Il potere magico dell'amore Gli ormoni che causano l'amore: fisica, testi, chimica Le persone sono diverse. Si innamorano in modi diversi, amano in modi diversi, mostrando i loro sentimenti a seconda del loro innato romanticismo e della loro educazione (genitoriale e sociale). Ci sono monogami, ci sono ardentemente

Il bello risveglia il buono

Il potere trasformativo dell’arte

Gli artisti hanno sempre pensato allo scopo dell'arte, al loro dono creativo. "E ho risvegliato buoni sentimenti con una lira ..." - ha scritto A. Pushkin. "Un supporto affidabile attraverso l'ispirazione mi è stato dato fin dall'infanzia nella bellezza", credeva Michelangelo. “Un bel verso è come un arco teso attraverso le fibre sonore del nostro essere. Non i nostri: i nostri pensieri fanno cantare il poeta dentro di noi.

... Egli risveglia deliziosamente nelle nostre anime il nostro amore e il nostro dolore. È un mago. Comprendendolo, diventiamo anche poeti, come lui”, ha detto A. France.

L'arte ha un potere effettivo enorme, impercettibile a prima vista. Leggendo un libro, guardando un film o uno spettacolo teatrale, visitando un museo d'arte o una mostra, ascoltando musica classica o canzoni moderne, una persona sembra semplicemente rilassarsi, trascorrendo il suo tempo libero. Infatti, mentre comunica con l'arte, immergendosi in un'opera d'arte e simpatizzando con gli eroi, i personaggi, sembra provare altri personaggi, varie situazioni, acquisire nuove esperienze: si immedesima con personaggi positivi, si risente quando vede l'ingiustizia nei confronti i deboli e gli indifesi.

Le immagini artistiche servono come ideali estetici che si manifestano in relazione alla vita, nelle caratteristiche di personaggi positivi e negativi e si incarnano in una varietà di forme: nel poema eroico e nella satira, nella tragedia e nella commedia. L'arte influenza la mente, il cuore, l'anima di una persona, ripristina l'equilibrio mentale ed emotivo, aiuta ad alleviare la tensione interna e l'eccitazione generata dalla vita reale, armonizza il mondo interiore del lettore, ascoltatore, spettatore che la percepisce. La vera arte è calma, discreta, “non tollera il clamore”, “l'educazione artistica è un “lavoro tranquillo” (F. Schiller).

La cultura di massa, al contrario, è assordante, invadente, frenetica, divertente, facile da comprendere. È diventato così saldamente radicato nella mente di molte persone che non c'è quasi più posto per gli alti valori spirituali. Sia l'arte che la cultura di massa influenzano gradualmente, spesso inconsciamente, le opinioni, i gusti e la visione del mondo di una persona.

A quali personaggi immaginari sei interessato? A quale vorresti essere? Quale vorresti imitare? Ti hanno fatto riflettere su qualche questione importante della vita?

Leggi i versi del poeta e drammaturgo inglese del XVI secolo.W. Shakespeare .

Non esiste alcun essere vivente sulla terra
Così duro, duro, così dannatamente malvagio
In modo che non potessi almeno per un'ora
In esso, la musica per fare una rivoluzione.

Scegli un brano musicale (classico o moderno) che potresti usare come esempio per rivelare il significato di questa affermazione.

Quali punti di vista, gusti, forme di caratterecomunicazione una persona con opere d'arte alta e quale con prodotti della cultura di massa? Dimostra la tua opinione con esempi.

Compiti artistici e creativi
> Disegna un poster o un volantino su un argomento socialmente significativo, come "La mia famiglia", "Ecologia dell'anima", "Stile di vita sano", "Il mondo dei miei hobby", ecc.

> Realizza un programma per un concerto di una canzone d'autore sul tema "La speranza è una piccola orchestra sotto il controllo dell'amore". Attraverso quali valori morali vorresti rivelarecanzoni incluso nel programma del concerto?

Un'opera d'arte può catturare l'attenzione dello spettatore, del lettore, dell'ascoltatore in due modi. Uno è determinato dalla domanda "cosa", l'altro dalla domanda "come".

"Cosa" è un oggetto raffigurato in un'opera, un fenomeno, un evento, un tema, un materiale, cioè quello che viene chiamato il contenuto dell'opera. Quando si tratta di cose che interessano una persona, questo fa naturalmente nascere in lui il desiderio di approfondire il significato di ciò che è stato detto. Tuttavia, un’opera ricca di contenuti non deve necessariamente essere un’opera d’arte. Le opere filosofiche, scientifiche, socio-politiche non possono essere meno interessanti di quelle artistiche. Ma non è loro compito creare immagini artistiche (anche se talvolta possono farvi riferimento). Se un'opera d'arte attira l'interesse di una persona esclusivamente per il suo contenuto, in questo caso i suoi meriti artistici (opere) passano in secondo piano. Quindi anche una rappresentazione poco artistica di ciò che è vitale per una persona può ferire profondamente i suoi sentimenti. Con un gusto poco impegnativo, una persona può esserne abbastanza soddisfatta. Un acuto interesse per gli eventi descritti consente agli amanti dei romanzi polizieschi o dei romanzi erotici di vivere emotivamente questi eventi nella loro immaginazione, indipendentemente dalla goffaggine della loro descrizione, dallo stereotipo o dalla miseria dei mezzi artistici utilizzati nell'opera.

È vero, in questo caso, anche le immagini artistiche risultano primitive, standard, stimolano debolmente il pensiero indipendente dello spettatore o del lettore e danno origine in lui solo a complessi di emozioni più o meno stereotipati.

Un altro modo legato alla questione "come" è la forma di un'opera d'arte, cioè i modi e i mezzi per organizzare e presentare i contenuti. È qui che risiede il “potere magico dell'arte”, che elabora, trasforma e presenta il contenuto dell'opera in modo tale da essere incarnato in immagini artistiche. Il materiale o il tema di un'opera non può essere di per sé né artistico né non artistico. L'immagine artistica è costituita dalla materia che costituisce il contenuto dell'opera d'arte, ma si forma solo grazie alla forma in cui questa materia viene rivestita.

Considera i tratti caratteristici dell'immagine artistica.

La caratteristica più importante dell'immagine artistica è che esprime l'atteggiamento emotivo e di valore nei confronti dell'oggetto. La conoscenza dell'oggetto serve in esso solo come sfondo sul quale emergono le esperienze legate a questo oggetto.

