Associazione artistica creativa “mondo dell'arte. L.S. Bychkova. Mondo dell'Arte nel mondo dell'arte Quali artisti sono entrati nel mondo dell'arte

Artisti del mondo dell'arte.

"World of Art" è un'organizzazione nata a San Pietroburgo nel 1898 e che univa i maestri della più alta cultura artistica, l'élite artistica della Russia di quegli anni. L'inizio del "Mondo dell'Arte" è stato posto dalle serate nella casa di A. Benois, dedicate all'arte, alla letteratura e alla musica. Le persone che vi si sono riunite erano accomunate dall'amore per la bellezza e dalla convinzione che essa possa essere trovata solo nell'arte, poiché la realtà è brutta. Nato anche come reazione alla meschinità del defunto Vagabondo, al suo carattere edificante e illustrativo, il Mondo dell'Arte si trasformò presto in uno dei maggiori fenomeni della cultura artistica russa. Quasi tutti gli artisti famosi hanno partecipato a questa associazione: Benois, Somov, Bakst, E.E. Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, K. Korovin, Levitan, Nesterov, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin, Sapunov, Sudeikin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin, così come Larionov e Goncharova. Di grande importanza per la formazione di questa associazione è stata la personalità Diaghilev, mecenate e organizzatore di mostre, e in seguito - l'impresario delle tournée di balletto e opera russe all'estero ("Stagioni russe", che ha introdotto l'Europa al lavoro di Chaliapin, Pavlova, Karsavina, Fokine, Nijinsky e altri e ha mostrato al mondo un esempio di la cultura più alta delle forme delle varie arti: musica, danza, pittura, scenografia). Nella fase iniziale della formazione del "Mondo dell'Arte", Diaghilev organizzò una mostra di acquerelli inglesi e tedeschi a San Pietroburgo nel 1897, poi una mostra di artisti russi e finlandesi nel 1898. Sotto la sua direzione dal 1899 al 1904, con lo stesso nome fu pubblicata una rivista composta da due dipartimenti: artistico e letterario. Gli editoriali dei primi numeri della rivista erano chiari ha formulato le principali disposizioni del "Mondo dell'Arte"» sull'autonomia dell'art, che i problemi della cultura moderna sono esclusivamente problemi di forma artistica e che il compito principale dell'arte è educare i gusti estetici della società russa, principalmente attraverso la conoscenza delle opere d'arte mondiale. Dobbiamo rendergli merito: grazie al Mondo dell'Arte, l'arte inglese e tedesca è stata davvero apprezzata in un modo nuovo e, soprattutto, la pittura russa del XVIII secolo e l'architettura del classicismo di San Pietroburgo sono diventate una scoperta per molti. "Mondo dell'Arte" si è battuto per la "critica come arte", proclamando l'ideale di un artista-critico dotato di elevata cultura professionale ed erudizione. Il tipo di un tale critico è stato incarnato da uno dei creatori di The World of Art, A.N. Benoît.

"Miriskusniki" ha organizzato mostre. Il primo è stato anche l'unico internazionale che ha riunito, oltre ai russi, artisti provenienti da Francia, Inghilterra, Germania, Italia, Belgio, Norvegia, Finlandia, ecc. Vi hanno preso parte pittori e grafici sia di San Pietroburgo che di Mosca. Ma la spaccatura tra queste due scuole - San Pietroburgo e Mosca - si è delineata quasi dal primo giorno. Nel marzo 1903 si chiuse l'ultima, quinta mostra del Mondo dell'Arte, nel dicembre 1904 fu pubblicato l'ultimo numero della rivista Mondo dell'Arte. La maggior parte degli artisti si trasferì all '"Unione degli artisti russi", organizzata sulla base della mostra di Mosca "36". Diaghilev si dedicò completamente al balletto e al teatro. 1906, poi espose a Berlino e Venezia (1906-1907). sezione della pittura moderna, il posto principale era occupato dal "Mondo dell'Arte". Questo fu il primo atto di riconoscimento paneuropeo del "Mondo dell'Arte", nonché la scoperta della pittura russa del XVIII - inizio XX secoli in generale per la critica occidentale e un vero trionfo dell'arte russa

L'artista principale del "Mondo dell'Arte" era Konstantin Andreevich Somov(1869-1939). Figlio del capo curatore dell'Ermitage, diplomato all'Accademia delle arti e viaggiato in giro per l'Europa, Somov ha ricevuto un'istruzione eccellente. La maturità creativa gli è arrivata presto, ma, come correttamente notato dal ricercatore (V.N. Petrov), ha sempre avuto una certa dualità: la lotta tra un potente istinto realistico e una visione del mondo dolorosamente emotiva.

Somov, come lo conosciamo, è apparso nel ritratto dell'artista Martynova ("Lady in Blue", 1897-1900, Galleria statale Tretyakov), nel ritratto "Echi del passato" (1903, b. sulla mappa , acqua., gouache, Galleria statale Tretyakov ), dove crea una caratterizzazione poetica della fragile e anemica bellezza femminile del modello decadente, rifiutandosi di trasmettere i veri segni quotidiani della modernità. Veste le modelle con costumi antichi, conferisce al loro aspetto i tratti della sofferenza segreta, della tristezza e del sogno, della dolorosa rottura.

Prima di chiunque altro nel Mondo dell'arte, Somov si è rivolto ai temi del passato, all'interpretazione del XVIII secolo. ("Lettera", 1896; "Riservatezze", 1897), essendo il precursore dei paesaggi di Versailles di Benois. È il primo a creare un mondo surreale, intrecciato con i motivi della nobiltà, della tenuta e della cultura di corte e con le sue sensazioni artistiche puramente soggettive, permeate di ironia. Lo storicismo del "Mondo dell'Arte" era una fuga dalla realtà. Non il passato, ma la sua messa in scena, il desiderio della sua irrecuperabilità: questo è il loro motivo principale. Non un vero divertimento, ma un gioco divertente con baci nei vicoli: questo è Somov.

D Le altre opere di Somov sono feste pastorali e galanti ("Il bacio ridicolo", 1908, Museo russo; "La passeggiata della marchesa", 1909, Museo russo), piene di ironia caustica, vuoto spirituale e persino disperazione. Scene d'amore dal XVIII all'inizio del XIX secolo. sempre dotato di un tocco di erotismo Somov ha lavorato molto come artista grafico, ha disegnato una monografia di S. Diaghilev su D. Levitsky, un saggio di A. Benois su Tsarskoye Selo. Il libro, come un unico organismo con la sua unità ritmica e stilistica, è stato da lui elevato a un'altezza straordinaria. Somov non è un illustratore, "illustra non un testo, ma un'epoca, utilizzando un espediente letterario come trampolino di lancio", ha scritto A.A. Sidorov, e questo è verissimo.

Somov"La signora in blu" "Alla pista di pattinaggio" Benois. A. "Cammino del Re"

Il leader ideologico del "mondo dell'arte" era Aleksandr Nikolaevič Benois(1870-1960) - un talento insolitamente versatile. Pittore, grafico e illustratore da cavalletto, artista teatrale, regista, autore di libretti di balletto, teorico e storico dell'arte, figura musicale, fu, nelle parole di A. Bely, il principale politico e diplomatico del "Mondo dell'Arte". Proveniente dallo strato più alto dell'intellighenzia artistica di San Pietroburgo (compositori e direttori d'orchestra, architetti e pittori), studiò prima alla facoltà di giurisprudenza dell'Università di San Pietroburgo.

Come artista, è legato a Somov per tendenze stilistiche e dipendenza dal passato ("Sono inebriato da Versailles, questa è una specie di malattia, amore, passione criminale ... mi sono completamente trasferito nel passato ...") . Nei paesaggi di Versailles, Benois fonde la ricostruzione storica del XVII secolo. e impressioni contemporanee dell'artista, la sua percezione del classicismo francese, l'incisione francese. Da qui la chiara composizione, la chiara spazialità, la grandiosità e la fredda severità dei ritmi, l'opposizione tra la grandiosità dei monumenti d'arte e la piccolezza delle figure umane, che tra loro sono solo un personale (la prima serie di Versailles del 1896-1898 con il titolo "Le ultime passeggiate di Luigi XIV"). Nella seconda serie di Versailles (1905-1906), l'ironia, caratteristica anche dei primi fogli, si colora di note quasi tragiche ("La passeggiata del re",). Il pensiero di Benois è il pensiero di un artista teatrale per eccellenza, che conosceva e sentiva molto bene il teatro.

La natura è percepita da Benois in una connessione associativa con la storia (vedute di Pavlovsk, Peterhof, Tsarskoe Selo, da lui eseguite con la tecnica dell'acquerello).

In una serie di dipinti del passato russo, commissionati dalla casa editrice moscovita Knebel (illustrazioni per le "Cacce reali"), con scene della vita dei nobili proprietari terrieri del XVIII secolo. Benois creò un'immagine intima di quest'epoca, anche se una parata un po' teatrale sotto Paolo I. Benois l'illustratore (Pushkin, Hoffman) è un'intera pagina nella storia del libro. A differenza di Somov, Benois crea un'illustrazione narrativa. Per lui il piano della pagina non è fine a se stesso. Le illustrazioni per La dama di picche erano opere indipendenti piuttosto complete, non tanto "arte del libro", come afferma A.A. Sidorov, quanta "arte c'è nel libro". Un capolavoro dell'illustrazione di libri è stato il design grafico di The Bronze Horseman (1903,1905,1916,1921-1922, inchiostro e acquerello che imitano xilografie colorate). In una serie di illustrazioni per il grande poema, il personaggio principale diventa il paesaggio architettonico di San Pietroburgo, ora solennemente patetico, ora pacifico, ora sinistro, contro il quale la figura di Eugenio sembra ancora più insignificante. Così Benois esprime il tragico conflitto tra il destino dello stato russo e il destino personale di un piccolo uomo (“E per tutta la notte il povero pazzo, / Ovunque voltasse i piedi, / Il Cavaliere di Bronzo era ovunque con lui / Con un forte passo al galoppo”).

"Cavaliere di bronzo"

«
Corteo sotto Paolo I»

Come artista teatrale, Benois ha progettato le rappresentazioni delle Stagioni russe, di cui la più famosa è stata il balletto Petrushka su musica di Stravinsky, ha lavorato molto al Teatro d'Arte di Mosca e in seguito su quasi tutti i principali palcoscenici europei.

L'attività di Benois, critico e storico dell'arte che, insieme a Grabar, aggiornò metodi, tecniche e temi della storia dell'arte russa, costituisce un'intera tappa nella storia della critica d'arte (vedi "Storia della pittura del XIX secolo " di R. Muther - il volume "Pittura russa", 1901- 1902; "Scuola russa di pittura", edizione del 1904; "Carskoe Selo durante il regno dell'imperatrice Elisabetta Petrovna", 1910; articoli nelle riviste "World of Art " e "Anni antichi", "Tesori artistici della Russia", ecc.).

T il terzo nel nucleo del "Mondo dell'Arte" era Lev Samuilovich Bakst(1866-1924), che divenne famoso come artista teatrale e fu il primo del "Mondo dell'Arte" a guadagnare fama in Europa. Arrivò al "Mondo dell'Arte" dall'Accademia delle Arti, poi professò lo stile Art Nouveau, si unì alle tendenze di sinistra nella pittura europea. Alle prime mostre del "Mondo dell'Arte" ha esposto una serie di ritratti pittorici e grafici (Benoit, Bely, Somov, Rozanov, Gippius, Diaghilev), dove la natura, entrando in un flusso di stati viventi, si è trasformata in una sorta della rappresentazione ideale di una persona contemporanea. Bakst ha creato il marchio della rivista "World of Art", che è diventato l'emblema delle "Stagioni russe" di Diaghilev a Parigi. Non ci sono motivi settecenteschi nella grafica di Bakst. e temi immobiliari. Gravita verso l'antichità, inoltre, al greco arcaico, interpretato simbolicamente. Particolarmente riuscito tra i simbolisti fu il suo dipinto "Ancient Horror" - "Terror antiquus" (tempera, 1908, Museo Russo). Un terribile cielo tempestoso, fulmini che illuminano l'abisso del mare e un'antica città - e su tutta questa catastrofe universale domina la corteccia arcaica con un misterioso sorriso congelato. Ben presto Bakst si dedicò completamente al lavoro teatrale e scenografico, e le sue scene e costumi per i balletti dell'impresa Diaghilev, eseguiti con straordinaria brillantezza, virtuosismo, artisticamente, gli portarono fama mondiale. Nel suo design c'erano spettacoli con Anna Pavlova, balletti di Fokine. L'artista ha realizzato scene e costumi per Scheherazade di Rimsky-Korsakov, L'uccello di fuoco di Stravinsky (entrambi del 1910), Daphnis e Chloe di Ravel e Il pomeriggio di un fauno su musica di Debussy (entrambi del 1912).

