Schubert, Sinfonia "Incompiuta". Schubert, Sinfonia "Incompiuta" Un messaggio sul tema dell'Ottava Sinfonia di Schubert

18.06.2019

Schubert. Sinfonia n. 8 in si minore, “Incompiuta”

La musica di Beethoven, in cui si sentivano ancora gli echi della Grande Rivoluzione francese, fu soppiantata da opere di generi di intrattenimento. Lo sfondo esterno della vita di Franz Schubert, contemporaneo di Beethoven, era una Vienna allegra e “danzante”. L'interesse per i destini dell'umanità, l'armonia tra ragione e realtà furono relegati in secondo piano. I progetti creativi di Schubert e il bisogno di comunicazione spirituale trovarono simpatia e sostegno solo in una piccola cerchia di amici, persone dedite all'arte. Nella musica di Schubert, per la prima volta furono rivelati i tratti caratteriali e la struttura emotiva di una nuova persona nell'allora XIX secolo. L'artista esprime il suo atteggiamento nei confronti della vita e del mondo che lo circonda attraverso i testi dei sentimenti e delle esperienze di una persona reale e ordinaria. E per questo occorrono altre forme e altri mezzi espressivi che trasmettano la spontaneità dell'affermazione.

Un senso vivo del ritmo della musica, una melodia che dura continuamente può essere paragonato al discorso di una persona, alla sensazione del suo respiro. Sentiamo sempre se è calmo o emozionato, felice o triste, come cambia la sua condizione. Ascoltando l'intonazione musicale, puoi sempre comprendere il significato della musica, sentirne l'espressività, la forza dell'impatto.

Franz Schubert è un autore insuperabile di sonate, sinfonie, quartetti d'archi e più di seicento canzoni. Schubert è stato uno dei fondatori della musica romantica tedesca. La vita di Schubert fu breve e piena di delusioni. Ma ha lasciato un'eredità musicale senza precedenti nella sua espressività e ricchezza di melodie.

Biografia

Franz Peter Schubert è nato nella periferia di Vienna, la città di Lichtenthal. La famiglia era numerosa: quattordici figli, di cui solo cinque sopravvissero. Suo padre, Franz Theodor Schubert, era un insegnante di scuola e in gioventù il futuro compositore si cimentò nell'insegnamento. Ma presto divenne chiaro quale fosse la sua vera vocazione. Schubert cantò nel coro della Cappella Imperiale di Vienna, dove il suo insegnante era il direttore d'orchestra Antonio Salieri, ex rivale di Mozart.

Gli anni della giovinezza furono pieni di promesse e speranze. Tarchiato e brutto, a Schubert non mancavano ancora amici e ammiratori: persone che aprivano le porte delle loro case, fornivano patrocinio nei circoli musicali ed eseguivano la sua musica.

Poi iniziarono le famose “Schubertiades” nei salotti viennesi o durante le gite fuori porta, in cui molte delle opere del compositore furono eseguite per la prima volta. Ciò ha aiutato il suo nome a guadagnare fama nella società viennese, anche negli ambienti artistici. Tuttavia, in tutto il resto, Schubert era afflitto da fallimenti. Lavorò duramente su diverse opere e altri lavori teatrali, in particolare sulla musica per Rosamund, ma pochi ricevettero un ampio riconoscimento. La sua salute stava rapidamente peggiorando. In uno stato di profonda disperazione, scrisse di se stesso come “la creatura dannata e più sfortunata del mondo”.

Scherzo del destino

Grazie a conoscenze reciproche nella società viennese, Schubert conobbe il baritono Johann Michael Vogl. Grazie alla sua bella voce e al suo aspetto imponente, era già una star dell'Opera di Vienna, e non rimase subito colpito dal giovane compositore inesperto e goffo. "Stai disperdendo i tuoi pensieri", borbottò a Schubert. Ma presto riconobbe il genio del giovane e ne divenne il più ardente sostenitore.

Vogl ha contribuito alla produzione di molte opere di Schubert e ha cantato in alcune di esse. Ancora più importante fu il suo sostegno a Schubert come pioniere e primo maestro della canzone d'autore tedesca.

Vogl ha cantato molte delle canzoni del compositore dalla Schubertiad e ha anche portato un amico in tournée.

Il tour del 1819 fu particolarmente felice per il compositore. Lui e Vogl si stabilirono in campagna con il loro amico Albert Stadler. In quel periodo Schubert compose un affascinante quintetto per pianoforte, nel quale inserì la melodia della sua canzone "Trout", che probabilmente fu eseguita spesso e con piacere da Vogl. Dopo la morte del compositore Vogl continuò ad eseguire le sue canzoni per molti anni.

Fama in circoli ristretti

Vienna era famosa per le sue tradizioni di musica casalinga, diffuse tra persone di tutte le classi. Tuttavia, nonostante il successo della sua musica tra i dilettanti e la continuazione della Schubertiad, sotto altri aspetti la fortuna gli arrise sempre meno. Diverse opere di seguito - Alfonso ed Estrella, Conspirators o War at Home, Ferrabras - non furono messe in scena (prima di tutto, i librettisti erano responsabili del loro sfortunato destino). L'esecuzione riuscita della musica per Rosamund ha in qualche modo premiato il compositore. Le opere venivano pubblicate, ma più spesso erano piccole e non portavano royalties significative. Trascorse l'estate del 1824 come insegnante presso la famiglia Eszterhase e nel 1825 lui e Vogl andarono nuovamente nell'Alta Austria.

L'anno 1826 portò un'altra delusione: la richiesta di Schubert di ottenere l'incarico di direttore della cappella di corte, dove una volta cantò da bambino e, esibendosi per l'ultima volta, lasciò una nota nella parte contralto della messa di Peter Winter: “Schubert , Franz, cantò per l'ultima volta il 26 luglio 1812."

Morte prematura

Ben presto anche i viaggi per i concerti divennero impossibili per lui a causa del peggioramento della salute. Lo stile di vita del compositore, che era per natura molto socievole, divenne inevitabilmente sempre più appartato; fu spesso costretto a trascorrere del tempo rinchiuso.

Schubert aveva un timore reverenziale nei confronti di Beethoven, che visse e lavorò anche lui a Vienna. Era alla prima della Nona Sinfonia del grande compositore. Sembrava che Schubert avesse una premonizione della propria fine e lavorasse febbrilmente per completare le sue ultime e migliori opere: il ciclo vocale "Winter Reise", la Nona sinfonia e il Quintetto per archi in do maggiore.

