Generi d'arte moderni del XX e XXI secolo. La mostra “sempre moderna. arte dei secoli XX-XIII”. al VDNH Dadaismo. movimento anticulturale e pacifista, che i francesi prendono il nome da un cavallo di legno

30.06.2019

Che cos’è la bellezza? Questa domanda se la sono posta in tanti.
La bellezza è stata cercata... E la bellezza è stata trovata. Suo
cantava e lo imprimeva. Bellezza ovunque
persona. Evoca gioia e stupore
le nostre anime.. Come conservarle?
esprimere?Come acquisire? Per un aiuto
l'arte arriva all'uomo.
Una delle arti più potenti
è un dipinto che riflette
realtà su un aereo utilizzando
vernici

Breve storia della pittura moderna.

Come l'arte moderna, moderna
dipinto nella sua forma attuale
formatosi negli anni '60-'70 del XX secolo. Abbiamo camminato
cerca alternative al modernismo, spesso
furono introdotti anche principi contrari.
I filosofi francesi hanno coniato il termine
“postmodernismo” e a questa tendenza
Molti artisti hanno aderito.
I fenomeni più notevoli dell'arte degli anni '60 e '70
arte concettuale in acciaio e
minimalismo. Negli anni '70 si è verificato un aumento
orientamento sociale dell'arte
processi.

Ciò si è manifestato nel contenuto degli argomenti che
allevato da artisti; contiene: il più
un fenomeno notevole di questo tempo è il veminismo e
anche l'attività delle minoranze etniche e
gruppi sociali. Negli anni '70 e '80 sembrava che la gente lo facesse
stanco di concept art e
gradualmente tornò alla figuratività, al colore
e figuratività. È ambientato a metà degli anni '80
l’ascesa dei movimenti che utilizzano le immagini
cultura popolare: campismo, arte Eastvillage e neo-pop. Fiorisce
fotografia: sempre più artisti iniziano
usarlo come strumento
espressione artistica.

Arte contemporanea

In Russia negli anni '90 esisteva il termine “reale
arte". Significava
innovazione nell'arte contemporanea nelle idee e
mezzi tecnici. È diventato rapidamente obsoleto e
la questione del suo ingresso nella storia del moderno
l'arte del XX o XXI secolo è aperta. In
attribuito a molte opere d'arte contemporanea
quattro all'avanguardia. Alcune vedove
l'arte contemporanea era spesso
soggetto a critiche istituzionali. IN
In Russia questo tipo di attività è praticamente
assente.

Avdey Ter-Oganyan “Marx ed Engels sull'arte” (un esempio di critica istituzionale).

Opere dalla collezione di Viktor Bondarenko.

Pittura metafisica.

Il fondatore della pittura metafisica
è Giorgio de Chirico, che è ancora presente
il periodo del suo soggiorno a Parigi nel 1913-1914 creò aree urbane deserte
paesaggi; la sua serie “Piazze d’Italia”
ha dato una dimensione fantastica
classica italiana convenzionale
architettura, che ha ricreato nei suoi dipinti. IN
i paesaggi urbani trasmettevano la sensazione
l'allarmante congelamento del mondo, il suo
alienazione da una persona.

G. de Chirico “La malinconia della strada” (1914)

“Malinconia della strada”
indicare
aspirazione dell'autore
riempire di più
situazioni quotidiane
sensazione
pericolo e
irrealtà.

Morandi. Natura morta con manichino. 1918

Astrattismo.

Direzione artistica non figurativa,
a cui si è rifiutato di avvicinarsi
realtà della rappresentazione delle forme pittoriche
e scultura. Uno degli obiettivi dell'arte astratta è
realizzare “armonizzazione”, creare
alcune combinazioni di colori e
forme geometriche da evocare
il contemplatore ha varie associazioni.

Kandyan. Cosacchi (dettaglio della composizione IV).1910

L'artista ha detto che lei
in base alle impressioni
dall'ingresso dei cosacchi a Mosca
durante il rivoluzionario
eventi del 1905-1906.
Questo lavoro si riferisce a
semiastratto. IN
angolo in alto a sinistra - due
Cosacchi con sciabole. Sulla destra
– due con picche e uno con
sciabola su sfondo blu
la collina su cui sorge
casa. L'arcobaleno è un ponte.

Malevich. Quadrato nero. 1915

Malevich: quadrato nero.

Malevich divenne l'autore del più famoso, il più
l’immagine misteriosa e più spaventosa del mondo
- “Quadrato Nero”. Con un semplice movimento
spazzole ha compiuto una volta per tutte l'impraticabile
linea, segnava il divario tra il vecchio
l'arte e il nuovo, tra l'uomo e i suoi
ombra, tra una rosa e una bara, tra la vita e
morte. Secondo le sue stesse parole, “ha ridotto
va tutto a zero”. Per qualche motivo si è rivelato pari a zero
quadrato, e questa semplice scoperta è una delle
gli eventi più terribili mai visti nell'arte
la storia della sua esistenza.

Cubismo.

Direzione d'avanguardia nella pittura 20
secolo, caratterizzato dall'uso
condizionale enfaticamente geometrizzato
forme, la voglia di “spaccare” reale
oggetti in primitive stereometriche.
L’emergere del cubismo è tradizionalmente datato
1906-1907 E associato al lavoro di Pablo
Picasso e Georges Braque. Il termine “cubismo”
apparve nel 1908, dopo
ha chiamato il critico d'arte Louis Vaucelle
I nuovi dipinti di Braque sono “cubici”
stranezze."

Pablo Picasso. Ragazze di Avignone. 1907

Juan Gris. Colazione.

A. Archipenko. Gondoliere.

Surrealismo.

Una nuova direzione nella pittura,
formato all'inizio degli anni '20 durante
Francia. Caratterizzato dall'uso di allusioni
e combinazioni paradossali di forme.
Il concetto base del surrealismo, la surrealtà
– combinazione di sogno e realtà. Per questo
i surrealisti proponevano l’assurdo,
la contraddizione dell'accostamento naturalistico
immagini attraverso collage e tecnologia
"già pronto". I surrealisti furono ispirati
ideologia della sinistra radicale. Arte
pensavano come lo strumento principale
liberazione.

Salvodor Dalì.Un sogno ispirato al volo di un'ape.

