PITTURA AMERICANA
Le prime opere di pittura americana giunte fino a noi risalgono al XVI secolo; questi sono schizzi realizzati dai partecipanti alle spedizioni di ricerca. Tuttavia, gli artisti professionisti apparvero in America solo all'inizio del XVIII secolo; l'unica fonte di reddito stabile per loro era un ritratto; questo genere continuò ad occupare una posizione di primo piano nella pittura americana fino all'inizio del XIX secolo.
Periodo coloniale. Il primo gruppo di ritratti, eseguiti con la tecnica della pittura ad olio, risale alla seconda metà del XVII secolo; In questo momento, la vita dei coloni era relativamente calma, la vita si stabilizzò e apparvero opportunità per praticare l'arte. Di queste opere, la più famosa è il ritratto della signora Frick con la figlia Mary (1671-1674, Massachusetts, Worcester Museum of Art), dipinto da uno sconosciuto artista inglese. Negli anni Trenta del Settecento, le città della costa orientale avevano già diversi artisti che lavoravano in modo più moderno e realistico: Henrietta Johnston a Charleston (1705), Justus Englehardt Kuhn ad Annapolis (1708), Gustav Hesselius a Filadelfia (1712), John Watson a Perth Amboy nel New Jersey (1714), Peter Pelham (1726) e John Smibert (1728) a Boston. Il dipinto di questi ultimi due ebbe un'influenza significativa sull'opera di John Singleton Copley (1738-1815), considerato il primo grande artista americano. Dalle incisioni della collezione Pelham, il giovane Copley apprese la ritrattistica cerimoniale inglese e la pittura di Godfrey Kneller, uno dei principali maestri inglesi che lavorò in questo genere all'inizio del XVIII secolo. Nel dipinto Ragazzo con scoiattolo (1765, Boston, Museum of Fine Arts), Copley ha creato un meraviglioso ritratto realistico, delicato e sorprendentemente accurato nel trasmettere la trama degli oggetti. Quando Copley inviò quest'opera a Londra nel 1765, Joshua Reynolds gli consigliò di continuare i suoi studi in Inghilterra. Tuttavia, Copley rimase in America fino al 1774 e continuò a dipingere ritratti, elaborandone attentamente tutti i dettagli e le sfumature. Fece poi un viaggio in Europa e si stabilì a Londra nel 1775; Nel suo stile apparvero il manierismo e le caratteristiche di idealizzazione caratteristiche della pittura inglese di quel tempo. Tra le opere più belle prodotte da Copley in Inghilterra ci sono grandi ritratti formali che ricordano il lavoro di Benjamin West, tra cui Brooke Watson and the Shark (1778, Boston, Museum of Fine Arts). Benjamin West (1738-1820) è nato in Pennsylvania; Dopo aver dipinto diversi ritratti di Filadelfi, si trasferì a Londra nel 1763. Qui divenne famoso come pittore storico. Un esempio del suo lavoro in questo genere è il dipinto La morte del generale Wolfe (1770, Ottawa, Galleria Nazionale del Canada). Nel 1792, West succedette a Reynolds come presidente della British Royal Academy of Arts.
Guerra d'Indipendenza e inizio del XIX secolo. A differenza di Copley e West, che rimasero stabilmente a Londra, il ritrattista Gilbert Stuart (1755-1828) tornò in America nel 1792, facendo carriera a Londra e Dublino. Ben presto divenne il principale maestro di questo genere nella giovane repubblica; Stewart dipinse ritratti di quasi tutte le figure politiche e pubbliche di spicco d'America. Le sue opere sono eseguite in modo vivace, libero, abbozzato, molto diverso dallo stile delle opere americane di Copley. Benjamin West accettò volentieri giovani artisti americani nel suo studio londinese; i suoi studenti includevano Charles Wilson Peale (1741-1827) e Samuel F. B. Morse (1791-1872). Peale divenne il fondatore di una dinastia di pittori e di un'impresa artistica di famiglia a Filadelfia. Dipinse ritratti, si dedicò alla ricerca scientifica e aprì il Museo di storia naturale e pittura a Filadelfia (1786). Dei suoi diciassette figli, molti divennero artisti e naturalisti. Morse, meglio conosciuto come l'inventore del telegrafo, dipinse numerosi bellissimi ritratti e uno dei dipinti più grandiosi di tutta la pittura americana, la Galleria del Louvre. In quest'opera circa 37 tele sono riprodotte in miniatura con sorprendente accuratezza. Quest'opera, come tutte le attività di Morse, aveva l'obiettivo di introdurre la giovane nazione alla grande cultura europea. Washington Alston (1779-1843) fu uno dei primi artisti americani a rendere omaggio al Romanticismo; Durante i suoi lunghi viaggi attraverso l'Europa, dipinse tempeste marine, scene italiane poetiche e ritratti sentimentali. All'inizio del XIX secolo. Nascono le prime accademie d'arte americane, che forniscono agli studenti una formazione professionale e partecipano direttamente all'organizzazione di mostre: la Pennsylvania Academy of Arts di Filadelfia (1805) e la National Academy of Drawing di New York (1825), il cui primo presidente fu S. R. Morse . Negli anni '20 e '30 dell'Ottocento, John Trumbull (1756-1843) e John Vanderlyn (1775-1852) dipinsero enormi composizioni di soggetti della storia americana che decoravano le pareti della Rotonda del Campidoglio a Washington. Negli anni '30 dell'Ottocento, il paesaggio divenne il genere dominante della pittura americana. Thomas Cole (1801-1848) scrisse della natura vergine del nord (New York). Sosteneva che le montagne battute dalle intemperie e le luminose foreste autunnali erano soggetti più adatti per gli artisti americani rispetto alle pittoresche rovine europee. Cole dipinse anche diversi paesaggi intrisi di significato etico e religioso; tra questi ci sono quattro grandi dipinti, Life's Path (1842, Washington, National Gallery) - composizioni allegoriche raffiguranti una barca che scende lungo il fiume, in cui è seduto un ragazzo, poi un giovane, poi un uomo e infine un vecchio. Molti pittori paesaggisti seguirono l'esempio di Cole e rappresentarono la natura americana nelle loro opere; sono spesso riuniti in un gruppo chiamato “Hudson River School” (il che non è vero, dal momento che lavoravano in tutto il paese e scrivevano in stili diversi). Tra i pittori di genere americani, i più famosi sono William Sidney Mount (1807-1868), che dipinse scene della vita dei contadini di Long Island, e George Caleb Bingham (1811-1879), i cui dipinti sono dedicati alla vita dei pescatori. dalle rive del Missouri ed elezioni nelle piccole città di provincia. Prima della guerra civile, l'artista più popolare era Frederick Edwin Church (1826-1900), uno studente di Cole. Dipinse per lo più opere di grande formato e talvolta utilizzò motivi eccessivamente naturalistici per attirare e sbalordire il pubblico. Church viaggiò nei luoghi più esotici e pericolosi, raccogliendo materiale per rappresentare i vulcani sudamericani e gli iceberg dei mari del nord; una delle sue opere più famose è il dipinto Cascate del Niagara (1857, Washington, Corcoran Gallery). Negli anni '60 dell'Ottocento, le enormi tele di Albert Bierstadt (1830-1902) suscitarono una diffusa ammirazione per la bellezza delle Montagne Rocciose raffigurate in esse, con i loro laghi limpidi, foreste e cime a forma di torri.