La notizia arrivata a Schubert sull'approvazione del suo talento da parte dello stesso Beethoven è stata stimolante. Secondo Schindler, l'amico di Beethoven, che lo introdusse alle canzoni di Schubert, Beethoven non se ne separò per molto tempo e ripetutamente esclamò: "In verità, una scintilla divina vive in Schubert".

La timidezza di Schubert, per cui osava guardare la sua divinità solo da lontano, la completa sordità di Beethoven e il suo isolamento impedirono il loro riavvicinamento.

Il 1828, l'ultimo anno di vita del compositore, gli valse finalmente il riconoscimento del pubblico viennese. Il concerto dell'autore organizzato a Vienna ha suscitato un grande successo tanto atteso. Ma i parziali successi degli ultimi tempi non sono più riusciti a risanare l'organismo, minato dalle tensioni interne e dalle prolungate privazioni. Dall'autunno del 1828 la salute di Schubert era peggiorata.

Franz Schubert morì il 19 novembre 1828 e fu sepolto accanto a Beethoven. L'amico del compositore, il drammaturgo Franz Grillparzer, scrisse sulla sua tomba: “La musica ha sepolto qui un ricco tesoro e speranze ancora più belle.”

Schubert. Sinfonia n. 8 in si minore, “Incompiuta”

Grazie a Schubert emerse un nuovo tipo di sinfonia lirico-drammatica. Uno dei primi capolavori della cultura musicale mondiale è stata la sua sinfonia n. 8. “Ho cantato canzoni e le ho cantate per molti anni. Quando cantavo dell'amore, mi portava sofferenza, quando cantavo della sofferenza, si trasformava in amore. Quindi l’amore e la sofferenza hanno fatto a pezzi la mia anima”., ha scritto F. Schubert. Questa idea ha determinato il contenuto della Sinfonia n. 8. Era una generalizzazione delle immagini delle opere vocali del compositore, crescendo fino al significato di problemi vitali: uomo e destino, amore e morte, ideale e realtà.

Nel 1865 uno dei maestri d'orchestra viennesi compilò un programma per un concerto di vecchia musica viennese. Per fare questo, ha ordinato pile di antichi manoscritti. In un archivio disordinato scoprì una partitura di Schubert precedentemente sconosciuta. Era una sinfonia in si minore. Fu rappresentata per la prima volta nel dicembre 1865, 43 anni dopo la sua creazione.

All'epoca in cui Schubert scrisse questa sinfonia, era già conosciuto come autore di bellissime canzoni e brani per pianoforte. Ma nessuna delle sinfonie da lui scritte fu eseguita pubblicamente. La nuova sinfonia in si minore è stata creata prima come arrangiamento per due pianoforti e poi come partitura. La versione per pianoforte contiene abbozzi di tre movimenti, ma il compositore ne scrisse solo due nella partitura. Pertanto, in seguito ha ricevuto il nome di "Incompiuto".

In tutto il mondo si discute ancora se sia incompiuto o se Schubert abbia realizzato completamente il suo piano in due parti invece delle quattro parti accettate allora.

C'è un'opinione secondo cui il compositore intendeva scrivere una normale sinfonia in quattro parti. Il suo ideale, al quale cercava di avvicinarsi, era Beethoven. La sinfonia in Do maggiore di Schubert lo ha dimostrato. E avendo scritto queste due parti, avrebbe potuto semplicemente spaventarsi: erano così diverse da tutto ciò che è stato scritto in questo genere prima di lui. Probabilmente, il compositore non capì che quello che aveva creato era un capolavoro che aprì nuove strade nello sviluppo della sinfonia, considerò la sinfonia un fallimento e abbandonò l'opera.

Tuttavia, i due movimenti di questa sinfonia lasciano l'impressione di sorprendente integrità ed esaurimento. La sinfonia incompiuta è una parola nuova in questo genere, che apre la strada al romanticismo. Con esso, un nuovo tema è entrato nella musica sinfonica: il mondo interiore di una persona che è acutamente consapevole del suo disaccordo con la realtà circostante.

Quasi quarant’anni dopo la morte del compositore, la sinfonia ottenne un’enorme popolarità. Schubert è riuscito nell'impossibile: raccontare in modo incredibilmente armonioso la malinconia e la solitudine, trasformare la sua disperazione in bellissime melodie. Sono stati fatti molti tentativi per completare la sinfonia “incompiuta”, ma queste versioni non hanno messo radici nella pratica concertistica.

Il primo movimento della sinfonia è scritto sotto forma di sonata allegro.

La sinfonia inizia con un'introduzione cupa, una sorta di epigrafe. Questo è un argomento piccolo e presentato in modo conciso: una generalizzazione di un intero complesso di immagini romantiche: desiderio, domanda "eterna", ansia segreta, riflessioni liriche. Nasce da qualche parte nel profondo dell'unisono tra violoncelli e contrabbassi.

Lei si blocca, come una domanda irrisolta. E poi - il tremante fruscio dei violini e sullo sfondo - il canto del tema principale. Questa melodia espressiva, come se implorasse qualcosa, è eseguita da oboe e clarinetto. In termini di immagine e umore musicale e poetico, il tema della parte principale è vicino a opere come un notturno o un'elegia.

A poco a poco il nastro della melodia si dispiega e diventa sempre più intenso. È sostituito da un morbido tema di valzer della parte laterale. Sembra un'isola di pace serena, un idillio luminoso. Ma questo idillio viene interrotto da un tutti orchestrale. (La parola tutti in italiano significa “tutto”. Questo è il nome di un frammento di un brano musicale eseguito dall'intera orchestra.) Il dramma entra in gioco. Il tema della parte laterale sembra cercare di emergere in superficie attraverso gli accordi schiaccianti. E quando finalmente questo tema ritorna, quanto è stato cambiato: rotto, venato di dolore. Alla fine della mostra tutto si blocca.

Lo sviluppo si basa sul tema dell'introduzione. Lo sviluppo musicale raggiunge un culmine colossale. E all'improvviso - completa devastazione, rimane solo una nota solitaria e malinconica. Inizia la ripresa. Un altro ciclo di sviluppo drammatico avviene nella coda. Contiene la stessa tensione, il pathos della disperazione. Ma non c'è più la forza per combattere. Le ultime battute suonano come un tragico epilogo.

