RACCONTI DI CATERINA II
Caterina II difficilmente può essere definita una buona madre: il suo difficile rapporto con l'unico figlio Paolo (il futuro Paolo I) è un fatto storico ben noto. Il ragazzo è cresciuto lontano da sua madre e la vedeva raramente. Caterina II rimosse arbitrariamente suo figlio dal potere quando suo padre, Pietro III, morì durante un colpo di stato. Per tutta la vita, Pavel sospettò che sua madre fosse coinvolta nella morte di suo padre e non poté perdonarla per questo. Ma Caterina II era una nonna premurosa e sensibile.
Si aspettava di consegnare direttamente le redini del governo a suo nipote Alexander, quindi è stata coinvolta lei stessa nella sua educazione e istruzione. Per l'edificazione di suo nipote, l'imperatrice scrisse "La storia del principe Cloro" (la storia di un giovane che superò ogni sorta di ostacoli alla ricerca di una rosa magica senza spine) e "La storia del principe Tebe", dedicata a le regole di comportamento dell'erede al trono.
Gli studiosi di letteratura considerano le opere di Caterina II le prime fiabe letterarie nella storia della cultura russa.
“Il principe rispose:
Cerchiamo una rosa senza spine, che non punga.
"Ho sentito", disse il giovane, "dal nostro insegnante, di una rosa senza spine che non punge". Questo fiore non è altro che virtù. Altri pensano di raggiungerlo per sentieri tortuosi, ma vi conduce solo una strada diritta. Ecco il monte che hai in mente, sul quale cresce una rosa senza spine, che non punge; ma la strada è ripida e rocciosa.
Caterina II, "La storia del principe Cloro"
RITRATTI DI ILYA REPIN
La vita familiare di Ilya Repin con la sua prima moglie Vera è stata molto difficile. Ma i problemi nel rapporto con sua moglie non hanno influenzato in alcun modo i sentimenti dell'artista nei confronti dei suoi figli: Repin li amava moltissimo. La figlia maggiore Vera divenne spesso l'eroina dei suoi dipinti, ad esempio le opere “Ritratto di Vera Repina” (1878), “Dragonfly” (1884), “Autumn Bouquet” (1892). Repin dipinse non meno spesso anche la sua seconda figlia Nadya - è raffigurata anche nei dipinti "Ritratto di Nadya Repina" (1881), "In the Sun" (1900). L'unico figlio di Repin, Yuri, che in seguito divenne lui stesso un artista, posò per suo padre per il suo ritratto d'infanzia nel 1882.
RITRATTI DI KONSTANTIN MAKOVSKY
Konstantin Makovsky è stato sposato tre volte. Il suo primo matrimonio fu di breve durata: Makovsky rimase vedovo subito dopo il matrimonio. Ma ha vissuto con la sua seconda moglie, Yulia Letkova, per più di 20 anni felici. Da questo matrimonio ebbero tre figli, che divennero i modelli preferiti dell’artista. Nel "Ritratto di famiglia" ha raffigurato sua moglie con il figlio Sergei e la figlia Elena. Il giovane Sergei divenne l'eroe di altri dipinti, ad esempio "Il piccolo ladro" (1881), "Il piccolo antiquario" e "Ritratto di un figlio in costume da marinaio".
Già in età avanzata, Makovsky incontrò la sua terza moglie, per la quale lasciò la sua famiglia precedente. Makovsky dipinse i quattro figli nati da questo matrimonio (Konstantin, Olga, Marina e Nikolai) tanto spesso quanto gli anziani.
RITRATTI DI VALENTIN SEROV
Valentin Serov era il padre di una famiglia numerosa: sua moglie Olga Trubnikova ha dato alla luce all'artista sei figli, che Serov dipingeva spesso. Tra i famosi ritratti di bambini dell'artista ci sono il ritratto marino “Bambini (Sasha e Yura Serov)”, il ritratto di “Misha Serov”, il disegno ad acquerello “Sasha Serov”, il dipinto “Figli dell'artista Olga e Antosha Serov”. La vita dei figli di Valentin Serov si sviluppò diversamente: la figlia maggiore Olga divenne un'artista, il figlio Yuri divenne un attore cinematografico e Alexander Serov, un costruttore navale e pilota militare, emigrò in Libano, dove era impegnato nella costruzione di strade.
