La figura esile del funambolo - in evidente contrasto con la massiccia figura dell'uomo forte in primo piano - è coronata dalle braccia rivolte al cielo. È così che l'eroina cerca di trovare l'equilibrio su una palla instabile. L’immagine in sé non è unica: il periodo rosa di Picasso (intorno al 1904-1906) è spesso chiamato anche il periodo del circo; artisti circensi, inclusi acrobati e funamboli, popolano molte delle sue opere di questo periodo. Tuttavia, in "Girl on a Ball" l'artista è riuscita a trovare un'interessante soluzione compositiva: il gesto della protagonista sembra collegare la sua figura con il cielo - è facile notare che il colore dei suoi collant è il più vicino al bluastro tinta del cielo.
Pablo Picasso. Una famiglia di comici. 1905Galleria Nazionale d'Arte, Washington
Pablo Picasso. Attore. 1904–1905 Wikimedia Commons
Pablo Picasso. Un acrobata e un giovane arlecchino. 1905 Wikimedia Commons
In contrasto con la figura magra e disincarnata della ragazza, la schiena monumentale dell'atleta, che occupa buona metà del primo piano del quadro, è resa in toni rosa ocra, “tisici”, secondo Apollinaire, che risuonano in le colline terrose del paesaggio di sfondo. Pertanto, l'opposizione centrale in "The Girl on the Ball" è enfatizzata a molti livelli contemporaneamente: non solo "femminile - maschile", non solo "giovinezza - maturità", non solo "fragilità - stabilità", ma anche "paradiso - terra”, “lo spirito è materia”.
Secondo alcuni ricercatori, l'immagine di una ragazza su una palla risale all'iconografia rinascimentale della dea del destino, mentre il cubo stabile su cui siede l'atleta è associato al concetto di Valore. Un proverbio latino recita: “Sedes Fortunae rotunda, sedes Virtutis quadrata” (letteralmente “La sede della Fortuna è rotonda, la sede del Valore è quadrata”). Non è noto se Picasso intendesse una simile interpretazione delle immagini del dipinto, ma sembra del tutto possibile, dato il suo amore per le allegorie artistiche e anche il fatto che nel 1905 già da diversi anni frequentava i circoli intellettuali parigini e frequentava conferenze del poeta Moreas, che proclamava un ritorno agli ideali della letteratura greco-latina.
Guido Reni. Fortuna e Cupido. Intorno al 1636
Wikimedia Commons
Nonostante l'artista mostri l'atleta da dietro e vediamo solo una delle sue gambe, se guardi da vicino, puoi distinguere il secondo piede e il ginocchio destro nella foto: all'inizio la posa dell'uomo forte era leggermente diversa, ma poi Picasso ha cambiato la composizione. Secondo un'ipotesi, ciò era dovuto al fatto che il pittore era preoccupato per il tema del sostegno - sia in senso morale (gli artisti circensi, così come gli artisti d'avanguardia, erano considerati emarginati nella società e potevano contare solo su ciascuno altro) e materialmente.-fisico. Nella versione finale di "Girls on a Ball", si scopre che il funambolo fa in parte affidamento sull'atleta: se rimuovi mentalmente la sua figura dall'immagine, il fragile equilibrio verrà distrutto e la ragazza cadrà. Apparentemente, la seconda tappa ha indebolito questo effetto e quindi si è deciso di abbandonarlo. Il motivo del supporto è chiaramente incarnato in altre opere di Picasso, ad esempio in "". D’altra parte, nelle sue opere a volte trattava gli arti umani in modo abbastanza libero: nel successivo “Ritratto di Paolo in costume da arlecchino”, al figlio dell’artista sembra crescere una gamba in più.
Pablo Picasso. Un vecchio ebreo con un ragazzo. 1903
Museo Pushkin im. A. S. Pushkina
“Girl on a Ball” è un raro esempio di composizione di Picasso con successive aperture allo spettatore di piani spaziali: nel primo c'è un atleta; nel secondo: un equilibrista; nel terzo è raffigurata una madre con figli e un cane; infine, nell'ultimo, il quarto, c'è un cavallo bianco al pascolo nel paesaggio. Il cavallo è un'immagine trasversale nei dipinti dell'artista di questo periodo: appare anche in "Il ragazzo che guida un cavallo" e in un gran numero di schizzi - ad esempio "Arlecchino su un cavallo" e "".