La seconda parte è il mondo delle altre immagini. Questa è una ricerca di lati nuovi e luminosi della vita, riconciliazione con essa. È come se l'eroe, che ha vissuto una tragedia mentale, stesse cercando la pace. Entrambi i temi di questa parte si distinguono per la straordinaria bellezza: sia l'ampia canzone principale che quella secondaria, intrisa di sottili sfumature psicologiche.

Il compositore completa la sinfonia in modo molto efficace: il tema iniziale gradualmente svanisce e si dissolve. Ritorna il silenzio...

"La musica di Schubert", ha scritto B. Asafiev, "può dire molto di più di qualsiasi memoria e nota, perché essa stessa suona come un diario inesauribilmente significativo, emotivamente obiettivo".

Domande:

In che anno è stata scritta la sinfonia? Quando è stata la sua prima rappresentazione?
Perché la sinfonia si chiama “Unfinished”?
Quante sinfonie ha scritto Schubert in totale?
Cosa c'è di diverso nel tema della sinfonia?
In che modo la natura del pezzo influisce sull'orchestrazione?
Raccontaci la struttura delle parti della sinfonia.

Presentazione:

Incluso:
1. Presentazione: 10 diapositive, ppsx;
2. Suoni della musica:
Schubert. Sinfonia n. 8 in si minore “Incompiuta”:
I.Allegro moderato, mp3;
II. Andante con moto, mp3;
Frammenti del primo movimento della sinfonia:
Introduzione, mp3;
Parte principale, mp3;
Festa laterale, mp3;
3. Articolo di accompagnamento, docx.

Il sinfonismo romantico creato da Schubert è stato definito principalmente nelle ultime due sinfonie: l'ottava in si minore, chiamata "Incompiuta", e la nona in do maggiore. Sono completamente diversi, opposti l'uno all'altro. L'epico 9 è intriso di un sentimento di gioia di essere che conquista tutto. “Unfinished” incarnava il tema della privazione e della tragica disperazione. Tali sentimenti, che riflettevano il destino di un'intera generazione di persone, non avevano ancora trovato una forma di espressione sinfonica prima di Schubert. Creato due anni prima della Nona Sinfonia di Beethoven (nel 1822), “Unfinished” segnò l'emergere di un nuovo genere sinfonico: lirico-psicologico.

Una delle caratteristiche principali della sinfonia in si minore riguarda la sua ciclo, composto da due sole parti. Molti ricercatori hanno cercato di penetrare il “mistero” di quest’opera: la brillante sinfonia è stata davvero lasciata incompiuta? Da un lato, non c'è dubbio che la sinfonia sia stata concepita come un ciclo in 4 parti: il suo schizzo originale per pianoforte conteneva un grande frammento del 3o movimento: lo scherzo. Anche la mancanza di equilibrio tonale tra i movimenti (Si minore nel 1° e Mi maggiore nel 2°) è un forte argomento a favore del fatto che la sinfonia non è stata concepita in anticipo come una sinfonia in 2 parti. D'altra parte, Schubert aveva abbastanza tempo se voleva completare la sinfonia: dopo “Unfinished” creò un gran numero di opere, incl. Nona sinfonia in 4 movimenti. Ci sono altri argomenti a favore e contro. Nel frattempo “Unfinished” è diventata una delle sinfonie più di repertorio, senza assolutamente dare l'impressione di non detto. Il suo piano in due parti si è rivelato pienamente realizzato.

Concetto ideologico La sinfonia rifletteva la tragica discordia tra l'uomo progressista del XIX secolo e l'intera realtà circostante. I sentimenti di solitudine e privazione sono apparsi per la prima volta in lei non come il tono di uno stato emotivo separato, ma come il principale "significato della vita", come atteggiamento. La tonalità principale dell'opera è caratteristica: h-moll, rara nella musica dei classici viennesi.

L'eroe di "Unfinished" è capace di brillanti esplosioni di protesta, ma questa protesta non porta alla vittoria di un principio che afferma la vita. In termini di intensità del conflitto, questa sinfonia non è inferiore alle opere drammatiche di Beethoven, ma questo un conflitto di tipo diverso, viene trasferito nella sfera lirico-psicologica. Questo è il dramma dell’esperienza, non dell’azione. La sua base non è la lotta tra due principi opposti, ma la lotta all'interno della personalità stessa. Questa è la caratteristica più importante del sinfonismo romantico, il cui primo esempio fu la sinfonia di Schubert.

1 parte

La primissima immagine della sinfonia, data nella sua introduzione, è del tutto insolito: nell'unisono di violoncelli e contrabbassi, sorge silenziosamente un tema cupo, che sfuma interrogativamente sul Re della tonalità principale (il tema principale inizierà dallo stesso suono). Questa è l'epigrafe dell'intera sinfonia e l'idea guida principale della prima parte, avvolgendola in un circolo vizioso. Sembra non solo all'inizio, ma anche al centro e alla conclusione della Parte I, un'idea costante e persistente. Inoltre, le intonazioni della riflessione senza gioia si sviluppano gradualmente nel tragico pathos della disperazione.

Quando inserito principaleTemi Schubert utilizza un metodo caratteristico della tecnica della canzone: presentazione del materiale di sottofondo Prima introduzione alla melodia. Questo accompagnamento uniforme degli archi, correndo in avanti, suona fino all'introduzione del lato, unificando l'intera linea tematica (anche una tecnica della canzone). L'accompagnamento crea una sensazione di ansioso disagio, mentre il tema stesso ha un carattere toccantemente triste ed è percepito come un lamento. Il compositore ha trovato una strumentazione espressiva: una combinazione di oboe e clarinetto, che ammorbidisce parte della durezza del timbro principale.

Una caratteristica dell'esposizione della Sinfonia “Incompiuta” è il confronto diretto dei temi principali e secondari, senza una parte di collegamento sviluppata. Questa è una caratteristica del sinfonismo della canzone, fondamentalmente opposta alla logica delle transizioni successive di Beethoven. Temi principali e collaterali contrasti, Ma Non conflittuale, vengono confrontati come sfere diverse dei testi delle canzoni.

CON festa laterale La prima situazione drammatica della sinfonia è collegata: il tema luminoso e meraviglioso, come un sogno (sol-dur, violoncello) finisce improvvisamente, e dopo una pausa generale, sullo sfondo di fragorosi accordi minori tremuli, la quinta intonazione iniziale di il tema principale suona tristemente. Questo accento tragico colpisce con acuta sorpresa ed è associato al crollo di un sogno quando si scontra con la realtà (un dispositivo tipicamente romantico). Alla fine dell'esposizione, in un silenzio concentrato, si sente nuovamente il tema di apertura.

