introduzione
1. Piccolo olandese
Scuola di pittura olandese
Pittura di genere
4. Simbolismo. Natura morta
Rembrandt van Rijn
Vermeer di DelftJan
Conclusione
introduzione
Lo scopo del lavoro di controllo è:
· Nello sviluppo del potenziale creativo;
· Formazione di interesse per l'arte;
· Consolidamento e ricostituzione della conoscenza.
L'arte olandese è nata nel XVII secolo. Quest'arte è considerata indipendente e indipendente, ha determinate forme e caratteristiche.
Fino al XVII secolo, l'Olanda non aveva i propri artisti significativi nell'arte, perché apparteneva allo stato delle Fiandre. Tuttavia, pochi artisti vengono celebrati durante questo periodo di tempo. Questo è l'artista e incisore Luca Leydensky (1494-1533), pittore Dirk Bouts (1415-1475), artista Skorele (1495-1562).
A poco a poco, diverse scuole si mescolarono e i maestri persero le caratteristiche distintive delle loro scuole, e il resto degli artisti olandesi cessò di avere lo spirito della creatività nazionale. Stanno emergendo molti stili diversi e nuovi. Gli artisti cercano di dipingere in tutti i generi, alla ricerca di uno stile individuale. I metodi di genere sono stati cancellati: la storicità non è più necessaria come prima. Si sta creando un nuovo genere: i facchini di gruppo.
All'inizio del XVII secolo, quando si decideva il destino dell'Olanda, Filippo III concordò una tregua tra Spagna e Paesi Bassi. Ciò che serviva era una rivoluzione, una situazione politica o militare. La lotta per l'indipendenza ha unito il popolo. La guerra rafforzò lo spirito nazionale. I trattati firmati con la Spagna diedero la libertà all’Olanda. Ciò ha spinto alla creazione di un'arte propria e speciale, che esprime l'essenza degli olandesi.
La particolarità degli artisti olandesi era creare un'immagine reale fin nei minimi dettagli: una manifestazione di sentimenti e pensieri. Questa è la base della scuola olandese. Diventa arte realistica e verso la metà del XVII secolo raggiunge vette in tutti i settori.
Per l'Olanda è tipico dividersi non solo in generi, ma anche in numerosi sottotipi. Alcuni maestri dipingono scene della vita di borghesi e ufficiali - Pieter de Hooch (1495-1562), Gerard Terborch (1617-1681), Gabriel Metsu (1629-1667), altri - della vita contadina - Adrian van Ostade (1610-1685 ), terzo - scene della vita di scienziati e medici - Gerrit Dou (1613-1675); pittori di paesaggi - Jan Porcellis (1584-1632), Simon de Vlieger (1601-1653), raffiguratori di angoli di foresta - Meindert Hobbema (1638-1609), maestri di interni - Pieter Janssens (1623-1682). Di tanto in tanto, un certo genere diventa tradizionale nelle scuole d'arte. Ad esempio, i pittori di nature morte di Harlem delle cosiddette "colazioni" - Pieter Claes (1598-1661), Willem Heda (1594-1680).
Gli artisti mostrano costumi e costumi, standard etici e morali del comportamento umano. Spesso vengono rappresentati eventi familiari. I pittori di paesaggi e i pittori di nature morte trasmettono la luce all'aria aperta e raffigurano magistralmente la trama degli oggetti negli spazi chiusi. La pittura domestica è ai vertici grazie a Jan Steen (1626-1679), Gerhard Terborch (1617-1681), Pieter de Hooch (1629-1624).
1. Piccolo olandese
I Piccoli Olandesi sono un gruppo di artisti del XVII secolo, che “uniscono” pittori di paesaggi di piccole dimensioni e dipinti di genere quotidiano (da cui il nome). Tali dipinti erano destinati agli interni modesti degli edifici residenziali. Sono stati acquistati da cittadini e contadini. Tali dipinti sono caratterizzati da una sensazione di comfort nell'immagine, sottigliezza dei dettagli, vicinanza tra la persona e l'interno.
P. de Hooch, J. van Goyen (1596-1656), J. e S. van Ruisdael (1628-1682) e (1602 - 1670), E. de Witte (1617-1692), P. Claes, W. Heda, W. Kalf (1619-1693), G. Terborch, G. Metsu, A. van Ostade, J. Steen (1626-1679), A. Kuyp (1620-1691), ecc. Ciascuno specializzato, di regola , in un genere particolare. I “piccoli olandesi” continuavano le tradizioni dei maestri olandesi del Rinascimento, i quali sostenevano che l’arte non dovrebbe solo portare piacere, ma anche ricordare valori.
La creatività degli artisti può essere divisa in 3 gruppi:
1630 - l'affermazione del realismo nella pittura nazionale (il principale centro artistico era Haarlem, un fattore importante fu l'influenza di F. Hals);
1640-1660 - il fiorire della scuola d'arte (il centro dell'arte si sposta ad Amsterdam, attirando artisti da altre città, l'influenza di Rembrandt diventa rilevante<#"justify">2. Scuola di pittura olandese
Per tre quarti di secolo, l'ascesa dell'arte continuò nel nord dei Paesi Bassi, nella repubblica delle Province Unite, chiamata Olanda. Nel 1609, questa repubblica ricevette lo status di stato. Qui è emerso uno stato borghese.
L'artista italiano Caravaggio (1571-1610) ha avuto un ruolo significativo nella pittura rinascimentale. Dipinse i suoi dipinti in modo molto realistico e gli oggetti e le figure avevano un'elevata tecnica del chiaroscuro.
C'erano molti artisti e vivevano in piccole città: Haarlem, Delft, Leiden. Ognuna di queste città sviluppò la propria scuola con i propri temi di genere, ma Amsterdam giocò il ruolo più importante nello sviluppo dell'arte olandese.
3. Pittura di genere
In Olanda, insieme alla popolarità del genere paesaggistico, ne compaiono di nuovi: marina - paesaggio marino, paesaggio urbano - veduta, immagini di animali - pittura di animali. Le opere di Pieter Bruegel hanno avuto un'influenza significativa sul paesaggio (1525-1529). Gli olandesi hanno dipinto la bellezza unica della natura della loro terra natale. Nel XVII secolo la scuola di pittura olandese divenne una delle principali in Europa. L'ambiente circostante è diventato una fonte di ispirazione per gli artisti. Nell'arte di questo tempo fu completata la formazione di un sistema di generi, iniziato nel Rinascimento. Nei ritratti, nei dipinti di tutti i giorni, nei paesaggi e nelle nature morte, gli artisti hanno trasmesso le loro impressioni sulla natura e sulla vita quotidiana. Il genere della pittura quotidiana cominciò ad avere un nuovo concetto: la pittura di genere. Il genere quotidiano si è sviluppato in due varietà: il genere contadino e quello borghese (urbano). I dipinti di genere raffiguravano la vita di un privato: feste di festaioli, attività economiche, riproduzione di musica. Gli artisti hanno prestato attenzione all'aspetto, alle pose e ai costumi. Gli oggetti sono diventati parte dell'intimità: un tavolo in mogano, un armadio, una poltrona rivestita in pelle, una caraffa in vetro scuro e un bicchiere di frutta. Questo genere rifletteva il comportamento e la comunicazione di persone appartenenti a classi diverse.
Le opere di Garard Dow erano molto popolari a quel tempo. Dipinge scene modeste della vita della piccola borghesia. Spesso raffigura donne anziane sedute al filatoio o che leggono. L'ovvia tendenza di Dow è quella di trascrivere le superfici degli oggetti nei suoi piccoli quadri: motivi di tessuti, rughe su vecchi volti, squame di pesce, ecc. (appendice; fig.
Ma la pittura di genere ha subito un'evoluzione. Durante il periodo della sua nuova formazione, furono distribuite storie su temi di ricreazione, intrattenimento e scene della vita degli ufficiali. Tali immagini erano chiamate “colazioni”, “banchetti”, “società”, “concerti”. Questo dipinto si distingueva per la varietà di colori e i toni gioiosi. Il genere originale era “colazione”. Questo è un tipo di natura morta in cui il carattere dei proprietari veniva trasmesso attraverso la raffigurazione di piatti e pietanze varie.
Il genere quotidiano è il fenomeno più distintivo e originale della scuola olandese, che ha aperto la vita quotidiana di un privato all'arte mondiale.
Jan Steen ha scritto anche sul tema dell'arte. Ha notato con senso dell'umorismo i dettagli della vita quotidiana e le relazioni tra le persone. Nel dipinto “Revelers”, l’artista stesso guarda lo spettatore allegramente e maliziosamente, seduto accanto a sua moglie, che si è addormentata dopo un’allegra festa. E nel film, attraverso le espressioni facciali e i gesti dei personaggi, Jan Steen svela abilmente la trama di una malattia immaginaria.
All'inizio degli anni '30 la formazione della pittura di genere olandese fu completata. La pittura di genere era divisa secondo criteri sociali: soggetti su temi della vita della borghesia e scene della vita dei contadini e dei poveri urbani.
Uno dei famosi artisti che dipinse nel “genere contadino” fu Adrian van Ostad. Nel primo periodo della creatività, l'immagine dei contadini era comica. Pertanto, nella foto, i combattenti, illuminati da una luce intensa, non sembrano essere persone vive, ma marionette. La giustapposizione di colori freddi e caldi, i forti contrasti di luce creano maschere con emozioni rabbiose sui volti.
Successivamente, l'artista dipinge quadri con soggetti più tranquilli, raffiguranti una persona durante le sue solite attività, molto spesso nei momenti di riposo. Ad esempio, il dipinto d’interni “Musicisti del villaggio”. Ostade trasmette la concentrazione dei “musicisti”, raffigurando i bambini che li guardano dalla finestra con sottile umorismo. Anche il fratello di Adrian, Isaac van Ostade, morto prematuramente, lavorò nel “genere contadino”. Ha rappresentato la vita nell'Olanda rurale. Il dipinto “Winter View” presenta un tipico paesaggio con un cielo grigio sospeso sul terreno, un fiume ghiacciato, sulle rive del quale si trova un villaggio.
