Tra i pittori russi XVIII secolo, Anton Pavlovich Losenko è conosciuto come il fondatore del genere storico; inoltre, prima di lui non c'erano quasi dipinti su temi della storia russa. Lomonosov fu uno dei primi a sviluppare un elenco di argomenti della storia nazionale russa. "Il primo compito di coloro che praticano questi trucchi (nell'arte) è rappresentare la storia della loro patria e i volti dei suoi grandi popoli, monarchi, vincitori e altri", ha detto il poeta e drammaturgo Sumarokov all'inaugurazione dell'Accademia delle arti nel 1757. Una delle prime opere significative della pittura storica russa fu il dipinto di Losenko “Vladimir e Rogneda”.
Anton Losenko nacque in una famiglia cosacca nella città di Glukhov in Ucraina nel 1737. Glukhov - un'antica città, residenza degli hetman e del Piccolo Collegio Russo - è famosa per la sua antica fortezza, i templi, le camere "pre-modellate" e le gallerie commerciali. I posti più belli. Se credi ai viaggiatori, Glukhov potrebbe facilmente competere con Kiev e superarla nella bellezza della sua architettura. Nel 1738 fu aperta a Glukhov una scuola di canto, che formava cantanti per la cappella di corte e i piccoli cori russi. Qui iniziarono gli anni di apprendistato del ragazzo dalla voce argentata, Anton Losenko. Il destino si è rivelato tale che è rimasto orfano presto. Il padre, Pavel Yakovlevich, dopo aver intrapreso il commercio, si impegnò a fornire "beni rossi" all'esercito russo, ma nel 1744 fallì, divenne un alcolizzato e morì. Questo è tutto ciò che si sa del padre del futuro artista. Anton, sette anni, abbandonato in balia del destino dai suoi parenti, è sopravvissuto grazie alla sua voce e al suo eccellente udito. Collocato in una scuola di canto locale, fu presto portato nella cappella di corte della capitale. Così un ragazzo basso, dai capelli scuri, dalla pelle scura e malaticcio finì a San Pietroburgo, ma il destino qualche anno dopo preparò una nuova sorpresa per il giovane orfano. Raggiunta l'età di sedici anni, quando la sua voce si spezza, il giovane la perde. Tuttavia, una nuova passione ha catturato l'anima di un adolescente impressionabile e talentuoso. Probabilmente dipingeva da diversi anni, affascinato dalla bellezza della maestosa architettura di San Pietroburgo e dalle creazioni degli artisti. E ancora una volta è stato fortunato. Tre cantanti che avevano perso la voce - Anton Losenko, Ivan Sablukov e Kirill Golovachevskij - ricevettero un apprendistato di pittura presso il servo del conte Sheremetev, Ivan Petrovich Argunov. Tutti e tre divennero successivamente accademici e insegnanti presso l'Accademia delle arti.
Il significato dell'Accademia delle arti di San Pietroburgo nella storia dell'arte russa è estremamente grande. Fu fondata nel 1757 grazie agli sforzi di Ivan Ivanovich Shuvalov, un nobile illuminato e favorito di Elisabetta Petrovna. L'Accademia Shuvalov era insegnata principalmente da professori francesi. I primi studenti furono i giovani alunni di Argunov, nonché figli di soldati e contadini. Anton Losenko, dopo aver trascorso solo due anni all'Accademia, fu mandato a continuare i suoi studi a Parigi. Lì entrò, su raccomandazione, nella bottega del pittore Georges Retou, la cui opera intrecciava principi accademici con il rococò. Diligente e coscienzioso, Losenko padroneggia la scienza parigina, studiando dalla mattina alla sera. Due volte al giorno disegna dalla vita, gli intervalli sono riempiti componendo schizzi e dipingendo immagini su un tema storico basato su di essi. Nasce così la grande tela “A Wonderful Catch of Fish”. L'immagine è basata su una storia evangelica, eseguita sotto forma di una scena galante, con la partecipazione di una donna parigina alla moda seduta ai piedi di Cristo. Il lavoro del giovane artista è abbastanza coerente con il livello della pittura accademica francese del XVIII secolo.
A.Losenko. Meravigliosa cattura di pesce
L'insegnante era soddisfatto dello studente. Losenko diede a Ret 120 rubli e andò a San Pietroburgo con il suo passeggino.
Inizialmente, all'Accademia fu creato un corso di pittura, ma presto il loro numero aumentò e ci fu una chiara specializzazione delle lezioni: pittura, storia, battaglia, esercizi domestici, uccelli e animali, frutta e fiori, paesaggi e altri. Losenko iniziò a insegnare in un'aula a grandezza naturale. L'insegnamento si basava, ovviamente, sui principi del classicismo. Agli studenti è stata instillata l'idea della necessità di affidarsi all'esperienza del passato, del valore delle tradizioni, soprattutto di quelle antiche. Si credeva che l'arte dovesse tendere a un ideale al quale, purtroppo, la vita circostante difficilmente corrisponde. Tuttavia l’artista deve tenere presente che la vita contiene anche schemi ideali. Un buon artista deve essere in grado di identificarli e di raffigurare sulla tela la natura corretta come dovrebbe essere. Dati questi principi, non sorprende che il genere storico sia stato posto al primo posto nella pittura, che comprendeva anche soggetti biblici, mitologici e leggendari. Il talento sbocciante di Anton Losenko è arrivato proprio al momento giusto.
Tuttavia, Losenko si recò presto di nuovo a Parigi, questa volta nella bottega del famoso Joseph Marie Vienne, il cui lavoro era già quasi privo di atmosfere rocaille. Allievo di Vienne fu anche Jacques Louis David, il futuro grande artista francese, creatore di arte ascetica ed eroica. Losenko studia attentamente i musei parigini e le collezioni private, registrando attentamente le osservazioni nel suo diario. “Venere degli uomini buoni, scultore Falconett. Un angelo chiama Giuseppe per andare in Egitto, Titien. I colori della pittura, le espressioni Vestma sono naturali. Il vecchio del villaggio legge la Bibbia ai figli di Creso. Le ostriche e il vino in tavola sono molto naturali, Sardinya. In questo momento scrisse "Sant'Andrea il Primo Chiamato" - uno schizzo di un vecchio seminudo. Mostra naturalmente pelle cadente e rugosa, magrezza malaticcia e senile, dita nodose, capelli grigi e occhi acquosi. Tutto ciò parla di un'attenta osservazione della natura. La trama è indicata solo da uno sguardo orante rivolto al cielo e da un alone debolmente luminoso.
A.Losenko. Andrea il Primo Chiamato
A.Losenko. Il sacrificio di Abramo |
Più tardi, quando Losenko padroneggiò il linguaggio del teatro classico - il gesto parlante, l'unità di tempo, luogo e azione, creerà una composizione classica più rigorosa basata sull'antica trama di "Zeus e Teti", su una trama del " Iliade". La dea del mare Teti, la madre di Achille, che lo diede alla luce dall'uomo mortale re Peleo, chiede a Zeus di salvare suo figlio e di allontanarlo da un'ulteriore partecipazione alla guerra di Troia. Secondo la trama, gli eroi dell'immagine sono ideali, creati secondo il modello della scultura antica.
A.Losenko. Zeus e Teti
Ritornato di nuovo a San Pietroburgo, Losenko ricevette l'incarico di professore a contratto presso l'Accademia, cioè assistente. Ma il secondo periodo di attività didattica di Losenko fu di breve durata. L'artista si reca in Italia per migliorare le sue capacità. Viene a Roma, dove lavora in modo indipendente: copia Raffaello, dipinge modelli e studia l'arte del Rinascimento italiano. Qui dipinge il meglio in termini di plasticità, i dipinti “Caino” e “Abele”. Successivamente, per molti anni, servirono da modelli per la copia e l'imitazione presso l'Accademia delle Arti. In realtà si tratta di studi a figura singola di una modella nuda. I nomi furono dati loro già nel XIX secolo. Raffigurano giovani modelli italiani potenti e di corporatura robusta. Le figure plastiche sono realizzate secondo il torso dell'Apollo Belvedere. La superficie dorata del corpo si combina magnificamente con il colore rosso intenso del drappeggio, che parla del dono del colore di Losenko. Il tono grigio argento enfatizza il colore caldo del corpo.
A.Losenko. Abele
Dopo la presentazione di questi dipinti, Losenko divenne presto professore, capo del corso di pittura storica e poi direttore dell'Accademia delle arti.Ora è opportuno parlare un po’ dell’attività didattica di Losenko. Gli studi all'Accademia sono iniziati con la copia degli "originali": campioni di disegno e pittura appositamente preparati. Losenko crea personalmente più di cinquanta di questi originali, che furono utilizzati nella scuola accademica per quasi un secolo, fino alla metà del XIX secolo. Dagli "originali" sono passati agli "oggetti d'antiquariato" - attingendo dalla scultura antica. Poi disegnarono e dipinsero modelli viventi, tra i quali furono accettati solo uomini ben fatti, che furono iscritti come dipendenti dell'Accademia e avevano persino appartamenti nell'edificio accademico. Successivamente, hanno iniziato a disegnare composizioni basate su soggetti storici e a creare dipinti finiti basati su di essi. L'aula a grandezza naturale era tenuta da due professori di turno. Uno governa il lavoro degli studenti, l'altro completa il compito con loro, mostrando cosa e come scrivere con l'esempio personale. Losenko lavorava spesso insieme ai suoi studenti, come testimoniano le opere educative che creò durante il suo tardo periodo creativo. All'età di diciotto anni, lo studente poteva già lavorare in modo indipendente. I migliori studenti sono andati in viaggio di pensionamento, con una pensione statale, in Europa: Francia e poi in Italia.
Il fiorire del classicismo russo nella seconda metà del XVIII e all'inizio del XIX secolo divenne possibile grazie al sistema di istruzione accademica regolato da I.I. Betsky. La composizione degli insegnanti cambiò gradualmente, lasciando il posto a professori nazionali come Anton Pavlovich Losenko. Ha scritto il libro di testo "Una breve spiegazione delle proporzioni umane" - un'introduzione all'anatomia plastica. Ha anche svolto con zelo compiti di regia, che hanno portato via tempo prezioso alla sua creatività. Un lavoro così intenso non poteva che avere un effetto dannoso sulla sua salute. Fragile e mentalmente vulnerabile, Losenko aveva difficoltà a resistere alle tempeste e alle fatiche quotidiane. Per questo crollò presto e morì nel trentasettesimo anno di vita, in uno splendore di gloria. Negli ultimi tre anni della sua vita, lavorando come professore e regista, dipinse i suoi dipinti più significativi.
"Vladimiro e Rogneda"
1770 Signore e signori vestiti, passeggiando per le sale della mostra aperta all'Accademia delle Arti, si soffermarono a lungo davanti al dipinto “Vladimir e Rogneda”. Le signore sospirarono e si portarono i fazzoletti agli occhi. I signori cercarono la figura modesta di Anton Pavlovich Losenko e si affrettarono a esprimere ammirazione per il suo nuovo lavoro. Ma finora nessuno aveva idea che stavano partecipando a una specie di compleanno di un film storico russo. Nessuno immaginava che le caratteristiche artistiche della tela, che raffigura una scena toccante del lontano X secolo, fossero un concentrato di ricerche e ritrovamenti di un'intera generazione di artisti.
Ma tutti sapevano che l'imperatrice Caterina II , dopo aver gentilmente visitato la mostra, si è degnato di lodare il signor Losenko, "incoraggiandolo con la sua reale spiegazione verbale per un migliore successo". Chi oserebbe perdersi la mostra dopo questo o non lodare il dipinto? Tuttavia, tutti i principali intenditori d'arte dell'epoca pensavano la stessa cosa: davanti a loro c'era un'opera eccezionale scritta da un maestro maturo. Losenko si distingueva per la sua sensibilità artistica e sensibilità ai problemi morali più importanti del suo tempo. Questo è ciò che lo ha aiutato a stare alla pari con le persone più intelligenti e si è manifestato chiaramente nel contenuto del dipinto, che era fondamentalmente nuovo rispetto ai dipinti precedenti su un tema storico.
La trama dell'immagine è stata approvata dal consiglio dei professori dell'Accademia delle arti. “Vladimiro, essendosi stabilito in possesso di Novgorod, manda il principe Rogvold a Polotsk a dargli sua figlia Rogneda in matrimonio; Irritato dall’orgogliosa risposta di Rogneda, Vladimir mobilitò tutte le sue forze, prese con la forza la capitale Polotsk, privò della vita Rogvold e i suoi due figli e sposò involontariamente l’arrogante Rogneda”. Losenko ha mostrato “il primo incontro di Vladimir con Rogneda, in cui Vladimir viene presentato come un vincitore e l’orgoglioso Rogneda come un prigioniero”.