"Orrore antico" Pomeriggio di fauno "Ritratto di Gippius

Della prima generazione di "World of Art" era il più giovane Evgeny Evgenievich Lansere (1875-1946), nel suo lavoro ha toccato tutti i principali problemi della grafica dei libri dell'inizio del XX secolo. (Vedi le sue illustrazioni per il libro "Leggende degli antichi castelli della Bretagna", per Lermontov, la copertina per "Prospettiva Nevskij" di Bozheryanov, ecc.). Lansere ha creato una serie di acquerelli e litografie di San Pietroburgo (ponte Kalinkin, mercato Nikolsky, ecc.). L'architettura occupa un posto enorme nelle sue composizioni storiche (“Imperatrice Elizaveta Petrovna a Tsarskoye Selo”, 1905, Galleria statale Tretyakov). Possiamo dire che nell'opera di Serov, Benois, Lansere è stato creato un nuovo tipo di pittura storica: è priva di trama, ma allo stesso tempo ricrea perfettamente l'aspetto dell'epoca, evocando molte associazioni storiche, letterarie ed estetiche . Una delle migliori creazioni di Lansere: 70 disegni e acquerelli per L.N. "Hadji Murad" di Tolstoj (1912-1915), che Benois considerava "una canzone indipendente che si adatta perfettamente alla potente musica di Tolstoj".

IN
grafica di Mstislav Valerianovich Dobuzhinsky(1875–1957) rappresenta non tanto la Pietroburgo dell'era Pushkin o del XVIII secolo quanto una città moderna, che seppe trasmettere con un'espressività quasi tragica (“La vecchia casa”, 1905, acquerello, Galleria statale Tretyakov), quanto così come una persona che vive in tali città (“Un uomo con gli occhiali”, 1905-1906, pastello, Galleria statale Tretyakov: un solitario, sullo sfondo di case noiose, un uomo triste, la cui testa ricorda un teschio). L’urbanistica del futuro ispirava Dobuzhinsky con paura del panico. Lavorò molto anche nell'illustrazione, dove la sua serie di disegni a inchiostro per Le notti bianche di Dostoevskij (1922) può essere considerata la più notevole. Dobuzhinsky ha lavorato anche nel teatro, progettato per Nemirovich-Danchenko "Nikolai Stavrogin" (messo in scena "Demoni" di Dostoevskij), nelle opere di Turgenev "Un mese in campagna" e "Lo scroccone".

Occupa un posto speciale nel "mondo dell'arte". Nicola Roerich(1874-1947). Esperto di filosofia ed etnografia d'Oriente, archeologo-scienziato, Roerich ricevette un'ottima formazione, prima a casa, poi presso le facoltà di diritto e storico-filologico dell'Università di San Pietroburgo, poi all'Accademia delle Arti, nel laboratorio di Kuindzhi, ea Parigi nello studio di F. Cormon. Presto acquisì l'autorità di uno scienziato. Era legato al "mondo dell'arte" dallo stesso amore per la retrospettiva, solo non dei secoli XVII-XVIII, ma dell'antichità pagana slava e scandinava, fino all'antica Rus'; tendenze stilistiche, decoratività teatrale (“Messaggero”, 1897, Galleria statale Tretyakov; “The Elders Converge”, 1898, Museo Russo; “Sinister”, 1901, Museo Russo). Roerich era strettamente associato alla filosofia e all'estetica del simbolismo russo, ma la sua arte non si adattava al quadro delle tendenze esistenti, perché, in accordo con la visione del mondo dell'artista, si rivolgeva, per così dire, a tutta l'umanità con un appello per un’unione amichevole di tutti i popoli. Da qui la speciale natura epica dei suoi dipinti.

«

Battaglia celeste"

"Ospiti stranieri"

Dopo il 1905, l'atmosfera del misticismo panteistico crebbe nell'opera di Roerich. I temi storici lasciano il posto alle leggende religiose (La battaglia celeste, 1912, Museo Russo). L'icona russa ha avuto un'enorme influenza su Roerich: il suo pannello decorativo La battaglia di Kerzhents (1911) è stato esposto durante l'esecuzione di un frammento con lo stesso titolo dell'opera di Rimsky-Korsakov Il racconto della città invisibile di Kitezh e della fanciulla Fevronia in le stagioni russe di Parigi.

IN sulla seconda generazione del "mondo dell'arte" di uno degli artisti più dotati era Boris Mikhailovich Kustodiev(1878-1927), allievo di Repin, che lo aiutò nel suo lavoro al Consiglio di Stato. Anche Kustodiev è caratterizzato dalla stilizzazione, ma questa è una stilizzazione della stampa popolare popolare. Da qui le luminose e festive "Fiere", "Carnevale", "Balagany", da qui i suoi dipinti della vita piccolo-borghese e mercantile, trasmessi con leggera ironia, ma non senza ammirare queste bellezze mezzo addormentate dalle guance rosse dietro un samovar e con piattini tra le dita carnose ("Mercante", 1915, Museo Russo; "Il mercante di tè", 1918, Museo Russo).

A.Ya. Golovin è uno dei più grandi artisti teatrali del primo quarto del XX secolo; I. Ya. Bilibin, A.P. Ostroumova-Lebedeva e altri.

Il "Mondo dell'Arte" fu un importante movimento estetico all'inizio del secolo, che sopravvalutò l'intera cultura artistica moderna, approvò nuovi gusti e problemi, restituì all'arte - al più alto livello professionale - le forme perdute della grafica libraria e del teatro e la pittura decorativa, che grazie ai loro sforzi ottenne un riconoscimento paneuropeo, creò una nuova critica d'arte, che promosse l'arte russa all'estero, anzi, aprì anche alcune delle sue fasi, come il XVIII secolo russo. "Miriskusniki" ha creato un nuovo tipo di pittura storica, ritratto, paesaggio con le proprie caratteristiche stilistiche (tendenze stilistiche distinte, predominanza delle tecniche grafiche.

L.S. Bychkova

Mondo dell'arte nel mondo dell'arte*

L'associazione artistica e la rivista "World of Art" sono fenomeni significativi nella cultura russa dell'età dell'argento, esprimendo chiaramente una delle tendenze estetiche essenziali del loro tempo. Il Commonwealth del mondo delle arti iniziò a prendere forma a San Pietroburgo negli anni '90. 19esimo secolo attorno a un gruppo di giovani artisti, scrittori, artisti che cercavano di rinnovare la vita culturale e artistica della Russia. I principali iniziatori furono A.N. Benois, S.P. Diaghilev, D.V. Filosofov, K.A. Somov, L.S. Bakst, in seguito M.V. amici legati dalla stessa cultura e dal gusto comune ”, nel 1899 si tenne la prima delle cinque mostre della rivista, l'associazione stessa fu ufficialmente formalizzata nel 1900. La rivista esistette fino alla fine del 1904, e dopo la rivoluzione del 1905 le attività ufficiali dell'associazione cessarono. Oltre ai membri dell'associazione, nelle mostre sono stati coinvolti molti artisti di spicco dell'inizio del secolo, che condividevano la principale linea spirituale ed estetica del "mondo dell'arte". Tra questi, prima di tutto, possiamo citare i nomi di K. Korovin, M. Vrubel, V. Serov, N. Roerich, M. Nesterov, I. Grabar, F. Malyavin. Sono stati invitati anche alcuni maestri stranieri. Anche molti pensatori e scrittori religiosi russi hanno pubblicato sulle pagine della rivista, sostenendo a modo loro la “rinascita” della spiritualità in Russia. Questo è V. Rozanov,

* L'articolo utilizza materiali del progetto di ricerca n. 05-03-03137a, sostenuto dalla Fondazione umanitaria russa.

D. Merezhkovsky, L. Shestov, N. Minsky e altri. La rivista e l'associazione nella sua forma originale non durarono a lungo, ma lo spirito del Mondo dell'Arte, le sue attività editoriali, organizzative, espositive ed educative hanno lasciato un segno evidente sulla cultura e l'estetica russa, e i principali membri dell'associazione - il Mondo dell'Arte - hanno mantenuto questo spirito e queste predilezioni estetiche quasi per tutta la vita. Nel 1910-1924. Il "Mondo dell'Arte" riprese la sua attività, ma già in una composizione molto ampliata e senza una prima linea estetica (essenzialmente estetica) sufficientemente chiara. Molti dei rappresentanti dell'associazione negli anni '20. si trasferirono a Parigi, ma anche lì rimasero aderenti ai gusti artistici della loro giovinezza.

Due idee principali hanno unito i partecipanti al Mondo dell'Arte in una comunità integrale: 1. Il desiderio di restituire all'arte russa la principale qualità dell'arte abilità artistica, liberare l'arte da ogni tendenziosità (sociale, religiosa, politica, ecc.) e indirizzarla in una direzione puramente estetica. Da qui lo slogan l'art pour l'art, popolare tra loro, sebbene antico nella cultura, il rifiuto dell'ideologia e della pratica artistica dell'accademismo e del vagabondaggio, un interesse speciale per le tendenze romantiche e simboliste nell'arte, nel periodo pre-inglese Raffaelliti, nabidi francesi, nella pittura di Puvis de Chavana, il mitologismo di Böcklin, l'estetismo Jugendstil, l'Art Nouveau, ma anche E.T.A. una tendenza a includere la cultura e l'arte russa in un ampio contesto artistico europeo. 2. Su questa base - romanticizzazione, poetizzazione, estetizzazione del patrimonio nazionale russo, in particolare del tardo XVIII - inizio XIX secolo, orientato alla cultura occidentale, interesse generale per la cultura post-petrina e l'arte popolare tarda, per la quale i principali partecipanti nell'associazione ha ricevuto negli ambienti artistici il soprannome di "sognatori retrospettivi".

La tendenza principale del "Mondo dell'Arte" era il principio dell'innovazione nell'arte basata su un gusto estetico altamente sviluppato. Da qui le preferenze artistiche ed estetiche e le attitudini creative del Mondo dell'Arte. In effetti, crearono una solida versione russa di quel movimento esteticamente acuto di fine secolo, che gravitava verso la poetica del neo-romanticismo o del simbolismo, verso la decoratività e la melodiosità estetica della linea, e in diversi paesi aveva nomi diversi (Art Nouveau, Secessione, Art Nouveau), e in Russia veniva chiamato lo stile "moderno".

Gli stessi partecipanti al movimento (Benoit, Somov, Dobuzhinsky, Bakst, Lansere, Ostroumova-Lebedeva, Bilibin) non erano grandi artisti, non hanno creato capolavori artistici o opere eccezionali, ma hanno scritto diverse pagine molto belle, quasi estetiche nella storia del L'arte russa mostra in realtà al mondo che lo spirito dell'estetismo di orientamento nazionale nel senso migliore di questo termine ingiustamente sottovalutato non è estraneo all'arte russa. Caratteristiche dello stile della maggior parte del mondo dell'arte erano la squisita linearità (grafica - portavano la grafica russa al livello di una forma d'arte indipendente), la raffinata decoratività, la nostalgia per la bellezza e il lusso delle epoche passate, a volte tendenze neoclassiche e intimità nei lavori da cavalletto. Allo stesso tempo, molti di loro gravitavano anche verso la sintesi teatrale delle arti - da qui la partecipazione attiva a produzioni teatrali, i progetti di Diaghilev e le "Stagioni russe", un crescente interesse per la musica, la danza e il teatro moderno in generale. È chiaro che la maggior parte del mondo dell’arte era diffidente e, di regola, fortemente negativa nei confronti dei movimenti d’avanguardia del loro tempo. Il "Mondo dell'Arte" ha cercato di trovare un proprio percorso innovativo nell'arte, saldamente connesso con le migliori tradizioni dell'arte del passato, alternativo al percorso degli artisti d'avanguardia. Oggi lo vediamo nel ventesimo secolo. gli sforzi del mondo delle arti praticamente non hanno ricevuto alcuno sviluppo, ma nel primo terzo del secolo hanno contribuito a mantenere un alto livello estetico nelle culture domestiche ed europee e hanno lasciato un buon ricordo nella storia dell'arte e della cultura spirituale.

Voglio qui soffermarmi sulle attitudini artistiche e sui gusti estetici di alcuni dei principali rappresentanti del “Mondo dell'Arte” e degli artisti che aderirono attivamente al movimento al fine di individuare la principale tendenza artistica ed estetica dell'intero movimento oltre a quanto è ben dimostrato dagli storici dell'arte sulla base dell'analisi della creatività artistica e del mondo delle arti stesse.

