Ci sono molte persone di talento tra gli artisti russi. Il loro lavoro è molto apprezzato in tutto il mondo e compete con maestri mondiali come Rubens, Michelangelo, Van Gogh e Picasso. In questo articolo abbiamo raccolto 10 degli artisti russi più famosi.
1. Ivan Aivazovsky
Ivan Aivazovsky è uno degli artisti russi più famosi. È nato a Feodosia. Fin dall'infanzia, Aivazovsky ha mostrato le sue incredibili capacità creative: amava disegnare e ha imparato da solo a suonare il violino.
All'età di 12 anni, il giovane talento iniziò a studiare a Simferopol presso l'Accademia di pittura. Qui imparò a copiare incisioni e dipingere dalla natura. Un anno dopo riuscì ad entrare all'Accademia Imperiale di San Pietroburgo, sebbene non avesse ancora compiuto 14 anni.
Per molto tempo l'artista viaggiò per l'Europa e visse in Italia, dove anche i suoi dipinti furono riconosciuti per il loro vero valore. Così il giovane artista di Feodosia divenne un uomo abbastanza famoso e ricco.
Successivamente, Aivazovsky tornò in patria, dove ricevette l'uniforme del Ministero della Marina e il titolo di accademico. L'artista ha visitato anche l'Egitto ed è stato presente all'inaugurazione del nuovo Canale di Suez. L'artista ha descritto tutte le sue impressioni in immagini. A questo punto, aveva già sviluppato il suo stile unico e la capacità di scrivere a memoria. Aivazovsky ha abbozzato brevemente elementi complessi su un taccuino per poi trasferirli sulla tela. I dipinti "Odessa", "La nona onda" e "Il Mar Nero" gli hanno portato fama mondiale.
L'artista trascorse gli ultimi anni della sua vita a Feodosia, dove si costruì una casa in stile italiano. Un po 'più tardi, Aivazovsky vi aggiunse una piccola galleria in modo che tutti potessero godersi liberamente i suoi meravigliosi dipinti e annegare nell'oceano di colori. Oggi questa dimora funge ancora da museo e molti visitatori vengono qui ogni giorno per vedere con i propri occhi l'abilità del pittore marino, che visse una vita lunga e felice.
2. Viktor Vasnetsov
Viktor Vasnetsov continua l'elenco degli artisti russi più famosi. Nacque nella primavera del 1848 nella famiglia di un prete nel piccolo villaggio di Lopyal. La voglia di dipingere si è risvegliata in lui molto presto, ma i suoi genitori non hanno potuto dargli un'istruzione adeguata a causa della mancanza di denaro. Pertanto, all'età di 10 anni, Victor iniziò a studiare in un seminario teologico gratuito.
Nel 1866, praticamente senza soldi, partì per San Pietroburgo. Vasnetsov superò facilmente l'esame di ammissione ed entrò all'Accademia delle arti. Qui iniziò la sua amicizia con il famoso artista Repin, con il quale in seguito si recò a Parigi. Dopo il ritorno a San Pietroburgo, Vasnetsov inizia a dipingere i suoi dipinti più famosi: "Tre eroi", "Fanciulla di neve" e "Dio Sabaoth".
L'artista ha potuto rivelare pienamente il suo talento solo dopo essersi trasferito a Mosca. Qui è accogliente e a suo agio, e ogni immagine successiva è migliore della precedente. Fu a Mosca che Vasnetsov dipinse dipinti come Alyonushka, Ivan Tsarevich e il lupo grigio e Nestor il cronista.
3. Karl Bryullov
Questo famoso artista russo è nato nel 1799. Il padre di Karl era un famoso pittore e professore all'Accademia delle arti di San Pietroburgo. Pertanto, il destino del ragazzo era una conclusione scontata. Fortunatamente, Karl Bryullov è riuscito a ereditare il talento dell'artista da suo padre.
Lo studio è stato dato al giovane artista molto facilmente. Era molte volte superiore al resto degli studenti della sua classe e si diplomò all'Accademia delle Arti con il massimo dei voti. Successivamente, Karl andò in giro per l'Europa, fermandosi a lungo solo in Italia. Fu qui che creò il suo capolavoro: "L'ultimo giorno di Pompei", dopo aver trascorso circa sei anni a scriverlo.
Al suo ritorno a San Pietroburgo, Karl Bryullov era atteso da fama e gloria. Erano contenti di vederlo ovunque e sicuramente ammiravano i suoi nuovi dipinti. Durante questo periodo, l'artista crea molti dei suoi dipinti immortali: Amazzone, Assedio di Pskov, Narciso e altri.
4. Ivan Shishkin
Ivan Shishkin è uno dei più famosi paesaggisti russi, che nei suoi dipinti poteva presentare qualsiasi paesaggio poco appariscente nella luce più favorevole. Sembra che la natura stessa giochi sulle tele di questo artista con colori vivi.
Ivan Shishkin è nato nel 1832 a Yelabuga, che oggi appartiene al Tatarstan. Il padre voleva che suo figlio alla fine assumesse la carica di funzionario della città, ma Ivan gravitava verso il disegno. All'età di 20 anni partì per Mosca per studiare pittura. Dopo essersi diplomato con successo alla Scuola d'arte di Mosca, Shishkin entrò all'Accademia Imperiale di San Pietroburgo.
Successivamente viaggiò a lungo in Europa, disegnando paesaggi meravigliosi. In questo periodo realizzò il dipinto "Vista nei dintorni di Düsseldorf", che gli diede grande fama. Dopo il ritorno in Russia, Shishkin continua a creare con raddoppiata energia. Secondo lui, la natura russa è centinaia di volte superiore ai paesaggi europei.