A.Losenko. Vladimir e Rogneda
La trama, la composizione e la tipologia dei personaggi sono seri motivi di riflessione. Le cronache riferiscono che Vladimir, il “battista della Rus'”, il figlio maggiore di Svyatoslav e nipote di Olga, nacque fuori dalla legge. Anche in gioventù, prima del matrimonio, il severo guerriero Svyatoslav amava la domestica di sua madre, la governante Malusha, una semplice "veste". Fin dall'infanzia, Vladimir portava il soprannome di "Robichicha", ma non fu dimenticato né abbandonato. In intelligenza, talento e bellezza, era di gran lunga superiore ai figli legittimi di Svyatoslav: Yaropolk e Oleg. Suo padre e sua nonna adoravano per lui, ma non potevano trasferire il trono di Kiev a un figlio illegittimo e lo misero sotto il regno di Novgorod. Dopo la morte di suo padre, Vladimir decide di sposarsi e manda dei sensali a Rogneda. In risposta sente una risposta arrogante: "Non voglio togliermi le scarpe del figlio dello schiavo, ma voglio Yaropolk". Immagina la rabbia di un bell'uomo offeso. Naturalmente entrarono in gioco gli zelanti! I nostri antenati non conoscevano altro modo per risolvere i conflitti oltre alla guerra. L'assedio di Polotsk e il matrimonio forzato con un mascalzone e un piantagrane erano all'ordine del giorno.
Ma la morale sta cambiando, siamo nel XVIII secolo illuminato, e Vladimir deve essere sembrato ai contemporanei di Losenko un barbaro, un mostro crudele, un sensuale. Ma l'artista sostiene proprio come una persona umana ed estranea all'arbitrarietà che controllava il cuore del presunto voluttuoso principe. Sta cercando ragioni nelle azioni del principe Vladimir che, se non lo giustificherebbero, lo costringerebbero a trattarlo con simpatia. “Vladimir ha sposato Rogneda contro la sua volontà”, ha ragionato l'artista, “quando l'ha sposata, allora deve averla amata. Perché l'ho presentato come un amante che, vedendo la sua sposa disonorata e privata di tutto, ha dovuto accarezzarla e chiederle scusa, e non come altri concludono, che lui stesso l'ha disonorata e poi l'ha sposata, cosa che mi sembra molto innaturale? , ma anche se fosse così, la mia foto lo rappresenta solo come il primo vero appuntamento.
L'artista aveva un genuino interesse per le esperienze del suo eroe. Il principe Vladimir, il battista della Rus', nell'antica arte russa veniva raffigurato come un santo. Nell'interpretazione di Losenko, è diventato un uomo le cui azioni devono essere spiegate in base alle leggi del cuore umano. Nessuno dei predecessori di Losenko, che hanno lavorato su composizioni storiche e di battaglia, si è posto tali compiti psicologici. Inoltre, c'è un approccio speciale, "Losenkovsky" al tema storico: il desiderio dell'autore del dipinto di nobilitare, di elevare al di sopra del mondo delle basse passioni, di imbiancare l'immagine di Vladimir. Sulla tela il giovane principe occupa un posto centrale. Il resto dei personaggi, compreso Rogneda, sono posizionati come se incorniciassero la sua figura: i suoi due guerrieri e le due ancelle di Rogneda.
La principessa Polotsk, pallida, macchiata di lacrime, è in uno stato di semi-svenimento. Anche lei, secondo la trama del film, è la sua eroina, ma passiva, sullo sfondo, cedendo il ruolo principale al principe. Le cameriere - l'accampamento di Rogneda - si congelarono in lacrime. Il guerriero più anziano, presumibilmente, è lo zio materno di Vladimir e il suo insegnante, cioè il suo insegnante, rimane calmo. Il guerriero più giovane osserva con occhi vivaci e curiosi il principe che esprime i suoi sentimenti alla fanciulla.
L’emotività di Vladimir e il dolore di Rogneda sono supportati dal colore. Il principe divampò di eccitazione. La principessa è mortalmente pallida. Accanto al volto rubicondo di Vladimir, il volto della vergine è bianco-grigio, completamente senza vita. Anche le loro mani sono di colore contrastante. E il colore dei vestiti. Il rosso e l’arancione, dal tono caldo, predominano nel costume di Vladimir. Indossa un mantello rosso brillante bordato di pelliccia di ermellino. La sua veste sotto il mantello è realizzata in broccato arancio dorato, ricamato con motivi verdi. Se combinato con il verde tenue, il colore dorato diventa più caldo. Gli stessi colori nell’abbigliamento di Rogneda sembrano morti. Il mantello della principessa, quasi uguale a quello di Vladimir, ma di una tonalità fredda, è bordato di pelliccia di zibellino. Il colore verde - le pietre sulla cintura e sul kokoshnik - hanno un tono triste. I colori vivaci che si trovano nei costumi dei guerrieri e delle cameriere sfumano anche sullo sfondo degli abiti di Vladimir.
Gli eroi di Losenko non sono vestiti con una sorta di abbigliamento greco-romano, che esisteva nei dipinti di altri pittori storici e di lui stesso in opere precedenti. Tuttavia, nella sua ricerca per trovare un costume nazionale, ha incontrato difficoltà quasi insormontabili: la mancanza di materiali storici. Poteva fare affidamento solo su informazioni sparse e casuali e su oggetti di scena teatrali. Quest'ultimo era generalmente piuttosto fantastico, ma proprio questo servì da fonte per il copricapo del principe: un'incredibile miscela di una corona con denti, un berretto ornato di piume di ermellino e di struzzo. È vero, l'abito di Rogneda, gli stivali e la camicia lunga di Vladimir, in particolare le maniche e il colletto ricamati con pietre preziose, ricordano gli antichi abiti russi. Gli abiti di una delle ancelle e dei guerrieri sono vicini al costume popolare comune. Tuttavia, nonostante il carattere antistorico dei costumi, l'artista ha fatto tutto il possibile. Riassumendo il suo lavoro, scrive: "Per quanto riguarda l'abbigliamento e i costumi di quel tempo, a causa dell'oscurità della storia russa, non potevo fare di meglio". E inoltre: "Se potessi ottenere tutto ciò che dovrebbe essere naturale nella mia foto, allora preferirei ... il naturale all'ideale".
Il centro della composizione, magnificamente trovato, è diventato un vero e proprio nodo, che sembrava riunire tutti i partecipanti in un unico insieme. Qui si sono incontrate le mani di Vladimir e Rogneda. La mano forte e gentile del principe sostiene la mano pallida della principessa, con le dita alzate in segno di disperazione. La mano destra di Vladimir riecheggia il movimento doloroso delle mani della vergine e implora perdono. Questa è una sorta di conversazione tra le mani, che determina in gran parte il contenuto che l'artista ha voluto inserire nel dipinto. Si rivela principalmente attraverso l'immagine di Vladimir, il che significa che la sua tenerezza, la richiesta di perdono, l'umanità, per quanto strana possa essere dal punto di vista della sua azione, dominano il quadro.
Probabilmente, al pubblico del secolo successivo, e anche al nostro, abituato a maggiore moderazione, la manifestazione dei sentimenti del principe Vladimir e della principessa Rogneda è sembrata e appare troppo sentimentale e teatrale. In effetti, Losenko era attratto dal teatro contemporaneo, con le sue pose e monologhi elaborati. Ha invitato il famoso attore Ivan Dmitrevskij come modello che ha posato per Vladimir. I personaggi sulla tela sono posizionati come sul proscenio. Senza dubbio, la pittura di Losenko è associata alle tradizioni dello stile barocco, che non erano ancora state eliminate a metà del XVIII secolo, con il suo pathos e il suo dramma intrinseci. Tuttavia, in esso si può già sentire il desiderio di chiarezza, equilibrio e razionalità classici. L'azione si svolge in uno spazio ristretto in primo piano. Più avanti, una parete cieca con lesene antiche fa da sfondo. Tutto ciò deriva dal classicismo, un nuovo stile artistico che conquistò l'Europa negli anni '70 del XVIII secolo. In Russia, la prima persona che contribuì alla sua penetrazione nella pittura fu Anton Pavlovich Losenko.
Per il dipinto “Vladimir davanti a Rogneda” Losenko ha ricevuto il titolo di accademico. Aveva trentatré anni. Cinque giorni dopo, in un'assemblea generale dell'Accademia, fu promosso professore. Uomo coscienzioso, si potrebbe addirittura dire, scrupolosamente onesto, pone tutti i suoi sforzi sull'altare dell'educazione dei giovani. Aggiungiamo qui gli affari amministrativi dell'Accademia, la mancanza di fondi per la costruzione di un nuovo edificio secondo il progetto in cemento armato di Delamot e A.F. Kokorinov, lo stesso che ora ammiriamo a San Pietroburgo, guai infiniti, intrighi, appropriazione indebita. Presidente dell'Accademia I.I. Betskoy trasferisce questioni così delicate sulle spalle del giovane “professor Losenkov” e del rettore aggiunto Gillet. Pertanto, i piani creativi dell’artista si stanno realizzando lentamente. Inoltre, l'Imperatrice stessa gli dà un ordine per dei dipinti, che gli manca molto il tempo per completare. In questo momento difficile, un altro meraviglioso maestro, l'autore di "The Bronze Horseman" E.-M., difende il non corrisposto Losenko. Falcone, sfruttando i suoi rapporti d'affari con l'Imperatrice.
“…Ho sofferto a lungo, non sapendo a chi rivolgermi”, scrive a Caterina, “ho però parlato, ma inutilmente. Stiamo parlando di Losenkov, abile, onesto e infelice. (...) Pensi che dipinga i tuoi quadri. Oh, niente affatto! Stordito, esausto, sconvolto, gravato dall'oscurità delle sciocchezze accademiche che non riguardano il professore in nessuna Accademia del mondo, Losenko non riesce a toccare il pennello. Senza dubbio verrà distrutto. È il primo artista bravo della nazione, la gente è insensibile a questo, lo sacrificano”. Falconet si rivolse all'imperatrice con la richiesta di avere una conversazione “forte” con Betsky, ma come avrebbe potuto turbare il suo vecchio preferito? Naturalmente, ha promesso di parlare con Betsky e di portare Losnenko nel suo amato Hermitage, dove avrebbe potuto occuparsi degli affari della galleria d'arte. Tuttavia la questione non andò avanti. Eppure, nell'ultimo anno della sua vita, l'artista è tornato alla creatività. Il risultato del suo lavoro fu un dipinto incompiuto, ispirato all’Iliade di Omero.
"L'addio di Ettore ad Andromaca"
La maestosa tela, concepita dall'artista, glorifica il servizio alla Patria. Fu creato per ordine dell'imperatrice, ma l'idea, che senza dubbio diede forza all'artista stesso, sostenne il suo spirito e diede nuova forza per superare le avversità. Il principe troiano Ettore, partendo per combattere l'invincibile Achille, saluta la moglie e il figlio. Anticipa la sua morte sotto le mura della sua città natale, ma non si piega al destino. Sua moglie lo prega di restare, ma Ettore in risposta dice:
Dicano un giorno di lui, vedendolo venire dalla battaglia:
Supera anche suo padre! E lascia che abbia un dannato interesse personale
Losenko sceglie come soggetto del suo dipinto l'appello di Ettore agli dei e la sua appassionata supplica affinché suo figlio continui il suo lavoro e diventi “famoso tra i cittadini”. Forse l'imperatrice volle donare questo dipinto come edificazione a suo figlio Paolo, il futuro imperatore. Ma Losenko amplia la trama, riempiendola di idee di dovere pubblico, cittadinanza e patriottismo, seguendo il giuramento di Ettore: “mettere la coppa della libertà nelle dimore dei nostri liberi, dopo l’espulsione degli Achei dalle armature di rame da Troia”.