I. Ehrenburg nel libro "Persone, anni, vita" racconta la sua conversazione con il pittore francese Matisse. Matisse chiese a Lydia, la sua assistente, di portare una scultura di un elefante. Ho visto, - scrive Ehrenburg, - una scultura negra, molto espressiva - lo scultore ha scolpito nel legno un elefante arrabbiato. "Ti piace?", chiese Matisse. Io risposi: "Molto." - "E niente ti disturba?" - "No." - "Anche io. Ma poi venne un europeo, un missionario, e cominciò a insegnare al negro: “Perché le zanne dell'elefante sono sollevate? Un elefante può sollevare la proboscide e le zanne sono denti, non si muovono ". "Il negro ha obbedito ..." Matisse chiamò di nuovo: "Lydia, per favore porta un altro elefante." Ridendo maliziosamente, mi mostrò una statuetta simile a quelle vendute nei grandi magazzini in Europa: "Le zanne sono a posto, ma l'arte è finita." Lo scultore africano, ovviamente, ha peccato contro la verità: ha raffigurato un elefante non come lo è davvero. Ma se avesse realizzato una copia scultorea anatomicamente accurata dell'animale, è improbabile che la persona che l'ha esaminata sarebbe in grado di sopravvivere, sperimentare, "sentire" l'impressione della vista di un elefante arrabbiato. la parte più formidabile del suo corpo, sembrano pronte a cadere sulla vittima. Spostandole dalla loro consueta posizione normale, lo scultore crea una tensione emotiva nello spettatore, segno che l'immagine artistica suscita una risposta nella sua anima.

Dall'esempio considerato si può vedere che un'immagine artistica non è solo un'immagine come risultato del riflesso di oggetti esterni che sorge nella psiche. Il suo scopo non è riflettere la realtà così com'è, ma evocare nell'anima umana esperienze associate alla sua percezione. Non è sempre facile per lo spettatore esprimere a parole ciò che sta vivendo. Quando si guarda una statuetta africana, si può avere l'impressione del potere, della rabbia e della furia di un elefante, un senso di pericolo, ecc. Persone diverse possono percepire e sperimentare la stessa cosa in modi diversi. Molto dipende qui dalle caratteristiche soggettive dell'individuo, dal suo carattere, dalle sue opinioni, dai suoi valori. Ma, in ogni caso, un'opera d'arte può evocare sentimenti in una persona solo quando include la sua immaginazione nell'opera. Un artista non può far provare a una persona alcuni sentimenti semplicemente nominandoli. Se ci informa semplicemente che tali o tali sentimenti e stati d'animo dovrebbero sorgere in noi, o addirittura li descrive in dettaglio, allora è improbabile che li avremo. Egli stimola le esperienze modellando le cause che le hanno generate attraverso il linguaggio artistico, cioè vestendo queste cause in una sorta di forma artistica. L'immagine artistica è il modello della causa che suscita emozioni. Se il modello della causa "funziona", cioè l'immagine artistica viene percepita, ricreata nell'immaginazione umana, allora appaiono le conseguenze di questa causa: emozioni causate "artificialmente". E poi avviene un miracolo d'arte: il suo potere magico incanta una persona e la porta in un'altra vita, in un mondo creato per lui da un poeta, scultore, cantante. “Michelangelo e Shakespeare, Goya e Balzac, Rodin e Dostoevskij hanno creato modelli di cause sensuali che sono quasi più sorprendenti di quelli che la vita ci presenta. Ecco perché sono chiamati grandi maestri.

L'immagine artistica è la “chiave d'oro” che mette in moto il meccanismo dell'esperienza. Ricreando con la forza della sua immaginazione ciò che è presentato in un'opera d'arte, lo spettatore, lettore, ascoltatore diventa, in misura maggiore o minore, un “coautore” dell'immagine artistica in essa contenuta.

Nell'arte "oggettiva" (bella) - pittura, scultura, performance drammatica, film, romanzo o racconto, ecc. - l'immagine artistica è costruita sulla base di un'immagine, una descrizione di alcuni fenomeni che esistono (o sono presentati come esistenti ) nel mondo reale. Le emozioni evocate in questo modo artistico sono duplici. Da un lato, si riferiscono al contenuto dell'immagine artistica ed esprimono la valutazione di una persona su quelle realtà (oggetti, oggetti, fenomeni della realtà) che si riflettono nell'immagine. D'altra parte, si riferiscono alla forma in cui è incarnato il contenuto dell'immagine ed esprimono una valutazione dei meriti artistici dell'opera. Le emozioni del primo tipo sono sentimenti evocati "artificialmente" che riproducono le esperienze di eventi e fenomeni reali. Le emozioni del secondo tipo sono chiamate estetiche. Sono associati alla soddisfazione dei bisogni estetici di una persona: la necessità di valori come bellezza, armonia, proporzionalità. L'atteggiamento estetico è “una valutazione emotiva di come un dato contenuto è organizzato, costruito, espresso, incarnato dalla forma, e non questo contenuto stesso”.

L'immagine artistica nella sua essenza non è tanto un riflesso dei fenomeni della realtà quanto un'espressione della loro percezione umana, delle esperienze ad essi associate, dell'atteggiamento emotivo e di valore nei loro confronti.

Ma perché le persone hanno bisogno di emozioni evocate artificialmente nate nel processo di percezione delle immagini artistiche? Non hanno abbastanza esperienze legate alla loro vita reale? In una certa misura, questo è vero. La vita monotona e monotona può causare "fame emotiva". E poi la persona sente il bisogno di alcune ulteriori fonti di emozioni. Questa esigenza li spinge a ricercare il “brivido” nel gioco, nella deliberata ricerca del rischio, nella creazione volontaria di situazioni pericolose.

L'arte offre alle persone la possibilità di "vite extra" nei mondi immaginari delle immagini artistiche.

“L’arte “trasferì” una personalità al passato e al futuro, la “rilocalizzò” in altri paesi, permise a una persona di “reincarnarsi” in un’altra, diventare per un po’ Spartaco e Cesare, Romeo e Macbeth, Cristo e Demone, persino il Bianco Zanna e il brutto anatroccolo; ha trasformato l'adulto in bambino e in vecchio, ha permesso a tutti di sentire e conoscere ciò che non avrebbe mai potuto comprendere e sperimentare nella sua vita reale.

Le emozioni che le opere d'arte evocano in una persona non si limitano a rendere la sua percezione delle immagini artistiche più profonda ed emozionante. Come dimostrato da V.M. Allahverdov, le emozioni sono segnali che vanno dall'area dell'inconscio alla sfera della coscienza. Segnalano se le informazioni ricevute rafforzano il “modello del mondo” che si è sviluppato nelle profondità del subconscio o, al contrario, ne rivelano l'incompletezza, l'inesattezza e l'incoerenza. “Muoversi” nel mondo delle immagini artistiche e sperimentando “vite extra” in esso, una persona ottiene ampie opportunità per verificare e perfezionare il “modello del mondo” che si è sviluppato nella sua testa sulla base della sua ristretta esperienza personale. I segnali emotivi sfondano la "cintura protettiva" della coscienza e inducono una persona a realizzare e modificare i propri atteggiamenti precedentemente non realizzati.

Ecco perché le emozioni evocate dall'arte giocano un ruolo importante nella vita delle persone. Le esperienze emotive di "vite extra" portano all'espansione della visione culturale dell'individuo, all'arricchimento della sua esperienza spirituale e al miglioramento del suo "modello del mondo".