Tutto sviluppo si basa esclusivamente sul materiale dell'introduzione. Schubert è il creatore qui monologo il tipo di sviluppo così caratteristico di una sinfonia romantica. L'appello a lui è stato causato da uno speciale piano drammatico: il compositore non ha cercato di catturare la lotta di principi opposti, superando gli ostacoli. Il suo obiettivo è trasmettere la disperazione della resistenza, uno stato di sventura.

Lo sviluppo end-to-end del tema introduttivo avviene nello sviluppo di 2 fasi. Il primo di essi è associato all'intensificazione dell'espressione lirico-drammatica. La linea melodica del tema non scende verso il basso, ma sale verso l'alto in un forte crescendo. L'aumento della tensione emotiva porta al primo climax: un dialogo conflittuale tra il minaccioso motivo di apertura e le sincopi dal suono malinconico della parte laterale (viene eseguito tre volte). La prima fase di sviluppo si conclude con una fragorosa esecuzione del tema dell'introduzione al tutti dell'orchestra in e-moll.

La seconda fase di sviluppo è subordinata alla manifestazione dell'inevitabile assalto di forze fatali. Le intonazioni del tema diventano sempre più aspre, aspre e autorevoli. Ma, avvicinandosi alla fine dello sviluppo fino all’esplosione climatica definitiva, l’intensità tragica improvvisamente si esaurisce. Questa tecnica di “dissipare” il climax prima della ripresa è molto caratteristica di Schubert.

IN riprendere Non ci sono cambiamenti significativi, solo la parte laterale si espande di volume e diventa più triste (passaggio a h-moll). La mancanza di cambiamento dopo gli impulsi dolorosi, le ansie e le lotte dello sviluppo assume un significato profondo: “tutto è vano”. Arriva la consapevolezza dell'insolubilità del conflitto, l'umiltà di fronte alla tragica inevitabilità. Questa uscita dà codice, dove ritorna il tema dell'introduzione, acquisendo un tono ancora più lugubre.

parte 2

Nella parte II appare un altro lato caratteristico del romanticismo: la pace in un sogno. La pace contemplativa e la tristezza sognante dell'Andante sono percepite non come il superamento di un conflitto, ma come una riconciliazione con l'inevitabile (simile a “La bella moglie del mugnaio”). La composizione dell'Andante si avvicina alla forma sonata senza sviluppo. Allo stesso tempo, gran parte di ciò risale a forme di canzoni in due parti:

temi lirici-canzonistici,
sostituire lo sviluppo tematico con lo sviluppo melodico variante,
presentazione chiusa dell'argomento principale.

Come un canto, ampio, pieno di quiete, pace contemplativa e tranquillità, argomento principale suoni di violini e viole dopo una breve frase introduttiva (scala discendente di contrabbassi рizzicato sullo sfondo di morbidi accordi di corni e fagotti).

Come la Parte I, un nuovo pensiero musicale - argomento secondario- viene presentato non come una forza opposta, ma come un passaggio ad un'altra sfera emotiva - elegiaca. Toccante e mite, infantilmente ingenua e allo stesso tempo seria, ti fa ricordare le pp. Parte I: accompagnamento sincopato (violini e viole), preparazione all'introduzione della melodia, un improvviso spostamento oscuro nel regno delle esperienze drammatiche. Ma il significato di questi argomenti è completamente diverso. Se nella prima parte il tema secondario apriva l'accesso al mondo di un sogno luminoso, nell'Andante caratterizza uno stato di rottura e indifesa. IN riprendere entrambi i temi sono presentati pressoché invariati (la tonalità del tema secondario è LA-moll). La coda, costruita su singoli motivi del tema principale, ritorna alla corrente principale della contemplazione pacifica.

In Schubert il si-moll come tonalità principale dell'opera non si trova in nessun altro strumento. composizione (esclusi i balli). Nel suo modo di scrivere, al contrario, usa spesso il mi minore, associandolo, di regola, all'incarnazione di una situazione tragica e insolubile (“Doppio” nelle parole di Heine).

Composizione dell'orchestra: 2 flauti, 2 oboi, 2 clarinetti, 2 fagotti, 2 corni, 2 trombe, 3 tromboni, timpani, archi.

Storia della creazione

Nel 1865 il direttore d'orchestra di corte viennese Johann Herbeck, mentre metteva insieme un programma per un concerto di antica musica viennese, iniziò a frugare tra pile di manoscritti dimenticati. Nell'archivio non smontato del presidente della Società musicale amatoriale stiriana A. Hüttenbrenner, ha scoperto una partitura di Schubert precedentemente sconosciuta. Era una sinfonia in si minore. Sotto la direzione di Herbeck, fu eseguita per la prima volta il 17 dicembre 1865 in un concerto della Società viennese degli amanti della musica.

Il compositore lo creò negli ultimi mesi del 1822. In questi anni era già ampiamente conosciuto a Vienna come autore di molte belle canzoni e popolari brani per pianoforte, ma nessuna delle sue sinfonie precedenti era stata eseguita pubblicamente e nessuno, tranne i suoi amici più cari, lo conosceva come sinfonista. La nuova sinfonia è stata creata prima come arrangiamento per due pianoforti e poi come partitura. L'edizione per pianoforte contiene schizzi di tre movimenti della sinfonia, ma il compositore ne scrisse solo due nella partitura. Non è mai tornato a questa sinfonia. Ecco perché in seguito ricevette il nome Incompiuto.

È ancora in corso un dibattito sul fatto se questa sinfonia sia veramente incompiuta o se Schubert abbia realizzato pienamente il suo piano in due movimenti invece dei quattro generalmente accettati. Le sue due parti lasciano l'impressione di sorprendente integrità ed esaurimento. Ciò ha permesso ad alcuni ricercatori di sostenere che il compositore non intendeva una continuazione, poiché incarnava il suo piano in due parti. Tuttavia, gli schizzi della partitura per il terzo movimento sono stati conservati, ma per qualche motivo sono stati lasciati nello schizzo. Inoltre, tra le musiche per l'opera teatrale “Rosamund”, scritta nello stesso periodo, c'è un intervallo, scritto anch'esso in si minore - una tonalità usata estremamente raramente - e che ha un carattere simile al tradizionale finale sinfonico. Alcuni ricercatori dell'opera di Schubert sono propensi a credere che questo intervallo, insieme agli abbozzi dello scherzo, costituisca un ciclo regolare di quattro parti.

