Mostra Tretyakov di dipinti dal Vaticano. Roma Aeterna. Capolavori della Pinacoteca Vaticana nella Galleria Tretyakov

La mostra alla Galleria Tretyakov si intitola “Roma Aeterna. Capolavori della Pinacoteca Vaticana. Bellini, Raffaello, Caravaggio." Il curatore Arkady Ippolitov afferma che l'idea principale della mostra si riflette nel titolo stesso: Roma Aeterna, la "città eterna" di Roma, associata alla storia della ricerca spirituale dell'Europa dal XII secolo all'Illuminismo, la quintessenza dello spirito europeo. I Musei Vaticani sono famosi per le loro collezioni di antichità romane, quindi la continuità della cultura europea dall'antichità al Rinascimento è chiaramente visibile.

Apostoli benevoli

Nel 1480, l'artista Melozzo, originario del piccolo villaggio di Forlì, ricevette un'importante commissione: dipingere la Basilica dei Santi Apostoli a Roma (Tempio dei Dodici Apostoli). Concepì un grande affresco fino a 17 metri di diametro, in cui l'artista racconta la storia dell'Ascensione. Melozzo da Forlì, come fu chiamato in seguito, fu il primo a utilizzare in modo audace e rivoluzionario in questo dipinto angoli inaspettati delle figure dei santi, verso i quali il pubblico dovrebbe alzare lo sguardo. Dopo la scoperta delle leggi della prospettiva, sorsero problemi nel rappresentare gli oggetti nelle proporzioni corrette in modo che gli spettatori dal basso potessero vederli in forme naturali (questo problema fu successivamente risolto con successo da Raffaello). Secondo il progetto dell'artista, angeli-musicisti dai capelli dorati guardavano dal cielo azzurro, le figure degli apostoli situate lungo il perimetro guardavano benevolmente i parrocchiani, e al centro c'era la maestosa figura di Gesù.

Il curatore della mostra Arkady Ippolitov spiega che l'idea della mostra si basa sulla tesi dell'unità dell'umanità

L’affresco risultò meraviglioso e il lavoro dell’artista fu pagato dal cardinale Giuliano della Rovere, il futuro papa Giulio II. Melozzo fu amato anche da papa Sisto IV, ma tuttavia non ricevette un'offerta per affrescare la Cappella Sistina. Il direttore dei Musei Vaticani, Antonio Paolucci, suggerisce che Ghirlandaio, Perugino e Botticelli (gli artisti più famosi e attivi di quest'epoca) abbiano cospirato per impedire a Melozzo di lavorare. Inoltre Melozzo, che lavorò per diversi anni nella Città Eterna, era considerato “troppo romano”, e in quel periodo c'era una moda per gli artisti toscani. Oggi c'è poco che ci ricorda questo artista eccezionale. Nel 1714 la Basilica dei Santi Apostoli fu ricostruita e gli affreschi di Melozzo furono distrutti. Solo quattordici dei suoi frammenti furono salvati. Sono divisi tra il Palazzo del Quirinale (“Cristo in gloria”) e la Pinacoteca Vaticana (le figure di angeli e apostoli che l'artista amava dipingere decorano una stanza separata della Pinacoteca).

Furono i frammenti con immagini di angeli dai capelli dorati che suonavano, che divennero simboli di Roma, ad essere portati a Mosca.

Tesori della Pinacoteca

La Pinacoteca Vaticana racchiude sette secoli di storia dello Stato Pontificio. L'istituzione del papato, fondata dall'apostolo Pietro nel I secolo, collega la civiltà europea con il mondo antico. Questa è una delle poche connessioni sopravvissute fino ad oggi.

La storia dei Musei Vaticani risale al 14 gennaio 1506, quando durante gli scavi fu ritrovato l'antico gruppo scultoreo “Laocoonte e i suoi figli”, noto dalle descrizioni dello storico romano Plinio il Vecchio. Papa Giulio II, essendo un mecenate, acquistò questo reperto e affidò il lavoro di restauro a Michelangelo. Un mese dopo, la composizione in marmo fu esposta al pubblico. Questi furono i primissimi esempi di pittura di artisti dell'antica Grecia. I Pinakes di famosi maestri erano esposti in ricche collezioni private e venivano scoperti raramente. Quando il Vaticano iniziò a raccogliere una collezione di dipinti, seguendo l'esempio dell'antica Grecia, le fu dato il nome Pinakothek. Il suo fondatore fu Papa Pio VI, la collezione si trasferì in diverse sale fino a quando nel 1932 fu costruito un nuovo edificio, dove è attualmente ospitata.