La composizione dell'immagine è rigorosa. È distribuito sotto forma di fregio, regolato ed equilibrato. L'architettura della città - torri giganti e un colonnato - chiude lo spazio sullo sfondo. Ettore è al centro della composizione. Il suo mantello rosso brillante lo fa risaltare. Andromaca si precipita dal marito con il bambino in braccio. È sopraffatta dal dolore e dal presentimento. I restanti personaggi in primo piano si rivolgono ai coniugi con gesti e sguardi emozionati. La cameriera piange, probabilmente l'infermiera. Gli alleati di Ettore giurano di proteggere sua moglie e suo figlio fino all'ultima goccia di sangue. Gli occhi di un giovane con una pelle di leone gettata sopra la testa brillano di ammirazione. Il paggio a cui Ettore ha affidato l'elmo guarda affascinato lo scudo d'oro. Questo è lo scudo dello stesso Achille, che, come l'armatura, Ettore ottenne nella battaglia precedente, togliendolo a Patroclo, che uccise. Quando l'esercito troiano si avvicinò alle navi achee ed Ettore diede fuoco a una di esse, Achille permise al suo migliore amico Patroclo, vestito con la sua armatura, di unirsi alla battaglia e scacciare i Troiani. Ora che Patroclo è morto per mano di Ettore, è giunto il momento della battaglia decisiva. Come se anticipasse la morte del suo comandante, un guerriero dalla barba nera con una lancia guarda tristemente Ettore. Tutti gli eroi sembrano usciti da antichi rilievi. Losenko ha decisamente confutato le critiche degli intenditori di belle arti, che hanno affermato con disprezzo che nei dipinti dei pittori russi, gli antichi guerrieri assomigliano a uomini comuni vestiti con tuniche e clamisi dell'antica Grecia. Ma questi guerrieri non stavano difendendo i contadini della loro città natale? I semplici contadini non avevano una dignità naturale e un'anima elevata? È questa la posizione civica dell'artista in consonanza con le ricerche civiche degli scrittori progressisti del XVIII secolo, l'autore delle tragedie Sumarokov e altri?
La colorazione del dipinto è in stile classico. La gamma di colori è rigorosa e laconica. L'armonia si basa sul contrasto dei toni rosso, marrone, giallo argento e grigio.
Un'enorme tela, dipinta con entusiasmo, ma senza l'ultimo colpo del geniale maestro-innovatore, ha completato la vita di Anton Losenko. Si trovava nello studio quando l’artista stava morendo di “mal d’acqua”. Losenko morì il 23 novembre 1773. L'artista fu sepolto nel cimitero di Smolensk, nella chiesa dell'Annunciazione. Ha lasciato studenti che sono rimasti scioccati dalla loro perdita, ma che hanno continuato con successo il percorso dell'insegnante che ha gettato le basi della scuola russa di pittura storica.
Biografia dell'artista, percorso creativo. Galleria di dipinti.
Losenko Anton Pavlovich
Losenko Anton
(1737 - 1773)
Anton Pavlovich Losenko (1737, Glukhoye, provincia di Chernigov - 1773, San Pietroburgo) è nato nella famiglia di un cosacco ucraino, un ricco commerciante di “articoli rossi”. Il bambino rimase orfano presto e all'età di sette anni fu mandato a San Pietroburgo per unirsi al coro di canto di corte presso la corte imperiale di Elisabetta Petrovna. Tuttavia, nel 1753, come se avesse “perso la voce”, fu mandato a studiare con l'artista I. P. Argunov. Il ragazzo ha mostrato una grande capacità pittorica e i cinque anni e mezzo trascorsi nel laboratorio di Argunov sono stati per lui una scuola molto approfondita.
II Shuvalov, il presidente della nuova Accademia delle tre arti più importanti, attirò l'attenzione sul talento del giovane artista e nel 1758 Losenko fu iscritto come suo studente. Successivamente dipingerà un ritratto del suo grande mecenate (Ritratto di I. I. Shuvalov. 1760. Museo Russo).
L'Accademia delle arti, fondata nel 1757, è stata progettata per educare i futuri artisti russi nello spirito di idee elevate sullo scopo dell'arte. Il genere storico occupava un posto di primo piano nella gerarchia dei generi accademici, e non è un caso che Losenko abbia dedicato il suo lavoro alla pittura storica. Studiò all'Accademia, ovviamente, sotto la guida dei suoi primi maestri Le Lorrain e De Vella. Ben presto divenne assistente dei suoi insegnanti e ricevette il posto di apprendista.
Nel 1760, l'artista dipinse i ritratti del poeta A.P. Sumarokov e dell'attore Ya.D. Shumsky (entrambi nel Museo di Stato russo). La paternità di quest'ultima opera rimane in dubbio. Apparentemente allo stesso periodo risale il famoso ritratto di F. G. Volkov (1760 (?) Museo statale russo), il fondatore del primo teatro pubblico russo. Nei primi lavori di Losenko si può ancora percepire il recente allievo di Argunov, ma allo stesso tempo è noto che il talento dell’artista veniva notato in ambienti che includevano personaggi famosi della cultura russa. Nei ritratti di Losenkov, la combinazione di colori è priva del decorativismo corposo e squisitamente sobrio, caratteristico dei pittori di questo tempo. La saturazione del colore dei suoi ritratti è subordinata a compiti volumetrici e plastici, che predeterminano l'uso economico del chiaroscuro.
Nel settembre 1760, Losenko, insieme al futuro famoso architetto Vasily Bazhenov, fu inviato in viaggio di pensionamento a Parigi per approfondire le sue conoscenze e migliorare le sue capacità. Ha studiato sotto la guida di J. Retu. Nel suo laboratorio, Losenko studia le opere dell'insegnante stesso, così come le opere degli accademici francesi. Presta molta attenzione al disegno dalla vita, comprendendo la bellezza del corpo umano. Di conseguenza, Losenko crea un grande quadro basato sulla storia del Vangelo: "A Wonderful Catch of Fish" (1762. Museo Russo). L’opera non può essere definita del tutto indipendente, poiché è una variazione sul tema del dipinto di Jouvenet. In esso, lo studente russo, secondo i requisiti del classicismo, trasmette lo splendore della natura attraverso il movimento e le pose dei personaggi. Il lavoro ha ricevuto l'approvazione del Consiglio dell'Accademia.
Nell'autunno del 1762, Losenko fu convocato in Russia da Shuvalov, apparentemente in connessione con il cambio di regno e l'ascesa di Caterina II al trono. Durante questo periodo della sua breve permanenza in patria, dipinse un ritratto del Granduca Pavel Petrovich (1763. Museo-Riserva di Gatchina). L'anno successivo fu nuovamente inviato dall'Accademia delle Arti a Parigi, dove entrò nella bottega di J. M. Vien. L'artista russo ha fatto evidenti progressi all'estero: i suoi disegni e le sue composizioni hanno ricevuto tre medaglie dall'Accademia delle arti di Parigi. Gli interessi creativi di Losenko erano focalizzati su argomenti legati alla mitologia antica e alla storia biblica. Non è un caso che a Parigi abbia scritto “La morte di Adone” (1764. Museo della Repubblica di Bielorussia) e “Sant'Andrea il Primo Chiamato” (1764. Museo statale russo). Una sorta di lavoro di laurea nello studio di Vienne fu il dipinto “Il sacrificio di Abramo” (1765, Museo Russo), per il quale l’artista russo ricevette la prima medaglia d’oro dell’Accademia di Parigi.
Nel 1766-1769 Losenko si formò in Italia, dove studiò l'antichità e copiò le opere di Raffaello. Lì crea un'altra immagine su un argomento mitologico: "Zeus e Teti" (1769. Museo Russo). L'opera fu realizzata nell'inverno 1768-1769 per ordine di Shuvalov, che fu poi rimosso dagli affari governativi da Caterina II e visse come privato a Roma. Inoltre, il quadro è stato dipinto segretamente dall'Accademia delle arti ed era destinato al conte K. G. Razumovsky. La tela “Zeus e Teti” testimonia che Losenko è già pienamente emerso come un vero “rappresentante del classicismo”, professando il colore locale, l’accuratezza anatomica delle figure e la predominanza della modellazione lineare-plastica.
Durante il periodo italiano l'artista prestò molta attenzione agli studi pittorici del corpo nudo; di conseguenza apparvero i dipinti “Abele” (1768. Museo d'arte di Kharkov) e “Caino” (1768. Museo statale russo). Riflettevano la capacità di trasmettere accuratamente l'anatomia del corpo umano, riprodurre magistralmente le sfumature di colore e ombra caratteristiche della natura vivente e mostravano anche una sicura padronanza del disegno, che distingueva Losenko da altri artisti russi già all'inizio degli anni Sessanta del Settecento.
Nel 1769 Losenko tornò a San Pietroburgo, dove fu invitato a dipingere un quadro per il titolo di accademico di pittura storica. L'artista crea una grande tela dedicata alla storia russa: "Vladimir e Rogneda" (1770. Museo Russo). Secondo la trama pittoresca, Vladimir chiede perdono alla prigioniera Rogneda per essere andata in guerra nella terra di Polotsk, aver ucciso suo padre e i suoi fratelli e averla presa con la forza in moglie. L'artista ha dovuto affrontare un compito molto difficile: non compromettere il ruolo di assassino e stupratore del santo principe Vladimir, il battezzatore della Rus'. Losenko, nello spirito del patriottismo della sua epoca, cerca di imbiancare il principe mostrando il suo pentimento. Ha anche scritto una speciale "Spiegazione per l'immagine", in cui ha assicurato francamente che il suo eroe, "vedendo la sua sposa, disonorata e privata di tutto, ha dovuto accarezzarla e scusarsi con lei" (Citato da: Kaganovich A.L. Anton Losenko e Arte russa della metà del XVIII secolo. - M., 196Z. P. 152.).
Il concetto ideologico della tela - una rappresentazione della tragedia dell'ostinata arbitrarietà dell'autocrate - rientrava nel campo delle visioni avanzate degli educatori russi che si esprimevano contro il dispotismo e in difesa dei diritti e della dignità umana. Il dipinto “Vladimir e Rogneda” divenne la prima grande opera del genere storico nell’arte russa. Il successo del film ha portato al suo creatore la vera fama, il titolo di accademico e la nomina a professore associato.
Dal 1772 Losenko divenne professore e direttore dell'Accademia delle arti, condividendo questa posizione con N. Gillet. Rimarrà in questa posizione fino alla fine della sua vita. La rapida carriera del pittore si spiega con la sua approfondita formazione professionale. Ma una promozione troppo rapida lo ha rovinato: gli intrighi di corte e le denunce di persone invidiose hanno completamente sconvolto la salute del maestro.
All'Accademia, Losenko conduce lezioni pratiche e scrive un manuale didattico e teorico “Spiegazione di una breve proporzione di una persona, basata su uno studio affidabile delle diverse proporzioni delle statue antiche, attraverso gli sforzi dell'Accademia Imperiale delle Arti, professore di dipinto del signor Losenko a beneficio dei giovani che praticano il disegno, pubblicato”, che rimase un pratico libro di testo per gli artisti russi fino alla metà del XIX secolo. Ma il pittore ha sempre meno tempo per la creatività.
La posizione di direttore e professore dell'Accademia gravava sull'artista: doveva insegnare molte ore ogni giorno in classe, inoltre veniva involontariamente coinvolto in un groviglio di intrighi accademici e di corte che gli erano estranei. Non c'è da stupirsi che lo scultore E. F. Falcone abbia scritto a Caterina II: “Perseguitato, stanco, rattristato, sfinito dall'oscurità delle sciocchezze accademiche<...>Losenko non riesce a toccarsi la mano; sarà senza dubbio distrutto. È il primo artista bravo della nazione, a questo rimangono insensibili, lo sacrificano...” L'imperatrice promise di trasferire Losenko dall'Accademia all'Ermitage, ma esitò ancora. Le forze dell'artista furono minate e non fu in grado di far fronte alla grave malattia che lo colpì.
Nel 1773, Losenko iniziò, ma non ebbe il tempo di finire, il suo secondo grande dipinto storico: "L'addio di Ettore ad Andromaca" (1773. Galleria Tretyakov). Segue costantemente i principi classicisti sia nel contenuto che nell'organizzazione artistica di tutti i suoi mezzi visivi. L'antica trama dell'Iliade di Omero, presa da Losenko per il suo lavoro, glorificava i sentimenti patriottici, la disponibilità degli eroi a sacrificarsi per il bene della patria. Questi erano gli ideali del classicismo illuminista, ai quali l'artista rimase fedele per tutta la vita.
Nel 1773, all'età di 37 anni, Anton Pavlovich Losenko morì di "mal d'acqua" e fu solennemente sepolto nel cimitero di Smolensk a San Pietroburgo.
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"L'addio di Ettore ad Andromaca"
Anton Pavlovich Losenko è chiamato il fondatore della pittura storica russa. Questo non è del tutto esatto: i primi dipinti russi su temi storici sono apparsi molto prima di Losenko. Apparentemente, intorno al 1730, sorse la "Battaglia di Kulikovo", attribuita con un alto grado di probabilità a I. Nikitin. Nel 1761-1764, M.V. Lomonosov e un gruppo di studenti lavorarono al dipinto a mosaico “La battaglia di Poltava”, in cui, quasi cento anni prima di A.A. Ivanov e K.P. Bryullov, fu fatta un'esperienza nel ricreare realisticamente il passato.