Max Ernesto. Angelo del focolare o il trionfo del surrealismo 1937

René Magritte Il figlio dell'uomo 1964

Magritte ha dipinto questo dipinto come un autoritratto. SU
raffigura un uomo con un cappotto e una bombetta, in piedi vicino al muro, dietro il quale
sono visibili il mare e il cielo nuvoloso. Il volto dell'uomo
quasi completamente ricoperto dal galleggiante
davanti a lui c'è una mela verde. Con il suo nome
si ritiene che il dipinto debba la sua immagine
un moderno uomo d'affari rimasto figlio
Adamo e una mela che simboleggia
tentazioni che continuano a tormentarmi
l'uomo nel mondo moderno.

Moderno (modernismo)

Direzione artistica nell'arte, altro ancora
popolare nella seconda metà del XIX - inizio XX
secolo .. L'Art Nouveau ha cercato di combinare artistico e
funzioni utilitaristiche delle opere create,
coinvolgere tutte le sfere di attività nella sfera della bellezza
persona.
La pittura Art Nouveau è caratterizzata da una combinazione
sfondi ornamentali "tappeto" e
tangibilità naturalistica di figure e dettagli,
silhouette, uso di colori grandi
piani o monocromi finemente sfumati.
La scultura si distingue per la dinamica e la fluidità delle forme
Art Nouveau, gioco magistrale di linee e silhouette fragili
- arti grafiche.

MA Vrubel Perla 1904

In questo lavoro, Vrubel cerca la natura. natura,
lontano dalla vita delle persone, dove gli esseri umani stessi
anche le figure sono rese magiche e
non vicino a noi. Non c'è il calore dell'intimità
luci lontane, ma tanta tentazione, tantissima
nuovi percorsi: ciò di cui abbiamo bisogno. Questo
“Perla” è anche piena di tentazioni. Di più
che mai in esso Vrubel si avvicinò
la natura nella sua migliore trasmissione e tuttavia no
si allontanò dalla sua solita magia.

A. Mucha. Danza

A.Mukha. La principessa Giacinto

Arte ottica

Movimento artistico della seconda metà degli anni '20
secolo, utilizzando immagini diverse
illusioni basate sulle caratteristiche
percezione del piatto e dello spaziale
figure. La corrente continua
linea razionalistica del tecnicismo
(modernismo). L’Op Art è una delle varietà
arte cinetica; Arte op. si impegna per
ottenendo l'illusione ottica del movimento
un oggetto artistico stazionario di
impatto psicofisiologico su
spettatori e la loro attivazione.

Descrivi non l'originale, ma l'atteggiamento nei suoi confronti (Pablo Picasso)

Benvenuti nel blog!

Movimenti artistici contemporanei e musei del mondo. A tutti noi manca cronicamente il tempo per “assorbire” tutte le informazioni in tutte le aree di nostro interesse, quindi ho deciso di preparare questo guida all'arte contemporanea.

Sarà il più conciso possibile. Prenderemo in esame i principali movimenti dell'arte contemporanea, nonché i musei più famosi del mondo dell'arte contemporanea in cui sono rappresentati. A proposito, questo può servire come ulteriore incentivo per nuovi viaggi!

Alla fine dell'articolo troverete una video recensione di uno dei musei più interessanti - Teatro-Museo di Salvador Dalì a Figueres (Spagna).

Imparerai dall'articolo:

dove e come sono apparse ciascuna delle direzioni dell'arte contemporanea, le sue idee
che sono i rappresentanti più brillanti della direzione
luoghi in cui vedere il loro lavoro

Considereremo 50 tendenze più significative e vivaci del XX-XXI secolo, che divenne rivoluzionario e determinò il corso degli eventi futuri. Forse non sarà possibile inserire tutte le informazioni in un unico articolo, quindi dovrai suddividerlo in 3 parti secondo i periodi di origine di ciascuna direzione arte contemporanea.

La guida all’arte contemporanea comprenderà 3 articoli:

Parte 1. Prima metà del XX secolo ( lo vedremo in questo articolo)

Se vuoi approfondire ciascuno degli ambiti dell'arte contemporanea(ognuno ha rami) e vedere molte opere dei loro rappresentanti più importanti, molto Ti consiglio di utilizzare il progetto GoogleProgetto artistico di Google. Consiglio anche questi blog per capire cosa succede nell'arte e nel design contemporaneo: But Does It Float, Them Thangs, American Suburb X, M U S E O.

Direzioni dell'arte contemporanea della prima metà del XX SECOLO. I musei più famosi nel mondo dell'arte contemporanea.

In questa parte esamineremo queste tendenze più brillanti della prima metà del 20° secolo:

Modernismo
Post impressionismo
Avanguardia
Fauvismo
Astrattismo
Espressionismo
Cubismo
Futurismo
Cubofuturismo
Formalismo
Naturalismo
Nuova materialità
Dadaismo
Surrealismo

Il 20° secolo è il periodo delle idee più inaspettate e talvolta addirittura stravaganti. Ma senza di loro, molto probabilmente l'arte ha preso un percorso di sviluppo diverso. E rimarrebbe il vantaggio di un numero ristretto di iniziati. Ma le nuove tendenze dell'arte "hanno avvicinato" l'arte alla vita e, si potrebbe dire, l'hanno "portata" in strada, al comune passante. Hanno reso questo passante coautore delle loro opere. La capacità di creare e comprendere l'arte è diventata disponibile non solo per le élite, ma per molti.

Il motto dell’arte del XX secolo era “L’arte nella vita”.

L'arte gestuale, i ready-made e le installazioni sono ancora attuali oggi. La net art, il massurrealismo e la superpiattezza sono movimenti artistici adeguati al loro tempo, perché si rivolgono alle persone moderne in un linguaggio a loro comprensibile.

Nel nostro secolo, una storia simile è accaduta con la professione di fotografo. Grazie all'avvento della fotografia digitale, di Internet e dei social network, della disponibilità di una fotocamera (è diventata semplicemente un'aggiunta al telefono), ora quest'area di attività molto interessante è diventata accessibile a tutti. Ora una persona su due è un fotografo di talento che ha un bellissimo account con foto su Instagram, Pinterest, Facebook e altri social network. Maggiori informazioni su questo fenomeno del nostro secolo nell'articolo sul socialismo tecnologico ().

