Il pianista moderno più famoso al mondo. Pianisti moderni: elenco dei migliori pianisti del nostro tempo, opere. Anton e Nikolai Rubinstein

Grandi pianisti del passato e del presente sono davvero l’esempio più luminoso di ammirazione e imitazione. Tutti coloro che sono e sono stati interessati a suonare la musica al pianoforte hanno sempre cercato di copiare le migliori caratteristiche dei grandi pianisti: il modo in cui eseguono il lavoro, come sono riusciti a sentire il mistero di ogni nota e talvolta sembra che sia incredibile e una sorta di magia, ma tutto arriva con l'esperienza: se ieri sembrava irrealistico, oggi una persona stessa può eseguire le sonate e le fughe più complesse.

Il pianoforte è uno degli strumenti musicali più famosi, permea una varietà di generi musicali ed è stato utilizzato per creare molte delle composizioni più commoventi ed emozionanti della storia. E le persone che lo suonano sono considerate dei giganti del mondo della musica. Ma chi sono questi più grandi pianisti? Quando si sceglie il migliore sorgono molte domande: dovrebbe basarsi sull’abilità tecnica, sulla reputazione, sull’ampiezza del repertorio o sulla capacità di improvvisare? C'è anche la questione se valga la pena considerare quei pianisti che hanno suonato nei secoli passati, perché allora non c'erano apparecchiature di registrazione e non possiamo ascoltare le loro esecuzioni e confrontarle con quelle moderne. Ma durante questo periodo c'era un'enorme quantità di talenti incredibili, e se sono diventati famosi in tutto il mondo molto prima dei media, allora è giusto rendere loro omaggio. Tenendo conto di tutti questi fattori, ecco un elenco dei 7 migliori pianisti del passato e del presente.

Federico Chopin (1810-1849)

Il più famoso compositore polacco Federico Chopin fu uno dei più grandi virtuosi e pianisti del suo tempo.

La stragrande maggioranza delle sue opere furono create per pianoforte solo e, sebbene non esistano registrazioni della sua esecuzione, uno dei suoi contemporanei scrisse: "Chopin è il creatore del pianoforte e della scuola di composizione. In verità, nulla può essere paragonato alla facilità e alla dolcezza con cui il compositore cominciò a suonare il pianoforte." pianoforte, inoltre, le sue opere, piene di originalità, particolarità e grazia, non possono essere paragonate a nulla."

Franz Liszt (1811-1886)

A competere con Chopin per la corona di più grande virtuoso del XIX secolo fu Franz Liszt, compositore, insegnante e pianista ungherese.

Tra le sue opere più famose ci sono la sonata per pianoforte follemente complessa in si minore Années de pèlerinage e il valzer Mephisto Waltz. Inoltre, la sua fama come artista divenne leggenda, tanto che fu coniata la parola Lisztomania. Durante un periodo di otto anni di tournée in Europa all'inizio degli anni Quaranta dell'Ottocento, Liszt tenne più di 1.000 spettacoli, sebbene all'età relativamente giovane di 35 anni abbandonò la sua carriera di pianista e si concentrò interamente sulla composizione.

Sergej Rachmaninov (1873-1943)

Lo stile di Rachmaninoff fu forse piuttosto controverso per l'epoca in cui visse, poiché cercò di mantenere il romanticismo del XIX secolo.

Molti lo ricordano per le sue capacità allunga la mano 13 note(ottava più cinque note) e anche dando un breve sguardo agli studi e ai concerti da lui scritti si può verificare l'autenticità di questo fatto. Fortunatamente sono state conservate le registrazioni delle esecuzioni di questo brillante pianista, a cominciare dal suo Preludio in do diesis maggiore, registrato nel 1919.

Arthur Rubinstein (1887-1982)

Questo pianista polacco-americano è spesso citato come il miglior interprete di Chopin di tutti i tempi.

All'età di due anni gli fu diagnosticata l'orecchio assoluto e a 13 anni fece il suo debutto con l'Orchestra Filarmonica di Berlino. Il suo insegnante fu Karl Heinrich Barth, che a sua volta studiò con Liszt, per cui può tranquillamente essere considerato parte della grande tradizione pianistica. Il talento di Rubinstein, combinando elementi di romanticismo con aspetti tecnici più moderni, lo resero uno dei migliori pianisti del suo tempo.

Sviatoslav Richter (1915 - 1997)

Nella corsa per il titolo di miglior pianista del XX secolo, Richter è uno dei potenti interpreti russi emersi a metà del XX secolo. Ha mostrato grande impegno nei confronti dei compositori nelle sue esecuzioni, descrivendo il suo ruolo di "esecutore" piuttosto che di interprete.

Richter non era un grande fan del processo di registrazione, ma sopravvivono le sue migliori esibizioni dal vivo, tra cui quelle del 1986 ad Amsterdam, del 1960 a New York e del 1963 a Lipsia. Si atteneva a standard elevati e si rese conto che al concerto italiano di Bach, ha suonato la nota sbagliata, ha insistito sulla necessità di rifiutarsi di stampare l'opera su CD.

Vladimir Ashkenazy (1937 -)

Ashkenazi è uno dei leader nel mondo della musica classica. Nato in Russia, attualmente possiede la cittadinanza islandese e svizzera e continua ad esibirsi come pianista e direttore d'orchestra in tutto il mondo.

Nel 1962 vinse il Concorso Internazionale Čajkovskij e nel 1963 lasciò l'URSS e visse a Londra. Il suo ampio catalogo di registrazioni comprende tutte le opere per pianoforte di Rachmaninov e Chopin, le sonate di Beethoven, i concerti per pianoforte di Mozart, nonché opere di Scriabin, Prokofiev e Brahms.

Martha Argerich (1941-)

La pianista argentina Martha Argerich stupì il mondo intero con il suo talento fenomenale quando, all'età di 24 anni, vinse il Concorso Internazionale Chopin nel 1964.

Ora è riconosciuta come una delle più grandi pianiste della seconda metà del 20° secolo ed è rinomata per il suo modo di suonare appassionato e la sua abilità tecnica, nonché per le sue esecuzioni di opere di Prokofiev e Rachmaninov.

Sta a te scegliere la strada! Ma prima -

Ogni amante della musica classica può nominare il suo preferito.

Alfred Brendel non era un bambino prodigio e i suoi genitori non avevano nulla a che fare con la musica. La sua carriera è iniziata senza grandi clamori e si è sviluppata lentamente. Forse è questo il segreto della sua longevità? All'inizio di quest'anno, Brendel ha compiuto 77 anni, tuttavia, il suo programma di concerti a volte comprende 8-10 spettacoli al mese.

È stata annunciata una performance solista di Alfred Brendel per il 30 giugno presso la sala concerti del Teatro Mariinsky. Non è stato possibile trovare il pianista di questo concerto sul sito ufficiale. Ma c'è una data per il prossimo concerto di Mosca, che avrà luogo il 14 novembre. Tuttavia, Gergiev si distingue per la sua capacità di risolvere problemi irrisolvibili.

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Un altro contendente per il primo posto nella classifica improvvisata è Grigory Sokolov. Almeno questo è quello che diranno a San Pietroburgo. Di norma, una volta all'anno Sokolov viene nella sua città natale e tiene un concerto nella Sala Grande della Filarmonica di San Pietroburgo (l'ultimo è stato nel marzo di quest'anno), ma altrettanto regolarmente ignora Mosca. Quest'estate Sokolov giocherà in Italia, Germania, Svizzera, Austria, Francia, Portogallo e Polonia. Il programma prevede sonate di Mozart e preludi di Chopin. I punti del percorso più vicini alla Russia saranno Cracovia e Varsavia, dove Sokolov raggiungerà ad agosto.
Se si definisce Martha Argerich la migliore pianista tra le donne, qualcuno sicuramente obietterà: anche tra gli uomini. I fan del capriccioso cileno non sono imbarazzati dagli improvvisi sbalzi d'umore del pianista o dalle frequenti cancellazioni di concerti. La frase “il concerto è programmato, ma non garantito” è esattamente ciò che significa.

Martha Argerich trascorrerà questo giugno, come di consueto, nella città svizzera di Lugano, dove si svolgerà il suo festival musicale. Cambiano programmi e partecipanti, ma una cosa resta invariata: ogni sera la stessa Argerich partecipa all'esecuzione di una delle opere. A luglio Argerich si esibisce anche in Europa: a Cipro, Germania e Svizzera.

Il canadese Marc-Andre Hamelin è spesso definito l'erede di Glen Gould. Il paragone è zoppo su entrambe le gambe: Gould era un recluso, Hamelin è attivo in tournée, Gould è famoso per le sue interpretazioni matematicamente calcolate di Bach, Hamelin segna il ritorno dello stile virtuosistico romantico.

Marc-André Hamelin si è esibito a Mosca nel marzo di quest'anno nell'ambito dello stesso abbonamento di Maurizio Pollini. Hamelin sarà in tournée in Europa a giugno. Il suo programma include concerti da solista a Copenhagen e Bonn e un'apparizione a festival in Norvegia.

Se qualcuno vede Mikhail Pletnev suonare il piano, informa immediatamente le agenzie di stampa e diventerai l'autore di un fenomeno mondiale. Il motivo per cui uno dei migliori pianisti russi ha concluso la sua carriera artistica non può essere compreso dalla mente comune: i suoi ultimi concerti sono stati magnifici come al solito. Oggi il nome di Pletnev si trova sui manifesti solo come direttore d'orchestra. Ma speriamo ancora.
Un ragazzo serio oltre i suoi anni in un legame da pioniere: così viene ancora ricordato Evgeny Kissin, anche se né i pionieri né quel ragazzo si vedono da molto tempo. Oggi è uno dei musicisti classici più apprezzati al mondo. Fu lui che Pollini una volta definì il più brillante dei musicisti della nuova generazione. La sua tecnica è magnifica, ma spesso fredda, come se il musicista avesse perso qualcosa di molto importante insieme alla sua infanzia e non lo ritrovasse mai.

A giugno Evgeny Kissin è in tournée in Svizzera, Austria e Germania con l'orchestra Kremerata Baltica, eseguendo i concerti 20 e 27 di Mozart. La prossima tournée è prevista per ottobre: ​​Kissin accompagnerà Dmitry Hvorostovsky a Francoforte, Monaco, Parigi e Londra.

Arkady Volodos è un altro di quei “giovani arrabbiati” del pianismo attuale che rifiuta per principio i concorsi. È un vero cittadino del mondo: è nato a San Pietroburgo, ha studiato nella sua città natale, poi a Mosca, Parigi e Madrid. Innanzitutto, le registrazioni del giovane pianista, pubblicate dalla Sony, arrivarono a Mosca, e solo allora apparve lui stesso. Sembra che i suoi concerti annuali nella capitale stiano diventando la regola.

Arkady Volodos ha iniziato il mese di giugno con un'esibizione a Parigi; in estate lo si può ascoltare a Salisburgo, Rheingau, Bad Kissingen e Oslo, nonché nella piccola città polacca di Duszniki al tradizionale festival di Chopin.

Ivo Pogorelich vinse concorsi internazionali, ma la sua sconfitta gli portò fama mondiale: nel 1980, un pianista jugoslavo non fu ammesso al terzo turno del Concorso Chopin di Varsavia. Di conseguenza, Martha Argerich si dimise dalla giuria e la fama cadde sul giovane pianista.

Nel 1999, Pogorelich smise di esibirsi. Dicono che la ragione di ciò sia stata l'ostruzione a cui è stato sottoposto il pianista a Filadelfia e Londra da parte di ascoltatori scontenti. Secondo un'altra versione, la causa della depressione del musicista fu la morte di sua moglie. Pogorelich è recentemente tornato sul palco dei concerti, ma si esibisce poco.

L'ultima posizione della lista è la più difficile da riempire. Dopotutto, sono rimasti ancora tanti ottimi pianisti: Christian Zimmerman di origine polacca, l'americano Murray Perahia, la giapponese Mitsuko Ushida, il coreano Kun Woo Peck o il cinese Lang Lang. Vladimir Ashkenazy e Daniel Barenboim continuano la loro carriera. Qualsiasi amante della musica nominerà il suo preferito. Quindi lasciamo che un posto tra i primi dieci rimanga vacante.

Puoi guadagnarti da vivere con la musica, ma non guadagnerai mai una fortuna con il tuo talento. Ma queste persone - i pianisti più ricchi del mondo - sono riuscite a entrare nell'élite, inoltre, il loro capitale ammonta a milioni di dollari. Queste sono vere star che suonano magistralmente il pianoforte, si esibiscono in spettacoli e danno concerti grandiosi, scrivono la propria musica o semplicemente mettono tutta la loro anima nello strumento.