RITRATTI DI ZINAIDA SEREBRYAKOVA
Prima della rivoluzione, Zinaida Serebryakova viveva felicemente con il marito Boris Serebryakov e quattro figli: Evgeny, Alexander, Tatyana ed Ekaterina. I bambini hanno posato con gioia per i ritratti dell'artista. Serebryakova ha raffigurato tre bambini nel dipinto “A pranzo”, separatamente: il figlio addormentato Zhenya in uno schizzo del 1908 e le figlie nel ritratto “Tata e Katya”. Nel 1919 la vita della famiglia cambiò: il marito di Serebryakova morì. Poi l'artista iniziò a dipingere i suoi figli ancora più spesso, cercando in loro consolazione. Il periodo post-rivoluzionario dell’opera di Serebryakova comprende i dipinti “House of Cards”, “Sulla terrazza a Kharkov”, oltre a numerosi ritratti delle sue figlie. Nel 1924 Zinaida Serebryakova fu costretta a partire per la Francia e lasciare i suoi figli in URSS. Alcuni anni dopo, Alexander ed Ekaterina poterono farle visita, ma Serebryakova poté vedere Tatyana solo dopo 36 anni.
POESIE DI MARINA CVETAEVA
La Cvetaeva scriveva spesso nei dettagli dei suoi figli - Arianna, Irina e Georgiy - nei suoi diari e dedicava loro numerose poesie. La sua musa principale era Arianna. Le scrisse, ad esempio, “Poesie a sua figlia” e “Ale”. La Cvetaeva ha avuto difficoltà con la separazione forzata dalla figlia maggiore, quando ha dovuto mandare Arianna in un orfanotrofio, cosa che si riflette nella sua poesia "Piccolo spirito domestico, mio genio domestico". A Irina, che morì all'età di tre anni, la Cvetaeva dedicò una poesia altrettanto tragica, "Sotto il ruggito delle tempeste civili".
Sotto il ruggito delle tempeste civili,
In un momento difficile,
Ti do un nome: pace,
L'eredità è azzurra.
Allontanati, allontanati, nemico!
Dio ti benedica, Trino,
Erede delle benedizioni eterne
Piccola Irina!
Marina Cvetaeva
POESIE DI BORIS PASTERNAK
Negli anni '20 e '30, per molti poeti, le poesie per bambini erano l'unico modo per pubblicare senza timore di persecuzioni. Fu in questo periodo che furono pubblicate in edizioni separate due poesie "per bambini" di Pasternak, scritte però non tanto per guadagnare soldi, ma per leggerle al suo figlioletto Evgenij. Questi erano i libri "Menagerie" con illustrazioni di Nikolai Kupreyanov e "Carousel" con disegni di Nikolai Tyrsa. Da allora queste poesie sono state ripubblicate solo una volta, nel 2016. Lo stesso Pasternak, da bambino, ha ispirato suo padre, l'artista Leonid Pasternak, a creare diversi ritratti di bambini ("Ritratto di Boris Pasternak sullo sfondo del Mar Baltico", grafica "Boris Pasternak al pianoforte", "Scolaro addormentato") .
...Il ringhio lontano dei puma
Fondersi in un rumore discordante.
Il ringhio rimbomba nel parco,
E il cielo si sta facendo caldo,
Ma non c'è una nuvola in vista
Nel giardino zoologico.
Come vicini di buon carattere,
Gli orsi parlano ai bambini
E le stufe rumorose attutiscono
Talloni nudi di cuccioli di orso.
Correndo lungo la passerella piastrellata
Scendono in mutande
Tre orsi polari
In uno stagno di famiglia.
Boris Pasternak, Il serraglio
RACCONTI DI BULAT OKUDZHAVA
Quando Bulat Okudzhava viveva a Yalta alla fine degli anni '60, scriveva lettere a suo figlio con fiabe e disegnava per loro immagini divertenti. Non ha nemmeno pensato alla pubblicazione finché Bella Akhmadulina non ha visto questa corrispondenza. Su suo consiglio, Okudzhava ha combinato fiabe sparse in un'unica storia. È così che è apparso il libro "Lovely Adventures": la storia delle creature esotiche Craig the Kootenay Ram, the Good Snake e Sea Gridig. È stato pubblicato in URSS nel 1971 e veniva fornito con le illustrazioni dell'autore. Ben presto il libro fu tradotto in diverse lingue straniere.
«Ed ecco cosa ha detto Craig, il Kootenay Ram.
