Donna con un gatto. 1875

Pittore, grafico e scultore francese, uno dei principali rappresentanti dell'impressionismo. Renoir è conosciuto principalmente come maestro del ritratto secolare, non privo di sentimentalismo; fu il primo degli impressionisti ad avere successo presso i ricchi parigini. A metà degli anni 1880. in realtà ruppe con l'impressionismo, ritornando alla linearità del classicismo, all'engrismo.

Auto ritratto. 1876

Auguste Renoir nasce il 25 febbraio 1841 a Limoges, città situata nel sud della Francia centrale. Renoir era il sesto figlio di un povero sarto di nome Léonard e di sua moglie Marguerite.

Ritratto della madre di Renoir. 1860

Nel 1844 i Renoir si trasferirono a Parigi, e qui Auguste entrò nel coro della chiesa della grande cattedrale di Saint-Eustache. Aveva una voce tale che il direttore del coro, Charles Gounod, cercò di convincere i genitori del ragazzo a mandarlo a studiare musica. Tuttavia, oltre a questo, Auguste mostrò il dono di un artista e, all'età di 13 anni, iniziò ad aiutare la sua famiglia trovando lavoro presso un maestro, dal quale imparò a dipingere piatti di porcellana e altre stoviglie. La sera Auguste frequentava una scuola di pittura.

Danza a Bougival. 1883

Nel 1865, a casa del suo amico, l'artista Jules Le Coeur, incontrò una ragazza di 16 anni, Lisa Treo, che presto divenne l'amante di Renoir e la sua modella preferita. Nel 1870 nacque la loro figlia Jeanne Marguerite, anche se Renoir rifiutò di riconoscere ufficialmente la sua paternità. La loro relazione continuò fino al 1872, quando Lisa lasciò Renoir e ne sposò un altro.

Auto ritratto. 1875

La carriera creativa di Renoir fu interrotta nel 1870-1871, quando fu arruolato nell'esercito durante la guerra franco-prussiana, che si concluse con una schiacciante sconfitta per la Francia.

Danza in campagna. 1883

Il ritratto di Aline Charigot, moglie di Renoir, fu probabilmente dipinto mentre la famiglia si trovava nelle campagne della Francia orientale. 1885

Nel 1890, Renoir sposò Alina Charigot, che aveva conosciuto dieci anni prima quando lei era una sarta di 21 anni.

Maternità. 1886

Avevano già un figlio, Pierre, nato nel 1885, e dopo il matrimonio ebbero altri due figli: Jean, nato nel 1894, e Claude (noto come "Coco"), nato nel 1901 e diventato uno dei padri dei modelli più amati .

Dipinto di Jean Renoir. 1901

Quando la sua famiglia fu finalmente formata, Renoir aveva raggiunto il successo e la fama, fu riconosciuto come uno dei principali artisti francesi e riuscì a ricevere dallo Stato il titolo di Cavaliere della Legion d'Onore.

La famiglia dell'artista. 1896

La felicità personale e il successo professionale di Renoir furono oscurati dalla malattia. Nel 1897 Renoir si ruppe il braccio destro cadendo dalla bicicletta. Di conseguenza, sviluppò i reumatismi, di cui soffrì per il resto della sua vita. I reumatismi resero difficile per Renoir vivere a Parigi e nel 1903 la famiglia Renoir si trasferì in una tenuta chiamata "Colette" nella piccola città di Cagnes-sur-Mer.

Auto ritratto. 1899

Dopo un attacco di paralisi avvenuto nel 1912, nonostante due interventi chirurgici, Renoir fu incatenato su una sedia a rotelle, ma continuò a dipingere con un pennello che gli era stato messo tra le dita da un'infermiera.

Agosto Renoir. Autoritratto, 1910

Negli ultimi anni della sua vita, Renoir ottenne fama e riconoscimento universale. Nel 1917, quando i suoi "Ombrelli" furono esposti alla National Gallery di Londra, centinaia di artisti britannici e semplici amanti dell'arte gli inviarono congratulazioni, dicendo: "Dal momento in cui il tuo dipinto è stato appeso nella stessa fila con le opere degli antichi maestri , abbiamo sperimentato la gioia che il nostro contemporaneo abbia preso il posto che gli spetta nella pittura europea.

Gli ombrelli. 1883

Il dipinto di Renoir fu esposto anche al Louvre e nell'agosto del 1919 l'artista visitò Parigi per l'ultima volta per guardarlo.

Auto ritratto. 1910

Il 3 dicembre 1919, Pierre-Auguste Renoir muore a Cagnes-sur-Mer di polmonite all'età di 78 anni. Sepolto a Essua.

Profumo primaverile. 1866

Creazione

Scelta dei generi 1862-1873

All'inizio del 1862, Renoir superò gli esami della Scuola di Belle Arti dell'Accademia delle Arti e si iscrisse al laboratorio di Gleyre. Lì conobbe Fantin-Latour, Sisley, Basil e Claude Monet. Ben presto divennero amici di Cézanne e Pizarro, formando così la spina dorsale del futuro gruppo impressionista.

Camille Monet. 1873

Nei suoi primi anni, Renoir fu influenzato dal lavoro dei Barbizon, Corot, Prudhon, Delacroix e Courbet.

Nell'estate del 1868

Nel 1864 Gleyre chiuse il laboratorio e la formazione terminò. Renoir iniziò a dipingere le sue prime tele e poi per la prima volta presentò al Salon il dipinto "Esmeralda che balla tra i vagabondi". Fu accettata, ma quando la tela gli fu restituita, l'autore la distrusse.

Ritratto dei Sisley. 1868

Piscina per bambini. 1869

Avendo scelto in quegli anni i generi per le sue opere, non li cambiò fino alla fine della sua vita. Questo è un paesaggio - "Jules le Coeur nella foresta di Fontainebleau" (1866), scene di tutti i giorni - "La rana" (1869), "Pont Neuf" (1872), natura morta - "Bouquet di primavera" (1866), " Natura morta con mazzo di fiori e ventaglio" (1871), ritratto - "Lisa con l'ombrello" (1867), "Odalisca" (1870), nudo - "Diana cacciatrice" (1867).

Odalisca. 1870

Natura morta con un bouquet e un ventaglio. 1871

Nel 1872 Renoir e i suoi amici crearono la Società Cooperativa Anonima.