Famiglia di comici. Bozzetto per il dipinto “Les Bateleurs”. 1905
Museo Pushkin im. A. S. Pushkina
Gli artisti circensi di Picasso non vengono mai mostrati al lavoro: le scene con la loro partecipazione vengono trasferite nello spazio di un certo paesaggio desertico convenzionale. Questo è esattamente ciò che accade con "La ragazza con la palla": il paesaggio dietro le spalle dei personaggi principali è rappresentato sotto forma di una sequenza di piani orizzontali di diversi colori - su questo sfondo, la dinamica verticale dell'atleta e del filo del rasoio camminatore sono percepiti in modo particolarmente vivido. Figure umane sullo sfondo: tipico staffaggio Personale- figure di persone e animali raffigurati in opere di pittura di paesaggio per movimentare la vista e di secondaria importanza.: i pittori dei secoli XVI-XVII stabilirono come regola di raffigurarli sulle loro tele. È caratteristico che queste figure diano le spalle alla scena principale del quadro e si allontanino chiaramente, indifferenti ai trucchi che stanno provando l'uomo forte e il funambolo. Secondo una versione, questa è una dichiarazione dell'artista sulla mancanza di domanda per la sua arte, che in gran parte paragonava alla sua.
Claudio Lorrain. Paesaggio pastorale. 1646-1647
Descrizione del dipinto “Famiglia di comici” di Pablo Picasso
Nel vecchio ostello Bateau Lavoir, quasi distrutto a Parigi nel 1904, Pablo Picasso trova il suo nuovo habitat vicino alle rive della Senna.
Sulle tele appare un arioso “periodo” rosa. Appaiono spazi nuovi e più ampi e l’immobilità si trasforma in movimento.
L'artista si interessò al circo, al quale lo portarono i suoi amici più cari Salmon e Apollinaire. Inizia a inventare e creare attivamente nuovi schizzi della vita del circo e degli spettacoli teatrali. Il dipinto “Famiglia di comici” del 1905 è stato realizzato durante il periodo “rosa”. La scrittura dell'opera è avvenuta all'incrocio di due direzioni nella creatività.
L'immagine è stata riscritta quattro volte. I 6 personaggi raffigurati sembrano uniti, ma allo stesso tempo sembrano separati; c'è qualcosa in comune nei loro volti, nelle espressioni degli occhi e nelle figure.
L'isolamento collettivo trasmette la tristezza e l'umore dei personaggi. Un colore dominante indica un inizio ottimista piuttosto che una fine pessimistica. Il modo di scrivere e la colorazione delle ombre fanno percepire uno stato d'animo malinconico.
Ad un'analisi più attenta si riconosce una donna dalla carnagione pallida, distante dal gruppo in primo piano. Cinque persone in piedi sullo sfondo non si guardano, i loro occhi sono all'ombra di un albero. Comici perduti e tristi vanno oltre le verdi colline. L'umore dei personaggi trasmette il vuoto dell'esistenza e l'atmosfera di un'aspettativa inaspettata.
Puoi seguire lo sviluppo di ogni comico dagli schizzi. Una donna seduta con un cappello e una bambina che tiene un cesto di fiori, un marito anziano con leggings rossi, Arlecchino che tiene la mano della ragazza.
Il dipinto è attualmente a Washington, DC, nella National Gallery of Art.
Pablo Picasso "Famiglia di comici" (1905).
Tela, olio. 212,8 x 229,6 cm
Galleria Nazionale d'Arte, Washington
Una delle opere centrali del periodo “rosa” è il dipinto “Famiglia di comici” del 1905, che simboleggia il movimento di Picasso da una fase creativa a quella successiva. Le notevoli dimensioni della tela indicano un notevole investimento da parte dell'artista e questo spiega il motivo per cui ha riutilizzato il materiale più e più volte. Picasso lo ha cambiato 4 volte: ha aggiunto personaggi, ha variato la composizione, apportando alcune aggiunte, tra cui le spalle e il cappello della donna, il colore delle scarpette da ballo del bambino, che apparivano come contorni spettrali solo nella fase finale del lavoro.
Picasso era solito datare le sue opere, ma raramente le nominava. Inizialmente la “Famiglia di Comici” era senza nome, e solo successivamente il nome è stato dato in base al contenuto. In quest'opera, Picasso ha riunito numerosi studi dei suoi amici circensi e li ha raggruppati tutti insieme sotto un cielo azzurro, utilizzando come sfondo un paesaggio deserto e infinito. Sei personaggi, che a prima vista sembrano distanti e si tengono separati, sono in realtà legati da un'unità di intenti.
L'artista ha raffigurato non solo lo stile di vita dei veri comici, ma anche l'evidente umore triste degli eroi, l'isolamento collettivo. Il dipinto non riflette il pessimismo sociale; il suo colore dominante indica tristezza lirica e personale, piuttosto che disperazione pessimistica. I personaggi descrivono una vita insieme, sebbene la relazione psicologica non sia del tutto chiara. Gli effetti cromatici sono ridotti a un'armonia sobria e discreta, la pennellata e la colorazione conferiscono a questa immagine un fascino tranquillo e malinconico. La combinazione di colori del dipinto rimane in uno stile freddo, solo vaghe note di una tavolozza calda lo offuscano. The Comedian Family raffigura persone distaccate e prive di diritti civili che vivono al centro della società.