Un giorno stavo camminando sui Monti Kootenay. All'improvviso vedo: il lupo solitario e insidioso si sta avvicinando di soppiatto a me. Ho deciso di prenderlo in giro. Dopotutto, sono anche molto astuto. Non volevo litigare con lui, ma avrebbe ricordato la mia battuta per molto tempo.
Ho urlato e ho corso come il vento. Il lupo si precipitò dietro di me.
Sì! - egli gridò. - Non mi lascerai! Adesso ti mangio!
Mi aveva quasi raggiunto mentre mi dirigevo verso l'abisso profondo.
Sì! - gridò il Lupo.
E poi ho saltato. Ho volato sopra l'abisso molto facilmente: dopo tutto, sono molto abile e il Lupo Astuto Solitario è caduto.
Corse lungo il fondo dell'abisso, ma non riuscì a uscire. Poi gridò:
Salvami! Non lo farò mai più. Mangerò solo erba.
Gli ho calato la corda. Salì rapidamente e quando scese rise e disse:
E tu ci credevi, stupido... Davvero hai deciso che avrei mangiato l'erba? Ho davvero bisogno della tua stupida erba! Mi piace la carne! E adesso ti mangerò!
Stava per attaccarmi di nuovo, ma sono molto intelligente. Ho saltato e mi sono ritrovato dall’altra parte dell’abisso”.
Bulat Okudzhava, “Belle avventure”
A volte capita che opere d'arte di inestimabile valore vengano distrutte a causa della stupidità umana. Ecco perché nei musei e negli altri luoghi dove si trovano queste reliquie è vietato toccarle. Successivamente, ricordiamo 7 grandi opere d'arte che furono distrutte dall'uomo.
Vasi della dinastia Qing
La regola numero uno per visitare qualsiasi luogo che contenga opere d'arte di inestimabile valore è quella di allacciarsi sempre le scarpe. Nel febbraio 2006, Nick Flynn stava salendo le scale all'interno del Fitzwilliam Museum di Cambridge, in Inghilterra, quando improvvisamente calpestò i lacci delle scarpe slacciati e perse l'equilibrio. Agitando involontariamente le braccia e cercando di aggrapparsi a qualcosa (e non c'erano ringhiere sulle scale), afferrò tre vasi della dinastia Qing del 1600-1700. Flynn riuscì a scappare illeso, ma i vasi, del valore di circa £ 500.000, furono fatti a pezzi. Flynn, che è stato bandito dal museo a vita, ha definito l'incidente un semplice incidente. Di conseguenza, nell'agosto 2006 i vasi hanno potuto essere incollati insieme dalle 113 parti in cui si erano rotti.
Statua di Ercole
Ercole potrebbe aver avuto il potere degli dei, ma sfortunatamente questa proprietà non fu trasferita alle sculture erette in suo onore. Un anno fa, due turisti in visita al palazzo Loggia dei Militi a Cremona, in Italia, danneggiarono la Statua dei due Ercole, risalente a 300 anni fa, quando vi salirono sopra per farsi un selfie. I turisti sono riusciti a staccare un pezzo della corona da una delle due figure di marmo, dopo di che sono stati accusati di vandalismo.
Statua di re Sebastiano
Un visitatore di 24 anni nella capitale portoghese Lisbona si è arrampicato sulla statua di 125 anni sulla facciata della stazione Rossio il 3 maggio per scattare un selfie. La statua, che raffigurava il "re bambino" Sebastiano, che governò il Portogallo nel XVI secolo, cadde a terra e si ruppe. Il turista, che ha tentato di scappare, è stato catturato dalla polizia e alla fine dovrà affrontare un processo. Al momento non si conoscono i piani per il restauro della statua.
Questo uomo
Forse il tentativo più famoso ed esilarante di “restaurare” un oggetto d’arte nella storia è stato il tentativo della parrocchiana ottantenne Cecilia Jimenez di restaurare l’affresco dell’inizio del XX secolo con soggetto evangelico “Ecce Homo” (“Ecco l’uomo” ), che si trovava nel Tempio della Misericordia nella città spagnola Borja. Di conseguenza, il suo lavoro è stato riconosciuto come il peggior restauro della storia ed è diventato famoso su Internet con il nome di “Furry Jesus”.