1. MODERNISMO. Artisti modernisti. Un movimento innovativo della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo, che mise in discussione la tradizione della rappresentazione realistica

Il modernismo comprende tutte le tendenze artistiche apparse dopo il 1863 e fino alla metà del XX secolo. Nel 1863 fu aperta a Parigi la mostra Salon of the Rejected, un'alternativa al Salon ufficiale. L’obiettivo della nuova arte era quello di creare opere non con un’immagine reale, ma tenendo conto della visione del mondo dell’autore.

Artisti modernisti: Chagall, Picasso, Modigliani, Borisov-Musatov, Klimt e altri artisti, dagli impressionisti ai surrealisti, hanno fatto una svolta, una rivoluzione nell'arte. Credevano che la visione del mondo di una persona fosse unica e inimitabile. E la tradizione di rappresentare realisticamente nella scultura e nella pittura è obsoleta.

Inoltre, i dadaisti generalmente mettevano in dubbio il significato e l'essenza dell'arte. I loro dubbi hanno portato alla nascita dell’arte concettuale, che non discuteva dell’esecuzione dell’opera, ma della sua idea. Gli impressionisti iniziarono a organizzare le loro mostre, apparve un mercato dell'arte e l'arte divenne una forma di investimento.

2. POST-IMPRESSIONISMO. Il postimpressionismo nella pittura si basava sull'impressionismo, ma non trasmetteva uno stato, ma un momento separato

Il postimpressionismo nella pittura divenne il collegamento tra il XIX e il XX secolo. Questo movimento non apparteneva né agli impressionisti né ai realisti. Questi artisti cercavano una via di mezzo, ciascuno a modo suo, inventando nuove tecniche: puntinismo (Paul Signac, Georges Seurat), simbolismo (Paul Gauguin e il gruppo Nabi), pittura lineare in stile Art Nouveau (Henri de Toulouse-Lautrec ), la base costruttiva del soggetto (Paul Cézanne ), e i presagi dipinti espressionisti di Vincent van Gogh.

Aspetto. Gli artisti postimpressionisti sono rappresentati in molti musei. Dipinti di Georges Seurat - nel Museo Reale di Belle Arti (Bruxelles, Belgio), Emile Bernard - nel Museo d'Orsay (Parigi, Francia), Vincent van Gogh - nel museo omonimo (Amsterdam, Olanda), Henri de Toulouse-Lautrec - nel museo a lui intitolato (Albi, Francia), Henri Rousseau - al Museo d'Arte Moderna di Mosca (Russia).

3. AVANGUARDISMO. I movimenti più innovativi, 15 nel XX secolo, dal Fauvismo alla Pop Art

Gli artisti d’avanguardia capirono che dipingere il mondo così com’è era diventato privo di significato. Non si poteva che stupire con qualcosa di stravagante lo spettatore che credeva nel progresso e nel superuomo di Nietzsche. Ma non paesaggi.

Pertanto, gli artisti d’avanguardia abbandonarono assolutamente tutto ciò che era “classico” e apparivano “belli”. E ora tutto ciò che sembrava scioccante e richiedeva associazioni e immaginazione cominciò a essere chiamato avanguardia. Gli avanguardisti disprezzavano i dettagli perché credevano che il mondo fosse universale.

Sono gli artisti d’avanguardia a possedere il motto “L’arte nella vita!” Le aree chiave dell'arte d'avanguardia sono l'installazione, l'arte ready-made, gli avvenimenti, l'ambiente, così come la musica elettronica, la fotografia e il cinema.

Aspetto: L'avanguardia nella pittura è rappresentata dalle opere di Marcel Duchamp, Georges Braque, Pablo Picasso, Salvador Dalì, Henri Matisse - all'Ermitage (San Pietroburgo, Russia), al Centre Georges Pompidou (Parigi, Francia), al Museo di Arte Moderna (New York, USA), Guggenheim Museum (New York, USA).

4. FAUVISMO. La direzione a cui apparteneva il gruppo di artisti “Wild Beasts”.

Il fauvismo è diventato il primo movimento d'avanguardia nell'arte del XX secolo. Da lui all'astrattismo mancava solo un passo.

Gli artisti fauvisti erano “selvaggi” principalmente nel colore. Henri Matisse, il leader del gruppo, utilizzò nelle sue opere i motivi allora alla moda delle stampe giapponesi a colori. Per migliorare l'effetto, i Fauvisti usavano spesso un contorno colorato. I selvaggi influenzarono notevolmente gli espressionisti tedeschi.

Aspetto: Il fauvismo in pittura è presentato al Centre Georges Pompidou (Parigi, Francia), al Museo d'Orsay (Parigi, Francia) e al Museo d'Arte Moderna (Baltimora, USA).

5. ASTRAZIONISMO. Il primo movimento pittorico nella storia dell'arte che si rifiutò di rappresentare il mondo come reale

Artisti astratti, fondatori del movimento: Kandinsky, Malevich, Mondrian, Delaunay. Chiamavano l'astrazione una nuova fase della pittura. È stato affermato che l’astrazione può ora creare forme che esistono solo nell’arte. Ad esempio, il quadrato nero di Malevich può contenere tutto ciò che contiene il colore nero e la forma di un quadrato, ad esempio l'intera storia dell'arte.

Distinguere tra astrattismo lirico e geometrico. L'astrattismo geometrico comprende il suprematismo di Malevich, l'orfismo di Delaunay e il neoplasticismo di Mondrian. Al lirico - le opere di Kandinsky, alcuni espressionisti (Pollock, Gorka, Mondrian), tachisti (Wols, Fautry, Saura), informalisti (Tapies, Dubuffet, Schumacher).

Aspetto: Museo Statale Russo (San Pietroburgo, Russia), Galleria Tretyakov (Mosca, Russia), Museo Nazionale d'Arte e Museo d'Arte Russa di Kiev (Kiev, Ucraina), Museo d'Arte Moderna (New York, USA).

6. ESPRESSIONISMO. Gli artisti espressionisti raffiguravano immagini luminose con soggetti tristi.

Egon Schiele. Valli con una camicetta rossa, con le ginocchia alzate, 1913

L'espressionismo nella pittura è associato alla creatività di due associazioni artistiche. The Bridge è stato fondato nel 1905 da Kirchner, Schmidt-Rotluff e Heckel e The Blue Rider è stato fondato nel 1911 da Mark e Kandinsky.