Musicisti e uomini di spettacolo

Il britannico Jools Holland (nome completo Julian Miles Holland) combina perfettamente la sua carriera di musicista con il lavoro nel settore televisivo. Compositore e uomo di spettacolo, fin da ragazzo lavorava nei pub londinesi e si guadagnava da vivere. Inoltre, ha scoperto una buona voce e il proprio stile di canto, quindi questo è diventato un ulteriore vantaggio per il giovane artista. Ha pubblicato diversi album e ha collaborato con Sting e George Harrison, David Gilmour ed Eric Clapton, Bono e Mark Knopfler. Le esibizioni in tutto il mondo hanno fruttato a Jules un patrimonio netto di 2 milioni di dollari.

Il cantante e pianista americano Michael Feinstein dà più di duecento spettacoli all'anno. La sua passione per il pianoforte nasce da bambino: i suoi genitori mandarono il figlio a prendere lezioni di musica, e fu allora che scoprì che poteva suonare senza note davanti ai suoi occhi. All'età di 20 anni, lui, come Jules, intratteneva la gente nei bar, e poi ha avuto la fortuna di entrare in un progetto grandioso. Ha registrato una vasta collezione di dischi (opere di Ira Gershwin). Il lavoro durò 6 anni, allo stesso tempo il musicista si esibì a Broadway, e in seguito si sottomise alla Carnegie Hall, alla Sydney Opera House, alla Casa Bianca e a Buckingham Palace: Michael tenne grandi concerti ovunque. Di conseguenza, il patrimonio netto di Feinstein è di $ 10 milioni.

Pianisti multigiocatore dotati

L'elenco dei pianisti più ricchi comprende anche una nativa dell'Unione Sovietica, Regina Spektor. È nata a Mosca, in una famiglia di musicisti; successivamente i suoi genitori (che hanno dato alla ragazza le prime lezioni) si sono trasferiti in America. Lì iniziò a suonare il pianoforte nella sinagoga. Regina ha studiato con Sonia Vargas, ha scritto canzoni e in seguito si è diplomata al conservatorio. Nel 2001 fu pubblicato il primo album della ragazza e tre anni dopo aveva già un contratto con la Sire Records. Gli interessi di Regina sono molteplici: non solo musica classica, ma anche folk, punk, hip-hop, rock, jazz, musica russa ed ebraica. Tour e registrazioni hanno fruttato al pianista 12 milioni di dollari.

La coetanea di Spector, Sara Bareilles, 35 anni, ha iniziato come membro del coro della sua scuola prima di unirsi a un gruppo a cappella. Da studentessa, Sarah ha lavorato in discoteche e bar, e in seguito ha iniziato ad esibirsi in festival e grandi locali. Il disco di debutto di Bareilles ha ottenuto riconoscimenti, presto ha firmato un contratto con la Epic Records, la sua carriera è decollata e ora Sarah si esibisce in tournée in tutta l'America. Il suo stile è il piano rock con influenze jazz e soul; suona non solo il pianoforte, ma anche la chitarra, l'armonium e l'ukulele. Concerti, duetti con Sheryl Crow e Norah Jones, esibizioni per la famiglia Obama, apparizioni in programmi televisivi, album e singoli hanno permesso a Sarah di guadagnare 16 milioni di dollari.

Fenomeno asiatico

Ed ecco un pianista classico - uno dei pianisti più ricchi della nostra "hit parade" - il rappresentante di China Lan Lan. Lui, il più giovane della classifica, ha raggiunto la fama (e un patrimonio netto di 20 milioni) piuttosto presto. Il suo primo incontro con la musica occidentale fu un frammento della serie televisiva cult “Tom e Jerry” (dove gli eroi eseguono la “Rapsodia ungherese n. 2” di Franz Liszt). Si diplomò al conservatorio e dopo numerose vittorie in concorsi fu considerato il miglior pianista del paese. Già all'età di 14 anni, Lan Lan si trasferì a Filadelfia ed entrò al Curtis Institute of Music. Un contratto da 3 milioni con la Sony, concerti per leader mondiali, tournée in Europa, Usa e Asia lo hanno reso il preferito di tutti e gli hanno permesso di entrare tra le cento persone più influenti del pianeta secondo Forbes.

Arrangiatore, improvvisatore, produttore

Compositore, interprete, produttore musicale, arrangiatore, organizzatore di una band con il suo stesso nome, Yanni Chrysomallis è nato in Grecia, ma ora vive negli Stati Uniti. Non ha deciso subito che la musica fosse la cosa più importante della sua vita. Inizialmente, Yanni entrò nel dipartimento di psicologia dell'Università del Minnesota e lì iniziò a imparare a suonare la tastiera. Il suo primo riconoscimento arrivò nel tour 1988-1989, quando si esibì con la Dallas Symphony Orchestra. Successivamente, Yanni ha fatto una carriera straordinaria con un gran numero di concerti, premi musicali e registrazioni uniche. Il capitale di Chrisomallis oggi è di 40 milioni di dollari.

Direttore della Scala

Il direttore musicale del leggendario teatro La Scala, il 72enne Daniel Barenboim, ha radici russe. I suoi genitori si sono trasferiti dall'URSS in Argentina, dove Daniel è cresciuto. Il ragazzo dotato ha tenuto il suo primo concerto all'età di 7 anni (suo padre e sua madre erano pianisti e hanno insegnato al figlio). Il percorso creativo del musicista è sorprendente: ha guidato la Chicago Symphony Orchestra, l'Orchestra di Parigi, l'Opera di Stato di Berlino, è Comandante onorario dell'Ordine dell'Impero Britannico, dell'Ordine della Legione d'Onore e ha ricevuto un Grammy sette volte. Il patrimonio del pianista è stimato a 50 milioni di dollari.

Il compositore cinematografico più premiato

Il compositore cinematografico più famoso e pluripremiato, John Williams, è anche uno dei pianisti più ricchi del mondo. Un capitale di 100 milioni di dollari, cinque Academy Awards (e 49 nomination), 21 Grammy, 4 Golden Globe e molti altri premi: questo è molto significativo! Williams ha scritto la musica per tutti i film di Steven Spielberg e i capolavori di George Lucas, tra cui Star Wars e la serie di Indiana Jones. John ha iniziato come pianista jazz esibendosi nei club di New York. Ha iniziato a scrivere musica per film negli anni '60 e da allora si è guadagnato il titolo di compositore cinematografico più famoso di tutti i tempi.

Leggende della musica

La seconda riga nella nostra classifica dei pianisti più ricchi è giustamente occupata da Billy Joel. Il suo "patrimonio netto" è di $ 160 milioni. Il musicista, cantante e cantautore William Martin Joel è cresciuto in una famiglia di musicisti: suo padre era un pianista classico e lui è diventato l'insegnante di suo figlio. Billy guadagnava soldi suonando il pianoforte mentre era ancora a scuola per aiutare sua madre con i soldi. Successivamente ha frequentato la Columbia University. Il suo primo album solista, Cold Spring Harbor, fu un completo disastro, ma alcune canzoni iniziarono ad essere trasmesse alla radio e Joel riuscì a firmare un contratto con la Columbia Records, dopo di che le cose iniziarono a migliorare per lui.

Il leader della classifica è favolosamente ricco: 440 milioni di dollari. Ha iniziato ad interessarsi al pianoforte all'età di tre anni e ha preso lezioni all'età di sette anni. Ben presto il ragazzo riuscì a vincere una borsa di studio alla Royal Academy of Music; durante i suoi studi si esibì in un pub vicino. La gente da tutte le strade circostanti accorreva qui per ascoltare il ragazzo. Il giovane pianista è diventato una rock star, ha conquistato tantissimi fan, ha conquistato migliaia di palchi, ha cantato duetti con i più grandi cantanti di tutti i tempi, ha registrato album e ha vinto numerosi premi. Hai già indovinato chi è? Il pianista più ricco (e talentuoso) del mondo è Elton John.

Riconoscere l'unico miglior pianista contemporaneo al mondo è un compito impossibile. Per ogni critico e ascoltatore, diversi maestri saranno idoli. E questa è la forza dell'umanità: il mondo contiene un numero considerevole di pianisti meritevoli e talentuosi.

Agrerich Marta Archerich

Il pianista è nato nella città argentina di Buenos Aires nel 1941. Ha iniziato a suonare lo strumento all'età di tre anni e all'età di otto ha fatto il suo debutto pubblico, durante il quale ha eseguito un concerto dello stesso Mozart.

La futura stella virtuosa ha studiato con insegnanti come Friedrich Gould, Arturo Ashkenazy e Stefan Michelangeli - alcuni dei più importanti pianisti classici del 20° secolo.

Dal 1957, Argerich iniziò a partecipare ad attività agonistiche e ottenne le sue prime grandi vittorie: il 1° posto al Concorso pianistico di Ginevra e al Concorso Internazionale Busoni.

Tuttavia, il vero straordinario successo di Martha arrivò nel momento in cui, all’età di 24 anni, riuscì a vincere il concorso internazionale Chopin nella città di Varsavia.

Nel 2005, ha vinto il premio Grammy più importante per la sua interpretazione di opere da camera dei compositori Prokofiev e Ravel, e nel 2006 per la sua interpretazione dell'opera di Beethoven con un'orchestra.

Sempre nel 2005, il pianista è stato insignito del Premio Imperiale Giapponese.

Il suo modo di suonare ardente e le sue straordinarie capacità tecniche, con l'aiuto delle quali esegue magistralmente opere dei compositori russi Rachmaninov e Prokofiev, non possono lasciare nessuno indifferente.

Uno dei pianisti contemporanei più famosi in Russia è il musicista Evgeniy Igorevich Kisin.

È nato il 10 ottobre 1971 a Mosca e all'età di sei anni è entrato alla Gnessin Music School. Anna Pavlovna Kantor divenne la sua prima e unica insegnante per il resto della sua vita.

Dal 1985 Kissin ha iniziato a dimostrare il suo talento all'estero. Nel 1987 debutta in Europa Occidentale.

Tre anni dopo, conquista gli Stati Uniti, dove esegue il 1° e il 2° concerto di Chopin con la New York Philharmonic Orchestra, e una settimana dopo si esibisce da solista.

Un altro dei più straordinari pianisti virtuosi russi moderni è il famoso Denis Matsuev.

Denis è nato nella città di Irkutsk nel 1975 da una famiglia di musicisti. I genitori hanno insegnato ai loro figli l'arte fin dalla tenera età. La prima insegnante del ragazzo fu sua nonna Vera Rammul.

Nel 1993, Matsuev entrò al Conservatorio di Stato di Mosca e 2 anni dopo divenne il solista principale della Filarmonica di Stato di Mosca.

Ha guadagnato fama mondiale dopo aver vinto il Concorso Internazionale Čajkovskij nel 1998, quando aveva solo 23 anni.

Preferisce combinare il suo approccio innovativo al suonare con le tradizioni della scuola pianistica russa.

Dal 2004 tiene una serie di concerti dal titolo "Solista Denis Matsuev", invitando le principali orchestre nazionali ed estere a collaborare con lui.

Cristiano Zimmermann

Christian Zimmerman (nato nel 1956) è un rinomato pianista contemporaneo di origine polacca. Oltre ad essere uno strumentista, è anche un direttore d'orchestra.

Le sue prime lezioni di musica gli furono insegnate da suo padre, un pianista dilettante. Christian ha poi continuato i suoi studi con il maestro Andrzej Jasinski in formato privato, per poi trasferirsi al Conservatorio di Katowice.

Iniziò a tenere i suoi primi concerti all'età di 6 anni e nel 1975 vinse il Concorso pianistico Chopin, diventando così il più giovane vincitore della storia. Nel corso dell'anno successivo, ha affinato le sue abilità pianistiche con il famoso pianista polacco Arthur Rubinstein.

Christian Zimmermann è considerato un brillante interprete dell'opera di Chopin. La sua discografia comprende registrazioni di tutti i concerti per pianoforte di Ravel, Beethoven, Brahms e, naturalmente, del suo idolo principale, Chopin, nonché registrazioni sonore di opere di Liszt, Strauss e Respiha.

Dal 1996 insegna alla Hochschule für Musik di Basilea. Ha ricevuto i premi Chigi e Leonie Sonning Academy.

Nel 1999 ha creato l'Orchestra del Festival Polacco.

Wang Yujia è un rappresentante cinese dell'arte pianistica. Ha guadagnato fama grazie al suo modo di suonare virtuoso e incredibilmente veloce, per il quale le è stato assegnato lo pseudonimo di "Flying Fingers".

La città natale della pianista contemporanea cinese è Pechino, dove ha trascorso la sua infanzia in una famiglia di musicisti. All'età di 6 anni iniziò le prove sullo strumento a tastiera e un anno dopo entrò al Conservatorio Centrale della capitale. All'età di 11 anni venne iscritta per studiare in Canada e dopo 3 anni si trasferì finalmente in un paese straniero per ulteriori studi.

Nel 1998, ha ricevuto il premio del Concorso Internazionale per Giovani Pianisti della città di Ettlingen, e nel 2001, oltre al premio sopra descritto, i giudici hanno assegnato a Wang un premio assegnato a pianisti sotto i 20 anni per un importo di 500.000 yen (in rubli - 300.000).