Ivan Shishkin ha dipinto molti dipinti straordinari nella sua vita: "Mattina in una pineta", "Prima neve", "Pineta" e altri. Anche la morte ha colto questo pittore proprio dietro il cavalletto.
5. Isacco Levitan
Questo grande maestro russo del paesaggio è nato in Lituania, ma ha vissuto tutta la sua vita in Russia. Ripetutamente, la sua origine ebraica gli causò molte umiliazioni, ma non lo costrinse a lasciare questo paese, che idolatrava e lodava nei suoi dipinti.
Già i primi paesaggi di Levitan hanno ricevuto voti alti da Perov e Savrasov, e lo stesso Tretyakov ha persino acquistato il suo dipinto “Giorno d'autunno a Sokolniki”. Ma nel 1879 Isaac Levitan, insieme a tutti gli ebrei, fu espulso da Mosca. Solo grazie ai grandi sforzi di amici e insegnanti riesce a ritornare in città.
Nel 1880, l'artista dipinse molti dipinti straordinari che lo resero molto famoso. Questi erano "Pini", "Autunno" e "Prima neve". Ma l'ennesima umiliazione costrinse l'autore a lasciare nuovamente Mosca e recarsi in Crimea. Sulla penisola, l'artista scrive una serie di opere straordinarie e migliora significativamente le sue condizioni finanziarie. Ciò gli permette di viaggiare in giro per l'Europa e conoscere il lavoro dei maestri del mondo. L'apice del lavoro di Levitan è stato il suo dipinto "Sopra la pace eterna".
6. Vasily Tropinin
Il grande ritrattista russo Vasily Tropinin ha avuto un destino straordinario. Nacque nella famiglia dei servi del conte Markov nel 1780 e solo all'età di 47 anni ricevette il diritto di essere un uomo libero. Fin da bambino, il piccolo Vasily aveva un debole per il disegno, ma il conte lo mandò a studiare come pasticcere. Successivamente viene comunque inviato all'Accademia Imperiale, dove mostra il suo talento in tutta la sua bellezza. Per i suoi ritratti "La merlettaia" e "Il vecchio mendicante" Vasily Tropinin è stato insignito del titolo di accademico.
7. Petrov-Vodkin Kuzma
Il famoso artista russo Petrov-Vodkin è riuscito a lasciare una ricca eredità nella pittura mondiale. Nacque nel 1878 a Khvalynsk e in gioventù sarebbe diventato un ferroviere. Tuttavia, il destino lo ha reso un pittore di fama mondiale.
8. Alexey Savrasov
I dipinti di questo artista russo si vendevano bene già all'età di 12 anni. Poco dopo entrò alla Scuola di pittura di Mosca e divenne subito uno dei migliori studenti. Un viaggio in Ucraina ha aiutato Savrasov a finire il college prima del previsto e a ricevere il titolo di artista.
I dipinti "Pietra nella foresta" e "Cremlino di Mosca" hanno reso questo pittore un accademico all'età di 24 anni! La famiglia reale è interessata ai giovani talenti e lo stesso Tretyakov acquista molte delle sue opere per mostre internazionali. Tra questi c'erano "Winter", "Rooks have came", "Thaw" e altri.
La morte di due figlie e il successivo divorzio mettono a dura prova Savrasov. Beve molto e presto muore in un ospedale per poveri.
9. Andrej Rublev
Andrei Rublev è il più famoso pittore di icone russo. È nato nel XV secolo e ha lasciato una grande eredità sotto forma delle icone "Trinità", "Annunciazione", "Battesimo del Signore". Andrei Rublev, insieme a Daniil Cherny, decorò molte chiese con affreschi e dipinse anche icone per l'iconostasi.
10. Michail Vrubel
Il nostro elenco degli artisti russi più famosi è completato da Mikhail Vrubel, che durante la sua vita ha creato numerosi capolavori in vari argomenti. Era impegnato nella pittura del tempio di Kiev, e più tardi a Mosca iniziò a creare la sua famosa serie di dipinti "demoniaci". Il lancio creativo di questo artista non ha trovato la giusta comprensione tra i suoi contemporanei. Solo pochi decenni dopo la morte di Mikhail Vrubel, i critici d'arte gli hanno riconosciuto il dovuto e la Chiesa ha concordato con le sue interpretazioni degli eventi biblici.
Sfortunatamente, la vita personale dell'artista gli ha causato lo sviluppo di una grave forma di disturbo mentale. Il titolo di accademico lo raggiunse in un manicomio, dal quale non era più destinato a uscire. Tuttavia, Mikhail Vrubel è riuscito a creare molte straordinarie opere d'arte degne di genuina ammirazione. Tra questi, vale soprattutto la pena evidenziare i dipinti "Demone seduto", "La principessa del cigno" e "Faust".
Tra tutti gli artisti più famosi, vorrei evidenziare il lavoro dell'artista Miftyakhov Marat Khaidarovich.
I paesaggi di Marat sono sorprendenti e unici.
Le immagini sono diverse realistiche e irrealistiche, comprensibili e incomprensibili.