Mademoiselle Sicot. 1865

Madame Clementina Valensi Stora. 1870

Camille Monet. 1872

Madame Edouard Bernier. 1871

Donna con un pappagallo. 1871

Rafa Mater.1871

Ombrello inutile. 1872

Guidando al Bois de Boulogne. 1873

Lotta per il riconoscimento 1874-1882

La prima mostra della partnership fu inaugurata il 15 aprile 1874. Renoir presentò pastelli e sei dipinti, tra cui "Danzatrice" e "Loggia" (entrambi - 1874). La mostra si è conclusa con un fallimento e i membri della partnership hanno ricevuto un soprannome offensivo: "Impressionisti".

Loggia. 1874

Il dipinto raffigura una donna (in primo piano) e un uomo (sullo sfondo) seduti in un palco d'opera. Il fratello di Renoir, il giornalista Edmond Renoir e la modella di Montmartre Nini Lopez, hanno posato per questa foto.

Donna sorridente. Ritratto di Madame Pechi. 1875

Pescivendola. 1875

La signora Victor Choquet. 1875

Nonostante la povertà, è in questi anni che l'artista realizza i suoi principali capolavori: Grands Boulevards (1875), Passeggiata (1875), Ballo al Moulin de la Galette (1876), Nudo (1876), Nudo alla luce del sole" (1876) ), "L'altalena" (1876), "La prima partenza" (1876/1877), "Il sentiero nell'erba alta" (1877).

Ballo al Moulin de la Galette. 1876

Oscillazione. 1876

Ritratto di signora Alphonse Daudet. 1876

Nudo. 1876

Giovane donna che intreccia i suoi capelli. 1876

Renoir cessò gradualmente di partecipare alle mostre degli impressionisti. Nel 1879 presentò al Salon il Ritratto a figura intera dell'attrice Jeanne Samary (1878) e il Ritratto di Madame Charpentier con bambini (1878) e ottenne il riconoscimento universale, e successivamente l'indipendenza finanziaria. Continuò a scrivere nuove tele - in particolare, le famose "Clichy Boulevard" (1880), "Breakfast of the Rowers" (1881), "On the Terrace" (1881), che divennero famose.

Ragazza che legge un libro. 1876

Ritratto di signora Charpentier. 1877

Ritratto dell'attrice Jeanne Samary. 1877

Ritratto dell'attrice Jeanne Samary. 1878

Una tazza di cioccolata. 1878

In segreto, 1878

Ritratto di Alfonsine Pechi. 1879

Cena rematori sulle rive del fiume. 1879

Una giovane donna che cuce. 1879

Ritratto di Teresa Berardo. 1879

Vicino al lago. 1880

Colazione dei vogatori. 1881

Il dipinto è stato dipinto nel ristorante Fournaise, situato su un'isola sulla Senna, a Chatou, poco a ovest di Parigi. Renoir amava questo posto: qui fu dipinta non solo la "Colazione dei rematori", ma anche altri dipinti. In effetti, l'immagine è un ritratto di gruppo di un incontro di amici. Regna un'atmosfera gioiosa e rilassata, non c'è splendore, tutti sono in pose naturali e casuali. Dietro la ringhiera è visibile una fitta vegetazione, oltre la quale fa capolino la Senna.Nel dipinto, Renoir ha raffigurato molti dei suoi amici e conoscenti.

Due sorelle (Sulla terrazza). 1881

Albert Caen, compositore d'opera francese. 1881

Ragazza con un ventilatore. 1881

Ragazze in nero. 1881

Ritratto di Alfred Berard con il suo cane. 1881

Cucito Marie-Thérèse Durand-Ruel. 1882

"Periodo di incisione" 1883-1890

Renoir si recò in Algeria, poi in Italia, dove conobbe da vicino le opere dei classici del Rinascimento, dopo di che il suo gusto artistico cambiò. Renoir dipinse una serie di dipinti "Dance in the Village" (1882/1883), "Dance in the City" (1883), "Dance in Bougival" (1883), così come tele come "In the Garden" (1885 ) e "Ombrelli" (1881/1886), dove il passato impressionista è ancora visibile, ma appare il nuovo approccio di Renoir alla pittura.

Ragazza con un cappello di paglia. 1884

Si apre il cosiddetto “periodo Ingres”. L'opera più famosa di questo periodo è Le grandi bagnanti (1884/1887). Per la costruzione della composizione, l'autore ha utilizzato innanzitutto schizzi e schizzi. Le linee del disegno divennero chiare e definite. I colori hanno perso la loro luminosità e saturazione precedenti, il dipinto nel suo insieme ha cominciato a sembrare più sobrio e freddo.

Grandi bagnanti. 1884-1887.

In primo piano sono raffigurate tre donne nude: due sono sulla riva e la terza è in piedi nell'acqua, apparentemente con l'intenzione di spruzzarle. Le figure delle donne sono scritte in modo molto chiaro e realistico, che era uno stile caratteristico di questo periodo dell'opera di Renoir, chiamato periodo "secco" o "Ingres" (dal nome dell'artista Dominique Ingres).

Per il dipinto, Renoir ha posato (da sinistra a destra) Alina Sharigot, futura moglie di Renoir (nel 1885 nacque il loro primo figlio, Pierre, e ufficialmente il matrimonio si concluse nel 1890), e Suzanne Valadon (vero nome Marie-Clementine Valadon ), che in seguito divenne un artista famoso.

Renoir ha lavorato a questo dipinto per circa tre anni e nel frattempo ha disegnato un gran numero di schizzi e schizzi, tra cui almeno due versioni a più figure a grandezza naturale. Dopo The Great Bathers, non c'era una sola immagine alla quale avrebbe dedicato così tanto tempo e impegno.

Proprio in riva al mare. 1883

Danza in città. 1883

Giovani donne che giocano a badminton. 1885

Ritratto di Suzanne Valadon. 1885

Lettura della ragazza. 1886

Acconciatura. 1888

Ragazza giovane con le margherite. 1889

Madame de Vernon. 1889

Ragazza con un cappello rosa e nero. 1890

"Periodo delle perle" 1891-1902

Nel 1892, Durand-Ruel inaugurò una grande mostra di dipinti di Renoir, che ebbe un grande successo. Il riconoscimento arrivò anche da funzionari governativi: il dipinto "Ragazze al pianoforte" (1892) fu acquistato per il Museo del Lussemburgo.