"The Bridge" si ispirava alla scultura africana, al gotico tedesco e all'arte popolare, mentre "The Blue Rider" si ispirava alla cosmologia e alle teorie mistiche che li portavano all'astrazione. Il linguaggio degli espressionisti è deformazioni, colori vivaci, immagini esaltate.

Entrambi i gruppi avevano una visione del mondo piuttosto morbosa, portata all'estremo dai loro seguaci: Edvard Munch, Max Beckmann e James Ensor.

Aspetto: Museo Edvard Munch (Oslo, Norvegia), dipinti di James Ensor - nel Museo Reale di Belle Arti di Anversa (Belgio).

7. CUBISMO. Gli artisti cubisti francesi hanno cercato di rappresentare il mondo usando forme geometriche.

Come altre direzioni, il cubismo nella pittura si è sviluppato da forme grezze e massicce a forme piccole, per poi buttarsi a capofitto nel collage. L'esperienza ha dimostrato che le figure geometriche semplici sono troppo poche e troppo rozze per rappresentare il mondo. Ma nei collage, i cubisti potevano usare oggetti luminosi, voluminosi e strutturati e quindi prolungare la vita di questa direzione per qualche tempo.

Dichiarazioni molto interessanti sul cubismo furono scritte dai suoi contemporanei, ad esempio il filosofo russo Berdyaev definì il cubismo “la rivoluzione più radicale dal Rinascimento”. Hemingway disse: “Per capire il cubismo, devi vedere come appare la terra dal finestrino di un aereo”.

Aspetto:È meglio vedere Picasso nel museo a lui intitolato (Barcellona, Spagna), Marcoussis, Braque e Léger - al Museum of Modern Art (New York, USA), Alexander Archipenko - al Museo d'arte ucraino (New York, USA), il Museum of Modern Art (New York, USA), il National Art Museum (Kiev, Ucraina).

8. FUTURISMO. "Arte futura" dell'inizio del XX secolo, che ha influenzato l'arte futura in tutto il mondo.

Per la prima volta nella storia, gli artisti rinunciarono ufficialmente a tutto ciò che era stato creato prima di loro e iniziarono a rappresentare il mondo in un modo nuovo. Credevano che un artista dovesse tenere il dito sul polso del suo tempo.

Gli artisti futuristi dipingevano sia paesaggi realistici che astrazioni raffiguranti velocità, energia e movimento. Il futurismo nella pittura si basava su tendenze precedenti: fauvismo (in termini di colore), cubismo (in termini di forma).

I futuristi divennero famosi per i loro discorsi e le loro azioni provocatorie. Erano essenzialmente le prime performance e gesti artistici. Le idee degli italiani furono riprese da artisti e poeti russi e ucraini.

Aspetto: Opere di Giacomo Balla, Fortunato Depero, Umberto Boccioni, Gino Severini - conservate nel Museo d'Arte Moderna di Trento e Rovereto (Rovereto, Italia), nel Museo d'Arte Moderna (New York, USA), nella Galleria Nazionale d'Arte Moderna (Roma) , Italia). I futuristi russi e ucraini possono essere visti al Museo delle Belle Arti. Pushkin (Mosca, Russia), Museo Nazionale d'Arte dell'Ucraina (Kiev, Ucraina), Museo d'Arte di Dnepropetrovsk (Dnepr, Ucraina).

9. CUBO-FUTURISMO. Un movimento che unì molti astrattisti dell'Europa orientale.

Il cubo-futurismo nella pittura divenne una miscela delle idee del cubismo, del futurismo e del primitivismo popolare. Il "cubismo russo" visse solo 5 anni, ma grazie ad esso apparvero tendenze così brillanti del secolo scorso come il Suprematismo (Malevich), il Costruttivismo (Lissitzky, Tatlin), l'arte analitica (Filonov).

Gli artisti cubo-futuristi hanno collaborato con poeti futuristi (Khlebnikov, Guro, Kruchenykh), da loro hanno ricevuto nuove idee.

Aspetto: Malevich - nella Galleria Municipale di Amsterdam (Olanda), Museo Statale Russo (Mosca, Russia), Galleria Tretyakov (Mosca, Russia), Opere di Burliuk, Exter, Goncharova - nel Museo Nazionale d'Arte (Kiev, Ucraina).

10. FORMALISMO. Una direzione che implicava il primato della forma sul significato

Cubismo, futurismo, fauvismo, astrattismo sono simili in quanto descrivono il mondo come diverso dalla realtà. Molti storici dell'arte tedeschi - Fiedler, Riegl, Wölfflin - hanno lavorato sulla teoria del formalismo e hanno dimostrato la forma dominante nell'arte, con l'aiuto della quale viene creata una "realtà ideale".

Sulla base di questa idea, negli anni '10 del XX secolo emerse in Russia una scuola linguistica di formalismo. Grazie a lei la critica letteraria è diventata una scienza di importanza mondiale.

Aspetto: Museo Matisse di Nizza (Francia), Museo Picasso di Barcellona (Spagna), Galleria Tate (Inghilterra).

11. NATURALISMO. Una tendenza nella letteratura e nell'arte nata sotto l'influenza delle idee dei positivisti

Gli artisti naturalisti americani ed europei, sostenitori delle idee allora alla moda dei positivisti Spencer e Comte, iniziarono a imitare la scienza, raffigurando il mondo senza abbellimenti, spassionatamente, obiettivamente. Ben presto scivolarono nel socialismo e nel biologismo: cominciarono a raffigurare ritratti di emarginati, patologie e scene di violenza.

Aspetto: I dipinti degli artisti naturalisti Max Liebermann sono nella galleria d'arte Kunsthalle (Amburgo, Germania), Lucian Freud è nel Museum of Modern Art (Los Angeles, USA).

Il naturalismo nella pittura ha influenzato il lavoro di artisti come Degas e Manet. La fotograficicità e la disestetizzazione del naturalismo nel XX secolo si manifesteranno nell'iperrealismo, ma qui ha un significato diverso. Gli artisti iperrealisti non si sforzano di copiare la realtà quotidiana. Gli oggetti del loro dipinto sono molto dettagliati e creano l'illusione della realtà. Falso ma convincente.