Non è raro sentire come le persone, guardando un'immagine, ne ammirano la somiglianza con la realtà ("Una mela è proprio come quella vera!"; "Sta nel ritratto come se fosse vivo!"). È diffusa l'opinione che l'arte, almeno l'arte "oggettiva", consista nella capacità di raggiungere una somiglianza tra l'immagine e il raffigurato. Anche nell'antichità questa opinione costituiva la base della "teoria dell'imitazione" (in greco - mimesis), secondo la quale l'arte è un'imitazione della realtà. Da questo punto di vista l'ideale estetico dovrebbe essere la massima somiglianza dell'immagine artistica con l'oggetto. In un'antica leggenda greca, il pubblico fu deliziato da un artista che dipinse un cespuglio con bacche in modo così simile che gli uccelli si accalcarono per banchettare con loro. E dopo duemila e mezzo anni, Rodin fu sospettato di aver raggiunto una sorprendente credibilità ricoprendo di gesso un uomo nudo, facendone una copia e spacciandola per una scultura.

Ma un'immagine artistica, come si vede da quanto detto sopra, non può essere semplicemente una copia della realtà. Naturalmente, uno scrittore o un artista che mira a rappresentare qualsiasi fenomeno della realtà deve farlo in modo tale che i lettori e gli spettatori possano almeno riconoscerli. Ma la somiglianza con ciò che è raffigurato non è affatto il vantaggio principale dell'immagine artistica.

Goethe una volta disse che se un artista disegna un barboncino in un modo molto simile, allora puoi rallegrarti dell'apparizione di un altro cane, ma non di un'opera d'arte. E Gorky riguardo a uno dei suoi ritratti, che si distingueva per l'accuratezza fotografica, si esprime in questo modo: “Questo non è il mio ritratto. Questo è un ritratto della mia pelle." Fotografie, calchi di mani e viso, figure di cera hanno lo scopo di copiare gli originali nel modo più accurato possibile.

Tuttavia, la precisione non li rende opere d’arte. Inoltre, il carattere emotivo e valoriale dell'immagine artistica, come è già stato mostrato, implica un ritiro dall'obiettività impassibile nella rappresentazione della realtà.

Le immagini artistiche sono modelli mentali di fenomeni, e la somiglianza di un modello con l'oggetto che riproduce è sempre relativa: qualsiasi modello deve essere diverso dal suo originale, altrimenti sarebbe solo un secondo originale, e non un modello. "L'esplorazione artistica della realtà non pretende di essere la realtà stessa: questo distingue l'arte dai trucchi illusionistici progettati per ingannare la vista e l'udito."

Percependo un'opera d'arte, in un certo senso “mettiamo tra parentesi il fatto che l'immagine artistica che porta con sé non coincide con l'originale. Accettiamo l'immagine come se fosse l'incarnazione di un oggetto reale, "facciamo in modo" di ignorare il suo "carattere falso". Questa è la convenzione artistica.

La convenzione artistica è un presupposto consapevolmente accettato, in base al quale la causa “falsa” delle esperienze creata dall'arte diventa capace di provocare esperienze che sembrano “proprio come vere”, sebbene siamo consapevoli allo stesso tempo che sono di origine artificiale. "Verserò lacrime per la finzione": così Pushkin ha espresso l'effetto delle convenzioni artistiche.

Quando un'opera d'arte suscita alcune emozioni in una persona, non solo le sperimenta, ma ne comprende anche l'origine artificiale. La comprensione della loro origine artificiale contribuisce al fatto che trovano relax nei loro pensieri. Ciò ha permesso a L.S. Vygotskij afferma: “Le emozioni dell'arte sono emozioni intelligenti”. La connessione con la comprensione e la riflessione distingue le emozioni artistiche dalle emozioni causate da circostanze della vita reale.

V. Nabokov nelle sue lezioni sulla letteratura dice: “In effetti, tutta la letteratura è finzione. Qualsiasi arte è un inganno... Il mondo di qualsiasi grande scrittore è un mondo di fantasia con la sua logica, le sue convenzioni...” . L'artista ci inganna e noi ci lasciamo ingannare volontariamente. Secondo il filosofo e scrittore francese J.-P. Sartre, il poeta mente per dire la verità, cioè per suscitare un'esperienza sincera, veritiera. L'eccezionale regista A. Tairov ha detto scherzosamente che il teatro è una bugia incorporata nel sistema: “Il biglietto che lo spettatore acquista è un accordo simbolico sull'inganno: il teatro si impegna a ingannare lo spettatore; lo spettatore, un vero bravo spettatore, si impegna a soccombere all'inganno e a lasciarsi ingannare ... Ma l'inganno dell'arte diventa verità grazie all'autenticità dei sentimenti umani.

Esistono varie tipologie di convenzione artistica, tra cui:

"denotare" - separa l'opera d'arte dall'ambiente. Questo compito è svolto dalle condizioni che determinano l'area della percezione artistica: il palcoscenico del teatro, il piedistallo della scultura, la cornice del quadro;

"compensante" - introduce nel contesto dell'immagine artistica l'idea dei suoi elementi che non sono raffigurati nell'opera d'arte. Poiché l'immagine non corrisponde all'originale, la sua percezione richiede sempre una congettura nell'immaginazione di ciò che l'artista non ha potuto mostrare o ha lasciato deliberatamente non detto.

Tale è, ad esempio, la convenzione spazio-temporale in pittura. La percezione dell'immagine presuppone che lo spettatore rappresenti mentalmente la terza dimensione, che esprime condizionatamente la prospettiva sul piano, disegna nella mente l'albero tagliato dal bordo della tela, introduce il passaggio del tempo nell'immagine statica e, di conseguenza, cambiamenti temporanei che vengono trasmessi nel quadro con l'aiuto di alcuni fondi condizionali;

"accentuando" - enfatizza, esalta, esagera gli elementi emotivamente significativi dell'immagine artistica.

I pittori spesso ottengono questo risultato esagerando le dimensioni dell'oggetto. Modigliani dipinge donne con occhi innaturalmente grandi che si estendono oltre il viso. Nel dipinto di Surikov "Menshikov in Berezov" la figura incredibilmente enorme di Menshikov crea l'impressione delle dimensioni e del potere di questa figura, che era la "mano destra" di Pietro;

“complementare” - aumentare l'insieme dei mezzi simbolici del linguaggio artistico. Questo tipo di convenzionalità è particolarmente importante nell'arte "non oggettiva", dove viene creata un'immagine artistica senza ricorrere all'immagine di alcun oggetto. I mezzi segnici non pittorici a volte non sono sufficienti per costruire un'immagine artistica e la convenzionalità "complementare" ne amplia la portata.

Pertanto, nel balletto classico, i movimenti e le posture, naturalmente associati alle esperienze emotive, sono integrati da mezzi simbolici condizionali per esprimere determinati sentimenti e stati. Nella musica di questo tipo, mezzi aggiuntivi sono, ad esempio, ritmi e melodie che danno un sapore nazionale o ricordano eventi storici.

