Santa Trinità" si vede il sigillo delle forti antiche tradizioni russe, e lo stile pittorico espressivo del maestro è simile a Novgorod e direttamente ai dipinti murali di Volotovo (la Chiesa dell'Assunzione sul campo di Volotovo), ma è stato scritto da un artista moderno, con un moderno comprensione di quanto rappresentato.
Il restauro e la costruzione di nuove chiese negli ultimi 15-20 anni sono diventati molto diffusi. Di conseguenza, è sorta la domanda sul loro design decorativo. Solo a San Pietroburgo, dalla metà degli anni '90. furono restaurati e costruiti più di 100 templi e cappelle. Un esempio dell'interazione riuscita tra architettura e pittura di icone, pittura murale e mosaici completamente nuovi è il Convento Novodevichy della Resurrezione di San Pietroburgo sulla Prospettiva Moskovsky. A questo proposito, va notato che lo è mosaico divenne particolarmente richiesto nella costruzione di nuovi templi.
L'arte arrivata in Rus' da Bisanzio conobbe una nuova nascita nel XVIII secolo. gli sforzi e il talento di M.V. Lomonosov e un nuovo decollo nel XIX secolo. Innanzitutto, tra le mura dell'Accademia Imperiale delle Arti, il mosaico non fu dimenticato durante gli anni del potere sovietico. Abbiamo già raccontato come negli anni '30. in connessione con la costruzione della metropolitana e di altri edifici pubblici, le sue possibilità decorative furono ampiamente utilizzate e, soprattutto, il suo carattere propagandistico. Negli anni del dopoguerra e successivamente, asili nido e sanatori, ospedali, aziende, pareti scolastiche, ecc. Erano decorati con mosaici. A San Pietroburgo, oltre al laboratorio di mosaico dell'Accademia delle arti, i diplomati della Scuola d'arte superiore intitolata a V.I.
I ricercatori notano giustamente che l’esperienza del mosaico del periodo sovietico, nonostante tutto il suo impegno, ha aiutato molto i giovani artisti in una nuova fase del suo sviluppo, iniziata negli anni ’90, sia nel modo in cui si sono impostati, comprendendo le possibilità del materiali e nell’applicazione delle nuove tecnologie. Laureato all’Accademia delle Arti, studente di A. A. Mylnikov, A. Bystrov decora la stazione della metropolitana Alexander Nevsky con la scena della famosa battaglia – e questa è l’ultima opera creata a San Pietroburgo prima del crollo dell’URSS. L'ultimo ordine del XX secolo. per i laboratori di mosaico dell'Accademia delle Arti e lo stesso maestro ha realizzato pannelli di mosaico per la stazione "Sportivnaya" (1998-1999; vedi inserto a colori) su "temi olimpici", in cui l'artista ha mostrato conoscenza e una sottile comprensione degli antichi mitologia e arte antica. Successivamente, A. Bystrov (insieme a E. Bystrov e altri) decorò gli interni delle stazioni della metropolitana "Volkovskaya", "Admiralteiskaya", ecc. Un'altra squadra di famosi muralisti di San Pietroburgo: S. Repin, N. Fomin, I. Uralov, V. Sukhov - autori dei mosaici delle stazioni della metropolitana "Ozerki", "Dostoevskaya", "Isola Krestovsky", "Sennaya", ecc. Lo stesso gruppo di artisti famosi ha eseguito mosaici nella Chiesa della Natività della Vergine nel villaggio di Aleksandrovskoye, regione di Leningrado (architetti A. Schreter, A. Golovin, G. Uralov).
Dall'inizio degli anni 2000 ci sono cambiamenti significativi a livello nazionale arte monumentale nel senso che lo Stato cessa di essere il suo unico cliente, compare un cliente privato. Per quanto riguarda l'arte da cavalletto degli ultimi decenni, il suo sviluppo in questo periodo è piuttosto vario. Molti artisti continuano a lavorare, che si sono dichiarati negli anni '70 -'80, come lo stesso A. Kulinich (vedi le sue meravigliose litografie a colori dedicate alla storia dei monasteri Kirillo-Belozersky e Spaso-Kamenny (regione di Vologda), le sue illustrazioni per Gogol, ancora in attesa della loro pubblicazione, e il suo bellissimo dipinto colorato, pieno di fantasia e umorismo popolare). E questo è solo un esempio di un artista che si è fatto conoscere negli anni '70 -'80, tra coloro che lavorano fruttuosamente oggi, il loro numero può essere continuato. E quanti sono ancora piuttosto giovani, stanno appena entrando nella vita creativa, con coraggio e libertà, pensando in modo interessante: il tempo, speriamo, metterà in risalto i loro nomi.
Possiamo trarre solo una conclusione ora. Per tutta l'arte domestica moderna (figurativa) della seconda metà del XX - inizio XXI secolo. particolarmente caratteristica è la diffusione dell'influenza della cerchia delle tradizioni russe, allontanandosi dalle avanguardie attraverso l'arte della fine del XX-XIX secolo. all'arte dell'antica Russia, e in materiale estraneo - dagli esperimenti dell'inizio del secolo scorso attraverso il postimpressionismo - impressionismo - romanticismo fino alla grande arte del Rinascimento. In altre parole, continuano le principali tradizioni che si sono sviluppate nell'arte del XX secolo: l'accademismo russo, l'impressionismo russo, il "cezannismo" russo, così come le fantasie postmoderne sui temi del Rinascimento e l'accademismo già puramente da salone a cavallo tra dei secoli XIX-XX. Numerose mostre degli ultimi anni lo illustrano perfettamente.