Il dopoguerra e la fine del secolo. Dopo la guerra civile, in Europa divenne di moda studiare pittura. A Düsseldorf, Monaco e soprattutto Parigi era possibile ottenere un'istruzione molto più fondamentale che in America. James McNeil Whistler (1834-1903), Mary Cassatt (1845-1926) e John Singer Sargent (1856-1925) studiarono a Parigi e vissero e lavorarono in Francia e Inghilterra. Whistler era vicino agli impressionisti francesi; nei suoi dipinti prestò particolare attenzione agli accostamenti di colori e alla composizione espressiva e laconica. Mary Cassatt, su invito di Edgar Degas, partecipò a mostre impressioniste dal 1879 al 1886. Sargent dipinse i ritratti delle persone più importanti del Vecchio e del Nuovo Mondo in modo audace, impetuoso e abbozzato. Il lato opposto dello spettro stilistico rispetto all'impressionismo nell'arte della fine del XIX secolo. occupato da artisti realisti che dipingevano nature morte illusionistiche: William Michael Harnett (1848-1892), John Frederick Peto (1854-1907) e John Haberl (1856-1933). Due importanti artisti della fine del XIX e dell'inizio del XX secolo, Winslow Homer (1836-1910) e Thomas Eakins (1844-1916), non appartenevano a nessuno dei movimenti artistici in voga a quel tempo. Homer iniziò la sua carriera creativa negli anni '60 dell'Ottocento illustrando riviste di New York; già negli anni Novanta dell'Ottocento aveva la reputazione di artista famoso. I suoi primi dipinti sono scene di vita di villaggio sature di luce solare intensa. Successivamente, Homer iniziò a dedicarsi a immagini e temi più complessi e drammatici: Gulf Stream (1899, Metropolitan) raffigura la disperazione di un marinaio nero disteso sul ponte di una barca in un mare tempestoso e infestato da squali. Durante la sua vita, Thomas Eakins fu sottoposto a severe critiche per l'eccessivo oggettivismo e franchezza. Ora le sue opere sono molto apprezzate per i loro disegni rigorosi e chiari; i suoi pennelli includono immagini di atleti e ritratti sinceri intrisi di simpatia.
Il ventesimo secolo. All'inizio del secolo, le imitazioni dell'impressionismo francese erano molto apprezzate. Il gusto del pubblico fu messo alla prova da un gruppo di otto artisti: Robert Henry (1865-1929), W. J. Glackens (1870-1938), John Sloan (1871-1951), J. B. Lax (1867-1933), Everett Shinn (1876-1953) , A. B. Davis (1862-1928), Maurice Prendergast (1859-1924) ed Ernest Lawson (1873-1939). I critici li hanno soprannominati la scuola del "bidone della spazzatura" per la loro inclinazione a rappresentare i bassifondi e altri soggetti prosaici. Nel 1913 sul cosiddetto "Armory Show" espone opere di maestri appartenenti a varie aree del postimpressionismo. Gli artisti americani erano divisi: alcuni di loro si dedicarono all'esplorazione delle possibilità del colore e dell'astrazione formale, altri rimasero nel seno della tradizione realistica. Il secondo gruppo comprendeva Charles Burchfield (1893-1967), Reginald Marsh (1898-1954), Edward Hopper (1882-1967), Fairfield Porter (1907-1975), Andrew Wyeth (nato nel 1917) e altri. I dipinti di Ivan Albright (1897-1983), George Tooker (nato nel 1920) e Peter Bloom (1906-1992) sono scritti nello stile del "realismo magico" (la somiglianza con la natura nelle loro opere è esagerata e la realtà è ricorda più un sogno o un'allucinazione). Altri artisti, come Charles Sheeler (1883-1965), Charles Demuth (1883-1935), Lionel Feininger (1871-1956) e Georgia O'Keeffe (1887-1986), combinarono elementi di realismo, cubismo ed espressionismo nelle loro opere. opere e altri movimenti artistici europei. Le vedute marine di John Marin (1870-1953) e Marsden Hartley (1877-1943) sono vicine all'espressionismo. Le immagini di uccelli e animali nei dipinti di Maurice Graves (nato nel 1910) conservano ancora un connessione con il mondo visibile, sebbene le forme nelle sue opere siano fortemente distorte e portate a designazioni simboliche quasi estreme. Dopo la seconda guerra mondiale, la pittura non oggettiva divenne il movimento principale dell'arte americana. L'attenzione principale era ora rivolta alla superficie pittorica in sé; era visto come un'arena per l'interazione di linee, masse e macchie di colore. Il posto più significativo occupato in questi anni è stato l'espressionismo astratto, che divenne il primo movimento pittorico sorto negli Stati Uniti e ebbe importanza internazionale. I leader di questo movimento furono Arshile Gorky (1904-1948), Willem de Kooning (Kooning) (1904-1997), Jackson Pollock (1912 -1956), Mark Rothko (1903-1970) e Franz Kline (1910-1962). Una delle scoperte più interessanti dell'espressionismo astratto è stato il metodo artistico di Jackson Pollock, che faceva gocciolare o gettare vernice sulla tela per creare un complesso labirinto di forme lineari dinamiche. Altri artisti di questo movimento - Hans Hofmann (1880-1966), Clyford Still (1904-1980), Robert Motherwell (1915-1991) e Helen Frankenthaler (nata nel 1928) - praticavano la tecnica della pittura su tela. Un'altra versione di arte non oggettiva è la pittura di Josef Albers (1888-1976) e Ad Reinhart (1913-1967); i loro dipinti sono costituiti da forme geometriche fredde e calcolate con precisione. Altri artisti che hanno lavorato in questo stile includono Ellsworth Kelly (nato nel 1923), Barnett Newman (1905-1970), Kenneth Noland (nato nel 1924), Frank Stella (nato nel 1936) e Al Held (nato nel 1928); successivamente hanno diretto la direzione artistica all'ingrosso. Alla fine degli anni ’50, Robert Rauschenberg (nato nel 1925), Jasper Johns (nato nel 1930) e Larry Rivers (nato nel 1923), che lavoravano con tecniche miste, compreso l’assemblaggio, si pronunciarono contro l’arte non figurativa. Nei loro “dipinti” includevano frammenti di fotografie, giornali, manifesti e altri oggetti. All'inizio degli anni '60 l'assemblaggio diede vita ad un nuovo movimento, il cosiddetto. pop art, i cui rappresentanti hanno riprodotto con molta attenzione e accuratezza nelle loro opere vari oggetti e immagini della cultura pop americana: lattine di Coca-Cola e cibo in scatola, pacchetti di sigarette, fumetti. Gli artisti principali di questo movimento sono Andy Warhol (1928-1987), James Rosenquist (nato nel 1933), Jim Dine (nato nel 1935) e Roy Lichtenstein (nato nel 1923). Dopo la pop art è apparsa l'optic art, basata sui principi dell'ottica e dell'illusione ottica. Negli anni '70, in America continuarono ad esistere varie scuole di espressionismo, hard edge geometrico, pop art, fotorealismo sempre più alla moda e altri stili di belle arti.
LETTERATURA
Chegodaev A.D. Arte degli Stati Uniti d'America dalla Guerra Rivoluzionaria ai giorni nostri. M., 1960 Chegodaev A.D. Arte degli Stati Uniti d'America. 1675-1975. Pittura, architettura, scultura, grafica. M., 1975
Enciclopedia di Collier. - Società aperta. 2000 .