Negli anni '50 e '60 del XVII secolo, i temi dei dipinti di genere si restrinsero e la loro struttura cambiò. Diventano più calmi, più lirici, più riflessivi. Questa fase è rappresentata dal lavoro di artisti come: Pieter de Hooch, Gerard Terborch, Gabriel Metsu, Peter Janssens. Le loro opere sono caratterizzate da un'immagine idealizzata della vita della borghesia olandese. Così, nel dipinto d'interni “Camera in una casa olandese” di Pieter Janssens, viene raffigurata una stanza accogliente piena di luce solare con raggi di sole che giocano sul pavimento e sulle pareti. La scelta della composizione sottolinea l'unità dell'uomo e del suo ambiente.
I pittori di genere olandesi hanno cercato di riflettere il mondo interiore dell'uomo nelle loro opere. Nelle situazioni che si verificano regolarmente, sono stati in grado di mostrare un mondo di esperienze. Così, Gerard Terborch nel film "A Glass of Lemonade" ha rappresentato un linguaggio sottile di gesti, tocchi delle mani, contatto visivo, che rivela tutta una serie di sentimenti e relazioni tra i personaggi.
La sottigliezza e la veridicità nel ricreare la realtà sono combinate dai maestri olandesi con una bellezza poco appariscente e quotidiana. Questa caratteristica si manifesta più chiaramente nella natura morta. Gli olandesi lo chiamavano "stilleven". In questa comprensione, i maestri vedevano negli oggetti inanimati una vita nascosta associata alla vita di una persona, al suo modo di vivere, alle sue abitudini, ai suoi gusti. I pittori olandesi creavano l'impressione di un "disordine" naturale nella disposizione delle cose: mostravano una torta tagliata, un limone sbucciato con la buccia appesa a spirale, un bicchiere di vino non finito, una candela accesa, un libro aperto - sembra sempre che qualcuno abbia toccato questi oggetti, solo che sono stati usati, si avverte la presenza invisibile di una persona.
I principali maestri della natura morta olandese della prima metà del XVII secolo furono Pieter Claes 1e Willem Hed. Uno dei temi preferiti delle loro nature morte sono le cosiddette “colazioni”. In “Colazione con Aragosta” di V. Kheda (appendice; Fig. 16) oggetti dalle forme e dai materiali più svariati: una caffettiera, un bicchiere, un limone, un piatto d'argento. Gli oggetti sono disposti in modo tale da mostrare l'attrattiva e la particolarità di ciascuno. Utilizzando una varietà di tecniche, Heda trasmette perfettamente la materia e la specificità della sua texture; Pertanto, il bagliore della luce gioca in modo diverso sulla superficie del vetro e del metallo. Tutti gli elementi della composizione sono accomunati dalla luce e dal colore. In "Natura morta con candela" di P. Klass, non solo l'accuratezza della riproduzione delle qualità materiali degli oggetti è notevole, ma la composizione e l'illuminazione conferiscono loro una grande espressività emotiva. Le nature morte di Klass e Kheda sono simili tra loro: sono un'atmosfera di intimità e conforto, tranquillità nella vita di una casa borghese, dove c'è prosperità. La natura morta può essere considerata uno dei temi importanti dell'arte olandese: il tema della vita di un privato. Ha preso la sua decisione principale in un film di genere.
Simbolismo. Natura morta
Tutti gli oggetti in una natura morta olandese sono simbolici. Collezioni pubblicate nel corso del XVIII secolo<#"justify">o i petali sbriciolati vicino al vaso sono segni di fragilità;
o un fiore appassito è un accenno alla scomparsa dei sentimenti;
o gli iris sono un segno della Vergine Maria;
o i fiori rossi sono un simbolo del sacrificio espiatorio di Cristo;
o Il giglio bianco non è solo un bel fiore, ma anche un simbolo della purezza della Vergine Maria;
o garofano: un simbolo del sangue versato di Cristo;
o tulipano bianco - falso amore.
o melograno: un simbolo di resurrezione, un simbolo di castità;
o mele, pesche, arance ricordavano l'autunno;
o il vino in un bicchiere o in una brocca rappresentava il sangue sacrificale di Cristo;
o oliva: un simbolo di pace;
o i frutti marci sono un simbolo di invecchiamento;
o spighe di grano, edera: un simbolo di rinascita e del ciclo della vita.
o il vetro è simbolo di fragilità;
o porcellana: pulizia;
o la bottiglia è simbolo del peccato e dell'ubriachezza;
o i piatti rotti sono un simbolo di morte;
o un bicchiere capovolto o vuoto significa vuoto;
o coltello: un simbolo di tradimento;
o i vasi d'argento sono la personificazione della ricchezza.
o clessidra: un promemoria della caducità della vita;
o teschio: un promemoria dell'inevitabilità della morte;
o spighe di grano - simboli di rinascita e ciclo della vita;
o il pane è simbolo del corpo del Signore;
o le armi e le armature sono un simbolo di potere e potenza, una designazione di ciò che non può essere portato con sé nella tomba;
o chiavi: simboleggiano il potere;
o una pipa da fumo è un simbolo di piaceri terreni fugaci e sfuggenti;
o maschera di carnevale - è un segno dell'assenza di una persona; piacere irresponsabile;
o specchi, sfere di vetro sono simboli di vanità, segno di riflessione, irrealtà.
Le basi del paesaggio realistico olandese furono gettate all'inizio del XVII secolo. Gli artisti hanno raffigurato la loro natura preferita con dune e canali, case e villaggi. Hanno cercato di rappresentare la nazionalità del paesaggio, l'atmosfera dell'aria e le caratteristiche della stagione. I maestri subordinavano sempre più tutti i componenti dell'immagine a un unico tono. Avevano un acuto senso del colore e trasmettevano abilmente le transizioni dalla luce all'ombra, dal tono al tono.
Il più grande rappresentante del paesaggio realistico olandese fu Jan van Goyen (1596-1656). Ha lavorato a Leida e all'Aia. L'artista amava rappresentare su tele di piccole dimensioni le valli e la superficie dell'acqua dei fiumi. Goyen ha lasciato molto spazio al cielo con le nuvole. Questo è il dipinto “Vista del fiume Waal vicino a Nijmegen”, disegnato in una sottile gamma di colori marrone-grigio.
Successivamente, l'essenza caratteristica dei paesaggi cambia. Diventa un po’ più ampia, più emotiva. La specificità rimane la stessa: contenuta, ma i toni acquisiscono profondità.
Tutte le nuove caratteristiche dello stile paesaggistico furono incarnate nei suoi dipinti da Jacob van Ruisdael (1629-1682). Descrivendo alberi e cespugli come voluminosi, si creava la sensazione che si stessero spostando in primo piano e diventando più potenti. Con un eccellente senso della prospettiva, Ruisdael ha abilmente trasmesso le ampie pianure e i dintorni dell'Olanda. La scelta del tono e dell'illuminazione evoca la messa a fuoco. Ruisdael amava anche le rovine come dettagli decorativi che parlano della distruzione e della fragilità dell'esistenza terrena. Il "cimitero ebraico" rappresenta un'area trascurata. Ruisdael non ebbe successo ai suoi tempi. Il realismo dei suoi dipinti non corrispondeva ai gusti della società. L'artista, che ora gode meritatamente di fama mondiale, morì povero in un ospizio di Harlem.
Dipinto di ritratti. Frans Hals
Uno dei grandi artisti olandesi fu Frans Hals (circa 1580-1666). Nacque nel XVII secolo ad Anversa. Artista giovanissimo giunse ad Haarlem, dove crebbe e si formò nello stile della scuola di Karel Van Mander. Haarlem era orgoglioso del suo artista e portarono ospiti illustri nel suo studio: Rubens e Van Dyck.
Hals era quasi esclusivamente un ritrattista, ma la sua arte ha significato molto non solo per la ritrattistica olandese, ma anche per la formazione di altri generi. Nell’opera di Hals si possono distinguere tre tipi di composizioni di ritratti: un ritratto di gruppo, un ritratto individuale su commissione e un tipo speciale di immagini di ritratto, simili per natura alla pittura di genere.
Nel 1616, Hals dipinse “Il banchetto degli ufficiali della compagnia del reggimento di fucili di San Giorgio”, in cui ruppe completamente con il modello tradizionale di un portiere di gruppo. Creando un'opera molto vivace, unendo i personaggi in gruppi e dando loro varie pose, sembrava aver fuso la ritrattistica con la pittura di genere. Il lavoro è stato un successo e l'artista è stato inondato di ordini.
I suoi personaggi stanno in modo naturale e libero nel ritratto, la loro postura e i loro gesti sembrano instabili e l'espressione sui loro volti sta per cambiare. La caratteristica più notevole del modo creativo di Hals è la capacità di trasmettere il carattere attraverso espressioni facciali e gesti individuali, come se fossero colti al volo: "Allegro compagno di bevute", "Mulatto", "Ufficiale sorridente". L'artista amava gli stati emotivi carichi di dinamica. Ma in questo istante che Hals ha catturato, quello più essenziale, il nucleo dell’immagine dello “Zingaro”, “Malle Baba” viene sempre catturato.
Tuttavia, nelle immagini di Hals della fine degli anni '30 e '40, appaiono premurosità e tristezza, estranee ai suoi personaggi nel ritratto di Willem Heythuisen, e talvolta una leggera ironia emerge nell'atteggiamento dell'artista nei loro confronti. La gioiosa accettazione della vita e dell'uomo sta gradualmente scomparendo dall'arte Khalsa.