Se vedi che nella foto è disegnato un bicchiere, allora questo è abbastanza ovvio e cosa c'è da pensare? Hai guardato la foto e hai capito che era un bicchiere, domani hai guardato ancora e ancora e hai capito che era un bicchiere ... Molto probabilmente, dopo aver visto un'immagine simile una volta, non vuoi più guardarla, poiché è ovvio e non necessita di spiegazioni. I dipinti di Marat sono l'esatto opposto di tali dipinti. Attraggono e affascinano in quanto raffigurano oggetti e paesaggi completamente sconosciuti e incomprensibili, creando viste fantastiche in combinazione tra loro.
I dipinti contengono molti piccoli dettagli diversi.
È molto difficile vedere l'intera immagine in dettaglio in una volta, tali immagini devono essere visualizzate più volte. E ogni volta, avvicinandosi all'immagine, lo spettatore può scoprire qualcosa di nuovo, qualcosa che prima non aveva notato. Questa qualità è inerente a tutti i dipinti di Marat e attrae ancora di più la loro visione. Le immagini sono informative e portano un profondo significato filosofico.
"Considero Renato Guttuso l'artista più significativo dell'Europa occidentale moderna", ha scritto J. Berger.
Ed ecco le parole di Carlo Levi “Guttuso è un grande artista: e non solo in Sicilia e in Italia. Ora è uno dei più grandi artisti del mondo. Ne sono profondamente convinto e sono felice di poterlo affermare senza vincoli e riserve, con piena responsabilità”.
Renato Guttuso nasce in Sicilia a Bagheria vicino Palermo il 26 dicembre 1911 (secondo altre fonti - 2 gennaio 1912), nella famiglia di un geometra. Ricevette le prime competenze professionali dal maestro popolare Emilio Murdolo, che dipingeva carrozze. Studiando al Liceo, Guttuso si dedica anche alla pittura: conosce libri d'arte, visita le botteghe degli artisti. Alla fine degli anni venti compaiono i suoi primi dipinti.
Alla prima Quadriennale (una mostra quadriennale di artisti italiani), ha avuto poco successo: due dei suoi dipinti hanno attirato l'attenzione della critica.
Già durante la sua vita, il nome di Dalì era circondato da un alone di fama mondiale. Nessuno, tranne Pablo Picasso, poteva paragonarsi a lui in fama.
Il famoso regista Alfred Hitchcock ha scritto: “Ho apprezzato Dalì per i contorni taglienti dei suoi dipinti - ovviamente, per molti versi simili ai dipinti di de Chirico - per le sue lunghe ombre, lo straniamento infinito, la linea sfuggente che va all'infinito, per volti senza forma. Naturalmente ha inventato molte altre cose molto strane che non potevano essere realizzate.
Dalì ha detto della sua pittura: “Come vuoi capire i miei dipinti, quando io stesso, che li ho creati, non li capisco neanche io. Il fatto che io non comprenda i miei quadri nel momento in cui dipingo non significa che questi quadri non abbiano alcun significato, anzi, il loro significato è così profondo, complesso, connesso, involontario che sfugge alla semplice analisi logica.
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dali y Domenech è nato l'11 maggio 1904 nella piccola città di Figueres (provincia di Girona), nella famiglia di un avvocato. Fu battezzato con lo stesso nome del fratello, morto all'età di sette anni di meningite. Nella sua autobiografia, l'artista scrive: “Essendo nato, ho preso il posto dell'adorato defunto, che hanno continuato ad amare attraverso di me ... Tutte le mie successive azioni eccentriche, tutte le mie buffonate incoerenti sono state la tragica costante della mia vita: Dovevo dimostrare a me stesso che non ero mio fratello morto, ma vivo. È così che ho incontrato il mito di Castore e Polluce: uccidendo il mio fratello dentro di me, ho conquistato la mia immortalità”.
“Il realismo non è una formula stabilita una volta per tutte, non un dogma, non una legge immutabile. Il realismo, come forma di riflessione della realtà, deve essere in costante movimento”, afferma Siqueiros. E un'altra delle sue affermazioni: “Lo spettatore non è una statua inclusa nella prospettiva lineare del quadro... è colui che si muove su tutta la sua superficie... una persona, osservando il dipinto, completa lo sguardo dell'artista lavorare con il suo movimento.”
Il 29 dicembre 1896, nella città messicana di Chihuahua, don Cipriano Alfaro e Teresa Siqueiros ebbero un figlio, Jose David Alfaro Siqueiros. All'età di undici anni mostrò il dono di un pittore, così nel 1907 il ragazzo fu mandato a studiare alla Scuola Preparatoria Nazionale di Città del Messico. Poco dopo, Alfaro inizia a studiare nelle classi dell'Accademia d'Arte di San Carlos.
Qui Siqueiros diventa uno dei leader studenteschi e solleva l'accademia per protestare e scioperare. L'artista ricorda: “Quali erano gli obiettivi del nostro sciopero? Cosa richiedevamo? Le nostre richieste riguardavano sia questioni educative che politiche. Volevamo eliminare la routine accademica ammuffita che regnava sovrana nella nostra scuola. Allo stesso tempo abbiamo avanzato alcune rivendicazioni di carattere economico... Abbiamo chiesto la nazionalizzazione delle ferrovie. Tutto il Messico ha riso di noi… Francamente sono profondamente convinto che in quel giorno sia nato nell’animo di ciascuno di noi un artista-cittadino, un artista che vive nell’interesse pubblico…”
Le tele di Plastov sono piene di potere di affermazione della vita. Attraverso il colore e grazie al colore riempie i suoi dipinti di un sentimento vivo e tremante. L’artista dice: “Amo questa vita. E quando la vedi anno dopo anno ... pensi di doverlo dire alla gente ... La nostra vita è piena e ricca, ci sono così tante cose sorprendentemente interessanti che anche le normali faccende quotidiane della nostra gente attraggono attenzione, scuoti l'anima. Devi essere in grado di vederlo, notarlo."