Un mondo

Arkady Ippolitov, commentando la mostra alla Galleria Tretyakov, spiega che l'idea della mostra si basa sulla tesi dell'unità dell'umanità. Pertanto, la mostra inizia con l'icona romana del XII secolo “Cristo benedicente”, che personifica l'Universo. Ma allo stesso tempo parla dell'unità dell'idea cristiana. Questo è il punto di partenza in cui si è unito il cristianesimo, in cui è evidente la vicinanza delle culture italiana e russa. Il concetto di Roma è stato molto importante per la cultura russa per secoli. Per seicento anni la Russia ha vissuto con l’idea che Mosca fosse la Terza Roma. Questa idea è presentata anche nella mostra attuale attraverso opere selezionate - 42 opere su argomenti religiosi.

Per seicento anni la Russia ha vissuto con l’idea che Mosca fosse la Terza Roma. Anche la mostra attuale presenta questa idea attraverso opere selezionate.

Al Cristo benedicente segue l'opera di Margaritone d'Arezzo (XIII secolo): si ritiene che questa sia la prima immagine di San Francesco d'Assisi. È stato il suo nome a essere scelto dall'attuale papa, che è diventato il primo Francesco nella storia del Vaticano. Hanno portato a Mosca il dipinto più interessante “Gesù davanti a Pilato” di Pietro Lorenzetti, che riecheggia il famoso dipinto di Nikolai Ge “Che cos’è la verità?” dalla Galleria Tretyakov (quasi tutti gli artisti russi dei secoli XVIII-XIX che si diplomarono con lode all'Accademia di pittura, dopo la laurea ricevettero una borsa di studio per studiare in Europa, il più delle volte era l'Italia). Seguono poi due immagini della vita di San Nicola Taumaturgo. Uno di questi appartiene al pennello di Gentile da Fabriano, il secondo - Fra Beato Angelico, monaco benedettino di Firenze, che divenne il più grande artista del primo Rinascimento... Ecco due “Lamentazioni di Cristo” di Carlo Crivelli e Giovanni Bellini - molto importante nell'opera di questi artisti veneziani del Rinascimento.

Roma è come un libro

La mostra comprende diverse opere che attraggono per la loro incredibile potenza visiva e originalità. Si tratta del grande dipinto di Caravaggio “Deposizione”, della pala d'altare di Nicolas Poussin “Il Martirio di Sant'Erasmo”, l'opera più grande dell'artista scritta appositamente per la Basilica di San Pietro, e della mostra che si conclude con “Osservazioni Astronomiche” di Donato Creti - otto dipinti in una cornice, dedicati ai pianeti allora conosciuti del sistema solare. La tela fu dipinta per convincere papa Clemente XI a finanziare la costruzione di un osservatorio astronomico: pochi anni dopo l'osservatorio fu costruito a Bologna. La mostra attuale si legge come un libro: se non sei pigro e prova a iniziare a leggere questo libro. Dopotutto, Roma è una città-libro, dove l'antichità si intreccia con il presente. Nikolai Gogol ha scritto: “L'ho letto, letto... e ancora non riesco ad arrivare alla fine; La mia lettura è infinita."

* Pinakothek (tradotto dal greco - deposito di dipinti) - tra gli antichi greci, una stanza in cui venivano conservate immagini pittoresche. Per i romani la “pinacoteca” era una stanza della casa posta all'ingresso dell'atrio, decorata con dipinti, oltre a statue e altri oggetti artistici particolarmente apprezzati dal proprietario. Al giorno d'oggi questa parola è spesso usata per significare "galleria d'arte".

Foto: “Musei Vaticani” e foto musei vaticani/foto Musei Vaticani

La Galleria Tretyakov ti invita a visitare una nuova mostra - “Roma Aeterna. Capolavori della Pinacoteca Vaticana. Bellini, Raffaello, Caravaggio." Si terrà dal 25 novembre 2016 al 19 febbraio 2017 nell'edificio dell'ingegneria (Lavrushinsky Lane, edificio 12). Questo progetto internazionale più grande e senza precedenti negli ultimi anni sarà un evento sia per la Russia che per l’Europa, e per il mondo intero. E nel 2017, la Galleria Tretyakov esporrà opere di pittura russa su temi evangelici dalla sua collezione in Vaticano.

Per la prima volta, i Musei Vaticani, una delle dieci collezioni più grandi al mondo, hanno portato in Russia la parte migliore della loro collezione: capolavori dei secoli XII-XVIII. Tra i 42 dipinti si trovano opere di Giovanni Bellini, Melozzo da Forlì, Perugino, Raffaello, Caravaggio, Guido Reni, Guercino, Nicolas Poussin.

Il titolo della mostra include l'espressione latina Roma Aeterna - “Roma eterna”. Riflette la percezione di questa città nella storia dell'umanità: antica e giovane allo stesso tempo, unendo epoche diverse come l'Antichità, il Medioevo e il Rinascimento. La Città Eterna divenne il centro dell'impero, della religione e dell'arte, e il concetto di Roma Aeterna divenne una delle idee più importanti della cultura mondiale. E la collezione stessa è tanto varia quanto la cultura di Roma.