Ragazze al pianoforte. 1892
Il dipinto raffigura due giovani ragazze: una è seduta al pianoforte e l'altra è in piedi accanto a lei. Entrambe le ragazze guardano le note con attenzione ed entusiasmo, apparentemente scegliendo una sorta di melodia. Un quadro così calmo e idilliaco era un simbolo della cultura borghese francese di quel tempo.

Donna con un cappello. 1891

Le ragazze stanno leggendo. 1891

Christina Lerolle ricama. 1895

Suonare la chitarra. 1897

Renoir si recò in Spagna, dove conobbe il lavoro di Velasquez e Goya.
All'inizio degli anni '90 si verificarono nuovi cambiamenti nell'arte di Renoir. In modo pittoresco apparve un'iridescenza di colore, motivo per cui questo periodo viene talvolta chiamato "madreperla".
In questo periodo, Renoir dipinse dipinti come "Mele e fiori" (1895/1896), "Primavera" (1897), "Son Jean" (1900), "Ritratto della signora Gaston Bernheim" (1901). Ha viaggiato nei Paesi Bassi, dove si è interessato ai dipinti di Vermeer e Rembrandt.

Madame Paul Gallimard, nata Lucie Duce. 1892

Ragazze che guardano l'album. 1892

Ragazza che si spazzola i capelli. 1894

Donna con fard rosso. 1896

Tre bagnanti con un granchio. 1897

Ritratto di Christina Lerolle.1897

Una giovane donna spagnola che suona la chitarra. 1898

Yvonne e Christine al pianoforte. 1898

"Periodo rosso" 1903-1919

Il periodo “perlato” lasciò il posto a quello “rosso”, così chiamato per la predilezione per le sfumature dei fiori rossastri e rosa.
Renoir continuò a dipingere paesaggi soleggiati, nature morte dai colori vivaci, ritratti dei suoi figli, donne nude, creò Una passeggiata (1906), Ritratto di Ambroise Vollard (1908), Gabriele in camicetta rossa (1910), Mazzo di rose "( 1909/1913), "Donna con mandolino" (1919).

Ritratto di Marthe Denis. 1904

premurosità. 1906

Ritratto di Ambroise Vollard. 1908

Ambroise Vollard - uno dei più importanti mercanti d'arte a Parigi nel XIX - all'inizio. XX secoli Sostenne sia finanziariamente che moralmente un gran numero di artisti famosi e sconosciuti, tra cui Cezanne, Maillol, Picasso, Rouault, Gauguin e van Gogh. Era conosciuto anche come collezionista ed editore.

Gabriel per niente. 1908

Signora con un ventaglio. 1908

Il signore e la signora Bernheim de Villers. 1910

Lavare. 1912

La donna ai fornelli. 1912

Fatti interessanti

Un amico intimo di Auguste Renoir era Henri Matisse, che aveva quasi 28 anni più di lui. Quando O. Renoir era essenzialmente costretto a letto a causa di una malattia, A. Matisse lo visitava ogni giorno. Renoir, quasi paralizzato dall'artrite, superando il dolore, continuò a dipingere nel suo studio. Una volta, osservando il dolore con cui gli viene dato ogni colpo di pennello, Matisse non poteva sopportarlo e chiese: "Auguste, perché non lasci la pittura, stai soffrendo così tanto?" Renoir si è limitato alla sola risposta: "Il dolore passa, ma la bellezza resta". E questo è stato l'intero Renoir, che ha lavorato fino al suo ultimo respiro.

Dettagli Categoria: Belle arti e architettura della fine del XVI-XVIII secolo Pubblicato il 27.04.2017 14:46 Visualizzazioni: 3249

All'inizio del XVIII secolo. in Francia apparve un nuovo stile: il rococò.

Tradotto dal rococò francese (rocaille) - "conchiglia". Il nome di questo stile artistico rivela il suo tratto caratteristico: l'amore per forme complesse, linee bizzarre, che ricordano l'elegante silhouette di una conchiglia.
Lo stile rococò non durò a lungo (fino agli anni '40 circa), ma la sua influenza sulla cultura europea si rivelò molto forte.
Nella seconda metà del XVIII secolo. iniziò una nuova ondata di interesse per la cultura antica. Ciò è dovuto in parte agli scavi di Pompei, che hanno scoperto monumenti d'arte unici. D'altra parte, a questo interesse hanno contribuito le idee dell'Illuminismo francese: hanno visto l'ideale dell'arte e della vita sociale nella storia e nella cultura dell'antica Grecia e dell'antica Roma. Così si formò un nuovo stile: il neoclassicismo. Non è stato così in tutti i paesi. Ad esempio, in Italia lo stile barocco esisteva contemporaneamente allo stile rococò, mentre in Francia il barocco non ricevette molto sviluppo. In Russia, il rococò e il neoclassicismo si completavano a vicenda.
Nel XVIII secolo. i clienti non giocavano più un ruolo importante nel destino dell'artista: l'opinione pubblica divenne il principale giudice delle opere d'arte. Apparve la critica d'arte: Denis Diderot, Jean Jacques Rousseau e altri.
Un evento importante nella vita artistica della Francia del XVIII secolo. divennero mostre pubbliche - Saloni. Dal 1667 furono organizzati ogni anno dall'Accademia reale di pittura e scultura di Parigi con il sostegno della corte reale. Il successo al Salon era un riconoscimento per un pittore o uno scultore. Non erano solo i francesi ad aspirare a partecipare ai Salons, così Parigi si trasformò gradualmente in un centro d'arte paneuropeo.

Jean-Antoine Watteau (1684-1721)

Rosalba Carriera. Ritratto di Antoine Watteau (1721)
Antoine Watteau è un pittore francese del primo terzo del XVIII secolo, il fondatore dello stile rococò.
Ha scoperto nella pittura la sfera delle emozioni più sottili, in consonanza con i testi del paesaggio.
A. Watteau è nato in una città di provincia nella famiglia di un roofer. Già nei suoi primi anni le sue capacità artistiche si manifestarono e suo padre lo diede come apprendista a un pittore locale di talento insignificante. Ben presto il mentore cessò di essere utile al futuro artista. Antoine Watteau, contro la volontà del padre, lascia segretamente la sua città natale Valenciennes e si reca a piedi a Parigi, dove lavora in uno studio di pittura sul ponte di Notre Dame, il cui proprietario ha organizzato la produzione in serie di copie economiche di dipinti nel "gusto comune" per gli acquirenti all'ingrosso. Watteau copiò meccanicamente gli stessi dipinti popolari e nel tempo libero dipinse dal vero. Era eccezionalmente industrioso.

