Il nostro tempo è caratterizzato da un rapido cambiamento dei cicli della moda. Un segno dello sviluppo della moda è il loro ricambio stagionale: primavera - estate e autunno - inverno. A questo proposito, stiamo assistendo a un rapido cambiamento delle tendenze della moda, alla formazione di nuove forme di abbigliamento. La fonte della conoscenza del cambiamento di forme e strutture è, prima di tutto, il costume storico, che si è formato e approvato per secoli. Il costume popolare è una proprietà integrale inestimabile della cultura del popolo, accumulata nel corso dei secoli. L'abbigliamento, che ha fatto molta strada nel suo sviluppo, è strettamente connesso con la storia e le visioni estetiche dei creatori. L'arte del costume moderno non può svilupparsi isolatamente dalle tradizioni popolari e nazionali. Senza uno studio approfondito delle tradizioni, lo sviluppo progressivo di qualsiasi tipo e genere di arte contemporanea è impossibile.

Il costume popolare non è solo un luminoso elemento originale della cultura, ma anche una sintesi di vari tipi di arte decorativa, che, fino alla metà del XX secolo, ha portato elementi tradizionali di taglio, ornamento, uso di materiali e decorazioni caratteristici dell'abbigliamento russo in passato.

La formazione delle caratteristiche di composizione, taglio e ornamento del costume russo è stata influenzata dall'ambiente geografico e dalle condizioni climatiche, dalla struttura economica e dal livello di sviluppo delle forze produttive. Fattori importanti sono stati i processi storici e sociali che hanno contribuito alla creazione di forme speciali di abbigliamento, il ruolo delle tradizioni culturali locali è stato significativo.

La camicia è giustamente considerata il tipo di abbigliamento più antico. Già nel VI sec. nel costume dei nostri antenati - gli slavi - occupava un posto di primo piano, e talvolta era l'unico capo di abbigliamento. La camicia da donna differiva da quella da uomo, infatti, solo per lunghezza e rifiniture più ricche.

La camicia, a quanto pare, deriva dalla parola "strofinare", che nella lingua degli antenati significava un pezzo, un pezzo di stoffa, ma allo stesso tempo serviva da nome dell'intero complesso. Un contadino, un cittadino e un nobile indossavano la stessa camicia nel taglio, la differenza era solo nella qualità del tessuto.

Il materiale più comune fino ad oggi rimane il lino. Nell'antica lingua russa c'erano due termini: "hlast" - "tela", "tlstyna" - tessuto non sbiancato e "carica" ​​​​- tela sbiancata per designare il materiale principale. Sin dai tempi antichi, le donne si sono occupate della filatura e della tessitura del lino. Credevano che solo buone mani femminili che non impugnassero armi potessero essere affidate alla fabbricazione di vestiti, il primo difensore dell'uomo. Quasi tutte le donne nelle famiglie rurali, e all'inizio nelle famiglie urbane, possedevano questo mestiere.

Le camicie più antiche erano cucite da un lungo lino piegato a metà sulle spalle. Inserti a cuneo, ottenuti tagliando in diagonale un rettangolo, venivano cuciti ai lati, allargando l'orlo. Quindi hanno tagliato la fessura del cancello e, al centro del petto. Pertanto, dopo la fine del taglio, non è rimasto un solo brandello in più.

La procedura per decorare una camicia si è sviluppata anche in epoca pagana ed è ancora rigorosamente osservata nel costume popolare: nell'antica Rus', perle, frammenti con pietre semipreziose e vetri colorati, costose trecce e cordoni servivano come decorazione per gli abiti della nobiltà. Gli abiti della maggior parte della popolazione erano tradizionalmente decorati con ricami a mano o tessitura a motivi geometrici. Strisce ornamentali, e in un secondo momento nastri, trecce, applicazioni di tessuti acquistati, pizzi colorati erano necessariamente posizionati lungo l'orlo, i bordi delle maniche, sulle spalle, lungo il collo e lungo l'incisione sul petto. Tale peculiare sistema di cordini protettivi, abbinato ad una cintura, obbligatoria per cingere qualsiasi camicia, secondo antiche credenze, proteggeva le parti vitali del corpo. Allo stesso tempo, gli ornamenti posti lungo i bordi degli abiti proteggevano anche le parti esposte del corpo dagli spiriti maligni.

Le camicie festive e cerimoniali indossate in determinati giorni erano particolarmente decorate. Quindi, il primo giorno di raccolta dell'erba, doveva uscire in "falciatura" con un'ampia striscia fantasia sull'orlo. Nel giorno della festa della mietitura si vestivano con una camicia "mietitura". Nell'ultima settimana prima del matrimonio, le ragazze indossavano una maglietta con 1 maniche molto lunghe, chiamata "killer". In esso, la sposa avrebbe dovuto piangere per paura dell'imminente vita familiare in una strana casa. Ma la camicia da sposa era giustamente considerata la più bella. Era ricamato con motivi multicolori, dove il posto principale era occupato dal rosso. La giovane moglie lo indossò per molti altri anni durante le principali festività e poi lo conservò con cura.

Nel costume nazionale russo, come nei costumi di altre nazionalità, esiste da molti secoli una regola non scritta: prestare maggiore attenzione all'abbigliamento femminile, poiché è principalmente progettato per proteggere la salute del capostipite della famiglia.

Nelle regioni meridionali, il taglio dritto delle camicie era più complesso, veniva eseguito con l'ausilio dei cosiddetti poliks - dettagli tagliati che collegavano la parte anteriore e posteriore lungo la linea delle spalle. Poliks potrebbe essere dritto e obliquo. Poliki rettangolari collegavano quattro pannelli di tela larghi 32-42 cm ciascuno. I polik obliqui (a forma di trapezio) erano collegati da un'ampia base con una manica, una stretta - con una fodera del collo. Entrambe le soluzioni costruttive sono state enfatizzate in modo decorativo.

Sarafan (persiano serapa, turco-tataro "dalla testa ai piedi") è il costume nazionale delle donne russe. Si indossa sopra una camicia con maniche a sbuffo. Se questo viene fatto attraverso la testa, sul petto vengono cuciti numerosi bottoni decorativi. Il prendisole può anche essere sbottonato davanti.

Sono noti diversi tipi di sarafan, la cui formazione del taglio e la decorazione sono state influenzate dalle caratteristiche della zona.

La sua forma più antica è obliqua sul giromanica o sulle spalline larghe. I pannelli anteriore e posteriore di questo prendisole erano collegati sui lati con zeppe aggiuntive. Il pannello dritto anteriore non aveva una cucitura centrale. Nella provincia di Tver era chiamato "kostolan", nelle regioni settentrionali - "gobbo".

Il prendisole nelle province nordoccidentali (Novgorod, Olonets, Pskov, ecc.) Aveva un taglio diverso. Era più chiuso, e quindi era soprannominato "shushun" o "gallo cedrone". I vecchi credenti indossavano tali prendisole.

Questo prendisole era cucito da un panno piegato sulle spalle, con zeppe smussate sui lati. Le maniche lunghe, spesso finte, venivano cucite sul retro.

Abito svasato con spacco sul davanti con bottoni e passanti.

Fu distribuito nel XIX secolo in tutte le province della Russia centrale. Nelle province di Yaroslavl e Tver era chiamato "feryaz", a Mosca - "Sayan", Smolensk - "sorokoklin". C'erano anche nomi del genere: "kumashnik", "blu". Questo prendisole è stato cucito come segue: due pannelli anteriori e un pannello posteriore erano dritti, sono stati cuciti dei cunei fortemente smussati, che hanno espanso i vestiti. L'incisione sul davanti era decorata con pizzo rosso, treccia, frangia, ecc. A volte l'incisione frontale veniva cucita e i bottoni e i passanti venivano lasciati come decorazione. A volte le ragazze cucivano tali prendisole con le cinghie.

Un prendisole dritto o rotondo veniva cucito da diversi tessuti diritti (da 4 a 7), il tessuto in eccesso veniva raccolto dall'alto in un piccolo assemblaggio e chiuso con un nastro o rifinitura stretto. Le cinghie corte strette sul retro sono state cucite insieme e davanti - separatamente. Le decorazioni sotto forma di ricami decorativi, trecce, ecc. Sono state realizzate lungo la parte inferiore e superiore del prendisole. Nelle province di Mosca e Vladimir, veniva chiamato pelliccia. Un tale prendisole era indossato da donne sia giovani che anziane. L'unica differenza era nel colore: i giovani cucivano prendisole con tessuti leggeri, i più grandi usavano colori scuri.

Un prendisole con un corpetto aderente è apparso tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo. ed era una specie di mezzo vestito. I suoi barili sono stati tagliati lungo un filo obliquo.

I prendisole da sposa erano particolarmente diversi. Nella provincia di Ryazan, ad esempio, la sposa si è sposata con un prendisole nero con una sciarpa bianca in testa, che di solito veniva indossata durante il lutto. Il primissimo giorno della loro vita insieme, la giovane donna è apparsa nel suo miglior prendisole, il più delle volte era di varie sfumature di rosso. Nelle province di Vologda e Kostroma, i prendisole cremisi blu-rosa erano cuciti con tessuti costosi. Erano decorati con oro filato, treccia, perle.

Condizioni di sviluppo storico, a partire dai secoli XII - XIII. determinò la divisione più caratteristica delle forme del costume russo in settentrionale e meridionale. Nei secoli XIII - XV. le regioni settentrionali (Vologda, Arkhangelsk, Veliky Ustyug, Novgorod, Vladimir, ecc.), a differenza di quelle meridionali, non furono devastate dalle incursioni nomadi. L'artigianato artistico si sviluppò intensamente qui, fiorì il commercio estero.