I punti di svolta sono arrivati nella pittura Khalsa. Nei ritratti di Hals, dipinti negli anni '50 e '60, un'approfondita padronanza della caratterizzazione si unisce a un nuovo significato interiore. Una delle opere più potenti del defunto Hals è il ritratto di un uomo del Metropolitan Museum of Art di New York (1650-1652). La composizione del ritratto è un'immagine generazionale della figura, la sua ambientazione in un fronte chiaro, lo sguardo diretto direttamente allo spettatore, si avverte il significato della personalità. La postura dell’uomo rivela fredda autorità e arrogante disprezzo per tutti. L'autostima si combina in lui con un'immensa ambizione. Allo stesso tempo, una sfumatura di delusione viene inaspettatamente colta nello sguardo, come se in questa persona si nascondesse il rimpianto per il passato - per la sua giovinezza e la giovinezza della sua generazione, i cui ideali sono stati dimenticati e gli incentivi alla vita sono svaniti.
I ritratti di Hals degli anni '50 e '60 rivelano molto sulla realtà olandese di quegli anni. L'artista visse a lungo e ebbe l'opportunità di assistere alla degenerazione della società olandese e alla scomparsa del suo spirito democratico. Non è un caso che l'arte Khalsa stia ormai passando di moda. Gli ultimi lavori di Hals riflettono sensibilmente lo spirito del tempo, così estraneo al maestro, ma in essi si può sentire anche la sua stessa delusione per la realtà circostante. In alcune opere di questi anni viene catturata un'eco dei sentimenti personali del vecchio artista, che stava perdendo il suo antico splendore e aveva già visto la fine del viaggio della sua vita.
Due anni prima della sua morte, nel 1664, Hals dipinse i ritratti dei reggenti e dei reggenti (amministratori) della casa di cura di Haarlem.
In "Ritratto dei reggenti" tutti sono uniti da un sentimento di delusione e rovina. Non c'è vitalità nei reggenti, come nei primi ritratti di gruppo di Hals. Tutti sono soli, ognuno esiste per conto proprio. I toni neri con macchie rosa-rossastre creano un'atmosfera tragica.
“Ritratto dei Reggenti” è deciso in una chiave emotiva diversa. Nelle pose quasi immobili delle donne anziane insensibili, che non conoscono la compassione, si può sentire l'autorità del maestro e allo stesso tempo in tutte vive una profonda depressione, un sentimento di impotenza e disperazione di fronte alla morte imminente.
Fino alla fine dei suoi giorni, Hals mantenne l'infallibilità della sua abilità e l'arte del pittore ottantenne acquisì intuizione e forza.
6. Rembrandt van Rijn
Rembrandt (1606-1669) è il più grande rappresentante dell'età d'oro della pittura olandese. Nato a Leida nel 1606. Per ricevere un'educazione artistica, l'artista si trasferì ad Amsterdam ed entrò nella bottega di Pieter Lastman, per poi tornare a Leida, dove nel 1625 iniziò una vita creativa indipendente. Nel 1631 Rembrandt si trasferì finalmente ad Amsterdam e il resto della vita del maestro fu legato a questa città.
Il lavoro di Rembrandt è intriso di una comprensione filosofica della vita e del mondo interiore dell'uomo. Questo è l'apice dello sviluppo dell'arte olandese del XVII secolo. Il patrimonio artistico di Rembrandt si distingue per una varietà di generi. Dipinse ritratti, nature morte, paesaggi, scene di genere, dipinti su temi storici, biblici e mitologici. Ma l’opera dell’artista raggiunse la sua massima profondità negli ultimi anni della sua vita. Agli Uffizi sono conservate tre opere del grande maestro. Questo è un autoritratto in gioventù, un autoritratto in vecchiaia, un ritratto di un vecchio (rabbino). In molte delle sue opere successive, l'artista immerge l'intera superficie della tela nell'oscurità, focalizzando l'attenzione dello spettatore sul viso.
Così si ritraeva Rembrandt all'età di 23 anni.
Il periodo del trasferimento ad Amsterdam è stato segnato nella biografia creativa di Rembrandt dalla creazione di numerosi schizzi maschili e femminili
Nel 1653, incontrando difficoltà finanziarie, l'artista trasferì quasi tutte le sue proprietà al figlio Tito, dopodiché dichiarò bancarotta nel 1656. Dopo aver venduto la sua casa e i suoi beni, l'artista si trasferì alla periferia di Amsterdam, nel quartiere ebraico, dove trascorse il resto della sua vita. La persona a lui più vicina in quegli anni era, a quanto pare, Titus, perché le sue immagini sono le più numerose. La morte di Tito nel 1668 fu uno degli ultimi colpi del destino per l'artista; lui stesso morì un anno dopo. "Matteo e l'angelo" (1661). Forse Tito era il modello dell'angelo.
Gli ultimi due decenni della vita di Rembrandt divennero l'apice della sua abilità come ritrattista. I modelli sono i compagni dell'artista (Nicholas Breuning
7. Vermeer di DelftJan
Pittura d'arte olandese natura morta
Vermeer di Delft Jan (1632-1675) - Pittore olandese, il più grande maestro della pittura di genere e di paesaggio olandese. Vermeer ha lavorato a Delft. Come artista si è sviluppato sotto l'influenza di Karel Fabritius, morto tragicamente nell'esplosione di un magazzino di polvere da sparo.
I primi dipinti di Vermeer hanno immagini sublimi ( Cristo con Marta e Maria ). Il lavoro di Vermeer è stato fortemente influenzato dal lavoro del maestro della pittura di genere Pieter de Hooch. Lo stile di questo pittore fu ulteriormente sviluppato nei dipinti di Vermeer.
A partire dalla seconda metà degli anni '50 Vermeer dipinge piccoli quadri con una o più figure nella luce argentata di un interno domestico ( Ragazza con una lettera Cameriera con una brocca di latte ). Alla fine degli anni '50 Vermeer creò due capolavori della pittura di paesaggio: un dipinto pieno di sentimento strada con colori e dipinti splendenti, freschi, puliti Veduta della città di Delft . Negli anni '60 il lavoro di Vermeer si raffina e la sua pittura diventa più fredda. ( Ragazza con l'orecchino di perla).
Alla fine degli anni '60, l'artista raffigurava spesso stanze riccamente arredate dove signore e signori suonavano musica e conversavano galantemente.
Negli ultimi anni di vita di Vermeer, la sua situazione finanziaria peggiorò notevolmente. La richiesta di dipinti diminuì drasticamente, il pittore fu costretto a contrarre prestiti per nutrire undici bambini e altri membri della famiglia. Ciò probabilmente accelerò l'avvicinarsi della morte. Non si sa cosa sia successo: una malattia acuta o una depressione dovuta alle finanze, ma Vermeer fu sepolto nel 1675 nella cripta di famiglia a Delft.
L'arte individuale di Vermeer dopo la sua morte non fu apprezzata dai suoi contemporanei. L'interesse per lui rinacque solo nel XIX secolo, grazie all'opera del critico e storico dell'arte Etienne Théophile Thoré, che “scoprì” Vermeer per il grande pubblico.
Conclusione
L'appello alla realtà ha contribuito ad espandere le possibilità artistiche dell'arte olandese e ad arricchire il suo tema di genere. Se, fino al XVII secolo, i temi biblici e mitologici erano di grande importanza nelle belle arti europee, e altri generi erano poco sviluppati, nell'arte olandese il rapporto tra i generi cambia radicalmente. C'è un aumento in generi come: vita quotidiana, ritratto, paesaggio, natura morta. Gli stessi soggetti biblici e mitologici nell'arte olandese stanno perdendo in gran parte le loro precedenti forme di incarnazione e vengono ora interpretati come dipinti di tutti i giorni.
Nonostante tutte le sue conquiste, l'arte olandese presentava anche alcune caratteristiche specifiche di limitazione: una gamma ristretta di soggetti e motivi. Un altro svantaggio: solo alcuni maestri cercavano di trovare la loro base profonda nei fenomeni.
Ma in molti dipinti e ritratti compositivi, le immagini sono della natura più profonda e i paesaggi mostrano la natura vera e reale. Questa divenne una caratteristica distintiva dell'arte olandese. Pertanto, i pittori hanno fatto grandi passi avanti nell'arte, padroneggiando l'abilità difficile e complessa di dipingere immagini del mondo interiore e delle esperienze di una persona.
Il test mi ha dato l'opportunità di mettere alla prova le mie capacità creative, ricostituire le mie conoscenze teoriche e conoscere meglio gli artisti olandesi e le loro opere.
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Olanda. 17 ° secolo Il paese sta vivendo una prosperità senza precedenti. La cosiddetta "età dell'oro". Alla fine del XVI secolo diverse province del paese ottennero l'indipendenza dalla Spagna.
Ora i Paesi Bassi protestanti hanno preso la loro strada. E le Fiandre cattoliche (l'attuale Belgio) sono sotto l'ala protettrice della Spagna.
Nell'Olanda indipendente, quasi nessuno aveva bisogno della pittura religiosa. La Chiesa protestante non approvava le decorazioni di lusso. Ma questa circostanza “ha fatto il gioco” della pittura secolare.
Letteralmente ogni residente del nuovo paese si è svegliato con l'amore per questo tipo di arte. Gli olandesi volevano vedere la propria vita nei dipinti. E gli artisti li hanno accolti volentieri a metà strada.
Mai prima d’ora la realtà circostante è stata rappresentata così tanto. Gente comune, stanze normali e la colazione più ordinaria di un abitante della città.
Il realismo fiorì. Fino al XX secolo sarà un degno concorrente dell'accademismo con le sue ninfe e dee greche.
Questi artisti sono chiamati "piccoli" olandesi. Perché? I dipinti erano di piccole dimensioni, perché realizzati per piccole case. Pertanto, quasi tutti i dipinti di Jan Vermeer non superano il mezzo metro di altezza.
Ma mi piace di più l'altra versione. Nei Paesi Bassi, nel XVII secolo, visse e lavorò un grande maestro, il “grande” olandese. E tutti gli altri erano “piccoli” in confronto a lui.
Stiamo parlando, ovviamente, di Rembrandt. Cominciamo con lui.
1. Rembrandt (1606-1669)
Rembrandt. Autoritratto all'età di 63 anni. 1669 Galleria Nazionale di Londra Rembrandt ha sperimentato una vasta gamma di emozioni durante la sua vita. Ecco perché c'è così tanto divertimento e spavalderia nei suoi primi lavori. E ci sono così tanti sentimenti complessi - in quelli successivi.