Ciò non sorprende, dal momento che l'immagine sull'affresco cominciò a somigliare non all'originale, ma a una specie di soffice scimmia. Sebbene inizialmente la chiesa avesse pianificato di assumere conservatori d'arte professionisti per riparare il murale, nel 2014 hanno cambiato idea. Il lavoro di Jimenez è diventato un'importante attrazione turistica, spingendo 150.000 visitatori da tutto il mondo a venire a Borja per 1,25 dollari per vedere l'insolito murale.
Statua della Vergine Maria
Nel 2013, un turista americano del Missouri ha visitato il Museo dell'Opera del Duomo a Firenze, in Italia. Lì si avvicinò a una statua della Vergine Maria di 600 anni di Giovanni d'Ambrogio e per qualche motivo cercò di confrontare il suo mignolo con il suo. Di conseguenza, il dito della scultura si è rotto, ma fortunatamente si è rivelato essere di gesso.
Satiro ubriaco
La buona notizia è che questa statua di Milano, che ha perso la gamba sinistra a causa di sconosciuti appassionati di selfie nel 2014, era solo una replica di un'altra statua che risale al 220 a.C. La brutta notizia è che la replica era molto preziosa e piuttosto antica (opera del 1800). In questa sezione dell'Accademia di Belle Arti di Brera a Milano non erano installate telecamere a circuito chiuso, ma i testimoni hanno visto uno studente turista salire sulla statua e sedersi sulle sue ginocchia per scattare una foto. Lo studente apparentemente non si era accorto che la replica della statua era fatta di terracotta e gesso ed era assemblata in pezzi, quindi la gamba cadde e si spezzò.
Dipinto "Attore" di Picasso
Il dipinto di quasi 2 metri “L'Attore” di Picasso è abbastanza difficile da non notare. Ma un visitatore del Metropolitan Museum of Art di New York nel gennaio 2010 ha preso questa affermazione troppo alla lettera. Durante l'escursione perse l'equilibrio e cadde sul dipinto, creando un buco di 15 centimetri nell'opera d'arte del 1904. Il processo di restauro è durato tre mesi.
Dante Gabriele Rossetti. "Giovanna d'Arco". 1882 Fitzwilliam Museum, Cambridge, Regno Unito
Giovanna d'Arco
La storia di Giovanna d'Arco, una semplice contadina che prese le armi e, guidata dalle voci dei santi, partì per salvare la sua patria durante la Guerra dei Cent'anni, affascinò i preraffaelliti. Tuttavia, tutti conoscono le sue imprese e la tragica morte. Un’altra cosa interessante è che Jane Morris, la figlia dello sposo, ha posato per questa foto. Rossetti, insieme al suo amico artista Burne-Jones, la incontrò per caso a teatro e, ammirando la bellezza della ragazza, la invitò a fare la modella. In seguito Jane sposò l'artista William Morris, imparò l'italiano e il francese, imparò il pianoforte e iniziò a scrivere buone poesie e a tradurre. Grazie a questa trasformazione, è considerata uno dei prototipi di Eliza Dolittle dell'opera Pigmalione di Shaw. Nel dipinto, Giovanna d'Arco è raffigurata come se baciasse una spada, un simbolo della liberazione del paese. I suoi lussuosi capelli rossi sono sciolti: Rossetti si divertiva a dipingere i riccioli di Jane Morris, che, nonostante fosse la moglie del suo amico, divenne anche la sua amante.
Leon Bakst. Costume di Cleopatra per Ida Rubinstein per il balletto di A.S. Arenskij "Cleopatra". Collezione 1909 N.D. Lobanov-Rostovsky, Londra
Cleopatra
La regina egiziana Cleopatra VII divenne famosa per la sua intelligenza e il suo fascino, grazie ai quali conquistò il cuore di nemici del suo paese come i grandi comandanti Marco Antonio e Giulio Cesare. A giudicare dalle sculture e dalle monete sopravvissute, Cleopatra non era una bellezza, tuttavia nell'arte è consuetudine ritrarre questa donna come irresistibile. Secondo la leggenda, la regina a volte permetteva a un uomo di diventare suo amante per una notte, ma solo a condizione che venisse giustiziato la mattina successiva. Conosciamo questa trama dalle “Notti egiziane” di Pushkin, ma il racconto di Théophile Gautier “La notte di Cleopatra” è dedicato alla stessa storia. Fu questo racconto a diventare la base per il balletto, la cui musica fu composta nel 1900 dal compositore Anton Arensky. Il balletto fu presentato per la prima volta nel 1908 alle Stagioni russe di Diaghilev. Il ruolo di Cleopatra è stato ballato da Ida Rubinstein. Il successo è stato sorprendente, soprattutto grazie ai magnifici costumi e alle scenografie di Leon Bakst. Uno dei disegni sopravvissuti è uno schizzo dell’abito della regina per l’attrice protagonista. Qui, ovviamente, non si tratta più della vera Cleopatra, ma di Ida Rubinstein. Sebbene la ballerina non fosse considerata una ballerina brillante, grazie al suo carattere e al suo temperamento entrò nella storia dell'arte (compresa la pittura russa - ricordiamo il suo ritratto di Serov), ricevette ruoli meravigliosi, e divenne una star. Non è scomparsa in esilio, ha riunito la sua troupe.