Ogni pezzo che i visitatori vedono è eccezionale. La mostra si apre con una rara opera della scuola romana del XII secolo: l'immagine del “Cristo benedicente”, che non aveva mai lasciato il Vaticano prima. È vicino alla pittura bizantina e dimostra le radici comuni dell'arte italiana e russa.

L'opera del XIII secolo San Francesco d'Assisi di Margaritone d'Arezzo è inclusa in tutti i libri di testo di storia dell'arte ed è una delle prime raffigurazioni di un santo che ha avuto un ruolo importante nella storia della chiesa occidentale. L'attuale papa, il primo Francesco nella storia del Vaticano, ha scelto da sé il suo nome.

Ci sono anche opere di maestri gotici rare nelle collezioni russe. Tra questi c'è “Gesù davanti a Pilato” di Pietro Lorenzetti, che riecheggia il celebre dipinto di Nikolai Ge.

Due predelle raccontano storie della vita di San Nicola Taumaturgo, arcivescovo di Myra in Licia, venerato dalla chiesa ortodossa e cattolica. Il periodo di massimo splendore del Rinascimento comprende una delle opere più interessanti del più grande maestro della scuola ferrarese, Ercole de Roberti, “I miracoli di San Vincenzo Ferrer” e “Il Compianto” del veneziano Giovanni Bellini. Non ci sono dipinti di questi artisti nemmeno in Russia.

Gli affreschi di uno dei più grandi pittori del Quattrocento, Melozzo da Forlì, raffigurano angeli, riprodotti in gran numero sui souvenir e diventati il ​​segno distintivo di Roma. I suoi dipinti furono rimossi dalla cupola dell'abside durante la ricostruzione della Chiesa dei Santi Apostoli a Roma e decorano una sala speciale della Pinacoteca.

Conclude il percorso espositivo una serie di dipinti del XVIII secolo. I dipinti del bolognese Donato Creti sono dedicati alle osservazioni astronomiche e completano la storia de Lo Stato Pontificio, che presto cessò di esistere e si trasformò in Vaticano - Lo Stato della Città del Vaticano.

C’è molto di inedito in questa mostra. Si tratta di 42 reperti della mostra permanente (all'inaugurazione si diceva che quasi il 10% della Pinacoteca vaticana fosse arrivata alla Galleria Statale Tretyakov), che raramente lasciano le loro mura native e quasi letteralmente pregate. Si tratta anche di una componente politica che patrocina le attuali tournée artistiche al massimo livello statale (la Galleria Tretyakov è riuscita a portare a Mosca quasi tutte le opere commissionate dal Vaticano, motivo per cui una serie di soggetti religiosi si trasforma in una storia quasi continua di lo sviluppo degli stili nell'arte italiana dal XII al XVIII secolo). Questa è anche una soluzione scenografica speciale per l'area espositiva - con un enorme logo illuminato dall'interno e false pareti che cambiano la consueta geometria delle sale al terzo piano dell'edificio dell'Ingegneria della Galleria Tretyakov (design “Roma Aeterna” E Agnia Sterligova). Uno di essi, come la pianta architettonica della Chiesa di San Pietro, ha forma ottagonale, e l'altro, come la piazza antistante la Basilica Vaticana principale, è rotondo.

Insieme di regole

Anche le rigide regole di accreditamento e fotografia in mostra non hanno analoghi. Durante la proiezione stampa, i giornalisti sono stati più volte avvertiti (e addirittura obbligati a firmare un'apposita ricevuta per la non violazione delle prescrizioni poste dalla direzione dei Musei Vaticani) che i dipinti non potevano essere rimossi del tutto o, soprattutto, in parte. È possibile solo all'interno, sullo sfondo del muro, e ancora meglio, in modo che più tele cadano contemporaneamente nella cornice. Alle troupe televisive è stato vietato zoomare sulle opere con le telecamere e scattare primi piani dei dipinti. Ciò, tuttavia, è di per sé piuttosto problematico a causa della specifica disposizione espositiva delle due sale principali, rivestite fino alla sommità con pannelli di legno. Per proteggere i dipinti dai visitatori, i progettisti hanno realizzato dei plinti lisci ma alti che posizionano gli oggetti esposti a una distanza leggermente superiore alla lunghezza di un braccio. Per questo acquisiscono tutti un'aura aggiuntiva (“distanza della vicinanza”, se ricordate la definizione Walter Beniamino), trasformandosi infine in oggetti sacri di culto religioso.

Luce e colore

Di conseguenza, non ti avvicini molto ai capolavori, tranne forse per le piccole grisaille Raffaello, esposto in una vetrina separata, e il ciclo astronomico del Bolognese Donato Creti. I suoi otto dipinti sono esposti nella terza sala aggiuntiva, ben illuminata. Meno fortunati furono i dipinti di epoca barocca, che occupavano la sala più grande, dove regna il crepuscolo.