La pianista suona con successo anche compositori russi: ha registrato il secondo e il terzo concerto di Rachmaninoff, nonché il secondo concerto di Prokofiev.

Fazil Say è un pianista e compositore contemporaneo turco nato nel 1970. Ha studiato al Conservatorio di Ankara e poi nelle città della Germania: Berlino e Dusseldorf.

Oltre al suo lavoro al pianoforte, vale la pena notare le sue qualità di compositore: nel 1987, la composizione del pianista “Black Hymns” è stata eseguita in onore del 750° anniversario della città.

Nel 2006 ha avuto luogo a Vienna la prima del suo balletto “Patara”, scritto sulla base del tema di Mozart, ma questa volta una sonata per pianoforte.

Due compositori occupano un posto importante nel repertorio pianistico di Sai: i titani della musica Bach e Mozart. Ai concerti alterna composizioni classiche con le proprie.

Nel 2000 ha fatto un esperimento insolito, correndo il rischio di registrare il balletto “La sagra della primavera” per due pianoforti, eseguendo entrambe le parti con le proprie mani.

Nel 2013 è stato indagato penalmente per dichiarazioni su un social network riguardanti il ​​tema dell'Islam. Il tribunale di Istanbul ha concluso che le parole del musicista erano dirette contro la fede musulmana e ha condannato Fazil Say a 10 anni di reclusione con sospensione della pena.

Nello stesso anno il compositore presentò istanza per un nuovo processo, il cui verdetto fu nuovamente confermato a settembre.

Altro

Semplicemente non è possibile parlare di tutti i pianisti moderni in un unico articolo. Pertanto, elenchiamo coloro i cui nomi sono significativi oggi nel mondo della musica classica:

• Daniel Barenboim da Israele;
• Yundi Li dalla Cina;
• Dalla Russia;
• Murray Perahia dagli Stati Uniti d'America;
• Mitsuko Uchida dal Giappone;
• dalla Russia e molti altri maestri.

MSE "Scuola d'Arte del Distretto Shemonaikha Akimat"

Progetto di ricerca

Grandi pianisti - interpreti

Secoli XIX, XX, XXI

Preparato da: Tayurskikh Daria 5a elementare

Podfatilov Denis 3a elementare

Guida del gruppo:

insegnante di scuola d'arte

Dobzhanskaya Yu.B.

G. Shemonaikha, 2016.

Introduzione……………………...……...2

XIX secolo…………………..3

XX secolo…………………..……………..13

XXI secolo…………………..……………….24

Conclusione…………………………………………………..............

... "pianoforte - è l’inizio e la fine di tutto, non tanto uno strumento musicale quanto uno stile di vita, e il significato non è nella musica per amore della musica, ma nella musica per amore del pianoforte”.

Herold Schonberg

Pianisti– Questo musicisti, specializzato nell'esecuzione pianistica di opere musicali.

Grandi pianisti. Come si diventa grandi pianisti? Si tratta sempre di un'enorme mole di lavoro. E tutto inizia durante l'infanzia. Molti pianisti e compositori hanno iniziato a studiare musica all’età di 4 o addirittura 3 anni.Poi, quando si forma una forma di palma "larga", che in futuro aiuta a suonare magistralmente.

A seconda dell'epoca di sviluppo della musica per pianoforte, ai pianisti venivano talvolta avanzate richieste diametralmente opposte. Inoltre, la professione di musicista si sovrappone inevitabilmente alla professione di compositore. La maggior parte dei pianisti compone la propria musica per pianoforte. E solo rari virtuosi sono riusciti a diventare famosi eseguendo esclusivamente melodie di altre persone.
In ogni caso, come ogni musicista, è importante che un pianista sia sincero ed emozionale, capace di perdersi nella musica che esegue.

La storia della musica per pianoforte è piuttosto interessante. Ci sono diverse fasi, ognuna delle quali ha le sue tradizioni. Spesso i canoni di un'epoca venivano stabiliti da uno (meno spesso diversi) compositori che suonavano magistralmente uno strumento (all'inizio era il clavicembalo, poi il pianoforte).

Pertanto, evidenziando tre epoche nella storia del pianismo, prendono il nome dai compositori più famosi: Mozart, Liszt e Rachmaninoff. Se usiamo la terminologia tradizionale degli storici, queste erano rispettivamente le epoche del classicismo, quindi del romanticismo e del primo modernismo.

Ognuno di loro rimase per secoli un grande compositore, ma ai suoi tempi ognuno definì anche le tendenze chiave del pianismo: classicismo, romanticismo e primo modernismo. Allo stesso tempo, altri grandi pianisti hanno agito contemporaneamente a ciascuno di loro. Alcuni di loro furono anche grandi compositori. Questi erano: Franz Schubert, Ludwig van Beethoven, Johann Brahms, Frederic Chopin, Charles Valentin Alkan, Robert Schumann e altri.

Se fai un viaggio nella storia della scienza del pianoforte, puoi imparare molte cose interessanti. Ad esempio, che in tempi diversi, in epoche diverse, le tradizioni chiave nel suonare il pianoforte furono determinate da uno o più grandi compositori che suonavano fluentemente il clavicembalo e più tardi, con l'avvento del pianoforte, furono ottimi pianisti.

Molti famosi pianisti hanno intrattenuto e deliziato gli ascoltatori e gli amanti della musica nel corso della storia. Il pianoforte è diventato uno degli strumenti più apprezzati sin dalla sua invenzione grazie alla sua versatilità e al suono piacevole. Sebbene la storia abbia preservato diversi nomi di magnifici pianisti, qualsiasi recensione dei pianisti più famosi è molto soggettiva ed è difficile inserire i nomi di tali artisti in un unico elenco.

Tuttavia, ci sono ancora pianisti che sono riusciti a raggiungere l'apice della fama e del riconoscimento in tutto il mondo.

XIXsecolo

Nella seconda metà del XIX secolo entrò nella vita musicale un nuovo strumento: pianoforte. L'inventore di questo “clavicembalo con pianoforte e forte” fu un maestro padovano

Bartolomeo Cristofori.

Migliorando gradualmente, il pianoforte ha preso un posto dominante nella pratica musicale. Uno strumento con meccanica a martello ha permesso di produrre suoni di varia intensità e di applicarli gradualmente crescendoEdiminuendo. Queste qualità del pianoforte corrispondevano al desiderio di espressività emotiva del suono, di trasmissione nel loro movimento e sviluppo di immagini, pensieri e sentimenti che preoccupavano le persone.

Con l'avvento del pianoforte e la sua introduzione nella pratica esecutiva nascono nuovi rappresentanti.

19esimo secolo proporre una galassia di compositori eccezionali che hanno ampliato significativamente i confini dei mezzi tecnici ed espressivi del pianoforte. Nelle più grandi città, centri europei di cultura musicale e performativa, importanti scuole di pianoforte, Questo:

Londra(Muzio Clementi, Johann Baptist Kramer, John Field);

viennese(Ludwig van Beethoven, Johann Nepomuk Hummel, Karl Czerny, Ignaz Moscheles, Sigismund Thalberg, ecc.);

Parigino, in seguito noto come francese(Friedrich Kalkbrenner, Henri Hertz, Antoine Francois Marmontel, Louis Diemer, ecc.);

Tedesco(Carl Maria Weber, Ludwig Berger, Felix Mendelssohn-Bartholdy, Robert Schumann, Hans Bülow, ecc.);

russo(Alexander Dubuk, Mikhail Glinka, Anton e Nikolai Rubinstein, ecc.).

Stile di esecuzione del XIX secolo

La storia dello sviluppo della tecnica pianistica è la storia delle culture e degli stili. Tra le abilità indispensabili di un pianista dei secoli XVIII e XIX avrebbe dovuto esserci l'improvvisazione, quindi il pianista non si era ancora separato dal compositore e se eseguiva la musica di qualcun altro, allora la regola era considerata molto libera, individualmente Nel trattamento creativo del testo musicale, c'era una pratica di colorazione e variazioni che oggi è considerata inaccettabile.

Lo stile dei maestri del XIX secolo era pieno di tale ostinazione artistica che lo considereremmo del tutto insapore e inaccettabile.

A lui appartiene un ruolo eccezionale nello sviluppo della musica per pianoforte e della cultura pianistica Scuole di Londra e Vienna.

Il fondatore della London School fu un famoso virtuoso, compositore e insegnante

Muzio Clementi (1752 -1832)

Muzio Clementi e i suoi studenti suonavano il pianoforte inglese, che aveva un suono eccezionale e richiedeva una pressione chiara e forte dei tasti, poiché questo strumento aveva una tastiera molto stretta. Il pianoforte viennese, progettato dal maestro Johann Stein e prediletto da Mozart, aveva un suono più melodioso, anche se non così forte, e aveva una tastiera relativamente leggera. Pertanto, divenuto direttore e poi comproprietario di una delle più grandi aziende di pianoforti d'Inghilterra, Clementi ottenne miglioramenti negli strumenti inglesi, conferendo loro maggiore melodiosità e alleggerendo la tastiera. L'impulso a ciò fu l'incontro personale di Clementi con Mozart nel 1781 a Vienna, dove si svolse la loro peculiare competizione come compositori e pianisti alla corte dell'imperatore austriaco. Clementi rimase colpito dalla sincerità del modo di suonare di Mozart e dal suo "canto al pianoforte".

Muzio Clementi - autore di numerose opere per pianoforte e grande insegnante, ha creato la propria scuola di pianoforte. Fu autore dei primi esercizi tecnici e studi didattici della storia del pianoforte, dando un'idea dei suoi principi metodologici.

Lo stesso Clementi e i suoi studenti (I. Kramer, D. Field - uno degli studenti più dotati, E. Brekr) - grandi virtuosi dell'inizio del XIX secolo - si distinguevano per l'eccellente tecnica delle dita. Clementi, insieme ai suoi studenti, ha creato una metodologia progressiva incentrata sullo sviluppo di nuovi modi di interpretare lo strumento, sull'uso del suono pienamente “da concerto” e sulla prospettiva del rilievo. Opera pedagogica di M. Clementi “Il passo verso il Parnaso, ovvero l'arte di suonare il pianoforte, incarnata in 100 esercizi in uno stile rigoroso ed elegante”. Quest'opera è una scuola fondamentale per lo sviluppo delle abilità pianistiche; 100 esercizi stupiscono per la varietà dei contenuti e la portata dei compiti esecutivi assegnati. Molti rappresentanti della scuola londinese furono audaci innovatori nel campo del pianismo, che utilizzarono nelle loro composizioni, oltre ai passaggi con le dita, doppie note, ottave, formazioni di accordi, prove e altre tecniche che conferivano al suono brillantezza e varietà.

La scuola Clementi ha dato origine ad alcune tradizioni nella pedagogia pianistica:

il principio di molte ore di esercizi tecnici;

suonare con dita “isolate”, a forma di martello, con mano ferma;

rigore del ritmo e dinamiche contrastanti.

I fondatori della Scuola di Vienna furono grandi compositori pianisti: Haydn, Mozart e Beethoven.

Un importante rappresentante della pedagogia pianistica progressiva godeva di grande fama

Karl (Karel) Czerny (1791-1857)

La "Scuola di pianoforte teorica e pratica" di Czerny ha molte somiglianze con il "Manuale" di Hummel. Parlando in dettaglio della tecnica del suonare, delle modalità del suo sviluppo e dell'acquisizione delle competenze necessarie per un pianista, sottolinea nella terza parte del suo lavoro che tutto questo è solo “un mezzo per raggiungere il vero obiettivo dell'arte , che, senza dubbio, significa mettere l’anima e lo spirito nell’esecuzione e quindi influenzare i sentimenti e i pensieri degli ascoltatori.”

Si dovrebbe concludere che i metodi di insegnamento del 19° secolo erano ridotti a compiti puramente tecnici, basati sul desiderio di sviluppare la forza e la fluidità delle dita attraverso molte ore di allenamento. Insieme a questo, nella prima metà del XIX secolo, gli artisti più dotati, la maggior parte dei quali studenti di Clementi, Adam, Czerny, Field e altri insegnanti eccezionali, che raggiunsero un alto virtuosismo, svilupparono coraggiosamente nuove tecniche di suonare il pianoforte, raggiungendo il potenza del suono dello strumento, brillantezza e brillantezza di passaggi complessi. Di particolare importanza nella trama delle loro opere erano le strutture di accordi, le ottave, le doppie note, le prove, le tecniche di spostamento della mano e altri effetti che richiedevano la partecipazione dell'intera mano.