Ma il dipinto di Nikitin è unico nell’arte russa della prima metà del XVIII secolo. Né lo stesso Nikitin né i suoi immediati successori continuarono a lavorare sull'argomento storico. E il meraviglioso mosaico di Lomonosov, non compreso e non apprezzato dai suoi contemporanei, è stato letteralmente rubato dalla storia dell’arte russa. Per quasi un secolo e mezzo rimase sconosciuto a nessuno e quindi non ebbe alcuna influenza sullo sviluppo della pittura storica in Russia.
Il ruolo di fondatore, quindi, andrebbe proprio attribuito a Losenko. Segna l’inizio di una tradizione persistente e continua del “genere storico”, che si radica immediatamente nel sistema dell’arte accademica e predetermina per molti anni lo sviluppo della pittura storica russa.
All’origine di questa tradizione ci sono gli ultimi due dipinti di Losenko: “Vladimir e Rogneda” (1770) e “L’addio di Ettore ad Andromaca” (1773).
Il concetto ideologico di entrambi i dipinti si formò sulla base di quelle “idee socio-politiche e morali che si svilupparono nella cultura russa degli anni 1750-1770 sotto l'influenza delle idee della filosofia illuminista e furono incarnate in modo più vivido nella poesia e nella drammaturgia di A. Sumarokov e gli scrittori della sua cerchia.
Le idee di patriottismo e cittadinanza, dovere verso la madrepatria, servizio allo Stato, sacrificio di sé per il bene pubblico costituiscono il contenuto principale della letteratura russa avanzata di questo tempo. Sumarokov invita i poeti a “predicare la virtù” e a insegnare “l’imitazione delle grandi azioni”. Ha formulato chiaramente i compiti della pittura storica: “Il primo compito di coloro che praticano questi trucchi è rappresentare la storia della loro patria e i volti dei grandi personaggi in essa contenuti. Tali visioni moltiplicano il fuoco eroico e l’amore per la patria”.
La trama del film, che racconta il matrimonio forzato di Vladimir e Rogneda, risponde direttamente al problema del dispotismo e alle sue disastrose conseguenze poste nelle commedie di Sumarokov. Ma il primo tentativo di risolvere un argomento storico non ha avuto del tutto successo. Il dipinto “Vladimir e Rogneda” è senza dubbio inferiore al dramma storico del suo tempo in termini di forza delle immagini ed espressività dei personaggi.
Molto più significativo e artisticamente perfetto è l’ultimo dipinto di Losenko, dipinto nell’anno della morte dell’artista e rimasto in qualche modo incompiuto: “L’addio di Ettore ad Andromaca”.
La sua trama è tratta dal Libro VI dell'Iliade. Ettore, condottiero e difensore della città di Troia assediata dagli Achei, va in battaglia e saluta la moglie e il figlioletto.
Hector lasciò velocemente la casa...
Già si avvicinava, scorreva per la vasta Troia,
Alla Porta Skeian (attraverso la quale si accedeva dalla città al campo);
Là la moglie di Andromaca, correndo, si presentò all'incontro...
Lì apparve la moglie, seguita da uno dei servi
I persiani tenevano suo figlio, un bambino completamente muto,
Il loro frutto è uno, bello, come una stella radiosa.
Il padre sorrise piano, guardando in silenzio suo figlio.
Andromaca stava accanto a lui, versando lacrime;
Gli strinse la mano e disse queste parole:
“Tuo marito è fantastico, il tuo coraggio ti sta rovinando! Nessun figlio
Non ti dispiace per il bambino o per la povera madre; Presto
Sarò vedova, infelice? Argivi ci vedremo presto,
Attaccando insieme, uccideranno! e abbandonato da te, Ettore,
È meglio per me scendere a terra: non ci sarà gioia per me,
Se, toccato dal destino, mi lasci.” . .
Il famoso, scintillante Ettore le rispose:
“Tutto preoccupa nientemeno che mia moglie; ma spaventoso
Vergognami davanti a ogni Troiana e a ogni Troiana dalle lunghe vesti.
Se, come una persona timida, resto qui, allontanandomi dalla battaglia.
Il mio cuore lo proibirà; Ho imparato ad essere senza paura
È sempre coraggioso combattere per primo tra i Troiani in battaglia.
Buona gloria a tuo padre e a te stesso!
Ma possa io morire ed essere coperto dalla polvere della terra
Prima di vedere la tua prigionia e di sentire il tuo pietoso grido!”
La citazione è volutamente riportata in estratti: Losenko non ha illustrato Omero, ma ha utilizzato solo singoli motivi del grande poema, inserendovi un contenuto completamente diverso da quello rivelato nell'antica epopea greca.
Il piano di Losenko si basa sull'idea del dovere verso la patria e sull'eroico sacrificio di sé in nome della patria. L'intera soluzione dell'immagine è subordinata a questa idea. Pertanto, gran parte di ciò che era essenziale per l'Iliade semplicemente non interessava all'artista. Tutto ciò che è intimo, personale, profondamente umano, che caratterizza gli eroi di Omero, come, ad esempio, la famosa scena tra Ettore e il suo figlioletto Astianatte, non ha trovato posto nel dipinto. Rispetto agli eroi dell'Iliade, le immagini create da Losenko sembrano più astratte e sublimi, perdono la loro vitalità e versatilità e diventano esponenti di un'idea, di un sentimento.
Il disegno compositivo del dipinto mostra chiaramente l'influenza del teatro. Il paesaggio architettonico urbano su cui si svolge l'azione è costruito come un backstage, delimitando chiaramente il palco. Sullo sfondo è chiusa da un edificio semicircolare con colonne; alle sue spalle sono visibili le torri rotonde della cinta muraria esterna. La stessa forma a semicerchio si ripete nella disposizione delle figure secondarie che circondano i personaggi principali.
Entrambe le figure principali - Ettore e Andromaca - vengono portate avanti e collocate proprio al centro della composizione; si esibiscono davanti al pubblico come su un palco. A sinistra c’è un gruppo di guerrieri con uno stendardo, a destra ci sono gli scudieri che reggono l’elmo, la lancia e lo scudo di Ettore. Ma le figure minori non prendono parte all'azione. Vengono assegnati i ruoli di comparse mute. Non è nemmeno chiaro se simpatizzino con la tragica scena che si svolge davanti ai loro occhi. I guerrieri nel dipinto di Losenko costituiscono una “folla”, impersonale e passiva, alla quale si oppongono gli “eroi”.
Solo la serva, la nutrice della piccola Astianatte, piange, asciugandosi gli occhi con un fazzoletto. La divisione dei personaggi in “folla” ed “eroi” è un tratto caratteristico della pittura storica sviluppatasi all’Accademia delle arti. Qui le idee ufficiali sulla storia sono chiaramente espresse come azioni di re ed eroi, azioni alle quali la massa del popolo, la “folla”, non può e non deve prendere parte. Ciò spiega l’indifferenza dell’artista per le caratteristiche dei guerrieri. Il loro ruolo è limitato a fornire uno sfondo per i personaggi principali. Losenko non ha dato ai guerrieri, in sostanza, alcuna caratteristica: davanti a noi appaiono modelli accademici barbuti con volti tipicamente russi, vestiti con armature antiche. Tutta l’attenzione dell’artista è focalizzata sulle immagini di Andromaca ed Ettore.
L'idea dell'immagine è incarnata solo dai personaggi principali. L'influenza del teatro classico si riflette nel design delle immagini principali non meno chiaramente che nella composizione. Losenko non si sforza di dare ai suoi eroi caratteristiche psicologiche approfondite; I portatori dell'espressione sono solo la postura e il gesto. Ettore, come un attore recitante, in una posa patetica, con la mano tesa, alzando gli occhi al cielo, giura di dare la vita per la libertà di Troia.
Ma, nonostante tutta la sua artificiosità e intenzionalità, l'immagine di Ettore ha il vero potere dell'espressione artistica. È convincente perché coerente e completo nella sua convenzione. Il pathos tragico segna non solo la posa e il gesto dell'eroe, ma anche il suo intero aspetto, nobile e coraggioso, che incarna l'ideale classico della bellezza maschile. L'immagine di Andromaca è caratterizzata anche da una profonda dignità interiore. Non si lamenta né versa lacrime come Homer. Sembra catturata dallo stesso sentimento patriottico che anima Ettore. Andromaca nel dipinto di Losenko non trattiene il marito, ma lo ispira all'eroismo.
L'azione si svolge nella piazza della città, “alla Porta Skeian, prima di entrare in campo”, ma in questo Losenko segue solo le istruzioni dell'Iliade. E se nella struttura figurativa del quadro, nel contenuto e nella caratterizzazione dei personaggi, l'artista si è allontanato dalla sua fonte originale, allora in certi particolari, nei dettagli esterni e quotidiani, si allontana ancora di più dalle descrizioni di Omero.
È caratteristico che nel dipinto di Losenko Ettore, come un monarca europeo, sia circondato da scudieri e paggi, di cui non si fa menzione nella poesia. Lo storicismo del quadro è convenzionale e fantastico. Losenko non ha nemmeno provato a trasmettere il sapore storico dell'Iliade. È vero, l'archeologia del XVIII secolo non aveva dati sui tempi omerici. Ma le forme dell’architettura, la natura degli abiti e delle armi nel dipinto di Losenko non riproducono nemmeno campioni greci antichi, ma casuali, per lo più tardo romani, e sono pieni degli anacronismi più inaspettati. È abbastanza ovvio che l'artista non era affatto interessato alla questione dell'autenticità archeologica dell'immagine.
Tutto ciò si spiega, però, non solo con la mancanza di conoscenza fattuale del passato, e nemmeno con il fatto che gli uomini del XVIII secolo vedevano nell'Iliade solo una leggenda poetica, dietro la quale non c'è realtà storica. La stessa caratteristica antistoricità appare in “Vladimir e Rogneda”. Il ruolo decisivo è stato giocato dall’atteggiamento di principio che escludeva il vero storicismo. I pittori del XVIII secolo non cercavano la verità storica, perché il loro obiettivo non era ricreare il passato, ma solo incarnare l'una o l'altra idea astratta. La storia divenne, per così dire, un mezzo di allegoria.
Il dipinto di Losenko, con il suo alto sentimento patriottico e il pathos civico, rappresenta una risposta diretta alle domande poste dal pensiero sociale avanzato degli anni 1750-1770.
Ma questo non esaurisce il significato del dipinto “L’addio di Ettore ad Andromaca”.
Fu in questo dipinto che presero forma più chiaramente i principi artistici che in seguito costituirono la base di tutta la pittura storica dell'Accademia delle arti nel XVIII e nel primo terzo del XIX secolo. L’influenza diretta del sistema creativo di Losenko continuò a farsi sentire finché, già negli anni Trenta e Quaranta del XIX secolo, Karl Bryullov e Alexander Ivanov portarono la pittura storica su nuove strade.
Ucraina - 23 novembre (4 gennaio 1773, San Pietroburgo) - Artista russo, fondatore della pittura storica russa. Proveniente da una famiglia cosacca, Anton Losenko rimase presto orfano e fu mandato a San Pietroburgo, dove nel 1744-1753 studiò canto e prestò servizio nella cappella di corte. Quindi, come qualcuno che aveva “perso la voce”, ma che mostrava abilità nel campo delle belle arti, fu assegnato al laboratorio di pittura di I. P. Argunov. Dal 1758 studiò all'Accademia delle arti. Come “pensionato” dell'Accademia, visse nel 1760-65 a Parigi, dove visitò le botteghe di J. Retout e J. M. Vien. Studiò poi l'arte dell'antichità, del Rinascimento e del Barocco a Roma (1766-69). Durante il suo periodo all'estero dipinse “Una cattura meravigliosa” (1762) e “Zeus e Teti” (1769), in cui passò dal pathos retorico del barocco all'armonia compositiva più rigorosa del classicismo. Al ritorno a San Pietroburgo, espose all'Accademia delle arti una grande copia dell'“Allegoria della giustizia” di Raffaello, nonché le composizioni “Caino” (1768) e “Abele” (1769). Sebbene si trattasse solo di una copia e di due studi di modelli nudi, l’abilità qui mostrata suscitò la gioia dei suoi contemporanei, che chiamarono Losenko “il Raffaello russo”.