A partire dal XVIII sec. Il Nord si è rivelato distaccato dallo sviluppo di centri industriali e quindi ha preservato l'integrità della vita e della cultura popolare. Ecco perché nel costume russo del nord le caratteristiche nazionali si riflettono profondamente e non subiscono influenze straniere.

Il costume della Russia meridionale (Ryazan, Tula, Tambov, Voronezh, Penza, Orel, Kursk, Kaluga, ecc.) È molto più vario in termini di abbigliamento. Migrazioni multiple di residenti dovute alle incursioni dei nomadi, e poi durante la formazione dello stato moscovita, l'influenza dei popoli vicini (ucraini, bielorussi, popoli della regione del Volga) ha portato a un cambio di abbigliamento più frequente e alla diversità dei suoi tipi.

Nel costume della Russia meridionale, invece di un prendisole, era più ampiamente utilizzata la poneva: abiti da cintura realizzati in tessuto di lana, a volte foderati di tela. Il tessuto utilizzato per poneva è spesso blu scuro, nero, rosso, con motivo a scacchi oa strisce (con una striscia trasversale). I ponev di tutti i giorni scendevano modestamente: treccia (cintura) di lana filata in casa sul fondo. I ponev festivi erano riccamente decorati con ricami, trecce fantasia, inserti di calicò, tinture, pizzi orpelli e scintillii. Un'ampia striscia orizzontale dell'orlo è stata abbinata a cuciture, inserti colorati verticali. Lo schema dei colori dei pony era particolarmente luminoso e colorato a causa del loro sfondo scuro.

Poneva, infatti, è anche una gonna, solo i suoi pavimenti, di regola, non erano cuciti. Si chiamava rastopolka, cioè oscillante. La poneva era tenuta sull'acceleratore (cintura, corda, corda, treccia).

Realizzati, di regola, con lana filata a scacchi, erano "gentili", "santi", "dedicati" e "ultimi". E i ponev erano divisi in lividi (blu solido) e rossi (rossi) con un motivo. Poneva ricorda molto le nostre gonne dritte.

Grembiule

La parte più decorativa e riccamente decorata del costume delle donne del nord e del sud era il grembiule, o tenda, che copriva la figura femminile frontalmente. Il grembiule era solitamente realizzato in tela e decorato con ricami, motivi intrecciati, inserti di rifiniture colorate e nastri con motivi di seta. Il bordo del grembiule era decorato con denti, pizzi bianchi o colorati, una frangia di fili di seta o di lana e un volant di diverse larghezze.

che scalda l'anima

Negli abiti del nord russo, dall'antico costume russo, si conservano "epanechki" e dushegrey, pellicce corte, trapuntate su ovatta, con maniche. Dushegreya - abbigliamento da donna senza maniche realizzato con costosi tessuti di fabbrica. In questi luoghi, i dushegrei venivano cuciti dal broccato. Ed è tagliato in modo tale che il tessuto si adagi in grandi pieghe sul retro, e davanti i ripiani avevano una forma trapezoidale. Al taglio il broccato veniva rinforzato (incollato) con un tessuto di tela grossolana, a volte era foderato con un giornale, per mantenere la forma diritta dei ripiani, c'erano delle pieghe sul retro. Su cinghie strette: un gallone stretto o un pizzo. Lo scalda doccia era fissato solo con una spilla, che era appuntata in alto o legata a un fiocco di nastri larghi. Ciò indica che era precedentemente indossato con un prendisole.

La stratificazione del costume, che prevedeva diverse lunghezze di camicie, poneva, grembiule, pettorina indossate contemporaneamente, creava un'articolazione orizzontale della silhouette, dilatando visivamente la figura.

Cappelli

Nel costume popolare russo si conservano antichi copricapi e l'usanza stessa per una donna sposata di nascondere i capelli, per una ragazza - di lasciarli scoperti. Questa usanza è dovuta alla forma di un copricapo femminile a forma di berretto chiuso, quello di una ragazza a forma di cerchio o benda. Kokoshnik, "gazze", varie bende e corone sono molto diffusi.

Dai gioielli usati collane di perle, perline, ambra, corallo, ciondoli, perline, orecchini.

Tessuti, colore, ornamento

I tessuti principali utilizzati per l'abbigliamento contadino popolare erano la tela filata in casa e la lana di semplice armatura di lino, e dalla metà del XIX secolo. - seta, raso, broccato realizzati in fabbrica con un ornamento di lussureggianti ghirlande e mazzi di fiori, calicò, chintz, raso, cashmere colorato.

La tessitura a motivi geometrici, i ricami e le stampe erano i modi principali per ornare i tessuti per la casa. I motivi a righe ea scacchi sono vari per forma e colore. La tecnica della tessitura a motivi popolari, così come il ricamo contando i fili, ha portato a contorni rettilinei e geometrici, l'assenza di contorni arrotondati nel motivo. Gli elementi più comuni dell'ornamento: rombi, croci oblique, stelle ottagonali, rosette, alberi di Natale, cespugli, figure stilizzate di donna, uccello, cavallo, cervo. I motivi, tessuti e ricamati, erano realizzati con fili di lino, canapa, seta e lana, tinti con coloranti vegetali, conferendo sfumature tenui. La gamma di colori è multicolor: bianco, rosso, blu, nero, marrone, giallo, verde. Il multicolore è stato deciso, molto spesso, sulla base dei colori bianco, rosso e blu (o nero).

Dalla metà del XIX secolo. i tessuti fatti in casa sono sostituiti da tessuti fabbricati in fabbrica con motivi floreali stampati, a scacchi, a righe.

Tradizioni popolari in abiti moderni

L'arte popolare rimane un vero magazzino di idee per stilisti e designer. Negli anni '70 del secolo scorso, nelle collezioni degli stilisti, venivano valorizzate le manifestazioni dello “spirito nazionale”, ma non in senso etnografico, ma nel contesto dello “stile internazionale”: stile russo, stile asiatico, ecc.

21 ° secolo ha portato nuove tradizioni nazionali al design della moda moderna: l'estetica del postmodernismo. Quando si crea un modello di abbigliamento, viene utilizzato il metodo "virgolette". Una "citazione" può essere un dettaglio di un costume nazionale, un elemento di arredo, un motivo ornamentale ingrandito o deformato, un taglio o una combinazione di colori. Combinando diverse "citazioni", mescolando elementi di costumi di diverse nazioni, il designer crea una nuova immagine, con una fonte creativa specifica e riconoscibile.

L'abbigliamento per adolescenti è in qualche modo influenzato dalla moda "adulta", ma non è caratterizzato da frequenti cambiamenti e sconvolgimenti radicali. È più stabile, che è associato alle peculiarità del fisico dei gruppi di età dei bambini. I requisiti principali per l'abbigliamento per adolescenti (semplicità del taglio, massima convenienza delle forme, sonorità e freschezza delle combinazioni di colori) si riflettono pienamente negli abiti popolari, dove bellezza e funzionalità sono indissolubilmente legate.

armonia dei colori

Una condizione necessaria per la bellezza dell'abbigliamento è l'armonia del colore in esso, cioè la coerenza, l'armonia nella combinazione dei colori. Per creare un costume (questa è la selezione del tessuto, dei materiali di finitura), abbiamo studiato l'armonia del colore.

Colore nei vestiti. Una condizione necessaria per la bellezza dell'abbigliamento è l'armonia del colore in esso, cioè la coerenza, l'armonia nella combinazione dei colori.

Per creare un'armonia cromatica di un abito, è importante non solo sapere come si combinano i colori, distinguere tra colori compatibili e incompatibili, ma anche essere in grado di disporre i dettagli dell'abbigliamento in base al colore e alle proporzioni del colore in un unico insieme.

Le basi della teoria dei colori furono poste da Newton, che fu il primo a tentare di sistematizzare il mondo dei colori scoprendo la relazione tra rifrazione della luce e colore. Credeva che la luce bianca, che prima di lui era considerata omogenea, si decompone dopo la rifrazione in un prisma in molte onde luminose diverse. Newton ha cerchiato i colori del suo spettro e ha aggiunto il magenta mancante, che si ottiene mescolando i colori rosso e viola e viene aggiunto per passare dolcemente dal viola al rosso. Se i colori spettrali (dal rosso al viola) sono disposti in sequenza in un cerchio, allora si forma un cerchio cromatico.

L'intera varietà di colori è divisa in due gruppi: cromatico e acromatico.

I colori acromatici sono bianco, nero e tutte le sfumature di grigio, dal bianco al nero.

I colori cromatici sono colori spettrali e magenta.

Esistono tre gruppi di colori per combinazione: correlati, correlati a contrasto e contrastanti.

I colori correlati hanno almeno un colore comune (principale) nella loro composizione. Esistono quattro gruppi di colori correlati: giallo-rosso, blu-verde e verde-giallo. I colori correlati accuratamente selezionati offrono grandi opportunità per le soluzioni di composizione dei colori. Ad esempio, il verde e il verde-blu sono colori correlati, si combinano bene in composizioni con diverse dimensioni di macchie di colore. Un gran numero di punti di un colore e una piccola quantità di un altro è una buona soluzione. Quando si utilizzano colori correlati in una composizione di costumi, uno o entrambi vengono solitamente utilizzati disattivati. La corretta intensità dei colori si ottiene selezionando i colori correlati in modo tale che non siano molto luminosi. Giallo e giallo-verde, verde e verde-blu, blu e viola, viola e rosso, rosso e arancione, ecc. sono colori correlati.