Parigi del XIX secolo - è il centro della cultura musicale e dell'abilità virtuosistica. È considerato il fondatore della scuola pianistica parigina compositore, pianista, insegnante

Friedrich Kalkbrenner (1785-1849)

La sua opera "Metodo per imparare a suonare il pianoforte utilizzando un manipolo" (1830) ha confermato l'uso di dispositivi tecnici per lo sviluppo di vari tipi di tecniche (fine, allungamento muscolare, ecc.). Caratteristica le scuole di questo tipo sono una comunità pedagogica autoritaria installazioni. L'addestramento è iniziato con lo sviluppo della posizione corretta sullo strumento e la padronanza delle più semplici formule tecnico-motorie, e solo molto più tardi gli studenti hanno iniziato ad apprendere brani musicali.

Il desiderio di virtuosismo ha portato all'accelerazione del ritmo delle lezioni, all'abuso di esercizi di natura meccanica, che hanno portato a malattie professionali e ad una diminuzione del controllo uditivo.

Germania del XIX secolo L'influenza dell'attività letteraria-critica e pedagogica sull'estetica romantica di questo paese è significativa

Roberta Schumann (1810-1856)

Un posto significativo nelle opere di Robert Schumann è stato occupato dallo sviluppo delle domande sulla formazione di un musicista - un vero artista di un nuovo tipo, fondamentalmente diverso dai virtuosi alla moda. Il compositore considera questo uno dei mezzi più efficaci per elevare la cultura musicale.

I problemi della pedagogia musicale sono toccati nelle opere di R. Schumann “Regole domestiche e di vita per musicisti”, “Appendice all'album per giovani”, nella prefazione agli Studi basati sui Capricci di Paganini Or.Z. delle principali questioni musicali e pedagogiche è la seguente: l'interazione dell'educazione etica ed estetica, l'acquisizione di una conoscenza profonda e versatile che costituisce la base di qualsiasi formazione, la formulazione dei principi dell'arte seria e la critica della tendenza e della passione del salone per la “tecnica per la tecnologia” nelle arti compositive e performative; la lotta al dilettantismo.

Le visioni musicali e pedagogiche di Schumann sono servite e continuano a servire come base per metodi moderni avanzati. La musica per pianoforte del compositore è ancora attivamente utilizzata nei programmi educativi a tutti i livelli.

È impossibile non dire di un così grande compositore e virtuoso pianista polacco

Federico Chopin (1810-1849)

Nella prima metà del XIX secolo, Frédéric Chopin divenne il primo compositore a scrivere musica esclusivamente per pianoforte. Da bambino dotato, Chopin scrisse molti brani per pianoforte belli e complessi che nel corso degli anni deliziarono molti studenti ed artisti di pianoforte. Chopin conquistò rapidamente Parigi. Ha subito stupito il pubblico con la sua performance originale e insolita. A quel tempo Parigi era inondata di musicisti provenienti da vari paesi. I più popolari erano i pianisti virtuosi. Il loro modo di suonare si è distinto per la perfezione tecnica e la brillantezza che hanno sbalordito il pubblico. Ecco perché il primo concerto di Chopin suonava in un contrasto così netto. Secondo i ricordi dei contemporanei, la sua performance è stata sorprendentemente spirituale e poetica. Il famoso musicista ungherese Franz Liszt ricorda il primo concerto di Chopin. Inizia anche la sua brillante carriera di pianista e compositore: “Ricordiamo la sua prima esibizione alla Pleyel Hall, quando gli applausi, che crescevano con raddoppiata forza, sembravano incapaci di esprimere sufficientemente il nostro entusiasmo di fronte al talento, che, insieme alla gioia innovazioni nel campo della sua arte, hanno aperto una nuova fase nello sviluppo del sentimento poetico." Chopin conquistò Parigi, proprio come Mozart e Beethoven conquistarono Vienna. Come Liszt, è stato riconosciuto come il miglior pianista del mondo.

Compositore, pianista, direttore d'orchestra, insegnante ungherese

Franz Liszt (1811-1886)

Contemporaneo e amico di F. Chopin. L'insegnante di pianoforte di Ferenc era K. Czerny.

Esibendosi in concerti dall'età di nove anni, Liszt divenne famoso inizialmente come pianista virtuoso.

Nel 1823-1835. visse e tenne concerti a Parigi, dove si svolse anche la sua attività didattica e compositiva. Qui il musicista incontrò e si avvicinò a G. Berlioz, F. Chopin, J. Sand e altre figure di spicco dell'arte e della letteratura.

Nel 1835-1839 Liszt viaggiò in Svizzera e in Italia e durante questo periodo perfezionò la sua abilità di pianista.

Nel suo lavoro di composizione, Liszt ha avanzato l'idea di una sintesi di diverse arti, principalmente musica e poesia. Quindi il suo principio fondamentale è programmatico (la musica è composta per una trama o un'immagine specifica). Il risultato del viaggio in giro per l'Italia e della conoscenza dei dipinti dei maestri italiani è stato il ciclo pianistico “Anni di vagabondaggio”, così come la sonata fantasy “Dopo aver letto Dante”.

Anche Franz Liszt diede un enorme contributo allo sviluppo della musica per pianoforte da concerto.

Cultura musicale della Russia nel XIX secolo. sembra una sorta di “macchina del tempo”. In cento anni, la Russia ha attraversato un viaggio di tre secoli, con il quale lo sviluppo regolare e graduale delle scuole di composizione nazionali nei grandi paesi dell'Europa occidentale non può essere paragonato. E solo in questo momento i compositori russi furono in grado, nel vero senso della parola, di padroneggiare la ricchezza accumulata dell'arte popolare e di far rivivere i pensieri della gente nelle forme belle e perfette della musica classica.

Alla fine del XVIII - inizio del XIX secolo. La pedagogia musicale in Russia sta muovendo i primi passi: si sta formando una scuola di pianoforte russa. È caratterizzato dallo sviluppo attivo di metodi di insegnamento stranieri e allo stesso tempo il desiderio degli insegnanti russi avanzati di creare una scuola nazionale di pianismo.

A differenza dell'Europa occidentale, la Russia non conosceva una cultura del clavicembalo altamente sviluppata, sebbene il clavicembalo fosse conosciuto fin dal XVI secolo. Gli ascoltatori russi mostravano grande interesse esclusivamente per la musica vocale e gli strumenti a tastiera esistenti in Russia venivano usati per accompagnare il canto e la danza. Solo alla fine del XVIII secolo. L'interesse per imparare a suonare il clavicembalo sta crescendo. La Scuola di clavicordo di Simon Lelein ed estratti dalla “Scuola di clavicordo” di Daniel Gottlieb Türk sono stati pubblicati in russo.

All’inizio dell’Ottocento risale la pubblicazione del trattato di Vincenzo Manfredini “Regole armoniche e melodiche per l’insegnamento di tutta la musica”. Insieme a questo, nella prima metà del XIX secolo, furono pubblicate in russo varie scuole di pianoforte di musicisti stranieri: “School of Piano Playing” di M. Clementi (1816), “Complete Practical School for Piano” di D. Steibelt ( 1830), “Scuola” di F. Gunten (1838) e altri.

Tra i musicisti-insegnanti di spicco della prima metà del XIX secolo. c'erano I. Prach, John Field, Adolf Henselt, A. Gerke, Alexander Villuan.

Durante questi anni in Russia furono prodotte anche scuole di autori nazionali, i cui compilatori cercarono di avvicinare i metodi di insegnamento ai compiti di educazione dei musicisti russi. Il repertorio della “Scuola” di I. Pracha (ceco, vero nome Jan Bohumir, anno di nascita sconosciuto, morto nel 1818; compositore, che lavorò a lungo a San Pietroburgo come insegnante di musica in varie istituzioni educative) comprendeva , ad esempio, molte opere di autori russi.

Nel manuale originale I. Pracha“La scuola completa per pianoforte...” (1806) teneva conto delle specificità della cultura esecutiva russa; sono state sollevate questioni sull'educazione musicale dei bambini. Prach ha dato un contributo significativo allo sviluppo della pedagogia pianistica. Specifica le disposizioni teoriche sulla base di istruzioni metodologiche che determinano diverse modalità di esecuzione (figurazioni armoniche, arpeggi e accordi, ottave spezzate, ecc.) con esempi che illustrano una particolare tecnica o movimento.

Attività J. Campo come musicista e insegnante è stato di grande importanza per la pedagogia pianistica russa. Ha formato una galassia di musicisti famosi, come M. Glinka, A. Verstovsky, A. Gurilev, A. Gerke e molti altri. La Field School è stata, ovviamente, di grande importanza. Può essere considerato il fondatore della più importante scuola pianistica. Negli anni 20-30. 19esimo secolo Nei suoi studi, Field ha cercato di subordinare il lavoro tecnico a obiettivi artistici: fraseggio espressivo, finitura in filigrana del suono di ogni nota, rivelando il contenuto dell'opera.

A. HenseltEA. Gehrke

Hanno insegnato in istituti di istruzione generale e al Conservatorio di San Pietroburgo. Il loro metodo pedagogico rifletteva la direzione progressista della scuola pianistica russa, vale a dire: sviluppo di orizzonti basati sull'uso di un vasto repertorio, il desiderio di favorire l'indipendenza degli studenti. Erano ardenti oppositori dei metodi di “addestramento” e “perforazione”.

A. Villano era un insegnante dalla mentalità progressista. Il suo ruolo storico è quello di svelare il talento musicale di A. Rubinstein da bambino e di riuscire a dare la giusta direzione al suo sviluppo. Gli aspetti migliori del metodo pedagogico di Villouin, manifestati nelle sue attività pratiche, si riflettevano nella sua “Scuola” (1863). Il metodo di produzione del suono da lui scoperto - "cantare" al pianoforte - divenne uno dei potenti mezzi artistici per suonare di A. Rubinstein. La "scuola" copre una grande quantità di conoscenze legate alla formazione tecnica e all'educazione musicale del pianista. Particolarmente preziose sono le opinioni di Villouin sull'ottenimento di un suono di pianoforte profondo e melodioso, sullo sviluppo del legato, per il quale vengono utilizzate tecniche ben fondate che non hanno perso il loro significato fino ad oggi.

Nella storia dell'arte russa pre-rivoluzionaria e post-rivoluzionaria, il ruolo principale appartiene a Conservatori di San Pietroburgo e Mosca

più grandi centri di cultura musicale del paese. Le attività di entrambi i conservatori si svilupparono a stretto contatto, determinato non solo dalla comunanza dei loro compiti, ma anche dal fatto che gli studenti del Conservatorio di San Pietroburgo lavoravano spesso a Mosca e i moscoviti diventavano insegnanti del Conservatorio di San Pietroburgo .

Così, P. I. Čajkovskij si diplomò al Conservatorio di San Pietroburgo, poi divenne uno dei primi professori al Conservatorio di Mosca; L. Nikolaev (uno studente di V. Safonov al Conservatorio di Mosca) - in seguito uno dei principali rappresentanti della scuola di pianoforte di Leningrado; Gli studenti di Nikolaev V. Sofronitsky e M. Yudina hanno lavorato a Mosca per diversi anni.

Fondatori dei Conservatori di San Pietroburgo e Mosca, fratelli

Anton e Nikolai Rubinstein,

Negli anni alla guida dei Conservatori si gettarono le basi fondamentali per la formazione dei giovani musicisti. I loro studenti (A. Siloti, E. Sauer - studenti di Nikolai; G. Cross, S. Poznanskaya, S. Drucker, I. Hoffman - studenti di Anton) sono diventati i primogeniti di una galassia di giovani artisti che hanno ottenuto riconoscimenti da la comunità musicale mondiale.

Grazie agli sforzi dei fratelli Rubinstein, la pedagogia pianistica russa fu acquisita nell'ultimo terzo del XIX secolo. enorme autorità e riconoscimento internazionale. È a loro che la Russia deve il fatto di aver conquistato uno dei primi posti nell'insegnamento del pianoforte.

Possiamo concludere che sia i musicisti-insegnanti avanzati dell'Europa occidentale che quelli russi del XIX secolo cercavano modi ragionevoli e originali per influenzare lo studente. Stavano cercando modi efficaci per semplificare il lavoro tecnico. Utilizzando in modo creativo le tradizioni della musica clavicembalistica e le idee sviluppatesi nei secoli precedenti sull'essenza del processo di formazione della tecnica esecutiva di un pianista, la metodologia del 19° secolo. arrivò alla giustificazione di un principio esecutivo appropriato: l'uso olistico dell'apparato pianistico. Fu nel XIX secolo che venne creata una base di studi ed esercizi davvero grandiosa, che ancora oggi rimane indispensabile nell'insegnamento del pianoforte.

L'analisi del materiale musicale mostra che i suoi creatori sono inerenti al desiderio di cercare movimenti di esecuzione naturali, principi di diteggiatura associati alle caratteristiche strutturali della mano umana.

Allo stesso tempo, va notato che il 19 ° secolo. ha dato alla pedagogia e all'educazione musicale un sistema di idee brillanti e promettenti e, soprattutto, il desiderio di educare un musicista ben istruito attraverso lo sviluppo opportuno della sua individualità creativa.