Giorgione. "Giuditta". Intorno al 1504 Museo statale dell'Ermitage, San Pietroburgo
Giuditta
La storia della coraggiosa donna ebrea, vedova di Giuditta, è conosciuta dall'Antico Testamento. Quando gli Assiri assediarono la sua città natale, Giuditta si vestì con abiti ricchi e, fingendosi una profetessa traditrice, andò nell'accampamento nemico. Promise agli Assiri di mostrare la strada per la fortezza e piacque così tanto al comandante Oloferne che la invitò a cena e cercò di sedurla. Tuttavia, Giuditta gli diede da bere del vino e, quando Oloferne si addormentò, gli tagliò la testa e tornò trionfante nella sua città natale. I nemici confusi posero fine all'assedio. La trama della morte di Oloferne divenne una delle più popolari in epoca barocca, ma a quel tempo i pittori apprezzavano la scena della violenza, raffigurante omicidi diretti e flussi di sangue. Il dipinto di Giorgione fu dipinto in precedenza, durante il pieno Rinascimento, quando la tranquillità e l'armonia erano l'ideale. Sono questi sentimenti che riempiono la tela. Judith non assomiglia a un furioso vendicatore e patriota, ma a una serena dea antica. A prima vista, la testa mozzata di Oloferne, che lei calpesta sotto i piedi, potrebbe non essere notata.
Paolo Veronese. "Visione di Sant'Elena". Intorno al 1580 Pinacoteca Vaticana
Sant'Elena
Elena, il cui nome completo è Flavia Julia Helena Augusta, è una delle donne più importanti dell'Impero bizantino. In realtà, questo impero fu creato da suo figlio Costantino il Grande. Inoltre, Elena è tra le sei donne venerate come pari agli apostoli, cioè alla pari degli apostoli. Niente faceva presagire un destino così grande: Elena è nata in una famiglia semplice e, a quanto pare, ha lavorato come domestica nella taverna di suo padre. Lì la incontrò il comandante Costanzo I Cloro, il futuro imperatore romano, al quale diede alla luce un figlio, Costantino. Tuttavia, Costanzo abbandonò Elena per sposare la figlia del suo co-sovrano. Elena attese la vendetta quando suo figlio divenne imperatore - proclamò sua madre "Augusta" (regina). Come Costantino, che fece del cristianesimo la religione di stato dell'impero, Elena accettò questa fede. Secondo la vita, una volta in sogno ebbe una visione: alla regina fu comandato di andare in Terra Santa e trovare la croce su cui Cristo fu crocifisso. Veronese ha appena rappresentato questo sogno. Elena andò effettivamente a Gerusalemme e scavò il Golgota. Le reliquie ritrovate quattro secoli dopo l'esecuzione (la croce, i chiodi e la tavoletta INRI) sono venerate dai cristiani come autentiche.
Artista sconosciuto. Ritratto di Elisabetta I (ritratto di Armada). 1590, Musei reali di Greenwich, Regno Unito
Elisabetta Tudor
La regina Elisabetta I d'Inghilterra è passata alla storia come una delle più grandi sovrane donne. Riuscì a rimanere sul trono, nonostante i dubbi sul suo diritto all'eredità, numerose cospirazioni e guerre cattoliche. E tutto questo senza una forte spalla maschile: la regina si dichiarò a gran voce “Vergine” e rifiutò risolutamente di sposarsi. Tra gli eventi chiave del suo regno vi fu la sconfitta della flottiglia spagnola, l'Invincible Armada, che si stava dirigendo verso le coste dell'Inghilterra nel 1588. Più di cento navi spagnole combatterono nel Canale della Manica con navi inglesi e olandesi per due settimane. Proprio a questa vittoria è dedicato il ritratto allegorico di Elisabetta, detto “ritratto dell’Armada”. L'immagine è piena di molti dettagli che sono interessanti da guardare. Nelle finestre sullo sfondo sono visibili due scene navali della battaglia. Uno raffigura navi inglesi che si preparano alla battaglia, l'altro raffigura navi spagnole che naufragano al largo delle coste irlandesi. La mano della regina poggia sul globo, con le dita che "coprono" l'America, a simboleggiare il dominio dell'Inghilterra sul Nuovo Mondo. L’abito è ricamato con i simboli del sole, cioè il potere, e numerose collane di perle rappresentano la luna, cioè la verginità della regina. Il bracciolo a forma di sirena marina ricorda ancora la distruzione delle navi nemiche.