L'illuminazione espositiva, che i lavoratori dei musei utilizzano costantemente su progetti importati, crea ulteriori difficoltà di percezione. Naturalmente è estremamente impressionante quando i raggi luminosi diretti sui dipinti li trasformano in finestre del mondo celeste. Tuttavia, questo approccio presenta numerosi svantaggi associati all’abbagliamento incontrollabile e agli angoli ciechi che si insinuano all’interno dei telai. (smette di lavorare con mostre di piccole dimensioni che raccontano storie particolarmente narrative con molti dettagli in miniatura.) Nella mostra attuale, oltre ai dipinti proto-rinascimentali e rinascimentali Pietro Lorenzetti, Alessio di Andrea, Mariotto di Nardò,Giovanni di Paolo, questo vale soprattutto per la composizione allungata orizzontalmente di due metri “I miracoli di San Vincenzo Ferrer” del maestro bolognese Ercole de Roberti, occupando un recinto separato.

Nella prima sala, dove l'illuminazione è normale, si trovano i reperti più antichi, e addirittura antichi. Qui sono esposte due opere Perugino, grandi composizioni Giovanni Bellini(cuspide “Compianto di Cristo con Giuseppe d'Arimatea, Nicodemo e Maria Maddalena”) e lunetta Carlo Crivelli, così come anche prima Fra Beato Angelico, Gentile da Fabriano E Margaritone d'Arrezo, il cui “San Francesco d'Assisi” del XIII secolo non è ancora l'opera più antica della mostra (l'epigrafe è il “Cristo benedicente” di scuola romana del XII secolo, molto bizantino). Tuttavia, la decorazione più notevole della prima sala sono tre frammenti dell'affresco Melozzo da Forlì con angeli che suonano strumenti musicali (nella Pinacoteca Vaticana ci sono 14 episodi individuali del dipinto un tempo unico “L'Ascensione di Cristo”). Sono i loro graziosi volti emblematici a comparire su manifesti, cartelloni pubblicitari, striscioni e sulla copertina del catalogo.

Di seguito spiegazioni e biglietti personalizzati

Ora che le proiezioni stampa sono passate e le sale della Galleria Tretyakov sono piene di visitatori ordinari, sarà interessante vedere come funzioneranno le iscrizioni e le spiegazioni situate sui piedistalli: saranno visibili nel fitto flusso di spettatori? E infine, con la vendita dei biglietti che consentono l'accesso al terzo piano dell'edificio dell'ingegneria in Lavrushinsky Lane, si è creata una situazione completamente nuova. Semplicemente non esiste la vendita online dei biglietti per la mostra vaticana, questo è scritto sul sito del museo. I normali biglietti cartacei sono esauriti fino al 31 dicembre di quest'anno. Dal 15 dicembre al botteghino della Galleria Tretyakov inizierà la vendita dei biglietti per le sessioni del 2017 (la mostra durerà fino al 19 febbraio). E questi biglietti saranno personalizzati, poiché durante i precedenti, accompagnati da lunghe code, i lavoratori dei musei si sono trovati di fronte a numerosi rivenditori che offrivano biglietti a prezzi più volte gonfiati.

Sono state portate a Mosca 34 opere e una serie di 8 dipinti di Donato Creti dalla mostra permanente della Pinacoteca. Vengono presentate opere dal XII al XVIII secolo. Si tratta di un decimo della collezione, che comprende 460 opere. È interessante notare che un certo numero di dipinti hanno lasciato per la prima volta le loro mura native. La maggior parte dei dipinti sono stati selezionati per la mostra dalla direttrice della Galleria Tretyakov, Zelfira Tregulova, e dal curatore, storico dell'arte e curatore del dipartimento delle stampe dell'Ermitage, Arkady Ippolitov.

Una mostra di ritorno dalla collezione della Galleria Tretyakov andrà in Vaticano il prossimo autunno.

I Musei Vaticani sono un museo della storia di Roma e dell'arte romana. Qui potrete studiare tutti i sette secoli della storia dello Stato Pontificio. Ogni sala della Pinacoteca è dedicata a un secolo. L'ottava sala è dedicata all'opera di Raffaello.

La Vicedirettrice dei Musei Vaticani Barbara Yatta ci parla della storia dei Musei Vaticani e della Pinacoteca. La mostra attuale è “una selezione molto simbolica e unica della collezione dei Musei Vaticani... La disposizione stessa delle opere ci permette di comprenderne il collegamento storico. La mostra mostra come ogni opera sia collocata nell’una o nell’altra sala della Pinacoteca...”


“Questa mostra è un contributo alle relazioni tra i nostri paesi e, soprattutto, è qualcosa che lascerà un segno nell’animo del popolo russo...”

Il suono della lingua italiana è un'ottima occasione aggiuntiva per comprendere lo spirito stesso della scuola pittorica romana che gli organizzatori hanno voluto trasmettere.