Arkady Alexandrovich Plastov è nato il 31 gennaio 1893 nel villaggio di Prislonikha, nella provincia di Simbirsk, nella famiglia di un pittore di icone del villaggio. I suoi genitori sognavano che il loro figlio diventasse prete. Dopo essersi diplomato in tre classi di una scuola rurale, nel 1903 Arkady fu inviato alla Scuola Teologica di Simbirsk. Cinque anni dopo entrò nel Seminario teologico di Simbirsk.
Nella primavera dello stesso anno, 1908, entrò in stretto contatto con il lavoro di un artefice di pittori di icone che stavano restaurando la chiesa di Prislonikha. “Quando iniziarono a montare le impalcature”, scrive l'artista nella sua autobiografia, “sfregando vernici, cuocendo olio essiccante sulla ripida sponda del fiume, io stesso non ero me stesso e camminavo, come incantato, vicino ai miracoli in arrivo. " Osservando come sui muri di una vecchia chiesa fuligginosa nasceva un mondo di immagini nuovo e senza precedenti, il ragazzo decise fermamente: "Essere solo un pittore e niente di più".
Chagall può essere compreso attraverso il “sentimento” e non la “comprensione”. "Il cielo, il volo: lo stato principale del pennello di Chagall", ha osservato Andrey Voznesensky.
“Ho camminato sulla luna”, ha detto l'artista, “quando non c'erano ancora gli astronauti. Nei miei quadri i personaggi erano nel cielo e nell'aria..."
Mark Zakharovich Chagall è nato il 7 luglio 1887 nella città di Vitebsk. Era il maggiore di dieci figli di un piccolo commerciante. Suo padre lavorava come operaio per un commerciante di aringhe e sua madre, Feiga, gestiva un piccolo negozio. Nel 1905, Mark si diplomò alla scuola commerciale quadriennale della città.
Il primo insegnante di Mark fu nel 1906 Yu.M. Peng. Nella sua autobiografia, intitolata “La mia vita”, Chagall dedica le seguenti righe a Yuri Moiseevich: “Peng mi è caro. Quindi la sua figura tremante sta davanti ai suoi occhi. Nella mia memoria, vive accanto a suo padre. Spesso, camminando mentalmente per le strade deserte della mia città, ogni tanto mi ci imbatto in esso. Quante volte ero pronto a supplicarlo, stando sulla soglia della scuola: non ho bisogno della fama, se solo potessi diventare come te, un modesto maestro, o appendere, al posto dei tuoi quadri, sulla tua strada, in la tua casa, accanto a te. Lasciami!"
Il famoso critico Paul Husson scriveva nel 1922 di Modigliani:
“Dopo Gauguin, è stato senza dubbio colui che meglio ha saputo esprimere il sentimento del tragico nella sua opera, ma con lui questo sentimento era più intimo e solitamente privo di qualsiasi esclusività.
... Questo artista porta dentro di sé tutte le aspirazioni inespresse per una nuova espressività, caratteristiche di un'epoca che anela all'assoluto e non conosce le vie per raggiungerlo.
Amedeo Clemente Modigliani nacque il 12 luglio 1884 da genitori ebrei italiani. Suo padre, Flaminio Modigliani, dopo il fallimento del suo studio "Legna da ardere, Carbone", diresse l'ufficio di un intermediario. La madre, Evgenia Garsen, proveniva da una famiglia di mercanti.
Picasso diceva: "L'arte è una bugia che ci aiuta a comprendere la verità".
Pablo Ruiz Picasso è nato il 25 ottobre 1881 a Malaga, in Spagna, dall'artista Don Jose Ruiz e Maria Picasso y Lopez. Nel tempo l'artista prese il nome della madre. Mio padre era un modesto insegnante d'arte, a volte prendeva ordini per la pittura d'interni. Il ragazzo iniziò a disegnare molto presto. I primissimi schizzi stupiscono con abilità artistica e professionale. La prima foto del giovane artista si chiamava "Picador".
Quando Pablo compie dieci anni, si trasferisce con la famiglia a La Coruña. Nel 1892 entrò nella locale scuola d'arte, dove suo padre teneva un corso di disegno e ornamentazione.
G.S. Oganov scrive: “... L'artista ha cercato di rivelare la vita dell'immagine attraverso l'espressività della forma, da qui la ricerca di tensione dinamica, ritmo e colore. Naturalmente lo spettatore non è colpito da queste ricerche in sé, ma soprattutto dal risultato. E questo risultato in Petrov-Vodkin va sempre oltre i limiti delle ricerche pittoriche puramente compositive-decorative: c'è sempre la vita dello spirito in un'espressione concreta-psicologica e allo stesso tempo filosofica-generalizzata. Questo dà una scala alle sue opere e le rende, nonostante tutti i paralleli esterni e formali con l'arte antica russa o moderna dell'Europa occidentale, opere originali, originali, profondamente indipendenti.
Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin nacque sul Volga nella piccola città di Khvalynsk il 5 novembre 1878. Era il primogenito della famiglia del calzolaio Sergei Fedorovich Vodkin e di sua moglie Anna Panteleevna, nata Petrova. Quando il ragazzo era al terzo anno, suo padre fu portato nell'esercito e mandato a servire a San Pietroburgo, a Okhta. Presto anche Anna Panteleevna si trasferì lì con il suo figlioletto. Due anni e mezzo dopo ci fu un ritorno a Khvalynsk, dove la madre entrò in servizio nella casa dei ricchi locali. Kuzma viveva con lei nell'ala.