Un simbolo è un tipo speciale di segno. L'uso di qualsiasi segno come simbolo ci consente, attraverso l'immagine di una cosa specifica, singola (l'aspetto esterno del simbolo), di trasmettere pensieri di natura generale e astratta (il significato profondo del simbolo).

Il ricorso ai simboli apre ampie possibilità per l’arte. Con l'aiuto di loro, un'opera d'arte può essere riempita di contenuti ideologici che vanno ben oltre la portata di quelle situazioni ed eventi specifici che sono direttamente rappresentati in essa. Pertanto, l'arte come sistema di modellazione secondario utilizza ampiamente una varietà di simbolismi. Nei linguaggi dell'arte i mezzi segnici sono utilizzati non solo nel loro significato diretto, ma anche per “codificare” significati simbolici profondi, “secondari”.

Da un punto di vista semiotico, un'immagine artistica è un testo che trasporta informazioni esteticamente progettate ed emotivamente ricche. Attraverso l'uso del linguaggio simbolico, queste informazioni sono presentate su due livelli. Nel primo, si esprime direttamente nel "tessuto" sensualmente percepito dell'immagine artistica - sotto forma di persone, azioni, oggetti specifici visualizzati da questa immagine. Dalla seconda, essa va ottenuta penetrando nel significato simbolico dell'immagine artistica, interpretandone mentalmente il contenuto ideologico. Pertanto, l'immagine artistica trasporta non solo emozioni, ma anche pensieri. L'impatto emotivo di un'immagine artistica è determinato dall'impressione che sia l'informazione che riceviamo al primo livello, attraverso la percezione della descrizione di fenomeni specifici fornitaci direttamente, sia quella che captiamo al secondo livello attraverso la interpretazione del simbolismo dell'immagine, hanno su di noi. Naturalmente, comprendere il simbolismo richiede uno sforzo intellettuale aggiuntivo. D'altra parte, ciò migliora notevolmente le impressioni emotive suscitate su di noi dalle immagini artistiche.

Il contenuto simbolico delle immagini artistiche può avere un carattere molto diverso. Ma in una certa misura è sempre presente. Pertanto, l'immagine artistica non si limita a ciò che è raffigurato in essa. Ci “racconta” sempre non solo questo, ma anche qualcos'altro che va oltre l'oggetto concreto, visibile e udibile che rappresenta.

Nella fiaba russa, Baba Yaga non è solo una brutta vecchia, ma un'immagine simbolica della morte. La cupola bizantina della chiesa non è solo una forma architettonica del tetto, ma un simbolo della volta celeste. Il soprabito di Gogol Akaki Akakievich non è solo un vestito, ma un'immagine simbolica dell'inutilità dei sogni di una vita migliore di un povero.

Il simbolismo di un'immagine artistica può basarsi, in primo luogo, sulle leggi della psiche umana.

Pertanto, la percezione del colore da parte delle persone ha una modalità emotiva associata alle condizioni in cui quell'altro colore viene solitamente osservato nella pratica. Il colore rosso - il colore del sangue, del fuoco, dei frutti maturi - suscita un senso di pericolo, attività, attrazione erotica, desiderio di benedizioni della vita. Il verde - il colore dell'erba, del fogliame - simboleggia la crescita di vitalità, protezione, affidabilità, tranquillità. Il nero è percepito come l'assenza di colori vivaci della vita, ricorda l'oscurità, il mistero, la sofferenza, la morte. Il cremisi scuro - una miscela di nero e rosso - evoca un'atmosfera pesante e cupa.

I ricercatori sulla percezione del colore, nonostante alcune differenze nell'interpretazione dei singoli colori, generalmente giungono a conclusioni simili sul loro impatto psicologico. Secondo Freeling e Auer i colori sono caratterizzati come segue.

In secondo luogo, l'immagine artistica può essere costruita sul simbolismo che si è storicamente sviluppato nella cultura.

Nel corso della storia, si è scoperto che il colore verde è diventato il colore della bandiera dell'Islam, e gli artisti europei, raffiguranti una foschia verdastra dietro i Saraceni che si oppongono ai crociati, indicano simbolicamente il mondo musulmano che giace in lontananza. Nella pittura cinese, il verde simboleggia la primavera e, nella tradizione cristiana, a volte funge da simbolo di stupidità e peccato (Swedenberg dice che gli sciocchi all'inferno hanno gli occhi verdi; una delle vetrate della cattedrale di Chartres raffigura un uomo dalla pelle verde e Satana dagli occhi verdi).

Un altro esempio. Scriviamo da sinistra a destra e il movimento in quella direzione sembra normale. Quando Surikov raffigura la nobildonna Morozova su una slitta che va da destra a sinistra, il suo movimento in questa direzione simboleggia una protesta contro gli atteggiamenti sociali accettati. Tuttavia, sulla mappa a sinistra c'è l'Ovest, a destra l'Est. Pertanto, nei film sulla guerra patriottica, il nemico di solito attacca a sinistra e le truppe sovietiche a destra.

In terzo luogo, quando crea un'immagine artistica, l'autore può darle un significato simbolico basato sulle proprie associazioni, che a volte illuminano inaspettatamente le cose familiari da una nuova prospettiva.

La descrizione del contatto dei fili elettrici si trasforma qui in una riflessione filosofica sulla sintesi (non solo “intreccio”!) degli opposti, sulla convivenza morta (come avviene nella vita familiare senza amore) e sul lampo della vita nel momento della morte. Le immagini artistiche nate dall'arte diventano spesso simboli culturali generalmente accettati, una sorta di standard per valutare i fenomeni della realtà. Il titolo del libro di Gogol Dead Souls è simbolico. Manilov e Sobakevich, Plyushkin e Korobochka sono tutte "anime morte". Tatyana di Pushkin, Chatsky di Griboyedov, Famusov, Molchalin, Oblomov e Oblomovismo di Goncharov, Jududushka Golovlev di Saltykov-Shchedrin, Ivan Denisovich di Solzhenitsyn e molti altri eroi letterari divennero simboli. Senza conoscere i simboli entrati nella cultura dall'arte del passato, spesso è difficile comprendere il contenuto delle opere d'arte moderne. L'arte è completamente permeata di associazioni storiche e culturali e, per coloro che non le notano, il simbolismo delle immagini artistiche è spesso inaccessibile.

Il simbolismo di un'immagine artistica può essere creato e catturato sia a livello di coscienza che inconscio, “intuitivamente”. Tuttavia, in ogni caso, bisogna capirlo. E questo significa che la percezione di un'immagine artistica non si limita a un'esperienza emotiva, ma richiede anche comprensione, riflessione. Inoltre, quando l'intelletto è coinvolto nell'opera durante la percezione di un'immagine artistica, questa rafforza e amplia l'effetto della carica emotiva in essa insita. Le emozioni artistiche che una persona che capisce l'arte sperimenta sono emozioni organicamente associate al pensiero. Qui, anche sotto un altro aspetto, è giustificata la tesi di Vygotskij: «le emozioni dell'arte sono emozioni intelligenti».

