Ogni persona si rende conto che la medicina e l'istruzione hanno un potente impatto su di noi. Dipendiamo direttamente da questi ambiti della vita. Ma pochi ammetterebbero che l’arte abbia un’influenza altrettanto importante. Tuttavia è così. È difficile sopravvalutare l’importanza dell’arte nella nostra vita.
Cos'è l'arte?
Ci sono molte definizioni in vari dizionari. Da qualche parte scrivono che l'arte è un'immagine (o il processo per crearla) che esprime la visione del mondo dell'artista. A volte una persona non può esprimere a parole ciò che può disegnare.
In un'altra interpretazione, questo è il processo di creatività, creare qualcosa. Realizzazione della necessità di rendere il mondo un po’ più bello.
L’arte è anche un modo di comprendere il mondo. Ad esempio, per un bambino che, disegnando o cantando canzoni, ricorda nuove parole.
D'altra parte, è un processo sociale di interazione umana con la società e con se stesso. Questo concetto è così ambiguo che è impossibile dire in quale parte della nostra vita è presente e in quale no. Consideriamo gli argomenti: l'influenza dell'arte su una persona è evidente nella sfera spirituale della nostra vita. Dopotutto, è sotto la sua influenza che si forma ciò che chiamiamo moralità ed educazione.
Tipi di arte e la loro influenza sulla vita umana
Qual è la prima cosa che ti viene in mente? Pittura? Musica? Balletto? Tutto questo è arte, come la fotografia, il circo, le arti decorative, la scultura, l'architettura, il pop e il teatro. L'elenco può ancora essere ampliato. Con ogni decennio, i generi si sviluppano e se ne aggiungono di nuovi, poiché l'umanità non si ferma.
Ecco uno degli argomenti: l'influenza dell'arte sulla vita di una persona si esprime nell'amore per le fiabe. Una delle forme più influenti è la letteratura. La lettura ci circonda fin dall’infanzia. Quando siamo molto piccoli, la mamma ci legge le favole. A ragazze e ragazzi vengono insegnate le regole di comportamento e il tipo di pensiero usando l'esempio di eroine ed eroi delle fiabe. Nelle fiabe impariamo cosa è bene e cosa è male. Alla fine di tali opere c'è una morale che ci insegna cosa fare.
A scuola e all'università leggiamo opere obbligatorie di autori classici, che contengono pensieri più complessi. Qui i personaggi ci fanno riflettere e ci fanno domande. Ogni direzione artistica persegue i propri obiettivi, sono molto diversi.
Funzioni dell'arte: argomenti aggiuntivi
L'influenza dell'arte su una persona è vasta, ha varie funzioni e scopi. Uno degli obiettivi principali è educativo.La stessa morale alla fine della fiaba. La funzione estetica è evidente: le opere d'arte sono belle e sviluppano il gusto. Accanto a questa c'è la funzione edonica: portare piacere. Alcune opere letterarie hanno spesso una funzione predittiva; ricordiamo i fratelli Strugatsky e i loro romanzi di fantascienza. Un'altra funzione molto importante è quella compensativa. Dalla parola “compensazione”, quando la realtà artistica sostituisce per noi quella principale. Qui parliamo spesso di traumi mentali o di difficoltà di vita. Quando accendiamo la nostra musica preferita per dimenticare noi stessi, o andiamo al cinema per scappare da pensieri spiacevoli.
O un altro argomento: l'influenza dell'arte su una persona attraverso la musica. Ascoltando una canzone simbolica per se stessi, qualcuno potrebbe decidere di compiere un'azione importante. Se ci allontaniamo dal significato accademico, l’influenza dell’arte sulla vita di una persona è molto grande. Dà ispirazione. Quando un uomo vedeva un bellissimo dipinto ad una mostra, tornava a casa e iniziava a dipingere.
Consideriamo un altro argomento: l'influenza dell'arte su una persona può essere vista nel modo in cui i prodotti fatti a mano si stanno sviluppando attivamente. Le persone non sono solo intrise di un senso di bellezza, ma sono anche pronte a creare capolavori con le proprie mani. Vari settori della body art e dei tatuaggi: il desiderio di creare un'opera d'arte sulla tua pelle.
