Nel padiglione n. 66 "Cultura" recentemente ricostruito della VDNKh, la mostra "Sempre moderno. Arte dei secoli XX-XXI.» Inaugurata la Galleria ROSIZO. L'esposizione farà conoscere al pubblico le opere più significative di artisti nazionali, tra cui i nomi di entrambi i classici riconosciuti dell'inizio del secolo scorso e dei contemporanei di culto dei nostri giorni.
Nonostante i dipinti presentati appartengano a diverse tendenze stilistiche e siano stati dipinti in diversi periodi della storia russa, gli organizzatori sottolineano che le opere “non solo non si contraddicono tra loro, ma, al contrario, entrano in dialogo”. E le opere dei nostri giorni continuano le tradizioni artistiche delle generazioni precedenti.
L'esposizione si compone di tre sezioni: l'arte della prima metà del XX secolo, gli anni '60-'80 e l'opera dei nostri contemporanei. Il focus di ogni periodo sono le ricerche stilistiche e le soluzioni artistiche, le esigenze del tempo e le risposte degli artisti ad esse.
La prima sezione presenterà al pubblico le opere dell'avanguardia russa, che hanno rivoluzionato l'idea dei compiti dell'arte. Qui puoi vedere opere nello stile del neoimpressionismo nella versione di Alexandra Exter, del cezannismo ("Natura morta" di Ivan Malyutin), del cubofuturismo ("Ritratto di un attore" di Mikhail Le Dantu), del cubismo ("Urban "Vista" di Alexei Grishchenko, "Composizione. Cubismo" di Georgy Noskov), Suprematismo (“Suprematismo” di Ivan Klyun) e altre tendenze.
La seconda sezione della mostra racconterà le opere degli artisti degli anni '60 -'80. Nell'arte sovietica di quel tempo, insieme al realismo socialista (sculture di Nikolai Tomsky, Lev Kerbel), c'erano anche le sue modifiche stilistiche - ad esempio, lo "stile severo" ("In the Closet" di Geliy Korzhev, "Absheron Interior" di Tair Salakhov). I visitatori qui potranno anche vedere aree dell'arte pittorica come il fotorealismo (“Change” di Leonid Semeiko, “Experiment in Space” di Lemming Nagel), l'espressionismo (“Personaggi che oscillano su un'altalena” di Natalia Nesterova), il realismo fantastico, surrealismo ("Golden Age" Alexandra Sitnikova, "Famiglia. I miei contemporanei" di Olga Bulgakova) e altri.
La terza sezione presenterà le opere di autori contemporanei dalla fine del XX secolo ai giorni nostri. L'esposizione di questa sezione mostrerà come ai nostri tempi diversi stili di pittura siano diventati strumenti del linguaggio artistico e gli artisti, plasmandolo, citano le famose opere dei loro predecessori e utilizzano tecniche già riconoscibili. L'arte del 21 ° secolo è rappresentata dalle opere di artisti di culto come Eric Bulatov, Igor Makarevich, Georgy Guryanov, Irina Nakhova e altri.
Gli ospiti del VDNH potranno anche conoscere i dipinti delle collezioni del Museo statale e centro espositivo "ROSIZO", del Museo d'arte Yaroslavl, del Museo di storia e arte Serpukhov, del Museo centrale statale di storia contemporanea della Russia, del Museo creativo tutto russo Organizzazione pubblica "Unione degli artisti russi", nonché da collezioni private e da numerose gallerie di Mosca.
Informazioni su "ROSIZO"
Il Museo statale e centro espositivo "ROSIZO" fa risalire la sua storia al 1959, quando fu istituita la Direzione dei fondi artistici e della progettazione dei monumenti sotto il Ministero della Cultura della RSFSR. Dal 1977 al 1994 è stato attivo il Centro Repubblicano per le Esposizioni d'Arte e la Propaganda delle Belle Arti "Risopropaganda". Il centro ha organizzato mostre itineranti e distribuito opere d'arte tra i musei dell'URSS. Dal 1 gennaio 2010 il Museo statale e centro espositivo "ROSIZO" ha acquisito lo status di museo. Il fondatore del centro è il Ministero della Cultura della Federazione Russa. Si tratta di un'organizzazione multidisciplinare che sviluppa e realizza progetti espositivi in collaborazione con le principali istituzioni museali e culturali del mondo. Attualmente il fondo ROSIZO dispone di circa 40.000 articoli in deposito.
Storia dell'arte, comprensione dei fenomeni e indagine dei processi di sviluppo Arte del XX secolo, approfondendo le loro regolarità e rivelando i momenti chiave di questi processi, non è in grado di giudicarli nel loro insieme dai loro risultati finali. Lo storico dell'arte delle epoche passate ha il diritto di considerare la materia che sta indagando alla luce delle conclusioni e delle conseguenze che ne derivano, e anche di anticipare con esse l'esposizione principale. La storia dell'arte del XX secolo non ammette nulla di simile. È controindicata nei tentativi di dare giudizi finali sui processi incompiuti. Prima di tutto, stiamo parlando dell'infondatezza di alcune definizioni universali del 20 ° secolo come un'era che ha cambiato quasi l'intera natura dell'arte e ha stabilito per sempre il suo nuovo stile. Di solito tali giudizi totali derivano da una delle linee del processo artistico, da fenomeni particolari effimeri che si annunciano come l'inizio di una nuova era. Si potrebbero citare molti esempi di tali esperimenti, nonché della loro vergogna da parte della vera storia dell'arte del XX secolo. Gioca anche un ruolo nel fatto che il ricercatore Arte del XX secolo lui stesso è immerso nel suo flusso e lo osserva, per così dire, dal di dentro. Da questo punto di vista può facilmente insorgere una sorta di errore ottico. Nessuno ha da loro alcuna garanzia, ed essi stessi, a loro volta, fanno parte della storia dell'autocoscienza dell'arte. culture del XX secolo.