Va anche aggiunto che nelle opere letterarie il contenuto ideologico si esprime non solo nel simbolismo delle immagini artistiche, ma anche direttamente nella bocca dei personaggi, nei commenti dell'autore, talvolta arrivando a interi capitoli con riflessioni scientifiche e filosofiche (Tolstoj in Guerra e pace, T. Mann in "La montagna magica"). Ciò indica ulteriormente che la percezione artistica non può essere ridotta esclusivamente all'impatto sulla sfera delle emozioni. L'arte richiede sia ai creatori che ai consumatori della loro creatività non solo esperienze emotive, ma anche sforzi intellettuali.

Qualsiasi segno, poiché il suo significato può essere fissato arbitrariamente da una persona, può essere portatore di significati diversi. Questo vale anche per i segni verbali: le parole. Come dimostrato da V.M. Allahverdov, “è impossibile elencare tutti i possibili significati di una parola, perché il significato di questa parola, come qualsiasi altro segno, può essere qualsiasi cosa. La scelta del significato dipende dalla coscienza che percepisce questa parola. Ma “l’arbitrarietà del rapporto segno-valore non significa imprevedibilità. Il significato, una volta dato a un dato segno, deve continuare ad essere stabilmente dato a questo segno, se si preserva il contesto della sua apparizione. Pertanto, il contesto in cui viene utilizzato ci aiuta a capire cosa significa un segno.

Quando miriamo a comunicare la conoscenza su un argomento a un altro, cerchiamo di garantire che il contenuto del nostro messaggio sia compreso in modo inequivocabile. Nella scienza, per questo, vengono introdotte regole rigide che determinano il significato dei concetti utilizzati e le condizioni per la loro applicazione. Il contesto non consente di andare oltre queste regole. Resta inteso che la conclusione si basa solo sulla logica e non sulle emozioni. Qualsiasi lato, definizioni non definite, sfumature di significato sono escluse dalla considerazione. Un libro di testo di geometria o chimica dovrebbe presentare fatti, ipotesi e conclusioni in modo tale che tutti gli studenti che lo studiano in modo inequivocabile e in piena conformità con l'intenzione dell'autore ne percepiscano il contenuto. Altrimenti, abbiamo un brutto libro di testo. Diversa è la situazione nell’art. Qui, come già accennato, il compito principale non è comunicare informazioni su alcuni oggetti, ma influenzare i sentimenti, suscitare emozioni, quindi l'artista cerca mezzi segnici efficaci in questo senso. Gioca con questi mezzi, collegando quelle sfumature sfuggenti e associative del loro significato, che rimangono al di fuori di rigide definizioni logiche e che non possono essere utilizzate nel contesto della prova scientifica. Affinché un'immagine artistica impressioni, susciti interesse, risvegli un'esperienza, è costruita con l'aiuto di descrizioni non standard, confronti inaspettati, metafore vivide e allegorie.

Ma le persone sono diverse. Hanno esperienze di vita diverse, abilità, gusti, desideri, stati d'animo diversi. Lo scrittore, scegliendo i mezzi espressivi per creare un'immagine artistica, procede dalle sue idee sulla forza e sulla natura del loro impatto sul lettore. Li usa e valuta alla luce delle sue opinioni in un particolare contesto culturale. Questo contesto è legato all'epoca in cui lo scrittore vive, ai problemi sociali che riguardano le persone di quest'epoca, all'orientamento degli interessi e al livello di istruzione del pubblico a cui si rivolge l'autore. E il lettore percepisce questi mezzi nel suo contesto culturale. Lettori diversi, in base al contesto e semplicemente alle loro caratteristiche individuali, possono vedere a modo loro l'immagine creata dallo scrittore.

Al giorno d'oggi, le persone ammirano le incisioni rupestri di animali realizzate dalle mani di artisti senza nome dell'età della pietra, ma, guardandole, vedono e sperimentano qualcosa di completamente diverso da ciò che hanno visto e sperimentato i nostri lontani antenati. Un non credente può ammirare la Trinità di Rublev, ma percepisce questa icona in modo diverso rispetto a un credente, e questo non significa che la sua percezione dell'icona sia sbagliata.

Se l'immagine artistica evoca nel lettore esattamente quelle esperienze che l'autore voleva esprimere, lui (il lettore) sperimenterà empatia.

Ciò non significa che le esperienze e le interpretazioni delle immagini artistiche siano del tutto arbitrarie e possano essere qualsiasi cosa. Dopotutto, nascono sulla base dell'immagine, derivano da essa e il loro carattere è determinato da questa immagine. Tuttavia, questa condizionalità non è univoca. Il rapporto tra un'immagine artistica e le sue interpretazioni è lo stesso che esiste tra una causa e i suoi effetti: da una stessa causa possono derivare molte conseguenze, ma non nessuna, ma solo derivanti da essa.

Sono note varie interpretazioni delle immagini di Don Juan, Amleto, Chatsky, Oblomov e molti altri eroi letterari. Nel romanzo di L. Tolstoj "Anna Karenina" le immagini dei personaggi principali sono descritte con sorprendente luminosità. Tolstoj, come nessun altro, sa presentare i suoi personaggi al lettore in modo tale che diventino, per così dire, suoi stretti conoscenti. Sembrerebbe che l'apparizione di Anna Arkadyevna e di suo marito Alexei Alexandrovich, il loro mondo spirituale, ci sia rivelato nel profondo. Tuttavia, i lettori possono avere atteggiamenti diversi nei loro confronti (e nel romanzo le persone li trattano in modo diverso). Alcuni approvano il comportamento di Karenina, altri lo considerano immorale. Ad alcune persone Karenin non piace assolutamente, mentre altri lo vedono come una persona estremamente degna. Lo stesso Tolstoj, a giudicare dall'epigrafe del romanzo ("La vendetta è mia e io ripagherò"), come se condannasse la sua eroina e suggerisse che sta subendo una giusta punizione per il suo peccato. Ma allo stesso tempo, in sostanza, attraverso l'intero sottotesto del romanzo, evoca compassione per lei. Cos'è più alto: il diritto all'amore o il dovere coniugale? Non esiste una risposta unica nel romanzo. Si può simpatizzare con Anna e incolpare il marito, o viceversa. La scelta spetta al lettore. E il campo della scelta non si riduce solo a due opzioni estreme, forse a un numero innumerevole di opzioni intermedie.

Pertanto, qualsiasi immagine artistica a tutti gli effetti è polisemantica, nel senso che ammette l'esistenza di molte interpretazioni diverse. Sono, per così dire, potenzialmente incorporati in esso e ne rivelano il contenuto se percepiti da diversi punti di vista e in diversi contesti culturali. Non empatia, ma co-creazione: questo è ciò che è necessario per comprendere il significato di un'opera d'arte e, inoltre, la comprensione associata alla percezione e all'esperienza personale, soggettiva, individuale delle immagini artistiche contenute nell'opera.