Eccolo giovane e spensierato nel dipinto “Il figliol prodigo nella taverna”. In ginocchio c'è la sua amata moglie Saskia. È un artista popolare. Gli ordini fioccano.
Rembrandt. Il figliol prodigo in una taverna. 1635 Galleria dei Maestri Antichi, Dresda Ma tutto questo scomparirà tra circa 10 anni. Saskia morirà di tisi. La popolarità scomparirà come fumo. Una grande casa con una collezione unica verrà portata via per debiti.
Ma apparirà lo stesso Rembrandt che rimarrà per secoli. I sentimenti nudi degli eroi. I loro pensieri più profondi.
2. Frans Hals (1583-1666)
Frans Hals. Auto ritratto. 1650 Museo Metropolitano d'Arte, New York Frans Hals è uno dei più grandi ritrattisti di tutti i tempi. Pertanto lo classificherei anche come un “grande” olandese.
In Olanda a quel tempo era consuetudine ordinare ritratti di gruppo. Ecco quante opere simili sono apparse raffiguranti persone che lavorano insieme: tiratori di una corporazione, medici di una città, gestori di una casa di cura.
In questo genere, Hals si distingue di più. Dopotutto, la maggior parte di questi ritratti sembrava un mazzo di carte. Le persone si siedono al tavolo con la stessa espressione facciale e si limitano a guardare. Con Hals è stato diverso.
Guarda il suo ritratto di gruppo “Frecce della Gilda di S. Giorgio."
Frans Hals. Frecce della Gilda di S. Giorgio. 1627 Museo Frans Hals, Haarlem, Paesi Bassi Qui non troverai una singola ripetizione nella posa o nell'espressione facciale. Allo stesso tempo, non c'è caos qui. I personaggi sono tanti, ma nessuno sembra superfluo. Grazie alla disposizione sorprendentemente corretta delle figure.
E anche in un singolo ritratto, Hals era superiore a molti artisti. I suoi modelli sono naturali. Le persone dell'alta società nei suoi dipinti sono prive di grandezza artificiosa e i modelli delle classi inferiori non sembrano umiliati.
E i suoi personaggi sono anche molto emotivi: sorridono, ridono e gesticolano. Come, ad esempio, questo “Gypsy” dallo sguardo sornione.
Frans Hals. Zingaro. 1625-1630 Hals, come Rembrandt, concluse la sua vita in povertà. Per la stessa ragione. Il suo realismo andava contro i gusti dei suoi clienti. Che volevano che il loro aspetto fosse abbellito. Hals non accettò l'adulazione aperta e quindi firmò la propria frase: "Oblivion".
3. Gerard Terborch (1617-1681)
Gerardo Terborch. Auto ritratto. 1668 Galleria reale Mauritshuis, L'Aia, Paesi Bassi Terborkh era un maestro del genere quotidiano. I cittadini ricchi e meno ricchi parlano tranquillamente, le donne leggono le lettere e una mezzana osserva il corteggiamento. Due o tre figure ravvicinate.
È stato questo maestro a sviluppare i canoni del genere quotidiano. Che sarà poi preso in prestito da Jan Vermeer, Pieter de Hooch e tanti altri “piccoli” olandesi.
Gerardo Terborch. Un bicchiere di limonata. 1660. Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo "A Glass of Lemonade" è una delle opere famose di Terborch. Mostra un altro vantaggio dell'artista. Immagine incredibilmente realistica del tessuto del vestito.
Terborch ha anche opere insolite. Il che la dice lunga sulla sua volontà di andare oltre le richieste del cliente.
Il suo "The Grinder" mostra la vita delle persone più povere dell'Olanda. Siamo abituati a vedere cortili accoglienti e stanze pulite nei dipinti dei “piccoli” olandesi. Ma Terborch ha osato mostrare l'Olanda sgradevole.
Gerardo Terborch. Macinino. 1653-1655 Musei statali di Berlino Come hai capito, tale lavoro non era richiesto. E sono un evento raro anche tra Terborch.
4. Jan Vermeer (1632-1675)
Jan Vermeer. Laboratorio dell'artista. 1666-1667 Kunsthistorisches Museum, Vienna Non si sa con certezza che aspetto avesse Jan Vermeer. È ovvio che nel dipinto “La bottega dell’artista” ha raffigurato se stesso. La verità da dietro.
È quindi sorprendente che recentemente sia venuto a conoscenza di un fatto nuovo della vita del maestro. È collegato al suo capolavoro “Delft Street”.
Jan Vermeer. Via Delft. 1657 Rijksmuseum di Amsterdam Si è scoperto che Vermeer ha trascorso la sua infanzia in questa strada. La casa nella foto apparteneva a sua zia. Ha cresciuto lì i suoi cinque figli. Forse è seduta sulla soglia di casa a cucire mentre i suoi due figli giocano sul marciapiede. Lo stesso Vermeer viveva nella casa di fronte.
Ma più spesso raffigurava l'interno di queste case e i loro abitanti. Sembrerebbe che le trame dei dipinti siano molto semplici. Ecco una bella signora, una ricca cittadina, che controlla il funzionamento della sua bilancia.
Jan Vermeer. Donna con squame. 1662-1663 Galleria Nazionale d'Arte, Washington Perché Vermeer si distinse tra migliaia di altri “piccoli” olandesi?
Era un insuperabile maestro della luce. Nel dipinto “Donna con la bilancia” la luce avvolge dolcemente il volto, i tessuti e le pareti dell’eroina. Conferire all'immagine una spiritualità sconosciuta.
E le composizioni dei dipinti di Vermeer sono attentamente verificate. Non troverai un singolo dettaglio non necessario. Basta rimuoverne uno, l'immagine “cadrà a pezzi” e la magia scomparirà.
Tutto questo non è stato facile per Vermeer. Una qualità così straordinaria ha richiesto un lavoro scrupoloso. Solo 2-3 dipinti all'anno. Di conseguenza, l'incapacità di nutrire la famiglia. Vermeer ha lavorato anche come mercante d'arte, vendendo opere di altri artisti.
5. Pieter de Hooch (1629-1884)
Pieter de Hooch. Auto ritratto. 1648-1649 Rijksmuseum, Amsterdam Hoch è spesso paragonato a Vermeer. Lavoravano nello stesso periodo, c'è stato addirittura un periodo nella stessa città. E in un genere: tutti i giorni. In Hoch vediamo anche una o due figure in accoglienti cortili o stanze olandesi.
Porte e finestre aperte rendono lo spazio dei suoi dipinti stratificato e divertente. E le figure si inseriscono in questo spazio in modo molto armonioso. Come, ad esempio, nel suo dipinto “La cameriera con una ragazza nel cortile”.
Pieter de Hooch. Una cameriera con una ragazza nel cortile. 1658 Galleria Nazionale di Londra
Fino al XX secolo l'Hoch era molto apprezzato. Ma poche persone notarono le piccole opere del suo concorrente Vermeer.
Ma nel XX secolo tutto è cambiato. La gloria di Hoch svanì. Tuttavia, è difficile non riconoscere i suoi successi nella pittura. Poche persone potrebbero combinare in modo così competente l'ambiente e le persone.
Pieter de Hooch. Giocatori di carte in una stanza soleggiata. 1658 Collezione d'arte reale, Londra Si prega di notare che in una casa modesta sulla tela “Giocatori di carte” c'è un dipinto appeso in una cornice costosa.
Ciò dimostra ancora una volta quanto fosse popolare la pittura tra la gente comune degli olandesi. I dipinti decoravano ogni casa: la casa di un ricco borghese, di un modesto abitante della città e persino di un contadino.
6. Jan Steen (1626-1679)
Jan Steen. Autoritratto con liuto. 1670 Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid Jan Steen è forse il “piccolo” olandese più allegro. Ma amare l'insegnamento morale. Raffigurava spesso taverne o case povere in cui esisteva il vizio.
I suoi personaggi principali sono festaioli e donne di facili virtù. Voleva intrattenere lo spettatore, ma allo stesso tempo metterlo in guardia contro una vita viziosa.
Jan Steen. È un casino. 1663 Kunsthistorisches Museum, Vienna Sten ha anche opere più tranquille. Come, ad esempio, "Morning Toilet". Ma anche qui l'artista sorprende lo spettatore con dettagli troppo rivelatori. Ci sono tracce di elastico di calza e non di un vaso da notte vuoto. E in qualche modo non è affatto appropriato che il cane sia sdraiato proprio sul cuscino.
Jan Steen. Toilette mattutina. 1661-1665 Rijksmuseum, Amsterdam Ma nonostante tutta la frivolezza, gli schemi di colori di Sten sono molto professionali. In questo era superiore a tanti “piccoli olandesi”. Guarda come si abbina perfettamente la calza rossa con la giacca blu e il tappeto beige brillante.
7. Jacobs Van Ruisdael (1629-1882)
Ritratto di Ruisdael. Litografia da un libro del XIX secolo. Cultura olandese del XVII secolo
La vittoria della rivoluzione borghese nei Paesi Bassi settentrionali portò alla formazione di uno stato indipendente - la Repubblica delle sette province unite - l'Olanda (dal nome della più significativa di queste province); Per la prima volta in uno dei paesi europei venne instaurato un sistema borghese-repubblicano. Le forze trainanti della rivoluzione furono i contadini e gli strati più poveri della popolazione urbana, ma la borghesia, arrivata al potere, approfittò delle sue conquiste.
La liberazione dall'oppressione dell'assolutismo spagnolo e della Chiesa cattolica, la distruzione di una serie di restrizioni feudali aprì la strada alla rapida crescita delle forze produttive della repubblica, che, secondo Marx, “fu un paese capitalista esemplare del XVII secolo”. secolo." Solo in Olanda a quel tempo la popolazione urbana prevaleva su quella rurale, ma la fonte principale dei profitti non proveniva dall'industria (sebbene qui si sviluppassero la produzione tessile e soprattutto la cantieristica navale), ma dal commercio intermediario, che si espanse grazie all'espansione coloniale politica. Man mano che le classi dominanti diventavano più ricche, la povertà dei lavoratori aumentava, i contadini e gli artigiani fallivano e verso la metà del XVII secolo le contraddizioni di classe si intensificarono.