L'arte intorno a noi
Qualcuno ha mai pensato, decorando il proprio appartamento e pensando al design, che in questo momento si può notare l'influenza dell'arte su di sé? Realizzare mobili o accessori fa parte delle arti e dei mestieri. Selezione di colori, forme armoniose ed ergonomia dello spazio: questo è esattamente ciò che studiano i designer. O un altro esempio: quando sceglievi un vestito in un negozio, hai dato la preferenza a quello tagliato e pensato correttamente dallo stilista. Allo stesso tempo, le case di moda non sono modeste, cercano di influenzare la tua scelta con video pubblicitari luminosi.Anche il video fa parte dell'arte. Cioè, mentre guardiamo la pubblicità, anche noi siamo sotto la sua influenza. Anche questo è un argomento: l'influenza della vera arte su una persona si rivela tuttavia nelle sfere più elevate. Consideriamoli anche noi.
L'influenza dell'arte sull'uomo: argomenti dalla letteratura
La letteratura ci influenza infinitamente. Ricordiamo come nella brillante opera di Leone Tolstoj "Guerra e pace" Natasha Rostova ha cantato per suo fratello e lo ha guarito dalla disperazione.
Un altro elegante esempio di come la pittura possa salvare una vita è stato descritto da O. Henry nel racconto “L’ultima foglia”. La ragazza malata decise che sarebbe morta quando l'ultima foglia d'edera fosse caduta fuori dalla sua finestra. Non aspettò il suo ultimo giorno, poiché la foglia fu disegnata per lei sul muro da un artista.
Un altro esempio dell'influenza dell'arte su una persona (gli argomenti della letteratura sono molto rivelatori) è il personaggio principale dell'opera "Smile" di Ray Bradbury, che salva il dipinto con Monna Lisa, credendo nel suo grande significato. Bradbury ha scritto molto sul potere della creatività, sostenendo che solo leggendo libri una persona può istruirsi.
L’immagine di un bambino con un libro in mano perseguita molti artisti, in particolare ci sono diversi meravigliosi dipinti con lo stesso titolo “Ragazzo con un libro”.
La giusta influenza
Come ogni influenza, anche l'arte può essere negativa e positiva. Alcune opere moderne sono deprimenti e non trasmettono molto estetismo. Non tutti i film insegnano cose buone. Dobbiamo prestare particolare attenzione ai contenuti che influenzano i nostri figli. La corretta selezione delle cose che ci circondano, della musica, dei film e persino dei vestiti ci fornirà il buon umore e instillerà il gusto giusto.
L'arte è emersa quasi immediatamente dopo l'avvento dell'umanità e nel corso dei secoli sono state create molte delle più grandi opere di pittura, scultura e altri campi artistici. Quale di loro sia considerato il migliore è una questione molto controversa, perché anche gli esperti non sono d'accordo su questo argomento. Oggi proveremo a stilare un elenco delle dieci opere d'arte più famose di tutti i tempi.
10 FOTO
1. “Notte stellata”, Van Gogh.
Un dipinto dipinto dall'artista olandese Vincent van Gogh nel 1889. L'ispirazione per quest'opera d'arte è stata il cielo notturno che ha osservato dalla finestra della sua stanza all'orfanotrofio di St. Paul.
2. Disegni nella grotta Chauvet. Pitture rupestri preistoriche di animali create circa 30mila anni fa. La grotta Chauvet si trova nel sud della Francia.
3. Statue Moai. Statue monolitiche in pietra situate sull'Isola di Pasqua nell'Oceano Pacifico. Si ritiene che le statue siano state create dagli aborigeni dell'isola tra il 1250 e il 1500 d.C.
4. “Il Pensatore”, Rodin. L'opera più famosa dello scultore francese Auguste Rodin, realizzata nel 1880.
5. “L'Ultima Cena”, da Vinci. Questo dipinto, dipinto da Leonardo da Vinci tra il 1494 e il 1498, raffigura la scena dell'ultimo pasto di Gesù con i suoi discepoli come descritto nel vangelo biblico di Giovanni.
6. “La Creazione di Adamo” di Michelangelo. Uno degli affreschi più famosi di Michelangelo si trova nella Cappella Sistina del Palazzo Apostolico in Vaticano. L'affresco illustra il racconto della creazione di Adamo tratto dal libro biblico della Genesi.