L'arte trasforma la realtà:

1) attraverso l'impatto ideologico ed estetico sulle persone. Il tipo di coscienza artistica dell'epoca, gli ideali dell'arte e il tipo di personalità sono interdipendenti. L'arte dell'antica Grecia ha plasmato il carattere del greco e il suo atteggiamento nei confronti del mondo. L'arte rinascimentale ha liberato l'uomo dai dogmi del Medioevo. I romanzi di Leone Tolstoj hanno dato vita ai Tolstoiani. Rappresentazione dell'amore di scrittori francesi del XVII secolo. ha influenzato la struttura di questo sentimento in Francia, l'erotismo del cinema e i romanzi del XX secolo. determinò in gran parte la rivoluzione sessuale degli anni '60 e '70;

2) attraverso l'inserimento della persona in attività orientate ai valori. L'arte risveglia la sensibilità alle violazioni dell'armonia sociale, stimola l'attività sociale dell'individuo, lo orienta per allineare il mondo all'ideale. Così, il popolo islandese schiavo, in un periodo senza eroi della loro storia, creò saghe in cui vivevano e agivano eroi coraggiosi e amanti della libertà. Nelle saghe, le persone realizzavano spiritualmente i propri pensieri, creando un mondo artistico, a differenza dell'ambiente circostante. Le saghe hanno plasmato l'immagine spirituale delle persone, e senza di esse è ormai impossibile comprendere il carattere nazionale dell'islandese moderno;

3) attraverso la trasformazione nel processo di creatività artistica con l'aiuto dell'immaginazione delle impressioni della realtà (l'autore ricicla materiale vitale, costruendo una nuova realtà - il mondo artistico);

4) attraverso la lavorazione della materia costruttiva dell'immagine (l'artista trasforma il marmo, la pittura, la parola, creando una scultura, un quadro, una poesia).

Il concetto di “arte per l’arte” ritiene che la “misura dell’azione efficace” sia inapplicabile alla creatività artistica, perché l’arte porta una persona dalla realtà che richiede azione al mondo del piacere estetico. Tuttavia, l’impatto trasformativo dell’arte è particolarmente evidente nelle epoche di transizione. La funzione trasformativa che dorme nell’arte è particolarmente attraente per gli strati della società appassionati e rivoluzionari, che la pongono in prima linea nella loro estetica. L’estetica marxista attribuiva un’importanza decisiva al ruolo trasformativo dell’arte, ed era proprio per questo che i leader del partito, che si avvicinavano all’arte in modo pragmatico, la apprezzavano.

2. L'arte della cultura di massa e le sue funzioni.

La cultura delle società tradizionali aveva un carattere pronunciato di "proprietà". I diversi strati sociali (classi, caste, ecc.) differivano notevolmente in termini culturali. Lo stile di vita di un abitante di città, contadino e aristocratico dell'Europa medievale suggeriva diverse norme di comportamento quotidiano, modi di intrattenimento, caratteristiche della cucina, educazione, abbigliamento, ecc. L'appartenenza all'uno o all'altro strato era facilmente determinata dall'apparenza. I rappresentanti degli strati superiori nelle società tradizionali avevano alcuni privilegi culturali: ad esempio, in India, solo i rappresentanti delle caste superiori potevano studiare le sacre scritture: i Veda. Di norma, solo i rappresentanti degli strati superiori avevano accesso alla cultura scritta (le eccezioni sono sempre possibili). Le caratteristiche culturali dei vari strati furono riprodotte di generazione in generazione, il che fu facilitato dal sistema di stratificazione delle società tradizionali che gravitavano verso la vicinanza. Già all’inizio del XX secolo, nelle società che entrarono nell’era della modernità furono individuate significative differenze culturali tra strati e classi. Gli "operai" e i "borghesi", i contadini e l'aristocrazia, che avevano perso la loro precedente influenza, conservavano ancora caratteristiche culturali. Tuttavia, il processo di modernizzazione, la formazione di un'economia moderna, l'industrializzazione, l'urbanizzazione, la diffusione dell'istruzione, la democratizzazione della vita politica hanno creato i prerequisiti per il graduale offuscamento delle chiare differenze culturali tra gli strati sociali. La cultura delle società tradizionali, “sezionata” dalla stratificazione, viene sostituita dalla cultura di massa. La cultura di massa non si forma spontaneamente nel processo di interazione quotidiana e non viene trasmessa di generazione in generazione. La cultura di massa è creata da "professionisti", organizzazioni specializzate. I suoi campioni sono destinati al "consumo" da parte delle fasce più ampie della popolazione, è democratico ed esiste principalmente per l'intrattenimento, per riempire il tempo libero. Una persona non diventa un "portatore" della cultura di massa come risultato della percezione del patrimonio tradizionale o dell'istruzione. Campioni di cultura di massa (un libro, una canzone, un film, uno spettacolo sportivo, ecc.) Sono scelti liberamente da una persona per ottenere piacere, soddisfazione emotiva, "scaricamento" dello stress mentale e riempire il tempo libero. La cultura di massa non esaurisce l'intero contenuto della cultura delle società moderne, ma rappresenta un "segmento" molto significativo di questa cultura.

Va notato che il concetto di "cultura alta" è estremamente vago. In pratica può essere molto difficile tracciare un confine tra cultura “alta” e cultura “di massa”. I valori in base ai quali viene stilata la classifica dei campioni culturali non si distinguono con certezza nella società moderna. Inoltre, la classificazione dei campioni culturali, come già sappiamo, è legata non tanto al valore oggettivo di questi campioni, ma a chi ha il diritto (potere) di giudicarli. Tuttavia, si può notare che lo sviluppo della cultura "elitaria", "alta", di regola, richiede una certa preparazione, un "capitale culturale" accumulato. Senza un'istruzione preliminare, ad esempio, difficilmente si sarebbe in grado di comprendere un trattato filosofico. Senza una preliminare educazione estetica e la coltivazione del "gusto musicale" è difficile percepire la musica di Schnittke. I campioni della cultura di massa non richiedono la preparazione da parte del "consumatore" e sono disponibili, infatti, a tutti. Ma questo criterio è piuttosto condizionale. La cultura di massa è un fenomeno complesso generato dalla modernità e non suscettibile di valutazione univoca. Un'immensa quantità di letteratura scientifica e giornalistica, sia nazionale che straniera, è dedicata al problema della cultura di massa. Il flusso di questa letteratura non si esaurisce e, nell'ambito di un libro di testo, è impossibile rivederlo almeno in qualche modo completamente. Ad alcuni nomi e punti di vista faremo riferimento nel corso della presentazione del materiale. Il fenomeno della cultura di massa si diffuse solo nel XX secolo. Ciò era dovuto a fattori importanti come l’emergere di una società di massa e lo sviluppo di tecnologie che hanno permesso di replicare modelli culturali. Cos’è una società di massa? Il termine “società di massa” così come “cultura di massa” è ambiguo. Il fenomeno da lui designato viene interpretato da molti ricercatori in modo negativo. "Messa" è spesso associata a "folla", "folla". L'uomo di massa appare come un individuo senza volto, incline a seguire ciecamente pregiudizi, mode e leader politici. Tuttavia, la società di massa è, prima di tutto, un certo stato della società, generato dai processi di industrializzazione e urbanizzazione, che hanno distrutto le comunità tradizionali e mescolato rappresentanti di strati sociali precedentemente chiaramente definiti in una massa umana amorfa. In quanto tale, deve essere studiato oggettivamente, non giudicato.