CIOÈ. Repin ha definito Kustodiev "un eroe della pittura russa". "Un grande artista russo - e con un'anima russa", ha detto di lui un altro famoso pittore, M.V. Nesterov. Ed ecco cosa dice N.A. Sautin: “Kustodiev è un artista dal talento versatile. Pittore magnifico, entrò nell'arte russa come autore di opere significative di genere quotidiano, paesaggi originali e ritratti dal contenuto profondo. Eccellente disegnatore e artista grafico, Kustodiev ha lavorato con incisioni su linoleum e xilografie, ha eseguito illustrazioni di libri e schizzi teatrali. Ha sviluppato il suo sistema artistico originale, è riuscito a sentire e incarnare le caratteristiche originali della vita russa.
Boris Mikhailovich Kustodiev è nato il 7 marzo 1878 ad Astrakhan. Suo padre, Mikhail Lukich Kustodiev, che insegnava lingua russa, letteratura, logica nella palestra e nel seminario femminile di Astrakhan, morì quando il ragazzo non aveva nemmeno due anni. Tutte le preoccupazioni per l'educazione dei quattro figli ricadono sulle spalle della madre, Ekaterina Prokhorovna. La mamma affittò una piccola dependance nella casa di un ricco mercante. Come ricorda Boris Mikhailovich: "L'intero percorso di una vita mercantile ricca e abbondante era in piena vista ... Questi erano i tipi viventi di Ostrovsky ..." Decenni dopo, queste impressioni si materializzano nei dipinti di Kustodiev.
Il fondatore del suo stile astratto - il Suprematismo - Kazimir Severinovich Malevich è nato il 23 febbraio 1878 (secondo altre fonti - 1879) a Kiev. I genitori Severin Antonovich e Ludwig Alexandrovna erano polacchi di origine. Più tardi, l'artista ha ricordato: "Le circostanze in cui si svolgeva la mia vita infantile erano le seguenti: mio padre lavorava nelle fabbriche di barbabietola da zucchero, che di solito sono costruite nella profonda natura selvaggia, lontano da città e paesi".
Intorno al 1890, il padre fu trasferito nello stabilimento, che si trovava nel villaggio di Parkhomovka, vicino a Belopolye. Qui Kazimir si è diplomato in una scuola agricola quinquennale: “Il villaggio ... era impegnato nell'arte (allora non conoscevo una parola del genere) ... Ho osservato con grande entusiasmo come i contadini realizzavano dipinti e li aiutavo spalmare di argilla i pavimenti della capanna e creare disegni sulla stufa ... Tutta la vita dei contadini mi ha fortemente affascinato ... In questo contesto, si sono sviluppati in me sentimenti per l'arte, per l'arte. Quattro anni dopo, la famiglia si trasferì in una fabbrica a Volchka, per poi trasferirsi a Konotop.
Dopo la vittoria della Rivoluzione d'Ottobre, però, la pittura, come tutti gli altri ambiti artistici, subì cambiamenti significativi. Se gli artisti precedenti erano guidati dalla loro visione del mondo interiore, dopo che il governo "popolare" salì al potere, la componente ideologica venne alla ribalta.
Artisti 1917 - 1921
Immediatamente, dopo la vittoria della rivoluzione, il governo sovietico si occupò delle questioni artistiche, cercando di stabilire qui un monopolio. Il governo sovietico iniziò la sua attività con la nazionalizzazione delle collezioni di dipinti e opere d'arte.
Nei primi giorni della rivoluzione, il manifesto politico si dichiarò ad alta voce. Il poster viene disegnato facilmente e rapidamente. Era necessario mobilitare i soldati al fronte, a questo scopo gli artisti rivoluzionari utilizzarono questo genere di pittura. Tra i cartellonisti, i più famosi erano: Malyutin, Alsit, Moore, Denis. Le loro creazioni erano piccole, con pochi colori utilizzati. Spesso venivano usate le allegorie. Il lavoro di Moor è particolarmente evidente: "Ti sei iscritto come volontario?", "Uno con un bipiede, sette con un cucchiaio", questi manifesti sono noti fino ad oggi. Lo stile di Denis V.N. è più conciso. Una delle sue opere più famose è La banda di Denikin, scritta nel 1919.
In questo momento apparve un nuovo genere artistico: il design delle città. Gli artisti sono coinvolti nella decorazione festosa di città e piazze. C'è bisogno di poster, pannelli. Artisti famosi come Petrov-Vodkin, Lansere e altri furono coinvolti nella decorazione festiva delle città.
Nei primi anni del potere sovietico continuò lo sviluppo della scuola di pittura da cavalletto, nata prima della rivoluzione. Si stanno rompendo gli stereotipi. Tra i maestri del genere raffinato si formano due scuole. Uno di loro ha continuato ad aderire al canone tradizionale, secondo il quale l'artista deve riflettere accuratamente ciò che ha visto, il secondo, al contrario, ha preferito le immagini. Questo gruppo include luminari dell'epoca come Yuon, Petrov-Vodkin, Rylov. L'opera di Petrov-Vodkin "Madonna di Pietrogrado" divenne epocale. Spicca anche l'opera di Rylov “In the Blue Space” - sebbene l'immagine non abbia un significato rivoluzionario, risalta con calma, evoca una sensazione di tranquillità.