In una composizione tonale, si ottiene un effetto forte attraverso la diversa luminosità dei colori utilizzati, introducendo toni chiari e scuri in contrasto. Le combinazioni armoniose di colori correlati sono reattive, calme, morbide, soprattutto se i colori sono leggermente saturi e vicini alla leggerezza.

Colori contrastanti correlati. Esistono anche gruppi di colori contrastanti correlati: giallo-rosso e rosso-blu, rosso-blu e blu-verde, blu-verde e verde-giallo, verde-giallo e giallo-rosso. L'armonia dei colori correlati e contrastanti è più attiva ed emotiva rispetto a quelli correlati.

Colori contrastanti. Questi sono giallo-rosso, blu-verde, giallo-verde e blu-rosso. La combinazione di armoniosi colori contrastanti è particolarmente attiva, poiché i colori sono doppiamente bilanciati dalle loro qualità opposte. Tuttavia, non tutti i colori contrastanti sono armoniosi. Ad esempio, il giallo-rosso e il verde-bluastro sono colori contrastanti disarmonici.

Anche i colori acromatici sono coinvolti nella creazione della composizione del costume: bianco, nero, blu. Il bianco e nero da solo o in combinazione sono percepiti in modo brillante, in quanto sono in contrasto con lo sfondo. Entrambi - in bianco e nero - sembrano nobili e vantaggiosi. Il grigio sembra spettacolare in combinazione con il bianco e nero. Il colore nero ha una forte influenza sui colori cromatici, in particolare sui colori medi di luminosità e rosso e verde molto saturi: questi colori cromatici si illuminano, la loro saturazione aumenta, sembrano brillare. Il bianco, soprattutto le pennellate di colori cromatici, conferiscono alla composizione un sapore peculiare: i colori diventano ariosi, pastello; il colore bianco dona eleganza al costume.

L'armoniosa combinazione di colori di un abito dipende non solo dalla combinazione di colori, ma anche da quanti di questi colori vengono presi, qual è la trama del tessuto. Tuttavia, le combinazioni di colori consigliate non possono essere considerate vincolanti.

La scelta del tessuto per l'abito.

Per il costume di scena "Sudarushka", abbiamo scelto la maglietta in crêpe satin bianco, poiché il colore bianco si adatta bene a qualsiasi composizione di colori, e nel vecchio costume russo la maglietta era sempre bianca.

Per il prendisole è stato scelto un colore blu saturo e colori correlati per le principali opere di finitura: blu e azzurro.

Per una percezione più emotiva del costume, alla decorazione sono stati aggiunti colori contrastanti: rosso e verde. Un po' di nero aggiungerà saturazione all'intero seme.

Selezione e giustificazione del materiale.

Crepe, crêpe satin. Il nome collettivo di tutti i tessuti con una superficie annodata granulare, acquisita a causa della torsione crespata del filato, dell'intreccio dei fili, della goffratura del tessuto.

Crepe satin: armatura satinata, rugosità media, buon drappeggio, traspirante, bassa igroscopicità, media protezione dal calore. Lo spargimento medio resiste, poiché ha un forte scivolamento, un'elevata espansione del filo nelle cuciture. Quando WTO, è necessario tenere conto del regime termico, poiché il tessuto è realizzato con fibre sintetiche e artificiali, e ha anche una superficie liscia lucida, sulla quale rimangono macchie dopo l'inumidimento.

Possiede una buona colorazione coloristica di tessuto, ha la lucentezza espressa, la colorazione forte.

Analisi dei costumi.

Dopo aver analizzato i costumi popolari, abbiamo esaminato camicie, prendisole, ponev. Hanno deciso di lasciare vecchio il taglio della camicia, ma di utilizzare materiali moderni per la decorazione. Ampi prendisole, ponyov hanno una forma voluminosa e non vorremmo enfatizzare la figura da ragazza, abbiamo scelto un prendisole con botti sottosquadro.

Selezione del modello

Camicia: taglio a camicia, maniche lunghe, rifiniture in pizzo.

Prendisole: silhouette semi-adiacente, botti sottosquadro, rifinitura - appliqué, treccia ricamata, nastro di raso, intarsio obliquo.

Finitura del prodotto

Camicia: lungo le linee del giromanica, del fondo manica, dello scollo, rifinitura in blu, cucitura pizzo.

Prendisole: linea centrale davanti, linea di fondo - una striscia blu di crepe satin blu. L'applicazione è simmetrica dalla linea centrale al fondo della gonna. Bordo a contrasto con treccia ricamata, treccia convolvolo, nastro di raso.

Costruzione

Costruzione di un disegno della base di un prodotto a spalla con manica monopezzo.

Modellazione, preparazione di cartamodelli per il taglio

Manica: dal punto B2 lungo la linea B2B5, misurare la lunghezza della spalla + lunghezza della manica, costruire un angolo retto da questo punto. Disegna una linea parallela dal punto G1 all'intersezione.

Collo: metti da parte 2 cm dal punto B2, 6 cm dal punto B4, collegali con un arco.

Motivi: tagliare la manica attraverso i punti B1 e G2. Linee B1B6 linea mediana e piega della manica. Otteniamo tre parti: retro, ripiano, manica.

Giromanica: lasciare 10 cm dal punto B2 (larghezza spalle). Collega il punto risultante con una linea morbida al punto T.

Collo: mettere da parte 3 cm dal punto B2, 10 cm dal punto B4, collegare con una linea morbida. Approfondire il colletto sul retro di 2 cm.

Sulla linea del torace dalla linea del centro del motivo, metti da parte la misura del centro del torace. Disegna una linea verticale attraverso il punto dalla linea di spalla alla linea di fondo.

Motivi: davanti - parte centrale 1 pezzo, botte - 2 pezzi (tagliati lungo l'obliquo); indietro - parte centrale 1 parte, botte - 2 parti.

Espansione lungo la linea di fondo: espandi le parti centrali della parte anteriore e posteriore lungo la linea di fondo dalla linea di cintura, espandi i dettagli laterali su entrambi i lati.

Tecnologia di produzione

Camicia: unisci le cuciture delle spalle del dietro e del davanti, uniscile alle maniche, facendo un inserto di pizzo. Rifinisci il fondo della manica con il pizzo arricciato. Cucire il peplo per l'elastico. Rifinisci la scollatura con pizzo arricciato. Cuci lungo la linea laterale, elabora il fondo con una cucitura dell'orlo con un taglio chiuso. Inserire l'elastico lungo la linea inferiore della manica.

Prendisole: prima: collegare la parte centrale con i barili, cucire una striscia di tessuto di rifinitura lungo la linea del centro del davanti. Esegui l'applicazione su entrambi i lati con una striscia di finitura.

Indietro: collega la parte centrale con i barili.

Collega i dettagli del prodotto, elabora il giromanica e il collo con un bordo obliquo rosso. Trattare il fondo del prodotto con una striscia di tessuto di finitura. Cuci lungo la scollatura lungo i tagli delle strisce di finitura con treccia ricamata, un nastro di raso rosso.

calcolo economico

Materiale Prezzo Quantità Costo

crepe - raso 90 sfregamenti. 3 m. 270 sfregamenti.

cucito in pizzo 24 sfregamenti. 4 m. 56 rubli

treccia ricamata 8 sfregamenti. 5 m. 40 rubli

nastro di raso 4 sfregamenti. 8 m. 32 sfregamenti.

dublirin 50 sfregamenti. 1 m. 50 cm 75 sfregamenti.

fili (diversi colori) 10 sfregamenti. 6 bobine 60 sfregamenti.

Totale: 533 rubli.

Abbiamo speso 533 rubli per realizzare il costume. La tabella mostra che i costi principali sono stati per l'acquisto di tessuto. Per l'applique è stata utilizzata una patta, che è stata lasciata durante la cucitura di altri prodotti.

COSTUME TEATRO, elemento prestazionale. Nella storia del teatro sono noti tre tipi principali di costume teatrale: personaggio, gioco e abbigliamento del personaggio. Questi tre tipi principali di costume esistono in tutte le fasi delle arti dello spettacolo, dal rituale rituale e dal folklore pre-teatro alla pratica artistica moderna.

Un costume da personaggio è una sorta di composizione figurativo-plastica sulla figura dell'esecutore, messa in moto da lui e doppiata (pronunciando il testo o cantando), a volte nascondendo completamente la sua figura, simile a come la maschera gli copriva il volto. Esempi di costumi di carattere in riti e cerimonie di diversi paesi del mondo. La silhouette a forma di campana del costume indiano era una parafrasi del tempio-tenda-torre di Nagar Shakhara e del sacro Menu di montagna (il centro e l'asse del mondo nella mitologia indù). Cinese - con la sua forma, disegno, ornamento e colore esprime l'antico simbolismo cosmologico dell'alternanza naturale di Luce e Oscurità, la fusione di Cielo e Terra nell'atto di creare il mondo. Il costume da sciamano dei popoli del Nord incarna le immagini di un uccello fantastico associato al "mondo superiore" e di un animale (un abitante del "mondo inferiore"). Il russo meridionale è una specie di modello dell'universo. Nelle rappresentazioni tradizionali dell'Opera di Pechino, il costume era l'immagine di un formidabile drago, nel teatro giapponese "No" - i motivi della natura, e nell'era barocca del XVII secolo. - Fiera o Mondo. Se per le esibizioni rituali rituali e folcloristiche, i costumi dei personaggi (come tutti gli altri elementi della scenografia) erano il frutto del lavoro di maestri popolari anonimi, allora nel XX secolo, fin dall'inizio, gli artisti iniziarono a comporli: I. Bilibin - nell'opera Il galletto d'oro N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - in bure W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - in Zar Massimiliano, P. Filonov - nella tragedia Vladimir Majakovskij, infine, K.Malevich - nel progetto vittoria sul sole(tutte e tre le produzioni nel 1913). E poi, alla fine degli anni '10, la prima metà degli anni '20. un'intera serie di costumi dei personaggi è stata creata dai futuristi italiani E. Prampolini, F. Depero e altri, O. Schlemmer del Bauhaus tedesco, e nel balletto - da P. Picasso, che ha mostrato Gestori grotteschi in Parata E. Satie e F. Leger - Divinità negre in Creazione del mondo D.Millau. Infine, l '"architettura" del costume cubista di A. Vesnin ha acquisito un significato caratteriale nelle esibizioni di A. Tairov - in Annunciazione, le sue composizioni suprematiste sulle figure degli eroi Fedra. SU altre scene - le "tute shell" di Y. Annenkov nella commedia Gas G. Kaiser e A. Petritsky - in Viy, oltre a fantastici collage come costumi dei personaggi per la performance revisore dei conti, che sono stati creati dagli studenti di P. Filonov (N. Evgrafov, A. Landsberg e A. Sashin) sul tema dei francobolli, stemmi, sigilli, buste, ecc. - il personaggio dell'Uomo-Osteria. Nella seconda metà del XX secolo i costumi come personaggi visivi indipendenti, mostrati separatamente dagli attori, come elemento di scenografia, sono stati creati da M. Kitaev e S. Stavtseva, e come vari tipi di composizioni sulle figure degli attori - K. Shimanovskaya, D. Mataitene, Yu Kharikov.