Scopri cos'è "PITTURA AMERICANA" in altri dizionari:
Scene e paesaggi quotidiani di artisti americani degli anni '20 e '30, eseguiti in modo naturalistico e descrittivo. La pittura di genere americana non era un movimento organizzato; era diffusa tra gli americani... Wikipedia
- “Nozze contadine”, 1568, Pieter Bruegel, Kunsthistorisches Museum, Vienna ... Wikipedia
Coordinate: 29°43′32″ N. w. 95°23′26″ O d. / 29.725556° n. w. 95,390556° O d....Wikipedia
Metropolitan Museum of Art di New York- Uno dei più grandi musei del mondo e il più grande museo d'arte degli Stati Uniti: il Metropolitan Museum of Art, situato a New York, sul lato est di Central Park a Manhattan. Questo posto è conosciuto come Museum Mile... ... Enciclopedia dei giornalisti
Wikipedia ha articoli su altre persone con questo cognome, vedi Bessonova. Marina Aleksandrovna Bessonova (22 febbraio 1945 (19450222), Mosca, 27 giugno 2001, Mosca) storica dell'arte russa, critica, attivista museale. Indice 1... ...Wikipedia
Uno dei più grandi musei d'arte degli Stati Uniti. Fondata a Boston nel 1870. Conserva eccezionali esempi di scultura dell'Antico Egitto (busto di Ankhhaf, 3° millennio a.C.), Grecia e Roma, tessuti copti, arte medievale della Cina e del Giappone... ... Grande Enciclopedia Sovietica
- (De Kooning, Willem) DE KOONING nel suo laboratorio. (1904 1997), artista americano contemporaneo, capofila della scuola dell'espressionismo astratto. De Kooning è nato il 24 aprile 1904 a Rotterdam. All'età di 15 anni si iscrive ai corsi serali di pittura... ... Enciclopedia di Collier
- (Chattanooga) una città nel sud-est degli Stati Uniti (vedi Stati Uniti d'America) (Tennessee); un porto sul fiume Tennessee nella Grande Valle degli Appalachi; situato tra i Monti Appalachi e l'altopiano del Cumberland, al confine con lo stato della Georgia. Popolazione 153,6 mila... ... Enciclopedia geografica
- (Chattanooga), una città nel sud-est degli Stati Uniti, nel Tennessee. Porto sul fiume Tennessee. 152mila abitanti (1994; con le periferie circa 430mila abitanti). Industrie chimiche, tessili, della pasta di legno e della carta. Metallurgia ferrosa, ingegneria meccanica.... ... Dizionario enciclopedico
Barbara Rose (nata nel 1938) è una storica dell'arte e critica d'arte americana. Ha studiato allo Smith College, al Barnard College e alla Columbia University. È stata sposata con l'artista Frank Stella dal 1961 al 1969. In... ...Wikipedia
Libri
- Pittura inglese e americana alla Washington National Gallery (tascabile), E. G. Milyugina, La Washington National Gallery possiede le più grandi collezioni al mondo di pittura inglese e americana di alto livello artistico. Le collezioni riflettono sia la storia della pittura mondiale,...
Originale tratto da vanatik05 in PITTURA AMERICANA – 5 (Tradizioni realistiche nel XX secolo)
Nel 1913, l'Associazione dei pittori e scultori americani organizzò la prima grande mostra internazionale di arte moderna, l'Armory Show, presso l'armeria della Guardia Nazionale in Lexington Avenue. Divenne un evento importante nella storia dell'arte americana, provocando diverse emozioni: sorpresa, ammirazione, indignazione, adorazione e completo rifiuto da parte del pubblico americano, abituato al realismo, in una certa misura all'impressionismo, ma non all'arte europea d'avanguardia che ha visto in questa mostra. 1.300 dipinti, sculture e opere decorative di oltre 300 artisti contemporanei europei e americani hanno visitato non solo New York, ma anche Chicago e Washington.
Le recensioni della mostra includevano accuse di immoralità, mancanza di professionalità, follia, ciarlataneria, molte opere erano chiamate caricature e parodie della pittura, e Theodore Roosevelt disse: "Questa non è affatto arte!"
Le autorità civili, tuttavia, non sono intervenute e non hanno cercato di chiudere la mostra, e gli scandali che l'hanno circondata hanno solo contribuito alla vendita di successo di molte opere che oggi possono essere viste nei musei americani, e il MoMA (The Museum of Modern Art) può essere generalmente considerata l'erede e la continuatrice di quelle prime mostre d'arte contemporanea.
Ha influenzato indirettamente gli artisti del movimento realistico, e le tradizioni realistiche non sono mai morte in America; non solo ha contribuito a cambiamenti nelle tecniche e nei temi del disegno, ma ha anche dato vita a nuove tendenze nella pittura come il “realismo magico”*
E la sua propaggine è il “precisionismo”**, caratteristico proprio degli artisti americani,
E il movimento artistico “regionalism”*** (o regionalismo) nato in America.
Parleremo di artisti, rappresentanti di diverse aree dell'arte realistica nell'America del XX secolo.
Charles Burchfield(1893-1967), uno dei più importanti acquerellisti americani, che dipingeva i suoi dipinti al cavalletto utilizzando la tecnica del pennello asciutto, sviluppò presto (entro il 1915) il proprio stile neorealista, combinando tendenze moderniste, pittura tradizionale cinese ed elementi del fauvismo .
Nel corso della sua vita creativa, ha cambiato direzioni e tecniche, ha dipinto paesaggi e dipinti su soggetti storici, scene osservate dalla finestra di casa sua e fiori, “allucinatori”, nello spirito del realismo magico, vedute della natura e del suo potere divino.
In suo onore, nel 1966 è stato creato a Buffalo un Centro per la natura e le arti, chiamato Birchfield Penny Art Center, che comprende anche la più grande collezione al mondo di opere dell'artista.
Reginald Marsh(1898-1954), nato a Parigi, in una ricca famiglia di artisti, fu allievo di D. Sloan, conosciuto principalmente come pittore e illustratore di scene urbane, vita di strada e spiagge di New York.
I suoi dipinti si distinguono per la completezza documentaristica, intrisi di un amore ironico per i personaggi, ha dipinto molto per il burlesque e il vaudeville, considerandoli "il teatro dell'uomo comune, che esprime l'umorismo e le fantasie dei poveri, vecchi e brutti".
Ha lavorato con olio e inchiostro, acquerello, tempera all'uovo e ha iniziato la sua vita creativa con la litografia. Il suo stile può essere caratterizzato come “realismo sociale”, particolarmente evidente durante la Grande Depressione, e la sua devozione agli antichi maestri, di cui adorava il lavoro, portò alla creazione di opere contenenti metafore religiose.
Poco prima della sua morte per infarto, Marsh ha ricevuto la medaglia d'oro delle arti grafiche dall'American Academy of Arts.
Fairfield Portiere(1907-1975) nacque nella famiglia di un architetto e poeta, studiò ad Harvard e alla League of American Students, aderì alla direzione realistica per tutta la vita, dipinse principalmente paesaggi e ritratti di familiari e amici, cercando di rivelare insolitezze nella vita ordinaria e renderla più bella.
Il suo lavoro mostra l'influenza del padre architetto, del lavoro di Velázquez, e più tardi degli artisti Bonnard e Vuillard; credeva che "l'impressionismo è capace di ricreare pittoricamente la presenza della realtà".
Forse la mancanza di buoni maestri di pittura ad olio, l’atteggiamento diffidente nei confronti della sensualità e del naturalismo insito in molti americani di quegli anni, aiuta a spiegare la natura un po’ primitiva delle opere di Porter, la goffaggine, la rigidità delle sue figure, la loro staticità.
E solo nelle sue opere successive inizia a varcare il confine tra impressionismo e fauvismo, il suo disegno diventa più libero, i colori sono più luminosi e c'è più luce nelle sue opere.
Edoardo Hopper(1882-1967) nacque a Nyack, un centro di costruzione di yacht sul fiume Hudson, da una ricca famiglia di origine olandese. Il talento artistico di Hopper si manifestò all'età di 5 anni; i suoi genitori gli instillarono l'amore per l'arte francese e russa e incoraggiarono la sua passione per la pittura e i diversi interessi.
Hopper ha lavorato con penna e inchiostro, carboncino, acquerello, olio e litografia, dipingendo ritratti e paesaggi marini, vignette politiche e disegni dal vero. Nel lavoro di Hopper si possono discernere le influenze di Robert Henry, uno dei suoi insegnanti, e di Manet e Degas,
William Chase e Rembrandt, in particolare la sua "Ronda di notte", e mentre viveva a Parigi, dipingendo scene per le strade, nei caffè e nei teatri, rimase nella tradizione dell'arte realistica, anche se alcuni ricercatori attribuiscono il suo lavoro al precisismo a causa del chiaro , linee chiare caratteristiche del suo lavoro, forme geometriche, meccanicità, sterilità e vuoto dello spazio.
Ha detto che la sua “cosa preferita nella pittura è la luce del sole sul muro di una casa”. Durante la Grande Depressione, Hopper ebbe più fortuna di molti altri artisti: continuò a esporre ogni anno e a vendere bene per il resto della sua vita.
Il suo lavoro ha fortemente influenzato non solo le arti visive, ma anche il cinema con le sue composizioni cinematografiche e l'uso drammatico della luce e dell'oscurità.
Paolo Cadmo(1904-1999), rappresentante del movimento del “realismo magico”, combina nella sua opera elementi di erotismo e critica sociale,
ottenne una fama scandalosa grazie ai motivi omosessuali palesi nei suoi dipinti e alle raffigurazioni di figure maschili nude.