Circostanze in cui si trova la storia Arte del XX secolo, mettere in guardia dalla tentazione di formulare o codificare le sue proprietà generali nell'introduzione. Sarebbe più giusto limitarsi ad alcuni presupposti storico-artistici, in base ai quali l'arte stessa deve essere ulteriormente considerata. La premessa iniziale può essere presentata come un postulato: l'arte del XX secolo è un'arte di svolta, e non solo vecchia o solo nuova, e non solo un vecchio o solo un nuovo periodo della sua storia. Sarebbe imperdonabilmente ingenuo vedere in esso o solo un'estinzione diretta e coerente del passato, o solo un movimento lineare verso l'alto, i cui principi tutti formanti lo stile hanno già preso forma con tutta certezza, e resta solo da aspettare i frutti per far maturare o, nei casi più difficili, per la trasformazione di un brutto anatroccolo in un bellissimo cigno. Quest'arte è crisi nel senso originario e dizionario del termine, esprime la massima tensione della frattura. Nella sua vita si manifestano modelli sia di morte del vecchio che di sviluppo del nuovo. Questo vecchio e nuovo (cosa significano sarà discusso più di una volta di seguito) non si trovano in una sequenza elementare, ma agiscono in reciproca intersezione, coprendo lo spazio globale e il vasto tempo storico. Per questi motivi, a Arte del XX secolo governano con forza straordinaria e per molti aspetti determinante le leggi che sono inerenti proprio ed esclusivamente alla svolta. Si manifestano non solo in cosa e come l'arte riflette, ad esempio, nell'allegorismo caratteristico di tali periodi come un tipo di pensiero artistico che esprime nuove idee in vecchie forme, o nel riconoscimento dell'impossibilità di incarnare queste idee in un quadro pittorico. modulo; nello sviluppo di tendenze di protezione e innovazione, insieme alla negazione del passato, ecc. L'azione delle leggi del cambiamento non si riflette meno nello stato generale di shock in cui si trova l'arte, perdendo il vecchio alle grandi frontiere storiche e guadagnando nuovo terreno per il suo sviluppo. In queste circostanze, con un’acutezza senza precedenti nelle epoche classiche della storia dell’arte, vengono sollevate domande su cosa significhi essere, perché l’arte esiste e cosa può fare, e tra le risposte ad esse ci sono rappresentazioni mitizzate dell’arte su stessa come forza onnipotente costruttrice di vita e autonegazione iconoclasta della creatività artistica.
Arte del 20° secolo- non la prima svolta, l'era non classica nella storia generale dell'arte. Dal punto di vista delle epoche classiche, che creano indubbi valori artistici, armoniosamente corrispondenti all'ambiente che li ha originati e risolvendo esteticamente pienamente i loro compiti sociali ideologici e artistici, l'arte del periodo non classico sembra insoddisfacente sotto molti aspetti . Ecco come viene disegnato Arte del XX secolo nella percezione di una parte significativa dei suoi contemporanei; ambiguamente gran parte di quelli che vengono proposti come suoi valori positivi; l'arte è spesso intrisa di insoddisfazione per se stessa e per la vita circostante; è anche molto dubbio che esprima sempre in modo soddisfacente la sua insoddisfazione per la realtà, e così via, formazioni profondamente regolari. Entrambi sono saldamente collegati in un'unica catena del processo storico e artistico, e una discussione sulla primogenitura delle epoche classiche o non classiche sarebbe come una disputa su cosa fosse originariamente l'uovo o la gallina. Altrettanto naturali sono l'incoerenza e l'instabilità che costituiscono la qualità specifica dell'arte di un momento di svolta. I cambiamenti vissuti in tali epoche abbracciano sia la struttura interna dell'arte, sia praticamente l'intera sfera dei suoi rapporti con il mondo esterno, in cui operano non solo le forze artistiche e stilistiche vere e proprie, ma anche un intero complesso di forze di sinistra. Possono essere raggruppati in tre aree principali: problemi ideologici e artistici, questioni sulla natura socio-storica dell'arte e caratteristiche di carattere nazionale e internazionale. Tutti corrispondono alla storia dell'arte, sono radicati in essa ed esistono in forma interconnessa. È ovvio che eventi come l'emergere di nuovi rami della creatività artistica, la ristrutturazione del genere e della composizione delle specie delle belle arti, la tipologia delle strutture architettoniche, l'emergere di scuole nazionali, lo sviluppo di movimenti artistici internazionali e molti altri le cose relative alla struttura ideologica, alle forme e alle funzioni dell'arte, non possono essere ridotte solo all'evoluzione dello stile, che avviene in un ordine proprio e relativamente indipendente. Ciascuna delle epoche critiche ha le proprie specificità dei tre aspetti della storia dell'arte che abbiamo nominato e delle loro relazioni. Il panorama socio-storico dell'arte dei paesi e dei popoli del mondo nel XX secolo è formato da culture artistiche di vario tipo: dalla natura primitiva della creatività di popoli e tribù che si trovano al livello del sistema tribale e dalle culture artistiche di tipo medievale alle varie culture moderne altamente sviluppate. Le proprietà storiche e artistiche di tutte queste diverse arti esistono contemporaneamente sul globo e costituiscono parte integrante dell'arte culture del XX secolo.