Antoine Watteau "Il Capriccioso" (1718 circa). Museo statale dell'Ermitage (Pietroburgo)
Ben presto Watteau trovò i primi mecenati: Pierre Mariette e suo figlio Jean, incisori e collezionisti, proprietari di una grande azienda che commerciava stampe e dipinti. Alle Mariette, Watteau ha avuto l'opportunità di conoscere le opere di Rembrandt, Tiziano, Rubens. Attraverso la mediazione delle Mariette, Watteau diventa allievo dell'artista Claude Gillot, maestro delle scenografie teatrali e creatore di piccoli dipinti. “Da questo maestro Watteau prese solo il gusto per il grottesco e il comico, nonché il gusto per i soggetti moderni, ai quali si dedicò in seguito. Eppure bisogna ammettere che Gillo Watteau ha finalmente capito se stesso e che da allora i segni del talento che dovevano essere sviluppati si sono fatti più evidenti ”(Biografo dell'artista Edm-Francois Gercin).

Antoine Watteau "Attori della commedia francese" (1712 circa). Museo statale dell'Ermitage (Pietroburgo)
A 33 anni Watteau diventa il pittore più popolare di Parigi, cosa che contribuì alla sua fama europea.

Antoine Watteau "Gilles" (1718-1719). Louvre (Parigi)
Ecco come Watteau M.Yu parla di questa immagine. Tedesco, ricercatore leader al Museo Russo: “Nella storia dell'arte, Gilles non ha praticamente analogie. Poche persone scrivevano attori. Inoltre, nessuno ha osato mostrare l'attore in completa inattività. Per lo stesso Watteau, questo è stato un passo coraggioso: dipingere una figura proprio al centro della tela, riempiendone la maggior parte con un'ampia felpa con cappuccio che nasconde completamente il corpo del comico, e in profondità raffigurare i volti di altri attori. , in netto contrasto con il volto quasi immobile dell'eroe con divertimento e animazione ... Privo di gesti ed espressioni facciali, inscritto simmetricamente e piattamente nella tela, esiste con calma nel tempo, come se per lui si fosse fermato per sempre. Tutto ciò che è fugace e transitorio gli è estraneo. Il trambusto dietro di lui è nei movimenti degli attori. Le risate e il divertimento del pubblico sono davanti a lui. E rimane invariabilmente immobile, con un buffo e commovente rimprovero negli occhi rotondi, affettuosi e intelligenti.
Già piuttosto malato, Watteau prese l'insegna del negozio di antiquariato "The Great Monarch" sul ponte di Notre Dame. Questo negozio apparteneva al suo amico Gersen.

Antonio Watteau. Insegna del negozio di Gersin (1720-1721). Palazzo di Charlottenburg (Berlino)
Watteau dipinse un quadro-segno su due tele separate e poi inserite in un'unica cornice. L'azione dell'immagine viene trasferita dal paesaggio all'interno. La tela raffigura un ampio negozio che, secondo il progetto dell'artista, conduce direttamente al marciapiede parigino.
In primo piano, a sinistra, i servitori ripongono in una scatola il ritratto di Luigi XIV, recentemente scomparso. Nell'angolo superiore è appeso il ritratto del suocero, re Filippo IV di Spagna, a destra gli intenditori osservano attentamente il quadro in una cornice ovale; paesaggi e nature morte convivono qui con scene mitologiche.
La caratteristica principale di questo lavoro è la sua natura programmatica. Secondo Louis Aragon, Watteau, sotto le spoglie di un segno, presentava la storia della pittura così come la conosceva. Questa immagine è diventata come un testamento artistico dell'autore. Antoine Watteau morì all'età di 36 anni di tubercolosi.

Monumento ad Antoine Watteau nella sua città natale di Valenciennes (1884)
Lo sviluppo dello stile rococò è anche associato al lavoro di François Boucher.

François Boucher (1703-1770)

F. Boucher - Pittore, incisore, decoratore francese. Le sue opere sono caratterizzate da forme squisite, colori liricamente delicati, grazia, civetteria, a volte raggiungendo la dolcezza.

Gustav Lundberg. Ritratto di François Boucher
Boucher fu un maestro incisore, illustrò libri di Ovidio, Boccaccio, Moliere. Realizzò scenografie per opere e spettacoli, dipinti per le manifatture reali di arazzi; ha eseguito dipinti ornamentali di porcellana di Sevres, ventagli dipinti, miniature eseguite, ecc.
Nella pittura, si dedicò a soggetti allegorici e mitologici, dipinse scene di genere, pastorali (poetizzazione della vita rurale pacifica e semplice), paesaggi e ritratti.

F. Bush. Ritratto di Madame de Pompadour
Bush ha ricevuto il titolo di pittore di corte. Decorò le residenze del re e di Madame de Pompadour, residenze private a Parigi. Negli ultimi anni della sua vita fu direttore della Reale Accademia di Pittura e Scultura e "il primo pittore del re".

F. Bush. Ritratto di Marie Buseau, moglie dell'artista (1733)
Un altro dipinto di F. Boucher illustra un episodio del racconto di La Fontaine "L'Eremita". Un giovane che decide di sedurre una bella ma timida ragazza del villaggio si stabilisce nelle vicinanze sotto le spoglie di un eremita. Riesce a convincere la madre della ragazza della sua santità, e lei stessa porta la figlia da lui per ascoltare i suoi buoni insegnamenti. Boucher mostra un'interpretazione originale dell'opera di Lafontaine, ma il paesaggio occupa il posto principale nella sua composizione.

F. Boucher “Paesaggio con eremita. Fratello Luce" (1742). Museo delle Belle Arti. A. S. Pushkin (Mosca)

Visioni democratiche dell’arte francese

Erano incarnati nell'opera del "pittore del terzo stato" Jean Baptiste Simeon Chardin, ritratti di Maurice Quentin de Latour.

Jean Baptiste Siméon Chardin (1699-1779)

Chardin. auto ritratto
Chardin evitò consapevolmente le trame tipiche dell'arte del suo tempo. Dipinse principalmente nature morte e scene di tutti i giorni, ma in esse espresse le proprie osservazioni. Era interessato alla vita delle persone del "terzo stato" (tutti i gruppi della popolazione ad eccezione dei privilegiati: il clero e la nobiltà).
Le attività di Chardin come artista continuarono le tradizioni dei maestri olandesi e fiamminghi e rappresentarono il periodo di massimo splendore del realismo nel XVIII secolo. Anche la sua natura morta era un aspetto per rappresentare la realtà. Gli oggetti più comuni divennero per lui fonti compositive per rappresentare l'essere armonioso: brocche, vecchie pentole, verdure, ecc.