È nato in una famiglia povera di artisti, suo padre ha incoraggiato il ragazzo a dedicarsi al disegno e all'età di 14 anni ha frequentato i corsi dell'Accademia Nazionale di Design e poi dell'Accademia. Viaggiò molto con i suoi amici, dipinse grandi tele che riflettevano le sue impressioni sull'Europa, dipinse quadri a più figure della vita di pescatori, marinai, scene di vita cittadina,
E dopo aver incontrato l'impresario e balletomane Kirsten, Cadmus iniziò a produrre molte opere su temi di balletto, raffiguranti principalmente ballerini.
Paul Cadmus visse una lunga vita e morì all'età di 95 anni tra le braccia del suo amico e modello abituale, che fu al suo fianco durante gli ultimi 35 anni della sua vita. Cadmus amava ripetere le parole di Ingres: “La gente dice che i miei quadri non sono adatti a questo periodo. Forse si sbagliano e io sono l’unico che sta al passo con i tempi”.
Ivan (Ivan) Albright(1897-1983), uno dei più famosi rappresentanti del realismo magico, nacque con il fratello gemello in una famiglia di artisti.
I fratelli furono inseparabili per gran parte della loro vita, entrambi studiarono all'Art Institute di Chicago, il fratello Malvin divenne scultore e Ivan pittore, ma iniziò come architetto e durante la prima guerra mondiale realizzò disegni medici per un ospedale a Nantes. Era sempre molto esigente riguardo al suo lavoro, scriveva attentamente tutti i dettagli e dedicava molte delle sue opere ad argomenti complessi come la vita e la morte, la materialità e lo spirito, l'impatto del tempo sull'apparenza e sul mondo interiore di una persona.
Tale lavoro richiedeva molto tempo e quindi le vendite erano rare; molti dipinti rimasero di sua proprietà. Albright produceva i suoi colori e i suoi carboni ed era ossessionato dall'illuminazione al punto che indossava abiti neri e dipingeva il suo studio di nero per evitare l'abbagliamento.
Dipingeva in modo realistico ma esageratamente dettagliato, amava osservare il passare del tempo e dipinse oltre 20 autoritratti solo negli ultimi 3 anni della sua vita per riflettere i cambiamenti che avvengono in una persona.
George Claire Tooker Jr. (1920-2011), le cui opere rappresentano le direzioni del realismo socialista e del realismo magico, è nato in una famiglia con radici inglese-francese-spagnolo-cubane e americane, su insistenza dei suoi genitori ha studiato letteratura inglese ad Harvard, ma dedicò la maggior parte del suo tempo alla pittura.
Dopo aver prestato servizio nel Corpo dei Marines, dal quale fu congedato per problemi di salute, frequentò i corsi della Lega degli Studenti d'Arte, lavorò molto con la tempera all'uovo e ammirò l'arte del Rinascimento italiano.
I dipinti di Tooker raffigurano scene della vita quotidiana americana, le figure umane in essi spesso non hanno una specifica identità razziale o sessuale, esprimendo solitudine, isolamento e anonimato.
Ha prestato molta attenzione al rispetto delle proporzioni geometriche e della simmetria, per questo motivo ha dipinto molto lentamente - non più di due dipinti all'anno. Dalla sua prima grande mostra nel 1951, Tooker ha esposto ininterrottamente e con successo, e il suo lavoro è presente nei principali musei d'America.
Pietro Blume(Peter Bloom) - (1906-1992), artista e scultore, il cui lavoro contiene elementi di precisione, purismo, cubismo, surrealismo e arte popolare. Nacque in Russia da una famiglia ebrea emigrata in America nel 1912 e si stabilì a Brooklyn.
Dopo aver studiato arte in vari istituti scolastici, ha aperto il proprio studio sotto il patrocinio della famiglia Rockefeller. Come molti dei suoi contemporanei realisti, era un fan del Rinascimento, viaggiò in giro per l'Italia, il suo primo dipinto, che ricevette il riconoscimento nel 1934, fu "La Città Eterna", in cui si può discernere l'immagine di Mussolini, come un jack- in-the-box, emergente dal Colosseo.
Le sue opere, spesso raffiguranti la distruzione, possono tuttavia essere interpretate come simboli di ricostruzione e rinnovamento dopo la seconda guerra mondiale, come testimoniano le pietre, le nuove travi e le figure di lavoratori.
Lo stile artistico di Blume era un interessante ibrido di diversi movimenti artistici dell'arte americana ed europea, è definito un "artista delle fiabe".
Andrew Newell Wyeth(1917-2009), rappresentante dello stile realista prevalentemente regionalista, nacque nella famiglia di un illustratore attento allo sviluppo dei talenti dei suoi cinque figli, insegnando loro la buona letteratura, la musica e lo studio della natura. Il padre stesso insegnava ai suoi figli a casa ed erano tutti talentuosi: artisti, musicisti, compositori, inventori.
La loro casa era un luogo creativo, spesso visitato da celebrità come Scott Fitzgerald e Mary Pickford. Lo stesso Wyeth, stranamente, si considerava un astrattista e attribuiva grande importanza alla consapevolezza del significato profondo degli oggetti semplici; i suoi temi preferiti nei suoi dipinti erano la terra e le persone che lo circondavano.
Il suo dipinto più famoso, Christina's World, raffigura una ragazza di una fattoria vicina, disabile a causa della poliomielite, che striscia da sola verso una casa in lontananza.
Helga Testorf ha dedicato 247 dipinti e disegni a una donna; l'ha studiata in vari ambienti e stati emotivi, un'esperienza unica nell'arte americana.
Sebbene Wyeth abbia prodotto molte opere tecnicamente eccellenti e abbia avuto molti seguaci, la sua arte è considerata controversa, con il critico d'arte Rosenblum che lo descrive come "l'artista più sopravvalutato e sottovalutato".
Concedere legno(1891-1942), uno dei più famosi rappresentanti del regionalismo, è nato in Iowa, ha perso presto il padre, ha lavorato in un negozio di ferramenta, ha studiato alla scuola d'arte e poi all'Art Institute di Chicago.
Il giovane Grant viaggiò in Europa 4 volte per studiare gli stili pittorici, prestando particolare attenzione all'impressionismo e al post-impressionismo, ma ammirava le opere di Van Eyck e sognava di combinare metodi moderni con la chiarezza, la precisione e la profondità dell'arte medievale nel suo lavoro. .
Non per niente il suo dipinto più famoso si chiama “American Gothic”; riflette la visione tradizionale del XIX secolo sui ruoli degli uomini e delle donne in America; il dipinto fu accolto in modo ambiguo, alcuni lo considerarono una caricatura, e i giornali lo parodiarono in diversi modi.
Più tardi, mentre insegnava arte all'Università dell'Iowa, Wood divenne una figura chiave nella società culturale dell'università, ma a causa delle voci sulla sua relazione omosessuale con la sua segretaria personale, Wood fu licenziato e presto morì di cancro al pancreas.
Thomas Hart (Hart) Benton(1889-1975) nacque in una famiglia di politici, suo padre, colonnello, avvocato e filantropo, fu eletto quattro volte al Congresso. Il padre voleva che suo figlio seguisse le sue orme, ma il ragazzo era interessato all'arte, sua madre appoggiò la sua scelta ed entrò all'Art Institute di Chicago, per poi andare a Parigi per continuare gli studi alla Julian Academy.
Ritornato in America e continuando a dipingere, prestò servizio nella Marina degli Stati Uniti durante la prima guerra mondiale, lavorando su immagini mimetiche di navi e cantieri navali, che richiedevano rappresentazioni documentaristiche realistiche e in seguito influenzarono il suo stile. All'inizio degli anni '20, Benton si dichiarò un "nemico del modernismo", divenne uno dei principali rappresentanti del regionalismo e aderì alle opinioni "di sinistra".
Si interessò a El Greco, l'influenza del suo lavoro è visibile nel lavoro su enormi affreschi raffiguranti diverse fasi ed eventi della vita del paese.