La cultura di massa non potrebbe adempiere a queste funzioni e difficilmente potrebbe esistere senza il progresso tecnologico. È lo sviluppo della tecnologia: dalla stampa ai mezzi ultramoderni di comunicazione e comunicazione; l'avvento della televisione, della radio, dei registratori e dei computer rende possibile replicare modelli culturali e trasmetterli praticamente a ogni membro della società moderna. Lo sviluppo della tecnologia non porta solo al fatto che i campioni culturali diventano disponibili alla popolazione generale. L'emergere di nuovi tipi di tecnologia crea anche nuovi tipi di attività culturale, in particolare l'arte. L’esempio più evidente è il cinema. Anche un genere così specifico di cultura di massa come una serie televisiva è nato solo sulla base di una certa tecnica. Con lo sviluppo della tecnologia informatica stanno emergendo nuovi tipi di arte e altri tipi di attività culturali. Una caratteristica essenziale della cultura di massa è il suo carattere industriale e commerciale. Viene avviata la produzione di campioni culturali. Viene girata più di una serie unica: esiste una produzione consolidata di questo tipo di prodotti. È stata sviluppata una certa tecnologia del suo processo di produzione. I creatori della serie non sono più "creatori" nel pieno senso della parola. Sono "specialisti", "professionisti" nel loro campo. In passato le opere d'arte venivano create come uniche, inimitabili. Questi termini non sono applicabili ai campioni della cultura di massa. Le opere della cultura di massa vengono inizialmente create come prodotto destinato al consumatore di massa di questo prodotto. Un esempio di successo provoca molte imitazioni. I consumatori della cultura di massa nella società moderna sono praticamente tutti gli strati e i gruppi.

Lo scopo principale della cultura di massa è intrattenere e distrarre. Il livello di sviluppo economico delle società moderne ha permesso di liberare il tempo libero che deve essere occupato in qualcosa e ha anche aumentato il tenore di vita. Le persone potevano pagare per divertirsi. D'altra parte, la società moderna è un ambiente piuttosto stressante: il rapido ritmo dei cambiamenti sociali e la loro imprevedibilità, l'instabilità della posizione sociale delle persone, la fragilità dei legami sociali, una sovrabbondanza di informazioni contrastanti - tutto ciò dà origine alla bisogno di tanto in tanto di “spegnersi”, “rilassarsi”. E la cultura di massa permette di soddisfare entrambe le esigenze: svago, divertimento e relax. La cultura di massa è costantemente criticata, sia dai ricercatori che dal pubblico più esigente e ricettivo. La critica è causata dalla scarsa qualità dei prodotti dell '"industria culturale", che spesso gioca sui bisogni e sugli istinti più primitivi, senza aspirare allo sviluppo spirituale dei consumatori. Un'altra linea di critica è la natura commerciale della cultura di massa, la trasformazione della cultura in una merce. Gli autori più inclini alla riflessione filosofica vedono la cultura di massa come una sorta di droga che distrae le persone dai problemi reali della società e forma un'idea falsa, distorta, "laccata" della realtà, instilla nelle persone ideali consumistici.

Tutti questi aspetti negativi della cultura di massa esistono. Eppure la cultura di massa non va vista solo in modo negativo. Come mostrato sopra, la sua comparsa è dovuta a importanti cambiamenti strutturali nella società e svolge determinate funzioni in questa società. Va anche aggiunto che non tutti gli esempi di cultura di massa sono evidentemente di scarsa qualità. I romanzi polizieschi di Agatha Christie e Georges Simenon sono senza dubbio esempi di cultura di massa. Tuttavia, sono riconosciuti come "classici del genere" e hanno innegabili meriti artistici. La musica dei Beatles è l'esempio più chiaro di arte di massa. Tuttavia oggi anche i musicologi riconoscono in questo gruppo il fondatore di un nuovo genere musicale. Inoltre, la cultura di massa non distrugge la cultura alta, sebbene i suoi consumatori e intenditori siano molto più piccoli. Ma tutti i greci leggevano Platone e Aristotele? E l'intero popolo russo ha imparato a memoria le poesie di A.S. Pushkin durante la vita del poeta? Gli esempi si possono moltiplicare. E. Shils ha notato l'eterogeneità culturale e la diversità culturale della società di massa, individuando i vari "livelli" di cultura che esistono in essa: una delle manifestazioni del "disaccordo" della società di massa è la divisione della sua cultura in almeno tre livelli di qualità...", oppure culture "raffinate", "medie" o "mediocri" e "inferiori" o "volgari". Il segno distintivo di una cultura "superiore" è la serietà del tema principale scelto e dei problemi coinvolti, una profonda penetrazione nell'essenza dei fenomeni, la coerenza delle percezioni, la raffinatezza e la ricchezza dei sentimenti espressi ... La cultura "superiore" non lo è in alcun modo legati allo status sociale. E questo significa che il grado di perfezione in esso non è determinato dalla posizione sociale dei creatori o dei consumatori di oggetti culturali, ma solo dalla veridicità e dalla bellezza di questi oggetti stessi. La categoria della cultura "media" comprende opere alle quali, indipendentemente dagli sforzi dei loro creatori, i criteri per valutare le opere della cultura "superiore" non sono applicabili. La cultura "mediocre" è meno originale della cultura "superiore", è più riproduttiva e, sebbene operi negli stessi generi della cultura "superiore", si manifesta anche in alcuni nuovi generi che non sono ancora penetrati nella sfera del " cultura "superiore". ... Al terzo livello c'è la cultura "inferiore", le cui opere sono elementari. Alcuni di essi hanno forme di genere della cultura "media" e persino "alta" (arti visive, musica, poesia, romanzi, racconti), ma questo include anche giochi e spettacoli (pugilato, corse di cavalli) che hanno espressività diretta e contenuto interno minimo . A questo livello di cultura, la profondità di penetrazione è quasi sempre trascurabile, non c'è raffinatezza, e la volgarità generale della sensazione e della percezione è il suo tratto caratteristico... La società di massa assorbe una quantità di cultura molto maggiore rispetto a qualsiasi altra epoca. I raccolti "più bassi", mentre l'offerta proporzionale dei raccolti "più alti" è stata drasticamente ridotta. Le ragioni più evidenti di questo fenomeno sono la maggiore accessibilità, la diminuzione del costo del lavoro, l’aumento del tempo libero e della ricchezza materiale per la maggior parte delle persone, la diffusione dell’alfabetizzazione, l’edonismo totale. Allo stesso tempo, le classi medie e basse hanno beneficiato più delle élite... Anche il consumo di cultura "alta" è aumentato, anche se in misura minore. Per quanto riguarda la suddetta "verniciatura" della realtà e la formazione degli ideali di consumo, in relazione a ciò si può notare un certo paradosso. La cultura popolare è, in un certo senso, "onnivora" a causa della sua natura commerciale. Se nella società c'è una "domanda" di critica all'ordine esistente, allora appariranno immediatamente opere che soddisfano questa esigenza. Nel moderno mercato di massa della letteratura intellettuale si può trovare un numero enorme di libri di direzione "critica" - sia scientifici che giornalistici, e di narrativa. La cultura di massa non educa, offre una varietà di beni. Sta al consumatore scegliere: un romanzo per donne, "1984" di George Orwell o il famoso studio critico di Herbert Marcuse sulla moderna società di massa "One-Dimensional Man" del filosofo e sociologo Herbert Marcuse. (È vero, l'opera di G. Marcuse dovrebbe ancora essere attribuita all'élite o alla cultura "superiore", poiché la sua comprensione richiede una certa preparazione).