Chardin "Scat" (1728). Louvre (Parigi)
L'artista è stato in grado di trasmettere perfettamente la diversità dei colori, ha sentito l'interconnessione interna degli oggetti. Con piccoli tratti trasmetteva sfumature di colore e possedeva la capacità di includere l'influenza della luce solare nell'immagine.
Passando alla pittura di genere, alle normali scene domestiche, Chardin ha ricreato sulla tela un modo calmo e misurato di vita quotidiana, vicino a ogni persona. Furono questi dipinti a rafforzare per lui uno dei posti di rilievo nella storia della pittura francese. Nel 1728 divenne membro dell'Accademia delle arti di Parigi, nel 1743 - suo consigliere; in seguito divenne membro dell'Accademia delle scienze, della letteratura e delle belle arti di Rouen.
Spiritualizzò gli oggetti e le attività più mondane: Lavandaia (1737), Giara di olive (1760), Attributi delle arti (1766).

Chardin "Natura morta con attributi delle arti" (1766 Museo statale dell'Ermitage (Pietroburgo). Il dipinto fu commissionato da Caterina II per l'edificio dell'Accademia delle arti in costruzione a San Pietroburgo
D. Diderot ha paragonato la sua abilità alla stregoneria: “Oh, Chardin, questa non è la vernice bianca, rossa e nera che strofini sulla tavolozza, ma l'essenza stessa degli oggetti; prendi aria e luce con la punta del pennello e le stendi sulla tela!”

Chardin "Bolle di sapone" (1733-1734). Galleria Nazionale d'Arte, Washington (Stati Uniti)
Una peculiare fusione tra pittura "galante" e genere quotidiano contraddistingue l'opera di Jean Honore Fragonard.

Jean Honoré Fragonard (1732-1806)

Pittore e incisore francese. Ha lavorato in stile rococò. Autore di oltre 550 dipinti (senza contare disegni e incisioni).

J.O. Fragonard. Autoritratto (1760-1770 circa)
Fu allievo di F. Boucher e J.B.S. Chardin. Inizialmente amava la pittura storica, poi iniziò a scrivere nello spirito di Watteau e Boucher. Spesso ha scene di vita intima, contenuto erotico, pannelli decorativi, ritratti, miniature, acquerelli, pastelli. Ha anche fatto acquaforte.
Ma nell'era del classicismo perse popolarità.

J.O. Fragonard "Latch" (1777). Louvre (Parigi)
Il dipinto raffigura una scena d'amore: il gentiluomo, senza distogliere lo sguardo dalla dama, allunga la mano destra verso la porta sulla quale chiude il saliscendi superiore. La mano sinistra della signora, per così dire, ripete questo movimento. Sul tavolo c'è una mela, simbolo biblico della tentazione e della caduta nel peccato.
Nei dipinti storici Fragonard non è molto originale. I suoi paesaggi sono piuttosto abbelliti. D'altra parte, i dipinti di genere dell'artista si distinguono per la composizione abile, l'eleganza del disegno, la colorazione delicata e il gusto delicato: "Lezione di musica", "Pastorale", "Bagnanti", "Ninfa dormiente", "Cupido che si toglie la camicia da una Bellezza", "Giovane chitarrista", "Bacio furtivo".

J.O. Fragonard "Bacio furtivo" Eremo (Pietroburgo)
A metà del XVIII secolo. l'Illuminismo francese proponeva gli ideali classici dei mezzi di istruzione. Nella pittura è apparsa una direzione sentimentale e moralistica, in cui spiccava l'artista Jean-Baptiste Greuze.

Jean-Baptiste Greuze (1725-1805)

J.-B. Sogni. auto ritratto
Greuze ha avuto successo soprattutto nel genere della vita familiare con i suoi problemi e drammi: qui ha pochi rivali nella pittura francese.

J.-B. Greuze "La maledizione di un padre" (1777). Louvre (Parigi)
Il dipinto raffigura la scena di un dramma familiare in cui il figlio annuncia al padre che partirà per l'esercito e il padre lo maledice.
Anche come ritrattista era al suo meglio, perché. comprendeva la ritrattistica in modo diverso rispetto ai suoi contemporanei, che raffiguravano gli uomini come Apollo e le donne come Flores e Veneri. I suoi ritratti sono pieni di somiglianze, pieni di vita e di sentimenti.

J.-B. Greuze "Ritratto di ragazza". Museo Nazionale delle Arti dell'Azerbaigian
Ci sono 11 opere di Greuze all'Ermitage di San Pietroburgo.
Nella Francia del XVIII secolo crescente interesse per la natura e la pittura di paesaggio. Un tipo di paesaggio caratteristico del neoclassicismo (“fantasia architettonica”) è stato creato da Hubert Robert.

Uberto Robert (1733-1808)

Vigée-Lebrun, Marie Elisabeth Louise. Ritratto di Hubert Robert (1788) Louvre (Parigi)
Pittore paesaggista francese; ha guadagnato fama europea per le sue tele dimensionali con immagini romantiche di antiche rovine circondate da una natura idealizzata. Il suo soprannome era "Roberto delle Rovine".

Hubert Robert "Antiche rovine" (1754-1765). Budapest

Jacques-Louis David (1748-1825)

J.-L. Davide. Autoritratto (1794)
Pittore e insegnante francese, uno dei maggiori rappresentanti del neoclassicismo francese nella pittura. Un cronista sensibile dei suoi tempi turbolenti.
Nato nella famiglia di un grossista di ferro. È cresciuto principalmente in una famiglia di parenti. Quando si notò l'abilità del bambino nel disegnare, si pensò che sarebbe diventato un architetto, come entrambi i suoi zii.
David prese lezioni di disegno all'Accademia di St. Luca. Nel 1764 i parenti lo presentarono a François Boucher, ma a causa di una malattia non poté studiare con il giovane. Nel 1766, David entrò all'Accademia reale di pittura e scultura e iniziò a studiare nella bottega di Vienne. Nel 1775-1780. David ha studiato all'Accademia di Francia a Roma, ha studiato l'arte antica e l'opera dei maestri del Rinascimento.
Nel 1783 fu eletto membro dell'Accademia di pittura.
Partecipò attivamente al movimento rivoluzionario, fu eletto membro della Convenzione nazionale, si unì ai Montagnard, guidati da Marat e Robespierre, votò per la morte del re Luigi XVI. Dipinge numerosi dipinti dedicati ai rivoluzionari: “Il giuramento nella sala da ballo” (1791, non finito), “La morte di Marat” (1793). Anche in questo periodo organizzò feste popolari di massa e creò il Museo Nazionale al Louvre.