12. NUOVA SOSTANZA. Neoclassicismo - rappresentato dal lavoro di artisti tedeschi degli anni '20 e '30

Il direttore della galleria di Mannheim definì il lavoro dei giovani talenti che esposero nella sua galleria nel 1925 “nuova sostanza”. Rifiutavano le idee dell’espressionismo e sostenevano un ritorno alla rappresentazione realistica della realtà.

Credevano che il mondo dovesse essere rappresentato su tela in modo fotograficamente accurato, in tutta la sua bruttezza. Ma il loro realismo era più probabilmente da attribuire al grottesco che alla verità.

I nuovi esponenti delle cose Georg Gross, Max Beckmann, Otto Disk sono maestri di composizioni statiche e forme esagerate.

Aspetto: Georg Grosz, Otto Disk - nella Nuova Galleria Nazionale (Berlino).

13. DADAISMO. Movimento anticulturale e pacifista, che i francesi prendono il nome da un cavallo di legno

I dadaisti credevano che l'unico significato della creatività fosse creare qualcosa di divertente, poiché il mondo è pazzo. I primi dadaisti - gli zurighesi Gulsenbeck, Ball, Janko, Arp - organizzavano feste rumorose e allegre, pubblicavano una rivista e tenevano conferenze.

Avevano seguaci a Berlino (erano più coinvolti nella politica), Colonia (divennero famosi per una mostra a cui si poteva accedere solo attraverso il bagno) e Parigi (si lasciarono trasportare da azioni provocatorie). Il principale dadaista fu Marcel Duchamp, l’autore del concetto di “ready-made” e il primo temerario che dipinse i baffi di Gioconda. E anche Picabia, che espose progetti fantastici che erano allo stesso tempo un verdetto e un inno alla società industriale.

Aspetto: Opere di Duchamp e Picabia si trovano al Victoria and Albert Museum inglese (Londra, Inghilterra), al Museo Nazionale d'Arte della Catalogna (Barcellona, Spagna), al Guggenheim Museum (New York, USA) e all'Art Institute of Chicago (STATI UNITI D'AMERICA).

14. Surrealismo. Un movimento potente della prima metà del 20° secolo, ispirato da sogni, sogni e allucinazioni.

Gli artisti surrealisti, che si definivano seguaci diretti dei dadaisti, provocarono gli spettatori, cambiarono la coscienza e capovolsero le tradizioni.

Inizialmente, il surrealismo è apparso in letteratura (la rivista Literature and the Surrealist Revolution, autore Andre Breton). Gli artisti leggevano Freud e Bergson e consideravano il subconscio - sogni, allucinazioni - la fonte della creatività.

I rappresentanti della prima direzione del surrealismo nella pittura (Ernst, Miro, Masson) raffiguravano immagini sfocate. Il secondo (rappresentanti di Dalì, Delvaux, Magritte) - paesaggi e personaggi plausibili, accurati, ma non realistici. Il bellissimo inganno ha immediatamente conquistato il mondo. Il surrealismo ha dato impulso alla nascita della pop art, degli avvenimenti e della concept art.

Aspetto: Museo del Teatro Dali a Figueres (Spagna), Museo dell'Appartamento Rene Magritte a Bruxelles (Belgio), Metropolitan Museum e Museum of Modern Art (New York, USA), Tate Modern Art Gallery (Londra, UK).

In questa parte abbiamo conosciuto le tendenze più sorprendenti dell'arte della prima metà del XX secolo. Nella prossima pubblicazione prenderemo in considerazione le tendenze della metà del secolo scorso.

Riepilogo

1) Dall'articolo hai appreso del main brillanti direzioni artistiche della prima metà del 20 ° secolo: Modernismo, Post-impressionismo, Avanguardismo, Fauvismo, Astrattismo, Espressionismo, Cubismo, Futurismo, Cubofuturismo, Formalismo, Naturalismo, Nuova Materialità, Dadaismo, Surrealismo.

2) penso che tu abbia c'era voglia di fare un viaggio per visitare i musei più famosi del mondo dove sono rappresentati tutti i settori dell’arte contemporanea. Anche se adesso non hai questa opportunità, non arrabbiarti, l'importante è: sogna e il tuo sogno diventerà realtà! Controllato!

Guarda la recensione video dell'ispirazione straordinaria, sorprendente Museo-Teatro Dali artista surrealista Salvador Dalì, situato nella città di Figueres, in Catalogna (Spagna). Da Barcellona a Figueres puoi guidare in soli 53 minuti. I prezzi dei biglietti partono da 20 euro. Come organizzare il viaggio perfetto a Barcellona leggi questo utile articolo .

Ti auguro con tutto il cuore di fare un viaggio il prima possibile per vedere le opere dei tuoi maestri preferiti!

Auguro a tutti di gioire e sognare!

PS.

Scrivi i tuoi pensieri e le tue domande nei commenti, cosa ne pensi dell'arte contemporanea?

Iscriviti agli articoli più interessanti: modulo di iscrizione sotto l'articolo

Ad aprile 2016 l'inaugurazione della mostra “Always Modern. Arte dei secoli XX-XXI", che introduce gli spettatori alle opere d'arte più iconiche dei maestri d'arte russi, inclusi classici riconosciuti dell'inizio del XX secolo e contemporanei iconici dei nostri giorni.

Nonostante i dipinti inclusi nella mostra siano stati dipinti in anni diversi della storia del nostro paese e appartengano a diversi movimenti artistici stilistici, gli organizzatori del progetto sottolineano che i dipinti non solo non si contraddicono tra loro, ma anche al contrario, sembrano entrare in dialogo.

La mostra è divisa in tre parti, ciascuna delle quali si concentra su diverse soluzioni artistiche e ricerche stilistiche, sulle esigenze del tempo e sulle risposte ad esse da parte degli stessi autori.

Arte della prima metà del XX secolo. Avanguardia russa

In questa sezione, al pubblico vengono presentate le opere artistiche dell'avanguardia russa, che hanno fatto una vera rivoluzione nella comprensione dei compiti delle belle arti. Qui puoi vedere dipinti di G. Noskov, I. Klyun, A. Grishchenko, M. Le-Dantu, I. Malyutin e altri nello stile del neoimpressionismo, del cubismo, di Cezanne, del cubo-futurismo, del suprematismo e di altre tendenze.