Konstantin Somov (1869-1939) nel "Mondo dell'Arte" fu uno degli esteti più raffinati e raffinati, nostalgico della bellezza dell'arte classica del passato, fino agli ultimi giorni della sua vita, cercando la bellezza o le sue tracce nella contemporaneità arte e, al meglio delle sue capacità, cercando di creare questa bellezza. In una delle sue lettere spiega ad A. Benois perché non può in alcun modo partecipare al movimento rivoluzionario del 1905, che travolse tutta la Russia: “... prima di tutto, sono follemente innamorato della bellezza e mi voglio servirlo; solitudine con pochi e cosa c'è dentro

L'anima umana è eterna e intangibile, apprezzo soprattutto. Sono un individualista, tutto il mondo ruota attorno al mio “io” e, in sostanza, non mi interessa ciò che va oltre questo “io” e la sua ristrettezza” (89) . E alle lamentele del suo corrispondente sull'imminente "maleducazione", lo consola con il fatto che ce n'è abbastanza in ogni momento, ma la bellezza rimane sempre accanto a lui - è sufficiente in qualsiasi sistema per "ispirare poeti e artisti" "(91).

Nella bellezza Somov vedeva il significato principale della vita e quindi tutte le sue manifestazioni, ma soprattutto la sfera dell'arte, considerava però attraverso occhiali estetici la propria produzione, piuttosto soggettiva. Allo stesso tempo, ha costantemente cercato non solo di apprezzare gli oggetti estetici, ma anche di sviluppare il proprio gusto estetico. Già un noto artista quarantenne, non considera vergognoso andare alla conferenza sull'estetica di I. Grabar, ma acquisisce l'esperienza estetica principale per tutta la sua vita comunicando con l'arte stessa. In questo, fino agli ultimi giorni della sua vita improvvisamente abbreviata, fu instancabile. Dalle sue lettere e dai suoi diari vediamo che tutta la sua vita fu spesa nell'arte. Oltre al lavoro creativo, visite costanti, quasi quotidiane, a mostre, gallerie, musei, studi di artisti, teatri e sale da concerto. In ogni città in cui è arrivato, è corso prima nei musei e nei teatri. E troviamo una breve reazione a quasi ogni visita del genere nei suoi diari o nelle sue lettere. Qui, nel gennaio 1910, era a Mosca. “Mi stanco durante il giorno, ma comunque vado a teatro tutte le sere” (106). E gli stessi record fino agli ultimi anni della sua vita a Parigi. Quasi ogni giorno teatri, concerti, mostre. Allo stesso tempo, visita non solo ciò che sa per certo che riceverà piacere estetico, ma anche molte cose che non possono soddisfare il suo bisogno estetico. Segue professionalmente gli avvenimenti della vita artistica e cerca almeno tracce di bellezza.

E li trova quasi ovunque. Non dimentica di menzionare la bellezza del paesaggio, che scopre in Francia, in America, a Londra e nella Mosca del periodo sovietico; sulla bellezza della cattedrale di Chartres o sugli interni di case e palazzi che ha dovuto visitare in diversi paesi del mondo. Tuttavia, con amore speciale e costante, gode della bellezza dell'arte. Allo stesso tempo, con la stessa passione, ascolta musica, opera, guarda balletti e spettacoli teatrali, legge narrativa, poesia e, ovviamente, non perde una sola occasione di vedere i dipinti: sia dei vecchi maestri che dei suoi contemporanei. E ad ogni contatto con l'arte ha qualcosa da dire. Allo stesso tempo, i suoi giudizi, sebbene piuttosto soggettivi, spesso risultano esserlo

ben mirati e precisi, il che è ulteriormente enfatizzato dalla loro concisione. L'impressione generale, alcune osservazioni specifiche, ma anche da esse sentiamo bene sia il livello di coscienza estetica dello stesso Somov, sia lo spirito dell'atmosfera dell'età dell'argento in cui questa coscienza si è formata.

“La sera ero ad un concerto di Koussevitzky. C'era una messa di Bach. Un'opera di straordinaria bellezza e ispirazione. L'esecuzione è stata eccellente, molto armoniosa” (1914) (138). In totale gioia con l'esecuzione della New York Philharmonic Orchestra diretta da Toscanini: “Non ho mai sentito niente di simile in vita mia” (Parigi, 1930) (366). Sull'esecuzione della messa da parte del coro papale a Notre Dame: “L'impressione di questo coro è ultraterrena. Non ho mai sentito una tale armonia, purezza di voci, il loro timbro italiano, acuti così deliziosi” (1931) (183). Sull'esecuzione dell'opera Idomeneo di Mozart da parte del coro di Basilea: "Si è rivelata assolutamente brillante, di incomparabile bellezza" (Parigi, 1933) (409), ecc. e così via. Già in vecchiaia trascorse quattro serate nella galleria del teatro, dove la compagnia di Bayreuth rappresentò la tetralogia di Wagner. Non era possibile procurarsi altri biglietti e ogni rappresentazione durava 5-6 ore. Fine giugno, caldo a Parigi, «ma pur sempre un grande piacere» (355).

Somov ha assistito al balletto con ancora maggiore entusiasmo per tutta la sua vita. Soprattutto russi, le cui migliori forze si rivelarono in Occidente dopo la rivoluzione del 1917. Qui c'è sia piacere estetico che interesse professionale per la decorazione, che veniva spesso (specialmente nelle prime esibizioni di Diaghilev) eseguita dai suoi amici e colleghi del mondo dell'arte. Nel balletto, nella musica, nel teatro e nella pittura, ovviamente, Somov si diletta soprattutto nei classici o nell'estetismo raffinato. Tuttavia, il primo terzo del XX secolo fu in pieno svolgimento anche per qualcos’altro, soprattutto a Parigi. Le tendenze d'avanguardia acquisirono sempre più forza, tutte le tendenze d'avanguardia fiorirono e Somov osserva, ascolta, legge tutto questo, cerca di trovare tracce di bellezza in ogni cosa, che non è sempre trovata, quindi spesso deve dare bruscamente valutazioni negative di ciò che ha visto, sentito, letto.

Tutto ciò che tende all'estetismo dell'inizio del secolo attira soprattutto l'attenzione dell'artista russo, e le innovazioni d'avanguardia non vengono da lui assimilate, anche se si ha la sensazione che si stia sforzando di trovare per esse la propria chiave estetica. Risulta molto raramente. A Parigi assiste a tutte le rappresentazioni di Diaghilev, spesso ammira i ballerini, le coreografie, meno soddisfatto delle scene e dei costumi, che negli anni '20.

sono stati spesso realizzati dai cubisti. “Amo il nostro vecchio balletto”, confessa in una lettera del 1925, “ma questo non mi impedisce di apprezzare anche quello nuovo. Coreografie e grandi ballerini, soprattutto. Non riesco a digerire lo scenario di Picasso, Matisse, Derain, amo sia la natura illusoria sia la bellezza lussureggiante” (280). A New York cammina "fino alle ultime file della galleria" e si diverte con il gioco degli attori americani. Ha guardato tante giocate e conclude: “Non vedevo una partita così perfetta e tanti talenti da molto tempo. I nostri attori russi sono molto inferiori" (270). Ma considera la letteratura americana di second'ordine, il che non impedisce, osserva, che gli stessi americani ne siano soddisfatti. Deliziato dai singoli pezzi di A. France e M. Proust.

Nelle belle arti moderne, a Somov piacciono soprattutto molte cose del suo amico A. Benois: sia la grafica che le scenografie teatrali. È deliziato dai dipinti e dagli acquerelli di Vrubel - "qualcosa di incredibile in termini di brillantezza e armonia dei colori" (78). Rimase colpito da Gauguin nella collezione Shchukin; una volta ha elogiato la gamma colorata (popolare) di colori in una delle opere teatrali di N. Goncharova, anche se in seguito, basandosi sulle sue nature morte, parla di lei come stupida e persino idiota, "a giudicare da queste sue cose stupide" ( 360); osservò di sfuggita che Filonov aveva "una grande arte, anche se spiacevole" (192). In generale, è avaro di elogi per i suoi colleghi pittori, a volte è sarcastico, bilioso e persino scortese nelle recensioni del lavoro di molti di loro, anche se non loda nemmeno se stesso. Esprime spesso insoddisfazione per il suo lavoro. Spesso informa i suoi amici e parenti che sta strappando e distruggendo schizzi e schizzi che non gli sono piaciuti. Sì, e molte opere finite, soprattutto quelle già esposte, non gli piacciono.

Ecco i giudizi di Somov scelti quasi a caso sulle sue opere: “Il XVIII secolo cominciò a scrivere, una signora vestita di viola su una panchina in un parco di carattere inglese. Estremamente banale e volgare. Non è capace di un buon lavoro” (192). “Iniziò un altro disegno volgare: la marchesa (maledetta!) è sdraiata sull'erba, in lontananza due tirano di scherma. Ho dipinto fino alle 21:00. È venuta fuori la merda. Domani proverò a colorare. Il mio cuore si sentiva male" (193). Riguardo alle sue opere alla Galleria Tretyakov (e le migliori sono state scattate lì, inclusa la famosa “Lady in Blue”): “quello di cui avevo paura, l'ho sperimentato: “Non mi piaceva“ Lady in Blue ”, come tutto altrimenti mio..." (112). E tali affermazioni non sono rare in lui e mostrano a se stesso la speciale esigenza estetica del maestro. Allo stesso tempo, conosce momenti di felicità dalla pittura ed è convinto che “la pittura, dopotutto, rallegra la vita e talvolta regala momenti felici” (80). È particolarmente severo con i colleghi di negozio e, soprattutto,

tutto, a qualsiasi elemento di avanguardia nell'arte. Lui, come la maggior parte del mondo delle arti, non capisce e non accetta. Questa è la posizione interiore dell'artista, che esprime il suo credo estetico.

Il rigoroso occhio estetico di Somov vede i difetti in tutti i suoi contemporanei. Ottiene e russi e francesi nella stessa misura. Naturalmente non si tratta sempre del lavoro di un particolare maestro nel suo insieme, ma di opere specifiche viste in una particolare mostra o laboratorio. Esprime, ad esempio, la "verità spietata" a Petrov-Vodkin sul suo dipinto "Attacco", dopo di che voleva "spararsi o impiccarsi" (155-156). In una delle mostre del 1916: "La spia di Korovin"; Il dipinto di Mashkov è "bello nei colori, ma in qualche modo idiotamente stupido"; le opere di Sudeikin, Kustodiev, Dobuzhinsky, Grabar non sono interessanti (155). Alla mostra del 1918: “Grigoriev, un pornografo meravigliosamente talentuoso, ma bastardo, stupido, da quattro soldi. Qualcosa che mi è piaciuto ... Petrov-Vodkin è sempre lo stesso sciocco noioso, stupido e pretenzioso. La stessa insopportabile combinazione di spiacevoli toni puri di blu, verde, rosso e mattone. Dobuzhinsky è un terribile ritratto di famiglia e il resto è insignificante” (185). Per tutta la vita, ha avuto un atteggiamento nei confronti di Grigoriev: "talentuoso, ma frivolo, stupido e narcisista" (264). Sulla prima rappresentazione della produzione di The Stone Guest di Meyerhold e Golovin: "Attento al volo, molto pretenzioso, molto ignorante, ammucchiato, stupido" (171). Yakovlev ha molte cose meravigliose, ma “non ha ancora la cosa principale: mente e anima. Tuttavia rimase un artista esterno" (352), "c'è sempre in lui una sorta di superficialità e fretta" (376).

Gli artisti occidentali ottengono ancora di più da Somov, sebbene il suo approccio a tutto sia puramente soggettivo (come praticamente ogni artista nel suo campo artistico). Così, a Mosca, al primo incontro con alcuni capolavori della collezione Shchukin: “Mi piaceva molto Gauguin, ma per niente Matisse. La sua arte non è affatto arte!” (111). La pittura di Cézanne non è mai stata riconosciuta come arte. Nell'ultimo anno della sua vita (1939) alla mostra di Cézanne: “Tranne una (o forse tre) bellissime nature morte, quasi tutto è brutto, noioso, senza valeri, colori stantii. Le figure e il suo "bagno" nudo sono decisamente sporchi, mediocri, inetti. Ritratti brutti" (436). Van Gogh, ad eccezione di certe cose: "non solo non brillante, ma anche non buono" (227). Quindi, quasi tutto ciò che va oltre il raffinato estetismo del mondo dell'arte, che è alla base di questa associazione, non è accettato da Somov, non gli dà piacere estetico.