Benton insegnò alla Art Students League di New York, molti dei suoi studenti divennero artisti famosi (Hopper, Pollack, Marsh), ma fu licenziato per aver rilasciato dichiarazioni di condanna sull'indebita influenza degli omosessuali nel mondo dell'arte. Dopo la seconda guerra mondiale, il regionalismo come movimento perse la sua rilevanza e Benton continuò a dipingere murales,
lavorò attivamente per circa altri 30 anni, ma non ebbe più la popolarità di un tempo.
John StewartCarrie(1897-1946) nacque in una fattoria del Kansas, si prendeva cura degli animali, amava l'atletica e fin dall'infanzia era circondato da riproduzioni di dipinti di Rubens e Doré, che giocarono un ruolo nella sua successiva scelta di stile artistico.
John ha studiato all'Art Institute di Chicago, ha lavorato come illustratore di riviste e ha trascorso un anno a Parigi studiando le opere di Courbet, Daumier, Tiziano e Rubens. Ritornato negli Stati Uniti, ha lavorato per qualche tempo nel suo studio, ha viaggiato con il circo, è stato nominato primo artista presso l'Università del Wisconsin-Madison e ha viaggiato in tutto il paese per promuovere lo sviluppo dell'arte nelle comunità agricole.
Ha dipinto murales per il Dipartimento di Giustizia di Washington e per il Campidoglio in Kansas. Carrie era uno dei tre pilastri (Benton e Wood) del regionalismo americano, particolarmente rilevante durante la Grande Depressione.
Ha rappresentato scene di lavoro, famiglia e terra e ha affrontato i disastri naturali per dimostrare al mondo la perseveranza, il duro lavoro e la fede delle persone, che Carrie credeva fossero l'essenza della vita americana.
Ad essere sincero, non mi ispiro molto agli artisti realisti in generale; mi interessa un po' il lavoro dei soli singoli rappresentanti del realismo magico (Cadmus, Blume, Hopper), ma in generale questo periodo dell'arte americana non mi è vicino , cosa posso fare.
La parte successiva e conclusiva sarà dedicata all'arte contemporanea americana. Segue il finale...
Come sempre, uno slideshow con tante altre foto e buona musica:
* Realismo magico- Come movimento artistico, il realismo magico si è sviluppato sul suolo americano, diventando l'equivalente del surrealismo europeo. Per molti versi, incontrando i gusti e le esigenze del pubblico americano, le opere dei maestri del realismo magico erano di natura scioccante, sconvolgente nella loro franchezza, pur combinandola con la natura aneddotica delle situazioni e la caricatura dei personaggi; la realtà era più simile a un sogno inquieto o a un delirio allucinatorio.
**Precisionismo, o preciginismo (precisione inglese - accuratezza, chiarezza) - una direzione caratteristica della pittura americana degli anni '30, una sorta di realismo magico. Il soggetto principale per i precisisti è l'immagine della città, il tema principale è l'estetica meccanicistica, lo spazio dei dipinti è sterile, sembra che l'aria sia stata pompata fuori da essi, non c'è nessuna persona al suo interno.
***Regionalismo o regionalismo (dall'inglese regional - local) - un movimento artistico nell'arte degli Stati Uniti del 1920-1940, basato sul desiderio di creare un'arte veramente americana in contrasto con i movimenti d'avanguardia provenienti dall'Europa. Ispirati da idee di identità nazionale, gli artisti regionalisti si concentrarono sulla rappresentazione dell’America “autentica”. I temi delle loro opere includevano paesaggi americani, scene della vita dei contadini, vita di piccole città, episodi storici, leggende locali e storie folcloristiche.
A cavallo tra il XIX e il XX secolo, quando la pittura americana era dominata da due movimenti rispettati e di successo commerciale: l'impressionismo e il realismo accademico, emerse e si rafforzò il desiderio di alcuni artisti di riflettere la reale vita moderna della città con i suoi a volte crudeli momenti, per rappresentare la vita cruda delle periferie cittadine, i bambini di strada, le prostitute, gli alcolizzati, la vita nei condomini. Credevano che la pittura potesse essere simile al giornalismo, sebbene molti di questi artisti fossero apolitici e non si limitassero a riflettere i mali e la povertà della vita cittadina.
“...Amavo moltissimo le città, amavo il fiume maestoso e veloce,
Tutte le donne, tutti gli uomini che ho riconosciuto mi erano vicini...
...E vivevo nel mondo, amavo Brooklyn - ricca di colline, era mia,
E ho vagato per Manhattan, e ho nuotato nelle acque salate che bagnano l'isola..."
(Walt Whitman. Foglie d'erba. Sul traghetto di Brooklyn.)
L'ideologo di questo movimento, Robert Henry, un fan della poesia di Walt Whitman, richiedeva ai suoi studenti che i loro "colori fossero reali come la terra, come grumi di merda di cavallo e neve in inverno a Broadway". A causa della sua predilezione per tali argomenti, questo movimento ricevette il soprannome di “scuola dei bidoni della spazzatura” o “scuola dei bidoni della spazzatura”, che gli rimase impresso e viene utilizzato nella letteratura di storia dell’arte. Questo movimento fu accolto con ostilità da molti critici; dopo la prima mostra, uno di loro, sotto lo pseudonimo di “Gioielliere”, scrisse: “La volgarità colpisce gli occhi in questa mostra… Può l’arte che mostra le nostre piaghe essere bella?” La Garbage Pail School viene talvolta identificata con il Gruppo degli Otto, anche se non tutti (solo 5) i suoi membri ne facevano parte, e tre artisti, Davis, Lawson e Prendergast, si esibirono in uno stile completamente diverso.
Roberto Enrico(Cozad), (1865-1929), artista, insegnante, ispiratore della “Garbage Pail School” e organizzatore del gruppo “Otto”,
Nato a Cincinnati nella famiglia di un promotore immobiliare e di un giocatore d'azzardo. In una scaramuccia sulla proprietà della terra, il padre sparò al suo avversario e fuggì a Denver, dove in seguito tutta la famiglia si trasferì, cambiando nome e cognome. Dopo aver studiato per due anni all'Accademia di Belle Arti di Filadelfia, il giovane Robert andò a Parigi all'Académie Julien per studiare con i realisti accademici.
Dopo un viaggio in Italia, tornò a Filadelfia e iniziò a insegnare alla School of Design for Women, era considerato un insegnante naturale. All’età di trent’anni, Henry arrivò all’idea della necessità di sviluppare una direzione nella pittura che combinasse realismo ed elementi di impressionismo, e la chiamò “nuovo accademismo”.
I suoi amici e seguaci non si consideravano un unico gruppo organizzato, ma una mostra alla Galleria Macbeth di New York nel 1908 attirò l'attenzione sugli artisti del nuovo movimento e diede loro fama. Nel 1910, Henry, con l'aiuto di Sloan, organizzò una mostra di artisti indipendenti, in cui furono venduti solo pochi dipinti; gli artisti di questa direzione erano già stati sostituiti dalla nuova arte moderna, l'araldo e "padre" di cui Robert Henry può essere considerato.
Gli anni successivi portarono Henry alla popolarità; trascorse molto tempo in Irlanda e a Santa Fe, insegnò alla Students' League di New York e ebbe una grande influenza sullo sviluppo del movimento modernista tra i suoi studenti artisti. Nel 1929 fu nominato uno dei tre migliori artisti americani viventi dal New York Council of the Arts. Gli elementi classici del suo stile nella ritrattistica sono una pennellata potente, colori intensi ed effetti di luce, un riflesso dell'individualità e delle qualità spirituali di una persona.
John French Sloan(1871-1951), uno dei fondatori della Garbage Pail School, membro degli Otto, artista e incisore.
Suo padre aveva capacità artistiche e incoraggiava i suoi figli a disegnare fin dalla prima infanzia. Iniziò a lavorare presto a causa della malattia del padre e il suo lavoro come commesso in una libreria gli lasciò molto tempo libero per leggere, disegnare e copiare opere di Dürer e Rembrandt, che ammirava. Iniziò anche a realizzare incisioni e a venderle in un negozio, e le sue cartoline e i suoi calendari furono un successo. Successivamente lavorando come illustratore, iniziò a frequentare i corsi serali presso l'Accademia di Belle Arti di Filadelfia, dove incontrò Robert Henry, che lo convinse a dedicarsi alla pittura.