L'artista raffigura un gruppo di artisti come vagabondi con semplici oggetti di scena in un paesaggio vacuo, desertico e spettrale. L'opera rappresenta un ponte tra la malinconia del periodo “blu” e quello “rosa”. Presumibilmente, Family of Comedians è un'opera autobiografica di Picasso, con la sua cerchia di amici. Analizzando il dipinto, in primo piano si distingue una giovane donna pallida seduta, distante dal resto del gruppo, il suo sguardo è rivolto a destra in lontananza e sembra che cerchi solitudine e ritiro. Si può presumere che non si adatti leggermente al colore generale dell'immagine, forse non è un membro del gruppo circense.
Ci sono cinque persone in piedi sullo sfondo, non distolgono lo sguardo l'una dall'altra, i loro occhi sono nell'ombra. Coloro che dovrebbero essere una compagnia che vive felicemente sembrano persi e tristi. I comici partono per scomparire dietro il crinale delle colline sabbiose, per perdersi nell'universo. Artisti senza spettatori: Picasso ha riempito gran parte della tela di comici tristi, e lo spazio vuoto intorno a loro dà l'impressione che si trovino in una distesa infinita di deserto. Qua e là l'artista ha mescolato il colore del cielo con quello della terra. Le nuvole sono realizzate allo stesso modo, in contrasto con il disegno dettagliato dei personaggi. Il risultato è che il cielo e la terra contrastano con le figure, e i comici non si inseriscono affatto nel paesaggio, sembrando fluttuare via se non fosse per le ombre che li trattengono a terra. Il vuoto circostante riflette lo stato d'animo dei personaggi.
In una prima bozza di The Comedian's Family, lo sfondo era una scena ambientata in una pista da corsa, con uno dei cavalieri che cadeva da cavallo. Nella versione finale, tutto questo è stato eliminato e, di conseguenza, c'era la sensazione di figure sparse in pose distaccate, chiaramente in attesa di qualche tipo di comando. L’equilibrio instabile della composizione con cinque figure raggruppate nella metà sinistra della tela e la figura solitaria di una ragazza seduta nell’angolo destro crea un’ulteriore atmosfera e aspettativa di qualche evento imprevisto. Il processo di sviluppo e formazione di ciascuno dei personaggi può essere ripercorso attraverso schizzi. Una donna seduta è già apparsa come soggetto principale di uno dei dipinti di Picasso, dove indossa un cappello a punta, avvolta da un velo.
Nel primo schizzo la bambina appariva senza cesto di fiori, mentre accarezzava invece un cane. Un buffone anziano con una pancia considerevole che allunga i suoi collant rossi, apparentemente il padre fondatore della troupe o la sua "stella" - ha un vasto passato, incarnato in numerosi dei suoi predecessori. Ma la figura più riconoscibile qui è l'alta figura di Arlecchino: nella foto è all'estrema sinistra. Questo personaggio familiare tiene per mano una bambina e guarda in faccia il vecchio giullare. All'ultimo momento, Picasso gli diede il proprio profilo, identificandosi ulteriormente con i suoi compagni di viaggio.
Ci sono suggerimenti che il dipinto sia stato dipinto a seguito di alcuni eventi accaduti tra Picasso e Fernande Olivier. Non c'è la certezza assoluta che l'episodio successivo sia avvenuto in questi anni, ma comunque. Nel 1904, Picasso incontrò la modella Fernande Olivier, che lo ispirò a creare molte delle opere significative di questo periodo. Questi pochi anni furono felici nella loro relazione. Fernanda Olivier, che lei stessa non poteva dare alla luce un bambino, andò in un orfanotrofio in Caulaincourt Street. Lì adottò una bambina di otto o dieci anni e la portò a Bateau-Lavoir. Per qualche tempo nutrirono la bambina con dolci e le comprarono bambole e giocattoli.