Losenko è entrato nella storia delle belle arti con il suo dipinto “Vladimiro davanti a Rogneda” (1770), per il quale ha ricevuto il titolo di accademico di pittura storica. Per la prima volta, il passato nazionale russo (l'episodio con il giovane principe Vladimir di Novgorod, il futuro Vladimir il Santo, che cerca la mano della figlia del principe Polotsk Rogvolod) è diventato la trama di un film così espressivo, anche se un po' ingenuamente melodrammatico, ma ancora piuttosto psicologicamente complessa, l'azione pittorica. In una speciale “Spiegazione per la pittura”, Losenko ha espresso il postulato chiave del classicismo sull’unità di luogo e tempo (“la pittura può richiedere solo un momento”). Questo momento fu scelto come l'arrivo del principe che catturò Polotsk a Rogneda e le mostrò non la ferocia di un conquistatore, ma una gentile nobiltà (come se prefigurasse il suo futuro destino come “Battista della Rus'”). Fu grazie all'esempio ispiratore di questo quadro che la storia russa in seguito occupò quasi le stesse posizioni nel sistema dei programmi accademici (cioè quelle materie assegnate agli studenti) dell'antichità greco-romana e della Bibbia.
Dal 1770 Losenko fu professore e dal 1772 direttore dell'Accademia delle arti. Ha creato molti disegni tecnicamente magnifici di modelli, le cui riproduzioni sono ancora utilizzate come sussidi didattici. Scrisse "Spiegazioni di una breve proporzione di una persona, basate su uno studio affidabile delle varie proporzioni delle statue antiche ... a beneficio dei giovani che praticano il disegno, pubblicate" (1772). Nel 1773 iniziò a lavorare su "L'addio di Ettore ad Andromaca", e qui mostrò il talento di un compositore e colorista pateticamente ardente, ma la morte gli impedì di completare l'opera. La sua eredità comprende anche una serie di ritratti classici espressivi, tra cui il più famoso è il ritratto dell'attore F. G. Volkov (1763); il fondatore del primo teatro professionale russo è qui presentato in una posa vivace e “parlante”: come se discutesse con lo spettatore della sua arte preferita, tiene in una mano una finta corona dorata e nell'altra una maschera.
Anton Pavlovich Losenko(1737-1773) nacque in una famiglia cosacca nella città di Glukhov, l'antica capitale della riva sinistra dell'Ucraina sulle pittoresche rive dell'Usman, residenza degli hetman e del Piccolo Collegium russo. All'inizio del XVIII secolo Glukhov superò Kiev nella bellezza della sua architettura e del paesaggio. Nel 1738 vi fu aperta una famosa scuola di canto, che formava cantanti per le esigenze dei piccoli cori russi e della cappella di canto di corte. Losenko fu mandato nella stessa scuola. Nel 1744 fu scelto per la cappella di corte e inviato a. Alla corte dell'imperatrice Elisabetta Petrovna, il cantante di sette anni cantava antichi canti e nuovi concerti, e nella cappella ricevette una seria educazione musicale, suonando il flauto. Ma, sottraendo ore al canto e agli studi musicali, Losenko studiò disegno a proprie spese dal pittore Olkhovsky. Nel 1753, Losenko, che aveva perso la voce, fu apprendista del famoso pittore Ivan Argunov, e l'anno successivo i disegni di Losenko (copie da stampe) furono mostrati all'imperatrice Elisabetta. La successiva educazione di Losenko e dei suoi due amici fu pagata dal tesoro dello Stato. Cinque anni e mezzo dopo, nell'autunno del 1758, Argunov diplomò i suoi studenti con un certificato. Insieme alla recensione, furono inviate all'imperatrice anche le opere degli studenti di Argunov. Tra questi ci sono tre ritratti e un dipinto su un tema biblico, realizzato da Losenko. I ritratti rimasero nel palazzo e la loro traccia fu persa, e il dipinto "Tobius con un angelo", restituito ad Argunov, è ancora nella Galleria Statale Tretyakov. A questo punto, l'Accademia delle arti aveva aperto a San Pietroburgo. Era amministrativamente collegato con l'Università di Mosca e ufficialmente si chiamava "Mosca", poiché si presumeva che sarebbe andato a Mosca, e a San Pietroburgo si sarebbe espansa la vecchia Accademia delle Arti, formata nei decenni precedenti presso l'Accademia delle Scienze. Ma negli anni successivi divenne chiaro che la nuova scuola d’arte era più praticabile.
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Tobio con un angelo (1759)
Losenko fu assegnato come apprendista all'Accademia “di Mosca” nel dicembre 1758 e lavorò per qualche tempo insieme a professori francesi invitati a San Pietroburgo da Ivan Ivanovich Shuvalov. Alla fine del 1760, Shuvalov inviò a Parigi i primi pensionati dell'Accademia: Anton Losenko e l'architetto Vasily Bazhenov. Ma anche prima di partire, il giovane artista dipinse diversi ritratti, affermandosi come ritrattista di talento. Queste erano immagini di persone vicine a Losenko, legate a lui da un comune amore per l'arte: il poeta A.P. Sumarokov, l'attore Ya.D. Shumsky e I.I. Shuvalov. In una canotta dorata e un'uniforme verde scuro, in ordini, pizzi e nastri con una lettera in mano, Shuvalov si siede al tavolo, guardando con gentilezza e distrazione l'interlocutore a noi invisibile, come se sospendesse le parole a lui rivolte con un gesto gentile. L'aspetto del nobile è molto imponente e pieno di dignità. L'artista tratta il suo modello con profondo rispetto. Sì, questo è lo stesso leggendario sovrano senza corona della Russia, favorito dell'imperatrice Elisabetta, filantropo, amante delle arti e delle scienze, amico degli artisti e del grande Lomonosov.
Ritratto del presidente dell'Accademia delle arti I.I. Shuvalov (1760)
Non meno interessante è il ritratto di Sumarokov. Famoso poeta e recentemente aiutante del conte A.G. Razumovsky, Sumarokov fu in questi anni il direttore del Teatro russo fondato nel 1756. Losenko crea un'immagine con un suono completamente diverso. Un uomo pallido e stanco con un elegante mantello blu scuro fissa su di noi uno sguardo acuto e penetrante dal ritratto. La fronte alta è calma, ma la sofferenza è nascosta nella piega delle sopracciglia, e l'ironia e l'amarezza sono nascoste nella piega della bocca. Il ritratto fu dipinto dopo il divieto della rivista “Hardworking Bee”, pubblicata da Sumarokov nel 1759. Il sottile ritratto psicologico scritto da Losenko rivela il dramma del poeta, sottolineando la vulnerabilità e l’insicurezza della sua natura sincera.
Ritratto del poeta e drammaturgo Alexander Petrovich Sumarokov (1760)
Il ritratto dell'attore Yakov Danilovich Shumsky è meno complesso nel concetto, forse perché l'attore è stato interpretato in un ruolo della commedia "The Players". La brillante individualità dell’aspetto del famoso comico ha facilitato il compito del pittore. Indossa un cappello di pelliccia e una veste di velluto bordata di pelliccia, tiene in mano un grosso libro, ci guarda maliziosamente. E non si possono dimenticare quelle sopracciglia scure alzate, un sorriso sobrio e uno sguardo beffardo da sotto le palpebre pesanti. L'immagine di Shumsky sembra incarnare la sete di illuminazione e l'amarezza della conoscenza, il libero pensiero e il profondo scetticismo che contraddistinguono il XVIII secolo.
Ritratto dell'attore YaD Shumsky (1760)
Tutti e tre i ritratti sono simili nelle tecniche artistiche e nello stile pittorico. Su uno sfondo scuro e opaco, i volti brillano dolcemente, facilmente modellabili con ombre blu-grigiastre. La tavolozza fioca della pittura gravita verso toni freddi e scuri. La forma è morbida e delicatamente scolpita con un pennello. La differenza sta nel contatto artistico e spettatore con la modella. Shumsky e Sumarokov ci chiamano dal profondo dei secoli, come se ci trasmettessero i loro dubbi e pensieri. Shuvalov, al contrario, è distaccato e riservato. Il suo ritratto contiene solo le caratteristiche più semplici.
Anton Losenko lasciò la Russia non come studente, ma come maestro che aveva trovato il proprio sistema di immagini, il proprio linguaggio pittorico, visione del mondo individuale e acutezza di visione, ma Losenko ora cercava altre conoscenze. In Russia non esisteva ancora una scuola storica nazionale di pittura; dovette posare la prima pietra di un grande edificio.
Alla fine degli anni Cinquanta del Settecento. L'avanguardia della scuola accademica francese era rappresentata da un gruppo di giovani pittori e scultori, precursori del neoclassicismo emergente. Questi erano i recenti pensionati dell'Accademia di Francia a Roma: Vienne, Chall, Le Lorrain e Gillet. Gli ultimi due accettarono l'invito dell'Accademia “Mosca” per lavorare a San Pietroburgo. All'arrivo a Parigi, Losenko fu assegnato alla bottega del direttore dell'Accademia reale, Jean Retout, uno degli ultimi successori dell'arte barocca di Le Brun. Le composizioni religiose di Retu, che avrebbe dovuto insegnare allo studente russo i segreti della pittura storica, colpirono i suoi contemporanei come un anacronismo. Ma i suoi ritratti avevano un valore incondizionato. La comunicazione con Retu, il ritrattista, fu vantaggiosa per Losenko e influenzò le sue opere negli anni successivi. Ma Retu non riuscì a migliorare il pensionato russo nel disegno accademico, così necessario per un pittore storico, perché lui stesso non era un buon disegnatore. La composizione mitologica “Nettuno sulle acque”, raffigurante il dio dei mari su un carro, risale al periodo degli studi di Losenko con Retu. Riempita con carboncino e gesso in modo morbido e pittorico, la composizione è decisamente dinamica e un po' sovraccarica. Tutto ciò indica che Losenko, mentre lavorava al progetto, era in balia delle norme estetiche dell'arte barocca, che adottò da Retu. Le tendenze antiche entrarono nell'arte francese tutt'altro che indolore. La metà del secolo fu segnata da un'intensa lotta tra i principi dell'arte barocca e il neoclassicismo emergente. Ciò ha determinato la complessità della creatività dei maestri del periodo di transizione.
Nettuno sulle acque
L’opera più grande di Losenko, completata nel laboratorio di Retu, è stato il dipinto “Wonderful Catch”. La storia del Vangelo su come gli apostoli e i pescatori catturarono moltissimi pesci per volontà di Cristo fu più volte utilizzata come soggetto per i loro dipinti da artisti europei. Gli antichi maestri ricorsero al prestito di soggetti di altre persone per attivare l'energia creativa e assimilare le tradizioni. L'interpretazione di Losenko della storia del Vangelo è morbida e lirica. Cristo si rivolge agli apostoli con un gesto tranquillizzante. Losenko rivela l'essenza della parabola evangelica in modo più profondo e umano. L’idea di tranquillità è enfatizzata dalla tonalità morbida del dipinto, un vibrante bagliore di rosa, arancione e blu su uno sfondo bruno-olivastro.
Presa meravigliosa (1762)
Il primo lavoro significativo del pensionato fu accolto molto favorevolmente a San Pietroburgo. L’assemblea accademica, riconoscendo i meriti del disegno, della composizione e del colore del dipinto, nonché il talento del suo autore, ha presentato una petizione per la possibilità di estendere gli studi di Losenko in accademie straniere. A questo punto in Russia aveva avuto luogo un colpo di stato, a seguito del quale Caterina II salì al trono nel giugno 1762. I. I. Shuvalov fu presto mandato in esilio segreto all'estero. Ai pensionati accademici è stato ordinato di tornare in Russia per rivedere i loro progressi e decidere il loro destino futuro. Arrivato a San Pietroburgo alla fine di dicembre 1762, Losenko regalò al consiglio il dipinto “A Wonderful Catch” che aveva dipinto a Parigi. I suoi successi furono approvati. Dopo aver vissuto per diversi giorni nella capitale, Losenko andò con un rapporto sulle sue fatiche a Mosca, dove allora si trovava la corte in occasione dei festeggiamenti per l'incoronazione di Caterina II. Shuvalov presentò all'imperatrice i dipinti e i disegni del suo pensionato. "Wonderful Catch" piacque e fu acquistato per l'Hermitage, e Losenko ottenne il permesso di continuare i suoi studi a Parigi.
A Mosca, l'artista ha dipinto un ritratto di Fyodor Grigorievich Volkov, creando una delle migliori opere della ritrattistica russa della metà del XVIII secolo. F.G. Volkov, il fondatore del teatro nazionale russo, non era solo un meraviglioso attore tragico, ma anche uno straordinario pittore, musicista di talento e poeta. Le lezioni di Retu non furono vane. Rispetto alle opere del 1760, il ritratto di Volkov affascina con la sua plasticità, le forme coniate, il contrasto attivo della seta verde chiaro dell'abito con il velluto rosso del mantello, e soprattutto l'apertura spirituale e il contatto fiducioso tra la modella e l'artista . La calma tenerezza di uno sguardo intelligente, la dignità e la chiarezza di un'anima pura costituiscono il fascino principale della rappresentazione del grande attore.