In questo periodo si sviluppò anche l'arte grafica. Uno dei rappresentanti più importanti della grafica di quel tempo è Kupreyanov.
Dopo la vittoria della guerra civile, apparve il lavoro per gli scultori. Prima di tutto, questi erano monumenti agli eroi caduti della guerra civile. Una delle opere più sorprendenti di quel tempo è la torre di Tatlin, che simboleggiava coraggio e determinazione.
Una tendenza interessante nell'arte di quel tempo è la porcellana di propaganda, che è uno dei biglietti da visita di quell'epoca. La sua produzione è stata supervisionata dall'artista Chekhonin S.V.. Il lavoro è stato eseguito presso la fabbrica statale di porcellana. Dai vecchi tempi, nelle dispense rimanevano molti prodotti. Gli artisti li hanno dipinti con simboli sovietici, hanno cambiato i segni distintivi con segni comunisti e vi hanno messo sopra slogan rivoluzionari.
Artisti degli anni '20
Dopo la fine della guerra civile inizia un nuovo periodo nello sviluppo della pittura. Sebbene il nemico interno fosse già stato sconfitto, lo Stato era circondato da nemici e non tutti nell’URSS erano contenti della situazione attuale. Lo stato sovietico durante questo periodo aveva bisogno di consolidare il proprio dominio nella mente della gente. Uno dei metodi utilizzati è stato l’art.
Durante questi anni, la pittura si è sviluppata attivamente. C'erano vari circoli e scuole d'arte. Questo è un momento di ricerca, di nuovi inizi, di entusiasmo giovanile generato dalla rivoluzione.
Una delle scuole d'arte più famose dell'epoca era l'AHRR. L'abbreviazione sta per Associazione degli artisti della Russia rivoluzionaria. Ha avuto origine nel 1922. Il suo nucleo era costituito dai Vagabondi. Questa scuola ha continuato la tradizione del realismo. Il tema principale delle opere degli artisti di questo gruppo è una descrizione della vita e della vita dei lavoratori e dei soldati dell'Armata Rossa. Gli artisti più famosi di AHRR: Brodsky, Malyutin, Cheptsov, Grekov, Ryazhsky, Arkhipov, Yakovlev. L'opera più famosa è Brodsky "Lenin in Smolny". Questa immagine è stata vista, forse, da tutti coloro che hanno vissuto in quell'epoca. Divenne la base della Leniniada. Un'altra immagine su cui vorrei attirare l'attenzione è l'opera di Grekov "Tachanka". L'autore trasmette perfettamente la dinamica, l'abilità, la distesa della steppa.
OST - la società dei pittori da cavalletto - questo gruppo è stato guidato da una ricerca creativa, ha imitato gli impressionisti, i temi dello sport e dell'industria sono inerenti a questa direzione. Figure di spicco di questa scuola: Williams, Labas, Pimenov, Shterenberg, Deineka. L'opera di Deineka "La difesa di Pietrogrado" caratterizza questa scuola.
Le Quattro Arti è un gruppo le cui opere sono caratterizzate da un background filosofico. Comprende: Kuznetsov, Petrov-Vodkin, Favorsky e altri.
C'erano anche altri gruppi artistici. In questo momento si svilupparono tipi d'arte nazionali. Ci sono scuole d'arte nelle regioni della Russia zarista, dove prima non esisteva affatto la pittura: la regione dell'Asia centrale.
Rappresentanti delle scuole nazionali di pittura che lavorarono in questo periodo: Azimzade, Tansykbaev, Abilkhan, Grigoryan, Kojoyan e altri.
In Ucraina, i maestri più famosi di questo periodo sono Carpenter, Petrytsky, Boychuk, Pavlenko.
Dagli anni '20 ci sono stati cambiamenti nell'arte grafica. Se prima era l'arte di illustrare libri, ora sta diventando una vera e propria direzione della pittura. La grafica di quell'epoca è per lo più piccoli dipinti sul tema della letteratura classica. Anche la scuola della xilografia sta vivendo una seconda vita. Tra gli artisti di questo stile spiccano le opere di Dobuzhinsky, Konashevich, Favorsky, Kravchenko, Kasiyan, Tychina, Andreev.
Andreev non era solo un eccellente disegnatore, ma anche un eccellente scultore, diventato famoso per una serie di sculture che riproducono Lenin. Per la scultura di quel periodo, il tema principale è il tema della rivoluzione, degli eroi e dei leader. A quel tempo, oltre ad Andreev, c'erano anche numerosi scultori notevoli, questi sono: Shadr, che divenne famoso per la scultura "Il ciottolo è l'arma del proletariato", è anche noto per le sculture del leader. Tra gli altri scultori notiamo: Lebedev, Mukhina, Matveev.
Tra i maestri dell'arte applicata di questo periodo, la scuola Palekh occupa il primo posto. Le trame rivoluzionarie vengono aggiunte alle tradizionali immagini fiabesche per questa direzione, intrecciandosi strettamente in un tutto. In questo momento, l'artigianato popolare generalmente fioriva, vari artigiani apparivano in massa.
Artisti degli anni '30
Questa è l’era del realismo socialista. Fu avviato dalla risoluzione del Comitato Centrale del Partito Comunista dei Bolscevichi di tutta l'Unione del 23 aprile 1932 "Sulla ristrutturazione delle organizzazioni letterarie e artistiche". Ha posto fine alla diversità culturale. Tutte le unioni di artisti si sciolsero, al loro posto rimase un'organizzazione, l'Unione degli artisti sovietici.