Dal punto di vista delle questioni nazionali e internazionali Arte del XX secolo si presenta come un panorama sfaccettato delle arti nazionali, delle loro comunità regionali e dei movimenti artistici internazionali. Nel loro insieme, formano un sistema che può essere chiamato arte mondiale. Nel XX secolo questo sistema copre tutto ciò che esiste nella creazione artistica sulla mappa geografica del mondo. Non esistono più “punti vuoti”, quelle sorta di zone di silenzio in cui la storia generale dell'arte eurocentrica tende a collocare le culture artistiche estranee all'esperienza estetica europea. L'arte mondiale del XX secolo integra le arti di quasi tutti i tipi etnici e regionali, indipendentemente dalla tipologia socio-storica che rappresentano. Inserita nella circolazione della vita artistica internazionale, ciascuna delle arti nazionali, grandi o piccole, sviluppate o arretrate in senso storico, si afferma come un valore estetico moderno, dotato nella vita dell'arte mondiale dello stesso significato e della stessa originalità di le nazioni, i popoli, i paesi che lo hanno creato hanno l'esistenza moderna di tutta l'umanità. Questo valore non è misurabile confrontando i vantaggi nazionali: le teorie delle culture nazionali "scelte" e "inferiori" servono qui gli obiettivi nazionalistici, sciovinisti e razzisti più bassi. Le proprietà storiche e artistiche di una particolare arte nazionale, al contrario, richiedono misurazioni abbastanza precise. Quindi il panorama del mondo Arte del XX secolo, considerato alla luce dei problemi sociali e nazionali, rivela qualcosa di estremamente notevole. I rapporti delle arti che la compongono, diverse per tipologia storico-sociale e carattere nazionale, sono di duplice natura. Diacroni, corrispondenti alla loro posizione e ruolo nello sviluppo storico della cultura artistica dell'umanità, e sincroni, poiché sono tutti collegati tra loro come contemporanei della stessa epoca. Cioè, combinate in un periodo cronologico, le culture artistiche sono correlate tra loro sia come vecchie che nuove, secondo la loro genesi storica, e come forze artistiche sociali e nazionali contemporaneamente esistenti, la cui interazione e contatti avvengono nello stesso campo e tutto il tempo consistono nello scontro di risposte diverse alle stesse domande. Da queste premesse discendono alcune conclusioni metodologiche. Secondo la natura del fenomeno, la ricerca Arte del XX secolo comporta una combinazione di approcci diacronici e sincroni, la loro reciproca correzione. Entrambi sono essenziali, ma ciascuno di essi, preso in forma autosufficiente, può fornire un quadro distorto. Pertanto, l'analisi diacronica, senza la quale è impensabile immaginare lo sviluppo storico, rivelare in esso progresso e reazione, tende a distribuire tutto ciò che accade nell'arte del nostro tempo in stadi di evoluzione sequenziale posti uno sopra l'altro, dove uno scorre dolcemente dall’altro, nascondendo al contempo una moltitudine di legami reali che collegano i fenomeni artistici contemporanei. Come in un'esposizione museale, l'arte è distribuita in diverse sale di un'infilata ideale-evolutiva, che fa dimenticare che rappresentano compagni d'armi e avversari che hanno spezzato lance più di una volta in battaglie estetiche. L'analisi sincrona, che consente di cogliere il significato attuale e le relazioni dei fenomeni dell'arte contemporanea, diversi per natura socio-storica, carattere nazionale, struttura ideologica e artistica, tende a presentarli sotto forma di una varietà statica . Come nell'esposizione di una mostra d'arte contemporanea, qui si rivelano chiaramente somiglianze e differenze, connessioni e lotta delle forze artistiche, ma non è chiaro in alcun modo in quali direzioni e sequenza si sta muovendo lo sviluppo dell'arte e se avviene affatto. Si può notare che la combinazione di approcci diacronici e sincroni gioca un ruolo importante nello studio dell'arte delle epoche passate. Soprattutto per evidenziare un punto di svolta, ad esempio, per comprendere i movimenti rinascimentali e tardo medievali che coesistono contemporaneamente. Per lo studio dell'arte del XX secolo, tale connubio è di estrema importanza, poiché in quel periodo il processo di internazionalizzazione generale delle culture artistiche acquisisce un'intensità e una complessità senza precedenti. Sarebbe ingenuo dichiarare che una qualsiasi ragione sia la fonte dei processi storici e artistici globali del XX secolo. La storia dell'arte del nostro secolo attraversa alle sue principali frontiere interi complessi di trasformazioni sociali, nazionali e stilistiche. Questi complessi di cause determinano le fasi dello sviluppo della storia dell'arte e acquisiscono il significato fondamentale della sua periodizzazione. La prima fase termina nel 1917-1918, durante l'era della prima guerra mondiale e della