7. “Venere di Milo”, autore sconosciuto. Una delle più famose sculture dell'antica Grecia, creata tra il 130 e il 100 a.C. La scultura in marmo fu scoperta nel 1820 sull'isola di Milos.
8. “La Nascita di Venere” di Botticelli. Il dipinto, dipinto dall'artista italiano Sandro Botticelli, raffigura la scena della dea Venere che emerge dal mare. Il dipinto è nella Galleria degli Uffizi a Firenze, Italia. 
10. “Mona Lisa”, da Vinci.
Capolavoro di Leonardo da Vinci, realizzato approssimativamente tra il 1503 e il 1506. Il dipinto è nel Museo del Louvre a Parigi.
Le antiche forme di esplorazione del mondo erano basate sul sincretismo. Per molto tempo i confini delle arti non furono chiaramente definiti. Gli antichi poeti descrivevano le statue con ispirazione. A poco a poco si arriva alla comprensione della necessità di distinguere tra mezzi artistici e immagini caratteristiche delle diverse arti.
I pensatori del passato hanno discusso attivamente e senza conflitti il problema di quale arte debba avere il primato nella riproduzione fedele della vita.
L’estetista tedesco G. E. Lessing in “Laocoonte” difende l’idea della necessità di distinguere tra le arti e delinea un sistema della loro classificazione. La caratteristica principale della differenza è il determinismo spaziotemporale. Confrontando poesia e pittura, G. E. Lessing sottolinea: "... la sequenza temporale è il dominio del poeta, lo spazio è il dominio del pittore...", "i corpi con le loro proprietà visibili... costituiscono il soggetto della pittura", “le azioni costituiscono il soggetto della poesia”. Lo sviluppo del cinema e della televisione ha apportato modifiche al rapporto tra le arti. L'esempio del cinema e della televisione dimostra l'interazione diretta tra letteratura, musica e arti visive. XX secolo dimostra chiaramente l'espansione dei confini delle arti che hanno una lunga storia.
Letteratura e pittura
La cultura dell'antichità è segnata dall'unità di parola e immagine: la parola era immagine e l'immagine era parola.
Con l’evoluzione del pensiero astratto, la parola si è emancipata dall’immagine. Quando si sviluppavano concetti su fenomeni e oggetti, una persona aveva bisogno della loro descrizione. Lo sviluppo della coscienza e della creatività ha separato il disegno dal suo equivalente verbale.
L'espansione della sfera dell'esperienza pratica e artistica ha portato al fatto che parole e immagini non si duplicano più. L'immagine cessa di essere l'unico modo per oggettivare il pensiero umano. La parola rivela la capacità di trasmettere sfumature più sottili di pensiero e sentimento.
Il linguaggio delle immagini è la più accessibile di tutte le forme di informazione. Per molti secoli il legame tra parola e immagine è stato molto stretto. Gli artisti spesso cercavano di raggiungere le capacità espressive delle parole nei loro dipinti. La prima pittura gravitò a lungo verso la narrativa. L'artista gareggiava con lo scrittore, il quale, a sua volta, gareggiava con il pittore nel descrivere accuratamente l'aspetto delle persone.
Quasi tutte le arti, ad eccezione dell'architettura e della musica, partecipano all'interazione di parole e immagini. Nel processo di sviluppo storico, sono sorti conflitti tra poesia e pittura riguardo al loro primato. Leonardo da Vinci, nel suo saggio “La disputa del pittore con il poeta, musicista e scultore”, rifletteva la controversia tra sostenitori della letteratura e rappresentanti delle belle arti: “Se chiami la pittura poesia silenziosa, allora anche il pittore può dire che la poesia è pittura cieca. Ora vediamo chi è il mostro più storpio: cieco o muto?
Tradizionalmente, la descrizione di un capolavoro letterario non è completa senza un'analogia attraente: l'abilità verbale veniva paragonata al talento di un pittore, la parola ai colori. Questo confronto risale all'era del sentimentalismo.
La non casualità di tali confronti è spiegata dalle specificità dell'immagine artistica. Per molti secoli è rimasta forse la categoria più tradizionale, intesa come espressione visiva del concetto di natura visivamente definita di un oggetto o fenomeno.