Ritratto dell'attore Fëdor Grigorievich Volkov (1763)
Ritratto del granduca Pavel Petrovich da bambino (1763)
Il 29 luglio 1763 Losenko lasciò San Pietroburgo, diretto di nuovo a Parigi. Questa volta non aveva fretta, esaminando attentamente le attrazioni delle città tedesche, e dopo un viaggio di due mesi entrò nella capitale della Francia solo il 6 ottobre. Subito dopo il suo arrivo, Losenko dipinse un ritratto di L. Genninger, segretario dell'ambasciata russa a Parigi. La tela cerimoniale, magistralmente dipinta, in linea con le tradizioni dello stravagante stile rococò, è uno dei capolavori di Losenko. In un soggiorno lussuosamente arredato, su uno sfondo di lussureggianti tendaggi, dipinti e statue, un giovane siede, guardando lo spettatore con un sorriso arrogante. Con la mano sinistra tiene i libri disposti su un elegante tavolo con gambe dorate, e con la mano destra tiene una tabacchiera dorata. Il luccichio della doratura, lo splendore della seta leggera della veste e della canotta gialla, i pantaloni rosa e il tono blu intenso della tenda di velluto: tutto si fonde in una combinazione di colori raffinata ed elegante. Non sapendo nulla di ciò che viene raffigurato, crediamo che davanti a noi ci sia una persona illuminata, poiché è circondato dagli attributi delle scienze e delle arti. Questo ritratto cerimoniale, che non ha paralleli nell’opera di Losenko, completa sostanzialmente l’eredità ritrattistica dell’artista. Incoraggiato dal nuovo presidente dell'Accademia, I.I. Betsky, Losenko venne a Parigi per diventare un pittore storico.
Ritratto di L. Genninger (schizzo) (1760)
Il suo ex maestro Retu era ormai diventato cieco e con lui si era estinto il movimento artistico che coltivava le tradizioni dell'arte barocca. Nel dicembre 1763, Losenko iniziò a studiare con Joseph Vien, un rinomato artista-insegnante, un notevole disegnatore, uno dei fondatori di una nuova direzione nell'arte francese, in seguito chiamata neoclassicismo e che nacque sotto l'influenza di idee sviluppate alla vigilia di la rivoluzione borghese francese. L'emergere dell'interesse per l'antichità in Francia negli anni Cinquanta del Settecento. legato ai primi scavi di Ercolano e Pompei, alle ricerche archeologiche del conte Caillo, che per primo diede fondamento scientifico all'archeologia. Vienne divenne la creatrice di un nuovo tipo di scuola d'arte, dalla quale uscirono i maestri che fecero la gloria della scuola francese. Sosteneva che l'essenza dell'arte risiede nell'imitazione della natura. E, nel tentativo di abituare i giovani artisti allo studio della natura, introduce nel suo laboratorio il lavoro con una modella nuda per tre giorni alla settimana. Nel 1764-1765, disegnando sistematicamente dalla vita nello studio di Vienne, Losenko creò un numero enorme di disegni in cui si manifestava chiaramente l'influenza di nuove visioni estetiche. Fu durante questo periodo che si verificò una svolta nell'opera del disegnatore Losenko, segnata da un cambiamento nelle consuete tecniche stilistiche, da un approccio diverso e razionalistico alla natura e, non meno importante, dall'uso di nuove tecniche tecniche e dall'uso di nuovo materiale. In questo momento apparvero i fogli, eseguiti con una tecnica così caratteristica dei lavori successivi: matita di grafite su carta preparata grigia e blu.
I fogli più perfetti di questo gruppo di disegni includono l'immagine di una modella inginocchiata. Questa è la prima rappresentazione a grandezza naturale di una modella nuda nell'arte russa. Usando mezzi grafici espressivi estremamente scarsi, Losenko incarna il tremore vivente del corpo e sembra trasmettere il colore stesso della pelle, la lucentezza dei capelli dorati, la curva delle labbra lussureggianti e il dolce splendore dello sguardo. Le ombre sono delicatamente delineate con sfumature leggere e sottili, e la linea di contorno impeccabile e affilata è così espressiva che solo questo contorno ti permette di sentire il volume vivente e il peso terreno di un corpo armoniosamente bello. Il disegno è ritratto. I tratti del viso sono così individualizzati, così unici e originali, che puoi trovare questo modello in altre opere. Nel famoso disegno di Losenko "At the Cradle" vediamo lo stesso modello: una donna bionda con un naso leggermente grande, sopracciglia sottilmente definite, quasi dritte, una caratteristica curva delle labbra, un mento arrotondato, con la stessa espressione infinitamente morbida e gentile e lo sguardo mite.
Modello (1764-1765)
Alla culla (1764-1765)
Durante i suoi anni in pensione a Parigi, Losenko ha ricevuto tre volte medaglie d'argento dalla Royal Academy. Nel 1761, mentre era ancora allievo di Retu, fu premiato per la composizione “La morte di Socrate”. Nel 1763, mentre lavorava nella bottega di Vienne, ricevette una seconda medaglia d'argento per un disegno su un tema della storia romana, "Cleobis e Bitone che portano la madre al Tempio di Giunone". Nel 1765, per lo schizzo "Tullio guida il suo carro sul corpo di suo padre, il re Servio Tullio", Losenko ricevette la prima medaglia d'argento. I bozzetti rimasero in Francia e andarono perduti negli archivi dell'Accademia, perdendone forse la paternità. Nel 1764 Losenko tentò addirittura di prendere parte al concorso per il Gran Premio, che gli avrebbe dato il diritto di ritirarsi in Italia. Ha presentato uno schizzo ma, essendo straniero, non è stato incluso nel concorso. Era "La morte di Adone" - un dipinto raffigurante la triste dea dell'amore chinata sul suo amante ucciso durante una caccia, circondata da amorini piangenti. Nello stesso anno Losenko dipinge diversi studi dalla vita a olio, dimostrando un'eccellente conoscenza della struttura del corpo umano e la perfezione della sua modellazione plastica, oltre a una piccola tela "Sant'Andrea il Primo Chiamato", che è essenzialmente uno studio dalla vita.
Morte di Adone (1764)
Andrea il Primo Chiamato
Modello seduto su una pietra
L’ultima opera di Losenko nello studio di Vienne fu il dipinto “Il sacrificio di Abramo”, dipinto nel 1765. La Bibbia racconta come ad Abramo fu ordinato di sacrificare suo figlio Isacco come prova di vera fede e devozione. Dio non permise il sacrificio e all'ultimo minuto l'angelo ritirò la mano di Abramo, che era già alzata sul ragazzo. Losenko ha interpretato questa trama drammatica con un'espressione sorprendente e una perfezione professionale. L'immagine è composta magistralmente. Il maestoso patriarca biblico, drappeggiato in tessuti verde pallido e bluastri che cadono in pieghe di plastica, distoglie lo sguardo con orrore dalla sua umile vittima: il corpo pallido di Isacco, disteso su una catasta di legna preparata per il fuoco sacrificale. Sopra di loro, come dall'apertura del firmamento celeste, apparve un angelo. Il duello di gesti e di sguardi sul fragile giovane è espressivo: lo stupore, che non ha ancora cancellato la dolente determinazione, è sul volto di Abramo, l'orrore della sorpresa è nel gesto teso della mano sinistra e nello sguardo severo del messaggero di cielo, l'inflessibilità del suo comportamento. La mancanza di volontà di Isaac, il suo corpo fragile e la ciocca cadente di riccioli bianchi, come se la vita si fosse congelata in lui, sottolineano solo la tensione di ciò che sta accadendo sopra di lui. Il disegno e la fedeltà anatomica delle figure sono impeccabili, i dettagli sono affinati, anche le pieghe dei tessuti sono espressive e sollevate in un modo nuovo, i volti sono scolpiti con sicurezza e plastica. La combinazione di colori si basa su toni chiari e freddi: oliva dorata e verde bluastro. C'è solo un dettaglio sorprendente: i vestiti scartati di Isaac. Il dipinto riflette le tendenze opposte nell'arte del tempo di transizione: echi dello stile barocco uscente in maggiore espressione e nuove tendenze del classicismo: la semplicità e la verità dell'incarnazione della natura.
Sacrificio di Abramo (1765)
Nel settembre 1765, "Il sacrificio di Abramo" fu inviato a San Pietroburgo, e anche prima un altro rapporto creativo fu inviato all'Accademia - "Un diario di opere notevoli di pittura e scultura che ho notato mentre ero a Parigi" (dopo Losenko , tali rapporti iniziarono ad essere compilati da tutti i pensionati russi all'estero). Losenko ha elencato in dettaglio tutte le meravigliose opere conservate nelle chiese e nei monasteri di Parigi, nei palazzi e nelle dimore private, nell'Accademia, nelle biblioteche e nei palazzi suburbani. Le note rivelano involontariamente l’atteggiamento dell’artista nei confronti delle opere dei maestri, sebbene Losenko cerchi di essere imparziale nella sua escursione attraverso le collezioni di dipinti e statue. Ma in alcuni casi nomina solo l'autore, in altri ripete epiteti monotoni, in altri trova vivide caratteristiche professionali dei meriti delle opere. E se provi a distribuire i pittori su questa scala, si scopre che Losenko non apprezzava molto, ad esempio, il lavoro della sua insegnante Vienne. L'attenzione particolare di Losenko è stata attirata dalle opere di Rubens, Rembrandt e Lebrun. Raffaello e gli accademici bolognesi (i fratelli Carracci), che tanto lo avrebbero affascinato a Roma, non avevano ancora affascinato il giovane artista.
1 dicembre 1765 Losenko lascia Parigi, diretto a Roma. Ma prima di lasciare Parigi, chiede rispettosamente all'Accademia di San Pietroburgo il permesso di prolungare la sua permanenza in Italia. L'Accademia Russa ha risposto alla richiesta del suo pensionato e gli ha permesso di rimanere in Italia per tre anni. Circondato in Francia dall'atmosfera del classicismo emergente, all'arrivo a Roma Losenko si dedicò allo studio dell'arte antica e all'eredità dei maestri che canonizzarono le tradizioni del Rinascimento. La comprensione creativa dell’antichità e la percezione attiva di nuove idee estetiche determinarono la formazione di tendenze classiciste nelle opere di Losenko del periodo romano. Il suo lavoro a Parigi si è basato su un programma specifico proposto dai suoi leader. A Roma divenne pensionato indipendente. Fu durante il periodo della creatività romana che apparvero le migliori opere di Losenko, il fondatore del classicismo russo.
In Italia, l'artista ha incontrato vecchie conoscenze e stretto nuovi amici. Il conoscente di lunga data di Losenko, I. I. Shuvalov, a quel tempo si era stabilito a Roma per molto tempo. Tra loro rimasero contatti d'affari e amichevoli finché Losenko non partì per la Russia. Consegnò le sue opere a Shuvalov per inviarle all'Accademia di San Pietroburgo, e Shuvalov fornì all'artista la somma necessaria per tornare in patria quando l'Accademia tardò a inviare i soldi. Tuttavia, per tutta questa attenzione, Losenko ha generosamente ripagato Shuvalov, offrendogli un'idea che gli ha portato il riconoscimento dei suoi discendenti e degli amanti dell'arte contemporanea. Shuvalov, mentre era a Roma, decise di fornire all'Accademia delle arti di San Pietroburgo calchi di famose statue antiche. Per fare questo chiese a Papa Pio VI il permesso di rimuovere le forme dalle migliori statue di Roma, Firenze e Napoli. Per conto della corte russa, riuscì a ottenere ciò che prima era stato negato a uno dei monarchi europei. Shuvalov inviò stampi fusi da oggetti d'antiquariato a San Pietroburgo, arricchendo così notevolmente l'Accademia. Infatti, fino ad oggi, i calchi antichi non servono solo come strumento per disegnare. Ma questa meravigliosa idea non apparteneva a Shuvalov. Chi, se non Losenko, avrebbe conosciuto gli aiuti più necessari per migliorare le capacità degli artisti. Dopotutto, per il primo anno e mezzo della sua permanenza a Roma, l'artista si occupò principalmente di disegnare da statue antiche, e l'anno successivo (fino alla primavera del 1768) dipinse da dipinti famosi per migliorare l'abilità della composizione, studiare l'espressione delle passioni, l'espressione dei volti e delle figure, la varietà delle pose e la bellezza dei panneggi. Losenko porta la sua eccellente conoscenza della natura vivente nell'interpretazione delle statue antiche, motivo per cui le antichità nei suoi disegni acquisiscono una sorprendente vitalità. Vede negli oggetti d'antiquariato non un esempio ideale, ma una natura catturata da un artista antico. Attingendo ai dipinti dei maestri bolognesi, Losenko non solo ha compreso le capacità professionali di questi artisti, ma ha cercato di comprendere i loro principi di trasformazione della natura in immagini artistiche. I lavori educativi di Losenko furono completati con ottimismo. Il linguaggio grafico dell'artista, pur mantenendo la sua precedente morbidezza, libertà e sicurezza, acquisisce una speciale ampiezza di gamma e virtuosismo. Tra i migliori fogli del periodo italiano figurano due disegni di una statua equestre di Marco Aurelio. Sono realizzati in modo chiaro, con una linea cesellata e precisa. C'erano diversi disegni di questo antico monumento. È noto che l'artista ne donò successivamente alcuni a E.-M. Falconet.