Picasso e tutti al Bateau-Lavoir furono gentili con lei, soprattutto l'amico dell'artista Max Jacob. All'improvviso Fernanda si stancò di tutto e decise che non era tagliata per la maternità. Si decise di restituire il bambino e la sorte toccò a Max Jacob. Quando l'ha portata all'orfanotrofio, si è scoperto che, secondo la situazione esistente, il bambino prelevato dall'orfanotrofio non poteva essere restituito. La ragazza scoppiò in lacrime e cominciò a supplicare di non lasciarla. Alla fine fece in modo che il bambino vivesse con la portinaia. Forse questa storia è una trama mascherata del film. Uno studio del contesto ci mostra che l'opera raffigura Picasso, i suoi amici, Fernanda e un bambino: Picasso come arlecchino, il clown rosso - Guillaume Apollinaire, l'alto acrobata - André Salmon, il ragazzino - Max Jacob, Fernanda stessa e quella ragazza in piedi con le spalle allo spettatore. Sebbene nessuna delle due figure sia un ritratto esatto. La tensione emotiva e le preoccupazioni per la sorte del bambino sono espresse in tutti i personaggi della foto e si leggono nei loro occhi.
All'incrocio di due periodi - "blu e rosa" - "Girl on a Ball" di Pablo Picasso.
Ragazza con la palla
"Famiglia di comici" appartiene al cosiddetto periodo rosa dell’opera di Picasso, che sostituì il triste “periodo blu”. L'artista si interessò alle immagini del mondo del teatro e del circo, nella sua tavolozza apparvero toni rosa-dorati, rossastri e rosa-grigi, e i personaggi nei dipinti erano artisti erranti: clown, ballerini, giocolieri e acrobati del Circo Medrano , dove il pittore visitava spesso e dipingeva i suoi amici.
L'autore ha collocato le figure dei comici in un paesaggio deserto e privo di vegetazione sullo sfondo di un cielo azzurro coperto di nuvole. A sinistra - simile allo stesso Picasso Arlecchino, che tiene la mano di una ragazza, accanto a loro c'è il direttore della troupe - un uomo grasso vestito con una calzamaglia rossa e con indosso un berretto da giullare, a destra ci sono due giovani acrobati. L'intera composizione è bilanciata dalla figura solitaria di una ragazza seduta in primo piano. I personaggi sono statici, non c'è intimità interna tra loro. E sebbene siano insieme, ognuno è incatenato dal freddo della solitudine interiore. Gli artisti del circo si bloccarono, come se aspettassero una sorta di comando o ordine per andare avanti. La maggior parte delle opere di Picasso del “periodo rosa” sono intrise dello spirito di tragica solitudine e privazione.
“Famiglia di comici” appartiene al cosiddetto periodo rosa dell’opera di Picasso, che ha sostituito il triste “periodo blu”. L'artista si interessò alle immagini del mondo del teatro e del circo, nella sua tavolozza apparvero toni rosa-dorati, rossastri e rosa-grigi, e i personaggi nei dipinti erano artisti erranti: clown, ballerini, giocolieri e acrobati del Circo Medrano , dove il pittore visitava spesso e dipingeva i suoi amici. L'autore ha collocato le figure dei comici in un paesaggio deserto e privo di vegetazione sullo sfondo di un cielo azzurro coperto di nuvole. A sinistra c'è un Arlecchino che assomiglia allo stesso Picasso, che tiene per mano una ragazza, accanto a loro c'è il direttore della troupe - un uomo grasso vestito con una calzamaglia rossa e con indosso un berretto da giullare, a destra ci sono due giovani acrobati . L'intera composizione è bilanciata dalla figura solitaria di una ragazza seduta in primo piano. I personaggi sono statici, non c'è intimità interna tra loro. E sebbene siano insieme, ognuno è incatenato dal freddo della solitudine interiore. Gli artisti del circo si bloccarono, come se aspettassero una sorta di comando o ordine per andare avanti.
Il periodo rosa di Pablo Picasso
Per le opere" periodo rosa“Il circo Medrano, situato ai piedi della collina di Montmartre, ha fornito molto materiale. Un viaggio in Spagna nel 1906 diede nuovo impulso alla ricerca dell'artista e segnò la fine del “periodo rosa”.
Acrobati (madre e figlio)
Ragazzo che conduce un cavallo
Acrobata e giovane Arlecchino
Famiglia di acrobati
La maggior parte delle opere di Picasso del “periodo rosa” sono intrise dello spirito di tragica solitudine e privazione.
Dal 1904, Picasso si stabilì a Montmartre, dove lavorò al dipinto “La famiglia di un acrobata con una scimmia”. Nel 1907 conobbe l'artista Georges Braque. Ben presto si allontanarono insieme dal naturalismo, inventando una nuova forma di pittura: il cubismo. Volumi spigolosi, figure geometriche, frammenti di nature morte e volti, in cui è difficile discernere qualcosa di umano, riempiono le sue tele.
Nel 1904 Picasso si stabilì a Parigi, dove trovò rifugio nel famoso ostello per artisti poveri di Montmartre, Bateau Lavoir: iniziò il cosiddetto “Periodo rosa”, in cui la tristezza e la povertà del “Periodo blu” furono sostituite dalle immagini dal più vivace mondo del teatro e del circo. L'artista preferiva i toni rosa-oro e rosa-grigio, e i personaggi erano principalmente artisti itineranti: clown, ballerini e acrobati; i dipinti di questo periodo sono intrisi dello spirito della tragica solitudine degli svantaggiati, della vita romantica dei comici itineranti (“La famiglia di un acrobata con una scimmia”, 1905).