John William Waterhouse. "Circe Invidiosa". 1892 Galleria d'arte dell'Australia meridionale, Adelaide
Circe
Questa maga degli antichi miti greci ricevette il dono della stregoneria da suo padre, il dio del sole Helios. La maga Medea era sua nipote - ed entrambe erano principesse della Colchide, cioè sono cresciute sulla costa della moderna Georgia. Nella sua giovinezza, Circe era sposata con il re dei Sarmati, un popolo che viveva sul territorio dell'attuale regione del Mar Nero, ma presto lo avvelenò, prese il potere sul paese e iniziò a governare in modo indipendente. Quando Circe fu rovesciata, fuggì fino ai confini della terra e si stabilì sulla sua isola nel Mar Mediterraneo. Circe trasformò tutti gli uomini che arrivarono sull'isola in animali: alcuni in maiali, altri in leoni. Solo l'astuto Ulisse riuscì a sfuggire a questo destino e conquistare il cuore della maga. L'autore del dipinto, il pittore Waterhouse, apparteneva alla cerchia artistica dei Preraffaelliti, che ammiravano le donne forti e misteriose, le Belle Signore e Belle Dame sans Merci (“bellezze spietate”). Vestita di smeraldo, Circe in questa tela è bella e spietata: versa una pozione magica nelle onde dove è solita nuotare la bella Scilla, sua rivale in amore per il dio del mare Glauco. L'incantata Scilla si trasformerà in un mostro (i tentacoli sono già visibili tra le onde) e si sistemerà su una roccia di fronte a Cariddi.
Leggi le mostre, i concerti, le aste e gli altri eventi significativi più interessanti del mondo dell'arte.
Testo: Sofia Bagdasarova
Alcuni oggetti d'arte di fama mondiale sono pieni di segreti che nemmeno gli scienziati moderni sono ancora riusciti a svelare. Nella nostra recensione ci sono dieci opere d'arte dalla storia misteriosa, che però le rende ancora più attraenti.
Ragazza con un orecchino di perla
Nonostante tutte le teorie, nessuno sa esattamente chi raffigurò Jan Vermeer nel 1665 nel famoso dipinto “La ragazza con l’orecchino di perla”. Sembra che non abbia idea di essere dipinta. Alcuni dissero che questa era la figlia di Vermeer, altri che era la sua amante, e altri ancora dicevano che questa era un'immagine fittizia e che non era mai esistita nella vita reale. L'unica cosa che si può dire con certezza è che la ragazza indossa gioielli molto costosi. L'identità dello stesso Vermeer rimane un mistero. Si sa molto poco della sua vita. Forse l'unica cosa è che Jan ha sempre vissuto nella città di Delft e ha avuto 15 figli.
Due quadri in uno
Durante il restauro di un capolavoro di Robert Reed, un impressionista americano del XX secolo, il restauratore Barry Bauman rimase stupito nello scoprire che sotto lo strato di vernice del dipinto che stava restaurando c'era un altro dipinto. Questo dipinto nascosto, chiamato "Nel giardino", raffigurava una giovane donna. Era seduta a un tavolo all'aperto, leggeva qualcosa e sorseggiava il tè. Molti artisti dipingono sopra parte di un dipinto, ma Reed, per ragioni completamente sconosciute, ha realizzato un secondo dipinto sopra il primo completamente finito. Tutto ciò che si sa di Reed è che era un appassionato giocatore d'azzardo e morì prima della Grande Depressione in America.