Parla ancora più duramente degli artisti d'avanguardia, che ha incontrato a Mosca e poi ha visto regolarmente a Parigi, ma l'atteggiamento nei loro confronti è stato costante e quasi sempre negativo. A proposito della mostra “0.10”, alla quale, come sapete, Malevich ha esposto per la prima volta le sue opere suprematiste: “Assolutamente insignificante, senza speranza. Non l'arte. Trucchi terribili per fare rumore" (152). Alla mostra del 1923 all'Accademia delle arti su Vasilyevskij: "Ci sono molti di sinistra - e, ovviamente, terribile abominio, arroganza e stupidità" (216). Oggi è chiaro che in tali mostre c'era molta "arroganza e stupidità", ma c'erano anche molte opere che ora sono incluse nei classici dell'avanguardia mondiale. Somov, come la maggior parte del mondo delle arti, sfortunatamente, non l'ha visto. In questo senso, rimase un tipico aderente alla pittura tradizionale, ma a modo suo intendeva. Inoltre non rispettava i vagabondi e gli accademici. In questo, tutto il mondo delle arti era unito. Dobuzhinsky ha ricordato che generalmente interessavano poco agli Erranti, "trattavano la loro generazione in modo irrispettoso" e non ne parlavano nemmeno nelle loro conversazioni.

Tuttavia, Somov non nega categoricamente tutto nell'avanguardia: dove vede almeno alcune tracce di bellezza, tratta i suoi antagonisti con condiscendenza. Quindi, gli piacevano anche le scene cubiste di Picasso e i costumi per Pulcinella, ma il sipario di Picasso, dove "due enormi donne con le braccia come gambe e con le gambe come un elefante, con tette triangolari sporgenti, in clamide bianca ballano una specie di danza selvaggia" , ha succintamente descritto: "Disgustoso!" (250). Ha visto il talento di Filonov, ma ha trattato la sua pittura con molta freddezza. O molto apprezzato S. Dalì come eccellente disegnatore, ma nel complesso era indignato per la sua arte, sebbene osservasse tutto. A proposito delle illustrazioni del metro del surrealismo per le “Canzoni di Maldoror” di Lautreamont in qualche piccola galleria: “Tutte uguali, le stesse pendenti da un metro..., gambe mezze marce. Bistecche d'osso sulle cosce umane delle sue figure selvagge<...>Ma che talento brillante Dalì, come disegna magnificamente. Si finge unico, speciale, oppure è vero erotomania e maniacismo a tutti i costi? (419). Sebbene, paradossalmente, lui stesso, come è noto dal suo lavoro, non fosse estraneo all'erotismo, anche se estetico, lezioso, crinolino. Sì, e qualcosa di patologico spesso lo attraeva. A Parigi sono andato al Musée patologique, dove ho visto... bambole di cera: malattie, ferite, parto, feti, mostri, aborti, ecc. Adoro questi musei, voglio andare al Musée Grèvin" (320)

Lo stesso vale per la letteratura, il teatro, la musica. Tutto ciò che era d'avanguardia in qualche modo lo ripugnava, offendeva il suo gusto estetico. Per qualche motivo Stravinskij non gli piaceva particolarmente. Rimprovera spesso e in ogni occasione la sua musica. In letteratura, Bely lo fece arrabbiare. “Ho letto “Pietroburgo” di Andrei Bely: disgustoso! Insapore, stupido! Analfabeta, come una signora, e, soprattutto, noioso e poco interessante” (415). A proposito, "noioso" e "poco interessante" sono le sue valutazioni estetiche negative più importanti. Non ha mai detto questo di Dalì o di Picasso. In generale, considerava tutto l'avanguardia come una sorta di cattiva tendenza dei tempi. "Penso che i modernisti di oggi", scrisse nel 1934, "tra 40 anni scompariranno completamente e nessuno li raccoglierà" (416). Ahimè, quanto è pericoloso fare previsioni nell'arte e nella cultura. Oggi questi "modernisti" ricevono soldi favolosi e i più talentuosi sono diventati dei classici dell'arte mondiale.

Alla luce dei grandiosi rivolgimenti storici dell'arte del Novecento. molte delle valutazioni nettamente negative, a volte scortesi, estremamente soggettive del lavoro degli artisti d'avanguardia da parte di Somov ci sembrano ingiuste e sembrano addirittura in qualche modo sminuire l'immagine di un artista di talento dell'età dell'argento, un sofisticato cantante della poetica del crinolina-galante del XVIII secolo idealizzato da lui, nostalgico per l'estetica squisita e auto-inventata. Tuttavia, in questo estetismo artificiale, raffinato e sorprendentemente attraente, affondano le ragioni del suo atteggiamento negativo nei confronti delle ricerche avanguardistiche e delle sperimentazioni formali. Somov colse in modo particolarmente acuto nelle avanguardie l'inizio di un processo diretto contro il principio fondamentale dell'arte: la sua abilità artistica, sebbene i maestri da lui criticati all'inizio del XX secolo. si sentiva ancora abbastanza debole e lo sperimentava dolorosamente. Il gusto raffinato dell'esteta reagiva nervosamente e bruscamente a ogni deviazione dalla bellezza nell'arte, anche nella sua. Nella storia dell'arte e dell'esperienza estetica, è stato uno degli ultimi e coerenti aderenti alle "belle arti" nel vero senso del concetto di estetica classica.

E alla fine della conversazione su Somov, una delle sue confessioni estremamente interessanti, quasi freudiane e molto personali nel suo diario datata 1 febbraio 1914, rivelando gli aspetti principali della sua opera, il suo XVIII secolo galante-pretenzioso, crinolina, manierista. e in una certa misura apre il velo sul significato profondo, inconscio e libidico dell'estetismo in generale. Si scopre che nei suoi dipinti, secondo l'artista stesso, erano espresse le sue intenzioni intimo-erotiche più intime, la sua sensualità acuita

Ego. “Le donne nei miei dipinti languiscono, l'espressione di amore sui loro volti, tristezza o lussuria è un riflesso di me stessa, della mia anima<...>E le loro pose spezzate, la loro deliberata bruttezza: una presa in giro di me stessa e allo stesso tempo dell'eterna femminilità, contraria alla mia natura. Naturalmente è difficile indovinarmi senza conoscere la mia natura. Questa è una protesta, un fastidio per il fatto che io stesso sono per molti versi come loro. Stracci, piume: tutto questo mi attrae e mi ha attratto non solo come pittore (ma anche l'autocommiserazione passa da qui). L'arte, le sue opere, i dipinti e le statue preferiti per me sono spesso strettamente legati al genere e alla mia sensualità. Mi piace ciò che mi ricorda l'amore e i suoi piaceri, anche se le trame dell'arte non ne parlano affatto direttamente” (125-126).

Una confessione estremamente interessante, audace, schietta, che spiega molto sia nel lavoro dello stesso Somov, sia nelle sue predilezioni artistiche ed estetiche, sia nell'estetica raffinata del mondo dell'arte nel suo insieme. In particolare, sono comprensibili la sua indifferenza verso Rodin (non ha sensualità), o la sua passione per il balletto, l'infinito entusiasmo per ballerini eccezionali, l'ammirazione per l'anziana Isadora Duncan e le aspre critiche nei confronti di Ida Rubinstein. Tuttavia, tutto questo non può essere trattato in un articolo ed è tempo di passare ad altri rappresentanti, non meno interessanti e dotati del mondo dell'arte, alle loro opinioni sulla situazione artistica del loro tempo.

Mstislav Dobuzhinsky (1875-1957). Le predilezioni estetiche di Dobuzhinsky, che iniziarono a manifestarsi anche prima che entrasse nel circolo del Mondo dell'Arte, riflettono bene l'atmosfera spirituale e artistica generale di questa associazione, una partnership di persone che la pensano allo stesso modo nell'arte che cercavano di "far rivivere", come credevano che la vita artistica in Russia dopo il dominio degli accademici e degli erranti si basasse su un'attenzione particolare all'effettiva abilità artistica delle arti visive. Allo stesso tempo, tutti i membri del Mondo dell'Arte erano patrioti di San Pietroburgo ed esprimevano nella loro arte e nelle loro passioni uno speciale estetismo pietroburghese, che dal loro punto di vista differiva significativamente da quello di Mosca.

Dobuzhinsky è stato una figura particolarmente sorprendente in questo senso. Amava San Pietroburgo fin dall'infanzia e divenne infatti un cantante raffinato e raffinato di questa città russa unica con un marcato orientamento occidentale. Molte pagine delle sue Memorie trasmettono per lui un grande amore. Al suo ritorno da Monaco, dove studiò nei laboratori di A. Azhbe e S. Hollosha (1899-1901) e dove conobbe bene l'arte dei suoi futuri amici e colleghi nei primi numeri della rivista World of Art , Dobuzhinsky con particolare intensità

sentivo il peculiare fascino estetico di San Pietroburgo, la sua modesta bellezza, la sua grafica straordinaria, la speciale atmosfera cromatica, le sue distese e le linee dei tetti, lo spirito di Dostoevskij che vi penetra, il simbolismo e il misticismo dei suoi labirinti di pietra. In me, scrisse, “una sorta di sentimento nativo che aveva vissuto fin dall'infanzia per i monotoni edifici governativi, le sorprendenti prospettive di Pietroburgo si era fermamente stabilito in un modo nuovo, ma la parte inferiore della città ora mi pungeva ancora più acutamente.<...>Queste pareti posteriori delle case sono firewall di mattoni con le loro strisce bianche di camini, una linea uniforme di tetti, come se fossero merli di fortezza - tubi infiniti - canali dormienti, alte cataste nere di legna da ardere, pozzi oscuri di cortili, recinzioni cieche, terre desolate "( 187). Questa bellezza speciale affascinò Dobuzhinsky, che era sotto l'influenza dell'Art Nouveau di Monaco (Stuck, Böcklin), e determinò in gran parte il suo volto artistico nel mondo dell'arte, dove fu presto introdotto da I. Grabar. “Ho fissato attentamente le caratteristiche grafiche di San Pietroburgo, ho scrutato la muratura delle pareti nude e non intonacate e il loro disegno a “tappeto”, che a sua volta si forma nelle irregolarità e nelle macchie dell'intonaco” (188). È affascinato dalla legatura degli innumerevoli reticoli di San Pietroburgo, dalle antiche maschere degli edifici dell'Impero, dai contrasti delle case in pietra e dagli angoli accoglienti con le rustiche case di legno, è deliziato dalle insegne ingenue, dalle chiatte a strisce panciute sulla Fontanka e gente eterogenea sulla Nevskij.

Comincia a capire chiaramente che "Pietroburgo con tutto il suo aspetto, con tutti i contrasti del tragico, curioso, maestoso e accogliente è davvero l'unica e più fantastica città del mondo" (188). E prima ancora, aveva già avuto l'opportunità di viaggiare in giro per l'Europa, di vedere Parigi e alcune città in Italia e Germania. E nell'anno di adesione al circolo del Mondo dell'Arte (1902), sentì che era proprio questa bellezza della città “appena acquisita” “con la sua languida e amara poesia” che nessuno aveva ancora espresso nell'arte, e ha diretto i suoi sforzi creativi a questa incarnazione. "Naturalmente", ammette, "sono stato abbracciato, come tutta la mia generazione, dalle tendenze del simbolismo, ed è naturale che un senso di mistero fosse vicino a me, che, a quanto pare, era pieno di Pietroburgo, come io ora l’ho visto” (188). Attraverso la “volgarità e l'oscurità della vita quotidiana di Pietroburgo” sentiva costantemente “qualcosa di terribilmente serio e significativo che si nascondeva nel lato più deprimente” della “sua” Pietroburgo, e nella “vischiosa fanghiglia autunnale e nella noiosa pioggia pietroburghese che aveva caricato per molti giorni” gli sembrava che “gli incubi pietroburghesi e i “piccoli demoni” strisciassero fuori da ogni fessura” (189). E questa poesia di Peter attrasse Dobuzhinsky, sebbene lo spaventasse allo stesso tempo.

Descrive poeticamente il “muro terribile” che incombeva davanti alle finestre del suo appartamento: “un muro spento, dai colori selvaggi, anche nero, il più triste e tragico che si possa immaginare, con chiazze di umidità, scrostate e con solo un piccola finestra cieca. Lo attirava irresistibilmente a sé e lo opprimeva, evocando ricordi dei mondi oscuri di Dostoevskij. E ha superato queste impressioni deprimenti dal terribile muro, come racconta lui stesso, raffigurandolo con “tutte le sue crepe e privazioni, ... già ammirandolo” - “l'artista ha vinto in me” (190). Dobuzhinsky considerava questo pastello la prima “vera opera creativa”, e molte delle sue opere, sia nella grafica che nell'arte teatrale e decorativa, sono permeate del suo spirito. Più tardi, lui stesso si chiese perché proprio da questo "lato sbagliato" di San Pietroburgo iniziò la sua grande opera, sebbene fin dall'infanzia fosse attratto anche dalla bellezza cerimoniale della capitale di Pietro.