Non ci sono collegamenti tematici con Unfinished in questo intervallo, quindi non si può dire con certezza che avrebbe dovuto essere il finale della sinfonia. Allo stesso tempo, tali connessioni sono visibili negli schizzi della terza parte. Forse l'opinione più probabile è quella espressa anche sulle pagine dei libri dedicati a Schubert: avrebbe scritto una normale sinfonia in quattro movimenti, ma, a differenza della canzone, nella quale era un maestro sovrano e sicuro di sé, lo fece non sentirsi sicuro nel genere sinfonico. Dopotutto non è ancora riuscito ad ascoltare nessuna delle sue sinfonie con un suono orchestrale professionale. E non si sforzava affatto di essere un innovatore: il suo ideale, al quale sognava di avvicinarsi, era Beethoven, come dimostra la successiva, Grande Sinfonia in do maggiore. E avendo scritto queste due parti, avrebbe potuto semplicemente spaventarsi: erano così diverse da tutto ciò che è stato scritto in questo genere prima di lui.

A proposito, questa non fu la sua prima sinfonia che risultò incompiuta: prima, nell'agosto 1821, scrisse una sinfonia in mi maggiore (convenzionalmente considerata la settima), la cui partitura era scritta in schizzi. Gli approcci ai successivi due cicli sinfonici sono già visibili in esso: nella composizione dell'orchestra, nella scala e in un distinto sapore romantico. Forse il compositore non ha finito di scriverlo perché non aveva ancora trovato una nuova strada lungo la quale pensava di muoversi. Inoltre - questo si può solo immaginare - il percorso dell'Incompiuto non gli sembrava fruttuoso: non rendendosi conto che quello che aveva creato era un capolavoro che apriva strade completamente nuove nella sinfonia, Schubert lo considerò un fallimento e abbandonò l'opera. A maggior ragione si considera un ciclo completo in due parti, in quanto non solo Schubert, ma anche i compositori successivi, fino al XX secolo, mantengono solitamente i rapporti tonali delle parti: la sinfonia dovrebbe concludersi con lo stesso (o la stessa) tonalità in cui è iniziata. L'unica innovazione audace fu la creazione da parte di Mahler del finale della Nona sinfonia, in re maggiore, in re bemolle maggiore, che, tuttavia, era completamente giustificata dal design stesso. Ai tempi di Schubert era del tutto impensabile creare un’opera che iniziasse in si minore e finisse in mi maggiore, ma la tonalità sottodominante poteva benissimo apparire in una delle parti centrali del ciclo.

Incompiuto è una delle pagine più poetiche del tesoro della sinfonia mondiale, una parola nuova e audace in questo genere musicale così complesso, che ha aperto la strada al romanticismo. Con esso, un nuovo tema entra nella musica sinfonica: il mondo interiore di una persona che sente acutamente il suo disaccordo con la realtà circostante. Questo è il primo dramma lirico-psicologico del genere sinfonico. Sfortunatamente, la sua apparizione sul palco fu ritardata di quasi mezzo secolo e la sinfonia, che fu uno shock per i musicisti che la scoprirono, non ebbe l'impatto tempestivo sullo sviluppo della musica che avrebbe potuto avere. Suonava quando le sinfonie romantiche di Mendelssohn, Berlioz e Liszt erano già state scritte.

Musica

Prima parte. Da qualche parte nel profondo dell'unisono di violoncelli e contrabbassi emerge un cauto tema di apertura, che svolge il ruolo di una sorta di leitmotiv della sinfonia. Lei si blocca, come una domanda irrisolta. E poi - il tremante fruscio dei violini e sullo sfondo - il canto del tema principale. La melodia è semplice ed espressiva, come se implorasse qualcosa, intonata da oboe e clarinetto. Lo sfondo eccitato e tremulo e la cantilena esteriormente calma, ma piena di tensione interna, creano un'immagine molto espressiva, tipicamente romantica. Il nastro della melodia si svolge gradualmente. La musica diventa sempre più intensa, arrivando al fortissimo. Senza l'anello di congiunzione obbligatorio per i classici viennesi, separato solo da una laconica transizione (il suono prolungato dei corni) da quello principale, inizia una parte laterale. Una morbida melodia di valzer è cantata senza sforzo dai violoncelli. Appare un'isola di pace serena, un idillio luminoso. L'accompagnamento oscilla ritmicamente, come se fosse cullante. Questo tema assume un carattere ancora più brillante quando viene ripreso e trasferito su un registro più alto del violino. All'improvviso il canto-danza libero e rilassato si interrompe. Dopo il completo silenzio (pausa generale) - un'esplosione di tutti orchestrali. Un'altra pausa - e ancora un'esplosione di fragoroso tremolo. L'idillio si interrompe, il dramma prende il sopravvento. Accordi schiaccianti si alzano violentemente e frammenti dell'accompagnamento di un tema secondario rispondono con gemiti lamentosi. Sembra che stia cercando di emergere in superficie, ma quando finalmente ritorna, il suo aspetto è cambiato: è distrutta, venata di dolore. Alla fine della mostra tutto si blocca. Il motivo misterioso e inquietante dell'introduzione ritorna, come un destino inevitabile. Lo sviluppo è costruito sul motivo di apertura e sulle intonazioni dell'accompagnamento della parte laterale. Il dramma si intensifica, sviluppandosi in tragico pathos. Lo sviluppo musicale raggiunge un culmine colossale. All'improvviso subentra la prostrazione completa. I frammenti indeboliti dei motivi si dissipano, lasciando risuonare solo una nota malinconica e solitaria. E ancora una volta il tema di apertura emerge dal profondo. Inizia la ripresa. La coda, nella tradizione di Beethoven, è stata creata come secondo sviluppo. Contiene la stessa tensione dolorosa, il pathos della disperazione. Ma la lotta è finita, non c’è più la forza. Le ultime battute suonano come un tragico epilogo.