Arte russa degli anni '60 -'80.

Questa sezione della mostra parla di opere d'arte degli anni '60-'80. Nell'arte sovietica di quegli anni, contemporaneamente al realismo socialista, apparvero varie modifiche stilistiche, ad esempio il cosiddetto "stile severo". Qui vengono presentate anche aree della pittura come l'espressionismo, il fotorealismo, il surrealismo, il realismo fantastico, ecc. In questa sezione, i visitatori potranno conoscere il lavoro di O. Bulgakova, A. Sitnikov, N. Nesterova, L. Nagel, L. Semeiko, T. Salakhova e molti altri. eccetera.

Creatività dei nostri contemporanei

Questa sezione introduce lo spettatore alle opere di artisti contemporanei della fine del XX – XXI secolo. Le opere esposte in mostra dimostrano come ai nostri giorni vari stili di pittura siano diventati veri e propri strumenti del linguaggio artistico, e gli stessi maestri, nel plasmarlo, citano le opere più famose dei loro predecessori e utilizzano tecniche già riconoscibili nel loro lavoro creativo . Questa sezione della mostra contiene opere di famosi artisti contemporanei come I. Makarevich, E. Bulatov, I. Nakhova, G. Guryanov e altri.

Arte contemporanea del 21° secolo, più precisamente, della fine del XX - inizio del XXI secolo. Questo sarà discusso in questo articolo, il terzo della serie. Guida all'arte contemporanea. Continueremo la nostra conoscenza con l'arte contemporanea. Diamo un'occhiata alle tendenze più brillanti della fine del XX e dell'inizio del XXI secolo.

Arte in cui c'è poco significato, ma molto significato (Alexander Genis)

Arte della fine del XX - inizio XXI secolo- onnivoro, ironico, velenoso, democratico - chiamato il declino di una grande epoca. I postmodernisti si trovano in una situazione in cui tutto è stato detto prima di loro. E tutto ciò che devono fare è utilizzare ciò che hanno creato, mescolare stili, creare arte, anche se non nuova, ma riconoscibile...

Nei 2 articoli precedenti della serie abbiamo esaminato:

Parte 3. La fine del 20° - inizio del 21° secolo ( lo vedremo in questo articolo)

Come nei 2 articoli precedenti, per ciascuna tipologia di art verranno indicati i luoghi: città, musei, siti, dove è possibile vedere le opere dei loro rappresentanti di spicco. Questo articolo, come i due precedenti, potrebbe diventarne un altro un incentivo per viaggiare di nuovo!

Dall'articolo imparerai: l'arte - le tendenze più brillanti della fine del XX secolo - l'inizio del XXI secolo.

neorealismo;
Arte minimale;
Postmoderno;
Iperrealismo;
installazione;
Ambiente;
Videoarte;
Graffiti;
Transavanguardia;
Arte del corpo;
Stuckismo;
Neoplasticismo;
Arte di strada;
Arte postale;
Nessuna arte.

1. NEOREALISMO. Questa è l’arte dell’Italia del dopoguerra, che ha lottato contro il pessimismo del dopoguerra.

Il nuovo fronte dell'arte unì astrattisti e realisti e durò solo 4 anni. Ma da esso emersero artisti famosi: Gabrielle Muchi, Renato Guttuso, Ernesto Treccani. Rappresentavano in modo vivido ed espressivo lavoratori e contadini.

Tendenze simili sono apparse in altri paesi, ma la scuola più sorprendente è considerata la scuola del neorealismo, apparsa in America grazie agli sforzi del monumentalista Diego Rivera.

Vedi: Renato Guttuso - Palazzo Chiaramonte (Palermo, Italia), affreschi di Diego Rivera - Palazzo Presidenziale (Città del Messico, Messico).

Particolare dell'affresco di Diego Rivera per l'Hotel Prado a Città del Messico, “Un sogno di una domenica nel parco Alameda”, 1948

2. ART. Questa è la direzione dell’avanguardia. Utilizza forme semplici ed esclude qualsiasi associazione.

Questa tendenza è apparsa negli Stati Uniti alla fine degli anni '60. I minimalisti chiamavano Marcel Duchamp (readymade), Piet Mondrian (neoplasticismo) e Kazimir Malevich (suprematismo) i loro diretti predecessori; chiamavano il suo quadrato nero la prima opera d’arte minimale.

Composizioni estremamente semplici e geometricamente corrette - scatole di plastica, griglie metalliche, coni - sono state realizzate nelle imprese industriali secondo gli schizzi degli artisti.

Aspetto:

Opere di Donald Judd, Carl Andre, Sol LeWitt - Guggenheim Museum (New York, USA), Museum of Modern Art (New York, USA), Metropolitan Museum of Art (New York, USA).

3. POSTMODERNO. Questo è un ampio elenco di tendenze irrealistiche della fine del XX secolo.

Vanchegi Mutu. Collage “Organi genitali di una donna adulta”, 2005

La ciclicità è caratteristica dell’arte, ma il postmodernismo è stato il primo esempio della “negazione della negazione”. All’inizio, il modernismo rifiutò i classici, poi il postmodernismo rifiutò il modernismo, proprio come in precedenza aveva rifiutato i classici. I postmodernisti tornarono alle forme e agli stili che esistevano prima del modernismo, ma a un livello più alto.

Il postmodernismo è un prodotto dell’era delle nuove tecnologie. Pertanto, la sua caratteristica è una miscela di stili, immagini, epoche e sottoculture diverse. La cosa principale per i postmodernisti era la citazione, l'abile giocoleria delle citazioni.

Vedi: Tate Gallery (Londra, Regno Unito), Museo Nazionale d'Arte Moderna Centre Pompidou (Parigi, Francia), Guggenheim Museum (New York, USA).

4. IPERREALISMO. L'arte che imita la fotografia.

Chuck Chiudi. "Roberto", 1974

Quest'arte è anche chiamata Superrealismo, Fotorealismo, Realismo radicale o Realismo freddo. Questa tendenza è apparsa in America negli anni '60 e 10 anni dopo si è diffusa in Europa.