SALA I

1 (Sinistra). Scuola romana. Cristo il beneditore. XII secolo Immagine dell'altare. Tela incollata su legno, tempera.
“La mostra inizia con la rara icona antica “Cristo benedicente”, realizzata nella seconda metà del XII secolo da un maestro operante a Roma sotto l'influenza della pittura bizantina. Prima di entrare nella Pinacoteca, era collocato nella chiesa di Santa Maria in Campo Marzio, una delle più antiche di Roma. Il maestro romano presentò Gesù Cristo nell'immagine del Pantocratore, cioè il sovrano dell'Universo, e l'icona, essendo un'analogia delle antiche immagini russe del Salvatore Pantocratore, conserva la memoria dell'unità della chiesa cristiana prima dello scisma , cioè prima della sua divisione in cattolica e ortodossa, e mostra la diretta parentela tra l'arte italiana e quella russa provenienti dalla stessa radice."

Ma quali strade diverse ha preso in futuro l’arte dei nostri Paesi! Tra le mura della Galleria Tretyakov questo è particolarmente sentito.
La fede sincera scaturisce da questi due dipinti, i più antichi presenti in mostra.

2. Margaritone di Magnano, detto Margaritone d'Arezzo 1216–1290 ca.).
San Francesco d'Assisi. 1250–1270. Immagine dell'altare. Legno, tempera, oro. 127,2x53,9 cm.
"Margaritone d" Arezzo, nato prima di Giotto e Duccio, è uno dei più grandi pittori dell'Italia medievale. Il dipinto è presente in tutti i libri di storia dell'arte come eccezionale esempio di stile tardo romanico, ma è interessante anche perché si tratta di una delle prime immagini di San Francesco d'Assisi, realizzata poco dopo la sua canonizzazione nel 1228. San Francesco ha avuto un ruolo fondamentale nella storia della Chiesa d'Occidente, non per niente il suo nome è stato scelto dall'attuale papa, che divenne il primo Francesco nella storia del Vaticano. Quest'opera potrebbe essere stata proprio quella che Vasari scrisse nella sua Vita Margaritone" descritta come dipinta dal vero, tanto da poter essere considerata quasi uno dei primi ritratti in lingua italiana pittura."

7 (Sinistra). Gentile da Fabriano (1370-1427 circa).
Scene della vita di San Nicola Taumaturgo: San Nicola calma la tempesta e salva la nave. OK. 1425. Predella. Legno, tempera.
“Parte della predella di Gentile da Fabriano, uno dei maestri più affascinanti del tardo gotico italiano, racconta di un miracolo compiuto da San Nicola Taumaturgo, arcivescovo di Myra in Licia, venerato ugualmente dalle chiese ortodosse e cattoliche. Su una nave presa da una tempesta e destinata alla distruzione, i marinai offrirono una preghiera a San Nicola, e lui venne in soccorso. L'artista raffigura il momento in cui il santo precipita dal cielo per salvare i marinai. La sirena che nuota tra le onde, secondo il simbolismo medievale, personifica la forza demoniaca che ha provocato la tempesta, ma Gentile da Fabriano, che ha sparso nelle acque fantastici abitanti delle profondità marine, trasforma il racconto edificante della vittoria sul diavolo in un meraviglioso miraggio pittoresco.”

8 (sulla destra). Guido di Pietro, soprannominato Fra Beato Angelico (1395–1455 circa).
Scene della vita di San Nicola Taumaturgo. Intorno al 1447–1449 (?). Predella. Legno, tempera, oro.
“Guido di Pietro prese i voti monastici sotto il nome di frate Giovanni, ma già Vasari lo soprannominò Angelico, l'Angelico, sia per il fascino della sua arte che per la dolcezza del suo carattere. Successivamente al soprannome venne aggiunto l'aggettivo “Beato” ed egli entrò nella storia dell'arte con il nome di Fra Beato Angelico. Nel 1982 Papa Giovanni Paolo II lo ha ufficialmente beatificato e ora è diventato il santo patrono degli artisti. Questo è l'artista più gentile e poetico del Quattrocento fiorentino. Quest'opera è dedicata ai miracoli di San Nicola da lui compiuti dopo la sua morte. A destra San Nicola salva una nave dalla distruzione, a sinistra si rivolge ai marinai partiti da Alessandria con un carico di grano per l'imperatore romano. Chiede loro di donare il grano per salvare la sua città natale dalla carestia e promette che ciò non ridurrà il carico”.

10 (Sinistra). Carlo Crivelli (1435–1494).
Lutto. 1488. Lunetta. Legno, tempera, oro.
“Carlo Crivelli, veneziano di nascita, lasciò presto la sua città natale e divenne famoso nelle Marche. Durante la sua vita fu popolare, ma in seguito fu dimenticato e riscoperto solo alla fine del XIX secolo. Questa lunetta, che coronava il grande altare, è una delle sue opere più straordinarie. Per motivi di espressività, l'artista ricorre ad evidenti violazioni delle proporzioni, e per intrecciare insieme le mani di Gesù, della Vergine Maria e della Maddalena, Crivelli rende la mano destra di Cristo molto più lunga della sinistra. Chinato su un nodo di palme, il volto della Maddalena, distorto dal pianto, diventa il centro emotivo del quadro. L’opera è fortemente influenzata dal gotico settentrionale ed è caratterizzata da quell’incredibile intensità di esperienza psicologica che è caratteristica dei movimenti mistici religiosi del XV secolo”.