Famiglia di acrobati
Picasso divenne il fondatore del cubismo, raffigurando una persona come una serie di piani combinati. Ciò ha ottenuto, come hanno detto, una brutta somiglianza. E questo l'ho ammirato. Ha detto che descrive il mondo non come lo vede, ma come lo immagina.
Autoritratto di Picasso
Picasso alle 15
Autoritratto – Pablo Picasso. 35 anni.
Pablo Picasso (1881-1973) dipinse molte delle sue immagini e, cosa interessante, in diversi stili artistici. L'autoritratto presentato è stato creato durante il cosiddetto periodo africano. A questo punto, lo stile creativo del maestro aveva subito cambiamenti significativi, diventando piuttosto inaspettato e innovativo per l’epoca. Nel 1905, sotto l'influenza della pittura di Cézanne, cercò di dare alle forme più semplicità, peso materiale e significato. Queste tendenze si intensificarono durante un viaggio nell'estate del 1906 ad Andorra, dove Picasso si rivolse per la prima volta al primitivismo, sensuale e formale. Nel 1907 erano già state create le opere più famose e innovative di questo periodo di creatività: "Nudes" e "Les Demoiselles d'Avignon" (entrambi sono ora al Museum of Modern Art di New York). L'immagine creata dal pittore è molto insolita. Ha trasformato senza pietà le forme del suo viso in blocchi geometrici, deliberatamente esagerando e ingrossando il suo aspetto. Lavorando con una linea dura, Picasso priva l’immagine del chiaroscuro; lo sfondo rosso scuro accattivante e astratto esalta la piattezza e l’espressività dell’autoritratto. Un uomo triste, serio e ansiosamente teso guarda dalla foto; sembra che una sorta di dolore nascosto trasformi il suo viso in una maschera, dietro la quale sta cercando di nascondere la sua anima profondamente vulnerabile. "Chi è triste è sincero", credeva l'artista.
Pablo Picasso è un grande pittore che ha dipinto molti dipinti. L'artista ha creato le sue tele migliori dopo i 70 anni. Ha dipinto parecchie immagini e, cosa più interessante, la maggior parte di esse erano in diversi stili di disegno. Durante il periodo africano, Picasso presenta un autoritratto, realizzato il 30 giugno 1972, e con quest'opera completa la serie degli autoritratti. La particolarità del disegno è che è stato realizzato con matite colorate. Tutti i ritratti dell'artista avevano un significato profondo, come questo, realizzato 9 mesi prima della sua morte. Tutti erano associati a episodi della vita del creatore e riflettevano il suo stato, umore, pensieri, ecc. Pablo ha fatto del suo volto un “laboratorio” di sperimentazione formale. Quest'opera di Picasso si chiama “Il volto della morte”. Dopotutto, l'autore ha creato un'immagine molto insolita, sulla quale ha lavorato per 3 mesi. Senza pietà, l’artista ha trasformato il suo volto in pesanti blocchi geometrici, il che ha notevolmente ingrossato l’aspetto del creatore.
28 novembre 2012
Famiglia di comici
1905; 212x229 cm
Galleria Nazionale, Washington
Il periodo “blu” viene sostituito dal “rosa”: questo periodo creativo nasce da una vivace vita parigina, perché nel 1904 l'artista si stabilisce definitivamente nella capitale francese.
L'atmosfera dei dipinti diventa più lirica e la colorazione diventa delicata e trasparente: Picasso è innamorato. La sua prima musa, Fernanda Olivier, era un'appassionata amante del circo e l'artista, per sua stessa ammissione, "non si accorse di come fosse diventato un frequentatore abituale del circo Medrano, ai piedi di Montmartre", e dello spazio dei suoi dipinti " era pieno di arlecchini, aquilegie, acrobati e altri comici”.
Allontanandosi dal pessimistico periodo “blu”, l’artista sceglie tonalità chiare di rosa, grigio e ocra, che conferiscono alle immagini degli artisti una certa malinconia poetica. In questi film non troveremo nessun orpello scintillante, nessun costume appariscente, nessuna acrobazia mozzafiato. Picasso non rappresenta lo splendore dell'arena, ma il dietro le quinte del circo - con volti stanchi, pose rilassate ed eterna preoccupazione per il pane quotidiano.