Un costume da gioco è un mezzo per trasformare l'aspetto di un attore e uno degli elementi del suo gioco. Nelle rappresentazioni rituali e folcloristiche, la trasformazione aveva spesso un carattere grottesco-parodico, quando gli uomini si vestivano da donne, le donne da uomini, i giovani da vecchi, le bellezze da streghe o quando venivano raffigurati vari animali. Allo stesso tempo, veniva usato tutto ciò che era a portata di mano: uno zhupan, un cappotto di pelle di pecora, un involucro, una pelle di pecora - sempre capovolta, più divertente e divertente, così come qualsiasi altro indumento, in qualche modo ridicolo, "ribaltato", ad esempio pantaloni troppo accorciati, una camicia eccessivamente ampia, calze bucate, tutti i tipi di stracci, stracci, stracci, borse, corde. si usava anche tutto ciò che la natura dava: erba, fiori, paglia, foglie. Infine, per la medicazione venivano utilizzate anche varie decorazioni artificiali: carta colorata, corteccia di betulla, lamina, vetro, nastri, specchi, campanelli, piume, ecc. Le tecniche del mascheramento grottesco sono passate sia nelle rappresentazioni delle commedie greche antiche sia nel teatro tradizionale orientale, dove sono state combinate con il gioco vario dell'attore con elementi del suo costume: maniche lunghe e piume di fagiano - nell'Opera di Pechino, treni, asciugamani e ventagli - nel "Ma" giapponese. Spettacoli della commedia dell'arte italiana, opere teatrali di Shakespeare e Lope de Vega sono state costruite su infiniti travestimenti e travestimenti. Alla fine del XVIII secolo Emma Hart (Lady Hamilton) ha costruito la sua famosa danza sul gioco con uno scialle, dopo di che tecniche simili (manipolazioni con sciarpe, copriletti, veli e altri elementi di costume simili) sono state ampiamente utilizzate nel teatro del balletto del XIX secolo, raggiungendo la loro massima altezza artistica nell'opera di L. Bakst, i cui schizzi di immagini coreografiche includevano la dinamica di vari tessuti volanti, cinture, sciarpe, gonne, sciarpe , impermeabili, mantelle, ciondoli, giarrettiere. Sul palcoscenico drammatico, la tradizione del costume, che suona insieme ai movimenti dell'attore, è stata continuata - per mezzo dell'espressività cubo-futuristica - A. Exter negli spettacoli del Teatro da Camera Salomè O. Wilde e Romeo e Giulietta W. Shakespeare, seguito dal suo allievo P. Chelishchev e altri maestri dei primi anni '20: V. Khodasevich e I. Nivinsky, I. Rabinovich e G. Yakulov, S. Eisenstein e G. Kozintsev, infine, di nuovo sul palcoscenico del balletto, messo in scena da K. Goleizovsky - B. Erdman. Se durante questo periodo i costumi teatrali costituivano un'intera tendenza nella scenografia, allora nella seconda metà del XX secolo. sono stati utilizzati da artisti e registi anche abbastanza ampiamente, ma per necessità, come elemento della "tavolozza" di mezzi espressivi a loro disposizione. Tra gli autori di costumi teatrali moderni ci sono gli artisti georgiani Sameuli, G. Aleksi-Meskhishvili e N. Ignatov, esempi simili si possono trovare nei teatri di altri paesi: in Polonia, nella Repubblica Ceca, in Germania, in Italia.

Il costume, come l'abbigliamento del personaggio, essendo spesso la base per comporre i tipi di costume discussi sopra (per il personaggio e il gioco), in tutti i periodi dello sviluppo storico del teatro, in misura maggiore o minore, è l'incarnazione sul palcoscenico di ciò che le persone indossavano in questo periodo. Così era nell'antica tragedia, e così rimane nelle rappresentazioni dei nostri giorni. Allo stesso tempo, l'evoluzione generale di questo tipo di costume è stata caratterizzata da un passaggio dalle forme convenzionali dell'abbigliamento reale (nell'era del barocco e del classicismo) alla sua sempre maggiore affidabilità, accuratezza e autenticità storiche, geografiche, nazionali. Nel teatro del naturalismo e del realismo psicologico, il costume diventa pienamente adeguato al carattere del personaggio, esprime non solo il suo status sociale, ma anche il suo stato d'animo. Allo stesso tempo, sia oggi che nei secoli passati, il costume rimane oggetto di una speciale creatività degli artisti (tra cui i più eccezionali maestri di belle arti e scenografie) e lo compongono (anche, sembrerebbe, i costumi quotidiani di tutti i giorni, per non parlare di quelli fantastici), non solo come opera separata, ma come componente essenziale della performance.

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• 2. Costume da teatro antico 5
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• 5. Costume teatrale dell'Europa da XVIv. fino ai tempi moderni 13
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1. Cos'è un costume teatrale?

Il teatro è un tipo di arte che non può esistere senza un pubblico, quindi tutto in esso è progettato per un effetto esterno. Il costume teatrale (insieme a baffi e barbe finte, parrucche, cosmetici, maschere) fa parte del trucco teatrale. Il trucco (dal francese "grimer" - "dipingere il viso") è l'arte di cambiare l'aspetto di un attore per un determinato ruolo e i mezzi necessari per questo.

Il teatro (e con esso il trucco) è nato nel profondo del magico rito sincretico dell'antichità. La gente vedeva in esso un potere curativo che purifica il corpo da varie passioni.

Tutti i popoli del mondo fin dall'antichità hanno festività associate ai cicli annuali di morte e rinascita della natura. Queste vacanze hanno dato vita al teatro.

Gli antichi greci amavano e veneravano il giovane dio Dioniso. La divinità suprema - Zeus - hanno onorato solo una volta ogni quattro anni (Giochi Olimpici); Atena - una volta ogni due anni; Apollo - una volta ogni due anni; ma Dioniso tre volte l'anno. Questo è comprensibile: Dioniso era il dio della vinificazione, a marzo persone provenienti da tutte le città greche venivano ad Atene alla Grande Dionisia. Durante la settimana hanno stretto accordi, alleanze politiche e si sono solo divertiti.

La vacanza è iniziata con l'importazione di un Dioniso di legno su una barca su ruote. Questa barca era accompagnata da un coro di satiri-mummers. Pertanto, l'aspetto di questa divinità è sempre stato associato a travestimenti e costumi di carnevale.

Il culmine della vacanza è arrivato il terzo giorno. In questo giorno, gli animali maschi venivano sacrificati a Dioniso, poiché lui, essendo nato dalla coscia di Zeus, era associato a un principio puramente maschile. Le vittime potrebbero essere galli, tori, ma molto spesso capre. Quando un tale "capro espiatorio" è stato ucciso, hanno cantato una triste "canzone di capra" - una tragedia. Poi la cesta con gli intestini e il fallo della capra veniva portata nel campo per concimare la terra, inebriandosi a poco a poco di vino dedicato a Dioniso. Tornando a casa, i portatori del cesto hanno rimproverato qualcuno (ad esempio un politico locale). Entrando in città, appesero un komos (intestino di capra) vicino alla casa dell'uomo. Questa azione, questa folla e quelle canzoni allegre. che cantava erano chiamati komos ("festeggiatori"). Da qui nasce la comicità. È vero, ci sono altre versioni dell'emergere del teatro.

Per quanto riguarda gli abiti dei partecipanti alla festa, si sa che erano pelli di animali (per una maggiore somiglianza con i satiri dalle zampe di capra). Successivamente, grazie alla competizione dei poeti sul palcoscenico, le canzoni tragiche e comiche sono diventate generi teatrali indipendenti.

2. Costume da teatro antico

L'anno ufficiale di nascita del teatro antico è il 534 a.C. e .. quando la tragedia di Thespides fu messa in scena per la prima volta sulla Grande Dionisia.