11 (al centro). Giovanni Bellini (1432-1516 circa).
Compianto di Cristo con Giuseppe d'Arimatea, Nicodemo e Maria Maddalena. OK. 1471–1474. Parte superiore dell'altare. Legno, olio. 107x84 cm.
“Bellini è il più grande artista della scuola veneziana del XV secolo. Questo dipinto è uno dei suoi capolavori. Era il terminale di un grande altare e nella sua composizione Bellini compie un passo decisivo verso la calma grandiosità dell'Alto Rinascimento, superando molti dei suoi artisti fiorentini contemporanei. L'opera è all'avanguardia per il solo fatto che è dipinta ad olio, utilizzando una tecnica completamente nuova per l'Italia, appena portata a Venezia dai Paesi Bassi. Anche l'iconografia è originale. Di solito la persona principale nella scena del Lamento è la Vergine Maria. Qui sono raffigurati solo Giuseppe d'Arimatea, san Nicodemo e Maria Maddalena che sorreggono Gesù da dietro. Il silenzio pensoso in cui sono immersi i personaggi, enfatizzato dalla tensione delle loro mani giunte, conferisce a questa scena una rara acutezza psicologica”.

9 (sulla destra). Ercole de Roberti (1450–1496 circa).
Miracoli di San Vincenzo Ferrer. 1473. Predella. Legno, tempera.
"Nel XV secolo, Ferrara fiorì sotto i duchi d'Este, diventando un influente centro culturale dell'Italia rinascimentale. Ercole de Roberti è uno degli artisti più originali della scuola ferrarese. La sua predella è considerata la più sofisticata predella del Rinascimento. Dedicato alle gesta del santo spagnolo Vincenzo Ferrer ed è carico di mistero e fascino dello spirito ferrarese, sono raffigurati i seguenti episodi (da sinistra a destra): guarigione di una partoriente - paesaggio - resurrezione di un ricco ebreo - guarigione di uno zoppo - salvataggio di un bambino da una casa in fiamme - bambino ucciso da una madre pazza - resurrezione di un bambino L'iconografia della predella non è stata completamente decifrata e l'artista mostra la sua erudizione, combinando la stravaganza gotica con riferimenti all'arte antica."

14.15. Melozzo degli Ambrosi, detto Melozzo da Forlì (1438–1494).
Angeli che suonano il liuto. 1480. Frammenti di affresco staccati dalla parete. Misura giusta: 117x93,5 cm.
L'artista “...fu invitato a Roma da papa Sisto IV. Realizzò numerosi affreschi nelle chiese romane, tanto che Melozzo può essere considerato il fondatore della scuola romana, fiorita nei secoli XVI-XVII. Tre angeli che suonano sono frammenti del suo dipinto della cupola della Chiesa dei Santi Apostoli, un'enorme composizione a più figure “L'Ascensione di Cristo”.
L'affresco fu percepito dai contemporanei come un trionfo del potere papale, che fece rivivere Roma. L'orchestra divina degli angeli simboleggiava la bellezza ultraterrena del paradiso, e il concetto astratto di "musica del cielo" è associato alle costruzioni filosofiche del modello del mondo, di cui parlavano Pitagorici e Platonici. Melozzo, come artista rinascimentale, unisce nella sua opera tradizioni antiche e cristiane. I suoi angeli, glorificando il Signore secondo le parole della Bibbia: "Lodino il suo nome con le facce, sul timpano e sulla cetra, cantino a lui, perché il Signore si compiace del suo popolo, glorificando gli umili con la salvezza", ideali, come le statue antiche, e allo stesso tempo vitali: sembrano giovani paggi alle corti dei sovrani rinascimentali”.


Tra le tante crocifissioni, lamenti, sepolture e altre scene tragiche, la sezione della mostra con i tre angeli-musicisti è come un luminoso angolo di paradiso, un riposo per l'anima. Sono caratterizzati da leggerezza, mancanza di esaltazione e deliberata teatralità. La ruvidità e l'ottusità dell'affresco attirano lo sguardo.

Ascolta e guarda il racconto sulla Pinacoteca di Barbara Yatta e il proseguimento dell'escursione

Il lunedì molti musei di Mosca sono chiusi. Ma questo non significa che il pubblico non abbia l'opportunità di conoscere la bellezza. Soprattutto per il primo giorno della settimana, i redattori del sito hanno lanciato la sezione “10 Unknown”, in cui vi presentiamo dieci opere d'arte mondiale provenienti dalla collezione dei musei di Mosca, unite da un tema. Stampa la nostra guida e sentiti libero di portarla al museo.