Seconda parte le sinfonie sono un mondo di altre immagini. Qui c'è la riconciliazione, la ricerca di altri lati più luminosi della vita, la contemplazione. È come se l'eroe, che ha vissuto una tragedia spirituale, cercasse l'oblio. I passi dei bassi (bassi doppi pizzicati) suonano ritmicamente, sovrapposti a una melodia semplice ma sorprendentemente bella dei violini, sognante e piena di sentimento. Ripetuto ripetutamente, varia e acquisisce melodie espressive. Un breve decollo dinamico per tutti - e ancora un movimento calmo. Dopo un breve collegamento appare una nuova immagine: la melodia è ingenua e, allo stesso tempo, profonda, più individuale del primo tema, triste, nei timbri caldi del clarinetto e dell'oboe che lo sostituisce, che ricordano un essere umano voce piena di viva trepidazione. Questa è una parte laterale di una forma laconica di sonata. Varia anche, acquisendo a volte un carattere agitato. All'improvviso c'è una svolta nel suo flusso fluido: sembra drammatico nella potente presentazione dell'intera orchestra. Ma una breve raffica è sostituita da uno sviluppo espressivo, ricco di imitazioni: si tratta di uno sviluppo breve, che termina con lunghi accordi di archi, misteriosi richiami di corni e singoli legni. Il sottile sound design orchestrale porta alla ripresa. Nel codice c'è una graduale dissolvenza, dissoluzione del tema iniziale. Ritorna il silenzio...

L. Mikheeva

La sinfonia ha solo due movimenti. Formalmente, se prendiamo come base le norme del ciclo classico in quattro parti, è veramente incompiuto. Tuttavia, dopo di ciò, Schubert scrisse un numero enorme di altre opere, tra cui altre due sinfonie (L’Ottava Sinfonia fu scritta nel 1825 e scomparve senza lasciare traccia. L’ultima, in do maggiore, fu creata nel 1828, anno della morte del compositore.). Era come se nulla gli impedisse di finire la sinfonia in si minore. Gli schizzi per la terza parte sono stati conservati, ma non hanno ricevuto ulteriori sviluppi. A quanto pare Schubert non ha ritenuto necessario aggiungere nulla alle due parti della sinfonia già scritte. Non sarebbe fuori luogo sottolineare che molto prima della Sinfonia “Incompiuta” di Schubert, Beethoven scrisse sonate per pianoforte in due movimenti completamente complete (ad esempio, la sonata op. 78 Fis-dur o op. 90 e-moll). Tra i romantici del XIX secolo questa “libertà” sta già diventando un fenomeno tipico.

Nella musica romantica, la libertà di espressione lirica è spesso combinata con un programma poetico, da qui il caratteristico desiderio di individualizzare la struttura dei cicli. In questo caso sono all'opera due tendenze: una porta ad una compressione del ciclo, l'altra ad un'espansione, talvolta addirittura esorbitante. Così Liszt scrive la sinfonia del Faust in tre movimenti, la sinfonia di Dante in due; arriva anche all'estrema compressione del ciclo in una parte, creando un nuovo genere: il poema sinfonico in una parte. Berlioz, il più grande sinfonista francese, al contrario, è caratterizzato da cicli estesi: la sua Sinfonia Fantastique è composta da cinque movimenti, e la sinfonia drammatica Romeo e Giulia ne ha sette.

Da questo punto di vista, la Sinfonia “Incompiuta” di Schubert, che è un nuovo tipo di sinfonia lirico-drammatica, è un'opera completamente finita, poiché il cerchio delle immagini liriche in essa contenute e il loro sviluppo si esaurisce entro i limiti dei due esistenti parti.

Non c'è opposizione interna tra le parti della sinfonia. Entrambe le parti sono liriche, ma i loro testi sono colorati in modo diverso. Nella prima parte, le esperienze liriche vengono trasmesse con tragica irritazione, nella seconda - testi contemplativi, intrisi di sogno calmo e illuminato.

Prima parte La sinfonia inizia con un'introduzione cupa, una sorta di epigrafe. Questo è un tema piccolo, presentato in modo succinto - una generalizzazione di un intero complesso di immagini romantiche: desiderio, domanda "eterna", ansia segreta, riflessioni liriche, ecc. Anche i mezzi trovati di incarnazione musicale si sono rivelati tipici: un tema discendente , come se il movimento cadente della melodia, vicino ai giri di frase melodici del discorso che riproducono l'intonazione di una domanda, una colorazione misteriosa e offuscata.

Contenendo l'idea principale della sinfonia, anche il tema dell'introduzione ne costituisce il nucleo musicale. Percorre l'intero primo movimento, padroneggiando le sezioni decisive e più significative della sinfonia. Nella sua interezza, questo argomento funge da introduzione allo sviluppo e al codice. Inquadrando l'esposizione e la ripresa, è in contrasto con il resto del materiale tematico. Lo sviluppo si svolge in base al materiale dell'introduzione; La fase finale della prima parte - la coda - è costruita sulle intonazioni del tema di apertura.

Nell'introduzione, questo tema suona come una riflessione lirica e filosofica, nello sviluppo assurge al tragico pathos, nella coda assume un carattere lugubre:

Al tema dell'introduzione si contrappongono due temi dell'esposizione: pensosamente elegiaco nella parte principale, elegante con tutta la semplicità del canto e della danza nella parte secondaria:

In questi temi strumentali emerge chiaramente la personalità di Schubert come paroliere e compositore di canzoni. L'essenza della canzone di entrambi i temi si riflette non solo nella natura della melodia stessa, ma anche nella trama, nella presentazione orchestrale, nella struttura, che influenza naturalmente l'intero processo di sviluppo sinfonico.

La presentazione della parte principale attira immediatamente l'attenzione con le sue caratteristiche tecniche di canzone. Un tema è composto da due componenti principali: melodia e accompagnamento. Proprio come in una canzone o in una romanza l'introduzione della voce è spesso preceduta da diverse battute di accompagnamento, così qui la parte principale inizia con una piccola introduzione orchestrale, che poi accompagna la melodia della parte principale.

Il movimento tremulo dei sedicesimi dei violini e il pizzicato smorzato dei contrabbassi creano uno sfondo espressivo sul quale emerge una melodia slanciata, elegiacamente piena di sentimento, dell'oboe e del clarinetto.

In termini di immagine e umore musicale e poetico, il tema della parte principale è vicino a opere come un notturno o un'elegia. È caratteristico che strutturalmente il partito principale sia concepito come una struttura chiusa indipendente.