J.-L. David "La morte di Marat" (1793). Musei reali di belle arti (Bruxelles)
Questa tela è uno dei dipinti più famosi dedicati alla Grande Rivoluzione Francese.
Jean Paul Marat è un giornalista del quotidiano radicale Amico del popolo, leader dei giacobini. Ammalatosi di una malattia della pelle, Marat non uscì di casa e, per alleviare la sua sofferenza, fece il bagno. Il 13 luglio 1793 fu pugnalato a morte nel suo appartamento dalla nobildonna Charlotte Corday.
L'iscrizione sul piedistallo in legno è la dedica dell'autore: "MARATU, David". Nelle mani di Marat c'è un foglio con il testo: “13 luglio 1793, Marie Anna Charlotte Corday - al cittadino Marat. Sono infelice e quindi ho diritto alla tua protezione. In effetti, Marat non ha avuto il tempo di ricevere questa nota, perché. Korday lo ha già ucciso.
Nel 1794 fu imprigionato per idee rivoluzionarie.
Nel 1797 fu testimone del solenne ingresso a Parigi di Napoleone Bonaparte e da allora divenne il suo ardente sostenitore, e dopo essere salito al potere - il "primo artista" di corte. David realizza dipinti dedicati al passaggio di Napoleone attraverso le Alpi, alla sua incoronazione, nonché una serie di composizioni e ritratti di persone vicine a Napoleone. Dopo la sconfitta di Napoleone nella battaglia di Waterloo nel 1815, fuggì in Svizzera, poi si trasferì a Bruxelles, dove visse fino alla fine della sua vita.

J.-L. David "Bonaparte al Passo del San Bernardo" (1801)
Questa immagine di David apre l'era del romanticismo nella pittura europea. Si tratta di un ritratto equestre altamente romanticizzato del generale Napoleone Bonaparte, che nel maggio 1800 guidò l'esercito italiano attraverso il Passo del San Bernardo nelle Alpi.
Lo sfondo naturale conferisce anche un significato romantico all'immagine: ripide scogliere montuose, neve, vento forte e maltempo. In basso, se guardi da vicino, puoi vedere i nomi scolpiti dei tre grandi condottieri che passarono per questa strada: Annibale, Carlo Magno e Bonaparte.

J.-L. David "Incoronazione di Napoleone" (1805-1808)
La tela è stata creata sotto l'impressione del dipinto di Rubens "L'Incoronazione di Maria Medici".
Jacques-Louis David fu sepolto a Bruxelles e il suo cuore fu trasportato a Parigi e sepolto nel cimitero di Pere Lachaise.
Nel XVIII secolo. I pittori storici Jean Jouvenet, Nicolas Colombel, Pierre Subleyra, i ritrattisti Claude Lefebvre, Nicolas Largilier e Hyacinthe Rigaud hanno lavorato in Francia.
A metà del XVIII secolo. la famiglia Vanlo era famosa, soprattutto i fratelli Jean-Baptiste e Charles, e altri artisti.

Gli artisti francesi sono i più grandi nomi della cultura mondiale. Inoltre, sono stati i maestri francesi a battere tutti i record per il prezzo delle opere d'arte nelle migliori aste. È solo un peccato che i loro autori abbiano ricevuto solo fama postuma, ma tali sono le vicissitudini del destino di molti creatori di bellezza.

Artisti francesi: il fenomeno dell'impressionismo francese

Così, gli artisti francesi del 20 ° secolo sono diventati i più venduti, e quindi i più famosi e riconosciuti al mondo. Anche le persone completamente inesperte nelle belle arti conoscono i loro nomi. Prima di tutto, questi sono artisti impressionisti. La Francia fu inospitale nei loro confronti durante la loro vita, ma dopo la morte divennero un vero orgoglio nazionale.

I più grandi artisti francesi, che hanno ricevuto riconoscimenti, fama e fama in tutto il mondo in ampi circoli, lo sono Pierre Renoir, Edouard Manet, ‎Edgar Degas, Paolo Cézanne, Claude Monet E Paolo Gauguin. Tutti loro sono rappresentanti della tendenza più famosa e più venduta nella pittura del XX secolo: l'impressionismo. Inutile dire che questa tendenza ha avuto origine in Francia e rivela pienamente il suo posto e il suo significato nella storia dell'arte mondiale. Una straordinaria combinazione di tecnica originale e grande espressività emotiva ha affascinato e continua ad affascinare gli intenditori della bellezza di tutto il mondo nell'impressionismo.

Artisti di Francia: la formazione della pittura francese

Ma gli artisti francesi non sono solo impressionisti. Come altrove in Europa, il periodo di massimo splendore della pittura qui cadde nel Rinascimento. Naturalmente, la Francia non può vantare giganti come Leonardo da Vinci o Raffaello, ma ha comunque dato il suo contributo alla causa comune. Ma le influenze italiane erano troppo forti per formare la scuola nazionale originaria.

Il primo grande artista francese che si liberò completamente dalle influenze esterne fu Jacques Louis David, giustamente considerato il fondatore della tradizione pittorica nazionale. Il dipinto più famoso dell'artista fu il famoso ritratto equestre dell'imperatore Napoleone chiamato "Napoleone al Passo del San Bernardo" (1801).

Gli artisti francesi del XIX secolo, che lavoravano in una direzione realistica, ovviamente, erano meno conosciuti degli impressionisti, ma tuttavia diedero un contributo tangibile allo sviluppo della pittura mondiale. Ma il XX secolo fu il trionfo dell’arte francese e Parigi divenne il centro delle muse. Il famoso quartiere della capitale francese Montmartre, che diede rifugio a decine di poveri artisti, entrati poi nel fondo d'oro del patrimonio dell'umanità, tra cui figurano i nomi Renoir, van gogh, Toulouse-Lautrec, E Picasso E Modigliani, divenne il centro delle belle arti e attira ancora folle di turisti. Anche famosi artisti francesi contemporanei vivono tradizionalmente a Montmartre.

Ogni paese ha i suoi eroi dell'arte contemporanea, i cui nomi sono noti, le cui mostre riuniscono folle di appassionati e curiosi e le cui opere sono distribuite tra collezioni private.