Alla Galleria Tretyakov è stata inaugurata la mostra "Roma Aeterna. Capolavori della Pinacoteca Vaticana". La mostra comprende opere di Giovanni Bellini, Melozzo da Forlì, Perugino, Raffaello, Caravaggio, Guido Reni, Guercino, Nicolas Poussin - per un totale di 42 opere sulle 460 conservate nella collezione. La maggior parte di loro non ha mai lasciato le mura della città eterna e sono sconosciuti al grande pubblico.

Raffaello "Fede" e "Carità", 1507

Galleria fotografica

Per la prima volta i Musei Vaticani mostrano in Russia la parte migliore della loro collezione: capolavori dei secoli XII-XVIII. E per la prima volta la Pinacoteca ha portato 42 opere su 460, un decimo della collezione. Nel 2017, la Galleria Tretyakov esporrà in Vaticano alcuni dei migliori capolavori dell'arte religiosa russa. Questo scambio culturale dovrebbe rivelare quanto siano vicine la pittura europea e quella russa.

L'intera mostra ha occupato tre sale dell'Engineering Building. L'opera centrale fu scelta come due piccole opere a grisaglia (monocrome) che facevano parte della composizione della pala d'altare Baglioni nella chiesa di San Francesco al Prato a Perugia. “Vera” è una figura femminile con un calice (attributo religioso) in mano, circondata da putti o, in altre parole, piccoli angeli. Nelle loro mani ci sono monogrammi: le iniziali di Gesù. E Mercy è una madre che abbraccia i suoi bambini. Putti a destra tiene sulle spalle un calderone con il fuoco, antico simbolo di pace, che fa riferimento alla storia dei Giochi Olimpici. Un simile legame con l'antichità per gli artisti del Rinascimento e delle epoche successive non fu un caso: anche nell'arte religiosa cristiana, i maestri trovarono parallelismi con la cultura degli antichi romani e greci.

La terza immagine dell'altare era l'immagine della “Speranza”. Queste tre piccole opere, così come la composizione “Deposizione”, divennero la prima grande commissione di Raffaello e gli procurarono immediatamente successo e riconoscimento.

Michelangelo Merisi, soprannominato "Deposizione" da Caravaggio, 1603-1604 circa

L'opera più significativa e probabilmente famosa della mostra è la “Deposizione” di Caravaggio. L'artista è diventato il principale innovatore della sua generazione. le figure brillantemente illuminate dei suoi eroi sfondano l'oscurità circostante, creando un'incredibile intensità drammatica emotiva in ogni opera. L'iconografia della trama della “Deposizione” è molto insolita: questa scena non è mai stata rappresentata da una tale prospettiva.

È interessante notare che Caravaggio non ha mai raffigurato i suoi santi con l'aureola, come era consuetudine: i suoi modelli erano poveri e vagabondi che trovava per le strade e nelle taverne, e non modellisti professionisti. Ma i loro volti esprimevano sempre ciò di cui l'artista aveva bisogno, tutte le difficoltà e le vite si riflettevano nei loro lineamenti grandi, nelle rughe profonde o nei capelli arruffati. Caravaggio non ha mai ammesso dettagli casuali: sembra che la mano di Cristo sia libera e abbassata, e il gesto delle sue dita sia casuale. Tuttavia, lo spettatore vede esattamente tre dita, il che indica che Cristo trascorrerà tre giorni nella tomba.

Nicolas Poussin "Il martirio di Sant'Erasmo", 1628

Il dipinto "Il martirio di Sant'Erasmo" divenne la prima grande commissione di Poussin a Roma. Era destinato ad una delle cappelle della Basilica di San Pietro, la cui costruzione era appena stata completata. Una scena così crudele con lo squarcio dell'addome e l'avvolgimento degli intestini attorno al colletto stupì i contemporanei con il suo naturalismo, tuttavia corrispondeva all'accuratezza della trama biblica. Poussin divenne uno dei principali artisti del classicismo, antagonista della pittura barocca di Caravaggio e dei suoi seguaci. Non è quindi un caso che in mostra i dipinti si trovino uno di fronte all'altro. Diventa quindi evidente che il dramma di Poussin non è in alcun modo inferiore all’intensità emotiva di Caravaggio, sebbene gli artisti siano arrivati ​​​​a questo effetto in modi completamente diversi.

Giovanni Bellini "Compianto di Cristo con Giuseppe d'Arimatea, Nicodemo e Maria Maddalena", 1471–1474 circa

Bellini fu il più grande artista della scuola di pittura veneziana del XV secolo. Contemporaneo o addirittura predecessore di Raffaello e Leonardo, non fu loro in alcun modo inferiore nella perfezione della sua arte. Fu uno dei primi in Italia a dipingere ad olio, tecnica portata a Venezia da artisti olandesi, e nella sua pittura stessa si avvertono note del Rinascimento settentrionale: la chiarezza delle linee e la raffinatezza delle proporzioni anticipano le immagini degli autori nordici . La composizione complessa, la prospettiva, l'enfasi sui gesti e l'enfatizzata eleganza delle mani stupirono i suoi contemporanei.