I principi della nuova tendenza del realismo socialista furono meglio espressi da Maxim Gorky. Questo:
principio del popolo. I personaggi principali delle opere sono lavoratori comuni.
Il principio dell'ideologia. Tutte le opere devono portare un certo carico ideologico.
Il principio di specificità. Viene mostrato il processo di sviluppo, che corrisponde alla comprensione materialistica della realtà circostante.
Questo è il periodo di massimo splendore della pittura, i lavoratori creativi, creando nella giusta direzione ideologica, hanno ricevuto molti ordini. L'epoca è caratterizzata da una brama di monumentalismo.
Oltre al monumentalismo, la pittura di quest'epoca è piena di eroismo. Uno dei maestri più memorabili di quel periodo è B. Ioganson. I suoi dipinti imitano la tecnica utilizzata da artisti russi come Surikov. Ma la trama è piena di contenuti eroici, secondo le esigenze dell'epoca. I modi di Ioganson sono ben rappresentati dal dipinto "Interrogatorio di un comunista".
Un altro famoso maestro fu S. Gerasimov: prestò la massima attenzione al tema dei contadini. Il suo dipinto "Vacanza in fattoria collettiva" è considerato un dipinto epocale di quest'epoca.
A. Plastov - nelle sue opere cantava dei contadini, i suoi dipinti riflettono la vita della gente comune, spesso sullo sfondo della natura. Le sue opere sono in qualche modo liriche. Altri famosi pittori degli anni '30 sono Pimenov, Deineka, Krymov.
In conformità con le esigenze del realismo socialista, il panorama degli anni '30 sta cambiando. In questo periodo, i paesaggi erano spesso combinati con l'esibizione di personaggi storici. L'immagine più sorprendente di questo argomento è l'opera di A. Rylov - "Lenin in Razliv".
Il genere dei ritratti a quel tempo fu sviluppato più attivamente dai maestri della vecchia generazione: Konchalovsky, Nesterov, Serova. I ritratti di Nesterov erano apprezzati, sapeva come notare e trasmettere con precisione i tratti caratteristici di una persona. Anche Korin ha lavorato nello stile di Nesterov, le sue tele sono monumentali, caratterizzate da forme chiare. Oltre ai leader del partito, anche i ritrattisti hanno mostrato interesse per le personalità creative.
La pittura monumentale di quest'epoca è diventata quasi un elemento indispensabile dell'architettura. Qui puoi evidenziare il dipinto del ristorante della stazione ferroviaria Kazansky e della stazione della metropolitana Mayakovsky.
Eccezionali scultori degli anni '30 furono Mukhina, Shadr, Manizer. Anche qui regnava la monumentalità. Forse la creazione più significativa di quell'epoca è la statua "Operaia e contadina collettiva".
Nel genere grafico hanno continuato a lavorare maestri che hanno guadagnato fama nel decennio precedente. La xilografia era popolare. Si trattava principalmente di illustrazioni per opere classiche. Viene proposto il genere dell'incisione su lamiera, il maestro più sorprendente qui è stato Nivinsky, il suo tema preferito è la Leniniade, lo sviluppo industriale.
Negli anni '30 l'incisione si allontanò dall'illustrazione di libri. È sostituito dalla litografia. Disegno ad acquerello nero, talvolta a carboncino. Questa tecnologia è stata preferita per la produzione di massa. Kukryniksy, Gerasimov, Kibrik e altri hanno lavorato in questo genere.
Artisti sovietici durante la seconda guerra mondiale
Non a caso, durante questo periodo, il tema militare diventa il tema principale delle opere degli artisti. Molti artisti di quell'epoca parteciparono direttamente alle ostilità, alcuni morirono.
Il compito degli artisti di quel periodo è ispirare le persone a un'impresa militare e lavorativa. In questa epoca fiorisce il genere dei poster. Così il 23 giugno 1941 apparve il famoso poster dei Kukryniksy "Distruggiamo il nemico". Altri poster "Motherland Calls" dell'artista Toidze, "Warrior of the Red Army, save", ecc.
La pittura da cavalletto dell'epoca della guerra è caratterizzata dalla serialità. L'artista L. Soyfertis, ad esempio, ha scritto 2 serie "Sebastopoli" e "Crimea". Il suo lavoro è doppiamente prezioso perché ha partecipato direttamente alle ostilità, realizzando schizzi tra le battaglie.
Un altro artista, Shmarinov, ha dipinto una serie di serie con carboncino e acquerello nero, sottolineando la tragedia. Il suo famoso dipinto "La madre sul corpo dell'assassinato". Pakhomov visse e lavorò nella Leningrado assediata, scrisse una serie grafica "Leningrado ai tempi del blocco".
Gli artisti del periodo bellico: Plastov, Deineka, Gerasimov, Yuon, Korin, Bubnov e molti altri hanno lasciato dipinti epici che trasmettono la tragedia dell'epoca.
Sebbene fosse più difficile per gli scultori lavorare durante la guerra, vediamo opere dedicate al tema della guerra. Per lo più si tratta di ritratti scultorei di eroi di prima linea, leader militari. Durante la guerra lavorarono: Mukhina, Tomsky, Nikoladze, Pershudchev.
Con la fine delle ostilità inizia l'era dei monumenti monumentali, progettati per perpetuare l'impresa del popolo sovietico.
Anche la pittura applicata era dedicata al tema militare. Nel lavoro dei maestri Palekh vediamo le trame di battaglie fiabesche.