In questo articolo ti presenteremo gli artisti contemporanei più famosi in Francia.

Malika Favre

Malika Favre è stata introdotta nel mondo delle belle arti dalla madre artista: non c'erano TV e videogiochi in casa, questi divertimenti sono stati sostituiti dal disegno. Dopo la laurea, Favre si è trasferita a Londra, dove vive e lavora ancora oggi. È stato a Londra, dopo quattro anni all'Airside, che ha trovato la sua vocazione ed è diventata un'illustratrice professionista.

Tommaso Mainardi

Thomas è un artista autodidatta francese. I suoi dipinti, il cui stile l'artista chiama espressionismo pop, sono impressioni soggettive e momenti strappati alla cultura pop moderna e saturi di emozioni e fantasie. Attualmente l'artista vive e lavora in una piccola città tra Parigi e Lille.

Nushka

L'artista Nushka vive e lavora a Parigi e dipinge da oltre 10 anni. Ha studiato pittura Nushka a Detroit con l'artista americano Zawaki, che le ha insegnato le basi della pittura, e con Maggie Siner, che l'ha introdotta alla meccanica dei colori. Ha anche studiato con l'artista Hashpa. Grazie a una base così ricca, la pittura dell'artista unisce abilità tecnica e stile a temi contemporanei.

Laurent Botella

Laurent ha studiato pittura al laboratorio Maithe Rovino di Osson e alla scuola d'arte Beaux Arts di Tolosa. I suoi dipinti sono realizzati con la tecnica impressionista - e la tecnica per Laurent è di fondamentale importanza: la composizione e la combinazione di colori mirano a enfatizzare la componente trama dell'immagine. Dal 1991, Laurent Botella ha partecipato regolarmente a mostre e concorsi, dove ha ricevuto più volte premi e riconoscimenti.

Laurent Dauptain

Laurent Doptin ha un master in pittura. La trama delle sue opere è insolita: sostanzialmente l'artista disegna i propri ritratti, sperimentando varie tecniche. Di tanto in tanto Laurent si cimenta in altri generi, ma ritorna sempre all'autoritratto. Dal 1981, Dopten ha esposto costantemente, ha partecipato più volte a vari concorsi e ha ricevuto più volte premi per il suo lavoro, i più significativi dei quali includono il Peintres de l'Armee Salon Grand Prix, 2003, il Taylor Prize, 2001 e un medaglia d'oro Salon artista di Francia, 1997.

Michel Delacroix Michel Delacroix

Michel Delacroix è nato nel 1933. Il suo amore per il disegno risale ai tempi dell'occupazione tedesca di Parigi. È Parigi, che anche allora rimase Parigi, l'eroe dei suoi dipinti: una città tranquilla e calma dell'infanzia dell'artista. Delacroix ha sperimentato a lungo gli stili, finché non ha finalmente deciso la direzione che è diventata il suo marchio di fabbrica: lo stile di pittura "ingenuo". Delacroix ha vinto numerosi premi tra cui Grand Prix des Amateurs d'Art, Parigi 1973, Grand Prix de la Cote d'Azur, Cannes, 1976, Premier Prix de Sept Collines, Roma, 1976, ecc. Il suo lavoro si trova in diverse collezioni pubbliche e private, tra cui il Museo Nazionale d'Arte Moderna di Parigi e il Museo Internazionale d'Arte Naïve.

Silvestro Evrard

L'artista francese Sylvester Evrard vive e lavora a Lille. Fondamentalmente, gli eroi dei suoi dipinti sono persone. Lo stile e l'umore dei dipinti dell'artista, secondo le sue stesse parole, possono essere brevemente caratterizzati dall'espressione di André Malraux: "L'arte è la presenza nella vita di ciò che dovrebbe appartenere alla morte".

Patricia Perrier-Radix

Il lavoro di Patricia è caratterizzato da leggerezza, facilità e perfezione. L'artista non si ferma alla ricerca del suo stile, arricchisce costantemente le sue conoscenze studiando vari materiali, ma tende a lavorare con acrilico e pittura ad olio su tela. I suoi dipinti sono sorprendentemente emotivi: disegnando eroi senza volti, Patricia trasmette magistralmente le più piccole sfumature di sentimenti e stati d'animo con l'accuratezza di gesti e pose fugaci.

Henri Lamy

L'artista figurativo francese contemporaneo Henri Lamy ha studiato pittura a olio, ma è rimasto affascinato dalla spontaneità e dalla spontaneità dell'acrilico, che esalta il suo lavoro con colori nitidi ed espressivi. I dipinti di Henri sono creati facendo gocciolare la vernice da un coltello, le cui strisce si intrecciano, si collegano e si asciugano quasi all'istante. Da vicino, questi dipinti acrilici possono sembrare astratti e mostrare i loro veri colori solo allo spettatore, che ha fatto un paio di passi indietro.

Giovanna Perdu

Joanna, conosciuta tra colleghi e amanti dell'arte anche come La D"Jo, ha conseguito un diploma in belle arti e si è dedicata a lui in tutta la sua diversità, dalla pittura alla fotografia. Trae le sue idee dal mondo dello spettacolo: musica, danza, teatro, circo... e i suoi dipinti sono sempre al centro delle creature viventi di questo mondo magico. Oggi i suoi dipinti si trovano in gallerie in varie parti del mondo. Il lavoro deliberatamente ingenuo di Perdu ha conquistato l'attenzione della critica e meritato loro molte recensioni, solitamente entusiaste.

Arte e design

7404

24.09.15 01:41

“Così piccola, era ovviamente sopravvalutata!” grugniscono alcuni turisti venuti al Louvre apposta per vedere il santuario locale, la Gioconda… Louvre Louvre, ma non dimenticare che molti pittori famosi sono nati proprio in Francia. Facciamo una breve escursione nel passato di questo paese e ricordiamo i migliori artisti francesi.

I migliori artisti francesi

Grande classicista

Nato alla fine del XVI secolo, Nicolas Poussin adottò con entusiasmo le tecniche dei maestri dell'Alto Rinascimento, tra cui l'autore della Gioconda da Vinci e Raffaello. I suoi dipinti contengono spesso personaggi biblici, scene mitologiche (anche un ciclo di paesaggi dedicato alle stagioni, e quello è ispirato alla Bibbia). Il normanno Poussin è stato alle origini del classicismo; il suo contributo all'arte francese non può essere sopravvalutato. Nel nostro Eremo si trova il suo dipinto “Riposo durante la fuga in Egitto”.