Rivoluzione d'Ottobre in Russia, quando la cultura artistica mondiale conobbe un cambiamento fondamentale. Seconda fase della storia Arte del XX secolo porta non solo cambiamenti stilistici complessi. Dietro di loro ci sono cambiamenti fondamentali nella struttura sociale, così come la ristrutturazione della divisione regionale del mondo culture del XX secolo. Dal 1917 si è formata la cultura artistica sovietica, sviluppandosi su una propria base sociale, acquisendo una propria funzione politica e un orientamento stilistico. Per questi motivi, l'analisi e la valutazione dell'arte dei popoli dell'URSS, i suoi principi ideologici e artistici, la libertà e il totalitarismo, le regolarità e le anomalie sono considerate separatamente nella "Piccola storia dell'arte". Inoltre, le tendenze artistiche di altri regimi totalitari crollati nel 1945 vengono qui menzionate solo brevemente. Cioè, queste sezioni della storia Arte del XX secolo rimanere fuori dallo scopo di questo libro. La terza fase, il cui inizio si può contare a partire dal 1945, è segnata dalla nascita del sistema mondiale dell'arte, che comprende culture artistiche multinazionali e nazionali, diverse nella struttura sociale e diverse nell'orientamento stilistico. I cambiamenti che il mondo sta attraversando Arte del XX secolo di fase in fase del loro sviluppo, si concentrano in fenomeni e processi stilistici, ideologici e artistici. Un tentativo di caratterizzarli tutti in una volta sarebbe chiaramente infruttuoso: l'intero libro è dedicato a questo argomento. Per ora è utile ricordare solo alcune disposizioni preliminari. Vale a dire, non è possibile definire un certo stile comune e unificato del mondo arte nel XX secolo e di disporre in un'unica serie di evoluzioni stilistiche tutti i movimenti artistici che la compongono. Quindi, ad esempio, il fauvismo o il cubismo non sono una conseguenza dello sviluppo del realismo a cavallo tra il XIX e il XX secolo, o il neorealismo della fine degli anni '40 non deriva dall'astrattismo o dal neoclassicismo degli anni '30, ecc. Inoltre, nessuno dei esistente Arte del XX secolo anche la serie più ampia dell'evoluzione stilistica non esaurisce il suo intero sviluppo e non copre questo sviluppo nel suo insieme. Quindi, ad esempio, sembrerebbe che la consueta linea di movimento dal postimpressionismo all'astrattismo corrisponda solo a un lato della storia del processo artistico del XX secolo. Anche un numero considerevole di fenomeni molto significativi rimangono al di fuori dello sviluppo del realismo. Ovviamente, quindi, nel mondo Arte del XX secolo, come è naturale per la cultura artistica di un'epoca critica, in cui operano varie forze socio-storiche, nazionali e internazionali, lo sviluppo procede su più file. Ognuno di essi ha le proprie leggi e la relazione di tali serie di movimenti stilistici combina principi diacronici e sincroni. Soltanto nella loro totalità e interazione formano tutti la storia. Arte del XX secolo.
Si può anche notare la diversa natura di tali movimenti stilistici, nuovi e tradizionali, in crescita e in dissolvenza, locali e generalmente significativi, profondi e superficiali, strettamente corrispondenti alle condizioni sociali o nazionali in cui si sono sviluppati, o formalizzati, permettendo di riempirsi di diversi significati sociali. contenuto e diversa interpretazione nazionale. Dobbiamo essere preparati al fatto che la storia è vera Arte del XX secolo mostrerà come alcuni movimenti artistici, sorti in modo esplosivo, si esauriscano rapidamente, come ad esempio il cubismo, mentre altri esistono stabilmente per tutti i decenni del XX secolo, cambiando solo in determinate fasi e nelle diverse condizioni sociali e condizioni nazionali, come, come il neoclassico. A causa di queste circostanze, il momento in cui nasce questo o quel movimento non sempre determina il suo posto nella storia e nei processi artistici del XX secolo. Spesso la durata di tali movimenti gioca un ruolo più importante. Tutto ciò costituisce ancora una volta oggetto di uno studio concreto della storia. Arte del XX secolo, la cui comprensione è anche associata a concetti che hanno un significato molto più generale delle proprietà di qualsiasi movimento artistico. Pertanto è necessario essere sempre più consapevoli della natura storica delle forze sociali, nazionali e stilistiche del mondo. Arte del XX secolo. Ognuno di loro e tutti insieme sono storici, e non eterni, finiti, assoluti. Vediamo come i sistemi ideologici e artistici del XX secolo nascono e si disintegrano, rivendicando un significato più alto ed esaustivo. Nella loro autoillusione, si oppongono ai processi storici e artistici globali, si separano da essi, si considerano la corona dell'intera esperienza mondiale dell'arte sociale, nazionale e stilistica. Con queste avvertenze passiamo al polisillabico Arte del XX secolo.