A quel tempo, il costume teatrale era già molto diverso da quello di tutti i giorni. L'artista, che all'inizio era solo uno, è salito sul palco con un abito magnifico e luminoso. Sulla sua faccia c'era una maschera collegata a una parrucca e dotata di un risonatore vocale metallico situato all'altezza della bocca. La maschera aveva dei buchi per gli occhi. L'attore ha indossato scarpe in koturny su una piattaforma alta. Tutto questo è stato calcolato per la lontananza dello spettatore, perché il teatro greco all'aperto poteva ospitare fino a 17.000 persone. Un vestito luminoso, una grande maschera, scarpe alte hanno permesso di vedere meglio l'esecutore. Il risonatore amplificava il suono (sebbene l'acustica nei teatri antichi fosse tale che una parola pronunciata sottovoce al centro del palco raggiungeva le ultime file).

C'erano fino a settanta diversi tipi di maschere. Erano anche necessari perché tutti i ruoli erano allora interpretati da uomini. L'attore ha cambiato la maschera nel corso dell'azione, quando si è esibito in un nuovo ruolo e quando ha mostrato allo spettatore un cambiamento nell'umore del suo personaggio. Le maschere esprimevano una tipica espressione di gioia, dolore, truffa, ecc. Erano realizzate in legno o gesso e poi dipinte.

Il simbolismo del colore ha svolto un ruolo importante. I governanti avevano vesti di porpora: le loro mogli erano bianche; gli esuli sono neri o blu; i giovani sono rossi; le donne normali sono gialle; i getter sono eterogenei.

I costumi erano accompagnati da attributi permanenti per consentire al pubblico di riconoscere più facilmente il personaggio. Il sovrano aveva uno scettro, il viandante aveva un bastone, Dioniso aveva un ramo fiorito di peluche (tirso), Apollo aveva arco e frecce, Zeus aveva fulmini, ecc.

Grazie ai vestiti lunghi e alle scarpe alte, gli attori tragici sembravano monumentali e si muovevano agevolmente. I comici preferivano abiti più corti e attillati. Raffiguranti satiri e sileni aggrappati alla parte posteriore di una coda di cavallo, indossavano una maschera animale (o corna), e questo esauriva il loro trucco. Tali vestiti hanno permesso loro di saltare liberamente sul palco. A Roma i generi leggeri erano più amati e le tragedie preferivano la commedia. Lì, la pantomima è entrata in scena. Gli spettacoli circensi erano molto popolari. Gli spettatori percepivano più facilmente i phlyaks (dal greco "phlyax" - "scherzo") - parodie di tragedie e commedie; meme: piccole scene su argomenti quotidiani; atellani - divertenti improvvisazioni.

Il costume è diventato più vicino agli abiti di tutti i giorni. È vero, il simbolismo del colore era ancora preservato. Non c'erano più maschere nei mimi e il pubblico poteva osservare le espressioni facciali degli attori. Non solo uomini, ma anche donne hanno recitato in queste esibizioni, che hanno aumentato il momento erotico e creato pretesti per uno spogliarello pubblico.

Il costume teatrale greco-romano ha continuato a influenzare il costume di scena in tempi successivi.

3. Costume teatrale del Medioevo europeo

Nel Medioevo, la gente non dimenticava l'intrattenimento dell'antichità e quasi ogni festa cristiana era accompagnata da uno spettacolo clownesco al rovescio: la corona - il giullare, il berretto - il re.

Gli istrioni vagano per l'Europa (dal latino "histrio" - "attore"), che in Francia sono chiamati giocolieri, in Inghilterra - menestrelli. in Germania - shpilmans, e in Rus' - buffoni. Sono un teatro di un attore, perché sanno recitare, cantare. camminare su una corda tesa, destreggiarsi. Il costume di queste persone era comodo per le acrobazie: body, scarpe morbide, una tunica corta con cintura, vagabondi viaggiavano accanto agli istrioni - "vagabondi": scolari semi-istruiti, seminaristi, preti-rasstrigi. I confini in quanto tali non esistevano ancora e le lingue non si discostavano troppo da un'unica base, che permetteva di essere comprese ovunque. L'abbigliamento dei vagabondi non differiva dal costume quotidiano di una persona medievale.

I Vagants hanno suonato spettacoli divertenti - comu, in cui la chiesa è stata ridicolizzata a immagine della Madre Fool, a causa della quale i rappresentanti della religione ufficiale hanno perseguitato gli artisti.

Ma anche la chiesa aveva bisogno di aumentare la spettacolarità delle sue "rappresentazioni", per cui proprio all'interno del tempio nasce un dramma liturgico. Episodi della Bibbia sono stati messi in scena dagli stessi sacerdoti nelle loro uniformi. Ma più aumentava il momento di gioco in queste produzioni, più diventavano "indecenti" tra le mura della chiesa. Pertanto, lo spettacolo è stato trasferito prima sotto il portico e poi in piazza. Apparve un nuovo genere: il miracolo ("miracolo"), che rappresenta gli eventi miracolosi associati alla Vergine Maria e a Gesù. Sulla base del miracolo appare un mistero ("mistero") - un'azione teatrale, lontanamente connessa con la storia biblica.

I personaggi dei misteri potrebbero essere non solo la Vergine Maria, Gesù e i profeti biblici, ma anche i diavoli, il diavolo e solo i cittadini. Pertanto, il costume è diventato più vario. Cristo, gli apostoli, i profeti hanno agito nei paramenti del clero. E gli stessi interpreti di questi ruoli potevano essere sacerdoti o monaci (questo non era proibito). Mercanti, artigiani e altri eroi avevano gli abiti dei cittadini del loro tempo. Personaggi fantastici vestiti con un costume complesso con attributi indispensabili come corna, code e pelli di lupo o di ariete per i diavoli. Malattie personificate (Peste, Vaiolo), peccati (Gola, Adulazione), virtù (Verità, Speranza) potrebbero avere delle maschere.

Tuttavia, spesso non venivano realizzati costumi speciali (così come scenografie). Le iscrizioni "Paradiso", "Inferno", "Dio Padre", ecc. Erano abbastanza.

La luce era la categoria principale dell'estetica medievale, quindi i personaggi divini più importanti erano in abiti bianchi e lucenti, e la progenie del diavolo era in nero. Vera indossava un abito bianco. La speranza è verde. L'amore è in rosso.

Come nell'antico costume teatrale, gli eroi avevano attributi costanti: la fede aveva una croce, la speranza aveva un'ancora, l'amore aveva un cuore o una rosa, l'avarizia aveva un portafoglio, il piacere aveva un'arancia, l'adulazione aveva una coda di volpe.

Nel tempo, il costume teatrale è diventato sempre più simile a un normale costume domestico e quello domestico è diventato più teatrale.

4 Costume teatrale dei paesi del sud-est asiatico

Il sincretismo della cultura primitiva (l'inseparabilità di vari tipi di attività culturali) si è manifestato nelle città magiche, dove danze, musica, pittura, spettacoli teatrali, ecc. Convivevano fianco a fianco nelle profondità della mitologia. e. la danza e la pantomima facevano parte del culto degli dei nell'antica India. I poemi epici "Mahab-harap" e "Ramayana", apparsi nel I millennio a.C. e., ha costituito la base del teatro classico dell'India e di quei paesi in cui esiste l'induismo, poiché questi poemi epici sono i libri sacri di questa religione. In varie forme (teatro reale, teatro delle marionette, teatro delle ombre, balletto) esistono ancora produzioni di episodi del Mahabharata e del Ramayana. E ora usano costumi, maschere o trucchi simili a maschere molto luminosi e costosi. Non ci sono scenari, tutto si svolge nel seno di una natura maestosa.

In Cina, il teatro si sviluppò anche da elementi di danza e acrobatica che facevano parte di riti sacri. Nei secoli VII-X si diffusero danze su temi storici ed eroici intervallati da piccoli intermezzi teatrali. Per la prima volta sono apparsi costumi teatrali speciali.

Nel XIII-XIV secolo, il teatro cinese raggiunse il suo apice sotto forma di zaju. Questa performance mista includeva musica, canto, danza e acrobazie.

Non c'erano scenari, quindi il gioco degli attori e il loro aspetto erano di particolare importanza. Tutti i ruoli erano interpretati da uomini. Le scene più patetiche si svolgevano al rallentatore.

Tutti i movimenti sono stati rigorosamente canonizzati. Gli attori stessi hanno parlato di se stessi come eroi, hanno determinato il tempo e il luogo dell'azione.

Nei secoli successivi lo zaju non morì, ma si trasformò in diverse forme. Come prima, ci sono pochi oggetti di scena sul palco e quello che c'è è usato in modo polifunzionale: il tavolo è sia una montagna, sia un altare e un ponte di osservazione; le bandiere nere simboleggiano il vento, le bandiere rosse il fuoco, ecc. Il simbolismo del colore è usato nel trucco e nel costume: il rosso è il coraggio, il bianco è la meschinità, il giallo è il colore dell'imperatore.

In Giappone si sono sviluppati anche diversi tipi di spettacoli teatrali che sono sopravvissuti fino ad oggi. Kan'ami Kpetsugu e suo figlio Zeami a cavallo tra il XIV e il XV secolo crearono il teatro Noh da brani di canti e balli disparati. Loro stessi erano attori, registi, autori e compositori (e Zeami era anche un teorico del teatro No). Il loro lavoro arrivò in un momento in cui lo stile di vita dei giapponesi era notevolmente teatrale: i governanti erano persone di bassa nascita e, come tutti i neofiti, aderivano particolarmente al rituale. Il desiderio di spettacolo ha dato origine a massicce cerimonie del tè o celebrazioni per ammirare i fiori di ciliegio (il che di per sé è assurdo, perché questo è qualcosa di molto personale per i giapponesi). Gli spettacoli di teatro Noh sono diventati una parte obbligatoria di cerimonie e ricevimenti. Spesso spettacoli di molte ore (e anche molti giorni) su temi storici ed eroici hanno cominciato a cambiare il corso di eventi reali (ad esempio, il corso di una vacanza). I governanti si sono abituati alle immagini degli eroi del palcoscenico. E lo shogun (dittatore militare) Toyotomi Hideyoshi si trasformò da grande ammiratore del teatro No nel suo attore e nel 1593, durante uno spettacolo di tre giorni in onore della nascita di suo figlio, eccelleva in dieci commedie. Ha interpretato se stesso.