A Roma l'artista era circondato da altri artisti venuti qui da diversi paesi. Losenko e il suo amico, l'architetto I.E. Starov, entrarono a far parte di una ristretta cerchia di artisti giovanili internazionali provenienti dagli stati tedeschi, Danimarca e Inghilterra. Gli artisti copiarono Raffaello, insieme ad altri pensionati dipinsero dall'antichità, e durante le vacanze viaggiavano tutti alla periferia della “città eterna”. Questi ricordi possono essere illustrati con il disegno “Viaggiatori”. Diversi giovani, riuniti tra le rovine romane, ascoltano la lettura di una guida, osservando le antichità che li circondano. Il disegno incarna le aspirazioni classiciste dell’artista: i ritmi calmi della composizione, il suo equilibrio, i contorni chiari e le linee morbide e, soprattutto, la pace e la maestosa semplicità della trama.
Viaggiatori a Roma (I Viaggiatori) (1767)
Losenko ha eseguito meticolosamente il programma di allenamento pianificato per se stesso. E nel marzo 1768 informò l'Accademia di aver iniziato a dipingere figure accademiche ad olio di altezza umana. Queste opere furono precedute da una scuola naturale così seria e profonda che ci si poteva aspettare opere perfette. E così è successo: due tele con immagini del soggetto non sono affatto opere educative. E non per niente questi dipinti hanno acquisito nomi che non erano previsti dall'artista. Si chiamavano “Caino” e “Abele”, combinando entrambe le tele in un tutt’uno. In effetti, non fu forse la tragedia biblica che si abbatté su di loro? L'uomo che cadde supino, con il volto distorto dall'agonia, premendosi la mano sulla testa, non era forse Abele, innocentemente ucciso da suo fratello? E l’altro, indietreggiando con orrore e confusione, allontanando il fantasma della punizione – non è forse Caino, il fratricida? L'espressione luminosa delle teste e l'espressività plastica delle figure - un possente corpo di bronzo, appena coperto da un mantello verde, e un altro, non meno bello, ma già pallido, disteso su un panno rosso, che simboleggia il sangue versato - hanno trasformato il modelli sconosciuti nei figli di Adamo.
Abele (1768)
Caino (1768)
Le opere stupirono i connazionali con un'abilità senza precedenti. I dipinti accademici di Losenko, con il loro disegno impeccabile, l’accuratezza anatomica e la spiritualità dell’incarnazione dell’uomo, percepiti attraverso il prisma della conoscenza dell’antichità e della percezione sensoriale della natura, rimasero per lungo tempo un esempio insuperabile nell’arte russa. Losenko avviò anche la creazione di un fondo nazionale di copie esemplari di famosi capolavori del Rinascimento. La "Giustizia" di Raffaello da lui copiata gli portò grande fama.
Dopo aver inviato le sue opere a San Pietroburgo tramite I. I. Shuvalov, Losenko iniziò a dipingere "Zeus e Teti" nel 1768, chiedendo all'Accademia il permesso di rimanere a Roma fino alla primavera. In sette mesi completò uno dei suoi migliori dipinti. L'Iliade di Omero racconta come la dea del mare Teti salì sull'Olimpo e si inginocchiò alle ginocchia di Zeus, il signore degli immortali, implorando vendetta sul re Agamennone per aver insultato suo figlio Achille. La composizione poetica di Losenko era incarnata in immagini liriche e cantava amore e tenerezza. Il maestoso e bellissimo sovrano del cielo si inchina con simpatia alla dea e con amore sconfinato guarda colei che non è diventata sua moglie solo perché il figlio di Teti avrebbe dovuto superare suo padre in potere (e poi Zeus spaventato diede il suo prescelto una come moglie del re Peleo). Ma anche adesso il Tuono è pieno di una tenerezza senza precedenti e il suo gesto dice che è pronto a gettare tutti i regni della terra ai piedi di Teti. E il bel volto della dea risplende di commovente fiducia e speranza. E il tocco delle sue mani è leggero e riverente. Il duetto lirico affascina con la melodia delle linee, la loro flessibilità, accuratezza e melodiosità. L'armonia degli abiti rosa pallido e giallo oliva di Teti e del mantello infuocato di Zeus esalta il suono del tema. La foschia verdastra dello sfondo è schiarita dallo splendore dorato versato attorno alla testa del sovrano dell'Olimpo e dal riflesso rosato dei fulmini catturati dagli artigli dell'aquila. La creazione di Losenko, che riassumeva le sue aspirazioni alla pensione, segnò la nascita del classicismo russo, uno dei rami del movimento avanzato dell’arte europea del XVIII secolo.
Zeus e Teti (1769)
Il dipinto “Zeus e Teti” non è in alcun modo inferiore alle migliori creazioni degli araldi del nuovo stile. Nel 1769 Losenko andò in Russia. Il viaggio di quattro mesi dall'Italia alla Russia si svolse lungo la rotta: Roma - Napoli - Firenze - Bologna - Venezia, perché Losenko credeva che Roma e i famosi maestri romani dell'Alto Rinascimento potessero insegnare solo disegno, composizione ed espressione. La naturalezza e l'armonia del colore, così come la padronanza del chiaroscuro, avrebbero dovuto essere apprese dai veneziani. La lezione dei veneziani si rifletterà soprattutto nel dipinto dipinto a San Pietroburgo e che completò il percorso creativo dell’artista.
L’Accademia delle Tre Nobili Arti (come cominciò a essere chiamata durante l’assenza di Losenko) accolse il suo primo pensionato con il massimo favore. Motivo principale dell’avviamento furono i dipinti dell’artista “Caino”, “Abele” e “Giustizia” (da Raffaello), già esposti nelle sale e guadagnandosi l’ammirazione degli esperti e del grande pubblico. Questo era lo stesso bagaglio da pensionato che l'artista portò a San Pietroburgo nel 1769. Subito dopo il suo arrivo, Losenko fu riconosciuto come "nominato" accademico. Ma per ottenere questo titolo, secondo il regolamento, era necessario dipingere un quadro secondo il programma stabilito dal consiglio accademico. L'Accademia ha proposto un tema preso in prestito dalla Storia dell'antica Russia di Lomonosov. Raccontava come il principe Vladimir, essendosi stabilito sul trono di Novgorod, inviò messaggeri al principe di Polotsk Rogvold affinché gli desse in matrimonio sua figlia Rogneda. Ma Rogneda rifiutò di diventare la moglie di Vladimir. Irritato dall'orgogliosa risposta, Vladimir catturò Polotsk, uccise Rogvold e i suoi due figli e costrinse Rogneda a sposarsi. Losenko non era soddisfatto di un programma così dettagliato, ma si è rivolto alla Cronaca di Nestor per scoprire i dettagli della trama e il suo ulteriore sviluppo. Sono stati conservati estratti della cronaca, scritti a mano da Losenko, così come una spiegazione della trama, compilata dallo stesso artista. Losenko interpreta il programma come una rappresentazione del primo appuntamento di Vladimir con Rogneda, il primo incontro del vincitore con il prigioniero. L'amore e il pentimento di Vladimir sono diventati il fulcro dell'interpretazione della trama. Con simpatia e richiesta di perdono, il giovane principe si inchina davanti al pallido mortale Rogneda, sopraffatto da una disperazione senza speranza. La tensione del momento è enfatizzata dall’indifferenza dei soldati che accompagnarono il principe alla torre di Rogneda, e dal dolore dei servi della principessa. Il pathos dell'amore e della sofferenza è incarnato anche dalla combinazione di colori del dipinto, dal contrasto dei toni rosso e dorato, olivastro e marrone. La condensazione delle emozioni e l'intrattabilità del conflitto morale sono espresse dalla ristrettezza dello spazio chiuso assegnato ai personaggi del quadro, dal loro enfatizzato raggruppamento compatto e dalla pesante massa dei due pilastri che incombono su Vladimir.
Vladimir davanti a Rogneda (1770)
In una certa misura, in questo quadro l’artista si è allontanato dalle conquiste classiciste. La nobile semplicità e la calma grandezza di “Zeus e Teti” furono sostituite dalle dinamiche tempestose e dalla tensione così caratteristiche dell’arte barocca. Eppure “Vladimir davanti a Rogneda” non è una ripetizione di quanto già fatto. L'arcaicità della forma artistica è una nota concessione al gusto allora dominante in Russia. Questo dipinto divenne l'inizio della scuola russa di pittura storica. E lascia che gli antichi costumi russi e la decorazione della torre siano convenzionali: anche i suoi contemporanei rimproverarono Losenko per la sua teatralità. L'artista, infatti, ha utilizzato costumi teatrali presi in prestito dalle produzioni del teatro di corte. Il famoso attore I.A. Dmitrievskij servì da modello per Vladimir, i lineamenti del suo ritratto furono impartiti all'aspetto del principe. Lo stesso Losenko era profondamente consapevole della mancanza di informazioni storiche sulle antichità russe. Eppure, il costume di Rogneda e soprattutto l'ancella in primo piano sono disegnati con motivi russi, così come l'abbigliamento del guerriero barbuto e del contadino con un cappello a tre pelli, raffigurato sullo sfondo a destra.
Gli schizzi sopravvissuti di teste femminili per il dipinto riecheggiano i suoi disegni tratti da dipinti di maestri bolognesi. Questo definisce la loro astrazione ideale. Le immagini del guerriero e del contadino sono interpretate diversamente. Losenko realizzò diversi studi sulla vita per le loro teste, utilizzando semplici contadini come modelli. Tra i fogli disegnati a matita su carta grigia tinta nel 1769-1770, gli studi sulle teste di guerrieri e contadini sembrano autentici capolavori della classe europea. Hanno sintetizzato i più alti risultati di Losenko come disegnatore: un tratto sottile e leggero, espressività del contorno, modellazione morbida con tratti leggermente sfregati e profonda spiritualità dell'immagine. È estremamente significativo che il tipo di guerriero con l'elmo e di contadino con un cappello di pelliccia sia più pieno di sentimento e sottile, persino più lirico nei disegni che nel dipinto. I disegni contengono un ritratto complesso e sfaccettato, la comprensione dell’identità nazionale e le qualità spirituali del modello, che trasmettono sottilmente nobiltà e sublimità di sentimenti, non ancora visti dai contemporanei dell’artista. Nel film la caratterizzazione del contadino e del guerriero è un po' impoverita, limitata da un'attenzione fredda e indifferente a quanto sta accadendo.
Testa di contadino (1770)
Per il dipinto “Vladimir davanti a Rogneda” Losenko ricevette il titolo di accademico e cinque giorni dopo fu promosso da professore associato a professore. E un artista di trentatré anni nel pieno del suo talento e della sua forza, un uomo altamente nobile, coscienzioso e scrupolosamente onesto, Losenko abbandonò i suoi progetti creativi, mise da parte i suoi progetti maturi e si dedicò interamente all'educazione della gioventù. . Si affrettò a trasmettere ai suoi studenti il testimone dell'abilità ricevuta dagli antichi maestri e tratta da esempi di arte antica. Lavorando con loro nel corso del gesso, li guida lungo il suo percorso. Ha compilato una breve guida allo studio dell'anatomia chiamata An Exposition of Human Proportions at a Glance. Consisteva di tre fogli incisi: testo (in russo e francese) e due immagini esemplari di una testa maschile e di una figura di fronte e di profilo, che indicavano rapporti proporzionali. Sotto la supervisione di Losenko, i disegni del professore furono incisi dal suo studente Gavriil Skorodumov. Anche il più debole degli accademici che adottarono le tradizioni di Losenko alla fine del XVIII secolo brillano di un disegno eccellente. L’enorme talento di Losenko non è stato negato dai suoi contemporanei. Ma le responsabilità pedagogiche e amministrative che gli furono assegnate lo distolsero quasi completamente dalla creatività e accelerarono la sua morte.