I comici si preparano a partire: forse sono stanchi della vita nomade, ma l'espressione di sventura sul volto di Arlecchino ci dice che gli artisti non hanno altro modo per guadagnarsi da vivere che girovagare per città e villaggi e divertire folle di curiosi in piazze...
Ragazza con la palla
1905; 147x95cm
Museo intitolato a Pushkin, Mosca
In un dipinto proveniente da un museo di Mosca, lo spettatore rimane colpito dal contrasto tra un colosso seduto, vestito con collant rosa e blu, e una fragile ragazza in equilibrio su una palla. Apollinaire ha scritto di lei: "Quando saliva sulla palla, il suo corpo gracile suonava una bellissima melodia alla quale nessuno poteva rimanere indifferente".
Secondo molti ricercatori, l'artista si identificava spesso con Arlecchino. Il critico d'arte francese Pierre Dax nel suo saggio “Picasso il Creatore” (1987) osservava: “In ogni dipinto di Picasso in cui è presente l'immagine di Arlecchino, abbiamo a che fare direttamente con l'autore stesso, con i suoi pensieri e sentimenti, con la sua posizione ideologica . In Una famiglia di comici, l'ampio spazio in cui scruta Arlecchino-Picasso è lo spazio infinito della pittura pura. La pittura, che è molto vicina alla poesia..."
È difficile non essere d'accordo con il ricercatore, anche se, come per un poeta, perdoni il lettore il gioco di parole involontario, Picasso è troppo prosaico. "Credo che le ricerche nella pittura non abbiano assolutamente alcun significato", ha scritto. — Il loro risultato è importante. Purtroppo le buone intenzioni da sole non bastano per il successo commerciale di un’opera”.
Nota tecnica
I riflessi blu sui volti dei due eroi de “La famiglia dei comici” appaiono come un'eco del cielo sopra le teste delle figure. Il colore bluastro del terreno traspare da sotto la calda massa pittorica, trasformandosi in ombre blu.
Titolo, inglese: Famiglia dei Saltimbanchi.
Nome originale: La famille de saltimbanques.
Anno di fine: 1905.
Dimensioni: 212,8×229,6 cm.
Tecnica: Olio su tela.
Posizione: Washington, Galleria Nazionale d'Arte
Nel 1904, Picasso si trasferì a Parigi e trovò rifugio nel famoso ostello di Montmartre, Bateau Lavoir, uno strano edificio fatiscente che somiglia in qualche modo alle lavanderie galleggianti lungo le rive della Senna. Gli amici parigini lo introducono nei club letterari di Parigi, lo introducono alla vita bohémien degli artisti e dei poeti di Montmartre con il suo romanticismo di creatività e l'atmosfera di disordine della vita. Gli ospiti frequenti di Picasso erano Max Jacob, André Salmon, Guillaume Apollinaire, Alfred Jarry, Charles Vildrac, Georges Duhamel. La sua compagna di vita in quegli anni fu Fernanda Olivier. Felice, relativamente felice: il periodo “rosa” dà una sensazione di respiro facile dopo il soffocante isolamento del periodo “blu”. Nelle figure dei quadri di Picasso la rigidità scompare, lo spazio si dilata, i toni diventano più trasparenti e ariosi, l’immobilità viene sostituita dal movimento. L'origine francese addolcisce la durezza spagnola.
L'artista deve la sua passione per il circo principalmente ai suoi amici Salmon e Apollinaire. Come prima, Picasso trae le sue immagini dalla realtà circostante: questa volta la fonte della sua ispirazione è il Circo Medrano. Il periodo “rosa” o “circo” comincia a prendere slancio, la tristezza e la povertà del periodo “blu” vengono sostituite da immagini del mondo più vivace del teatro e del circo, perché Barcellona non fornisce più impulsi artistici e il tema del il “fondo” della vita è stato esaurito. L'artista ha preferito uno stile più gioioso nei toni rosa-oro e rosa-grigio, e i personaggi delle sue opere sono artisti erranti: clown, ballerini, giullari, atleti e acrobati. La loro destrezza e il desiderio per l'arte dell'illusione deliziarono Picasso; la loro vita ipnotica toccò l'artista, che lui stesso cercava nuovi orizzonti nel suo lavoro. Il gruppo errante di attori era un microcosmo speciale di persone libere, dove esistono attaccamenti sinceri, dove non c'è posto per l'interesse personale o l'inganno. Queste persone hanno rivelato all'artista nuovi aspetti della società umana con la loro solitudine, discriminazione e allo stesso tempo gentilezza ed empatia. Non è un caso che Picasso faccia dei comici i suoi eroi: la vita stessa è per lui simile al teatro, piena di spirito di trasformazione, transizioni costanti dal serio all'umorismo e dall'alto al basso (questo tema delle metamorfosi della vita diventerà in seguito il tema principale uno nell'opera dell'artista). Picasso era attratto dalle persone dell'ambiente circense, molti dei quali erano anche suoi connazionali spagnoli. La loro agilità e l'arte dell'illusione ammirata, le loro vite hanno toccato l'artista. Ha stretto amicizia con gli artisti, è entrato nelle loro tende e si è immerso in questo mondo meraviglioso, lontano dal caos quotidiano. Qui erano impegnati solo con la loro arte, qui c'era completa libertà dalle catene della proprietà immobiliare, del lusso e di altri attributi della vita sedentaria. Arlecchino, un personaggio comico in un body colorato e aderente fatto di rombi e triangoli regolari, divenne un simbolo personale per Picasso. C'è un altro