Tuttavia, se ricordiamo l'opera di Dobuzhinsky, vedremo che è stato lo spirito romantico (o neoromantico) delle città antiche (soprattutto San Pietroburgo e Vilna, a lui vicine negli anni del ginnasio) ad attrarlo magneticamente con i suoi segreti simbolici. A Vilna, di cui si innamorò fin dall'adolescenza e che considerava la sua seconda città natale insieme a San Pietroburgo, fu attratto soprattutto come artista dal vecchio "ghetto" "con le sue strade strette e tortuose, attraversate da archi, e con molteplici case colorate" (195), dove realizzò molti schizzi e, basati su di essi, bellissime incisioni molto delicate e altamente artistiche. Sì, questo è comprensibile se guardiamo alle predilezioni estetiche del giovane Dobuzhinsky. Questa non è la luce chiara e diretta e la bellezza armoniosa della "Madonna Sistina" di Raffaello (non lo impressionò a Dresda), ma il misterioso crepuscolo della "Madonna nelle rocce" e del "Giovanni Battista" di Leonardo (169). E poi ci sono i primi italiani, la pittura senese, i mosaici bizantini in San Marco e il Tintoretto a Venezia, Segantini e Zorn, Böcklin e Stuck, i preraffaelliti, gli impressionisti a Parigi, soprattutto Degas (che divenne per lui per sempre uno dei "dei"), l'incisione giapponese e, infine, il Mondo dell'Arte, di cui vide la prima mostra e studiò attentamente ancor prima di incontrarli personalmente nel 1898, rimase deliziato dalla loro arte. Soprattutto, come ammette, è rimasto "affascinato" dall'arte di Somov, che lo ha colpito per la sua sottigliezza, del quale, entrato qualche anno dopo nella cerchia dei suoi idoli, è diventato amico. La sfera degli interessi estetici del giovane Dobuzhinsky testimonia chiaramente l'orientamento artistico del suo spirito. Lei, come vediamo chiaramente nelle sue Memorie,

coincideva completamente con l'orientamento simbolista-romantico e raffinato-estetico dei principali esponenti del mondo delle arti, che lo riconobbero subito come uno di loro.

Dobuzhinsky ha ricevuto le informazioni di base sul "mondo dell'arte" da Igor Grabar, con il quale ha stretto amicizia a Monaco durante il suo apprendistato presso insegnanti tedeschi e che è stato uno dei primi a vedere in lui un vero artista e ha correttamente aiutato il suo sviluppo artistico, ha dato indicazioni chiare nel campo dell'educazione artistica. Ad esempio, ha elaborato un programma dettagliato di cosa vedere a Parigi prima del primo breve viaggio di Dobuzhinsky lì, e in seguito lo ha introdotto nella cerchia del Mondo dell'Arte. Dobuzhinsky ha portato gratitudine a Grabar per tutta la vita. In generale, era uno studente riconoscente e un collega comprensivo e benevolo e amico di molti artisti a lui vicini nello spirito. È completamente estraneo allo spirito di scetticismo o snobismo caratteristico di Somov nei confronti dei suoi colleghi.

Dobuzhinsky ha fornito descrizioni brevi, benevoli e ben mirate di quasi tutti i partecipanti all'associazione, e in una certa misura ci permettono di avere un'idea della natura dell'atmosfera artistica ed estetica di questa interessante direzione nella cultura dell'Argento Età, e della coscienza estetica dello stesso Do-buzhinsky, perché . ha preso la maggior parte degli appunti sui suoi amici attraverso il prisma del suo lavoro.

A. Benois lo “punse” nei suoi anni da studente, quando i suoi disegni “romantici” furono mostrati alla prima mostra del World of Art, uno dei quali aveva una grande somiglianza con i motivi preferiti di Dobuzhinsky: il barocco di Vilna. Quindi Benois influenzò notevolmente la formazione dello stile grafico del giovane Dobuzhinsky, rafforzandolo nella correttezza dell'angolo di visione scelto del paesaggio urbano. Poi furono uniti dall'amore per il collezionismo, soprattutto per le vecchie incisioni, e dal culto dei loro antenati, dalla voglia di teatro e dal sostegno che Benois fornì immediatamente al giovane artista.

Dobuzhinsky si avvicinò particolarmente a Somov, che si rivelò in sintonia con lui con la sorprendente sottigliezza della grafica, la “poesia triste e tagliente”, che non fu subito apprezzata dai suoi contemporanei. Dobuzhinsky era innamorato della sua arte fin dal primo incontro, gli sembrava preziosa e ha fortemente influenzato lo sviluppo del suo lavoro, ammette. “Questo può sembrare strano, dal momento che i suoi temi non sono mai stati i miei temi, ma l’osservazione sorprendente del suo occhio e allo stesso tempo la “miniaturità”, e in altri casi la libertà e l’abilità della sua pittura, dove non c’era nulla

un pezzo che non è stato realizzato con sentimento - mi ha affascinato. E, cosa più importante, la straordinaria intimità del suo lavoro, il mistero delle sue immagini, il suo senso dell'umorismo triste e il suo romanticismo allora “hoffmanniano” mi hanno profondamente disturbato e hanno aperto uno strano mondo vicino ai miei vaghi stati d'animo” (210). Dobuzhinsky e Somov sono diventati molto amici e spesso si sono mostrati il ​​loro lavoro molto presto per ascoltare i reciproci consigli e commenti. Tuttavia, Dobuzhinsky, ammette, era spesso così colpito dagli schizzi di Somov con la loro "languida poesia" e un certo "aroma" inesprimibile che non riusciva a trovare le parole per dire qualcosa al riguardo.

Era anche vicino a Leon Bakst, un tempo insegnava anche con lui alla scuola d'arte di E.N. Zvantseva, tra i cui studenti c'era allora Marc Chagall. Amava Bakst come persona e lo apprezzava per la grafica dei suoi libri, ma soprattutto per l'arte teatrale, alla quale dedicò tutta la sua vita. Dobuzhinsky definì le sue opere grafiche "sorprendentemente decorative", piene di "speciale poesia enigmatica" (296). Attribuì a Bakst grandi meriti sia nel trionfo delle "Stagioni russe" di Diaghilev, sia in generale nello sviluppo dell'arte teatrale e decorativa in Occidente. "La sua Scheherazade ha fatto impazzire Parigi, e questo è l'inizio della fama europea e poi mondiale di Bakst." Nonostante la fervente vita artistica di Parigi, fu Bakst, secondo Dobuzhinsky, che per lungo tempo "rimase uno degli inamovibili trendsetter del 'gusto'". Le sue produzioni suscitarono infinite imitazioni nei teatri, le sue idee variarono all'infinito, portate al limite dell'assurdità, il suo nome a Parigi "cominciò a suonare come il più parigino dei nomi parigini" (295). Per il Mondo delle Arti con il suo cosmopolitismo, questa valutazione suonava come un elogio speciale.

Sullo sfondo dell '"europeismo" pietroburghese dei principali artisti mondiali, insieme a Roerich, Ivan Bilibin si distinse soprattutto per il suo russofilismo estetico, che portava una barba russa à la moujik e si limitava solo a temi russi espressi con uno speciale squisita tecnica calligrafica e sottili stilizzazioni per l'arte popolare. Nell'ambiente del mondo delle arti era una figura di spicco e socievole. N. Roerich, al contrario, secondo le memorie di Dobuzhinsky, sebbene partecipasse regolarmente alle mostre del World of Art, non si avvicinò ai suoi partecipanti. Forse è per questo che “la sua grande abilità e i suoi bellissimi colori sembravano troppo “prudenti”, decisamente spettacolari, ma molto decorativi.<...>Roerich era un “mistero” per tutti, molti addirittura dubitavano che la sua opera fosse sincera o solo inverosimile, e la sua vita personale fosse nascosta a tutti” (205).

Valentin Serov era il rappresentante di Mosca nel "Mondo dell'Arte" ed era venerato da tutti i suoi partecipanti per il suo talento eccezionale, la straordinaria diligenza, l'innovazione nella pittura e la costante ricerca artistica. Se i vagabondi e gli accademici del mondo dell'arte si classificavano tra i sostenitori dello storicismo, allora si consideravano aderenti allo "stile". A questo proposito, Dobuzhinsky ha visto entrambe le tendenze in Serov. Particolarmente vicino nello spirito al "mondo dell'arte" fu il defunto Serov "Peter", "Ida Rubinstein", "Europa", e Dobuzhinsky vide in questo l'inizio di una nuova fase, che, ahimè, "non dovette aspettare "(203).

Dobuzhinsky ha scritto appunti brevi, puramente personali, anche se spesso molto accurati, su quasi tutto il mondo dell'arte e sugli artisti e scrittori che gli sono stati vicini. Con buoni sentimenti, ricorda Vrubel, Ostroumova, Borisov-Musatov (pittura bella, innovativa, poetica), Kustodiev, Chyurlionis. In quest'ultimo, il mondo delle arti era attratto dalla sua capacità di "guardare nell'infinito dello spazio, nelle profondità dei secoli", "soddisfatto della sua rara sincerità, un vero sogno, un profondo contenuto spirituale". Le sue opere, "apparendo come da sole, con la loro grazia e leggerezza, colori e composizione sorprendenti, ci sembravano una sorta di gioielli sconosciuti" (303).

Tra gli scrittori, Dobuzhinsky era particolarmente attratto da D. Merezhkovsky, V. Rozanov, Vyach Ivanov (era un assiduo visitatore della sua famosa Torre), F. Sologub, A. Blok, A. Remizov, ad es. autori che collaborarono con il "Mondo dell'Arte" o a lui vicini nello spirito, soprattutto i simbolisti. In Rozanov fu colpito da una mente insolita e da scritti originali pieni dei "paradossi più audaci e terribili" (204). Nella poesia di Sologub, Dobuzhinsky ammirava "l'ironia salvifica", e Remizov gli sembrava in alcune cose "un vero surrealista anche prima del surrealismo" (277). Ivanov era lusingato dal fatto che "ha mostrato un rispetto particolarmente attento per l'artista in quanto detentore di un suo segreto, i cui giudizi sono preziosi e significativi" (272).

Con un sentimento d'amore speciale, quasi intimo, Dobuzhinsky descrive l'atmosfera che regnava nell'associazione del Mondo delle Arti. L'anima di tutto era Benoit, e il centro informale era la sua casa accogliente, in cui tutti si riunivano spesso e regolarmente. Lì furono preparati anche i numeri della rivista. Inoltre, si incontravano spesso a Lansere, Ostroumova, Dobuzhinsky durante affollati tea party serali. Dobuzhinsky sottolinea che l'atmosfera nel mondo dell'arte era familiare, non bohémien. In questa "atmosfera eccezionale di vita intima" e l'arte era "una causa comune amichevole". Molto è stato fatto

insieme al costante aiuto e sostegno reciproco. Dobuzhinsky scrive con orgoglio che il loro lavoro era estremamente disinteressato, indipendente, libero da qualsiasi tendenza o idea. L'opinione di persone che la pensavano allo stesso modo era l'unica preziosa; i membri della comunità stessa. Lo stimolo più importante per l'attività creativa è stato il sentimento di essere “pionieri”, scopritori di nuove aree e ambiti dell'arte. "Ora, guardando indietro e ricordando la produttività creativa allora senza precedenti e tutto ciò che cominciò a essere creato intorno", scrisse in età adulta, "abbiamo il diritto di chiamare questa volta davvero il nostro "Rinascimento"" (216); “è stato un rinnovamento della nostra cultura artistica, si potrebbe dire la sua rinascita” (221).

Innovazione e "rinascita" della cultura e dell'arte furono intesi nel senso di spostare l'accento nell'arte da tutto ciò che è secondario al suo lato artistico senza abbandonare la rappresentazione della realtà visibile. “Anche noi amavamo il mondo e la bellezza delle cose”, scrive Dobuzhinsky, “e allora non c’era bisogno di distorcere deliberatamente la realtà. Quel tempo era lontano da ogni "ismo" che ci veniva (a noi) da Cezanne, Matisse e Van Gogh. Eravamo ingenui e puri, e forse questo fu il merito della nostra arte" (317). Oggi, un secolo dopo quegli eventi così interessanti, con un po' di tristezza e nostalgia possiamo gentilmente invidiare questa ingenuità e purezza altamente artistiche e rammaricarci che tutto questo sia lontano nel passato.

E il processo di grande attenzione alle specificità estetiche dell'arte iniziò anche tra i precursori del Mondo dell'Arte, alcuni dei quali successivamente collaborarono attivamente con il Mondo dell'Arte, sentendo di continuare il lavoro che avevano iniziato. Tra questi precursori-partecipanti è necessario innanzitutto citare i nomi dei più grandi artisti russi Michail Vrubel (1856-1910) e Konstantin Korovin (1861-1939).