Anche una caratteristica indubbia della cultura di massa come la commercializzazione ha alcune conseguenze positive. Le relazioni commerciali impersonali, le relazioni di mercato e le mutate esigenze delle persone disposte a pagare per la soddisfazione dei desideri offrono a una persona creativa molte opportunità per l'attività creativa (un'altra questione è come vengono utilizzate queste opportunità). Nelle società del passato, infatti, l’attività creativa come sfera separata della pratica sociale non esisteva. Nelle società arcaiche, l’arte era intrecciata alle attività quotidiane. Nelle civiltà tradizionali dell'antichità e del Medioevo, le persone impegnate in attività creative, di regola, erano una minoranza e lavoravano principalmente per soddisfare i bisogni artistici dell'aristocrazia, essendo completamente dipendenti da essa finanziariamente. Nella migliore delle ipotesi, l’attività creativa era una forma di svago. Ma in questo caso l'artista doveva avere un mezzo di sostentamento che gli permettesse di “creare” liberamente. Molti di quelli che oggi chiameremmo artisti erano considerati artigiani e non godevano di particolari onori. Solo dal Rinascimento nella cultura europea inizia l'emancipazione dell'attività creativa. Non c'è mai stato così tanto numero di persone nelle "professioni creative" come nelle società moderne, da nessuna parte, poiché la società non ne sentiva il bisogno.

Quindi, la cultura di massa è un fenomeno della modernità, generato da alcuni cambiamenti sociali e culturali e che svolge una serie di funzioni abbastanza importanti. La cultura di massa ha aspetti sia negativi che positivi. Il livello non troppo elevato dei suoi prodotti e il criterio, principalmente commerciale, per valutare la qualità delle opere, non nega il fatto ovvio che la cultura di massa fornisce a una persona un'abbondanza senza precedenti di forme simboliche, immagini e informazioni, rende la percezione di il mondo è diversificato, lasciando al consumatore il diritto di scegliere il "prodotto consumato". Sfortunatamente, non sempre il consumatore sceglie il meglio.

Sono state spese molte parole per designare o illustrare il famigerato potere di ciò che chiamiamo arte, nel nostro caso letteratura. Cercano le radici di questa influenza, lavando via i dettagli tecnici della scrittura (che è certamente importante), costruendo teorie, inventando modelli, lottando con le scuole e le opinioni delle autorità, evocando gli spiriti delle antiche divinità e chiedendo aiuto a Dio. esperti nuovi di zecca... Ma come ciò avvenga rimane del tutto incomprensibile.

Esiste piuttosto una scienza chiamata critica letteraria, esiste una vera e propria teoria della lettura, esiste un'ipotesi sulle diverse forme di psicoattività di una persona che scrive, così come di una persona che legge, ma in qualche modo non raggiungono il punto principale . Mi sembra che, se lo facessero, la soluzione di questo enigma, come la scoperta della fisica nucleare, cambierebbe nel giro di pochi anni la nostra comprensione di noi stessi.

E solo i teorici più “strani” sanno che il potere dell'arte sta nel fatto che non spala l'esperienza di una persona da cima a fondo, ma la completa senza entrare in conflitto con essa, e trasforma miracolosamente questa esperienza. , che molti consideravano spazzatura appena necessaria, ma a volte del tutto inutilizzabile, in nuova conoscenza, se vuoi, in saggezza.

FINESTRA SULLA SAGGEZZA

Quando avevo appena pensato di scrivere questo libro e ne ho parlato a un editore che conoscevo, lui è rimasto molto sorpreso: “Perché”, ha chiesto, “pensi che scrivere un romanzo sia l’unica via d’uscita? Lascia che leggano meglio i libri, è molto più facile. A modo suo, ovviamente, aveva ragione.

Leggere, ovviamente, è più facile, più facile e più divertente. In realtà, le persone fanno proprio questo: leggono, trovando nel mondo di questi Scarlett e Holmes, Frodo e Conan, Brugnon e Turbin tutte le esperienze, idee, consolazione e soluzione parziale di problemi che sono significativi per loro.

Sì, leggi il libro, provi la stessa esperienza dell'autore. Ma solo dieci volte, venti volte più debole!

E riconoscendo nella lettura uno strumento molto potente, proviamo a immaginare cosa possiamo ottenere se sviluppiamo noi stessi la partitura della “meditazione” di Notorious? E poi “organizziamo” tutto da soli, come dovrebbe essere in questi casi? Naturalmente, senza perdere di vista il fatto che lo stiamo facendo in pieno accordo con le nostre idee profondamente PERSONALI sul problema? ...

Introdotto? Sì, anch'io difficilmente riesco a immaginare, solo in minima parte, l'effetto che un libro ben organizzato e ben scritto può avere sull'autore. Io sono un romanziere, un conoscitore di testi e di persone che si occupano professionalmente del libro, devo ammettere che non so come, perché e in che misura ciò avvenga. Ma il fatto che funzioni con una potenza sorprendente, che a volte cambia radicalmente l'essenza dell'autore, lo garantisco.

Naturalmente, tutto è un po’ più complicato di quello che sto descrivendo qui. Non è necessario romanzo per romanzo, anche l'autore è diverso dall'autore. A volte anche tra gli scrittori ci sono tali "ravanelli" che rimani semplicemente stupito, ma scrivono come un usignolo: facilmente, sonoramente, convincente, magnificamente! Il fatto è, probabilmente, che senza i romanzi starebbero anche peggio, farebbero azioni malvagie o si trasformerebbero in persone francamente infelici, rendendo infelici i loro parenti e amici.

In ogni caso, sostengo che il romanzo, la scrittura stessa di questa monografia, per così dire, del tutto facoltativa, serve come mezzo per cambiare la personalità dell'autore, attirando la proprietà più rara della variabilità psicologica, o meglio, della creatività metamorfica. Perché è una specie di finestra sulla verità, aperta in sé. E come utilizzeremo questo strumento, cosa vedremo nella finestra, che tipo di saggezza potremo ricevere di conseguenza: questo, come si suol dire, Dio lo sa. Tutta la vita è costruita su questo, che ognuno è responsabile solo di se stesso, non è vero?