Il teatro Noh ha i tratti caratteristici che sono già stati menzionati: l'assenza di scenografia, la lentezza dei movimenti nei luoghi importanti della rappresentazione, gli attori maschi. Le scene si svolgevano davanti all'immagine di un pino su fondo dorato. L'immagine di un pino risaliva ai più antichi simboli magici agrari, e l'oro personificava il sole e la dea Amaterasu. Inoltre, un tale sfondo simboleggiava una fusione con la natura, soprattutto perché le azioni potevano andare oltre il palcoscenico e fondersi nella vera atmosfera di un ricevimento o di una vacanza.

Costume da attore fino al XVII secolo. non differiva dal costume domestico della nobiltà (in seguito iniziò ad essere realizzato secondo incisioni e campioni dei secoli XIV-XV). C'era una tradizione: regalare agli attori abiti costosi (soprattutto si diffuse durante il periodo del sovrano del teatro Toyotomi Hideyoshi). Di conseguenza, il teatro Noh è diventato anche un museo di abiti di lusso. Ora l'abito più antico conservato nel teatro è il costume dello shogun del XV secolo.

Nel 1615, il sovrano di Ieyasa Totkugawa emanò un codice che regolava i colori e la qualità dei tessuti. Il divieto di materiali costosi ha colpito anche il teatro Noh. I registi iniziarono a cercare una diversa espressione figurativa, non più riconducibile a costosi outfit. Il tessuto del costume si è trasformato in un libro simbolico che potrebbe essere riempito di informazioni. Ora il costume canonico stilizzato del teatro No rivela un'immagine caratteristica. Tutto in esso è simbolico, dal taglio al ricamo.

Il colore gioca un ruolo importante. Il bianco significa nobiltà, il rosso appartiene agli dei e alle bellezze, il blu pallido è associato all'equilibrio, il marrone significa bassa nascita.

Gli uomini recitano nel teatro Noh, quindi maschere e ventagli sono importanti. La dimensione, la colorazione, il motivo, il movimento del ventaglio caratterizzano il personaggio. Le maschere sono semplici ma molto eleganti. Sono realizzati in cipresso, innescato e levigato. La maschera è indossata sopra la parrucca e fissata con lacci. Il minimo cambiamento nell'illuminazione o nell'angolazione gli conferisce una nuova espressione. Ci sono maschere di diversi generi, età, personaggi e persino creature fantastiche.

5. Costume teatrale d'Europa del XVI secolo. fino ai tempi moderni

Durante il Rinascimento cominciarono ad apparire in Europa le prime compagnie permanenti che lavoravano su base professionale. Vagano o sono inchiodati in un posto. La gente ama ridere più che piangere, quindi gli attori mettono in scena produzioni comiche, farse e parodie. I comici erranti hanno continuato le tradizioni medievali e (come l'intera cultura del Rinascimento) si sono rivolti all'antica eredità. Prima di tutto, tali compagnie sono sorte in Italia. Fu lì che apparve la commedia teatrale dell '"arte", cioè la "commedia delle maschere".

Nella commedia dell'arte c'era uno scenario: una strada cittadina. Non c'era trama fissa: lo chiedeva il capo della troupe (kapokomiko) e gli attori improvvisavano, come negli antichi atellani. Quei trucchi e osservazioni che hanno causato l'approvazione del pubblico sono stati ripetuti e consolidati. L'azione ruotava attorno all'amore dei giovani, ostacolato dai vecchi e aiutato dai servi.

Il ruolo più importante nella commedia era svolto dalla maschera. Una maschera nera potrebbe coprire l'intero viso o parte di esso. A volte era un naso incollato o occhiali stupidi. L'importante è creare una faccia tipica, puntata su una caricatura.

C'erano due requisiti per il costume: praticità e comicità. Pertanto, da un lato, assomigliava agli abiti degli istrioni medievali e, dall'altro, era integrato con caratteristici dettagli divertenti.

Ad esempio, Pantalone - mercante avaro - era sempre con il portafogli. I suoi abiti ricordavano quelli dei mercanti veneziani: una giacca legata con una fusciacca, pantaloni corti, calze, un mantello e un berretto rotondo. Ma un giorno l'artista è salito sul palco con ampi pantaloni rossi, al pubblico è piaciuto questo dettaglio caratteristico. Di conseguenza, Pantalone ei suoi pantaloni si sono fusi così tanto nella mente delle persone che nel tempo il nome comune di pantaloni per biancheria intima femminile si è formato da un nome personale.

Il dottore - un altro eroe della commedia dell'arte - ha presentato una parodia di uno scienziato ed è uscito in abito accademico nero con colletto e polsini di pizzo. Nelle sue mani c'erano sempre dei rotoli di carta in testa: un ampio cappello.

Il capitano, un avventuriero militare, indossava una corazza, calzoncini, stivali sopra il ginocchio con enormi speroni, un corto mantello e un cappello con piume. Il suo attributo permanente era una spada di legno, che sarebbe certamente rimasta incastrata nel fodero quando necessario.

I personaggi più numerosi e vari erano i servitori (zanni), perché erano loro che fungevano da "motori del progresso" in un conflitto amoroso. Pulcinella aveva un enorme naso adunco; Arlecchino ha così tante toppe che nel tempo sono state modellate a scacchiera, Pierrot ha un'ampia camicia bianca con colletto tagliato e pantaloni lunghi; Brighella ha un'ampia camicetta bianca e pantaloni intonati.

Questo teatro popolare, grazie alle sue trame leggere, era molto più popolare dei teatri di Shakespeare o Lope de Vega, che preferivano non lo spettacolo, ma la profondità del contenuto. Per le opere di Lope de Pega, ad esempio, è apparso anche il nome "commedie di cappa e spada", perché gli artisti le interpretavano davvero solo con costumi quotidiani moderni per l'autore.

Parallelamente alle compagnie erranti esistevano anche teatri di corte, i cui costumi erano centinaia e si distinguevano per il loro alto costo. Sono stati mostrati separatamente dall'esecuzione dell'opera.

Nei secoli XVII-XVIII lo sviluppo del costume teatrale declinò. La parola viene in primo piano, i dialoghi assorbono tutta l'attenzione del pubblico. Sul palco viene utilizzato un costume domestico, privo di storicismo. Questo è il solito abito alla moda dell'epoca. È vero, nella commedia non vedrai un servitore cencioso o una pastorella mal vestita. Il costume è nobilitato. Questa è una conseguenza della teatralizzazione della vita. Il teatro è così profondamente radicato nella vita di tutti i giorni che il confine "teatrale - costume quotidiano" viene cancellato. Va notato che nei secoli XVII-XVIII il costume teatrale determina spesso la moda (di cui si è già parlato nei capitoli precedenti). Gli attori si vestivano meglio e in modo più stravagante degli altri. Nel 17 ° secolo per Monsieur a la fashion, sul palco sono stati allestiti posti speciali per il pubblico, dove non solo hanno assistito allo spettacolo, ma hanno discusso degli artisti e dei loro costumi.

Nei secoli XVII-XVIII fiorirono i generi sintetici: opera, balletto, circo (sebbene fossero conosciuti prima). Questi generi includono azione drammatica, acrobazie, musica, canto e trucco brillante e memorabile. I generi sintetici assorbono elementi della vita quotidiana. Ad esempio, il ballo da sala cancan (cancan francese) con un caratteristico lancio alto delle gambe sorse intorno agli anni '70 del XVIII secolo. A poco a poco, diventa parte integrante dell'operetta, un genere di commedia musicale e di danza.

Nel XIX secolo, l'interesse per la storia è stato ripreso in tutti i settori della cultura. Grazie a reperti archeologici e letterari è stato possibile conoscere meglio i costumi dell'antichità, quindi, nelle rappresentazioni storiche, per la prima volta si tenta di riprodurre i costumi originali del passato.

Lo sviluppo del realismo critico come metodo artistico e modo di percepire il mondo porta al fatto che sul palco non vedrai più contadine in vestaglia e servi inamidati. Tali oggetti di scena compaiono nel teatro, che prima non erano stati menzionati ad alta voce nella società educata. La ricerca di nuove forme espressive porta al trucco naturalistico. Ecco cosa scrive V. A. Gilyarovsky nei suoi saggi su Mosca e i moscoviti:

"Nel 1879, un ragazzo a Penza al parrucchiere teatrale Shishkov era uno studente, il piccolo Mitya. Era il favorito dell'imprenditore di Penza V.P. Dalmatov, che gli permetteva solo di toccarsi i capelli e gli insegnava il trucco. per fissare l'acconciatura ben curata di Dalmatov... Al grido dell'attore, gli artisti corsero in bagno.

- Sei un grande artista, Vasily Panteleymonovich, ma lasciami essere un artista dei miei affari! - alzando la testa all'alto vicepresidente Dalmatov, il ragazzo si giustificò. - Provalo!

VP Dalmatov alla fine accettò - e in pochi minuti la bolla fu messa, in alcuni punti unta, e gli occhi di BP Dalmatov brillarono di piacere: un teschio completamente nudo con i suoi occhi neri e il trucco espressivo fece una forte impressione.