XXsecolo

20 secolo: il periodo di massimo splendore dell'arte pianistica. Questo periodo è insolitamente ricco di pianisti eccezionali e di eccezionale talento.

All'inizio del XX secolo divennero famosi Hoffman E Cortot, Schnabel E Paderewski. E naturalmente, CON. Rachmaninov, il genio dell'età dell'argento, che ha segnato una nuova era non solo nella musica per pianoforte, ma anche nella cultura mondiale nel suo insieme.

La seconda metà del 20 ° secolo è l'era di pianisti famosi come Svjatoslav Richter, Emil Gilels, Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein, Wilhelm Kempff.L'elenco continua...

Stile di esecuzione del XX secolo

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Questo è il desiderio di una profonda comprensione del testo musicale, di una trasmissione accurata delle intenzioni del compositore e di una comprensione dello stile e del carattere della musica come base per un'interpretazione realistica delle immagini artistiche incorporate nell'opera.

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Fine del XIX - inizio del XX secolo. - un periodo estremamente movimentato nella storia della cultura artistica mondiale. Il confronto tra la cultura democratica delle masse, che entravano sempre più nella lotta per i propri diritti sociali, e la cultura d'élite della borghesia si intensificò estremamente.

I più grandi artisti di questo tempo hanno riconosciuto le caratteristiche della crisi nell'evoluzione della nuova musica: "Viviamo in un'epoca in cui le basi dell'esistenza umana stanno vivendo uno shock", ha affermato I. F. Stravinsky, l'uomo moderno sta perdendo il senso del valore e della stabilità .... Poiché lo spirito stesso è malato, la musica del nostro tempo e soprattutto ciò che essa crea, ciò che considera vero, porta con sé segni di insufficienza patologica." Confessioni simili si sono sentite più di una volta dalla bocca di altri maggiori musicisti.

Ma, nonostante gli impatti della crisi dell’epoca, la musica raggiunse nuovi brillanti traguardi. La pedagogia pianistica si è arricchita di molti lavori interessanti. L'attenzione degli autori delle opere pubblicate è stata rivolta alle questioni relative alle abilità artistiche degli studenti.

I più importanti insegnanti pianisti G. Neuhaus, G. Hoffman, I. Kogan metodi sviluppati per un apprendimento di successo da parte degli studenti.

Heinrich Gustavovich Neuhaus (1888-1964) - pianista, insegnante, scrittore musicale. Fondatore della più grande scuola di pianisti sovietica. Tutto ciò di cui scrive è intriso di un amore appassionato per l'arte, per la musica per pianoforte e per l'esecuzione.

Di grande interesse per noi è il libro intitolato “Sull’arte di suonare il pianoforte”.

Il libro è scritto in un linguaggio vivace e figurato, pieno di giudizi su molti compositori, esecutori e insegnanti. Pone nuovi problemi e domande che preoccupano ogni pianista. Ci sono molte pagine in esso che hanno il carattere di un'autobiografia musicale, dedicata ai ricordi del proprio percorso creativo. Tuttavia, in questa improvvisazione emergono chiaramente le opinioni dell’autore sull’arte pianistica e sui compiti di un insegnante. Nelle sue opere, Neuhaus scrive dell'immagine artistica, del ritmo, del suono, del lavoro sulla tecnica, della diteggiatura e della pedalata, dei compiti dell'insegnante e dello studente e dell'attività concertistica di un musicista.

Con grande persuasività, mostra che il cosiddetto metodo del "libro di testo", che fornisce principalmente una ricetta - "regole dure", anche se vero e provato, sarà sempre solo un metodo iniziale, semplificato, costantemente bisognoso di sviluppo, chiarimento , quando confrontato con la vita reale, addizione o, come lui stesso dice, "in una trasformazione dialettica". Si oppone aspramente e con temperamento al "metodo dell'allenatore" e al "risucchio infinito delle stesse opere" nel lavoro pedagogico, contro la falsa posizione secondo cui "la regia può fare tutto con gli studenti". Si sforza di risolvere dialetticamente non solo problemi musicali ed esecutivi generali, ma anche questioni tecniche più specifiche.

Definendo il ruolo dell'insegnante, Neuhaus ritiene che l'insegnante dovrebbe sforzarsi di essere non tanto un insegnante di pianoforte quanto un insegnante di musica.

Nel suo lavoro pedagogico, Neuhaus ha prestato particolare attenzione al rapporto tra “musicale” e “tecnico”. Quindi, prima di tutto, ha cercato di superare l'incertezza tecnica e la rigidità dei movimenti dello studente nella sfera di influenza sulla psiche dello studente, nei modi della musica stessa. Faceva lo stesso quando consigliava ai suoi studenti metodi per lavorare su “luoghi difficili”. A suo avviso, tutto ciò che è “difficile”, “complesso”, “non familiare” dovrebbe, se possibile, essere ridotto a qualcosa di più “facile”, “semplice”, “familiare”; allo stesso tempo, ha fortemente consigliato di non abbandonare il metodo della difficoltà crescente, poiché con l'aiuto di questo metodo il giocatore acquisisce le capacità e l'esperienza che gli permetteranno di risolvere completamente il problema.

Infine, Neuhaus si è sforzato in tutto di avvicinare lo studente alla musica, di rivelargli il contenuto dell'opera mostrata e non solo di ispirarlo con una vivida immagine poetica, ma anche di fornirgli un'analisi dettagliata della forma e la struttura dell'opera - melodia, armonia, ritmo, polifonia, trama - in una parola, rivela allo studente le leggi della musica e le modalità della sua attuazione.

Parlare di ritmo Neuhaus sottolinea l'enorme importanza del "senso dell'insieme", la capacità di "pensare a lungo", come uno degli elementi più importanti che costituiscono il processo esecutivo, senza la quale il pianista non può suonare in modo soddisfacente alcuna opera importante dal punto di vista vista del modulo.

L'autore considera la sottovalutazione un grosso errore di un pianista. suono (ascolto insufficiente del suono) e la sua rivalutazione, cioè “assaporarne la sensuale bellezza”. Ponendo la domanda in questo modo, Neuhaus ridefinisce il concetto di bellezza del suono - non in modo astratto, senza alcun collegamento con lo stile e il contenuto, ma deducendolo dalla comprensione dello stile e del carattere della musica eseguita.

Allo stesso tempo, sottolinea che il lavoro musicale e la “fiducia musicale” da soli non risolvono il problema della padronanza della tecnica pianistica. È necessario anche l’allenamento fisico, compreso il gioco lento e forte. “Quando si fa questo tipo di lavoro”, aggiunge, “bisogna osservare le seguenti regole: assicurarsi che il braccio, tutto il braccio, dalla mano all'articolazione della spalla, sia completamente libero, non si “congela” da nessuna parte, non non pizzica, non si “indurisce”, non perde la sua potenziale (!) flessibilità mantenendo la massima calma ed effettuando solo i movimenti strettamente “necessari”.

Determinare la tua visione su diteggiatura, Neuhaus scrive che la diteggiatura migliore è quella che consente di trasmettere con maggiore precisione il significato di una determinata musica. Definisce la diteggiatura associata allo spirito, al carattere e allo stile musicale dell'autore la più bella ed esteticamente giustificata.

Neuhaus definisce il problema in modo simile pedalata. Dice giustamente che le regole generali su come prendere il pedale si riferiscono alla pedalata artistica come alcune sezioni della sintassi si riferiscono al linguaggio di un poeta. In sostanza, secondo lui, non esiste un pedale corretto. Il pedale artistico è inseparabile dall'immagine sonora. Questi pensieri sono supportati nel libro da una serie di esempi interessanti, dai quali è chiaro quale importanza l'autore attribuisse alle varie tecniche di pedalata.

Si può solo dire che Neuhaus considerava la tecnica del pianista come qualcosa di organicamente connesso con la comprensione della musica e le aspirazioni artistiche. Questa, infatti, è la base della scuola di spettacolo sovietica in generale e, in particolare, della scuola Neuhaus, che ha formato artisti meravigliosi come S. Richter, E. Gilels, J. Zak e molti altri pianisti eccezionali.

Articoli e libri rappresentano un contributo unico alla scuola pianistica sovietica

Grigory Mikhailovich Kogan (1901-1979)

Nel libro "At the Gates of Mastery" l'autore parla dei prerequisiti psicologici per il successo del lavoro pianistico. In questo lavoro identifica “tre anelli principali”: una visione chiara dell’obiettivo, focalizzazione su questo obiettivo e una volontà persistente di raggiungerlo. Egli nota giustamente che questa conclusione non è nuova e si applica non solo ai pianisti, ma a qualsiasi campo dell'arte e dell'attività lavorativa umana.

Nella prefazione al libro parla dell’importanza della psiche del pianista, del ruolo della corretta sintonia psicologica nel suo lavoro, che è una condizione necessaria per una pratica di successo. Questo argomento è di grande interesse non solo per gli artisti, ma anche per gli insegnanti, dai quali molto dipende dalla formazione della psiche dello studente e dalla sua sintonia psicologica.

Parlando di obiettivo, volontà, attenzione, concentrazione, autocontrollo, immaginazione e altri elementi che determinano il successo nel lavoro di un pianista, Kogan aggiunge a loro la necessità di un desiderio appassionato di esprimere le immagini musicali concepite e amate in una forma ideale. Dedica particolare attenzione al tema della “calma creativa” e all'eccitazione dell'esecutore prima di un'esibizione e mentre suona ad un concerto.

Considerando le varie fasi del lavoro di un pianista su un brano, Kogan caratterizza in dettaglio tre fasi di questo processo: 1) visione e riproduzione preliminare, 2) apprendimento per brani, 3) “assemblaggio” dell'opera come fase finale.

Kogan si è soffermato in particolare sui temi del fraseggio, della diteggiatura, del raggruppamento tecnico e della rappresentazione mentale delle difficoltà. Quasi tutto ciò che ha analizzato si basa sui principi pianistici di Busoni.

Il libro contiene anche un'analisi di alcuni aspetti delle arti performative, che hanno ricevuto relativamente poca attenzione nella letteratura metodologica. Tra questi, ad esempio, la questione del sottotesto verbale di vari episodi di opere pianistiche, che può fungere da “guida ausiliaria all'intonazione”, consentendo di “trovare più facilmente la distribuzione naturale del respiro, una “pronuncia” convincente del intonazioni individuali”.

Dopo aver studiato l'eredità pedagogica di Kogan, possiamo concludere che le opere di Kogan caratterizzano in gran parte le linee guida metodologiche fondamentali della moderna scuola pianistica sovietica nell'arte dell'esecuzione pianistica.

Uno dei più grandi pianisti dell'inizio del nostro secolo, è la gloria delle arti performative del XX secolo

Joseph Hoffmann (1876-1957)

Il destino dell'artista in tournée - un fenomeno che in una forma civilizzata preserva le tradizioni dei musicisti erranti - è diventato per molto tempo il destino di Hoffmann. Hoffman era anche impegnato in attività didattiche, ma non erano così brillanti come quelle performative.

Hoffmann attribuiva grande importanza al periodo di formazione. La necessità di un insegnante, l'esigenza di fidarsi di lui, la sua importanza per la formazione di un artista: questi sono i motivi che compaiono più volte sulle pagine dei libri di Hoffmann. Lo stesso Hoffmann fu fortunato con i suoi insegnanti: erano il famoso pianista e compositore Moritz Moszkowski (autore di brillanti studi virtuosistici e spettacoli da salotto) e il famoso Anton Rubinstein, l'incontro con il quale divenne uno degli eventi principali nella vita creativa di Hoffmann.

Un altro evento importante nella vita di Hoffman, che influenzò radicalmente il suo destino creativo, il suo modo di pensare e il suo stile di vita, fu il trasferimento in America (e successivamente l’adozione della cittadinanza americana). Da qui: una visione sobria e pratica della vita, un approccio professionale a qualsiasi problema, compresi quelli creativi; Questa praticità puramente americana è evidente sia nei libri che negli articoli.

Nel suo libro pubblicato nel 1914 intitolato “Piano Playing Answers to Questions about Piano Playing”, è importante che Hoffmann identifichi i principi generali che contribuiscono a suonare bene il pianoforte. Sottolinea il vantaggio di esercitarsi al mattino. Si consiglia di non studiare per più di un'ora o al massimo due ore consecutive. Tutto dovrebbe dipendere dalle tue condizioni fisiche. Consiglia inoltre di modificare il tempo e la sequenza delle opere studiate. L’attenzione del pianista è rivolta alle discussioni sulla “tecnologia” del suonare il pianoforte, che ha capito brillantemente. Hoffmann considera importante il lavoro senza strumento (anche con e senza note).

Particolarmente importanti sono i pensieri di Hoffmann sulla “tecnica mentale”: la necessità di iniziare l’analisi di un’opera teatrale con un’analisi della forma e della trama; inoltre, nel processo di analisi, ogni passaggio “deve essere completamente preparato mentalmente prima di essere provato al pianoforte”.