tema che attraversa i primi anni della creatività ed esprime la sua fede nella gentilezza dei rapporti umani - nel periodo “rosa” diventa dominante - è il tema dell'amicizia tra due esseri, dove il forte sostiene e protegge l'altro. debole, indifeso. Tuttavia, è vano cercare un circo, uno spettacolo circense sulle tele: Picasso è interessato all'attore stesso, alla personalità creativa e creativa. Gli artisti circensi vengono mostrati fuori dal gioco, talvolta durante le prove, più spesso nella vita di tutti i giorni, in famiglia, dove condividono il successo e l'amarezza della sconfitta. Provano e vivono semplicemente, come se recitassero scene della vita stessa davanti allo spettatore. Indossano sempre i costumi dei loro personaggi: questo è per loro un segno di differenza rispetto alla massa generale. L'artista stesso si è incluso in questo mondo. I suoi eroi ora appartengono al mondo dell'arte, una tribù libera di comici erranti legati da vincoli di fratellanza spirituale. Picasso ha dipinto la vita degli artisti circensi in una luce rosa pallido; non ci sono intrighi dietro le quinte, né invidia, né gelosia. Le loro immagini incarnano la tenerezza della maternità, la grazia della giovinezza o la saggezza della vecchiaia, ma allo stesso tempo sembrano più polisemantiche e poeticamente sfuggenti rispetto al precedente periodo “blu”. Picasso sentiva acutamente e persino dolorosamente le contraddizioni della vita. Capì quanto fosse fragile e illusorio il mondo dei comici da lui creato, perso in un mondo enorme, instabile e polveroso. L’ansia dell’artista si riflette in una velata tristezza e diffidenza sui volti dei suoi personaggi, rivelando uno stato d’animo di incertezza e ansiosa attesa.
Una delle opere centrali del periodo “rosa” è il dipinto “Famiglia di comici” del 1905, che simboleggia il movimento di Picasso da una fase creativa a quella successiva. Le notevoli dimensioni della tela indicano un notevole investimento da parte dell'artista e questo spiega il motivo per cui ha riutilizzato il materiale più e più volte. Picasso lo ha cambiato 4 volte: ha aggiunto personaggi, ha variato la composizione, apportando alcune aggiunte, tra cui le spalle e il cappello della donna, il colore delle scarpette da ballo del bambino, che apparivano come contorni spettrali solo nella fase finale del lavoro. Picasso era solito datare le sue opere, ma raramente le nominava. Inizialmente la “Famiglia di Comici” era senza nome, e solo successivamente il nome è stato dato in base al contenuto. In quest'opera, Picasso ha riunito numerosi studi dei suoi amici circensi e li ha raggruppati tutti insieme sotto un cielo azzurro, utilizzando come sfondo un paesaggio deserto e infinito. Sei personaggi, che a prima vista sembrano distanti e si tengono separati, sono in realtà legati da un'unità di intenti. L'artista ha raffigurato non solo lo stile di vita dei veri comici, ma anche l'evidente umore triste degli eroi, l'isolamento collettivo. Il dipinto non riflette il pessimismo sociale; il suo colore dominante indica tristezza lirica e personale, piuttosto che disperazione pessimistica. I personaggi descrivono una vita insieme, sebbene la relazione psicologica non sia del tutto chiara. Gli effetti cromatici sono ridotti a un'armonia sobria e discreta, la pennellata e la colorazione conferiscono a questa immagine un fascino tranquillo e malinconico. La combinazione di colori del dipinto rimane in uno stile freddo, solo vaghe note di una tavolozza calda lo offuscano. The Comedian Family raffigura persone distaccate e prive di diritti civili che vivono al centro della società. L'artista raffigura un gruppo di artisti come vagabondi con semplici oggetti di scena in un paesaggio vacuo, desertico e spettrale. L'opera rappresenta un ponte tra la malinconia del periodo “blu” e quello “rosa”. Presumibilmente, Family of Comedians è un'opera autobiografica di Picasso, con la sua cerchia di amici. Analizzando il dipinto, in primo piano si distingue una giovane donna pallida seduta, distante dal resto del gruppo, il suo sguardo è rivolto a destra in lontananza e sembra che cerchi solitudine e ritiro. Si può presumere che non si adatti leggermente al colore generale dell'immagine, forse non è un membro del gruppo circense. Ci sono cinque persone in piedi sullo sfondo, non distolgono lo sguardo l'una dall'altra, i loro occhi sono nell'ombra. Coloro che dovrebbero essere una compagnia che vive felicemente sembrano persi e tristi. I comici partono per scomparire dietro il crinale delle colline sabbiose, per perdersi nell'universo. Artisti senza spettatori: Picasso ha riempito gran parte della tela di comici tristi, e lo spazio vuoto intorno a loro dà l'impressione che si trovino in una distesa infinita di deserto. Qua e là l'artista ha mescolato il colore del cielo con quello della terra. Le nuvole sono realizzate allo stesso modo, in contrasto con il disegno dettagliato dei personaggi. Il risultato è che il cielo e la terra contrastano con le figure, e i comici non si inseriscono affatto nel paesaggio, sembrando fluttuare via se non fosse per le ombre che li trattengono a terra. Il vuoto circostante riflette lo stato d'animo dei personaggi.