Gli artisti di questo movimento copiano esattamente il mondo come lo vediamo nella foto. Nelle opere degli artisti si può leggere una certa ironia della tecnologia creata dall’uomo. Gli artisti raffigurano principalmente scene della vita di una metropoli moderna.

Aspetto: opere di Chuck Close, Don Eddie, Richard Estes - Metropolitan Museum of Art, Guggenheim Museum (New York, USA), Brooklyn Museum (USA).

5. INSTALLAZIONE. Questa è una composizione in una galleria che può essere creata da qualsiasi cosa, l'importante è che ci sia un sottotesto e un'idea.

Molto probabilmente, questa direzione non sarebbe esistita se non fosse stato per l’iconico orinatoio di Duchamp. I nomi dei principali installatori mondiali: Dine, Rauschenberg, Beuys, Kunnelis e Kabakov.

La cosa principale nell'installazione è il sottotesto e lo spazio in cui gli artisti si scontrano con oggetti banali.

Vedi: Tate Modern (Londra, Regno Unito), Guggenheim Museum (New York, USA).

6. AMBIENTE. Questa è l'arte di creare una composizione tridimensionale che emuli un ambiente reale.

Come direzione artistica, l'Ambiente è apparso negli anni '20 del XX secolo. L'artista dadaista era in anticipo di diversi decenni sui tempi quando presentò al pubblico la sua opera “Merz Building” - una struttura tridimensionale composta da vari oggetti e materiali, non adatta ad altro che alla contemplazione.

Mezzo secolo dopo, Edward Kienholz e George Siegel iniziarono a lavorare in questo genere e ci riuscirono. Hanno necessariamente introdotto un elemento scioccante di fantasia delirante nel loro lavoro.

Vedi: opere di Edward Kienholz e George Siegel - Museo d'Arte Moderna (Stoccolma, Svezia).

7. VIDEOARTE. Questa tendenza è nata nell'ultimo terzo del XX secolo grazie all'avvento delle videocamere portatili.

Questo è un altro tentativo di riportare l'arte alla realtà, ma ora con l'aiuto della tecnologia video e informatica. L'americano Nam June Paik ha girato un video del Papa che passa per le strade di New York ed è diventato il primo videoartista.

Gli esperimenti di Nam June Paik hanno influenzato la televisione, i video musicali (ha fondato il canale MTV) e gli effetti informatici nei film. I lavori di June Paik e Bill Viola hanno reso questa direzione artistica un campo di attività di sperimentazione. Hanno gettato le basi per “sculture video”, “installazioni video” e “opere video”.

Guarda: Video arte dallo psichedelico al sociale (popolare in Cina, Chen-che-yen su Youtube.com)

8. GRAFFITI. Iscrizioni e disegni sui muri delle case, portatori di un messaggio audace.

Sono apparsi per la prima volta negli anni '70 in Nord America. Nella loro apparizione sono stati coinvolti galleristi di uno dei quartieri di Manhattan. Divennero mecenati della creatività dei portoricani e dei giamaicani che vivevano nel loro quartiere. I graffiti combinano elementi della sottocultura urbana ed etnica.

Nomi dalla storia dei graffiti: Keith Haring, Jean-Michel Basquiat, John Mathom, Kenny Scharf. Una figura nota è l'artista di graffiti britannico Banksy. Le cartoline con le sue opere si trovano in tutti i negozi di souvenir britannici

Guarda: Graffiti Museum (New York, USA), opere di Banksy - sul sitobanky.co.uk.

9. TRANSAVANTGARDIA. Una delle tendenze della pittura postmoderna. Unisce il passato, la nuova pittura e l'espressività.

Opera dell'artista transavanguardia Alexander Roitburd

L'autore del termine transavanguardia è il critico moderno Bonito Oliva. Con questo termine definì l'opera di 5 suoi connazionali: Sandro Chia, Enzo Cucchi, Francesco Clemente, Mimmo Paladino, Nicolo de Maria. Il loro lavoro è caratterizzato da: una combinazione di stili classici, mancanza di attaccamento alla scuola nazionale, attenzione al piacere e alla dinamica estetica.

Vedi: Museo-Collezione Peggy Guggenheim (Venezia, Italia), Museo d'Arte Moderna di Palazzo (Venezia, Italia), Galleria d'Arte Moderna (Milano, Italia)

10. ARTE DEL CORPO. Una delle direzioni dell'azionismo. Il corpo funge da tela.

La body art è una delle manifestazioni della cultura punk degli anni '70. Direttamente correlato all'allora moda dei tatuaggi e del nudismo.

I dipinti dal vivo vengono creati proprio di fronte al pubblico, registrati su video e poi trasmessi nella galleria. Bruce Nauman raffigura l'orinatoio di Duchamp nella galleria. Il duo Gilbert e George sono sculture viventi. Rappresentavano il tipo di inglese medio.

Vedi: ad esempio, sul sito dell'artista Orlan orlan.eu.

11. STACKISMO. Associazione artistica britannica per la pittura figurativa. Si oppose ai concettualisti.

La prima mostra è stata a Londra nel 2007, come protesta contro la Tate Gallery. Secondo una versione, avrebbero protestato in relazione all’acquisto di opere di artisti da parte della galleria eludendo la legge. Il clamore della stampa attirò l'attenzione sugli Stuckisti. Oggi ci sono più di 120 artisti nel mondo. Il loro motto: un artista che non disegna non è un artista.

Il termine Stuckismo è stato proposto da Thomson. L'artista Tracey Emin ha esclamato al suo fidanzato Billy Childish: il tuo dipinto è bloccato, bloccato, bloccato! (Ing. Bloccato! Bloccato! Pila!)

Guarda: sul sito Stuckiststickism.com. Opere di Charlie Thomson e Billy Childish alla Tate Gallery (Londra, Regno Unito).

12. NEOPLASTICISMO. Arte astratta. L'intersezione di linee perpendicolari di 3 colori.

L'ideologo del movimento è l'olandese Piet Mondrian. Considerava il mondo illusorio, quindi il compito dell’artista è quello di purificare la pittura dalle forme sensuali (figurative) in nome delle forme estetiche (astratte).

L'artista ha proposto di farlo nel modo più succinto possibile utilizzando 3 colori: blu, rosso e giallo. Riempivano gli spazi tra le linee perpendicolari.