Paolo Cagliari, detto Paolo Veronese "La visione di Sant'Elena", 1575-1580 circa

Veronese è un altro rappresentante della scuola veneziana. Il santo è raffigurato con un abito lussuoso nello spirito della moda del XVI secolo. Secondo la leggenda, un angelo apparve ad Elena e le disse di andare a Roma alla ricerca della croce di Gesù. Di solito questa trama veniva rappresentata in modo diverso: Elena veniva presentata come leader degli operai che dissotterravano la croce. Veronese la descrive addormentata, con un angelo che tiene tra le mani una croce. Gli storici dell’arte ritengono che la modella dell’artista fosse sua moglie.

Guido Reni "San Matteo e l'angelo", 1620 circa

La mostra presenta due opere di Guido Reni. L’immagine di San Matteo con un angelo è indicativa dell’opera di Reni nel suo complesso: i suoi ritratti di santi, realizzati con contrasti di luci e ombre caravaggiste, costavano molto ed erano estremamente popolari. Come Caravaggio, dipinge i suoi santi non come santi calmi e imparziali, ma come personaggi viventi ed emotivi. Matteo è raffigurato nel momento della creazione del Vangelo, il cui testo scrive dietro un angelo.

Melozzo da Forlì "Angeli della Musica". Affreschi della Chiesa dei Santi Apostoli, 1480

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Melozzo divenne il fondatore della scuola di pittura romana, fiorita nei secoli XVI-XVII. Gli Angeli Musicali di Forlì sono diventati uno dei principali brand turistici del Vaticano. Le loro immagini si trovano ovunque, dai souvenir ai simboli ufficiali. Questo affresco si trovava nella chiesa romana dei Santi Apostoli e ne decorava la cupola. L'immagine serviva come incarnazione del concetto di “musica del cielo” e glorificazione del Signore, citazioni dalla Bibbia: “Lodino il Suo nome con le facce sul timpano e sull'arpa, e cantino a Lui, perché il Signore si diletta in Il suo popolo, glorificando i pacifici con la salvezza”.

Antonio Allegri, detto il Correggio, "Cristo in gloria"

Una tale immagine di Cristo era rara per la tradizione pittorica italiana, ma si trovava spesso nelle icone bizantine. Pertanto, l'immagine sembra così simile alle antiche icone russe, che divennero una continuazione delle tradizioni bizantine: la frontalità della composizione, lo sfondo dorato, la posizione stessa del corpo di Cristo - tutto questo può essere trovato nell'iconografia ortodossa. Durante la sua vita, la fama di Correggio era limitata alla sua città natale, Parma, ma oggi le sue opere rappresentano un'occasione unica per i ricercatori per tracciare il collegamento tra le tradizioni pittoriche orientali e occidentali del cristianesimo.

Donato Creti, Collana "Osservazioni Astronomiche"

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Un'insolita serie di dipinti raffiguranti osservazioni di tutti i pianeti del sistema solare allora conosciuti fu realizzata all'inizio del XVIII secolo come dono a Papa Clemente XI. Il conte Luigi Ferdinando Marsili sperava che dopo un simile regalo il Papa stanziasse dei soldi per la costruzione di un osservatorio a Bologna. Questa città, con una delle università più antiche d'Europa, era già considerata il centro dell'Illuminismo e della cultura. Allo stesso tempo, il suo contesto filosofico naturale è molto diverso dall'intera serie di opere religiose presentate in mostra, e l'atmosfera della pittura di “festività galanti” collega queste opere con l'arte francese dell'epoca di Luigi XIV. Ecco perché per la serie Creti viene assegnata una stanza separata.

Giovanni Francesco Barbieri (Guercino) "L'incredulità di San Tommaso"

Nella mostra "Roma Aeterna" si possono vedere due opere del Guercino: "La Maddalena penitente" e "L'incredulità di San Tommaso". Entrambi erano estremamente popolari nell'arte del Rinascimento e in epoche successive. I dipinti dipinti su questo argomento da diversi artisti si distinguevano per vari gradi di drammaticità: alcuni maestri raffiguravano Tommaso con le dita profondamente immerse nella ferita di Cristo, grazie alla quale ottenevano nello spettatore una sensazione incredibilmente vivida, quasi fisica. Guercino prende una strada diversa: il suo gesto di Tommaso non è così ardito: il dramma è raggiunto grazie ai contrasti luce-ombra e agli accostamenti delle vesti rosso sangue e blu intenso dei santi. Ciò non sorprende, perché Guercino è considerato uno dei migliori coloristi della scuola bolognese del XVII secolo.