Hoffman è molto moderno in molte caratteristiche del suo stile. Ci è vicino nella sua praticità: tutto è essenzialmente, niente di superfluo.

Genio della Silver Age, grande pianista, compositore, direttore d'orchestra

Sergej Rachmaninov (1873-1943)

Ha iniziato a studiare musica in modo sistematico all'età di cinque anni età. Nel 1882 Sergei entrò a San Pietroburgo conservatorio. Nel 1885 si trasferì a Mosca e divenne studente al Conservatorio di Mosca, dove studiò prima con il famoso pianista-insegnante N. S. Zverev (il cui allievo era anche il compositore e pianista russo Alexander Nikolaevich Scriabin), e dal 1888 con il pianista e direttore d'orchestra Alexander Ilyich Ziloti (pianoforte); compositore, pianista e direttore d'orchestra Anton Stepanovich Arensky (composizione, strumentazione, armonia); compositore, pianista e personaggio musicale e pubblico Sergei Ivanovich Taneyev (contrappunto alla scrittura rigorosa).

Rachmaninov è uno dei più grandi musicisti a cavallo tra il XIX e il XX secolo. La sua arte si distingue per veridicità vitale, orientamento democratico, sincerità e pienezza emotiva dell'espressione artistica. Rachmaninov ha seguito le migliori tradizioni dei classici musicali, principalmente russi. Era un cantante pieno di sentimento di natura russa.

Nelle sue opere coesistono strettamente impulsi appassionati di protesta inconciliabile e contemplazione silenziosa, tremante prontezza e determinazione volitiva, cupa tragedia e inno entusiasta. La musica di Rachmaninov, che possiede un'inesauribile ricchezza polifonica melodica e subvocale, ha assorbito le origini della canzone popolare russa e alcune caratteristiche del canto di Znamenny. Uno dei fondamenti originali dello stile musicale di Rachmaninov è la combinazione organica di ampiezza e libertà del respiro melodico con energia ritmica. Il tema della patria, centrale nell’opera matura di Rachmaninov. Il nome di Rachmaninov come pianista è alla pari con i nomi di F. Liszt e A. G. Rubinstein. La tecnica fenomenale, la profondità del tono melodioso, il ritmo flessibile e imperioso erano completamente subordinati al modo di suonare di Rachmaninov.

La fama di Rachmaninov come pianista fu piuttosto grande e presto divenne davvero leggendaria. Le sue interpretazioni della propria musica e delle opere di compositori romantici - Fryderyk Chopin, Robert Schumann, Franz Liszt - hanno avuto un successo particolare. L'attività concertistica di Rachmaninov come pianista virtuoso itinerante in città e paesi è continuata ininterrotta per quasi 25 anni.

In America, dove per coincidenza si è trasferito a vivere, ha ottenuto uno straordinario successo che non ha mai accompagnato qui un artista straniero. Gli ascoltatori erano attratti non solo dalle elevate capacità interpretative di Rachmaninov, ma anche dal suo stile di gioco e dall'ascetismo esterno, che nascondeva la natura brillante di un musicista brillante. "Una persona capace di esprimere i propri sentimenti in questo modo e con tale forza deve prima di tutto imparare a dominarli perfettamente, ad esserne il padrone..." si leggeva in una delle recensioni.

Le registrazioni del grammofono dell'esecuzione di Rachmaninov danno un'idea della sua tecnica fenomenale, del senso della forma e dell'atteggiamento eccezionalmente responsabile nei confronti dei dettagli. Il pianismo di Rachmaninov ha influenzato maestri eccezionali dell'esecuzione pianistica come Vladimir Vladimirovich Sofronitsky, Vladimir Samoilovich Horowitz, Svyatoslav Teofilovich Richter, Emil Grigorievich Gilels.

Pianista americano - virtuoso di origine ebraico-ucraina, uno dei più grandi pianisti del XX secolo

Vladimir Samoilovich Horowitz

(1903-1989)

Nato in Russia dal 1928 negli Stati Uniti. Rappresentante dello stile di esecuzione romantico (opere di F. Liszt, incluse nelle sue trascrizioni, Fryderyk Chopin, compositori russi, ecc.).

Vladimir Horowitz studiò con V. Pukhalsky, S. V. Tarnovsky e F. M. Blumenfeld alla Scuola di Musica di Kiev, che fu trasformata nel Conservatorio di Kiev nel settembre 1913. Dopo la laurea nel 1920, V. Horowitz non ricevette mai un diploma, poiché non aveva un certificato di completamento della palestra. Eseguì il suo primo concerto da solista a Kharkov nel 1920 (ma il primo concerto pubblico documentato ebbe luogo nel dicembre 1921 a Kiev). Poi tenne concerti in varie città della Russia insieme a un giovane violinista di Odessa, Nathan Milstein, per i quali fu spesso pagato in pane anziché in denaro, a causa della difficile situazione economica del Paese.

Dal 1922, Horowitz, dando concerti nelle città di Russia, Ucraina, Georgia e Armenia, ha accumulato un repertorio gigantesco. Ad esempio, in tre mesi (novembre 1924 - gennaio 1925) eseguì più di 150 opere nella famosa "serie di Leningrado", composta da 20 concerti. Nonostante i suoi primi successi come pianista, Horowitz sostenne di voler diventare un compositore, ma scelse la carriera di pianista per aiutare la sua famiglia, che aveva perso tutta la sua fortuna durante la Rivoluzione del 1917. Il successo dei “figli della Rivoluzione” (come li chiamò Lunacarskij in uno dei suoi articoli) fu stupefacente. Club di fan di questi giovani musicisti sorsero in molte città.

Nel settembre 1925, Vladimir Horowitz ebbe l'opportunità di recarsi in Germania (ufficialmente sarebbe partito per studiare). Prima di partire, ha imparato e suonato il primo concerto di P. I. Tchaikovsky a Leningrado. Grazie a questa composizione divenne famoso in Europa. Questo concerto ha avuto un ruolo "fatale" nella vita del pianista: ogni volta, ottenendo il trionfo in Europa e in America, Horowitz ha eseguito il primo concerto di Čajkovskij. Seguendo il pianista, anche Milstein partì per la Germania nel dicembre 1925. In Europa, entrambi i musicisti guadagnarono rapidamente la fama di brillanti virtuosi. Horowitz fu scelto dalle autorità sovietiche per rappresentare l'Ucraina al primo Concorso Internazionale Chopin nel 1927, ma il pianista decise di rimanere in Occidente e quindi non partecipò al concorso. Fino al 1940 fece tournée in quasi tutti i paesi europei con concerti e ovunque ebbe un successo straordinario. A Parigi, quando suonava V. Horowitz, i gendarmi venivano chiamati per calmare il pubblico, che rompeva le sedie in estasi. Nel 1928, Vladimir Horowitz tenne una brillante esibizione alla Carnegie Hall di New York e fece tournée in molte città americane con clamoroso successo.

Pianista russo con radici tedesche

Sviatoslav Teofilovich Richter

(1915 – 1997)

Trascorse l'infanzia e la giovinezza a Odessa, dove studiò con il padre, pianista e organista formatosi a Vienna, e lavorò come accompagnatore al teatro dell'opera. Tenne il suo primo concerto nel 1934. All'età di 22 anni, formalmente autodidatta, entrò al Conservatorio di Mosca, dove studiò con Heinrich Neuhaus. Nel 1940 fece la sua prima apparizione pubblica a Mosca, eseguendo la Sesta Sonata di Prokofiev; successivamente divenne il primo esecutore delle sue sonate 7a e 9a (quest'ultima dedicata a Richter). Nel 1945 vinse il Concorso All-Union dei musicisti.

Fin dai suoi primi passi in ambito professionale venne percepito come un virtuoso e musicista di eccezionale caratura.

Per diverse generazioni di musicisti e amanti della musica sovietici e russi, Richter non è stato solo un pianista eccezionale, ma anche un portatore della più alta autorità artistica e morale, la personificazione di un moderno musicista-educatore universale. L'enorme repertorio di Richter, che si espanse fino agli ultimi anni della sua vita attiva, comprendeva musica di epoche diverse, dal Clavicembalo ben temperato di Bach e le Suites di Handel al Concerto di Gershwin, dalle Variazioni di Webern ai Movimenti di Stravinsky.

In tutti gli ambiti del repertorio, Richter ha dimostrato di essere un artista unico, combinando l'assoluta obiettività nel suo approccio al testo musicale (seguendo attentamente le istruzioni dell'autore, controllo sicuro sui dettagli, evitando esagerazioni retoriche) con un tono drammatico insolitamente alto e spirituale focus dell’interpretazione

L'acuta consapevolezza di Richter della responsabilità nei confronti dell'arte e la capacità di dedicarsi si manifestavano nel suo speciale impegno per le performance d'insieme. All'inizio della carriera di Richter, i suoi principali partner nell'ensemble erano il pianista, studente di Neuhaus Anatoly Vedernikov, la cantante Nina Dorliak (soprano, moglie di Richter), la violinista Galina Barinova, il violoncellista Daniil Shafran, Mstislav Rostropovich (la loro perfetta, veramente classica collaborazione nella sua propria modo - tutte le sonate per violoncello di Beethoven). Nel 1966 iniziò la collaborazione tra Richter e David Oistrakh; nel 1969 hanno presentato in anteprima la Sonata per violino di Shostakovich. Richter era un partner frequente del Quartetto. Borodin e ha collaborato volentieri con musicisti della generazione più giovane, tra cui Oleg Kagan, Elizaveta Leonskaya, Natalia Gutman, Yuri Bashmet, Zoltan Kocsis, i pianisti Vasily Lobanov e Andrei Gavrilov. L'arte di Richter come solista e musicista d'ensemble è immortalata in un gran numero di registrazioni in studio e di concerti.

Pianista sovietico, artista popolare dell'URSS

Emil Grigorevich Gilels (1916-1985)

Emil ha iniziato a suonare il pianoforte all'età di cinque anni e mezzo; il suo primo insegnante è stato Yakov Tkach. Avendo rapidamente ottenuto un notevole successo, Gilels fece la sua prima apparizione pubblica nel maggio 1929, eseguendo opere di Liszt, Chopin, Scarlatti e altri compositori. Nel 1930, Gilels entrò all'Istituto di musica di Odessa (ora Conservatorio di Odessa).

E l'anno successivo vince il Concorso pianistico tutto ucraino, e un anno dopo incontra Arthur Rubinstein, che parla con approvazione della sua performance.

La fama arrivò al musicista dopo la sua vittoria nel 1933 al Primo Concorso di musicisti dell'Unione, seguito da numerosi concerti in tutta l'URSS. Dopo essersi diplomato al Conservatorio di Odessa nel 1935, Gilels entrò nella scuola di specializzazione del Conservatorio di Mosca nella classe di Heinrich Neuhaus.

Nella seconda metà degli anni '30, il pianista ottenne un grande successo internazionale: si classificò secondo al concorso internazionale di Vienna (1936), perdendo solo contro Yakov Flier, e due anni dopo si vendicò di lui, vincendo il Concorso Ysaïe di Bruxelles, dove Flier è rimasto al terzo posto. Ritornato a Mosca, Gilels iniziò a insegnare al conservatorio come assistente di Neuhaus.

Durante la guerra, Gilels partecipò al lavoro di mecenatismo militare, nell'autunno del 1943 tenne concerti nella Leningrado assediata e dopo la fine della guerra tornò ad attività concertistiche e didattiche attive. Si esibiva spesso con la sorella minore, la violinista Elizaveta Gilels, e con Yakov Zak. Nel 1950] formò un trio con pianoforte insieme a Leonid Kogan (violino) e Mstislav Rostropovich (violoncello), e nel 1945 tenne per la prima volta concerti all'estero (diventando uno dei primi musicisti sovietici a cui fu permesso di farlo), fece tournée in Italia, Svizzera, Francia e paesi scandinavi. Nel 1954 fu il primo musicista sovietico ad esibirsi alla Pleyel Hall di Parigi. Nel 1955, il pianista divenne il primo musicista sovietico a venire a tenere concerti negli Stati Uniti, dove eseguì il Primo Concerto per pianoforte di Čajkovskij e il Terzo Concerto di Rachmaninov con l'Orchestra di Filadelfia diretta da Eugene Ormandy, e presto tenne un concerto da solista alla Carnegie Hall, che è stato un enorme successo. Negli anni '60 e '70 Gilels era uno dei musicisti sovietici più ricercati al mondo, trascorrendo circa nove mesi all'anno tra concerti e tournée all'estero.