L'opposizione tra pittura e letteratura è stata costantemente sottolineata da G. E. Lessing: "Da dove viene la differenza tra immagini poetiche e materiali? Dalla differenza nei segni usati dalla pittura e dalla poesia. La prima usa segni naturali nello spazio, la seconda usa segni arbitrari" segni nel tempo...”
Epoche diverse passano sotto gli auspici di un'arte o di un'altra. L'antichità fu segnata dalla fioritura dell'architettura e della scultura. Nel Rinascimento trionfa la pittura. L'invenzione del libro ha apportato modifiche al problema del rapporto tra parole e colori. L'incisione del libro che accompagnava il testo letterario esaltava il contenuto sensoriale concreto dell'immagine verbale e lo rendeva più chiaro. Nei tempi moderni, l'arte delle parole utilizza sempre meno l'arsenale dei mezzi pittorici.
Un'immagine letteraria viene creata con l'aiuto delle parole. Lo scopo della pittura è quello di essere una forma visibile del mondo reale. Nei tempi moderni, l’arte delle parole è diventata dominante. Nel frattempo, non importa quanti rimproveri si possano sentire contro la poesia descrittiva “paesaggistica”, il rammarico degli scrittori per le limitate possibilità delle parole si sente ancora nelle opere romantiche. La pittura, in molte delle sue decisioni, continua a rimanere fedele ai soggetti letterari.
La letteratura del sentimentalismo e del romanticismo propone l'idea della necessità di sincretismo delle arti e comincia a difendere con passione la fede nell'indivisibilità delle parole e dei colori.
L'immagine letteraria non si riduce alla rappresentazione diretta. La parola artistica dello scrittore è fonte di impressioni e mira alla co-creazione, quando l’immaginazione del lettore completa ciò che ha letto. Sono note descrizioni verbali che sono così intense nella pittoresca contenuta in esse che le immagini letterarie create incoraggiano la concretizzazione visiva di ciò che è scritto. I paesaggi verbali di I. S. Turgenev sono buoni esempi.
La letteratura rimane una fonte affidabile di soggetti mitologici e storici per i dipinti. Gli artisti illustrano le trame dei libri con particolare emotività. Nei dipinti di V. M. Vasnetsov e M. A. Vrubel, la realtà artistica dei soggetti letterari ha acquisito forme visibili.
La “pittura delle parole” è associata al problema del rapporto tra immagini verbali e visive. Il lavoro di I. I. Levitan è libero dall'elemento narrativo. E i dipinti di Salvador Dalì, che trasmettono la frammentazione dei pensieri umani, sono caratterizzati dalla qualità letteraria.
Tuttavia non bisogna illudersi che l’idea di unificare le arti sia esente da conflitti. Gli impressionisti, ad esempio, combatterono disperatamente contro ogni tentativo di penetrare la letteratura nella pittura. Al contrario, sono diffuse le teorie secondo le quali tutti i tipi di attività creativa un giorno si uniranno. R. Wagner e A. N. Scriabin hanno espresso l'idea dell'inevitabilità di una grande sintesi dell'estetica artistica.
XX secolo crea opere in cui la fonte narrativa (letteraria) cessa di essere la base del conflitto pittorico.
La pittura inutile sembrava distruggere la connessione tra il libro e il dipinto. Tuttavia, è difficile trovare un argomento di discussione più ampio del collegamento tra letteratura e arti visive. La scrittura associativa ("nota della coscienza") rivela intersezioni convincenti con la pittura astratta. Il libro e il dipinto interpretano visivamente le idee caotiche dell’uomo su se stesso e sul mondo.
Letteratura e pittura nelle sperimentazioni del Novecento. abbandonano l'illustratività, l'idea della determinazione del pensiero da parte dell'ambiente o degli eventi. La riproduzione certosina di oggetti e fenomeni, caratteristica dei periodi classici dell'arte, lascia il posto a un'attenzione volutamente ipertrofica per la disintegrazione delle connessioni tra uomo e realtà. Le idee della cultura classica sulla logica armoniosa del tempo e dello spazio verbale e pittorico sono soggette a revisione.