In una prima bozza di The Comedian's Family, lo sfondo era una scena ambientata in una pista da corsa, con uno dei cavalieri che cadeva da cavallo. Nella versione finale, tutto questo è stato eliminato e, di conseguenza, c'era la sensazione di figure sparse in pose distaccate, chiaramente in attesa di qualche tipo di comando. L’equilibrio instabile della composizione con cinque figure raggruppate nella metà sinistra della tela e la figura solitaria di una ragazza seduta nell’angolo destro crea un’ulteriore atmosfera e aspettativa di qualche evento imprevisto. Il processo di sviluppo e formazione di ciascuno dei personaggi può essere ripercorso attraverso schizzi. Una donna seduta è già apparsa come soggetto principale di uno dei dipinti di Picasso, dove indossa un cappello a punta, avvolta da un velo. Nel primo schizzo la bambina appariva senza cesto di fiori, mentre accarezzava invece un cane. Un buffone anziano con una pancia considerevole che allunga i suoi collant rossi, apparentemente il padre fondatore della troupe o la sua "stella" - ha un vasto passato, incarnato in numerosi dei suoi predecessori. Ma la figura più riconoscibile qui è l'alta figura di Arlecchino: nella foto è all'estrema sinistra. Questo personaggio familiare tiene per mano una bambina e guarda in faccia il vecchio giullare. All'ultimo momento, Picasso gli diede il proprio profilo, identificandosi ulteriormente con i suoi compagni di viaggio.
Ci sono suggerimenti che il dipinto sia stato dipinto a seguito di alcuni eventi accaduti tra Picasso e Fernande Olivier. Non c'è la certezza assoluta che l'episodio successivo sia avvenuto in questi anni, ma comunque. Nel 1904, Picasso incontrò la modella Fernande Olivier, che lo ispirò a creare molte delle opere significative di questo periodo. Questi pochi anni furono felici nella loro relazione. Fernanda Olivier, che lei stessa non poteva dare alla luce un bambino, andò in un orfanotrofio in Caulaincourt Street. Lì adottò una bambina di otto o dieci anni e la portò a Bateau-Lavoir. Per qualche tempo nutrirono la bambina con dolci e le comprarono bambole e giocattoli. Picasso e tutti al Bateau-Lavoir furono gentili con lei, soprattutto l'amico dell'artista Max Jacob. All'improvviso Fernanda si stancò di tutto e decise che non era tagliata per la maternità. Si decise di restituire il bambino e la sorte toccò a Max Jacob. Quando l'ha portata all'orfanotrofio, si è scoperto che, secondo la situazione esistente, il bambino prelevato dall'orfanotrofio non poteva essere restituito. La ragazza scoppiò in lacrime e cominciò a supplicare di non lasciarla. Alla fine fece in modo che il bambino vivesse con la portinaia. Forse questa storia è una trama mascherata del film. Uno studio del contesto ci mostra che l'opera raffigura Picasso, i suoi amici, Fernanda e un bambino: Picasso come arlecchino, il clown rosso - Guillaume Apollinaire, l'alto acrobata - Andre Salmon, il ragazzino - Max Jacob, Fernanda stessa e quella ragazza in piedi con le spalle allo spettatore. Sebbene nessuna delle due figure sia un ritratto esatto. La tensione emotiva e le preoccupazioni per la sorte del bambino sono espresse in tutti i personaggi della foto e si leggono nei loro occhi.
Il dipinto è ora alla National Gallery of Art di Washington.