Nell'aprile 2016, VDNKh (nel padiglione n. 66 “Cultura”) ha ospitato l'inaugurazione della mostra “Always Modern. Arte dei secoli 20-21”, che introduce il pubblico alle opere d'arte più iconiche dei maestri nazionali delle belle arti, compresi sia i classici riconosciuti dell'inizio del 20° secolo che i contemporanei di culto dei nostri giorni.
Nonostante i dipinti inclusi nell'esposizione siano stati dipinti in diversi anni della storia del nostro Paese e appartengano a diverse tendenze stilistiche artistiche, gli organizzatori del progetto sottolineano che i dipinti non solo non si contraddicono tra loro, ma al contrario , sembrano entrare in dialogo.
La mostra è divisa in tre parti, ciascuna delle quali si concentra su diverse soluzioni artistiche e ricerche stilistiche, sulle esigenze del tempo e sulle risposte ad esse da parte degli stessi autori.
Arte della prima metà del XX secolo. Avanguardia russa
In questa sezione, l'attenzione del pubblico viene presentata alle opere artistiche dell'avanguardia russa, che hanno apportato una vera rivoluzione nell'idea dei compiti delle belle arti. Qui puoi vedere dipinti di G. Noskov, I. Kliun, A. Grishchenko, M. Le-Dantyu, I. Malyutin e altri nello stile del neoimpressionismo, cubismo, cezannismo, cubo-futurismo, suprematismo e altre tendenze.
Arte russa degli anni '60-'80
Questa sezione della mostra racconta le opere d'arte degli anni '60-'80. Nelle belle arti sovietiche di quegli anni, insieme al realismo socialista, apparvero anche varie modifiche stilistiche, ad esempio il cosiddetto "stile severo". Anche qui vengono presentate all'attenzione del pubblico aree dell'arte pittorica come l'espressionismo, il fotorealismo, il surrealismo, il realismo fantastico, ecc .. In questa sezione, i visitatori potranno conoscere il lavoro di O. Bulgakova, A. Sitnikov, N Nesterova, L. Nagel, L. Semeyko, T. Salakhova e molti altri. altri
Creatività dei nostri contemporanei
Questa sezione introduce lo spettatore alle opere di artisti contemporanei del periodo tra la fine del XX e il XXI secolo. Le opere incluse nell'esposizione dimostrano come ai nostri giorni vari stili di pittura siano diventati veri e propri strumenti del linguaggio artistico, e gli stessi maestri, plasmandolo, citano le opere più famose dei loro predecessori e utilizzano tecniche già riconoscibili nella loro attività creativa. Questa sezione della mostra contiene opere di famosi artisti contemporanei come I. Makarevich, E. Bulatov, I. Nakhova, G. Guryanov e altri.
Il tempo passa in fretta. Un'epoca ne sostituisce impercettibilmente un'altra. Il 21° secolo è "l'era della velocità", "l'era dell'integrazione", "l'era dell'informazione", l'era delle nuove tecnologie, dei telefoni cellulari, di Internet e della nuova gioventù progressista. L'era delle nuove persone moderne, la cui vita è costantemente in movimento. L'uomo del 21° secolo è l'uomo dell'informazione. Cerca di comprendere tutte le sfere della vita, aspira alla libertà, rimodella la realtà portante attraverso l'arte, va oltre, cambia la vita e raggiunge armonia e libertà.
L'arte del 21 ° secolo è una sorta di riflesso della nostra vita odierna, che trasmette l'umore, i problemi, i desideri di una certa epoca di persone. Cos'è l'articolo 21? Qual è la sua caratteristica? Per rispondere a queste domande, propongo di analizzare diversi artisti e scultori che riflettono direttamente la nostra epoca con le loro opere.
Arte o magia?
Arte che confina con la magia e la realtà, che può facilmente essere confusa con un miraggio, un'illusione, un'illusione ottica: un tale effetto è prodotto su uno spettatore impreparato e inesperto dai capolavori dell'artista Cornelia Conrads. Le sue installazioni adornano i parchi e le piazze delle città tedesche e ogni volta sorprendono i passanti, non solo i visitatori, ma anche la gente del posto. Cornelia crea i suoi capolavori nello stile della land art. La land art è una direzione relativamente nuova nell’arte. È nato negli Stati Uniti solo nell'ultimo terzo del XX secolo. Tuttavia, è già riuscito a guadagnare una notevole popolarità e a trovare i suoi seguaci in Occidente. La piattaforma artistica per i maestri di questo genere è principalmente il paesaggio naturale e i suoi singoli elementi. Cornelia Konrads è una delle più brillanti rappresentanti della land art. Ha trovato la sua vocazione nel decorare i soliti paesaggi di parchi e giardini con i frutti della sua immaginazione. Va detto che la maggior parte delle sue idee sono molto insolite, ma nonostante ciò si innamorarono rapidamente degli spettatori involontari: i cittadini.
Su questo e su quello mi farò un tatuaggio!