I modernisti più radicali cercano di ridurre la letteratura alle parole, la pittura ai colori, la musica ai suoni. È un errore identificare la materia artistica e l'arte, così come vedere in questo la differenza tra le arti.
Il pensiero estetico del XX secolo, basato sullo stile sintetico del cinema, afferma l'idea della nascita di un “nuovo sincretismo”, tuttavia, la ricerca nel campo della creatività artistica segnala la fretta di pensare all'acquisizione un “linguaggio assoluto”, che porta a confondere i confini tra le arti. Il problema è più ampio ed è connesso alle specificità del materiale, alle possibilità del linguaggio di ciascuna arte e ai modi di influenzare il lettore e lo spettatore.
Da qualche tempo si è diffusa l’idea che l’attività creativa si concentri ai confini delle arti. Scrittori, artisti, musicisti distruggono i confini del consueto e trovano nuove soluzioni nelle terre di confine.
Sembra che il cinema abbia maggiori potenzialità rispetto alla pittura e alla letteratura. I vantaggi del linguaggio visivo (pittura e cinema) risiedono nella sua accessibilità. L'uomo moderno vive in un sistema di segni pittorici che invertono il sistema comunicativo. Tuttavia, il potenziale della letteratura non dovrebbe essere ignorato. La creatività verbale incoraggia una riflessione ponderata e senza fretta dell'esperienza umana e una scrupolosa autointerpretazione. Forse la cosa più preziosa della letteratura è che insegna al lettore a pensare e a trovare un linguaggio per esprimersi.
Letteratura e musica
Di tutti i generi letterari, la poesia lirica è quella più vicina alla musica. La musica e i testi nei tempi antichi erano percepiti come un tutt'uno. Questo sincretismo è in parte ereditato dalla poesia della New Age.
Si possono notare le somiglianze tra musica e testi a livello di percezione dell'esperienza di vita, che evoca nell'ascoltatore un insieme di impressioni e ricordi simili associati ad eventi reali. Anche la categoria tematica utilizzata in entrambi i casi avvicina musica e letteratura. Eppure i tentativi di identificare le arti sono insostenibili. Hanno diversi mezzi per creare un'immagine: nella letteratura - la parola, nella musica - il suono. Tradurre la musica nel linguaggio della letteratura implica la sua oggettivazione e il suo attaccamento alla situazione.
La parola poetica, entrando nella sfera della musica, perde la sua concretezza; la percezione di una creazione musicale avviene al di fuori delle associazioni visive. L'udito è l'unico strumento per percepire un brano musicale. Uno degli scopi della poesia è rappresentare ed esprimere un'esperienza attraverso similitudine, allusione o descrizione. Compito della musica è offrire l'immediata significatività di un'esperienza, la sua durata e universalità emotiva nel suono.
La differenza tra musica e letteratura sta nel fatto che la parola nomina un sentimento, e la musica esprime un sentimento come rivelazione diretta, aggirando l'evidenza mentale e gli argomenti razionali.
La musica è spesso usata per caratterizzare indirettamente i personaggi letterari. L'inclusione di spartiti musicali nei testi letterari li rende uno strumento avvincente di analisi psicologica di personaggi e circostanze. Questa tecnica è stata utilizzata da L. N. Tolstoy ("La Sonata a Kreutzer") e A. I. Kuprin ("Il braccialetto di granati").
Uno di quelli tradizionali è diventato il confronto tra opere musicali e letterarie: una melodia con una trama, una sinfonia con un romanzo. Molti compositori sono stati ispirati da opere letterarie.
I romantici dichiaravano la musica “il linguaggio misterioso della natura espresso in suoni”, “la più romantica di tutte le arti, poiché il suo soggetto è l’infinito”. Il principio musicale permea il tessuto narrativo delle opere di E. T. A. Hoffmann. Il paesaggio di Hoffmann rappresenta un'immagine dettagliata della musica, in contrasto con le "visioni quotidiane" dei filistei illuminati. F. Stendhal ha sostenuto che sperimentando il piacere musicale, una persona impara il potere della passione. Se la parola nomina soltanto un sentimento, allora la musica esprime una sensazione ancora inconscia e agisce sull'ascoltatore come una rivelazione diretta. Grazie a ciò, la musica riproduce ciò che è inaccessibile alle parole.