Amore e tradimento di Wally Neusel
Agli inizi del 1900, Wally Neusel era la misteriosa musa ispiratrice dell'artista austriaco Egon Schiele. È apparsa in molti dei suoi dipinti (compresi quelli erotici) e si ritiene che fosse la sua amante. Neusel proveniva da una famiglia povera di Tattendorf, in Austria, e incontrò Schiele quando aveva solo 16 anni. Nel corso del tempo, la loro relazione si è trasformata in una relazione puramente professionale. Schiele lasciò improvvisamente Neusel nel 1915 per sposare una donna più rispettabile.
L'arma nascosta di David
Si discute ancora se la statua del David di Michelangelo abbia un'arma nascosta nella mano destra. Alcuni suggeriscono che David tenga in mano un fustibal nascosto (un'arma da lancio, che era una fionda attaccata a un bastone, che gli permetteva di lanciare pietre fino a 180 metri). Secondo la Bibbia, Davide aveva solo una fionda e cinque pietre quando andò a combattere Golia. Dal momento in cui Michelangelo creò la scultura, tutti pensarono che David avesse una fionda in mano. Ma alcuni ricercatori oggi sostengono che le cinghie della fionda siano attaccate a qualcosa nella mano di David, che potrebbe benissimo essere il manico di un fustibale.
Statua di Gesù con denti veri
In una piccola città messicana, è stato scoperto per caso che una statua di Gesù di 300 anni ha veri denti umani con radici. Nessuno sa da dove provenissero questi denti, poiché nelle tradizioni religiose dei tempi antichi era consuetudine tagliare i capelli e i denti delle statue dalle ossa degli animali. La statua di Cristo, creata nel XVIII secolo, sarebbe stata restaurata, prima della quale è stata radiografata. I restauratori sono rimasti scioccati nello scoprire denti umani perfettamente conservati nelle radiografie.
Immagine di un uomo sotto il ritratto di una stiratrice
Grazie all'utilizzo di una telecamera a infrarossi durante il restauro, sotto il ritratto dello “Stiratore” (Pablo Picasso, 1906) è stato scoperto un dipinto completamente diverso. Questo secondo dipinto era l'immagine invertita di un uomo con i baffi. Gli scienziati ancora non sanno chi fosse quest'uomo e se sia stato Picasso a dipingerlo. Sono state proposte varie versioni: dall'autoritratto al fatto che si tratta di un conoscente dell'artista.
Studiare a lume di candela
C'è ancora controversia sul dipinto "Studio a lume di candela": se appartiene al pennello di Vincent van Gogh o se è un falso, come sostiene suo nipote. Il dipinto sembra essere un autoritratto di Van Gogh, ma la parte inferiore è incompiuta e contiene anche una strana immagine di quello che sembra essere un attore kabuki giapponese. Questa immagine nella parte inferiore dell'autoritratto è stata completata con inchiostro, non con vernice. Il film fu acquistato per la prima volta da William Goetz, capo della Universal Pictures, nel 1948. In quell'occasione fu certificata l'autenticità dell'opera. Ma il nipote di Van Gogh in seguito dichiarò Studio a lume di candela un falso.
La ballerina scomparsa
Nessuno sa come il dipinto della ballerina "Dancer Making Points" di Edgar Degas sia scomparso dall'appartamento della sua ex proprietaria, la solitaria milionaria Huguette Clarke. Ma quando il dipinto si presentò a casa di Henry Bloch, collezionista d'arte e co-fondatore di H&R Block, Clark presentò una dichiarazione all'FBI, sostenendo che il dipinto era suo. Sebbene Clark non abbia mai denunciato la scomparsa del dipinto e Bloch abbia affermato di averlo acquisito legalmente, il dipinto è stato restituito a Huguette Clark. Successivamente, l’avvocato del milionario trasferì immediatamente il dipinto al Nelson-Atkins Museum of Art. Clark ricevette un cospicuo compenso e a Bloch fu permesso di appendere il dipinto a casa sua fino alla sua morte, dopodiché il dipinto sarebbe stato restituito al museo.
Rapina al Museo Gardner di Isabella Stewart
Nel 1990, all'Isabella Stewart Gardner Museum di Boston, ebbe luogo la rapina più grande del mondo. Due criminali travestiti da agenti di polizia hanno rubato dipinti di Edgar Degas, Rembrandt e Johannes Vermeer per un valore totale di quasi 500 milioni di dollari. Per oltre 25 anni gli investigatori hanno lavorato con dozzine di persone che avrebbero agito come informatori delle informazioni sul rapimento. Ma ogni volta la questione arrivava a un vicolo cieco. Ora la ricompensa per le informazioni che portano alla restituzione dei dipinti ammonta già a 5 milioni di dollari. Ma nessuno dei dipinti fu mai ritrovato.