La difficile storia della sua vita familiare (alcolismo e instabilità mentale della moglie, un'ex prostituta conosciuta in un bordello), ha interferito con la sua creatività e, sebbene abbia dipinto quasi 60 dipinti fino al 1903, non aveva ancora un nome nell'elenco. mondo dell'arte e vendettero poco le loro opere. Trasferitosi a New York, lavorò part-time in riviste, disegnò vignette politiche, illustrò libri, partecipò a una mostra alla Galleria Macbeth e dopo aver organizzato una mostra itinerante, finalmente il successo arrivò.
Per tutta la sua vita successiva, Sloan rimase fedele alle idee socialiste, che certamente si riflettevano nel suo lavoro, ma si oppose categoricamente alle affermazioni dei critici sull’orientamento sociale cosciente della sua pittura.
Alla fine degli anni '20, Sloan cambiò non solo la tecnica, ma anche i soggetti dei suoi dipinti in favore di nudi e ritratti, spesso utilizzando pitture di fondo e ombreggiature, e non raggiunse mai più la popolarità che avevano i suoi primi lavori.
William J.Glakkens(1870-1938), anche lui uno dei fondatori della Garbage Pail School, nacque a Filadelfia, dove vissero molte generazioni della sua famiglia. Anche suo fratello e sua sorella sono diventati artisti. Lo stesso William, avendo mostrato capacità artistiche mentre era ancora a scuola, ha lavorato dopo la laurea come artista per i giornali, ha frequentato un corso serale presso l'Accademia di Belle Arti, dove ha incontrato il giovane Sloan, che lo ha presentato a Robert Henry.
Nel 1895, Glakkens viaggiò con un gruppo di artisti in giro per l'Europa, ammirò i dipinti dei grandi "olandesi", e a Parigi conobbe per la prima volta l'arte degli impressionisti, poi per tutta la vita andò spesso a dipingere a Parigi e negli Stati Uniti. Sud della Francia. Dopo il ritorno negli Stati Uniti, Glakkens si stabilisce a New York e partecipa attivamente alle attività espositive della Garbage Pail School e dell'Eight Group.
La direzione impressionista è sempre più evidente nella sua opera, viene addirittura definito il “Renoir americano” e, a differenza di Sloan, non fu un “cronista sociale”, ma un artista “puro”, per il quale forma artistica, colore e sensualità erano fondamentali. primaria importanza. La sua tavolozza si illumina nel corso degli anni, i suoi soggetti cambiano significato, predominano paesaggi, scene di spiaggia e, alla fine della sua vita, nature morte e ritratti.
La sua arte non riflette i problemi sociali del tempo, il tempo della Grande Depressione, anzi il contrario: "i suoi dipinti sono pieni del fantasma della felicità, è ossessionato dalla contemplazione della gioia" (Leslie Keith, "The Persistence di William Glackens, 1966”).
George Benjamin Lax(1867-1933) nacque a Williamsport da un farmacista la cui madre era un'artista e musicista dilettante. Dopo essersi trasferito in una piccola città nel sud della Pennsylvania, situata vicino ai giacimenti di carbone, George vide presto la povertà e imparò lezioni di compassione dai suoi genitori, che aiutavano le famiglie dei minatori.
Ha iniziato la sua vita lavorativa da adolescente, lavorando con suo fratello nel vaudeville, ma molto presto ha capito che voleva diventare un artista. Dopo un breve studio all'Accademia di Belle Arti, andò in Europa, studiò varie scuole d'arte e si appassionò alla pittura spagnola e olandese (soprattutto Velazquez e Frans Hals) e alla tecnica di Manet. Ritornato a Filadelfia, Lax lavora come illustratore per un giornale, incontra Glackens, Sloan e Shinn, partecipa a incontri intellettuali con Robert Henry e, dopo essersi trasferito a New York e aver lavorato come artista per la rivista Pulitzer, inizia a dedicare più tempo alla pittura. .
È coinvolto nella Garbage Pail School e nel Group of Eight, contribuisce ai dibattiti sul Nuovo Realismo e dipinge ampiamente, raffigurando la vita degli immigrati, la loro diversità etnica, attingendo materiale dal Lower East Side e da Brooklyn. Oltre ai dipinti sulla vita di New York, Lax dipinse paesaggi e ritratti; era considerato un maestro dei colori forti e degli effetti di luce.
Lax era una personalità originale, un ribelle nato, orgoglioso del fatto che chi lo circondava lo considerasse il "cattivo ragazzo" dell'arte americana, creava miti su se stesso, spesso beveva fino all'incoscienza, era un alcolizzato e alla fine fu trovato ucciso in un corridoio a seguito di una lite domestica.
Everett Shinn(1876-1953), nato a Woodstown da una famiglia di agricoltori quaccheri.
Le sue prime capacità gli hanno permesso di iniziare seriamente a studiare le basi del disegno all'età di 15 anni, di prendere lezioni all'Accademia di Belle Arti un anno dopo e all'età di 17 anni di iniziare a lavorare come artista a tempo pieno nei giornali. Trasferitosi a New York nel 1897, il giovane Shinn divenne presto famoso come uno dei realisti di talento che rappresentavano la vita cittadina, la violenza di strada, gli incidenti e gli incendi.
Dopo aver viaggiato con la moglie attraverso l'Europa, Shinn iniziò a esplorare nuovi soggetti (teatro, balletto) ed elementi impressionistici nella pittura. È l'unico della "Garbage Pail School" e del "Gruppo degli Otto" ad avere molte opere in pastello, oltre a murales non solo negli appartamenti dell'élite di Manhattan, ma anche 18 murales per il famoso Broadway Belasco Theatre . Shinn credeva di "essere un membro accidentale degli otto", senza una posizione politica e impegnato nella vita sociale, ma che rifletteva una fetta della realtà americana dell'inizio del XX secolo con uno spirito realistico e romantico.
Si presume che Everett Shinn sia servito da prototipo per l'artista Eugene Whittle nel romanzo "Genius" di T. Dreiser.
Ernest Lawson(1873-1939), nato a Halifax, venne negli Stati Uniti, visse prima a Kansas City e poi a New York, studiò alla Art Students League con Touktman, che lo introdusse all'impressionismo.
In Francia, mentre studiava all'Accademia Julien, si interessò alla pittura all'aria aperta e incontrò Sisley e Somerset Maugham. Ritornato negli Stati Uniti, Lawson sviluppò il proprio stile estetico, al confine con l'impressionismo e il realismo, ed è stato definito "l'ultimo impressionista d'America".
Viaggia molto per il Paese, dipinge paesaggi deserti, incontra gli artisti della “Garbage Pail School” e diventa membro del gruppo “Eight”, ma a differenza di loro evita il dramma nel rappresentare la vita cittadina e, dopo aver partecipato al mostra d'arte contemporanea “Armory Show”, non rifiuta le tendenze realistiche e impressioniste, mostra interesse per il postimpressionismo, in particolare per Cezanne.
Il lavoro di Lawson non è così conosciuto come quello degli altri suoi contemporanei, ma Robert Henry lo considerava "il più grande pittore di paesaggi dai tempi di Winslow Hommer". È annegato in circostanze misteriose mentre nuotava a Miami Beach.
George Wesley Bellows(1882-1925), era il defunto e unico figlio della figlia di un capitano di una nave baleniera. Alla Ohio State University studiò e giocò con successo a baseball e basket mentre illustrava l'annuario universitario; sognava di diventare un giocatore professionista di baseball e lavorava come illustratore per riviste. Nel 1904, senza laurearsi all'università, Bellows si trasferì a New York, entrò alla School of Art, si unì agli artisti della Garbage Pail School e del Group of Eight e affittò il proprio studio a Broadway.
La partecipazione a mostre con gli studenti di Robert Henry e l'insegnamento alla Art Students League gli hanno portato la fama, sebbene molti critici considerassero il suo lavoro "grezzo" non solo nell'argomento, ma anche nello stile.
Continuando i temi della vita urbana e dello sport nel suo lavoro, Bellows iniziò anche a ricevere commissioni per ritratti dalla ricca élite e in estate dipinse paesaggi marini nel Maine.