L'atteggiamento nei confronti della musica come mondo irreale e sublime è stato filosoficamente giustificato da S. Kierkegaard e A. Schopenhauer. In letteratura, i suoni musicali sono paragonati a una “biblioteca di sensazioni”: le melodie ascoltate molto tempo fa riportano una persona nel mondo delle esperienze.
La tendenza dominante nella letteratura e nell'arte della seconda metà del XIX secolo fu metodo critico realismo, il cui principio fondamentale era una riflessione veritiera della realtà e la comprensione dei fenomeni rappresentati dal punto di vista della loro conformità al progresso sociale. N. Chernyshevsky e i suoi seguaci si sono posti il compito non solo di una riflessione veritiera, ma anche critica della realtà, identificando i vizi della società, a volte anche contrari ai requisiti estetici dell'opera. Tali estremi portarono al conflitto tra gli intellettuali e ad una disputa sul ruolo e il posto dell’arte nella vita pubblica.
Finzione
Enorme portata sociale, spirito offensivo, accusatorio e appello a problemi di attualità: questo è ciò che ha definito la letteratura del periodo post-riforma. La letteratura russa si è distinta non solo per il suo atteggiamento critico nei confronti della realtà, ma ha smascherato il male, ha cercato modi per combatterlo e ha svolto una missione di trasformazione sociale. La completezza ideologica, la profonda penetrazione nei fenomeni della vita, il rifiuto dell'ingiustizia e la ricchezza dell'incarnazione artistica delle opere letterarie hanno determinato il ruolo guida della letteratura nello sviluppo di altri tipi di arte.
In termini di grado di influenza sulla società russa, la letteratura ha occupato il primo posto. Rifletteva diversi aspetti della vita pubblica e contribuiva allo sviluppo della coscienza sociale. La letteratura russa ha sempre agito come maestra, predicando le idee del bene, cercando le cause del male e i modi per correggere e trasformare la realtà sociale. I processi socio-politici che si verificarono in Russia nel XIX secolo modellarono l'umore della società, determinarono lo stato della letteratura, in cui ebbe luogo il processo di formazione di nuove tendenze e stili. I sentimenti democratici e liberali-borghesi contribuirono ad aggravare la disputa sul monarchismo e sulla democrazia in Russia. Una tale lotta ideologica portò alla demarcazione della società, che si rifletté immediatamente nella letteratura. Durante questo periodo la censura si intensificò, la critica si intensificò, l'intellighenzia si isolò sui propri problemi e la alienò ancora di più dal popolo, quindi, nella letteratura degli ultimi anni del XIX secolo. Apparivano chiaramente il pessimismo, i sentimenti decadenti, gli appelli rivoluzionari e il tolstoismo. La letteratura russa giustificava pienamente il suo scopo: essere una tribuna per la società. La democratizzazione della vita pubblica ha portato all'emergere di un nuovo tipo di scrittore: lo scrittore comune, vicino alle masse. Nella seconda metà del XIX secolo. la letteratura abbondava in vari generi. Particolarmente popolari erano storie e romanzi sociali e filosofici, giornalismo, opere satiriche, poesia civica e opere drammatiche. Apparve un nuovo eroe letterario - un'immagine idealizzata di un rivoluzionario e una nuova direzione - la democrazia popolare, che prestava attenzione al destino della gente comune, dei contadini. Parallelamente ad essa, continuò a svilupparsi la letteratura classica, ora chiamata il “fondo d'oro”.
Nella seconda metà del XIX secolo. e il primo decennio del XX secolo. spiega la creatività del genio del pensiero e delle parole L.N. Tolstoj (1828-1910), che creò capolavori come il racconto “Infanzia. Adolescenza. Gioventù", "Hadji Murat", "La morte di Ivan Ilyich", "La Sonata a Kreutzer", romanzi "Guerra e pace", "Anna Karenina", "Domenica", drammi "Il potere dell'oscurità", "Frutti dell'illuminazione ”, “Il cadavere vivente” "ecc.