Tuttavia, nei primi decenni dopo l’instaurazione della repubblica, le tradizioni democratiche dell’era rivoluzionaria erano vive. L'ampiezza del movimento di liberazione nazionale, la crescita dell'autocoscienza dei popoli e la gioia della liberazione dal giogo straniero hanno unito i segmenti più diversi della popolazione. Il paese ha creato le condizioni per lo sviluppo della scienza e dell'arte. Qui trovarono rifugio i pensatori progressisti dell’epoca, in particolare il filosofo francese Cartesio, e si formò il sistema filosofico fondamentalmente materialistico di Spinoza. I risultati più alti sono stati raggiunti da artisti olandesi, pittori come Rembrandt, Ruisdael, Terborch, Hals, Hobbema, Honthorst e molti altri maestri della pittura. Gli artisti olandesi furono i primi in Europa a liberarsi dall'influenza opprimente dei circoli di corte e della Chiesa cattolica e crearono un'arte democratica e realistica, che rifletteva direttamente la realtà sociale.
Dipinto olandese del XVII secolo
Una caratteristica distintiva dello sviluppo dell'arte olandese è stata la sua significativa predominanza tra tutti i suoi tipi di pittura. I dipinti decoravano le case non solo dei rappresentanti dell'élite dominante della società, ma anche dei poveri borghesi, degli artigiani e dei contadini; venivano venduti alle aste e alle fiere; a volte gli artisti li usavano come mezzo per pagare le bollette. La professione di artista non era rara, c'erano molti pittori e gareggiavano ferocemente tra loro. Pochi di loro potevano mantenersi dipingendo; molti intraprendevano lavori diversi: Sten era un albergatore, Hobbema era un funzionario delle accise, Jacob van Ruisdael era un medico.
Il rapido sviluppo della pittura olandese nel XVII secolo si spiega non solo con la richiesta di dipinti da parte di coloro che volevano decorarne la propria casa, ma anche con la loro visione come una merce, come un mezzo di profitto, una fonte di speculazione. Liberatosi del cliente diretto – la Chiesa cattolica o un influente filantropo feudale – l'artista si ritrovò completamente dipendente dalle richieste del mercato. I gusti della società borghese predeterminarono lo sviluppo dell'arte olandese e gli artisti che si opposero a loro, difendendo la loro indipendenza in materia di creatività, si ritrovarono isolati e morirono prematuramente in povertà e solitudine. Inoltre, questi erano, di regola, i maestri più talentuosi. Basti citare i nomi di Hals e Rembrandt.
L'oggetto principale della rappresentazione per gli artisti olandesi era la realtà circostante, che mai prima d'ora si era riflessa così pienamente nelle opere di pittori di altre scuole nazionali. L'appello agli aspetti più diversi della vita ha portato al rafforzamento delle tendenze realistiche nella pittura, il posto principale in cui era occupato dal genere quotidiano e dal ritratto, dal paesaggio e dalla natura morta. Quanto più gli artisti riflettevano in modo veritiero e profondo il mondo reale che si apriva davanti a loro, tanto più significative erano le loro opere.
Ogni genere aveva i suoi rami. Così, ad esempio, tra i paesaggisti c'erano pittori marini (raffiguranti il mare), pittori che preferivano vedute di luoghi pianeggianti o boschetti, c'erano maestri specializzati in paesaggi invernali e paesaggi al chiaro di luna: tra i pittori di genere, artisti che raffigurati contadini, borghesi, scene di feste e di vita domestica, scene di caccia e mercati; c'erano maestri di interni di chiese e vari tipi di nature morte: "colazioni", "dessert", "panche", ecc. I limiti della pittura olandese hanno avuto un effetto, restringendo il numero di compiti da risolvere per i suoi creatori. Ma allo stesso tempo, la concentrazione di ciascun artista su un genere specifico ha contribuito all’affinamento dell’abilità del pittore. Solo gli artisti olandesi più importanti lavoravano in vari generi.
La formazione della pittura realistica olandese ebbe luogo nella lotta contro il movimento italianizzante e il manierismo. I rappresentanti di queste tendenze, ciascuno a modo suo, ma puramente esteriormente, hanno preso in prestito le tecniche di artisti italiani, profondamente estranei alle tradizioni della pittura nazionale olandese. Nella fase iniziale dello sviluppo della pittura olandese, che copre gli anni 1609-1640, le tendenze realistiche si manifestavano più chiaramente nella ritrattistica e nel genere quotidiano.
Paesaggio olandese
I principi del paesaggio realistico olandese si svilupparono durante il primo terzo del XVII secolo. Invece dei canoni convenzionali e della natura idealizzata e inventata nei dipinti dei maestri del movimento italianizzante, i creatori del paesaggio realistico si sono rivolti alla rappresentazione della vera natura dell'Olanda con le sue dune e canali, case e villaggi. Non solo hanno catturato il carattere della zona con tutte le sue caratteristiche, creando motivi tipici del paesaggio nazionale, ma hanno anche cercato di trasmettere l'atmosfera della stagione, dell'aria umida e dello spazio. Ciò ha contribuito allo sviluppo della pittura tonale, alla subordinazione di tutti i componenti dell'immagine a un unico tono.
Uno dei maggiori rappresentanti del paesaggio realistico olandese fu Jan van Goyen (1596-1656). Ha lavorato a Leida e all'Aia. Motivi preferiti dell'artista Jan van Goyen nei suoi paesaggi di piccole dimensioni: valli e la superficie dell'acqua di ampi fiumi con città e villaggi sulle loro sponde nelle giornate grigie e nuvolose. Jan van Goyen ha lasciato molto spazio (circa due terzi dell'immagine) al cielo con nuvole vorticose sature di umidità. Questo è il dipinto “Vista del fiume Waal vicino a Nijmegen” (1649, Mosca, Museo statale di belle arti intitolato a A.S. Pushkin), disegnato in una sottile gamma di colori marrone-grigio.
Un tipo speciale di paesaggio raffigurante animali, pascoli con mucche e pecore fu creato da Paul Potter (1625-1654). Avendo studiato perfettamente le abitudini degli animali, l'artista li mostrava spesso da vicino, descrivendo attentamente la trama di ogni materiale, la morbida lana e i più piccoli dettagli. Tali sono i dipinti “Bull” (1647, L'Aia, Mauritshuis), “Dog on a Chain” (San Pietroburgo, Hermitage).
Natura morta olandese
Insieme alla pittura di paesaggio, nell'Olanda del XVII secolo si diffuse la natura morta, che si distingueva per il suo carattere intimo. Gli artisti olandesi sceglievano un'ampia varietà di oggetti per le loro nature morte, sapevano disporli perfettamente e rivelavano le caratteristiche di ogni oggetto e la sua vita interiore, indissolubilmente legata alla vita umana.
I pittori olandesi del XVII secolo Pieter Claes (c. 1597 - 1661) e Willem Heda (1594-1680/1682) dipinsero numerose versioni di "colazioni", raffiguranti prosciutti, panini rossi, torte di more, fragili bicchieri di vetro riempiti per metà di vino sul tavolo. tavolo, trasmettendo magistralmente in modo sorprendente il colore, il volume, la trama di ogni oggetto. Nel disordine si nota la presenza recente di una persona, la casualità della disposizione delle cose che gli sono appena servite. Ma questo disordine è solo apparente, poiché la composizione di ogni natura morta è rigorosamente pensata e trovata. Una sobria tavolozza tonale grigio-dorata, olivastra unisce gli oggetti e conferisce una sonorità speciale a quei colori puri che enfatizzano la freschezza di un limone appena tagliato o la morbida seta di un nastro blu.
Col tempo, le “colazioni” dei maestri della natura morta, i pittori Claes e Heda, lasciano il posto ai “dessert” degli artisti olandesi Abraham van Beyeren (1620/1621-1690) e Willem Kalf (1622-1693). Le nature morte di Beyeren sono rigorose nella composizione, emotivamente ricche e colorate. Per tutta la sua vita, Willem Kalf dipinse in modo libero e democratico “cucine”: pentole, verdure e nature morte aristocratiche nella selezione di oggetti squisiti e preziosi, pieni di sobria nobiltà, come vasi d'argento, tazze, conchiglie sature della combustione interna di colori.
Nel suo ulteriore sviluppo, la natura morta segue lo stesso percorso di tutta l'arte olandese, perdendo la sua democrazia, la sua spiritualità e poesia, il suo fascino. La natura morta si trasforma in decorazione per la casa di clienti di alto rango. Nonostante tutta la loro decoratività e abile esecuzione, le ultime nature morte anticipano il declino della pittura olandese.
La degenerazione sociale e la nota aristocratizzazione della borghesia olandese nell'ultimo terzo del XVII secolo diedero origine a una tendenza alla convergenza con le visioni estetiche della nobiltà francese, portando all'idealizzazione delle immagini artistiche e alla loro riduzione. L’arte sta perdendo i legami con la tradizione democratica, perdendo le sue basi realistiche ed entrando in un periodo di declino a lungo termine. Gravemente esaurita dalle guerre con l'Inghilterra, l'Olanda sta perdendo la sua posizione di grande potenza commerciale e di importante centro artistico.