A cavallo tra XIX e XX secolo, la tendenza del modernismo dà origine a nuove forme di costume teatrale. Gli abiti sono stilizzati, si trasformano in simboli. Gli europei hanno scoperto i teatri d'Oriente, che si riflettevano nel costume di scena.

Nei primi anni dopo la Rivoluzione d'Ottobre il costume teatrale è completamente scomparso, è stato sostituito da "tute", poiché gli attori sono "lavoratori del lavoro teatrale".

A poco a poco, tutto è tornato alla normalità e il costume teatrale è tornato di nuovo sul palco. Inoltre, nel XX sec. c'era uno spettacolo così nuovo come il teatro della moda. Gli spettacoli di modelli si sono trasformati in spettacoli teatrali musicali. Così il costume domestico è stato finalmente apertamente "sposato" con il teatro.

Elenco della letteratura usata

2. Gelderod M. de. Teatro: Sab.: Per. da p. / Post-ultimo. L. Andreva, p. 653-694

3. Commento. S. Shkunaeva; Artistico N. Alekseev. -M.: Arte, 2003. -717 p.

4. De Filippo E. Teatro: Spettacoli: Per. con esso. /Dopo. L. Vershinina, p. 759-775; Artistico N. Alekseev. -M.: Arte, 2007. -775 p.

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Ruolo e significato del costume nel mondo antico: Egitto, Grecia, Rimma, India e Bisanzio. Costume dell'Europa occidentale nel Medioevo. Costume rinascimentale: italiano, spagnolo, francese, tedesco, inglese. Stile impero e romanticismo, rococò e barocco.

tesina, aggiunta il 26/12/2013


Caratteristiche dello sviluppo del costume dell'era barocca, l'ideale estetico della bellezza e caratteristiche di tessuti, colori, ornamenti. Caratteristiche speciali di costumi, scarpe e acconciature da donna e da uomo. Caratteristiche del sistema di taglio dell'era barocca, il loro riflesso nella moda moderna.

tesina, aggiunta il 12/07/2010


Caratteristiche generali della cultura e dell'arte del Giappone. Descrizione dei principi della formazione del costume del Giappone. Tipi di kimono, taglio e accessori. Interpretazione moderna del costume giapponese nelle opere di famosi stilisti (J. Galliano, A. McQueen, Is. Miyake, M. Prada).

abstract, aggiunto il 01/07/2013


Acconciature da donna dell'impero bizantino. Tratti caratteristici delle acconciature maschili dei secoli XV-XVI. L'evoluzione del costume di corte in Russia nel XVIII secolo. Stile "romanico" in una moderna immagine femminile. L'influenza del costume nobile sui costumi di altre classi.

COSTUME TEATRO, elemento prestazionale. Nella storia del teatro sono noti tre tipi principali di costume teatrale: personaggio, gioco e abbigliamento del personaggio. Questi tre tipi principali di costume esistono in tutte le fasi delle arti dello spettacolo, dal rituale rituale e dal folklore pre-teatro alla pratica artistica moderna.

Un costume da personaggio è una sorta di composizione figurativo-plastica sulla figura dell'esecutore, messa in moto da lui e doppiata (pronunciando il testo o cantando), a volte nascondendo completamente la sua figura, simile a come la maschera gli copriva il volto. Esempi di costumi di carattere in riti e cerimonie di diversi paesi del mondo. La silhouette a forma di campana del costume indiano era una parafrasi del tempio-tenda-torre di Nagar Shakhara e del sacro Menu di montagna (il centro e l'asse del mondo nella mitologia indù). Cinese - con la sua forma, disegno, ornamento e colore esprime l'antico simbolismo cosmologico dell'alternanza naturale di Luce e Oscurità, la fusione di Cielo e Terra nell'atto di creare il mondo. Il costume da sciamano dei popoli del Nord incarna le immagini di un uccello fantastico associato al "mondo superiore" e di un animale (un abitante del "mondo inferiore"). Il russo meridionale è una specie di modello dell'universo. Nelle rappresentazioni tradizionali dell'Opera di Pechino, il costume era l'immagine di un formidabile drago, nel teatro giapponese "No" - i motivi della natura, e nell'era barocca del XVII secolo. - Fiera o Mondo. Se per le esibizioni rituali rituali e folcloristiche, i costumi dei personaggi (come tutti gli altri elementi della scenografia) erano il frutto del lavoro di maestri popolari anonimi, allora nel XX secolo, fin dall'inizio, gli artisti iniziarono a comporli: I. Bilibin - nell'opera Il galletto d'oro N. Rimsky-Korsakov (1909), K. Frych - in bure W. Shakespeare (1913), V. Tatlin - in Zar Massimiliano, P. Filonov - nella tragedia Vladimir Majakovskij, infine, K.Malevich - nel progetto vittoria sul sole(tutte e tre le produzioni nel 1913). E poi, alla fine degli anni '10, la prima metà degli anni '20. un'intera serie di costumi dei personaggi è stata creata dai futuristi italiani E. Prampolini, F. Depero e altri, O. Schlemmer del Bauhaus tedesco, e nel balletto - da P. Picasso, che ha mostrato Gestori grotteschi in Parata E. Satie e F. Leger - Divinità negre in Creazione del mondo D.Millau. Infine, l '"architettura" del costume cubista di A. Vesnin ha acquisito un significato caratteriale nelle esibizioni di A. Tairov - in Annunciazione, le sue composizioni suprematiste sulle figure degli eroi Fedra. SU altre scene - le "tute shell" di Y. Annenkov nella commedia Gas G. Kaiser e A. Petritsky - in Viy, oltre a fantastici collage come costumi dei personaggi per la performance revisore dei conti, che sono stati creati dagli studenti di P. Filonov (N. Evgrafov, A. Landsberg e A. Sashin) sul tema dei francobolli, stemmi, sigilli, buste, ecc. - il personaggio dell'Uomo-Osteria. Nella seconda metà del XX secolo i costumi come personaggi visivi indipendenti, mostrati separatamente dagli attori, come elemento di scenografia, sono stati creati da M. Kitaev e S. Stavtseva, e come vari tipi di composizioni sulle figure degli attori - K. Shimanovskaya, D. Mataitene, Yu Kharikov.

Un costume da gioco è un mezzo per trasformare l'aspetto di un attore e uno degli elementi del suo gioco. Nelle rappresentazioni rituali e folcloristiche, la trasformazione aveva spesso un carattere grottesco-parodico, quando gli uomini si vestivano da donne, le donne da uomini, i giovani da vecchi, le bellezze da streghe o quando venivano raffigurati vari animali. Allo stesso tempo, veniva usato tutto ciò che era a portata di mano: uno zhupan, un cappotto di pelle di pecora, un involucro, una pelle di pecora - sempre capovolta, più divertente e divertente, così come qualsiasi altro indumento, in qualche modo ridicolo, "ribaltato", ad esempio pantaloni troppo accorciati, una camicia eccessivamente ampia, calze bucate, tutti i tipi di stracci, stracci, stracci, borse, corde. si usava anche tutto ciò che la natura dava: erba, fiori, paglia, foglie. Infine, per la medicazione venivano utilizzate anche varie decorazioni artificiali: carta colorata, corteccia di betulla, lamina, vetro, nastri, specchi, campanelli, piume, ecc. Le tecniche del mascheramento grottesco sono passate sia nelle rappresentazioni delle commedie greche antiche sia nel teatro tradizionale orientale, dove sono state combinate con il gioco vario dell'attore con elementi del suo costume: maniche lunghe e piume di fagiano - nell'Opera di Pechino, treni, asciugamani e ventagli - nel "Ma" giapponese. Spettacoli della commedia dell'arte italiana, opere teatrali di Shakespeare e Lope de Vega sono state costruite su infiniti travestimenti e travestimenti. Alla fine del XVIII secolo Emma Hart (Lady Hamilton) ha costruito la sua famosa danza sul gioco con uno scialle, dopo di che tecniche simili (manipolazioni con sciarpe, copriletti, veli e altri elementi di costume simili) sono state ampiamente utilizzate nel teatro del balletto del XIX secolo, raggiungendo la loro massima altezza artistica nell'opera di L. Bakst, i cui schizzi di immagini coreografiche includevano la dinamica di vari tessuti volanti, cinture, sciarpe, gonne, sciarpe , impermeabili, mantelle, ciondoli, giarrettiere. Sul palcoscenico drammatico, la tradizione del costume, che suona insieme ai movimenti dell'attore, è stata continuata - per mezzo dell'espressività cubo-futuristica - A. Exter negli spettacoli del Teatro da Camera Salomè O. Wilde e Romeo e Giulietta W. Shakespeare, seguito dal suo allievo P. Chelishchev e altri maestri dei primi anni '20: V. Khodasevich e I. Nivinsky, I. Rabinovich e G. Yakulov, S. Eisenstein e G. Kozintsev, infine, di nuovo sul palcoscenico del balletto, messo in scena da K. Goleizovsky - B. Erdman. Se durante questo periodo i costumi teatrali costituivano un'intera tendenza nella scenografia, allora nella seconda metà del XX secolo. sono stati utilizzati da artisti e registi anche abbastanza ampiamente, ma per necessità, come elemento della "tavolozza" di mezzi espressivi a loro disposizione. Tra gli autori di costumi teatrali moderni ci sono gli artisti georgiani Sameuli, G. Aleksi-Meskhishvili e N. Ignatov, esempi simili si possono trovare nei teatri di altri paesi: in Polonia, nella Repubblica Ceca, in Germania, in Italia.