Il brillante scrittore F.M. Dostoevskij (1821-1881) ha arricchito la cultura mondiale con opere che, in termini di abilità e profondità di pensiero, stanno accanto alle opere di William Shakespeare. Il suo romanzo "Poor People", le opere "Double", "White Nights", "Netochka Neznamova" si distinguono per il profondo psicologismo, l'originalità dei personaggi e delle circostanze e l'appello alla sofferenza delle persone del popolo. Negli anni '60 -'70. Dostoevskij creò le sue opere più importanti: "L'umiliato e l'insultato", "Delitto e castigo", "L'idiota", "Demoni", "L'adolescente", "I fratelli Karamazov", che riflettevano le acute contraddizioni della realtà e della società sociale movimento in un'era critica per lo sviluppo della Russia. L'essenza umanistica del realismo di Dostoevskij ha avuto e ha un enorme impatto sulla letteratura russa e mondiale; milioni di lettori si rivolgono alle sue opere.
Un contemporaneo più giovane di L.N. Tolstoj e F.M. Dostoevskij era N.S. Leskov (1831-1895) - un artista che seppe mostrare in modo sorprendentemente sottile e profondamente veritiero la grandezza del carattere russo e l'amaro destino di una persona di talento in Russia ("Lady Macbeth di Mtsensk", "Guerriero", "Nowhere to Go”, “Outlooked”, “At Knives”", "L'uomo misterioso", "Risate e guai", "Lefty", "Il viandante incantato").
Entro gli anni '80. si riferisce all'inizio del lavoro di A.P. Cechov (1860-1904). Il pensiero della tragedia di una persona schiacciata dalla quotidianità borghese, l'esposizione della volgarità, le chiacchiere intellettuali, il riflesso della vita triste delle “piccole” persone e la fiducia nella fattibilità di cambiamenti positivi hanno determinato le caratteristiche di A.P.' s storie, romanzi e opere teatrali. Cechov ("I racconti di Melpomene", "Storie eterogenee", "Steppa", "Una storia noiosa", "Reparto n. 6", "Il gabbiano", "Tre sorelle", "Zio Vanja", "Il giardino dei ciliegi" ).
Negli anni '80 V.G. iniziò la sua attività letteraria. Korolenko (1853-1921), scrittore democratico. Le storie e le storie ("Il sogno di Makar", "The River Plays", "The Blind Musician", "Children of the Dungeon", "Without Language") riflettono il desiderio di libertà e giustizia delle persone. Sono intrisi di idee democratiche e umanistiche.
Prosa di I.A. Bunin (1870-1953) sono immagini laconiche ed espressive di un villaggio russo affamato e impoverito, con le sue contraddizioni sociali, le proprietà terriere abbandonate e povere, i pensieri sul destino della Russia ("Sukhodol", "New Road", "Chernozem", " Villaggio”, “mele Antonov”, ecc.).
Maxim Gorky (1868-1936), che apprese presto la dura scuola di vita, piena di “abomini di piombo”, all'inizio della sua attività letteraria sviluppò le migliori tradizioni del romanticismo del XIX secolo. ("Makar Chudra", "Old Woman Izergil"), e in storie realistiche ("Konovalov", "The Orlov Spouses", "Chelkash") hanno mostrato sogni di giustizia e la protesta di un ribelle solitario.
A cavallo dei secoli (XIX e XX), anche l'opera di scrittori straordinari come V.V. era intrisa di realismo critico. Versaev, che rifletteva nelle sue opere la ricerca spirituale dell'intellighenzia in questo periodo (“Senza strada”, “Appunti di un dottore”); N.M. Garin-Mikhailovsky - la tetralogia “Temi dell'infanzia”, “Studenti del ginnasio”, “Studenti”, “Ingegneri” è dedicata anche al destino dell'intellighenzia russa. A.I. Kuprin nei suoi primi lavori ha mostrato la mancanza di libertà umana come un male sociale fatale ("Moloch"), le sue storie "Il duello" e "La fossa" sono intrise di critica sociale. D.N. Mamin-Sibiryak ha fornito immagini della vita mineraria negli Urali e in Siberia nei romanzi "I milioni di Privalov", "L'oro", "Il nido di montagna". Una rappresentazione veritiera della realtà, comprendendola dal punto di vista della sua conformità al progresso sociale, un'immagine progettata per aiutare le persone a comprendere questa realtà, la reattività alle questioni urgenti, il desiderio di vedere le persone libere e felici: questo è ciò che ha contraddistinto il lavoro degli scrittori realisti. La letteratura russa è rappresentata non solo dalle opere di scrittori russi: è multinazionale, tra cui ucraini, bielorussi, popoli baltici, georgiani, armeni, azeri, uzbeki, tartari, osseti, ebrei.