Arte francese del XVII secolo
Nell'arte francese del XVII secolo, le idee sull'uomo e sul suo posto nella società, generate al tempo della formazione delle monarchie centralizzate in Europa, si riflettevano in modo più completo. Paese classico dell'assolutismo, che assicurò la crescita delle relazioni borghesi, la Francia conobbe una crescita economica e divenne una potente potenza europea. La lotta per l’unificazione nazionale contro l’ostinazione feudale e l’anarchia ha contribuito al rafforzamento dell’alta disciplina della mente, del senso di responsabilità individuale per le proprie azioni e dell’interesse per i problemi statali. Il filosofo Cartesio sviluppò una teoria della volontà, proclamando il dominio della ragione umana. Invocava la conoscenza di sé e la conquista della natura, vedendo il mondo come un meccanismo razionalmente organizzato. Il razionalismo divenne un tratto caratteristico della cultura francese. Verso la metà del XVII secolo era emersa una lingua letteraria nazionale: affermava i principi di chiarezza logica, accuratezza e senso delle proporzioni. Nelle opere di Corneille e Racine, la tragedia classica francese raggiunse il suo apogeo. Nei suoi drammi, Moliere ha ricreato la “commedia umana”. La Francia stava vivendo un periodo di fioritura della cultura nazionale; non era un caso che Voltaire definisse il XVII secolo “grande”.
La cultura francese del XVII secolo si formò nelle condizioni dell'instaurazione dell'assolutismo. Tuttavia, la sua diversità e incoerenza determinarono l’ampio movimento per l’unificazione nazionale. Trovò risposte vivide agli acuti conflitti sociali che accompagnarono la nascita di una nuova società. Le rivolte contadine e urbane e il grande movimento democratico della Fronda parlamentare scossero le fondamenta dello Stato nella prima metà del XVII secolo. Su questa base sono nate le utopie, i sogni di una società ideale basata sulle leggi della ragione e della giustizia e la critica libera del pensiero all'assolutismo. Lo sviluppo dell'arte francese nel XVII secolo attraversò due fasi, coincidenti con la prima e la seconda metà del secolo.
Arte dell'Europa occidentale del XVIII secolo
Il XVIII secolo nell’Europa occidentale rappresenta l’ultima tappa di una lunga transizione dal feudalesimo al capitalismo. Verso la metà del secolo il processo primitivo di accumulazione del capitale era terminato, la lotta era condotta in tutte le sfere della coscienza sociale e maturava una situazione rivoluzionaria. Successivamente portò al predominio delle forme classiche del capitalismo sviluppato. Nel corso di un secolo si verificò un gigantesco crollo di tutti i fondamenti, concetti e criteri sociali e statali per valutare la vecchia società. Sorse un pubblico civilizzato, apparvero periodici, si formarono partiti politici e ci fu una lotta per l'emancipazione dell'uomo dalle catene di una visione del mondo feudale-religiosa.
Nelle belle arti è aumentata l'importanza della riflessione direttamente realistica della vita. La sfera dell'arte si espanse, divenne un esponente attivo delle idee di liberazione, piena di attualità, spirito combattivo e smascherò i vizi e le assurdità non solo della società feudale, ma anche della società borghese emergente. Propone anche un nuovo ideale positivo della personalità libera di una persona, libera da idee gerarchiche, che sviluppa capacità individuali e allo stesso tempo dotata di un nobile senso di cittadinanza. L'arte divenne nazionale, facendo appello non solo a una cerchia di raffinati intenditori, ma a un ampio ambiente democratico.
| Le belle arti del XVIII secolo, nelle opere migliori, sono caratterizzate dall'analisi delle più sottili esperienze umane, dalla riproduzione delle sfumature dei sentimenti e degli stati d'animo. L'intimità, il lirismo delle immagini, ma anche l'osservazione analitica (a volte spietata) sono tratti caratteristici dell'arte del XVIII secolo. sia nel genere della ritrattistica che nella pittura di tutti i giorni. Queste caratteristiche della percezione artistica della vita sono il contributo del XVIII secolo allo sviluppo della cultura artistica mondiale, anche se va riconosciuto che ciò è stato ottenuto a costo della perdita della completezza universale nella rappresentazione della vita spirituale, dell'integrità nella l'incarnazione delle visioni estetiche della società, caratteristiche della pittura di Rubens, Velazquez, Rembrandt, Poussin. | |
Le principali tendenze nello sviluppo sociale e ideologico dell'Europa occidentale nel XVIII secolo si manifestarono in modo non uniforme nei diversi paesi. Se in Inghilterra la rivoluzione industriale, avvenuta a metà del XVIII secolo, consolidò il compromesso tra borghesia e nobiltà, allora in Francia il movimento antifeudale fu più diffuso e preparò la rivoluzione borghese. Comune a tutti i paesi era la crisi del feudalesimo, la sua ideologia, la formazione di un ampio movimento sociale: l'Illuminismo, con il suo culto della Natura primaria e incontaminata e della Ragione che lo protegge, con la sua critica alla moderna civiltà corrotta e il sogno di l'armonia della natura benigna e una nuova civiltà democratica gravitante verso la condizione naturale.
Il Settecento è il secolo della Ragione, dello scetticismo e dell'ironia distruttivi, il secolo dei filosofi, dei sociologi, degli economisti; Si svilupparono le scienze naturali esatte, la geografia, l'archeologia, la storia e la filosofia materialista legate alla tecnologia. Invadendo la quotidianità mentale dell'epoca, la conoscenza scientifica creò le basi per un'accurata osservazione e analisi della realtà per l'arte. L'Illuminismo proclamò che lo scopo dell'arte è l'imitazione della natura, ma una natura ordinata, migliorata (Diderot, A. Pop), purificata dalla ragione dagli effetti dannosi della civiltà creata dall'uomo, creata da un regime assolutista, dalla disuguaglianza sociale, dall'ozio e dalla lusso. Il razionalismo del pensiero filosofico ed estetico del XVIII secolo, tuttavia, non soppresse la freschezza e la sincerità dei sentimenti, ma diede origine alla ricerca della proporzionalità, della grazia e della completezza armoniosa dei fenomeni artistici, dai complessi architettonici all'arte applicata. Gli illuministi attribuivano grande importanza nella vita e nell'arte al sentimento: il fulcro delle aspirazioni più nobili dell'umanità, un sentimento assetato di azioni mirate che contiene il potere che rivoluziona la vita, un sentimento capace di far rivivere le virtù primordiali dell '"uomo naturale" ( Defoe, Rousseau, Mercier), seguendo le leggi naturali della natura.
L'aforisma di Rousseau "Un uomo è grande solo per i suoi sentimenti" esprimeva uno degli aspetti notevoli della vita sociale del XVIII secolo, che diede origine a un'analisi psicologica approfondita e sofisticata in un ritratto e genere realistico, il paesaggio lirico è intriso con la poesia dei sentimenti (Gainsborough, Watteau, Berne, Robert) “romanzo lirico”, “poesie in prosa” (Rousseau, Prevost, Marivaux, Fielding, Stern, Richardson), raggiunge la sua massima espressione nel sorgere della musica (Handel , Bach, Gluck, Haydn, Mozart, operisti italiani). Gli eroi delle opere artistiche di pittura, grafica, letteratura e teatro del XVIII secolo erano, da un lato, "piccole persone" - persone, come tutti gli altri, collocate nelle solite condizioni dell'epoca, non viziate da ricchezza e privilegi , soggetto ai normali movimenti naturali dell'anima, contento di modesta felicità. Artisti e scrittori ammiravano la loro sincerità, ingenua spontaneità dell'anima, vicina alla natura. D'altra parte, l'attenzione si concentra sull'ideale di una persona intellettuale civilizzata emancipata, generata dalla cultura illuminista, un'analisi della sua psicologia individuale, stati mentali e sentimenti contraddittori con le loro sfumature sottili, impulsi inaspettati e stati d'animo riflessivi.
L'osservazione acuta e una raffinata cultura del pensiero e del sentimento sono caratteristiche di tutti i generi artistici del XVIII secolo. Gli artisti hanno cercato di catturare situazioni di vita quotidiana di varie sfumature, immagini individuali originali, gravitate verso narrazioni divertenti e spettacoli incantevoli, azioni di conflitto acuto, intrighi drammatici e trame comiche, grottesche sofisticate, buffonerie, pastorali aggraziate, feste galanti.
Nuovi problemi furono sollevati anche in architettura. Diminuì l'importanza della costruzione delle chiese, e aumentò il ruolo dell'architettura civile, squisitamente semplice, aggiornata, liberata da un'eccessiva imponenza. In alcuni paesi (Francia, Russia, in parte Germania) si stavano risolvendo i problemi della pianificazione delle città del futuro. Nascono utopie architettoniche (paesaggi architettonici grafici - Giovanni Battista Piranesi e la cosiddetta “architettura di carta”). Divenne caratteristico il tipo di edificio residenziale privato, solitamente intimo, e gli insiemi urbani di edifici pubblici. Allo stesso tempo, nell'arte del XVIII secolo, rispetto alle epoche precedenti, la percezione sintetica e la pienezza della copertura della vita diminuirono. Il precedente legame tra pittura monumentale, scultura e architettura fu interrotto; in essi si intensificarono le caratteristiche della pittura da cavalletto e della decoratività. L'arte della vita quotidiana e le forme decorative divennero oggetto di un culto speciale. Allo stesso tempo, l'interazione e l'arricchimento reciproco di vari tipi di arte aumentarono; i risultati ottenuti da un tipo di arte furono utilizzati più liberamente da altri. Pertanto, l'influenza del teatro sulla pittura e sulla musica è stata molto fruttuosa.