Nel 21° secolo la pittura è andata oltre la tela. A partire dagli anni ’60, il body painting cominciò a svilupparsi in Occidente come parte di un cambiamento della moralità pubblica verso maggiori libertà. Risorto in Occidente, il body painting è erroneamente considerato un'arte giovane. Artisti famosi hanno utilizzato la body art per le loro mostre e performance. A poco a poco, la body art iniziò ad essere utilizzata per scopi commerciali: per promozioni, pubblicità. Ora una persona su due ha un tatuaggio. L'obiettivo di "farsi un tatuaggio" è diverso per ognuno: qualcuno cerca stupidamente di dimostrare ai propri genitori che è già cresciuto, qualcuno si mette un tatuaggio sulla spalla con il nome della persona amata, ma la popolarità dei tatuaggi su una spalla il falco con delfini e cuori non diminuisce tra le ragazze.
Il tatuatore e fotografo Brian Cummings crede che il tatuaggio sia una forma d'arte e che il corpo sia solo un'altra tela. Il lavoro di Brian è molto interessante. Realizza tatuaggi e poi fotografie che decoreranno ed enfatizzeranno questa creazione. Come artista, è attratto dal contrasto. Il contrasto tra luce e buio, bianco e nero, dramma e commedia, ecc. Brian tira fuori il meglio da due estremi. L'artista è interessato al massimo divario tra due punti opposti.
“Come forma d’arte, i tatuaggi fanno per me. Da un lato, per alcuni è qualcosa di proibito. D’altra parte, è una forma d’arte con una lunga tradizione di bellezza e significato personale”, afferma Brian.
Spazio abitativo sensuale
Guardando il pannello a mosaico in rilievo bianco come la neve della giovane artista russa Irina Zhuk, diventi involontariamente testimone del rumore bianco. Seguendo il titolo di quest'opera, il rumore dapprima è un leggero fruscio e poi si accumula nelle orecchie. Mi viene voglia di toccarlo con le dita. Senti la ruvidità del legno caldo, bianco accecante e del gesso freddo e ghiacciato. Come se al tuo tocco, questi pulsanti bianchi come la neve inizieranno ad alzarsi e abbassarsi in modo caotico.
Una brillante tela bianca di vetro opaco con al centro un cerchio rosso vivo, che simbolicamente contiene il volto convesso di una geisha, trasporta i visitatori in Giappone. Il tratto del geroglifico nero nell'angolo inferiore del pannello dimostra ancora una volta che l'opera appartiene al tema orientale.
La stessa Irina Zhuk si descrive come una conduttrice dello spazio abitativo oggi attraverso la mano di qualsiasi utente.
“La mia arte va oltre i limiti fisiologici, in cui lo spazio abitativo è percepito sensualmente attraverso la pelle e gli occhi. L'arte toccante dovrebbe essere disponibile a tutti, ci permette di imparare gli uni dagli altri, scambiare informazioni e sentire l'energia del nostro prossimo. Raggiungere un livello di comprensione e percezione della creatività ci unisce e ci rende uguali utenti di qualsiasi spazio. Questo codice culturale è sempre diverso per ognuno: contrastante, colorato, monocromatico, ma nella mia filosofia è decisamente tattile”, dice Irina.
Riassumendo, posso dire una cosa: l'arte del 21 ° secolo è molto varia, multipolare. La creatività moderna si distingue per una varietà di stili e tendenze, molti dei quali non sono ancora del tutto chiari al profano medio. Alcuni semplicemente sputano e restano a guardare il lavoro per ore, solo indovinando cosa voleva dire l'autore. Le opere di varie epoche convenzionali trasmettono vividamente sentimenti di umore personale. L'era del Medioevo è un periodo di guerre, poi di declino. Il Rinascimento rivela il colore dell'anima e l'armonia dell'uomo. E se è barocco, allora travolge con la sua dinamica e i suoi colori brillanti. Ma a differenza di quest’ultima, l’arte contemporanea ha assorbito, e da qualche parte disperso. Queste sensazioni lasciano quasi del tutto impercettibilmente seguito dall'eco di antiche tradizioni. Le persone hanno imparato a vedere la bellezza in un modo nuovo. Qualcuno descrive trame semplici e qualcuno richiede idee filosofiche complesse sul mondo. L’idea della spiritualità umana rimane importante.
Anche una goccia su un foglio dirà molto di più di una complessa composizione a più figure. L'arte non richiede troppo. Come in architettura, ci sono solo le fondamenta e gli elementi necessari. Tutto e ovunque è unico. Non ci sono cose che non possono essere distinte. Tecnica e materiale giocano tutti un ruolo importante in questa riflessione. E questo parla di un avvicinamento all'ideale. Tutti possono creare bellezza. La cosa principale è capire e raggiungere con sicurezza l'obiettivo. Solo grazie all'arte possiamo trasmettere, come in una canzone, i nostri sentimenti migliori, lasciando un segno personale, unico nella sua storia.
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Arti e mestieri popolari russi.
Secolo.
intaglio del legno. Mobili, utensili, strumenti erano di legno, furono erette capanne. La gente ha sviluppato molte tecniche di intaglio: geometrico, tra parentesi, passante, in rilievo, ecc. I tetti delle capanne contadine erano coronati da sculture monumentali di cavalli e uccelli. Utensili in legno intagliato e scavato(ciotole, vasi figurati, doghe - ciotole profonde con coperchio).