"La vera arte"
opzione 1
Vera arte - questa è la rappresentazione della realtà in immagini artistiche, una comprensione figurativa della realtà, parte della cultura spirituale, una fonte di conoscenza del mondo, il processo di espressione del mondo interiore di una persona in un'immagine. Questo è un libro di testo sulla vita, il desiderio di perfezione di una persona.
Il testo di K. G. Paustovsky parla della pittura, dei dipinti del famoso artista Pozhalostin, della loro influenza sulle persone. È in questo - nell'impatto positivo sull'anima di ognuno di noi - che si manifesta l'autenticità dell'arte. Per gli argomenti, vorrei rivolgermi al testo offertomi e all'esperienza di vita.
In secondo luogo, per confermare che anche la musica fa parte della vera arte, darò un esempio tratto dalla vita. Una volta ero al balletto "Lo Schiaccianoci" e soprattutto mi piaceva la musica con cui ballavano le ballerine. La melodia era così dolce che ad un certo punto ho pensato: questa non è la musica del balletto, ma della vita stessa. E il ballo in sé mi ha emozionato così tanto che mi sono reso conto che per quelle ore ero completamente immerso nel ballo, nella storia che le ballerine mi raccontavano, e non ero distratto da nulla.
Così, ho dimostrato che l'arte, cioè la vera arte, non è solo un riflesso del nostro mondo interiore, ma anche un libro di testo della vita, che ci permette di comprendere la realtà che ci circonda. Fa parte di noi.
opzione 2
Cos'è la vera arte? Secondo me la vera arte è un riflesso della realtà nella pittura, nel cinema, nella letteratura, nell'architettura e molto altro; È anche una fonte di conoscenza della realtà circostante e un processo di espressione del mondo interiore di una persona.
Vorrei ricordare lo scrittore inglese Charles Dickens e la sua opera “A Christmas Carol”. Charles aveva una vera arte: la capacità di scrivere. Il suo libro è molto istruttivo, ti fa riflettere sul tuo comportamento. Le sue "Storie di Natale" influenzano le opinioni degli altri. La raccolta è scritta in modo tale che vuoi rileggerla ancora e ancora.
Pertanto, ho dimostrato che la vera arte è un processo di rivelazione del mondo interiore di una persona, una fonte di conoscenza del mondo. Influisce sulle anime delle persone, rendendole più pulite, migliori, più gentili.
Opzione 3
Vera arte , secondo l'articolo "Dizionario esplicativo della lingua russa" di S.I. Ozhegova, è “una riflessione creativa, una riproduzione della realtà in immagini artistiche”. Ma è possibile determinare il significato di questa parola in una frase? Ovviamente no! L'arte è fascino e stregoneria! Questo è esattamente ciò di cui parla il testo di T. Tolstoj.
Una scelta morale, secondo me, è una decisione presa da una persona su quale sia la cosa giusta da fare in una determinata situazione. Si basa sul concetto di BENE e MALE ed è un indicatore degli atteggiamenti morali ed etici di una persona: la maggior parte delle persone agisce come gli consente la propria coscienza. Le scelte morali, secondo me, sono la vita stessa. Qualsiasi scelta dirige la vita di una persona in una certa direzione, che è in grado di cambiare. I governanti degli stati non possono evitare la scelta morale, quindi l'intera storia del mondo, tutta l'umanità si basa sulla moralità degli eletti. Ma la scelta morale personale non è meno importante: caratterizza la persona stessa, mostrando che tipo di persona è: buona o cattiva, amica o no... Esempi di scelta personale sono presenti nel testo di A. Aleksin e in una storia è successo a me.
Penso che, avendo fornito due argomentazioni, ho dimostrato la mia comprensione delle parole “scelta morale”. Sfortunatamente, non tutte le persone fanno la scelta giusta. Devi essere attento e giudizioso quando scegli la tua azione in una determinata situazione, quindi il mondo diventerà un posto molto migliore.