Nella parte laterale, Schubert si rivolge a una sfera più attiva di immagini associate ai generi di danza. Il ritmo commovente e sincopato dell'accompagnamento, i giri di canzone popolare della melodia, la semplicità della struttura armonica e i toni leggeri della tonalità di sol maggiore portano un gioioso risveglio. Nonostante la drammatica rottura del gioco secondario, il sapore illuminato si diffonde ulteriormente e si consolida nel gioco finale:

Tuttavia, l’apparizione di un partito secondario non fornisce un contrasto drammatico. Non c'è antagonismo o contraddizione interna tra i temi della mostra. Entrambi i temi dei testi delle canzoni sono dati in confronto e non in collisione. Allo stesso tempo, è scomparsa la necessità di una lunga preparazione del batch laterale e della sequenza di transizione. Ciò modifica significativamente le funzioni della parte vincolante. In questo caso viene completamente eliminato e sostituito da una breve corsa di modulazione:

Invece di fattori dinamici, viene proposto un nuovo elemento: un'interpretazione coloristica delle funzioni modalità-tonali. La parte laterale si svolge nell'esposizione in sol maggiore e nella ripresa in re maggiore. Le combinazioni tonali della terza modalità (h-moll - G-dur, h-moll - D-dur) sono sottili sfumature colorate che illuminano i toni cupi di h-moll.

Il morbido lirismo delle immagini in mostra le priva della capacità di confronto. Pertanto, nello sviluppo dei temi dei partiti principali e secondari, vengono quasi completamente rimossi. L'eccezione è una figura ritmica sincopata, separata da una parte laterale (accompagnamento del tema), ma nell'atmosfera drammatica dello sviluppo perde la sua giocosità di danza. Inoltre, nel contesto del suo sviluppo, la sincope non fa altro che aumentare lo stato di ansia. Degenerando poi nella seconda fase di sviluppo in un ritmo puntato e picchiettante, ora suonano con un'aperta minaccia:

Lo sviluppo si basa esclusivamente sul materiale dell'introduzione. La costruzione introduttiva sembra misteriosa e diffidente. Il tema all'unisono, scivolando lentamente e costantemente verso il basso, si trasforma in un sordo rimbombo di basso tremolo.

In questo contesto nasce una catena di sequenze ascendenti, costruite sulle intonazioni dello stesso tema. Nel movimento di sequenze con motivi intrecciati imitativamente, si rivela la loro passione drammatica interiore. Al momento del primo climax, la tensione viene allentata dall'esplosione dell'intera orchestra:

Il successivo anello di sviluppo consiste in una concatenazione di frasi nettamente contrastanti; È qui che appare la figura sincopata del partito laterale. Dapprima viene contrapposto al tutti dell'orchestra, poi viene completamente cancellato, liberando il “campo d'azione” per il tema principale.

Lo “spartiacque” tra le due fasi di sviluppo e il suo momento centrale è la piena attuazione del tema introduttivo nella tonalità di sottodominante (mi minore).

Potenti unisoni orchestrali, supportati da tromboni, la scomparsa delle intonazioni interrogative (cadenza perfetta completa) conferiscono al tema un carattere volitivo e categorico, che dipende direttamente dall'ulteriore corso degli eventi:

La seconda fase di sviluppo procede in estrema tensione. L'intero tessuto musicale è in costante movimento; in diverse combinazioni orchestrali, i motivi individuali dell'introduzione sono sviluppati canonicamente, un nuovo episodio espressivo viene introdotto con un ritmo puntato “bussante”. Finalmente arriva il momento culminante: esso rivela la tragica insolubilità delle domande poste. Nella “lotta” modale acuta tra D-dur e H-moll, la “vittoria” spetta a quest’ultimo.

La colorazione modale e intonatrice delle ultime frasi dello sviluppo predetermina un ritorno allo stato d'animo malinconico della parte principale:

La ripresa non introduce nulla di essenzialmente nuovo che possa indirizzare lo sviluppo in un’altra direzione. Nel codice, il tema introduttivo suona di nuovo tristemente, che sembra avere l'ultima parola:

Seconda parte sinfonie - Andante con moto.

La poesia del suo triste distacco è sorprendente. Il lirismo profondo, a volte tranquillamente contemplativo, a volte leggermente agitato, deriva dai temi della parte lenta della sinfonia. La tenerezza dei colori della tavolozza modalità-armonica con spostamenti armonici inaspettati, transizioni tonali, fluttuazioni di modi maggiori e minori, uno sfondo orchestrale trasparente, dove predomina il suono di un gruppo d'archi in combinazione con i legni - tutto questo avvolge i temi con la più bella colorazione poetica, un leggero soffio di natura:

La struttura dell'Andante è peculiare. Combina liberamente la struttura chiusa del primo e del secondo tema con alcuni tratti tipici della forma sonata (La forma Andante è la più vicina a una sonata senza sviluppo. Le parti principale e secondaria sono presentate in dettaglio, ciascuna ha una struttura in tre parti; la particolarità della parte secondaria sta nel suo sviluppo prevalentemente variazionale.), fluidità del tessuto musicale - con predominanza di tecniche di sviluppo delle variazioni. Infatti, nella seconda parte della sinfonia in si minore, si nota una tendenza verso la creazione di nuove forme romantiche di musica strumentale, sintetizzando le caratteristiche di diverse forme; nella loro forma completa saranno presentati nelle opere di Chopin e Liszt.

Nella Sinfonia “Incompiuta”, come in altre opere, Schubert pone al centro la vita dei sentimenti dell'uomo comune; un alto grado di generalizzazione artistica ha reso la sua opera un'espressione dello spirito dell'epoca.

La “Sinfonia incompiuta” in si minore è una delle opere più famose del compositore austriaco Franz Peter Schubert, dedicata alla società musicale amatoriale di Graz. Le prime due parti furono presentate nel 1824.

Nel 1865, il direttore d'orchestra di corte viennese Johann Herbeck, redigendo un programma per un concerto di antica musica viennese, frugò tra pile di manoscritti dimenticati. Nell'archivio non smontato del presidente della Società musicale amatoriale stiriana A. Hüttenbrenner, ha scoperto una partitura di Schubert precedentemente sconosciuta. Era una sinfonia in si minore. Sotto la direzione di Herbeck, fu eseguita per la prima volta il 17 dicembre 1865 in un concerto della Società viennese degli amanti della musica.