Dipinto su legno e rafia. Dipingevano piatti, filatoi, armadietti, culle, cassapanche, slitte. C'erano due dipinti: pittoresco e grafico. Dal pittoresco - dipinto Khokhloma con colori ad olio su utensili in legno cesellato. Cucchiai, ciotole, ciotole Khokhloma
Intaglio di ossa. Nel Mar Bianco veniva estratto materiale: la zanna di tricheco, che contribuì al successo della scultura delle ossa. Le principali tecniche per decorare i prodotti sono l'incisione e il rilievo piatto. Raffiguravano animali, intere scene di caccia, bevute di tè, passeggiate, scene bibliche. Dipinsero tabacchiere, varie scatole, a volte a forma di scarpe, a volte cuori, pettini, cofanetti, ventagli. Per la vita contadina vengono realizzati prodotti economici: pettini, cofanetti a forma di torri, orecchini.
Ceramica. Sono impegnati nella ceramica, scolpiscono giocattoli. I piatti smaltati di nero di colore blu-nero, ottenuti dall'azione di una fiamma fumante, sono decorati con lucidatura - solida o ornamentale. Ciotole, brocche, rukomoi. Le forme semplici delle ceramiche smaltate sono ravvivate da smalti colorati, verdi, rosso-bruni, che si stendono durante la cottura. Maiolica di Gzhel - prodotti realizzati in argilla colorata, ricoperti da una composizione vetrosa opaca - smalto. Raffigura: case, uccelli, animali, alberi, erbe, fiori.
Giocattolo. Uno dei più grandi centri per la produzione di giocattoli in legno dipinti era Trinity-Sergiev Posad. Sergio fischia, uccelli, pattini, bambole. Al 2° piano 19esimo secolo si diffuse il giocattolo in maiolica di Gzhel. Veniva modellato a mano o in stampi a doppia foglia. giocattolo di argilla- donne con gonne a cono, cavalieri, uccelli. . erano famosi Giocattoli Vyatka(Sloboda Dymkovo) - gentiluomini di argilla su un cavallo con un cappello, dame importanti, portatori d'acqua, uccelli, animali semi-fatali.
Tessuti, ricami, pizzi. tessitura a mano- su un telaio manuale, le donne tessevano tele, lino, tessuti a motivi geometrici. Materiale: lino, canapa, cotone. I tessuti erano decorati con motivi intrecciati e tacchi. La base della tessitura a mano è l'intreccio secondo il conteggio dei fili: verticale e orizzontale. Camicie, grembiuli, asciugamani, lenzuola erano decorati con tessuti a motivi geometrici. tacco- un metodo per applicare un motivo al tessuto mediante una tavola intagliata, precedentemente rivestita di vernice. Ricamo decorazione di abiti festivi e articoli per la casa: asciugamani, sciarpe, tovaglie. I ricami in oro erano decorati con copricapi nuziali. Pizzo negli abiti festivi e negli articoli per la casa viene utilizzato insieme al ricamo. Il primo pizzo Mikhailovsky, denso e semplice nella tecnica (era tessuto con fili di lino o cotone ruvidi). Il famoso pizzo Vologda (gli elementi del motivo - un fiore che ricorda una camomilla, un uccello stilizzato - una pavona, sono disposti con una treccia - una vilyushka).
L'architettura della Bielorussia.
Architettura moderna 1990 all'inizio. Gli anni 2000 sono caratterizzati da ricerche innovative. Si registrano cambiamenti nella concezione urbanistica: lo sviluppo della struttura urbanistica delle città passa attraverso il passaggio al sistema “città-periferia”. Il ruolo della costruzione di edifici residenziali bassi e individuali è in crescita. Ricevuta la distribuzione delle tangenziali stradali che consentono di aggirare la città (Logoisk, Kobryn, Gomel). La scultura e la coloristica si diffusero (monumenti ai principi David a Daivd-Gorodok, Boris a Borisov, F. Skoryn, M. Gusovsky e K. Turovsky nel cortile della BSU). Dall'inizio 2000 la formazione dell'aspetto artistico delle città bielorusse viene effettuata utilizzando mezzi grafici e illuminazione decorativa, che fungono da guida nello spazio, svolgono funzioni informative, aprono nuove sfaccettature estetiche di edifici e strutture (edifici su Independence Avenue, Partizansky, Pobediteley - a Minsk, la Cattedrale di Pietro e Paolo e il Palazzo Rumyantsev - paskevichs a Gomel, la stele della Vittoria a Mozyr), la chiesa nel nome del monaco Eufrasinia Principessa di Polotsk a Minsk, la Chiesa della Santa Epifania a Grodno. Tra i nuovi materiali da costruzione vengono utilizzati vetri colorati e specchiati (Palazzo del ghiaccio a Minsk, Gomel, Grodno, Zhlobin, Vitebsk), l'edificio principale della stazione ferroviaria, il centro uffici del 21° secolo a Minsk, l'edificio della National Biblioteca a Minsk. I design moderni si basano su una combinazione di telai metallici, vetri esterni e pareti che svolgono una funzione utilitaristica e decorativa. A causa della varietà di materiali da costruzione, la costruzione di alloggi viene effettuata utilizzando strutture in cemento armato, costruzione di pannelli e mattoni. Vengono rianimati gli edifici residenziali alti, bassi e individuali costruiti secondo progetti standard. Nel 1992-1997 nel comune di Distretto di Ross Volkovysky. La costruzione di singole case residenziali di tipo cottage nelle aree suburbane (insediamenti di Borovlyany, Novinki, regione di Minsk) è diventata molto diffusa. L'architettura dei cottage incarna i motivi del barocco, del classicismo, dell'art nouveau, del gotico e dell'architettura popolare. Nel 2000 è stato costruito un complesso commemorativo per i soldati-guardie di frontiera a Grodno e un segno architettonico "Partigiani bielorussi a Minsk". La costruzione dell'edificio principale della stazione ferroviaria di Minsk architetti - Kramarenko, Vinogradov, hanno ricevuto il Premio di Stato B. 2004.