Loro, così come i diretti fondatori del Mondo dell'Arte, erano disgustati da ogni tendenziosità dell'arte, che va a scapito dei mezzi puramente artistici, a scapito della forma e della bellezza. A proposito di una delle mostre dei Viandanti Vrubel lamenta che la stragrande maggioranza degli artisti si preoccupa solo dell'argomento del giorno, di argomenti che interessano il pubblico, e "la forma, il contenuto principale della plasticità, è nella penna" (59). Contrariamente a molti estetici professionali del suo tempo, e di quelli moderni, che conducevano infinite discussioni sulla forma e sul contenuto dell'arte, un vero artista che vive l'arte sente bene che la forma è

questo è il vero contenuto dell'arte, e tutto il resto non è direttamente correlato all'arte propriamente detta. Questo importantissimo principio estetico dell'arte, tra l'altro, univa, in generale, artisti diversi come Vrubel, Korovin, Serov, con il mondo dell'arte propriamente detto.

La vera forma d'arte si ottiene, secondo Vrubel, quando l'artista conduce "conversazioni d'amore con la natura", è innamorato dell'oggetto raffigurato. Solo allora nasce un'opera che regala all'anima un “piacere speciale”, che è caratteristico della percezione di un'opera d'arte e la distingue da un foglio stampato, che descrive gli stessi eventi della foto. L'insegnante principale della forma d'arte è la forma creata dalla natura. Ella “è a capo della bellezza” e senza alcun “codice di estetica internazionale” ci è cara perché “è portatrice di un'anima che solo a te si aprirà e ti racconterà la tua” (99-100). La natura, mostrando la sua anima nella bellezza della forma, ci rivela così la nostra anima. Pertanto, Vrubel vede la vera creatività non solo nel padroneggiare l'arte tecnica dell'artista, ma, soprattutto, in un profondo sentimento diretto del soggetto dell'immagine: sentire profondamente significa “dimenticare di essere un artista ed essere contento che tu sei prima di tutto una persona» (99).

Tuttavia, la capacità di “sentire profondamente” nei giovani artisti viene spesso sconfitta dalla “scuola”, forandoli su gessi e modelli nell'elaborazione di dettagli tecnici e incidendo in essi ogni sorta di ricordi di una percezione estetica diretta del mondo. Vrubel è invece convinto che, oltre a padroneggiare la tecnica, l'artista debba mantenere uno “sguardo ingenuo e individuale”, perché contiene “tutta la forza e la fonte dei piaceri dell'artista” (64). Vrubel è arrivato a questo sulla base della sua esperienza. Descrive, ad esempio, come ha rifatto lo stesso posto decine di volte nel suo lavoro, “e circa una settimana fa è uscito il primo pezzo vivente, che mi ha deliziato; Guardo la sua attenzione e si scopre: solo un trasferimento ingenuo delle impressioni viventi più dettagliate della natura ”(65). Ripete praticamente la stessa cosa e spiega con le stesse parole che fecero i primi impressionisti a Parigi una dozzina di anni fa, ammirando anche l'impressione diretta della natura, trasmessa su tela, con la cui arte Vrubel, a quanto pare, non aveva ancora familiarità. A quel tempo era più interessato a Venezia e ai vecchi veneziani Bellini, Tintoretto, Veronese. Anche l'arte bizantina gli sembrava nativa: “Ero a Torcello, il mio cuore si agitava di gioia - cara, com'è, Bisanzio” (96).

Già questo intimo riconoscimento dell'arte bizantina “nativa” vale molto, testimonia una profonda comprensione dell'essenza della vera arte. Con tutta la sua vita e la sua dolorosa ricerca della "bellezza pura ed elegante nell'arte" (80), Vrubel capì bene che questa bellezza è un'espressione artistica di qualcosa di profondo, espresso solo con questi mezzi. La sua ricerca a lungo termine della forma si riduceva a questo, sia quando dipingeva il famoso cespuglio di lillà (109), sia quando lavorava su soggetti cristiani per le chiese di Kiev - il ripensamento artistico dell'autore dello stile bizantino e antico russo dell'arte del tempio, e quando lavorando sul tema del Demone, eterno per lui, e in effetti quando dipinge qualsiasi quadro. E li ha collegati alle specificità puramente russe del pensiero artistico. “Ora sono tornato ad Abramtsevo e di nuovo mi colpisce, no, non mi colpisce, ma sento quell'intima nota nazionale che desidero tanto catturare sulla tela e nell'ornamento. Questa è la musica di una persona intera, non sezionata dalle distrazioni dell'Occidente ordinato, differenziato e pallido” (79).

E la musica di questo "uomo intero" può essere trasmessa solo con mezzi puramente pittorici, quindi cerca costantemente e dolorosamente il "pittoresco" in ciascuna delle sue opere, lo nota nella natura. Sì, in effetti, solo questa natura attira la sua attenzione. Nel 1883, in una lettera di Peterhof ai suoi genitori, descrisse dettagliatamente i dipinti su cui si stava lavorando e progettando, e tutta la sua attenzione fu attirata esclusivamente dal loro lato pittoresco, dalla pittura pura. La sera “al posto della musica”, va a osservare da vicino la “vita molto pittoresca” dei pescatori locali. “Mi piaceva un vecchio tra loro: una faccia scura come una moneta di rame, con capelli grigio sporco sbiaditi e una barba arruffata di feltro; una felpa fumosa e catramata, bianca con strisce marroni, avvolge stranamente la sua vecchia vita con scapole sporgenti, stivali mostruosi ai piedi; la sua barca, asciutta dentro e sopra, ricorda nelle sfumature l'osso stagionato; dalla chiglia, bagnata, scura, verde vellutata, goffamente arcuata - esattamente il dorso di qualche pesce marino. Una bella barca - con pezzi di legno fresco, lucentezza setosa al sole, che ricorda la superficie delle cannucce di Kuchkur. Aggiungete ad esso le tinte lilla, blu-bluastre del moto ondoso serale, tagliate dalle curve stravaganti della sagoma blu, verde-rossastra del riflesso, e questo è il quadro che intendo dipingere ”(92-93).

Il "quadro" è così succoso e descritto in modo pittoresco che possiamo quasi vederlo con i nostri occhi. Accanto a questo, descrive alcuni dei suoi altri lavori e nuove idee. Allo stesso tempo, non dimenticare di enfatizzarli.

carattere pittoresco, sfumature pittoresche del tipo: “Questo è uno studio per sfumature sottili: argento, intonaco, calce, colorazione e tappezzeria di mobili, un vestito (blu) - una gamma delicata e sottile; poi il corpo dall'accordo caldo e profondo si traduce in una variegatura di fiori e il tutto è ricoperto dalla potenza tagliente del velluto azzurro del cappello”(92). Da ciò è chiaro che nelle rumorose riunioni della gioventù moderna, dove si discutono questioni sullo scopo e sul significato delle arti plastiche e si leggono i trattati estetici di Proudhon e Lessing, Vrubel è l'unico e coerente difensore della tesi "arte per l'arte", e gli si oppone "la massa dei difensori della fruizione dell'arte" ( 90). La stessa posizione estetica lo ha portato al "Mondo dell'Arte", dove è stato subito riconosciuto come un'autorità e lui stesso si è sentito partecipe a pieno titolo di questo movimento di difensori dell'arte nell'arte. “Noi, il mondo dell'arte”, dichiara Vrubel non senza orgoglio, “vogliamo trovare il vero pane per la società” (102). E questo pane è la buona arte realistica, dove, con l'ausilio di mezzi puramente pittorici, non si creano documenti ufficiali della realtà visibile, ma opere poetiche che esprimono gli stati profondi dell'anima (“illusione dell'anima”), risvegliandola “da le piccole cose della vita quotidiana con immagini maestose” (113) che regalano piacere spirituale allo spettatore.

K. Korovin, che hanno accettato il programma del Mondo dell'Arte e hanno partecipato attivamente alle loro mostre, hanno studiato la visione estetico-romantica della natura e dell'arte dall'eccellente paesaggista A.K. Savrasov. Ha memorizzato molte delle affermazioni estetiche dell'insegnante e le ha seguite nella sua vita e nel suo lavoro. “La cosa principale”, scrisse Korovin le parole di Savrasov ai suoi studenti, tra i quali lui e Levitan erano in prima linea, “è la contemplazione - un senso del movente della natura. L’arte e i paesaggi non servono se non c’è il sentimento”. “Se non c'è amore per la natura, allora non c'è bisogno di essere un artista, non ce n'è bisogno.<...>Abbiamo bisogno di romanticismo. Motivo. Il romanticismo è immortale. Ci vuole umore. La natura respira sempre. Canta sempre e il suo canto è solenne. Non esiste piacere più grande della contemplazione della natura. La terra è il paradiso e la vita è un mistero, un bellissimo mistero. Sì, un segreto. Celebrare la vita. L'artista è lo stesso poeta ”(144, 146).

Queste e simili parole dell'insegnante erano molto vicine allo spirito dello stesso Korovin, che manteneva il pathos romantico ed estetico di Savrasov, ma nell'esprimere la bellezza della natura andò molto oltre il suo insegnante nella ricerca delle ultime tecniche artistiche e nell'uso di reperti pittorici moderni , in particolare impressionistico. In termini teorici, non fa alcuna scoperta, ma semplicemente, e talvolta anche in modo abbastanza primitivo

esprime la sua posizione estetica, simile alla posizione del mondo delle arti e in netto contrasto con l '"estetica della vita" che dominava il suo tempo, gli Erranti e gli esteti e i critici d'arte orientati democraticamente (come Pisarev, Stasov, ecc.), che sia lui e Vrubel, e tutto il mondo delle arti dopo la prima mostra del 1898 furono registrati in blocco come decadenti.

Korovin scrive che fin dall'infanzia ha sentito qualcosa di fantastico, misterioso e bello nella natura, e per tutta la vita non si è stancato di godersi questa misteriosa bellezza della natura. "Quante belle serate, tramonti, quanti stati d'animo nella natura, le sue impressioni", ripete quasi parola per parola le lezioni di Savrasov. - Questa gioia è come la musica, la percezione dell'anima. Che tristezza poetica" (147). E nella sua arte ha cercato di esprimere, incarnare la bellezza della natura direttamente percepita, l'impressione dello stato d'animo vissuto. Allo stesso tempo, era profondamente convinto che "l'arte della pittura ha un obiettivo: l'ammirazione della bellezza" (163). Ha rivolto questa massima allo stesso Polenov quando gli ha chiesto di parlare della sua grande tela Cristo e il peccatore. Per decenza, Korovin ha elogiato il quadro, ma è rimasto freddo nei confronti dell'argomento, perché si sentiva freddo nei mezzi pittorici del maestro. Allo stesso tempo, seguì effettivamente il concetto dello stesso Polenov, il quale, come scrisse una volta Korovin, fu il primo a parlare ai suoi studenti “della pittura pura, Comeè scritto ... sulla varietà dei colori ”(167). Questo Come e divenne la cosa principale per Korovin in tutto il suo lavoro.

“Sentire la bellezza della pittura, della luce: questo è un po' l'arte che si esprime, ma è veramente vero cogliere, godere liberamente della relazione dei toni. I toni, i toni sono più veritieri e sobri: sono il contenuto» (221). Segui i principi degli impressionisti nel tuo lavoro. Cercare una trama per tono, toni, relazioni cromatiche: il contenuto dell'immagine. È chiaro che tali dichiarazioni e ricerche furono estremamente rivoluzionarie sia per gli accademici di pittura russi che per i Wanderers degli anni '90. 19esimo secolo Solo i giovani del mondo dell'arte potevano capirli, anche se loro stessi non avevano ancora raggiunto il coraggio di Korovin e degli impressionisti, ma li trattavano con riverenza. Con tutto questo entusiasmo per le ricerche nel campo dell'espressività puramente artistica, Korovin aveva una buona percezione del significato estetico generale dell'arte nella sua retrospettiva storica. "Solo l'arte fa di un uomo un uomo", è l'intuizione intuitiva di un artista russo, che sale alle vette dell'estetica classica tedesca, all'estetica dei più grandi romantici. E anche qui una polemica con positivisti e materialisti, inaspettata per Korovin: “Non è vero, il cristianesimo

non ha privato una persona del senso estetico. Cristo ha comandato di vivere e di non seppellire il talento. Il mondo pagano era pieno di creatività, sotto il cristianesimo, forse il doppio» (221).