Era molto politicizzato, aderiva alle opinioni socialiste e persino anarchiche e lavorava come illustratore per una rivista socialista. Nel 1918 creò una serie di stampe e dipinti raffiguranti le atrocità commesse dai soldati tedeschi durante l'invasione del Belgio.
Bellows diede anche un contributo significativo alla litografia e illustrò molti libri, comprese diverse edizioni di H. G. Wells. Morì all'età di 42 anni di peritonite dopo un'operazione fallita, lasciando dietro di sé una moglie, due figlie e un gran numero di dipinti e stampe che ora si trovano in molti dei principali musei americani.
I due artisti che seguono non possono essere pienamente attribuiti né alla “Garbage Pail School” né al gruppo degli “Eight”; sono piuttosto più vicini al movimento modernista, sono più aperti alla sperimentazione, il loro lavoro può essere considerato a buon diritto una fase di transizione verso post -impressionismo.
Arthur Bowen Davis(1853-1928), già all'età di 15 anni partecipò ad una mostra itinerante nella sua città, organizzata dai membri della Hudson River School. Dopo che la sua famiglia si trasferì a Chicago, studiò all'Academy of Design e, dopo essersi trasferito a New York, studiò alla Art Students League e lavorò come illustratore per una rivista.
Le difficili circostanze familiari (l'infedeltà di Davis, la presenza di una seconda moglie illegittima e di un figlio illegittimo) hanno lasciato il segno nel suo comportamento e nel suo carattere riservato, ma già nel primo anno dopo il suo matrimonio, i dipinti di Davis iniziarono a vendere con successo e viaggi regolari a L'Europa e le opere di Corot e Millet lo hanno aiutato ad affinare il senso del colore e a sviluppare il proprio stile pittorico.
Negli anni venti fu riconosciuto come uno degli artisti americani più rispettati e di successo finanziario. Come membro degli "Otto", fu il principale organizzatore dell'Armory Show, più esperto di arte moderna dei suoi compagni, agì come consigliere di molti ricchi newyorkesi nell'effettuare acquisti per le loro collezioni e aiutò molti giovani artisti con consigli e soldi.
Arthur B. Davis è un fenomeno anomalo nella pittura americana: il suo stile lirico può essere descritto come sobrio e conservatore, ma i suoi gusti e interessi erano completamente all'avanguardia.
Maurice Brasile Prendergast(1858-1924) e suo fratello gemello nacquero nella famiglia di un commerciante di posta commerciale nella colonia britannica del Nord America. Dopo essersi trasferito a Boston, Maurice, che era capace di disegnare, fu apprendista presso un artista commerciale da suo padre, il che spiega la luminosità e la "piattezza" del suo lavoro.
Gli studi a Parigi all'Académie Colarossi, e poi all'Académie Julien, la conoscenza del lavoro di artisti d'avanguardia inglesi e francesi, lo studio delle opere di Van Gogh e Seurat lo hanno portato effettivamente al postimpressionismo. Prendergast è stato uno dei primi americani a riconoscere Cézanne, a comprendere il suo lavoro e a utilizzare i suoi metodi espressivi per trasmettere forma e colore. Ritornato a Boston nel 1895, lavorò principalmente con l'acquerello.
E monotipi, e dopo un viaggio in Italia ottenne fama e successo di critica per le sue opere dedicate a Venezia.
Incontra il Gruppo degli Otto artisti, partecipa con loro alla famosa mostra alla Galleria Macbeth nel 1908, e Glakkens diventa suo amico per tutta la vita. Le sette opere che ha esposto all'Armory Show hanno mostrato la sua maturità stilistica e il suo impegno definitivo nei confronti del postimpressionismo, il suo stile emerge e viene giustamente descritto dai critici come "simile ad un arazzo" o "simile a un mosaico".
Prendergast rimase scapolo per tutta la vita, forse a causa della naturale timidezza, della cattiva salute e della grave sordità nei suoi ultimi anni.
È interessante notare che negli anni successivi la tendenza realistica nella pittura americana non ha perso la sua rilevanza e si è riflessa e sviluppata nel postimpressionismo, nel “realismo magico” e nel “regionalismo”. Ma ne parleremo la prossima volta.
E, come sempre, uno slide show sull'argomento, che presenta molte più riproduzioni.
Entro la metà del XIX secolo, il paesaggio divenne il genere dominante della pittura americana. Molti artisti di quel tempo sono riuniti nel gruppo “Hudson River School”, che comprendeva più di 50 pittori paesaggisti di due generazioni.
Può essere considerato il più famoso paesaggista americano di quegli anni Tommaso Cole (1801-1848),
nato in Inghilterra e si è trasferito in America all'età di 17 anni con i suoi genitori. Ha studiato pittura con un artista itinerante, è stato autodidatta, ha viaggiato molto per il paese, ha visitato l'Inghilterra e l'Italia,
Ma considerava la natura americana molto più pittoresca della natura europea.
La cosa più vicina allo stile di Cole era il suo amico Asher Duran(1796-1886), che iniziò come artista grafico,
Ma dopo aver viaggiato con un amico attraverso le montagne dell'America, si interessò ai paesaggi e dipinse molto dal vero.
L'artista ha dipinto questo dipinto in memoria del suo amico defunto; all'asta nel 2007 è stato pagato 35 milioni di dollari.
Una delle figure centrali della Hudson River School era Chiesa di Frederic Edwin, che divenne allievo di Cole all'età di 18 anni.
Dalla primavera all'autunno viaggiò per il paese e per il mondo,
Prima da solo, e poi con la sua famiglia, spesso a piedi, realizzava schizzi e in inverno dipingeva i suoi quadri grandi e luminosi e li vendeva con successo.
Albert Bierstadt(1830-1902) viaggiò molto in giro per il paese e in Europa, dipinse volentieri le Alpi, ma il suo vero amore erano le Montagne Rocciose,
Selvaggio West, indiani.
È riuscito a trasmettere questo amore sulle sue grandi tele, utilizzando magistralmente l'effetto di luci e ombre.
Tommaso Moran(1836-1926), emigrò con i suoi genitori dall'Inghilterra da bambino, lavorò come apprendista intagliatore di legno da adolescente e iniziò a dipingere paesaggi in tenera età.
Mentre studiava in Inghilterra, fu fortemente influenzato dalle opere di William Turner e dalla sua capacità di riempire di luce le sue tele.
Moran dipinge paesaggi dell'Inghilterra, vedute di Venezia,
ma la maggior parte delle sue opere sono dedicate al selvaggio West e alle sue amate Montagne Rocciose. La sua partecipazione a una spedizione esplorativa nella zona e i suoi disegni hanno contribuito allo sviluppo di Yellowstone in un parco nazionale.
John Frederick Kensett(1816-1872), rappresentante del “luminismo” * nella pittura paesaggistica americana della Hudson River School. Ricevette la prima educazione artistica dal padre, lavorando nel suo laboratorio di incisione, ma sognava di dipingere paesaggi.
Si reca in Inghilterra, poi in Francia, ammira la pittura paesaggistica olandese e inglese e viaggia attraverso l'Italia.
Ritornato in America, continuando a dipingere paesaggi tranquilli pieni di pura luce ed eseguiti in modo squisito, Kensett guadagnò popolarità tra i collezionisti, successo e ricchezza.
Giovanni F. Francesco(1808 -1906), artista autodidatta che iniziò come ritrattista, è noto per le sue nature morte.
È stata la ritrattistica a risvegliare in lui l'interesse per i piccoli dettagli che ha sviluppato con così tanto successo nel suo lavoro.
La natura morta era popolare all'epoca, i dipinti di Francis erano richiesti e divenne un artista di punta nel genere della natura morta "da tavolo", raffigurante frutta, noci, formaggio, biscotti e altri prodotti.
Martin Johnson Attenzione(1819-1904), nato nella famiglia di un negoziante, iniziò anche come ritrattista, mantenne rapporti amichevoli con gli artisti della Hudson River School e dipinse romantiche vedute marine,
viaggiò attraverso l'Europa, vagò lungo le coste americane. Dopo aver viaggiato ai tropici, i temi principali del suo lavoro sono diventati i paesaggi della Florida,
uccelli tropicali (circa 40 dipinti solo con colibrì) e fiori, soprattutto magnolie.