I monumenti architettonici includono: Castello di Mir, Castello di Nesvizh, Castello di Grodno, Canale Aginsky, Mura della fortezza a Grodno, Chiesa dell'Annunciazione a Vitebsk, Castello di Lida, Chiesa di Teresa a Shchuchin.
Arti visive alla fine del XX secolo e all'inizio del XXI secolo.
Nella seconda metà degli anni '80 del XX secolo presero forma tutte le principali tendenze delle belle arti del XX secolo. - inizio del 21° secolo: pittura sacra, compresa la pittura di icone (N. Mukhin, V. Balabanov, I. Glazunov, E. Maksimov, V. Shilov); "scuola di studio" di pittura, caratterizzata dal tradizionale paesaggio russo (V. Sidorov, V. Shcherbakov, V. Telin, V. Polotnov); avanguardia (Zlotnikov, Yankilevskij, Nasedkin); Postmoderno russo (Dubov, Kislitsin, Markelova, Tereshchenko); "arte contemporanea". Una caratteristica delle belle arti della fine del XX-XXI secolo. è che si è liberato dall’oppressione della censura, dall’influenza dello Stato, ma non dall’economia di mercato. Se in epoca sovietica agli artisti professionisti veniva fornito un pacchetto di garanzie sociali, i loro dipinti venivano acquistati per mostre e gallerie nazionali, ma ora possono contare solo sulle proprie forze.
Nel 1947 fu istituita l'Accademia delle Arti. Negli anni '50 fu installato un sistema rigido. Un artista che studia all'università deve attraversare una serie di fasi.
Fase 1: diplomato alla scuola d'arte
Fase 2: diplomato in una scuola o istituto d'arte.
Termina la tua formazione con una grande immagine tematica. Quindi diventa membro dell'Unione degli artisti. Presentano periodicamente i loro nuovi lavori alla mostra ufficiale. Lo Stato era il principale cliente delle opere artistiche dei maestri. Alla fine degli anni '50, sopra Mosca si ergevano grattacieli con guglie. Si chiamavano Highlands. Erano 7. 1967 A Mosca viene costruita la torre televisiva Astana. Progetto automobilistico Nikitin 1907-1973 questo architetto partecipò alla costruzione dei complessi del Palazzo della Cultura a Varsavia, il monumento "La Patria chiama!" torre della televisione e ristorante "Settimo Cielo". Cominciarono ad apparire complessi residenziali che ricordavano la cultura postmoderna dell'Occidente. Poi a Mosca l'architettura a blocchi fu sostituita da una varietà di forme e stili di materiale (vetro). La Biblioteca Nazionale è stata costruita in stile high-tech a Minsk nel 2002. Particolarmente popolare è lo stile di Mosca: la restaurata Cattedrale di Cristo Salvatore, che è in cima alla lista delle più grandi. Ma il progetto più grandioso a Mosca è "CITY" con dozzine di grattacieli. Nel 21 ° secolo viene realizzato un edificio di 25 piani. Il complesso Khatyn (Silikhanov, Zankovich) è in fase di restauro. "Fortezza di Brest" - hanno preso parte gli scultori Volchok, Sysoev, Zankovich, Nazarov - Bobyl, Bembel. Wablio cominciò a diffondersi nella pittura. Questo è un genere di disegni ironici, che include un'eco verbale del popolare film Gugarev, la sua opera "Night Watch". Il periodo successivo è l’egocentrismo. Innovazione e conformismo si hanno quando nelle opere si può rintracciare una metafora e un concetto, che sono stati sostituiti da indicazioni tematiche. A. Bosolyga - "Preghiera". Nel 21 ° secolo, il cristianesimo sta tornando, l'icona viene ripresa, i templi e le chiese vengono restaurati. Nella scuola moderna del 21° secolo non c’è alcuna influenza dell’arte dell’Europa occidentale. Nella grafica, una linea libera è un gioco intellettuale di linee. Y. Podolin "Lyusterka". Nel 21° secolo, piccole forme di cartoline, annunci, poster e grafica di libri stanno rivivendo nella grafica. Appare un'immagine a colori. Lo sviluppo riceve la grafica del computer. In questa direzione: Borozna, Yakovenko. La grafica stampata ha indebolito lo sviluppo della litografia, attualmente eseguita su lastre di metallo. Autore Zventsov "Fondamenti di grafica". La fotografia artistica è in ripresa e ha un forte impatto sulla grafica. Si sviluppa l’arte intuitiva.