In effetti, Korovin, a modo suo, cerca nell'arte la stessa cosa di tutto il mondo dell'arte: l'abilità artistica, la qualità estetica dell'arte. Se esiste, accetta qualsiasi arte: sia pagana che cristiana, sia antica che nuova, quella più moderna (impressionismo, neoimpressionismo, cubismo). Se solo influenzasse la "percezione estetica", donasse "piacere spirituale" (458). Pertanto, il suo interesse speciale per la decoratività della pittura come proprietà puramente estetica. Scrive molto sulle qualità decorative delle scenografie teatrali, sulle quali ha lavorato costantemente. E ha visto l'obiettivo principale dello scenario nel fatto che partecipano organicamente a un unico insieme: azione drammatica - musica - scenario. A questo proposito, ha scritto con particolare ammirazione sulla produzione di successo dello Zar Saltan di Rimsky-Korsakov, dove i geni di Pushkin e del compositore si sono fusi con successo in un'unica azione basata sullo scenario dello stesso Korovin (393).

In generale, Korovin ha cercato, come scrive, nelle sue scene, in modo che diano allo sguardo del pubblico lo stesso piacere della musica all'orecchio. “Volevo che l'occhio dello spettatore godesse esteticamente così come l'orecchio dell'anima della musica” (461). Pertanto, in primo piano nel suo lavoro, lo è sempre stato Come da cui deriva qualcosa artista, no Che cosa, che dovrebbe essere una conseguenza Come. Ne scrive ripetutamente nelle sue bozze di appunti e lettere. In cui Come non è qualcosa di inverosimile, di torturato artificialmente dall'artista. No, secondo Korovin, è una conseguenza della sua ricerca organica del “linguaggio della bellezza”, inoltre, la ricerca di un linguaggio organico e non vincolato - “le forme d'arte sono buone solo quando provengono dall'amore, dalla libertà, dalla facilità”. in se stessi” (290). E vera è ogni arte in cui esiste una ricerca così involontaria, ma unita a una ricerca sincera, espressione della bellezza in una forma originale.

Secondo tutti questi e simili giudizi di Korovin, quasi tutti i membri del World of Arts potrebbero iscriversi. La ricerca della qualità estetica dell'arte, la capacità di esprimerla in una forma adeguata era il compito principale di questa comunità, e quasi tutti i suoi membri sono riusciti a risolverlo a modo loro nel proprio lavoro, a creare, anche se non brillantemente (ad eccezione di alcuni eccezionali dipinti di Vrubel), ma opere d'arte originali e di valore artistico che hanno preso il loro giusto posto nella storia dell'arte.

Appunti

Vedi almeno le monografie: Benois A.N. L'emergere del "mondo dell'arte". L., 1928; Etkind M. Alexander Nikolaevich Benois. L.-M., 1965; Gusarova A.P. "Mondo dell'arte". L., 1972; Lapshina N.P. "Mondo dell'arte". Saggi su storia e pratica creativa. M., 1977; Pruzhan I. Konstantin Somov. M., 1972; Zhuravleva E.V. K.A.Somov. M., 1980; Golynets S.V. LS Bakst. L., 1981; Pozarskaja M.N. Arte teatrale e decorativa russa della fine del XIX - inizio XX secolo. M., 1970, ecc.

I principali partecipanti al "World of Art" - un'associazione artistica, costituita nel 1898-1899. a San Pietroburgo - A. N. Benois, leader riconosciuto del gruppo, artista e critico, K. A. Somov, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lansere, L. S. Bakst. Il principale ruolo organizzativo in tutte le imprese del "Mondo dell'Arte" apparteneva a S. P. Diaghilev. V. A. Serov era membro del consiglio espositivo del World of Art. Alle mostre dell'associazione sono state mostrate per la prima volta le opere di M. A. Vrubel, i partecipanti attivi al "Mondo dell'arte" sono stati K. A. Korovin, I. Ya. Bilibin, A. P. Ostroumova-Lebedev, A. Ya. Golovin, I. E. Grabar. Il primo periodo di attività dell'associazione durò fino al 1904. The World of Art pubblicava una rivista con lo stesso nome, una sorta di almanacco letterario e artistico, a cui collaboravano artisti, poeti e filosofi. La rivista riccamente illustrata divenne uno dei primi esempi dell'arte del design del libro, un campo di attività artistica in cui il "mondo dell'arte" agì come veri riformatori. Organizzarono le proprie mostre, attirando i maestri dell'Europa occidentale a parteciparvi. L'aspetto più importante delle attività del Mondo dell'Arte è il risveglio dell'interesse per le pagine dimenticate della cultura russa del XVIII e dell'inizio del XIX secolo: vengono organizzate mostre retrospettive di arte antica, articoli e monografie dedicate ai maestri di quel tempo vengono pubblicati sistematicamente e viene pubblicata un'edizione speciale "Tesori artistici della Russia".

K.A. Somov. Inverno. Pista di pattinaggio. 1915. Olio su tela. Museo statale russo. Leningrado.

"World of Art" ha difeso la libertà di auto-manifestazione individuale nell'arte. Tutto ciò che l'artista ama e adora nel passato e nel presente ha il diritto di essere incarnato nell'arte, indipendentemente dall'argomento del giorno: tale è il programma estetico di unificazione. Allo stesso tempo, la bellezza era riconosciuta come l'unica pura fonte di entusiasmo creativo, e il mondo borghese moderno, secondo gli artisti del Mondo dell'Arte, è privo di bellezza. Pertanto, nel proprio lavoro, il "Mondo dell'Arte" funge da interprete della bellezza, custodita nei monumenti dell'arte delle epoche passate. La vita li interessa solo nella misura in cui si è già espressa nell'arte. Il genere principale nella pittura del "Mondo dell'Arte" era il genere storico. La storia appare qui non nelle azioni di massa e non nei punti di svolta, come in V. I. Surikov, ma in particolari dettagli della vita passata, ma la vita è necessariamente bella, esteticamente progettata. "La passeggiata del re" (dipinto di A. N. Benois, 1906), "Imperatrice Elisabetta Petrovna a Carskoe Selo" (dipinto di E. E. Lansere, 1905), feste in maschera e fuochi d'artificio (dipinti e disegni di K. A. Somov, 1904 - 1908) - questi sono le trame tipiche delle loro fantasie storiche.

Quasi tutti gli artisti del "Mondo dell'Arte" sono ottimi illustratori. Esempi classici - illustrazioni di A. N. Benois a "Il cavaliere di bronzo" di A. S. Pushkin (1903-1922), E. E. Lansere a "Hadji Murad" di L. N. Tolstoy (1912-1937), più tardi - M V. Dobuzhinsky a "White Nights" di F. M. Dostoevskij (1922).

Gli anni '10 sono il periodo di massimo splendore delle attività teatrali e decorative del "Mondo dell'Arte". È associato alle “Stagioni russe” organizzate da S. P. Diaghilev a Parigi, che comprendevano tutta una serie di produzioni di opera e balletto, alle quali erano coinvolte le più grandi forze dell'arte russa F. I. Chaliapin, Anna Pavlova, V. Nijinsky, il coreografo M. Fokin e altri. Le scene di A. N. Benois per il balletto di I. F. Stravinsky "Petrushka" di I. F. Stravinsky, i costumi e le scene di L. S. Bakst per "Scheherazade" sulla musica di N. A. Rimsky-Korsakov, "L'uccello di fuoco » I. F. Stravinsky e altri.

AN Benois. Passeggiata del Re. 1906. Acquarello, guazzo, inchiostro, oro, argento. Galleria statale Tretyakov. Mosca.

Lo stile del "Mondo dell'Arte" si è formato sotto la forte influenza della grafica delle riviste tedesche e inglesi. Il piano dell'immagine è spesso paragonato allo schermo di un teatro delle ombre (ad esempio, nelle opere della serie Versailles di A. N. Benois). Il "mondo dell'arte" caratterizza l'amore per la silhouette, per la squisita organizzazione ornamentale dell'immagine, il predominio del principio grafico-lineare sul pittoresco, l'interesse predominante per le tecniche della tempera, dell'acquerello e del pastello.

A metà del 1900. “Il Mondo dell'Arte” cessa l'attività espositiva ed editoriale. Nel 1910, il "Mondo dell'Arte" fu restaurato, ma solo come organizzazione espositiva, non vincolata, come prima, dall'unità del programma creativo e unendo artisti di varie direzioni.

Tuttavia, alcuni artisti della nuova generazione, modificando, ereditano e continuano le tradizioni dell'ex "Mondo dell'Arte". Questi includono gli artisti grafici G. I. Narbut, D. I. Mitrokhin, i pittori N. K. Roerich, B. M. Kustodiev e altri.

L'ultima mostra del "Mondo dell'Arte" ebbe luogo nel 1922. Alta cultura grafica, consapevolezza insolitamente ampia in vari ambiti della vita artistica e dell'arte delle epoche storiche passate, gusto artistico raffinato - le caratteristiche più preziose dell'opera del "Mondo dell'arte", conservando il loro significato e la loro influenza fino ai giorni nostri, soprattutto per le arti teatrali e decorative e per l'illustrazione di libri.

Dettagli Categoria: Belle arti e architettura russa a cavallo tra il XIX e il XX secolo Pubblicato il 07/08/2018 18:50 Visualizzazioni: 645

"Un'opera d'arte è importante non in sé, ma solo come espressione della personalità del creatore" (Sergei Diaghilev).

In queste parole di S. Diaghilev si esprime l'essenza del lavoro degli artisti dell'associazione "World of Art". Per loro, la priorità era il principio estetico nell'arte, le idee dei Vagabondi non solo erano loro estranee, ma si opponevano a loro.

Storia dell'associazione

I fondatori dell'associazione artistica "World of Art" furono l'artista di San Pietroburgo A.N. Benois e la figura teatrale S.P. Diaghilev.
Il "mondo dell'arte" esiste dalla fine degli anni Novanta dell'Ottocento. e in modo intermittente fino al 1924. Il nucleo principale dell'associazione era A.N. Benois, L.S. Bakst, K.A. Somov, M.V. Dobuzhinsky, E.E. Lansere, I.Ya. Bilibin. Attiguo all'associazione di K.A. Korovin, A.Ya. Golovin, B.M. Kustodiev, N.K. Roerich, S.Yu. Sudeikin, B. I. Anisfeld e altri. In tempi diversi l'associazione comprendeva V. Serov, I. Levitan, M. Nesterov, M. Vrubel. Condiviso il punto di vista di Miriskuniki e Ilya Repin.
Come abbiamo già detto, l'attività dell'associazione "World of Art" si è opposta ai Wanderers e all'Accademia delle Arti. Ma cosa hanno offerto? Il loro programma era piuttosto controverso. Da un lato gli artisti di questa associazione erano sostenitori dell '"arte pura". D'altra parte, non hanno rotto con il realismo, e negli anni '10. Il "Mondo dell'Arte" si oppose alla decadenza e al formalismo, sebbene all'inizio della sua attività puntasse alla modernità e al simbolismo. La tendenza più forte nel loro lavoro era una retrospettiva, un fascino per la cultura dei secoli XVII-XVIII.

Leon Bakst. Costumi per il balletto L'uccello di fuoco di I. Stravinskij (1910)
Soprattutto, le attività del "Mondo dell'Arte" si sono manifestate nella grafica di libri e nelle scenografie teatrali. Difendendo il contenuto e l'integrità della soluzione rappresentativa, il ruolo attivo dell'artista in essa, il "Mondo dell'Arte" ha continuato la riforma dell'arte teatrale e decorativa, iniziata dai decoratori dell'opera S.I. Mamontov.

A. Benois. Illustrazione per la poesia di A.S. Pushkin "Il cavaliere di bronzo"
Le opere scenografiche degli artisti del Mondo dell'Arte sono caratterizzate da un'alta cultura, dall'arricchimento del teatro con le conquiste della pittura moderna, dall'integrità artistica delle soluzioni, dal gusto delicato e dalla profondità di interpretazione delle opere teatrali, comprese quelle del balletto.

Presupposti per la creazione dell'associazione "Mondo dell'Arte"

B.M. Kustodiev "Ritratto di gruppo degli artisti della società" World of Art "" (1916-1920). Museo statale russo (Pietroburgo)

Le precondizioni erano dettate dal tempo stesso. Entro la fine del XIX secolo. molti giovani artisti erano delusi dalla pittura accademica, che era ufficialmente sostenuta dall'Accademia delle arti. In primo luogo, si unirono diversi giovani artisti, che non sempre avevano nemmeno un'educazione artistica (ad esempio, Alexander Benois studiò alla facoltà di giurisprudenza dell'Università di San Pietroburgo).
Gli artisti erano accomunati dal desiderio del passato, dalla ricerca di ideali nell'arte dell'epoca di Pietro I, nel barocco della metà del XVIII secolo, nell'Impero dei tempi di Paolo I. Rispettavano anche il patrimonio culturale dell’Europa occidentale.
Il critico V.V. Stasov era ostile ai membri della nuova associazione, tk. erano lontani dall'arte democratica. Vedeva in loro solo rappresentanti della decadenza.