Cantante dell'epoca galante

Antoine Watteau, nato quasi due decenni dopo la morte di Poussin, regnò saldamente sull '"Olimpo" degli artisti francesi. Ai suoi tempi non c'era un solo pittore in Europa che potesse competere con lui in abilità. Visse solo 36 anni, ma riuscì a lasciare molti capolavori. Scene quotidiane, paesaggi, ritratti di Watteau sono affascinanti ed eleganti, è definito il precursore dello stile rococò. Per l'ammissione all'Accademia delle arti, il giovane dipinse due versioni del dipinto “Pellegrinaggio all'isola di Citera” (una è conservata a Berlino, l'altra al Louvre di Parigi). L'Hermitage ha acquisito diverse opere dell'artista francese, tra cui il dipinto Attori della commedia francese.

Pittore paesaggista dotato

Il pittore marino e paesaggista di prim'ordine Claude Joseph Vernet ha lavorato a lungo in Italia. La costa di Napoli e il possente Tevere hanno lasciato un segno nel suo lavoro. La collezione del Louvre comprende “Veduta del ponte e del castello del Santo Angelo” e “Vista di Napoli con il Vesuvio”, e l'Ermitage espone “Rocce vicino al mare”, “Mattina a Castellammare” e alcuni altri capolavori del maestro.

Colleghi romantici

Eugene Delacroix, un rappresentante del movimento romantico nell'arte, nacque a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo e ricevette una buona educazione. Amava copiare i capolavori degli antichi maestri: su di essi ha affinato la sua arte. Eugenio era amico di Alexandre Dumas e ammirava il lavoro di Géricault. Alcuni dei dipinti più famosi di Delacroix (spesso sceglieva soggetti storici) sono "La libertà sulle barricate" e "La morte di Sardanapalo".

Un altro romantico, Theodore Gericault, aveva solo pochi anni più di Delacroix, ma era una grande autorità per il suo collega. Ahimè, il destino gli ha concesso un tempo molto breve: all'età di 32 anni, il pittore è caduto da cavallo e si è schiantato. Theodor preferiva scene di battaglia su larga scala, copiava Rubens, essendo un appassionato ammiratore del fiammingo. Anche se non hai sentito il nome di questo artista francese, probabilmente ti sei imbattuto in riproduzioni del capolavoro di Gericault "La zattera della Medusa" (quest'opera è l'orgoglio del Louvre).

Eterno vagabondo

Eugene Henri Paul Gauguin ci è più noto. Il postimpressionista colse l'inizio del XX secolo, ma se ne andò abbastanza presto: morì all'età di 54 anni nel 1903 nella Polinesia francese. Dicono che un genio sia stato ucciso da malattie (la peggiore è la lebbra incurabile). Nella sua giovinezza viaggiò molto: Paolo prestò servizio come semplice marinaio su una nave da guerra, fu fuochista sulle navi della flotta mercantile. Quelle impressioni, ovviamente, si riflettevano nelle opere del pittore. Ha quasi dedicato la sua vita all'intermediazione, ma col tempo si è fermato e si è dedicato alla creatività. Anche le persone non iniziate hanno familiarità con le vivide immagini create da Gauguin, ad esempio "Una donna con un frutto".

sagome volanti

Qualcuno di voi ha sentito l'espressione "Degas Ballerinas". Questo artista francese ha davvero tratto ispirazione dalle scuole di balletto e dalle prove. I suoi leggeri tratti pastello sono riusciti a catturare graziose inclinazioni leggere della testa, piroette, inchini, salti - lo vediamo nelle tele dell'impressionista "Lezione di ballo" o "Ballerini blu". Molto conosciute sono le sue scene quotidiane: "Absinthe", "Ironers".

Padre dell'impressionismo

Un altro classico della pittura europea - Edouard Manet (uno dei "padri" dell'impressionismo) - come Degas, amava rappresentare la vita dei cittadini: le loro passeggiate in giardino o i picnic nella natura. I suoi ritratti si distinguono per semplicità e semplicità, e alla fine della sua vita si interessò improvvisamente alle nature morte. Olympia, La ferrovia, Colazione sull'erba sono considerati capolavori di fama mondiale.

Sentimentale e perlaceo

Il genere preferito di Pierre-Auguste Renoir era il ritratto. La cupidigia secolare, le giovani fanciulle innocenti, le coppie innamorate prendono vita sotto i tratti sicuri del pennello del maestro. Iniziando come impressionista, Pierre gradualmente si disilluse e si unì ai classicisti. La sua arte è sentimentale e madreperla. Guarda "Ragazze al pianoforte" o "Bouquet di primavera", le tele sembrano brillare dall'interno.

Che sia un contadino o un pensatore...

Paul Cezanne, con le sue sagome scolpite nella pietra nei ritratti e nei paesaggi leggermente “sbavati”, è un brillante rappresentante del postimpressionismo. Sia nella creatività che nella vita, era avaro di emozioni, laconico e poco emotivo: qualcosa in lui proveniva da un contadino, qualcosa da uno scienziato-pensatore. È interessante notare che è il suo capolavoro "Giocatori di carte" - uno dei dipinti più costosi al mondo (nel 2012 è stato acquistato per la collezione dell'emiro del Qatar per 250 milioni di dollari).

Roccia malvagia dell'aristocratico

L'ultimo nella nostra lista dei migliori artisti francesi è il povero Henri Marie Raymond de Toulouse Lautrec. Perchè povero ragazzo? Sì, apparteneva a un'antica famiglia di contea, ma all'età di 13 e 14 anni il giovane riuscì a rompersi prima la coscia di una gamba, poi l'altra, per questo smisero di crescere. Henri è rimasto un semi-nano con disabilità. L'impossibilità di intraprendere la carriera militare sconvolse tutta la famiglia e lo stesso Henri fu incoraggiato a dedicarsi alla pittura. Studiò con i maestri (amava molto il lavoro di Degas e Cezanne), e quando arrivò a Parigi divenne un frequentatore di cabaret e pub, bevve, contrasse la sifilide e morì a 37 anni. Le sue opere grafiche e i suoi dipinti furono riconosciuti dopo la sua morte. I ritratti degli artisti e delle prostitute del Moulin Rouge, ai cui servizi Toulouse Lautrec fu costretto a ricorrere, sono ora considerati capolavori.