Nel 1771, gli affari amministrativi e artistici dell'Accademia erano arrivati a un vicolo cieco - ciò si rifletteva nella palese negligenza del presidente, I.I. Betsky, che lasciò l'economia accademica senza controllo. Alla carica di direttore furono nominati il rettore aggiunto Gillet e il professor Losenkov. Con la sua consueta coscienziosità, Losenkov ha approfondito l'esame degli affari accademici trascurati e ha compilato un elenco dettagliato di carenze, omissioni e deviazioni dai regolamenti. A proposito, ha sollevato la questione dell'organizzazione della collezione accademica di dipinti, del restauro delle opere e della compilazione di un catalogo del museo. Preoccupazioni e problemi caddero come una valanga su Losenko (Gillet, che non conosceva il russo, non poté aiutarlo in modo significativo). Nel frattempo, l'imperatrice diede all'artista un ordine di dipinti, che non poté soddisfare. Durante questo momento difficile per Losenko, ha trovato un difensore che ha fatto tutto il possibile per aiutare il meraviglioso maestro a liberarsi dal lavoro massacrante e tornare alla creatività. E non è colpa sua se gli aiuti sono arrivati in ritardo. Era E.M. Falcone. Usando i suoi contatti d'affari, si avvicinò a Caterina II. Lo scultore fu invano ingannato dalla gentilezza di Caterina. La questione si limitava alle conversazioni.
L'artista non poteva sopportare la lotta crudele, le preoccupazioni infinite, gli intrighi che gli cadevano addosso, la calunnia e l'umiliazione. Tuttavia, nell'ultimo anno della sua vita, trovò la forza per tornare alla creatività, e nel 1773 apparve la più maestosa delle sue creazioni, ispirata all'Iliade di Omero - "L'addio di Ettore ad Andromaca". L’idea principale del soggetto scelto corrispondeva soprattutto allo stato d’animo dell’artista. Il dipinto, che glorificava il servizio alla patria e la disponibilità al sacrificio di sé per la gloria della patria, avrebbe dovuto sostenere lo spirito indebolito del suo creatore, riversare in lui nuova forza per continuare la lotta della vita e superare le avversità. Il principe troiano Ettore saluta la moglie e il figlio, anticipando la sua morte sul campo di battaglia, sotto le mura della sua città natale, ma non inchinandosi al destino. In risposta alle suppliche di Andromaca di rimanere a Troia, di non lasciare il suo figlioletto, Ettore le risponde di aver conquistato una buona fama in una coraggiosa battaglia per suo padre e se stesso. Quindi Ettore si avvicinò a suo figlio, ma il piccolo Scamandrio, spaventato dall'abito da battaglia di suo padre, si ritirò da lui. Quindi l'eroe diede il suo elmo al ragazzo scudiero e, toccando suo figlio con la mano, gridò agli dei che suo figlio avrebbe continuato la sua opera e sarebbe diventato “famoso tra i cittadini”. Losenko fece di questo momento il soggetto del suo ultimo dipinto, commissionato dall'imperatrice. La trama stessa (forse scelta da Caterina per l'edificazione del figlio, il futuro Paolo I) sembra espandersi, saturandosi di idee di cittadinanza e patriottismo, idee di dovere pubblico.
L'addio di Ettore ad Andromaca (1773)
“L’addio di Ettore ad Andromaca” è il primo esempio della pittura del classicismo russo, rimasto a lungo insuperato. Dispiegata sotto forma di fregio, la composizione di Losenkov è rigorosa, matematicamente verificata ed equilibrata. L'eroe è posto al centro ed evidenziato con un mantello rosso vivo. Torri giganti e un colonnato racchiudono lo spazio, permettendoti di percepirne la profondità. I personaggi, posti in primo piano, si indirizzano verso il centro con gesti e sguardi. Con eccitazione e desiderio nascosti, Andromaca si precipita da Ettore con il piccolo Scamandrio. La cameriera piange. I compagni dell'eroe percepiscono vividamente la solennità del momento. Gli occhi di un giovane con una pelle di leone gettata sopra la testa brillano di gioia. Il volto di un ragazzo con un elmo, ipnotizzato dallo scintillio di uno scudo dorato, è premuroso e pieno di sentimento. Un guerriero dalla barba nera con una lancia guarda Ettore con concentrazione e tristezza.
Gli studi e gli schizzi sopravvissuti rivelano la direzione delle ricerche dell'autore mentre lavorava al dipinto. A giudicare dagli schizzi a matita, lo schema compositivo non ha subito quasi modifiche, ma è stato determinato immediatamente. Solo il gruppo centrale era ruotato in uno specchio, i ragazzi con l'armatura erano assenti dal primo piano, e l'auriga con i cavalli era vicino al primo piano (nella foto ha difficoltà a trattenere il cavallo di Ettore che corre verso le porte della città). Il guerriero dalla barba nera nello schizzo è ancora una volta più tenero e più spirituale che nel dipinto, così come l'infermiera che piange. I personaggi centrali hanno subito la più grande trasformazione. L’eredità grafica di Losenko include uno schizzo di un soggetto nella posa di Ettore. Esprimeva la prima ricerca dell'immagine di un eroe. Il contenuto emotivo è già delineato qui, sebbene i tratti distintivi dell'immagine di Ettore siano assenti: eroismo e pathos. Un confronto del dipinto con un disegno ad olio permette di verificare il cambiamento nell'immagine di Andromaca. Nello schizzo, il suo aspetto è dolcemente aggraziato, la sua posa e il suo drappeggio sono aggraziati in stile barocco. Nel dipinto sembra uscita da un antico rilievo, ha il bel volto di Afrodite di Milo, e le pieghe delle sue vesti cadono austere e solenni. Il rafforzamento del principio classicista si rifletteva anche nel colore dell'immagine. Il bozzetto, ottimo nella pittura, richiama i “colori caldi” dei veneziani con morbide gradazioni di colore ed espressiva scultorea della forma. La gamma di colori è più rigorosa e concisa. La sua armonia si basa sui contrasti dei toni giallo-argento e rosso, marrone e grigio.
“L’Addio di Ettore ad Andromaca”, che rimase su un cavalletto nello studio dell’artista fino agli ultimi giorni della sua vita (e in alcuni particolari rimase incompiuto), fu scritto con grande entusiasmo, con una genuina portata pittorica. Il pathos eroico dell’opera di Losenko, che glorificava il sacrificio di sé in nome della libertà della patria, predeterminava l’ulteriore sviluppo delle idee civiche nell’opera dei classicisti.
Ritratto dell'attore Yakov Shumsky (1780)
Losenko morì il 23 novembre 1773 di “mal d’acqua”. Fu sepolto nel cimitero di Smolensk, nella chiesa dell'Annunciazione. I meriti di Anton Pavlovich Losenko nel fondare la scuola russa di pittura storica sono indiscutibili. La sua innovazione nello stabilire le basi dell'arte del classicismo in Russia è evidente. Fu il primo a ottenere il riconoscimento europeo, glorificando l'arte russa. Ha gettato le basi dell'eccellenza pedagogica, lasciando una schiera di studenti e seguaci.
Losenko Anton Pavlovich (1737-1773)
Anton Pavlovich Losenko è nato in una famiglia cosacca ucraina. Rimase orfano presto e all'età di sette anni fu mandato a San Pietroburgo per unirsi al coro di corte. Tuttavia, nel 1753, poiché “aveva perso la voce”, ma mostrava attitudine per l’arte, fu mandato dall’artista I. P. Argunov per studiare pittura. I cinque anni e mezzo trascorsi nel laboratorio di Argunov gli sono serviti come preparazione molto approfondita.
Iscritto come studente all'Accademia delle Arti (AH) (1758), Losenko divenne ben presto assistente degli insegnanti accademici e ricevette la posizione di apprendista. Avendo apprezzato il talento del giovane pittore, nel 1760 fu inviato a Parigi per migliorare le sue conoscenze e abilità. Studiando sotto la guida di J. Retout, Losenko creò un grande dipinto storico basato sulla storia del Vangelo, "The Wonderful Catch" (1762). In esso, è riuscito a combinare le esigenze del classicismo con un'interpretazione umana e ammorbidita dell'immagine di Cristo.
Nel 1766-1769, l'artista visse in Italia, dove studiò l'antichità, copiò le opere di Raffaello e dipinse un dipinto basato sull'antico soggetto “Zeus e Teti” (1769). In questo periodo prestò molta attenzione agli studi pittorici del corpo nudo; di conseguenza apparvero i famosi dipinti “Abele” e “Caino” (entrambi del 1768). Riflettevano non solo la capacità di trasmettere con precisione le caratteristiche anatomiche del corpo umano, ma anche la capacità di trasmettere loro la ricchezza di sfumature pittoresche caratteristiche della natura vivente.
Nel 1769 Losenko tornò a San Pietroburgo, dove fu invitato a dipingere un quadro per il titolo di accademico di pittura storica. L'artista crea un'opera su un tema della storia russa: "Vladimir e Rogneda" (1770). Secondo l'antica cronaca, il principe Vladimir di Novgorod chiese la mano della figlia del principe di Polotsk Rogvold, ma, dopo aver ricevuto un rifiuto, attaccò Polotsk, uccise il padre e i fratelli di Rogneda e la prese con la forza in moglie.
Il film presenta il culmine del “pietoso destino” di Rogneda, quando Vladimir invase le sue stanze e “si unì involontariamente” con lei. Tuttavia, Losenko ha ritratto Vladimir non come un perfido conquistatore, ma come un uomo che si è pentito delle sue azioni: questo esprimeva gli alti ideali di moralità e umanesimo dell'Illuminismo. Anche il contenuto era nuovo: il passato nazionale divenne la trama di un quadro storico, equiparandolo a soggetti antichi e biblici generalmente accettati in termini di status della gerarchia del genere.
Il successo del dipinto portò al suo creatore non solo il titolo di accademico, ma anche la nomina a professore associato (dal 1770), e presto a professore e direttore dell'Accademia delle arti (dal 1772). Fino alla fine della sua vita, Losenko rimase in questo incarico. Inoltre, ha condotto lezioni pratiche e creato un corso didattico e teorico “Spiegazione delle brevi proporzioni di una persona...”, che è diventato un manuale per diverse generazioni di artisti.
Nel 1773 Losenko iniziò, ma non ebbe il tempo di finire, il suo secondo dipinto storico: “L’addio di Ettore ad Andromaca”; Ciò spiega in parte l'imprecisione nell'interpretazione pittorica delle immagini. L'antica storia dell'Iliade di Omero glorificava gli eroi, i loro sentimenti patriottici e la loro volontà di sacrificarsi al servizio della propria patria. Questi ideali del classicismo illuminista, a cui l’artista fu fedele per tutta la sua vita creativa, ricevettero una vivida espressione in “Addio di Ettore” (come il dipinto veniva chiamato dai contemporanei). Il figlio del re troiano Priamo dice addio prima della battaglia alla sua fedele moglie Andromaca, tenendo in braccio il suo bambino. Una premonizione di un esito tragico permea la scena patetica presentata dall'artista. Tuttavia, solo il personaggio principale, Ettore, è veramente patetico, nelle immagini degli altri personaggi Losenko combina un inizio sobrio, maestoso e naturalmente duro, organizzando armoniosamente la composizione e i colori caldi dell'immagine.
Oltre ai dipinti storici, l'artista ha creato un'intera galleria di ritratti dei suoi contemporanei: il conte I. I. Shuvalov, il poeta A. P. Sumarokov, gli attori Ya. D. Shumsky (tutti 1760) e F. G. Volkov (1763). Le immagini dei ritratti sono permeate di spiritualità e calore umano.
L'incarico di direttore dell'Accademia delle Arti, affidato a un artista di grande talento, un professore che insegnava ogni giorno molte ore in classe, fu gravoso per Losenko in quanto lo coinvolse involontariamente in un groviglio di intrighi accademici e di corte che gli erano estranei per natura. Non c'è da stupirsi che lo scultore E. M. Falcone, difendendolo, abbia scritto a Caterina II: "Perseguitato, stanco, rattristato, esausto dall'oscurità delle sciocchezze accademiche, Losenko non è in grado di toccare il pennello; sarà senza dubbio distrutto. È lui il primo artista esperto della nazione, rimangono insensibili a questo, vengono sacrificati..." L'Imperatrice promise di trasferire Losenko dall'Accademia delle Arti all'Ermitage, ma non lo fece. Le forze dell’artista furono minate; non riuscì a far fronte alla grave malattia che lo colpì, che lo portò nella tomba.