Stagioni russe di S. Diaghilev

V. Serov. Ritratto di Diaghilev (1909)
Un ruolo importante è appartenuto agli artisti del "Mondo dell'Arte" nella progettazione degli spettacoli delle "Stagioni russe" all'estero, organizzate da S.P. Diaghilev, uno dei leader e ispiratori ideologici del "mondo dell'arte". Nel 1899-1904. Diaghilev ha pubblicato una rivista con lo stesso nome a San Pietroburgo.

B. Anisfeld "The Underwater Kingdom", una composizione basata sul fantastico balletto con lo stesso nome sulla musica dell'opera "Sadko" di N. Rimsky-Korsakov. "Stagioni russe" all'estero, impresa S. Diaghilev (1911). Teatro Chatelet (Parigi)
"Stagioni russe" - spettacoli itineranti di ballerini d'opera e balletti russi (1908-1929), organizzati dal famoso personaggio culturale e imprenditore Diaghilev all'estero: dal 1908 - a Parigi, dal 1912 - a Londra, dal 1915 - in altri paesi. L'attività principale dell'impresa era il balletto. Le opere furono rappresentate principalmente fino al 1914. Ma l'inizio delle "stagioni russe" fu il 1906, quando Diaghilev portò a Parigi una mostra di artisti russi. Nel 1908 fu rappresentata a Parigi l'opera Boris Godunov, alla cui produzione presero parte A. Benois, K. Yuon, E. Lansere; i bozzetti dei costumi sono stati creati da I. Bilibin; i solisti dell'opera erano Chaliapin, Kastorsky, Smirnov, Yermolenko-Yuzhina e altri nel 1908-1909. furono rappresentate le opere La serva di Pskov di Rimsky-Korsakov, Il principe Igor di Borodin e altre.

A. Benois. Bozzetto per il balletto "La Sylphides"
Nel 1909, i balletti di M.M. Fokine: "Il padiglione di Armida" (art. A.N. Benois), "Danze polovtsiane" (art. N.K. Roerich); Silfidi (Chopiniana) su musica di Chopin, Cleopatra (Notti egiziane) di Arensky (artista L.S. Bakst) e divertissement Feast su musica di Glinka, Čajkovskij, Glazunov, Mussorgsky.
La compagnia di balletto era composta da artisti dei teatri Mariinsky di San Pietroburgo e Bolshoi di Mosca. Solisti: A.P. Pavlova, V.F. Nijinsky, TP Karsavina, E.V. Geltser, S.F. Fedorova, M.M. Mordkin, V.A. Karalli, M.P. Froman e altri Coreografo - M.M. Fokin.
Dal 1910, le "Stagioni russe" si sono svolte senza la partecipazione dell'opera. Nel 1911, Diaghilev decise di creare una compagnia permanente, che fu finalmente formata nel 1913 e ricevette il nome di Balletto russo di Diaghilev.

Leon Bakst. Costume per il balletto di Nijinsky Il pomeriggio di un fauno (1912)
Con la nuova stagione del 1912, Diaghilev iniziò a cambiare la natura della sua impresa, allontanandosi sempre più dall'idea tradizionale di balletto e orientandosi verso forme nuove e sperimentali. Dopo la morte di Diaghilev nel 1929, la sua compagnia si sciolse.
Le "Stagioni russe" hanno svolto un ruolo enorme nella promozione dell'arte russa all'estero e nello sviluppo del processo artistico mondiale del 20 ° secolo.

Rivista "Il mondo dell'arte"

Leon Bakst. Copertina della rivista "World of Art" n. 2 del 1902

Uno degli organizzatori e ideologi dell'associazione artistica "World of Art" era Alexander Benois, e la rivista fu organizzata da Sergei Diaghilev a spese della principessa M. Tenisheva e del mecenate di Mosca Savva Mamontov. Dopo il suo fallimento, V. Serov si è occupato del sostegno statale alla rivista. Il segretario editoriale della pubblicazione era il pubblicista, critico d'arte e letterario russo D. Filosofov.

L'ulteriore storia dell'associazione artistica "World of Art"

Il periodo classico della vita dell'associazione si riferisce al 1900-1904. A quel tempo, l'associazione si distingueva per una speciale unità di principi estetici e ideologici. Il 24 febbraio 1900 nella redazione della rivista "World of Art" si tenne un incontro dei partecipanti alle mostre della rivista, a cui parteciparono gli artisti L. Bakst, A. Benois, I. Bilibin, I. Braz, I Walter, Ap. Vasnetsov, N. Dosekin, E. Lansere, I. Levitan, F. Malyavin, M. Nesterov, A. Ober, A. Ostroumova, V. Purvitis, F. Rushits, S. Svetoslavsky, K. Somov, V. Serov, Ya. Zionglinsky, S. Diaghilev.
Dopo il 1904 l'associazione si espanse, ma perse la sua unità ideologica. Nel 1904-1910. la maggior parte dei membri del "Mondo dell'Arte" facevano parte dell '"Unione degli artisti russi". Nel 1910 fu ripresa la società artistica "World of Art", N.K. fu eletto presidente. Roerich.
Dopo la rivoluzione, molti dei suoi leader emigrarono. L'associazione cessò effettivamente di esistere nel 1924. L'ultima mostra del Mondo dell'Arte si tenne a Parigi nel 1927.
Parleremo del lavoro di alcuni artisti, membri dell'associazione World of Art, in articoli separati.

"L'ABC del mondo dell'arte"

Nel 1911, M. Dobuzhinsky compilò un fumetto "L'ABC del mondo dell'arte" - una serie di caricature ad acquerello del "mondo dell'arte" dalla A alla Z.

---> "Il Mondo dell'Arte": fasi e natura dell'attività. Cavalletto e arti teatrali e decorative, grafica per riviste e illustrazione letteraria. AA Benois è il leader dell'associazione artistica. La generazione "più vecchia" di organizzatori del "Mondo dell'Arte" a cavallo tra il 1890 e il 1890 -

Nel 1898 fu fondata a San Pietroburgo una nuova associazione artistica, chiamata World of Art. A capo del circolo formato c'erano l'artista A.N. Benois e il filantropo S.P. Diaghilev. Il nucleo principale dell'associazione era L.S. Bakst, E.E. Lansere, K.A. Somov. The World of Art ha organizzato mostre e ha pubblicato una rivista con lo stesso nome. L'associazione comprendeva molti artisti: M.A. Vrubel, V.A. Serov, I.I. Levitan, M.V. Nesterov, A.P. Ryabushkin, N.K. Roerich, B.M. Kustodiev, ZE .Serebryakova, K.S. Petrov-Vodkin.

Periodo "classico" di attività del "Mondo dell'Arte" - 1898-1904; Durante questo periodo sono state organizzate 6 mostre. L'ultima, la sesta mostra fu un tentativo di S.P. Diaghilev di impedire la delimitazione attiva delle forze creative all'interno del "Mondo dell'Arte" (nel 1901 un certo numero di artisti di Mosca lasciò la società e organizzò una "Mostra di 36 artisti", nel 1903 - fu costituita la "Unione degli artisti russi").

L'estetica della maggior parte dei rappresentanti del "mondo dell'arte" è una versione russa dell'Art Nouveau. Miriskussniki ha difeso la libertà della creatività individuale. La bellezza era riconosciuta come la principale fonte di ispirazione. Il mondo moderno, secondo loro, è privo di bellezza e quindi indegno di attenzione. Alla ricerca del bello, gli artisti del "Mondo dell'Arte" si rivolgono spesso ai monumenti del passato nelle loro opere. Per gli artisti dell'inizio del XX secolo, i problemi sociali nella storia perdono la loro fondamentale importanza, il posto di primo piano nel loro lavoro è occupato dall'immagine della bellezza della vita antica, dalla ricostruzione di paesaggi storici, dalla creazione di un'immagine poetica e romantica di " secoli passati”. Collisioni acute e personaggi storici significativi li interessavano molto meno dell'originalità del costume, il sapore unico dell'antichità. Il protagonista nelle opere di molti artisti che facevano parte del "mondo dell'arte" era il genere storico e quotidiano.

Il periodo classico nella vita dell'associazione cadde nel 1900-1904: in questo periodo il gruppo era caratterizzato da una speciale unità di principi estetici e ideologici. Gli artisti hanno organizzato mostre sotto gli auspici della rivista World of Art.

L'orientamento artistico del "Mondo dell'Arte" era associato all'Art Nouveau e al Simbolismo. In contrasto con le idee degli Erranti, gli artisti del Mondo dell'Arte proclamarono la priorità del principio estetico nell'arte. I membri del "Mondo dell'Arte" hanno sostenuto che l'arte è principalmente un'espressione della personalità dell'artista. In uno dei primi numeri della rivista, S. Diaghilev ha scritto: "Un'opera d'arte è importante non in sé, ma solo come espressione della personalità del creatore". Credendo che la civiltà moderna sia antagonista alla cultura, il "Mondo dell'Arte" ha cercato un ideale nell'arte del passato. Artisti e scrittori, nei loro dipinti e sulle pagine delle riviste, rivelarono alla società russa la bellezza allora poco apprezzata dell'architettura medievale e dell'antica pittura di icone russa, la grazia della Pietroburgo classica e dei palazzi che la circondavano, li fece pensare al suono moderno di antiche civiltà e rivalutare il proprio patrimonio artistico e letterario.

Nella storia della pittura teatrale e decorativa del XX secolo, i maestri del "Mondo dell'Arte" hanno svolto un ruolo eccezionale, il cui significato non è limitato dai confini della cultura visiva nazionale. Non stiamo parlando solo dell'ampio riconoscimento europeo degli artisti teatrali russi, ma anche dell'impatto diretto di questi ultimi sulla pittura teatrale e decorativa mondiale. A questo punto, la pittura teatrale e decorativa russa, che un tempo conobbe periodi di grande prosperità, riuscì a cadere in un miserabile declino, perché aveva in gran parte perso il contatto con i fenomeni avanzati dell'arte nazionale moderna. Dalle mani di grandi artisti passò nelle mani di "professionisti" che non sapevano nulla al di fuori della loro ristretta specialità, e anche in essa raramente superavano il livello artigianale. Alla Mammoth Opera questa pratica fu abbandonata. I grandi pittori si dedicarono nuovamente al lavoro teatrale: dapprima i Wanderers V.M. Vasnetsov e V.D. Polenov, e dopo di loro i maestri della generazione più giovane - M. Vrubel e K. Korovin. Come risultato delle loro attività, il ruolo dell'artista nel teatro è nuovamente aumentato e si è rafforzata la fiducia nell'ambiente creativo che le scene e i costumi siano parte integrante dell'immagine artistica creata dallo spettacolo. Il lavoro di M. Vrubel, A. Golovin e K. Korovin aveva ancora un altro significato: superando il “quotidiano” delle scene standard impersonali, hanno creato sul palco un'atmosfera di una speciale “realtà teatrale”, poeticamente esaltata al di sopra della vita quotidiana.

Singoli artisti del "Mondo dell'Arte" erano coinvolti nella vita teatrale in un momento in cui produzioni come l'opera "La storia dello zar Saltan" nello scenario di Vrubel (1900), il balletto "Il piccolo cavallo gobbo" nello scenario di K. Korovin (1901) era già stata creata e l'opera La serva di Pskov nello scenario di Golovin (1901). È iniziata una nuova fase nello sviluppo della pittura decorativa russa.

Nel 1898 fu pubblicato a San Pietroburgo il primo numero della rivista mensile d'arte illustrata "Il mondo delle arti", che fu pubblicata fino al 1904. La rivista era l'organo dell'associazione artistica "World of Art" e degli scrittori simbolisti.

Fin dal primo numero gli artisti che si stringevano intorno a S.P. Diaghilev, non solo ha partecipato alla creazione della rivista, realizzando copertine, preparando illustrazioni, salvaschermi e vignette, ma ha formato una nuova idea di pubblicazioni popolari e artistiche. Hanno attirato l'attenzione sull'importanza del carattere e del formato, sul rapporto tra testo e illustrazioni.

La grafica del libro è stata fortemente influenzata da The Bronze Horseman con illustrazioni di A.N. Benois e White Nights di M.V. Dobuzhinsky. In esilio, il "Mondo dell'Arte" continuò a creare edizioni illustrate, che furono stampate a Parigi, Berlino, Roma e New York. A.N. Benois ha illustrato "La figlia del capitano" di A.S. Pushkin, "Il peccatore" di Henri de Regnier. I.Ya.Bilibin ha realizzato disegni per racconti popolari russi e ballate medievali francesi. B.D. Grigoriev ha eseguito 60 illustrazioni per "I fratelli Karamazov" di F.M. Dostoevskij, disegnato "Primo amore" di I.S. Turgenev, "Infanzia" di A.M. Gorky e "L'isola dei bambini" di S. Cherny.