Non è diventato un artista riconosciuto e famoso durante la sua vita, ma oggi le sue opere si possono trovare nei principali musei, e talvolta anche nei garage e nei mercatini delle pulci.
Thomas Eakins(1844-1916), uno dei fondatori del movimento realista, pittore, grafico, scultore, fotografo, insegnante,
Fu uno dei primi a dedicarsi alla rappresentazione della vita urbana in America. Ha ricevuto la sua formazione a Filadelfia, l'ha proseguita a Parigi, ha viaggiato in giro per l'Europa, ha ammirato le opere dei maestri realisti spagnoli Velazquez e Ribera e l'effetto di luci e ombre in Rembrandt.
Fu da loro che imparò a rappresentare un corpo nudo in movimento, la drammaticità dell'azione in atto e a contrastare l'interno oscuro del ritratto con una luce intensa diretta sul viso e sulla figura.
Eakins non ricevette molti riconoscimenti durante la sua vita, ma i discendenti successivi apprezzarono il suo stile realistico.
Winslow Homer(1838-1910), un eccezionale paesaggista e incisore americano che lavorò in uno stile realistico.
Ha ricevuto la sua prima educazione artistica dalla madre, che dipingeva acquerelli di talento, e da lei ha ereditato un carattere volitivo, socievole e il senso dell'umorismo. La sua carriera è iniziata con la grafica; ha lavorato come illustratore per 20 anni; durante la Guerra Civile ha realizzato schizzi e disegni sulla guerra e le sue conseguenze, sulla base dei quali ha poi creato dei dipinti.
Subito dopo la guerra, Homer andò a Parigi, dove continuò a dipingere paesaggi e scene di vita cittadina; il suo lavoro era vicino alla scuola di Barbizon. Sebbene nei suoi dipinti utilizzi attivamente i giochi di luce caratteristici degli impressionisti, non ci sono prove della loro influenza sul suo lavoro; a quel tempo aveva già sviluppato un proprio stile indipendente.
La sua più grande fama gli è stata data dai suoi dipinti di temi marini,
Scene di vita rurale e da un viaggio in Inghilterra ha portato dipinti che raccontano la vita dei villaggi di pescatori, paesaggi marini e acquerelli.
Viaggia molto negli Stati Uniti e in America Centrale, dipingendo paesaggi tropicali e innevati, bambini e animali. Si ritiene che Homer appartenesse a una generazione di artisti che creò la propria scuola d'arte americana.
James Whistler(1834-1903), nato nella famiglia di un famoso ingegnere,
All'età di otto anni si trasferì con i suoi genitori a San Pietroburgo, dove suo padre fu invitato a lavorare nel dipartimento ferroviario. Lì, il giovane Whistler prese per la prima volta lezioni private di disegno e all'età di 11 anni entrò all'Accademia Imperiale delle Arti. Per qualche tempo vive con la madre a Londra, continuando a studiare arte, disegnare e collezionare libri sulla pittura.
Dopo la morte di suo padre per colera, la famiglia di Whistler tornò in America, visse modestamente ed egli entrò all'Accademia militare di West Point, ma né fisicamente, né esternamente, né moralmente era pronto per la carriera militare e fu espulso. Poi decise fermamente che l'arte sarebbe stata il suo futuro, iniziò a creare acqueforti, partì per Parigi e non tornò mai più in patria. Lì Whistler affittò uno studio nel Quartiere Latino, condusse una vita bohémien, fumò e bevve molto, ma dipinse anche copie di dipinti di grandi maestri al Louvre per guadagnare soldi, studiò arte, venerò Courbet e Corot, ammirò la grafica giapponese e quella orientale. arte in generale.
Dopo essersi trasferito a Londra e aver partecipato con successo alla mostra, Whistler si è presto fatto un nome non solo come artista, ma ha anche stretto molti amici tra artisti e scrittori grazie al suo ingegno, al senso dell'abbigliamento e alla generosità. Viaggiò molto per studiare il lavoro dei grandi maestri e dipingere quadri; nel 1869 iniziò a firmare i suoi dipinti con un monogramma: una farfalla, composta dalle sue iniziali.
I suoi colori preferiti sono il grigio, il nero e il marrone. Whistler predicava “l’arte per l’arte”, pura, libera dalle idee, facendo appello ai sentimenti artistici piuttosto che alle emozioni, e spesso dava titoli musicali ai suoi dipinti.
Si ritiene che fosse vicino all'impressionismo nell'atmosfera dei suoi dipinti, ma non nella combinazione di colori e negli effetti di luce.
In questa presentazione puoi vedere più dipinti di tutti gli artisti menzionati.
Alla fine sono arrivato al mio argomento preferito: "Impressionisti", ma sarà per la prossima volta. Continua.
*Luminisim- una direzione nella pittura paesaggistica americana, caratterizzata dalla saturazione della luce, dall'uso della prospettiva aerea e dall'occultamento dei tratti visibili. (
Ragazzi, mettiamo l'anima nel sito. Grazie per questo
che stai scoprendo questa bellezza. Grazie per l'ispirazione e la pelle d'oca.
Unisciti a noi su Facebook E In contatto con
Punti luminosi, schizzi di luce, aria frizzante: questi artisti vedono il mondo come toccantemente bello e deliziosamente colorato.
sito web offre uno sguardo al mondo attraverso gli occhi di questi maghi. Portiamo alla vostra attenzione una selezione di dipinti di impressionisti contemporanei che padroneggiano magistralmente il colore e la luce.
Le opere dell'artista bulgaro Tsviatko Kinchev in stile impressionista sono dipinti digitali: sono realizzate su un computer in Photoshop. Le creazioni incredibilmente lussureggianti dell’artista evidenziano la bellezza e la luminosità del mondo circostante.
L'artista olandese William Henrits lavora con acquerelli, acrilici e pastelli. Sono sorprendenti le sue creazioni per la tenerezza, l'aria squillante che respirano i suoi colori, le sue linee aggraziate. Il lavoro di William è conosciuto in tutto il mondo sotto forma di poster e litografie di alta qualità.
Yuri Petrenko è nato a Sochi. Dipinge professionalmente da circa 20 anni. Colori ricchi, case carine, navi e il mare. I suoi dipinti evocano il sole caldo e la brezza salata. Le sue opere si trovano in collezioni private in quasi tutti i paesi del mondo.
L'artista armeno Hovik Zohrabyan è nato nella famiglia del famoso artista e scultore Nikoghos Zohrabyan. Dietro i tratti caratteristici dell'impressionismo emerge lo stile unico dell'artista stesso. Le sue accoglienti città colorate e le case luminose sono piene di sole e felicità.
Linda Wilder è un'artista canadese. Linda ama dipingere paesaggi e la spatola è uno dei suoi strumenti preferiti. Con pennellate luminose e precise, sfumature e linee sottili, i dipinti di Linda fanno parte di collezioni aziendali e private in Canada e in tutto il mondo.
L'artista cinese-americano Ken Hong Lung ha uno spiccato senso del colore e sa come trasmettere la magia della pace. I suoi villaggi di pescatori e i paesaggi costieri divennero una sensazione nei circoli artistici di Hong Kong. Ken è considerato uno dei migliori artisti neoimpressionisti del mondo. È definito il maestro dei paesaggi incantati, delle atmosfere sognanti e dei magici riflessi di luce e colore.
Johan Messeli vive e lavora in Belgio. I suoi dipinti riflettono il mondo accogliente di cortili provinciali ombreggiati, vecchi cancelli e finestre gentili. Johan sa come trasmettere pace e felicità tranquilla con tratti imprudenti. L'artista lavora con oli e pastelli.
Jill Charuk è un'artista canadese contemporanea. Ha lavorato per vent'anni nel settore dell'abbigliamento e degli interni. Ama esagerare i colori ed esaltare i contrasti. I suoi vivaci dipinti hanno ricevuto riconoscimenti internazionali e sono inclusi in collezioni d'arte contemporanea in Nord America, Messico ed Europa. Jill dipinge principalmente con oli e acrilici.