Un'altra Monna Lisa
Molte persone credono che esista una sola Monna Lisa, il famoso dipinto conservato al Louvre. Infatti, nel Museo del Prado di Madrid esiste un altro ritratto dipinto dallo stesso Leonardo o da uno dei suoi studenti. Inoltre il dipinto non è una copia di quello conservato al Louvre. È interessante notare che il secondo dipinto ha una prospettiva leggermente diversa, che può creare un effetto 3D. Inoltre, poche persone sanno che esiste un'altra immagine della stessa donna di Leonardo da Vinci: il dipinto "La Gioconda di Isleworth", che alcuni esperti riconoscono come la prima versione del dipinto.
La grande arte richiede molto tempo. Tutte le opere elencate di seguito sono il lavoro scrupoloso di grandi artisti provenienti da tutto il mondo in diversi periodi dell'esistenza umana. Le più grandi opere d'arte sono raccolte nelle 10 migliori.
10. Lanciatore di discoteche
La scultura popolare greca fu creata nel 460-450 a.C. L'autore dell'opera è lo scultore Miron. La statua in bronzo originale è andata perduta. Tuttavia, sono sopravvissute molte copie, per lo più realizzate in marmo o con un piccolo strato di bronzo.
Dipinta nel 1931 dall'artista spagnolo Salvador Dalì, La persistenza della memoria è una delle opere d'arte più riconoscibili. Questo lavoro incoraggia le persone a pensare al loro stile di vita e a come viene impiegato il nostro tempo. È noto che l’artista si è ispirato alla teoria della relatività di Einstein nel dipingere il quadro.
L'antica statua greca fu creata tra il 130 e il 100 a.C. Si ritiene che la statua raffiguri Afrodite, la dea dell'amore e della bellezza. La statua in marmo alta 203 cm è stata realizzata da Alessandro d'Antinoo, anche se esistono altre versioni della realizzazione della scultura. Le mani sono andate perdute nel tempo. Ora questa opera d'arte può essere vista al Louvre di Parigi.
7. Urla
L'opera più popolare di Edvard Munch fu dipinta nel 1893. Questo quadro è stato dipinto utilizzando olio e pastello su cartone. Questo terrificante dipinto si trova nella Galleria Nazionale di Oslo, in Norvegia.
6. Notte stellata
La Notte stellata fu dipinta nel 1889 dal famoso artista postimpressionista olandese Vincent Van Gogh. Quest'opera è una delle più famose della cultura moderna. Il dipinto fa parte della collezione permanente del Museum of Modern Art di New York. Il pezzo divenne l'ispirazione per la canzone Vincent di Don McLean, conosciuta anche come Starry Starry Night.
5. Pensatore
Questa scultura in bronzo di Auguste Rodin raffigura un uomo spogliato le cui dimensioni sono simili a quelle di un essere umano. Si siede su una pietra con la mano sotto il mento e pensa a qualcosa. Naturalmente, questa immagine rappresenta un movimento filosofico. In totale, sono state versate circa 28 copie a grandezza naturale, in cui l'altezza dell'uomo è di circa 183 cm.
4. Creazione di Adamo
Questa grandiosa opera si trova sul soffitto della Cappella Sistina in Vaticano, in Italia. Michelangelo dipinse la Creazione di Adamo tra il 1508 e il 1512. Questa è solo una delle nove scene del libro della Genesi, tutte dipinte al centro del soffitto della cappella.
3. Davide
Un altro capolavoro del Rinascimento, creato dall'artista italiano Michelangelo. La scultura del David fu realizzata tra il 1501 e il 1504. Questa statua in marmo alta 5 metri mostra l'eroe biblico David nudo. Dal 1873 la statua si trova a Firenze, nella Galleria dell'Accademia.
Questo capolavoro mondiale non adorna un museo, ma il muro della sala da pranzo nel monastero di Santa Maria delle Grazie a Milano, in Italia. È stato scritto alla fine del XV secolo dall'artista più famoso di tutti i tempi, Leonardo da Vinci. Il dipinto raffigura la scena dell'Ultima Cena di Gesù con i suoi discepoli. Questo capolavoro è una delle attrazioni più importanti di Milano.