Allo stesso tempo, è impossibile non notare che in assenza di ideologie statali c'è un'evidente tendenza a sostenere il mecenatismo ai livelli più alti e che nell'organizzazione delle mostre museali stesse si preferiscono principalmente varie forme di neo-patrocinio. -avanguardia. Con la scomparsa delle linee guida statali comprensibili nel campo della politica culturale, ha avuto luogo un processo di legalizzazione di varie associazioni informali. L'“Underground” (termine preso in prestito dalla cinematografia statunitense dei primi anni Quaranta) non solo è entrato nella vita artistica nazionale, ma è diventata quasi un'arte elitaria, di cui si parla “con un soffio”, ma che richiede comunque un approccio serio e valutazione obiettiva, così come l’attività di molte gallerie d’arte di recente apertura (ora chiamate solo per qualche motivo gallerie d'arte) e molte diverse nuove pubblicazioni d'arte. Al giorno d'oggi, quando "i vecchi punti di partenza si sono sciolti e gli antichi idoli sono sostituiti da nuovi, quando emerge un sistema di valori decisamente nuovi, in gran parte immaginari, che riflettono a modo loro il pensiero post-totalitario", è molto difficile, ma necessario per farlo. Indubbiamente, la comprensione del processo di sviluppo dell'arte non è immune da calcoli errati, errori, contraddizioni, ed è questione di tempo e di critica oggettiva per comprendere tutta la diversità e complessità dell'arte contemporanea, "separando il grano dalla pula".
Una delle domande difficili è post-avanguardia. Durante gli anni del potere sovietico furono create così tante opere di realismo socialista "miserevoli nel pensiero e primitive nella forma" (V. Vlasov) che, in questo contesto, l'avanguardia russa degli anni '20, soprattutto agli occhi dei giovani artisti e spettatori, cominciarono a essere percepiti (quando, a loro volta, divennero disponibili alla visione) come l'arte più avanzata (e per altri, l'unica possibile) al mondo. Riabilitazione dei nomi di grandissimi maestri come Π. A questo hanno contribuito N. Filonov e K. S. Malevich. Storici dell'arte di talento lamentarono il suo sviluppo interrotto ("L'avanguardia si fermò in fuga"). E tutti in qualche modo hanno dimenticato che si trattava dell’avanguardia sovietica degli anni ’20. fu la forza potente che per prima distrusse le tradizioni classiche dell'arte russa, e con quale pressione! "Come osi essere chiamato poeta // e, piccolo grigio, pigolare come una quaglia? // Oggi // è necessario // con i tirapugni // tagliare il mondo nel cranio!" (V. V. Mayakovsky. "Una nuvola in pantaloni"). E "taglia"! La rivoluzione ha fornito le più ricche opportunità per propagare un'arte nichilista, senza storia, senza patria, senza radici. Anche la postavanguardia moderna, con la sua aggressività, lo stesso familiare pathos di distruzione, ma anche una profonda mancanza di cultura, è secondaria e tautologica. Tutto questo (questo vale, tra l'altro, per tutto il postmodernismo mondiale) è deliberatamente costruito su citazioni - sia nella letteratura, nel cinema, nelle arti visive. Non c'è da stupirsi che i grandi artisti spesso si lamentino del fatto che viviamo in un'era di falsi profeti, falsi idoli, falsi idoli, e oggi uno viene dichiarato "grande", domani - un altro, dopodomani - il terzo. E il meglio che c'è nella post-avanguardia è la derisione e l'ironia, e talvolta la riflessione, familiari all'intellighenzia russa.
Allo stesso tempo, è chiaro per i ricercatori d'arte che tutto questo è "arte concettuale", op-pop-sociale e altre "arti", compreso il design artistico, con il loro allontanamento dal figurativo verso il simbolismo, la verbalità, dopotutto, ma essenza, non meno politicizzata e agitatrice del realismo socialista.
All'inizio del terzo millennio bisogna ammettere che l'arte alta risulta essere sconfitta dall'arte di massa e dal kitsch come sua espressione estrema, con il suo cattivo gusto, la violazione del senso della misura, delle proporzioni, dell'armonia: non esistono numeri di nomi - da molto famosi a per niente conosciuti. E questo non è solo un fenomeno russo, ma anche mondiale: il postmodernismo testimonia la fine dell '"era dell'arte classica"; gli ideali del passato, come si dice giustamente, vengono ridicolizzati e non ne vengono creati di nuovi. Ecco perché diventa sempre più chiaro, per quanto tragico possa sembrare, che il XX secolo è il secolo di una catastrofe culturale, le cui radici possono essere viste nel secolo scorso, quando la coscienza religiosa e il modo tradizionale di vivere la vita cominciò a crollare e il borghesia diede origine a proteste solo sotto forma di ribellione senza Dio ed estetizzazione del vizio e del male.
Citiamo le parole del grande musicista del secolo scorso Georgy Sviridov (1915–1998): "L'arte della nostra