Il neoplasticismo ispira ancora designer, architetti e grafici industriali.

Aspetto:opere di Piet Mondrian e Theo Vannoy Doesburg al Museo Civico dell'Aia.

13. ARTE DI STRADA. Arte per la quale la città è mostra o tela

L'obiettivo di un artista di strada: coinvolgere immediatamente un passante in un dialogo con l'aiuto della sua installazione, scultura, poster o stencil.

In Europa, "shufiti" (installazioni di scarpe appese agli alberi) e "knitta" (iscrizioni realizzate con tessuti luminosi lavorati a maglia su semafori, alberi, antenne di automobili) sono ora popolari.

In Sud America è popolare il "pis" o "muralismo" (disegno o iscrizione di un soggetto eseguito magistralmente).

Vedi: La Llotja, Vecchia Scuola d'Arte, Barcellona. Intere sezioni di street art iniziarono ad essere esposte da Sotheby’s a Londra.

14. POSTA ART. Movimento internazionale senza scopo di lucro. Utilizza la posta elettronica e la posta ordinaria per diffondere l'arte.

Inizialmente, la mail art si è formata come un'unione di direzioni artistiche popolari negli anni '60: concettualismo, arte del libro, video arte, body art.

La mail art è l'invio di un'opera d'arte tramite posta. L'originale viene inviato a un solo destinatario. E le riproduzioni possono essere inviate a diversi destinatari tramite e-mail o posta ordinaria.

Gli artisti che lavorano nello stile della mail art utilizzano lettere, buste, cartoline, pacchi, francobolli e timbri postali. La tecnica più comune è il collage. È stato reso popolare dall'artista americano Ray Johnson, una figura di spicco della rete. Le gallerie ospitano spesso mostre di mail art.

Un'opera di mail art non sono solo cartoline disegnate da artisti o dilettanti, ma quelle che sono passate per posta hanno francobolli, francobolli e iscrizioni. Pertanto, gli impiegati delle poste sono coautori della mail art.

Vedi: opere di mail art sul sito.

15. NON-ART. Si tratta di progetti che esistono esclusivamente online.

Ma questa non è progettazione di rete. Riconoscere le opere di net art non è così semplice. Sono caratterizzati da semplicità e schiettezza.

Differiscono dalle opere degli artisti che lavorano in programmi professionali per la loro grinta, mancanza di parzialità e velocità.

"nel padiglione n. 66" Cultura "al VDNKh.

Alla mostra, i visitatori potranno conoscere le opere dei pittori russi, sia i classici dell'inizio del secolo scorso che gli artisti più brillanti del nostro tempo.

La mostra si compone di tre sezioni: arte della prima metà del Novecento, anni '60-'80 e tempi moderni. Il primo contiene opere che hanno rivoluzionato le idee sui compiti dell'arte: opere di artisti d'avanguardia russi. Negli anni '10 e '20 si allontanarono deliberatamente dascuola di pittura classica, sperimenta e cerca nuove forme.

Vengono presentate le principali direzioni dell'avanguardia russa: neoimpressionismo nella versione di Alexandra Ekster, cezanneismo (“Natura morta” di Ivan Malyutin), cubo-futurismo (“Ritratto di attore” di Mikhail Le-Dantu), cubismo (“City View” di Alexey Grishchenko, “Composition. Cubism” di Georgy Noskov), Suprematismo (“Suprematism” di Ivan Klyun).

Gli esperimenti creativi iniziarono a diminuire all’inizio degli anni ’30 dopo il decreto “Sulla ristrutturazione delle organizzazioni letterarie e artistiche”. In questo decennio si sviluppò un'arte comprensibile alle grandi masse: il realismo socialista. Ora i dipinti sono dedicati all'industrializzazione, alle vittorie militari e al lavoro. Tra questi ci sono “Dimostrazione in piazza Uritsky” di Vasily Vikulov, “Posa di una ferrovia a Magnitogorsk” di Kuzma Nikolaev, “I contadini collettivi accolgono le petroliere” di Ekaterina Zernova.

La seconda sezione della mostra è l'arte degli anni '60 -'80. Insieme al realismo nello spirito degli anni '30 -'50 (sculture di Nikolai Tomsky, Lev Kerbel), c'erano le sue variazioni stilistiche, ad esempio uno stile duro ("In the Closet" di Geliy Korzhev, "Absheron Interior" di Tair Salakhov ). Dagli anni '70 sono state utilizzate tecniche: fotorealismo (“Change” di Leonid Semeyko, “Experiment in Space” di Lemming Nagel), espressionismo (“Characters Swinging on a Swing” di Natalya Nesterova), realismo fantastico e surrealismo (“The Golden Età" di Alexander Sitnikov, " Famiglia. I miei contemporanei" di Olga Bulgakova).

Alcuni artisti hanno fatto rivivere le tradizioni dell'avanguardia russa. Dopo le mostre al Manege nel 1962 e in un terreno vuoto a Belyaev nel 1974, che ricevettero una risposta internazionale, questa linea d'arte cominciò a essere definita alternativa e non ufficiale. Opere in questo stile sono state create da Vladimir Andreenkov, Boris Orlov, Evgeny Rukhin, Boris Turetsky.

L'esposizione della terza sezione comprende opere dalla fine del XX secolo ai giorni nostri. Gli artisti utilizzano le tecniche ben note dei loro predecessori e creano un nuovo modo di auto-espressione. Qui, accanto ai classici dell'arte contemporanea, vengono presentate opere di giovani artisti che si ispirano all'estetica dei nuovi media. Il 21° secolo viene mostrato attraverso le opere di artisti iconici: “Veduta di Mosca da Madrid” di Eric Bulatov, “Heavenly Life” di Igor Makarevich, “Amsterdam” di Georgy Guryanov, “Forcissia” di Irina Nakhova.

I visitatori potranno vedere anche dipinti provenienti dalle collezioni del Museo statale e centro espositivo "ROSIZO", del Museo d'arte Yaroslavl, del Museo storico e d'arte Serpukhov, del Museo centrale statale di storia contemporanea della Russia, dell'Organizzazione pubblica creativa tutta russa "Unione degli artisti russi", collezioni private e gallerie di Mosca.