Il costume, come l'abbigliamento del personaggio, essendo spesso la base per comporre i tipi di costume discussi sopra (per il personaggio e il gioco), in tutti i periodi dello sviluppo storico del teatro, in misura maggiore o minore, è l'incarnazione sul palcoscenico di ciò che le persone indossavano in questo periodo. Così era nell'antica tragedia, e così rimane nelle rappresentazioni dei nostri giorni. Allo stesso tempo, l'evoluzione generale di questo tipo di costume è stata caratterizzata da un passaggio dalle forme convenzionali dell'abbigliamento reale (nell'era del barocco e del classicismo) alla sua sempre maggiore affidabilità, accuratezza e autenticità storiche, geografiche, nazionali. Nel teatro del naturalismo e del realismo psicologico, il costume diventa pienamente adeguato al carattere del personaggio, esprime non solo il suo status sociale, ma anche il suo stato d'animo. Allo stesso tempo, sia oggi che nei secoli passati, il costume rimane oggetto di una speciale creatività degli artisti (tra cui i più eccezionali maestri di belle arti e scenografie) e lo compongono (anche, sembrerebbe, i costumi quotidiani di tutti i giorni, per non parlare di quelli fantastici), non solo come opera separata, ma come componente essenziale della performance.

Basato sul libro di Zakharzhevskaya R. V. "The History of the Costume"

Mi vergogno ad ammetterlo, ma sono il tipo di regista e attore per il quale il costume di scena non ha molta importanza. Non mi interessa davvero cosa indosso sul palco, e anche il costume più accurato non mi aiuta ad abituarmi meglio all'immagine del personaggio, perché l'adattamento interno per me è molto più importante. Come regista, non mi attengo mai a un'epoca oa un luogo, preferendo pensare che non abbia importanza e che la storia che voglio raccontare sarebbe potuta accadere ovunque, in qualsiasi momento. La ragione di tale indifferenza per la componente visiva in me è probabilmente la mia completa ignoranza nelle arti visive e il sottosviluppo della percezione visiva. Ma io stesso capisco quanto mi sbagli e quanto perdano le mie produzioni per questo.

Quindi, cos'è un costume di scena e perché è importante sia per l'attore che per la produzione nel suo insieme? Il costume teatrale è una componente dell'immagine scenica dell'attore, questi sono i segni e le caratteristiche esterne del personaggio interpretato, che aiutano la reincarnazione dell'attore; mezzi di influenza artistica sullo spettatore. È sbagliato pensare che l'abito sia limitato solo ai vestiti. Questo è anche trucco, capelli, scarpe, accessori (ombrelli, sciarpe, sciarpe, valigette, borse, cappelli, gioielli). Solo in un tale complesso di cose il concetto di costume è completo.

Per un attore un abito è materia, una forma ispirata al significato del ruolo. Claude Autan Lara, noto regista francese, scrive nel suo articolo “Un costumista nel cinema deve vestire i personaggi”: “Un costume è uno degli elementi fondamentali per fare film, non solo dal punto di vista storico, ma anche psicologico... Molto più di un paesaggio, l'abbigliamento trasmette uno stato d'animo: attraverso di esso ognuno di noi scopre una parte della sua personalità, le sue abitudini, i suoi gusti, i suoi punti di vista, le sue intenzioni... Il costume dice che questa persona ha appena fatto, cosa sta per fare, e cioè precisamente perché il costume al cinema deve essere prima di tutto un'indicazione psicologica...”

Anche durante i lavori preparatori di un'opera teatrale o di un film, l'artista disegna schizzi di costumi, partendo dall'idea incarnata nella drammaturgia, dall'idea del regista, dalla decisione stilistica della produzione futura e, naturalmente, dalla caratterizzazione dei personaggi. Lo schizzo suggerisce lo stile di indossare il costume, l'andatura, prevede la necessaria deformazione della figura, il posizionamento della testa, il movimento delle mani e il modo di tenerle, la nitidezza del disegno della silhouette, l'attore nel costume.

Un cattivo costume può "uccidere" un attore; buono - "sollevare", dare la chiave per comprendere il ruolo, per rivelare alcune qualità del personaggio. Se il costume è scomodo, se cade, si strappa, si aggrappa agli oggetti di scena e alla scenografia, ostacola i movimenti, allora l'attore (e il pubblico con lui) sarà costantemente distratto da lui, dimenticando la linea del ruolo. Allo stesso tempo, un buon costume che rifletta il carattere del personaggio ti aiuterà ad abituarti meglio al ruolo, a sentire la verità e persino a creare lo stato emotivo richiesto.

Inoltre, lo spettatore è anche in grado di considerare molte delle caratteristiche del personaggio semplicemente dal suo aspetto. Ricorda almeno Charlie Chaplin con il suo famoso vagabondo. “La bombetta, i baffi e il bastone parlano di prosperità, ma che triste delusione proviamo quando lo sguardo scivola sulla redingote sformata e sui pantaloni “stranieri” che cadono sugli stivali! No, la vita è fallita! Le parti degli abiti così abilmente interpretate, costruite in contrasto, hanno creato un'immagine indimenticabile per persuasività e potere di influenza, che è diventata un simbolo del "piccolo uomo".

Il costume è in grado di esprimere le caratteristiche psicologiche dell'eroe, ad es. tradire le proprietà del suo carattere (gentilezza, avarizia, spavalderia, modestia, audacia, brio, civetteria, ecc.) o stato d'animo e umore. Il carattere di una persona si riflette sempre nel suo aspetto. Come viene indossato un abito, con quali dettagli è completato, in quali combinazioni è composto: tutte queste sono caratteristiche che rivelano il carattere del proprietario. E l'attore deve ricordarlo. Una signora elegante in uno stato d'animo normale non può essere trascurata in un abito. Un ufficiale responsabile non può permettersi di non allacciare tutti i bottoni della sua uniforme. D'altra parte, sono proprio tali deviazioni dalla norma che emetteranno uno stato emotivo speciale dell'eroe.

Il costume può anche esprimere le caratteristiche sociali dell'eroe. Per costume, lo spettatore riconosce inequivocabilmente ricchi e poveri, militari e intellighenzia, nobili e borghesi.

Inoltre, un costume in scena può cambiare la figura di un attore, non solo in base all'immagine e all'età, ma anche in base alla moda. La deformazione, se non si tratta di un cambiamento plastico della figura mediante spessori o sovrapposizioni, viene effettuata modificando i rapporti proporzionali delle linee principali della figura e un taglio speciale dell'abito, spostando la linea di cintura, varie forme del corpetto. Tali cambiamenti possono essere di grande aiuto nella creazione di ruoli di personaggi ed eroi che vivono in un'epoca particolare.

Avere solo un buon costume per un attore non è sufficiente. Lavora con un abito. È "assestarsi", "invecchiare", "consumarsi". Si tratta anche di una sorta di lavoro psicologico con il costume, uno dei veri mezzi di "rivitalizzazione" e "spiritualizzazione" del costume. Non sto parlando del fatto che devi solo abituarti al costume, perché prima l'attore trova il costume, prima inizia a provarlo, meglio è. Pertanto, il completamento della creazione di un'immagine in costume rimane all'attore: come lo batterà, come si abituerà, come potrà indossarlo.

Il costume, ovviamente, riflette il tempo e il luogo dell'azione. Questo è particolarmente importante nelle esibizioni quotidiane e realistiche. Se i costumi sono accurati per l'epoca o splendidamente stilizzati per essa, il pubblico avrà più fiducia in ciò che sta accadendo sul palco. Non sto parlando di errori nei costumi nei film, che soprattutto gli spettatori corrosivi poi procrastinano a lungo e con piacere (puoi leggere esempi).

Il costume, come lo scenario, dipende dallo stile della performance. “... Arriva un momento in cui il regista, come all'improvviso, scopre di aver trovato una soluzione alla performance, e da quel momento avrà già la chiave di ogni dettaglio. Lo stile trovato ti dirà come dovrebbero camminare gli attori, come dovrebbero sedersi, se dovrebbero parlare romanticamente ottimisti o tutti i giorni con i piedi per terra. Lo stesso stile vi dirà se le decorazioni dovranno essere semplici o sofisticate, se gli arredi dovranno essere autentici o allegramente dipinti sul retro; i costumi dovrebbero essere combinati in netti contrasti cromatici o essere dello stesso tipo? Pertanto, ad esempio, i costumi nell'Amleto di Lyubimov, Nyakroshyus e Zeffirelli sono così diversi l'uno dall'altro.

A volte un costume può diventare un simbolo indipendente, quando lo spettatore lo percepisce non più solo come i vestiti dell'eroe, ma legge l'idea del regista, la metafora incorporata nel costume. Ne ho già parlato, citando Charlie Chaplin, il cui costume è diventato un simbolo sia del "piccolo uomo" che di Chaplin stesso. L'abito rosso dell'eroina della commedia "Kalkverk", di cui sono io, le conferisce alcuni tratti demoniaci, è percepita come una minaccia, un pericolo. Inoltre, il cambio stesso del solito vestito grigio in rosso vivo indica l'irrealtà di ciò che sta accadendo, che questo è solo un sogno creato dall'immaginazione malata dell'eroe.

Volevo anche scrivere alcuni consigli pratici, ma già il "foglio" si è rivelato. Ovviamente, questo argomento è interessante e immenso. Sono solo all'inizio della sua divulgazione, quindi sicuramente ci tornerò più di una volta.

Riassumendo:

1. Un costume è un mezzo per rivelare il carattere del personaggio.

2. Il costume può cambiare la figura dell'attore.

3. Il costume riflette il tempo e il luogo dell'azione, lo stile dell'epoca.

4. Un costume è una parte importante della decisione espressiva e dello stile di un'opera teatrale o di un film.

5. Un abito può diventare un simbolo.