Riassumendo, vorrei sottolineare che i principi metodologici e i libri dei più importanti rappresentanti del pianismo sovietico mostrano che le opinioni di questi musicisti, nonostante l'individualità del loro approccio all'esecuzione pianistica e alla pedagogia, avevano molto in comune. Questo è il desiderio di una profonda comprensione del testo musicale, di una trasmissione accurata delle intenzioni del compositore e di una comprensione dello stile e del carattere della musica come base per un'interpretazione realistica delle immagini artistiche incorporate nell'opera.

Una tipica affermazione a questo proposito è GG Neuhaus: "Stiamo parlando tutti della stessa cosa, ma con parole diverse." Questa generalità determina i principi della scuola pianistica sovietica, che formò meravigliosi pianisti e insegnanti eccezionali.

XXIsecolo

Cos'era e com'era l'arte esecutiva pianistica nel XX secolo?

Quali novità stanno emergendo all’inizio del 21° secolo?

Com'è comune suonare il pianoforte oggi, nel secondo decennio del 21° secolo?

Stile di performance del 21° secolo

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All'inizio del 21 ° secolo, continuano ad esistere due direzioni principali dell'arte performativa musicale: virtuosismo trascendentale e interpretazione significativa. Alla fine del XX secolo queste direzioni si concentrarono sempre più, isolandosi le une dalle altre. Tuttavia, nacque un nuovo fenomeno quando i pianisti poterono servire contemporaneamente entrambe le correnti dell'arte performativa.

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Le tradizioni dello spettacolo sono influenzate da mania della competizione totale, in In questo caso, l'eccezionale livello competitivo dell'esecuzione di opere musicali sta diventando uno schema sempre più diffuso da seguire, anche sul palco dei concerti.

Gli ideali della registrazione del suono e il livello competitivo delle prestazioni, influenzando le tradizioni concertistiche, richiedevano un aumento significativo della qualità dell'esecuzione del pianoforte. Ogni pezzo del programma, e non solo i bis, dovrebbe suonare al livello di un capolavoro dell'arte performativa. Ciò che è stato possibile in studio grazie all'ingegneria del suono e al montaggio computerizzato da diverse opzioni di performance, sul palco dovrebbe accadere in questo preciso istante, qui e ora.

Concorsi e festival internazionali contribuiscono alla globalizzazione dell'arte pianistica.

Molto spesso apprendiamo i loro nomi dopo la competizione di Čajkovskij. Questo concorso ha portato la fama a pianisti come: Van Cliburn, Vladimir Ashkenazy, Vladimir Krainev, Mikhail Pletnev, Boris Berezovsky, Nikolai Lugansky, Egeny Kissin, Denis Matsuev, Zhaniya Aubakirova...

Pianista americano che ha conquistato i cuori russi

Primo vincitore del Concorso Internazionale Čajkovskij (1958)

Van Cliburn (1934-2013)

Il pianista americano Van Cliburn (alias Harvey Levan Clyburn) è forse il musicista straniero più amato nel nostro Paese. Fu il pubblico russo il primo ad apprezzare le capacità interpretative di Van Cliburn; fu dopo la sua visita in Russia che divenne un musicista di fama mondiale.

Ha ricevuto le sue prime lezioni di pianoforte all'età di tre anni da sua madre. Quando Cliburn aveva sei anni, la famiglia si trasferì in Texas, dove vinse un concorso all'età di tredici anni e presto fece il suo debutto alla Carnegie Hall.

Nel 1951 entrò alla Juilliard School, nella classe di Rosina Levina, e negli anni successivi ricevette numerosi premi in prestigiosi concorsi americani e internazionali.

Il nome di Cliburn divenne famoso in tutto il mondo dopo la sua sensazionale vittoria al primo Concorso Internazionale Čajkovskij a Mosca nel 1958. Il giovane pianista ha conquistato la simpatia sia dei membri della giuria che del pubblico. Ciò fu tanto più sorprendente dato che l’azione ebbe luogo nel pieno della Guerra Fredda. Al suo ritorno in patria, Cliburn ricevette un'accoglienza magnifica ed entusiasta. Il musicista era intriso di amore e rispetto per l'URSS e dopo la competizione venne a tenere concerti più di una volta.

Van Cliburn è stato in tournée sia nel suo paese d'origine che all'estero. Si è esibito davanti a reali e capi di stato e davanti a tutti i presidenti degli Stati Uniti. È diventato il primo artista di musica classica ad avere un album di platino. La sua interpretazione del Primo Concerto per pianoforte di Čajkovskij ha venduto oltre un milione di copie.

Dal 1962, il concorso pianistico Van Cliburn si tiene a Fort Worth, in Texas.

Pianista russo, insegnante di musica, personaggio pubblico

Vladimir Vsevolodovich Krainev

(1944-2011)

Il talento musicale di Vladimir Krainev si è manifestato nella scuola di musica specializzata secondaria di Kharkov, nella quale è entrato all'età di 5 anni. Due anni dopo, la sua prima esibizione ebbe luogo sul grande palco: insieme all'orchestra eseguì il concerto di Haydn e il primo concerto di Beethoven.

Con il supporto degli insegnanti di Kharkov, Krainev è entrato alla Scuola Centrale di Musica di Mosca al Conservatorio. Čajkovskij alla classe di Anaida Sumbatyan. Nel 1962 entrò al Conservatorio. Čajkovskij nella classe di Heinrich Neuhaus, e dopo la sua morte studiò con il figlio Stanislav Neuhaus, con il quale completò i suoi studi universitari nel 1969.

Il riconoscimento mondiale arrivò a Vladimir Krainev all'inizio degli anni '60, quando vinse i premi principali nei principali concorsi internazionali a Leeds (Gran Bretagna, 1963) e Lisbona (Portogallo, 1964). Dopo un'esibizione a Leeds, il giovane pianista ha ricevuto un invito a fare una tournée negli Stati Uniti. Nel 1970 vinse una brillante vittoria al IV Concorso Internazionale intitolato a P.I. Čajkovskij a Mosca.

Dal 1966, Vladimir Krainev è solista della Filarmonica di Stato di Mosca. Dal 1987 - professore al Conservatorio di Mosca. Dal 1992 - Professore presso la Scuola Superiore di Musica e Teatro di Hannover (Germania).

Vladimir Krainev ha effettuato numerose tournée in Europa e negli Stati Uniti, esibendosi con direttori d'eccezione come Gennady Rozhdestvensky, Carlo Maria Giulini, Kurt Masur, Yuri Temirkanov, Vladimir Spivakov, Dmitry Kitayenko, Saulius Sondeckis.

Krainev è stato l'organizzatore del festival “Vladimir Krainev Invites” in Ucraina e del Concorso Internazionale per Giovani Pianisti a Kharkov (dal 1992), a lui intitolato.

Nel 1994, il pianista ha creato la Fondazione internazionale di beneficenza per giovani pianisti. La Fondazione ha fornito assistenza e sostegno ai futuri musicisti professionisti, ha creato le condizioni per la loro creatività in Russia e all'estero, organizza tournée e concerti di giovani musicisti e sostiene istituzioni educative di cultura e arte.

Famoso direttore d'orchestra e pianista, Artista popolare della RSFSR, fondatore e direttore dal 1990 al 1999 e dal 2003 ad oggi dell'Orchestra Nazionale Russa. Vincitore della medaglia d'oro al Concorso Internazionale Tchaikovsky del 1978 e del Grammy Award nel 2004.

Mikhail Vasilievich Pletnev è nato a1957

Pletnev trascorse la sua infanzia a Saratov e Kazan, e all'età di 7 anni iniziò a frequentare la scuola di musica al Conservatorio di Kazan per studiare pianoforte. Dall'età di 13 anni ha studiato alla Scuola Centrale di Musica del Conservatorio Ciajkovskij di Mosca. Nel 1973, il sedicenne Pletnev vinse il Gran Premio al Concorso Internazionale Giovanile di Parigi e l'anno successivo entrò al Conservatorio di Mosca, studiando con i professori Yakov Flier e Lev Vlasenko.

Nel 1977, Pletnev vinse il primo premio al Concorso pianistico All-Union di Leningrado, e nel 1978 vinse una medaglia d'oro e il primo premio al Concorso Internazionale Ciajkovskij di Mosca. Nel 1979, Pletnev si diplomò al conservatorio e nel 1981 si diplomò alla scuola di specializzazione, dopo di che divenne assistente di Vlasenko e successivamente iniziò a insegnare nella sua classe di pianoforte.

Diventato solista del Concerto di Stato nel 1981, Pletnev divenne famoso come pianista virtuoso; la stampa notò le sue interpretazioni dell'opera di Čajkovskij, ma anche le sue esecuzioni di Bach, Beethoven, Rachmaninoff e altri compositori. Pletnev ha collaborato con direttori d'orchestra famosi come Vladimir Ashkenazy, Alexander Vedernikov, Mstislav Rostropovich, Valery Gergiev, Rudolf Barshai e le orchestre sinfoniche più famose del mondo, tra cui la London Symphony e la Los Angeles Philharmonic.

Nel 1980, Pletnev fece il suo debutto come direttore d'orchestra e dieci anni dopo, nel 1990, con l'aiuto di donazioni straniere, creò l'Orchestra Sinfonica Nazionale Russa indipendente (in seguito ribattezzata Orchestra Nazionale Russa, RNO) e fino al 1999 ne fu il direttore artistico. direttore, direttore d'orchestra e fondo presidenziale. Nel 2008, Pletnev è diventato direttore ospite dell'Orchestra Sinfonica della Svizzera Italiana (Orchestra della Svizzera italiana). Nel 2006, Pletnev ha creato il Fondo nazionale di sostegno alla cultura. Dal 2006 al 2010 Pletnev è stato membro del Consiglio presidenziale della Federazione Russa per la Cultura e l'Arte e dal 2007 al 2009 è stato membro della Commissione della Federazione Russa per l'UNESCO.

Pianista, insegnante, professore e rettore kazako del Conservatorio nazionale kazako intitolato a Kurmangazy,

Artista popolare del Kazakistan, vincitore di concorsi internazionali, professore

Zhaniya Yakhiyaevna Aubakirova è nata nel 1957

Laureato al Conservatorio Statale di Alma-Ata da cui prende il nome. Kurmangazy, Conservatorio Statale di Mosca. P. I. Tchaikovsky e scuola di specializzazione (con il professor L. N. Vlasenko).

Dal 1979 - accompagnatore del Teatro Accademico Statale dell'Opera e del Balletto. Abai e assistente tirocinante al Conservatorio di Stato di Mosca. PI Čajkovskij. 1981 - insegnante senior, professore associato, capo del dipartimento di pianoforte speciale presso l'omonimo Conservatorio statale di Alma-Ata. Kurmangazy. Dal 1983 - solista della Filarmonica di Stato kazaka da cui prende il nome. Dzhambula. Dal 1993 - professore al Conservatorio statale di Almaty dal nome. Kurmangazy. 1994 - viene fondata la “Scuola d'autore di Zhania Aubakirova”, che lavora utilizzando metodi e tecnologie didattiche moderne. Dal 1997 - rettore del Conservatorio nazionale kazako intitolato a Kurmangazy. Sotto la sua guida, il conservatorio è diventato la principale università musicale del paese e il centro culturale ed educativo della repubblica; nel 2001 gli è stato conferito lo status nazionale.

1998 - Su iniziativa di Zhania Aubakirova, viene organizzata l'agenzia musicale "Classics", che con grande successo ha tenuto le "Stagioni kazake in Francia", ha organizzato concerti in più di 18 paesi, ha registrato più di 30 CD e più di 20 musical film sugli artisti kazaki. 2009 - a novembre, l'Orchestra Sinfonica Studentesca del Conservatorio Nazionale del Kazakistan. Kurmangazy ha girato cinque grandi città degli Stati Uniti: Los Angeles, San Francisco, Washington, Boston e New York. Giovani musicisti, insieme al loro rettore, l'artista popolare della Repubblica del Kazakistan Zhaniya Aubakirova, si sono esibiti nelle sale più famose del mondo: il Kennedy Center e la Carnegie Hall.

Concerti solisti ed esibizioni di Zhania Aubakirova con orchestre famose, che promuovono i classici della musica mondiale e le opere dei compositori kazaki, si tengono regolarmente in Kazakistan, nelle più grandi sale da concerto in Francia, Inghilterra, Germania, Giappone, Russia, Polonia, Italia, Stati Uniti, Israele, Grecia e Ungheria. Le grandi sale del Conservatorio Čajkovskij di Mosca e della Filarmonica di San Pietroburgo, la Casa della Musica di Mosca.

Eccezionale pianista del nostro tempo

Boris Berezovskynato nel 1969

Entra al Conservatorio di Mosca nella classe dell'eccezionale pianista Eliso Virsaladze. Dopo qualche tempo, Berezovsky si sente “affollato” nella classe di Eliso Virsaladze, dove si suona solo il repertorio tradizionale, così inizia a prendere lezioni private da Alexander Sats. Sats apre nuovi orizzonti alla musica classica russa per Boris Berezovsky. Con lui Berezovsky inizia a interpretare Medtner, molto Rachmaninov e molti altri. Ma Boris Berezovsky non riuscì mai a completare i suoi studi al Conservatorio di Mosca; fu espulso per aver partecipato al Concorso Čajkovskij mentre superava gli esami finali. Ma questa circostanza non gli ha impedito affatto di diventare l'esecutore più virtuoso e ricercato del nostro tempo.