L'arte del XVIII secolo attraversò due fasi. Il primo durò fino al 1740-1760. È caratterizzato dalla modificazione delle forme tardo barocche nello stile decorativo rococò. L'originalità dell'arte della prima metà del XVIII secolo risiede nella combinazione di scetticismo e raffinatezza spiritosi e beffardi. Quest'arte, da un lato, è raffinata, analizzando le sfumature dei sentimenti e degli stati d'animo, cercando un'intimità aggraziata, un lirismo sobrio, dall'altro, gravitando verso la "filosofia del piacere", verso immagini favolose dell'Oriente - Arabi, Cinesi, persiani. Contemporaneamente al rococò, si sviluppò una direzione realistica: tra alcuni maestri acquisì un carattere acutamente accusatorio (Hogarth, Swift). La lotta tra le tendenze artistiche all'interno delle scuole nazionali si è manifestata apertamente. La seconda fase è associata all’approfondimento delle contraddizioni ideologiche, alla crescita dell’autocoscienza e all’attività politica della borghesia e delle masse. A cavallo tra il 1760 e il 1770. L'Accademia reale di Francia si oppose all'arte rococò e cercò di far rivivere lo stile cerimoniale e idealizzante dell'arte accademica della fine del XVII secolo. I generi galanti e mitologici lasciarono il posto a quello storico con trame prese in prestito dalla storia romana. Erano destinati a sottolineare la grandezza della monarchia, che aveva perso la sua autorità, secondo l’interpretazione reazionaria delle idee dell’“assolutismo illuminato”. I rappresentanti del pensiero progressista si sono rivolti all'eredità dell'antichità. In Francia, il conte di Queylus aprì un'era scientifica di ricerche in questo settore (Antichità raccolte, 7 volumi, 1752-1767). A metà del XVIII secolo, l’archeologo e storico dell’arte tedesco Winckelmann (Storia dell’arte dell’antichità, 1764) invitava gli artisti a ritornare “alla nobile semplicità e alla calma grandiosità dell’arte antica, che riflette la libertà dei greci e dei romani di l’era repubblicana”. Il filosofo francese Diderot ha trovato storie nella storia antica che denunciavano i tiranni e invocavano una rivolta contro di loro. Sorse il classicismo, contrapponendo la decoratività del rococò alla semplicità naturale, l'arbitrarietà soggettiva delle passioni: conoscenza delle leggi del mondo reale, senso delle proporzioni, nobiltà di pensiero e azione. Per la prima volta, gli artisti hanno studiato l'arte dell'antica Grecia nei monumenti appena scoperti. La proclamazione di una società ideale e armoniosa, il primato del dovere sul sentimento, il pathos della ragione sono caratteristiche comuni del classicismo dei secoli XVII e XVIII. Tuttavia, il classicismo del XVII secolo, sorto sulla base dell'unificazione nazionale, si sviluppò nel contesto del fiorire della società nobile. Il classicismo del XVIII secolo era caratterizzato da un orientamento rivoluzionario antifeudale. Era chiamato a unire le forze progressiste della nazione per combattere l’assolutismo. Fuori dalla Francia, il classicismo non ebbe il carattere rivoluzionario che lo caratterizzò nei primi anni della Rivoluzione francese.
Contemporaneamente al classicismo, sperimentando la sua influenza, il movimento realistico continuò a vivere. In esso emersero tendenze razionalistiche: gli artisti cercarono di generalizzare i fenomeni della vita.
Nella seconda metà del XVIII secolo nacque il sentimentalismo con il culto del sentimento e della passione, l'ammirazione per tutto ciò che è semplice, ingenuo e sincero. Sorse un movimento pre-romantico correlato nell'arte e sorse l'interesse per il Medioevo e le forme di arte popolare. I rappresentanti di questi movimenti affermavano il valore dei sentimenti nobili e attivi dell’uomo, rivelavano il dramma dei suoi conflitti con l’ambiente, che incoraggiavano l’intervento negli affari pubblici reali in nome del trionfo della giustizia. Hanno aperto la strada “alla conoscenza del cuore umano e all'arte magica di presentare agli occhi l'origine, lo sviluppo e il crollo di una grande passione” (Lessing) ed hanno espresso il bisogno emergente di un'arte eccitata e patetica.
Arte del XIX secolo
Nel corso del XIX secolo, il capitalismo divenne la formazione dominante non solo in Europa, ma anche in altri continenti. Fu durante questo periodo che la lotta tra due culture si intensificò bruscamente: quella democratica progressista e quella borghese reazionaria. Esprimendo le idee avanzate dell'epoca, l'arte realistica del XIX secolo affermò i valori estetici della realtà e glorificava la bellezza della natura reale e dei lavoratori. Il realismo del XIX secolo differiva dai secoli precedenti in quanto rifletteva direttamente nell'arte le principali contraddizioni dell'epoca e le condizioni sociali della vita delle persone. Le posizioni critiche determinarono la base del metodo dell'arte realistica del XIX secolo. La sua incarnazione più coerente fu l'arte del realismo critico, il contributo più prezioso alla cultura artistica dell'epoca.
Vari settori della cultura nel XIX secolo si svilupparono in modo non uniforme. La letteratura mondiale (Victor Hugo, Honoré Balzac, Henri Stendhal, Fëdor Dostoevskij, Lev Tolstoj) e la musica (Johann Beethoven, Frederic Chopin, Richard Wagner) raggiungono le vette più alte. Per quanto riguarda l'architettura e l'arte applicata, dopo l'ascesa che ha definito lo stile Impero, entrambe queste forme d'arte stanno attraversando una fase di crisi. C'è un crollo delle forme monumentali, dell'unità stilistica come sistema artistico integrale, che copre tutti i tipi di arte. Lo sviluppo più completo si ottiene con le forme da cavalletto della pittura, della grafica e in parte della scultura, che nelle sue migliori manifestazioni tende verso forme monumentali.
Con l'originalità nazionale nell'arte di qualsiasi paese capitalista, si rafforzano le caratteristiche comuni: una valutazione critica dei fenomeni della vita, lo storicismo del pensiero, cioè una comprensione oggettiva più profonda delle forze trainanti dello sviluppo sociale sia delle fasi storiche passate che del presente. Uno dei principali risultati dell'arte del XIX secolo fu lo sviluppo di temi storici, in cui per la prima volta fu rivelato il ruolo non solo dei singoli eroi, ma anche delle masse, e l'ambiente storico fu ricreato in modo più specifico. Si stanno diffondendo tutti i tipi di ritratti, generi quotidiani e paesaggi con un pronunciato carattere nazionale. La grafica satirica è fiorente.
Con la vittoria del capitalismo, la principale forza interessata a limitare e reprimere le tendenze realistiche e democratiche dell’arte diventa la grande borghesia. Le opere dei protagonisti della cultura europea Constable, Goya, Géricault, Delacroix, Daumier, Courbet e Manet furono spesso perseguitate. Le mostre erano piene di opere raffinate dei cosiddetti salon artist, cioè coloro che dominavano i salotti d'arte. Per soddisfare i gusti e le esigenze della clientela borghese, coltivavano descrizioni superficiali, motivi erotici e di intrattenimento e uno spirito di apologetica per i principi borghesi e il militarismo.
Già nel 1860 Karl Marx notava che “la produzione capitalista è ostile a certi rami della produzione spirituale, come l’arte e la poesia”. La borghesia è interessata all'arte principalmente o come investimento redditizio (collezionismo) o come bene di lusso. Naturalmente c’erano collezionisti con una vera comprensione dell’arte e del suo scopo, ma queste erano solo alcune eccezioni alla regola. In generale, agendo come creatrice di gusto e principale consumatrice d'arte, la borghesia imponeva agli artisti la sua comprensione limitata dell'arte. Lo sviluppo della produzione diffusa e di massa, con la sua impersonalità e la dipendenza dal mercato, ha comportato la soppressione della creatività. La divisione del lavoro nella produzione capitalistica favorisce lo sviluppo unilaterale dell’individuo e priva il lavoro stesso dell’integrità creativa. Quando parlavano dell’ostilità del capitalismo nei confronti dell’arte, Marx ed Engels non intendevano l’impossibilità generale del progresso artistico nei secoli XIX e XX. I fondatori del comunismo scientifico nelle loro opere apprezzarono molto i risultati, ad esempio, del realismo critico del XIX secolo.
La linea artistica democratica, che rivela il ruolo del popolo come forza trainante della storia e afferma i valori estetici della cultura democratica della nazione, attraversa diverse fasi di sviluppo. Nella prima fase, dalla Grande Rivoluzione francese del 1789-1794 al 1815 (il tempo della lotta di liberazione nazionale dei popoli contro l'aggressione napoleonica), l'essenza di sfruttamento della società borghese non era ancora pienamente realizzata. L'arte democratica si forma nella lotta contro i resti della nobile cultura artistica, nonché le manifestazioni dei limiti dell'ideologia borghese. Le più alte conquiste dell'arte in questo momento erano associate al pathos rivoluzionario delle masse, che credevano nella vittoria degli ideali di libertà, uguaglianza e fraternità. Questo è il periodo di massimo splendore del classicismo rivoluzionario e l'emergere dell'arte romantica e realistica.
La seconda fase, dal 1815 al 1849, coincide con l’instaurazione del sistema capitalista nella maggior parte dei paesi europei. Nell'arte democratica avanzata di questa fase si passa a una critica decisiva dell'essenza sfruttatrice della società borghese. Questo è il periodo di massima fioritura del romanticismo rivoluzionario e della formazione dell'arte del realismo critico.
Con l’intensificarsi delle contraddizioni di classe tra borghesia e proletariato, che raggiunsero il loro apogeo durante la Comune di Parigi (1871), l’antagonismo tra la cultura borghese reazionaria e quella democratica divenne ancora più pronunciato. Alla fine del XIX secolo, la critica al sistema capitalista, sia nella letteratura che nelle opere d'arte, veniva condotta dalla posizione di rafforzamento della visione del mondo del proletariato rivoluzionario.
Informazioni correlate.
Fino alla fine del XVI secolo la pittura olandese era indissolubilmente legata a quella fiamminga e aveva il nome generico di “scuola dei Paesi Bassi”. Entrambi, essendo un ramo della pittura tedesca, considerano i fratelli van Eyck i loro antenati e si muovono nella stessa direzione da molto tempo, sviluppando la stessa tecnica, così che gli artisti olandesi non sono diversi dalle loro Fiandre e fratelli Brabante.
Quando il popolo olandese si sbarazzò dell’oppressione della Spagna, la pittura olandese acquisì un carattere nazionale. Gli artisti olandesi si distinguono per la riproduzione della natura con amore speciale in tutta la sua semplicità e verità e per un sottile senso del colore.
Gli olandesi furono i primi a capire che anche nella natura inanimata tutto respira vita, tutto è attraente, tutto è capace di evocare il pensiero e di eccitare il movimento del cuore.