Franz Schubert creò la Sinfonia Incompiuta negli ultimi mesi del 1822. Durante questi anniSchubert lo eraera già ampiamente conosciuto a Vienna come autore di molte belle canzoni e popolari brani per pianoforte, ma nessuno, tranne i suoi amici più cari, lo conosceva come sinfonistae nessuna delle sue sinfonie fu eseguita pubblicamente. La nuova sinfonia è stata creata prima come arrangiamento per due pianoforti e poi come partitura. L'edizione per pianoforte contiene schizzi di tre movimenti della sinfonia, ma il compositore ne scrisse solo due nella partitura. Schubert non è tornato più da lei, perchéfu chiamata la sinfonia: "Incompiuto"

Gustav Klimt "Schubert al pianoforte" 1899

Si discute ancora se questa sinfonia sia veramente incompiuta o se Franz Schubert abbia realizzato pienamente il suo piano in due movimenti invece dei quattro generalmente accettati. Le sue due parti lasciano un'impressione di sorprendente integrità ed esaustività, il che consente ad alcuni ricercatori di sostenere che il compositore non intendeva una continuazione, poiché ha incarnato il suo piano in due parti. Tuttavia, gli schizzi della partitura per il terzo movimento sono stati conservati, ma per qualche motivo sono stati lasciati nello schizzo. Inoltre, tra le musiche per l'opera “Rosamund”, scritta nello stesso periodo, c'è un intervallo, anch'esso scritto in si minore - una tonalità usata estremamente raramente - e ha un carattere simile al tradizionale finale sinfonico. Alcuni ricercatori dell'opera di Schubert sono propensi a credere che questo intervallo, insieme agli abbozzi dello scherzo, costituisca un ciclo regolare di quattro parti.

Questa non fu la sua prima sinfonia che risultò incompiuta: prima di allora, nell'agosto 1821, scrisse una sinfonia in mi maggiore, è considerata la settima, la cui partitura fu scritta in schizzi. In generale, per creare un'opera che inizia in si minore e termina in mi maggiore,ai tempi di Schubertera del tutto impensabile.

Nel 1968 fu pubblicata la buona vecchia commedia televisiva sovietica “The Unfinished Symphony” sulla vita e l'opera dell'eccezionale compositore austriaco Franz Schubert.

Schubert di Kalyagin è molto organico e affascinante. E Vedernikov nel modo più sincero cantadietro le quinte

Nonostante una certa ingenuità e del tutto naturale per il suo tempo e il genere scelto didattica,il film è interessante. La coscienziosità degli autori nel trasmettere la somiglianza dei ritratti dei personaggi e la loro recitazione è impressionante.

Parti vocali: A. Vedernikov, E. Shumskaya, G. Kuznetsova, S. Yakovenko.

La melodia del primo movimento è semplice ed espressiva, come se implorasse qualcosa, intonata da oboe e clarinetto. Lo sfondo eccitato e tremulo e la cantilena esteriormente calma, ma piena di tensione interna, creano un'immagine molto espressiva, tipicamente romantica. Il nastro della melodia si svolge gradualmente. La musica diventa sempre più intensa, arrivando al fortissimo. Senza l'anello di congiunzione obbligatorio per i classici viennesi, separato solo da una laconica transizione (il suono prolungato dei corni) da quello principale, inizia una parte laterale. Una morbida melodia di valzer è cantata senza sforzo dai violoncelli. Appare un'isola di pace serena, un idillio luminoso. L'accompagnamento oscilla ritmicamente, come se fosse cullante. Questo tema assume un carattere ancora più brillante quando viene ripreso e trasferito su un registro più alto del violino. All'improvviso il canto-danza libero e rilassato si interrompe. Dopo il completo silenzio (pausa generale) - un'esplosione di tutti orchestrali. Un'altra pausa - e ancora un'esplosione di fragoroso tremolo. L'idillio si interrompe, il dramma prende il sopravvento. Accordi schiaccianti si alzano violentemente e frammenti dell'accompagnamento di un tema secondario rispondono con gemiti lamentosi. Sembra che stia cercando di emergere in superficie, ma quando finalmente ritorna, il suo aspetto è cambiato: è distrutta, venata di dolore. Alla fine della mostra tutto si blocca. Il motivo misterioso e inquietante dell'introduzione ritorna, come un destino inevitabile. Lo sviluppo è costruito sul motivo di apertura e sulle intonazioni dell'accompagnamento della parte laterale. Il dramma si intensifica, sviluppandosi in tragico pathos. Lo sviluppo musicale raggiunge un culmine colossale. All'improvviso subentra la prostrazione completa. I frammenti indeboliti dei motivi si dissipano, lasciando risuonare solo una nota malinconica e solitaria. E ancora una volta il tema di apertura emerge dal profondo. Inizia la ripresa. La coda, nella tradizione di Beethoven, è stata creata come secondo sviluppo. Contiene la stessa tensione dolorosa, il pathos della disperazione. Ma la lotta è finita, non c’è più la forza. Le ultime battute suonano come un tragico epilogo.

La seconda parte della sinfonia è un mondo di altre immagini. Ecco la riconciliazione, la ricerca di altri lati più luminosi della vita, la contemplazione. È come se l'eroe, che ha vissuto una tragedia spirituale, cercasse l'oblio. I passi dei bassi (bassi doppi pizzicati) suonano ritmicamente, sovrapposti a una melodia semplice ma sorprendentemente bella dei violini, sognante e piena di sentimento. Ripetuto ripetutamente, varia e acquisisce melodie espressive. Un breve decollo dinamico per tutti - e ancora un movimento calmo. Dopo un breve collegamento appare una nuova immagine: la melodia è ingenua e, allo stesso tempo, profonda, più individuale del primo tema, triste, nei timbri caldi del clarinetto e dell'oboe che lo sostituisce, che ricordano un essere umano voce piena di viva trepidazione. Questa è una parte laterale di una forma laconica di sonata. Varia anche, acquisendo a volte un carattere agitato. All'improvviso c'è un cambiamento nel suo flusso regolare: sembra drammatico nella potente presentazione dell'intera orchestra. Ma una breve raffica è sostituita da uno sviluppo espressivo, ricco di imitazioni: si tratta di uno sviluppo breve, che termina con lunghi accordi di archi, misteriosi richiami di corni e singoli legni. Il sottile sound design orchestrale porta alla ripresa. Nel codice c'è una dissolvenza, una dissoluzione del tema iniziale. Ritorna il silenzio...

L. Mikheeva

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