Da più di dieci anni Boris Berezovsky si esibisce con le orchestre più famose del mondo: la BBC Orchestra, la London and New York Philharmonic, la New Japan Philharmonic Orchestra, la Birmingham e la Philadelphia Symphony Orchestra. Berezovsky partecipa costantemente a vari festival di musica da camera e i suoi concerti da solista possono essere ascoltati a Berlino e New York, Amsterdam e Londra. Parla fluentemente inglese e francese.

Il pianista ha una discografia abbastanza estesa. Le ultime registrazioni dei suoi concerti hanno ricevuto i voti più alti dalla critica. L'Associazione discografica tedesca assegna un alto riconoscimento alle sonate di Rachmaninov interpretate da Boris Berezovsky. Le registrazioni delle opere di Ravel sono state incluse nelle classifiche classiche di Le Monde de la Musique, Diapason, BBC Music Magazine e Independent.

Boris Berezovsky è il vincitore della medaglia d'oro al 9° Concorso Internazionale Čajkovskij, è chiamato il “nuovo Richter”, il suono di Berezovsky, con pianissimo trasparente e un ricco spettro di sfumature dinamiche, è riconosciuto come il più perfetto tra i pianisti della sua generazione . Oggi puoi ascoltare sempre più Boris Berezovsky sui principali palcoscenici dei concerti in Russia.

Uno degli artisti ispirati e intelligenti, russo pianista , insegnante, solista Filarmonica di Stato di Mosca , Artista popolare russo

NicolathLeó HIVPratí Inglese è nato in1972

Il suo modo di suonare è riuscito ad assorbire tutto il meglio che la scuola centrale di musica e il conservatorio di Mosca potevano offrire.

Questo ispirato interprete, in possesso di una brillante tecnica esecutiva, possiede ora un raro dono per un approccio creativo alla materia, uno dei pochi, è in grado di portare alla luce la scintilla di Dio nelle opere di Beethoven, rivelare il raro "infernale" suono” di Mozart, riproduci qualsiasi materiale degno di nota in modo che lo spettatore stanco riscopra melodie suonate migliaia di volte in un'incarnazione completamente diversa.

Ora in Russia ci sono molti professionisti che possono mostrare un'alta classe. Tuttavia, per nulla inferiore ai suoi eminenti colleghi, Lugansky rimane un fenomeno unico nella musica russa.

Puoi suonare i classici in diversi modi: ogni scuola - francese, tedesca, italiana - offre la propria soluzione a problemi elevati con un suono unico.

Ma ogni pianista veramente virtuoso “crea i suoi classici”, il che è prova del suo genio. Nikolai Lugansky agli albori della sua carriera musicale veniva definito “il pianista di Richter”, allora paragonato anche ad Alfred Cortot.

Nikolai Lugansky rimane un fenomeno unico nella musica russa.

Famoso pianista russo, musicista classico

Evgeniy Igrevich Kissin è nato nel 1971

All'età di 6 anni entrò alla Gnessin Music School. La prima e unica insegnante è Anna Pavlovna Kantor.

Inizialmente, da bambino prodigio, si esibiva sotto il nome di Zhenya Kissin. All'età di 10 anni si è esibito per la prima volta con un'orchestra, eseguendo il 20° concerto di Mozart. Un anno dopo diede il suo primo concerto da solista. Nel 1984 (all'età di 12 anni) ha eseguito il 1° e il 2° Concerto per pianoforte e orchestra di Chopin nella Sala Grande del Conservatorio di Mosca.

Nel 1985, Evgeny Kissin andò per la prima volta all'estero con concerti e nel 1987 fece il suo debutto in Europa occidentale al Festival di Berlino. Nel 1988 si è esibito con Herbert von Karajan al concerto di Capodanno dell'Orchestra Filarmonica di Berlino, eseguendo il primo concerto di Čajkovskij.

Nel settembre 1990, Kissin ha fatto il suo debutto negli Stati Uniti, dove ha eseguito il primo e il secondo concerto di Chopin con la New York Philharmonic diretta da Zubin Mehta. Una settimana dopo, il musicista tiene un concerto da solista alla Carnegie Hall. Nel febbraio 1992, Kissin prese parte alla cerimonia dei Grammy Awards a New York, trasmessa in televisione davanti a un pubblico stimato di un miliardo e seicento milioni di telespettatori. Nell'agosto del 1997, ha tenuto un recital al festival Proms all'Albert Hall di Londra, la prima serata di pianoforte negli oltre 100 anni di storia del festival.

Kissin conduce un'intensa attività concertistica in Europa, America e Asia, raccogliendo un costante tutto esaurito; si è esibito con le più importanti orchestre del mondo sotto la direzione di direttori come Claudio Abbado, Vladimir Ashkenazy, Daniel Barenboim, Valery Gergiev, Carlo Maria Giulini, Colin Davis, James Levine, Lorin Maazel, Ricardo Muti, Seiji Ozawa, Mstislav Rostropovich, Evgeniy Svetlanov, Yuri Temirkanov, Georg Solti e Maris Jansons; tra i partner di musica da camera di Kissin ci sono Martha Argerich, Yuri Bashmet, Natalya Gutman, Thomas Quasthoff, Gidon Kremer, Alexander Knyazev, James Levine, Misha Maisky, Isaac Stern e altri.

Evgeny Kissin organizza anche serate di poesia in yiddish e russo. Nel 2010 è stato pubblicato un CD con registrazioni di opere di poesia moderna in yiddish eseguite da E. Kissin “Af di klavn fun yidisher poetry” (Sulle chiavi della poesia ebraica). Secondo lo stesso Kissin, ha avuto una forte identità ebraica fin dall'infanzia e pubblica materiali pro-Israele sul suo sito web personale.

Pianista russo, personaggio pubblico, artista popolare russo

Denis Leonidovich Matsuev è nato nel 1975

Denis Matsuev ha trascorso la sua infanzia nella sua nativa Irkutsk. Nato in una famiglia creativa, il ragazzo ha studiato musica fin dalla tenera età. In primo luogo, frequentò la scuola secondaria cittadina n. 11 intitolata a V.V. Mayakovsky e allo stesso tempo iniziò a frequentare la scuola d'arte locale. All'età di sedici anni, Denis Matsuev entrò all'Irkutsk Music College. Tuttavia, si rese presto conto che il suo talento necessitava di una lucidatura più approfondita. Al consiglio di famiglia si è deciso di trasferirsi nella capitale. I genitori hanno capito che il loro talentuoso figlio potrebbe avere una biografia creativa di grande successo. Denis Matsuev si è trasferito a Mosca nel 1990.

Nel 1991, è diventato il vincitore della Fondazione pubblica internazionale di beneficenza chiamata "Nuovi nomi". Grazie a questa circostanza, già in gioventù ha visitato più di quaranta paesi del mondo con concerti. Le persone più importanti venivano ad ascoltare il suo virtuosismo: la Regina d'Inghilterra, il Papa e altri. Nel 1993, Denis Matsuev riuscì ad entrare al Conservatorio di Stato di Mosca. Allo stesso tempo, si è esibito nei programmi della fondazione pubblica New Names, che si sono svolti sotto la guida del mecenate di Denis, Svyatoslav Belz. Nel 1995, l'artista è stato accettato come solista presso la Filarmonica di Stato di Mosca. Ciò ha permesso a Denis Leonidovich di ampliare la portata delle sue attività concertistiche.

Insieme alla sua vittoria all'undicesimo concorso internazionale Pyotr Ilyich Tchaikovsky, la fama mondiale arrivò al musicista. La sua biografia è stata decorata con questo fatidico evento nel 1998. Denis Matsuev è diventato uno dei pianisti più famosi al mondo. Le sue performance magistrali hanno suscitato una grande risonanza nel mondo. L'artista iniziò ad essere invitato agli eventi più prestigiosi. Ad esempio, si è esibito alla cerimonia di chiusura delle Olimpiadi di Sochi.

Dal 2004 Denis Matsuev presenta ogni anno il suo abbonamento personale. Insieme al musicista si esibiscono le migliori orchestre sinfoniche della Russia e dell'estero.

Fa molto per il suo Paese. Nel tentativo di instillare nelle persone l'amore per la musica, l'artista organizza tutti i tipi di festival e concorsi. Inoltre, si sforza di tenerli in diverse regioni della Russia, in modo che tutti i residenti del paese possano toccare con mano l'arte alta e ascoltare brillanti esibizioni delle migliori opere musicali.

In conclusione, riassumiamo le principali direzioni e tendenze nello sviluppo dell'arte pianistica nel 21° secolo. Nelle direzioni virtuosistiche e significative dell'arte pianistica, si trovano i seguenti fattori che accompagnano lo sviluppo: attenzione alla qualità e all'estetica della registrazione del suono, maggiore espressività della coniugazione dei toni, possibilità ampliate nel campo dell'agogia e del timbro del suono, rallentamento del ritmo tempo e abbassamento del livello dinamico medio della performance, polifonizzazione della texture. Questi fattori contribuiscono alla crescita della profondità e al rinnovamento moderno del contenuto della performance. Parallelamente si aggiorna il repertorio dei concerti per pianoforte grazie alla scoperta di nuove opere di alto valore artistico prima non apprezzate.

Tuttavia, sono la generalizzazione e la significatività dell'intonazione le principali tendenze nello sviluppo dell'arte pianistica del 21 ° secolo.

Questo elenco di pianisti dimostra che il pianoforte offre un'ispirazione praticamente illimitata. Per tre secoli, gli interpreti di musica per pianoforte hanno deliziato gli ascoltatori e li hanno ispirati nelle loro imprese nel mondo della musica.

Non importa a quale epoca appartenesse il musicista, ciò che lo ha reso grande non è stato solo il suo talento, ma anche il suo completo assorbimento nella musica!!!

PSDopo aver studiato la letteratura su questo tema, siamo giunti alla conclusione che lo sviluppo delle scuole di pianoforte dal momento della loro formazione fino ai nostri giorni è stato determinato dalla versatilità spirituale della personalità del maestro e le ricerche pedagogiche sono servite come base creativa e, in infatti, un incentivo alla creatività. I musicisti educativi progressisti sostenevano tutto ciò che consideravano prezioso nell'arte; alti ideali civici, scopo missionario della creatività.

Il pensiero dei maggiori musicisti e insegnanti è sempre stato finalizzato allo sviluppo di principi didattici che soddisfino le idee sui compiti dell'esecuzione. Ciò ha determinato in gran parte il contenuto dei lavori scientifici dedicati al suonare lo strumento.

Gli antichi trattati dell'era del clavierismo parlavano di composizione musicale, tecniche di improvvisazione e arrangiamento di opere musicali, seduta allo strumento, diteggiatura e regole del gioco. Tutto ciò si spiega con il fatto che nell'era pre-piano l'esecutore era un compositore che introduceva agli ascoltatori le proprie opere e le sue capacità di improvvisazione. La professione di interprete-interprete (ma non di compositore di musica) in quegli anni non era ancora stata identificata come una forma speciale di attività creativa di un musicista. Solo nel XIX secolo, insieme all'ascesa di un nuovo strumento sulla scena concertistica - il pianoforte - e alla passione per il virtuosismo nel suonare, si verificò una graduale differenziazione di musicisti, compositori, esecutori e insegnanti che insegnavano a suonare questo strumento.

Anche il contenuto dei lavori scientifici sull'arte musicale è cambiato in molti modi. Vari studi, libri di testo e lavori sui metodi di insegnamento non consideravano più tutte le questioni legate alla creatività, all'esecuzione e alla pedagogia musicale. L'argomento di ogni opera era solo un'area specifica della musicologia. Gli autori di libri sull'arte pianistica erano interessati principalmente alle questioni relative alla padronanza della tecnica pianistica e la maggior parte dei lavori metodologici e dei sussidi didattici erano dedicati a questi argomenti. Pertanto, per molti anni, i lavori teorici sull'esecuzione pianistica si sono ridotti ai problemi di stabilire tecniche esecutive razionali che consentissero di raggiungere una tecnica virtuosistica. Solo alla fine del XIX e XX secolo musicisti eccezionali si dedicarono alle questioni artistiche dell'arte performativa, che determinavano i compiti di interpretazione, comprensione dello stile e del contenuto delle opere musicali. Questi problemi erano legati anche a questioni di tecnica pianistica. L'obiettivo più importante dell'insegnante era quello di educare un musicista la cui arte esecutiva non è una dimostrazione di abilità tecnica, ma la capacità di trasmettere il significato più intimo di un'opera d'arte in forme espressive viventi e figurative.