Tra i paesaggisti che interpretano la loro natura nativa, è particolarmente apprezzato Jan van Goyen (1595-1656), che, insieme a Ezaias van de Velde (c. 1590-1630) e Pieter Moleyn il Vecchio (1595-1661), è considerato il fondatore del paesaggio olandese.
Ma gli artisti olandesi non possono essere divisi in scuole. L'espressione “scuola di pittura olandese” è molto arbitraria. In Olanda esistevano società organizzate di artisti, che erano corporazioni libere che proteggevano i diritti dei loro membri e non influenzavano l'attività creativa.
Particolarmente brillante nella storia brilla il nome di Rembrandt (1606-1669), nella cui personalità si concentravano tutte le migliori qualità della pittura olandese e la sua influenza si rifletteva in tutte le sue tipologie: ritratti, dipinti storici, scene quotidiane e paesaggi.
Nel XVII secolo si sviluppò con successo la pittura quotidiana, i cui primi esperimenti furono notati nell'antica scuola olandese. In questo genere, i nomi più famosi sono Cornelis Beg (1620-64), Richart Brackenburg (1650-1702), Cornelis Dusart (1660-1704) Henrik Roques, soprannominato Sorg (1621-82),
Gli artisti che dipingevano scene di vita militare possono essere classificati come pittori di genere. Il principale rappresentante di questo ramo della pittura è il celebre e straordinariamente prolifico Philips Wouwerman (1619-68)
In una categoria speciale possiamo individuare i maestri che nei loro dipinti combinavano paesaggi con immagini di animali.Il più famoso tra questi pittori di idilli rurali è Paulus Potter (1625-54); Albert Cuyp (1620-91).
Gli artisti olandesi hanno prestato la massima attenzione al mare.
Nelle opere di Willem van de Velde il Vecchio (1611 o 1612-93), del suo famoso figlio Willem van de Velde il Giovane (1633-1707), Ludolf Backhuisen (1631-1708), la pittura di vedute del mare era la loro specialità.
Nel campo della natura morta, i più famosi furono Jan-Davids de Gem (1606-83), suo figlio Cornelis (1631-95), Abraham Mignon (1640-79), Melchior de Gondecoeter (1636-95), Maria Osterwijk (1630-93).
Il brillante periodo della pittura olandese non durò a lungo: solo un secolo.
Dall'inizio del XVIII secolo. il suo declino sta arrivando, la ragione di ciò sono i gusti e le opinioni dell'era pomposa di Luigi XIV. Invece di un rapporto diretto con la natura, amore per ciò che è nativo e sincerità, si stabilisce il predominio di teorie preconcette, convenzioni e imitazione dei luminari della scuola francese. Il principale propagatore di questa deplorevole tendenza fu il fiammingo Gerard de Leresse (1641-1711), che si stabilì ad Amsterdam.
Il declino della scuola fu facilitato anche dal famoso Adrian van de Werff (1659-1722), il cui colore opaco dei suoi dipinti un tempo sembrava il massimo della perfezione.
L'influenza straniera pesò pesantemente sulla pittura olandese fino agli anni venti del XIX secolo.
Successivamente, gli artisti olandesi si sono rivolti alla loro antichità, alla rigorosa osservazione della natura.
L'ultimo dipinto olandese di paesaggisti è particolarmente ricco. Questi includono Andreas Schelfhout (1787-1870), Barent Koekkoek (1803-1862), Anton Mauwe (1838-88), Jacob Maris (nato nel 1837), Johannes Weissenbruch (1822-1880) e altri.
Tra i pittori marini più recenti in Olanda, la palma appartiene a Johannes Schotel (1787-1838).
Wouters Verschoor (1812-74) mostrò una grande abilità nel dipingere animali.
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Nel frattempo, questa è un'area speciale della cultura europea degna di uno studio più dettagliato, che riflette la vita originale del popolo olandese dell'epoca.
Storia dell'apparenza
Rappresentanti di spicco delle arti artistiche cominciarono ad apparire nel paese nel XVII secolo. I culturologi francesi hanno dato loro un nome comune: "piccolo olandese", che non è correlato alla scala del talento e denota un attaccamento a determinati temi della vita quotidiana, opposto allo stile "grande" con grandi tele su argomenti storici o mitologici. La storia dell'emergere della pittura olandese fu descritta in dettaglio nel diciannovesimo secolo e anche gli autori di opere a riguardo usarono questo termine. I “piccoli olandesi” si distinguevano per il realismo secolare, si rivolgevano al mondo e alle persone circostanti e usavano una pittura ricca di toni.
Principali fasi dello sviluppo
La storia della pittura olandese può essere suddivisa in diversi periodi. Il primo durò all'incirca dal 1620 al 1630, quando il realismo si affermò nell'arte nazionale. La pittura olandese conobbe il suo secondo periodo nel 1640-1660. Questo è il periodo in cui la scuola d'arte locale fiorì davvero. Infine, il terzo periodo, il periodo in cui la pittura olandese iniziò a declinare, dal 1670 all'inizio del XVIII secolo.
Vale la pena notare che i centri culturali sono cambiati durante questo periodo. Nel primo periodo, i principali artisti lavorarono ad Haarlem e il principale rappresentante era Khalsa. Successivamente la sede si spostò ad Amsterdam, dove le opere più significative furono realizzate da Rembrandt e Vermeer.
Scene di vita quotidiana
Quando si elencano i generi più importanti della pittura olandese, è imperativo iniziare con il quotidiano, il più vivido e originale della storia. Furono i fiamminghi a rivelare al mondo scene della vita quotidiana della gente comune, contadini, cittadini o borghesi. I pionieri furono Ostade e i suoi seguaci Audenrogge, Bega e Dusart. Nei primi dipinti di Ostade, le persone giocano a carte, litigano e persino litigano in una taverna. Ogni dipinto si distingue per un carattere dinamico, un po' brutale. La pittura olandese di quei tempi parla anche di scene pacifiche: in alcune opere, i contadini parlano davanti a una pipa e un bicchiere di birra, trascorrono del tempo in una fiera o con le loro famiglie. L'influenza di Rembrandt portò all'uso diffuso del chiaroscuro morbido e dorato. Le scene urbane hanno ispirato artisti come Hals, Leicester, Molenaar e Codde. A metà del diciassettesimo secolo, i maestri raffiguravano medici, scienziati nel processo di lavoro, i propri laboratori, le faccende domestiche o ogni trama avrebbe dovuto essere divertente, a volte grottescamente didattica. Alcuni maestri erano inclini a poeticizzare la vita di tutti i giorni, ad esempio Terborch raffigurava scene di musica o flirt. Metsu ha utilizzato colori vivaci, trasformando la vita di tutti i giorni in una celebrazione, mentre de Hooch si è ispirato alla semplicità della vita familiare, immersa nella luce del giorno diffusa. I rappresentanti successivi del genere, che includono maestri della pittura olandesi come Van der Werff e Van der Neer, nella loro ricerca di una rappresentazione elegante, spesso crearono soggetti alquanto pretenziosi.
Natura e paesaggi
Inoltre, la pittura olandese è ampiamente rappresentata nel genere paesaggistico. Emerse per la prima volta nelle opere di maestri di Haarlem come van Goyen, de Moleyn e van Ruisdael. Furono loro che iniziarono a rappresentare le zone rurali con una certa luce argentata. L'unità materiale della natura è venuta alla ribalta nelle sue opere. I paesaggi marini meritano una menzione separata. I Marinisti del XVII secolo includevano Porsellis, de Vlieger e van de Capelle. Non si sono sforzati tanto di trasmettere alcune scene marine quanto hanno cercato di rappresentare l'acqua stessa, i giochi di luce su di essa e nel cielo.
Nella seconda metà del diciassettesimo secolo emersero nel genere opere più emotive con idee filosofiche. Jan van Ruisdael ha rivelato al massimo la bellezza del paesaggio olandese, raffigurandolo in tutta la sua drammaticità, dinamica e monumentalità. Hobbem, che preferiva i paesaggi soleggiati, continuò le sue tradizioni. Koninck dipinse panorami e van der Neer creò paesaggi notturni e rese il chiaro di luna, l'alba e il tramonto. Numerosi artisti si caratterizzano anche per la rappresentazione di animali in paesaggi, ad esempio mucche e cavalli al pascolo, nonché scene di caccia e con cavalieri. Successivamente, gli artisti iniziarono a interessarsi alla natura straniera: entrambi, van Laar, Wenix, Berchem e Hackert raffigurarono l'Italia bagnata dai raggi del sole del sud. Il fondatore del genere fu Sanredam, i cui migliori seguaci possono essere chiamati i fratelli Berkheide e Jan van der Heijden.
Immagine degli interni
Un genere separato che ha distinto la pittura olandese nel suo periodo di massimo splendore può essere chiamato scene con chiese, palazzi e stanze domestiche. Gli interni apparvero nei dipinti della seconda metà del diciassettesimo secolo dei maestri di Delft - Haukgeest, van der Vliet e de Witte, che divennero i principali rappresentanti del movimento. Utilizzando le tecniche di Vermeer, gli artisti hanno raffigurato scene immerse nella luce del sole, piene di emozioni e volume.
Piatti e piatti pittoreschi
Infine, un altro genere caratteristico della pittura olandese è la natura morta, in particolare la raffigurazione delle colazioni. Fu ripreso per la prima volta dai residenti di Haarlem Claes e Heda, che dipinsero tavole imbandite con piatti lussuosi. Il disordine pittoresco e il trasporto speciale di un interno accogliente sono pieni di luce grigio-argento, caratteristica dell'argento e del peltro. Gli artisti di Utrecht dipingevano lussureggianti nature morte floreali e all'Aia gli artisti erano particolarmente bravi a rappresentare pesci e rettili marini. A Leida è nata una direzione filosofica del genere, in cui teschi e clessidre convivono con simboli di piacere sensuale o gloria terrena, progettati per ricordare la caducità del tempo. Le nature morte da cucina democratiche divennero un segno distintivo della scuola d'arte di Rotterdam.