Artisti del dopoguerra
Nei primi anni del dopoguerra, tutti gli sforzi mirarono a ripristinare l'economia e ad glorificare l'impresa del popolo sovietico durante la guerra. Tra i dipinti di un personaggio di battaglia, individuiamo tele fantastiche come "Riposo dopo la battaglia" dell'artista Neprintsev. "Lettera dal fronte" - Laktionova. Queste sono immagini con un tocco di testo, che esplorano la guerra come fenomeno storico.
In questo periodo molte opere furono dedicate anche alla storia della rivoluzione. Tra le tele significative di quel tempo, individuiamo l'opera di un gruppo di autori “Discorso di Lenin al 3o Congresso del Komsomol”. Il dipinto di Serov "Walkers vicino a Lenin", che divenne il secondo dipinto classico della serie Leniniad. Il dipinto di Melikhov “Il giovane Taras Shevchenko da Bryullov” attira l'attenzione; i dettagli storici sono accuratamente elaborati in questa tela.
Ci sono immagini di opere puramente pacifiche. Stanchi dei tempi difficili della guerra, gli artisti scrivono opere dedicate al lavoro pacifico, ad esempio il dipinto “Pane”, dipinto da Yablonskaya. Mostra semplice manodopera rurale. Simile nel contenuto è il dipinto di Plastov "Alla corrente della fattoria collettiva". Un altro artista sovietico, Chuikov, descrive la natura del Kirghizistan nei dipinti "Mattina", "La figlia del pastore", ecc. I dipinti degli artisti lettoni Kalynysh e Osis, dedicati al lavoro di pesca, attirano l'attenzione.
Il passaggio dai temi militari a quelli pacifici ha causato la crescita dei dipinti nel genere paesaggistico, principalmente dipinti di direzione lirica. L'artista Gerasimov ha dipinto un ciclo di dipinti dedicati al paesaggio vicino a Mosca. Meshkov ha dipinto una serie di dipinti sulle bellezze degli Urali. Mostrano la maestosa bellezza della natura siberiana. Se gli autori precedenti mostravano la bellezza della natura selvaggia, allora G. Nyssky, al contrario, nelle sue opere rifletteva una direzione relativamente nuova del genere, la natura trasformata dall'uomo. I suoi dipinti sono caratterizzati da dinamica, monumentalismo, contrasto. Korin, che stava creando in quel momento, ha continuato il suo genere preferito: il ritratto, ha dipinto una serie di ritratti di persone creative.
Negli anni del dopoguerra si sviluppò la grafica satirica. L'artista più famoso di quest'epoca fu B. Prorokov. Durante questo periodo scrisse una serie di opere in cui criticava il capitalismo americano. Kukryniksy, Soyfertis e altri lavorano sullo stesso argomento.
La scultura degli anni del dopoguerra è dedicata al tema della guerra. Si tratta di sculture monumentali che compaiono in ogni città e villaggio, dedicate agli eroi caduti. In questo momento hanno lavorato: Tomsky, Chernyakhovsky, Vuchetich, Mikenas.
Artisti sovietici 1960 - 1980
Negli anni '60, durante il "disgelo", gli artisti tentarono di liberarsi dai cliché, per mostrare la realtà più vicina alla realtà. I nuovi germogli dell'arte cercarono di fare affidamento sulle scuole d'arte degli anni '20. La scuola d'arte di questo periodo era chiamata lo "stile severo" per la sua franchezza, intransigente e drammaticità enfatizzata. Questo stile non era l'unico, il realismo socialista è rimasto, alcuni artisti hanno cercato di imitare l'impressionismo.
I fratelli Smolin furono rappresentanti di spicco dello “stile severo”. I loro dipinti più famosi sono "Strike", "Esploratori polari". In essi, l'impresa lavorativa è rappresentata senza pomposità, come una routine quotidiana. Un altro noto artista che ha aderito allo "stile severo" P. Nikonov. I suoi dipinti più famosi - "La nostra vita quotidiana", "Geologi" descrivono la vita quotidiana dei lavoratori sovietici. Altri artisti famosi dello "stile severo": Korzhev, Andronov, Popkov, V. Ivanov, Gavrilov, Tkachev, Moiseenko, Zhilinsky.
Tra gli artisti nazionali dell'epoca, i più notevoli erano: Salakhov, Narimanbekov, Klychev, Tordia, Greku, Zarin, Iltner, Berzin, Subbi, Savickas e altri.
Nella SSR ucraina è evidente il lavoro di T. Yablonskaya, che si allontana dall'impressionismo e si rivolge a motivi popolari.
1960-1980 anni di grandiosa costruzione. Dopo la guerra le città furono ricostruite, furono costruiti nuovi quartieri, tanto che il genere della pittura monumentale era a quel tempo estremamente diffuso.
Il tema principale della scultura è la memoria degli eroi e delle vittime della Seconda Guerra Mondiale. Qui "regnavano" un insieme di monumenti e un memoriale. Le creazioni più brillanti di questo genere sono "Mamaev Kurgan", "Nevsky Piglet", "Khatyn".
Famosi scultori di questo tempo: Sokolova, Pologova, Shakhovskoy, Zhilinskaya, Mitlyansky, Komov, Chernov.
Negli anni '60 e negli anni successivi furono ampiamente utilizzati l'incisione, la grafica e l'incisione su linoleum. Artisti creati in questi generi: Zakharov, Golitsyn, Borodin, Ilyina, Makunaite, Rzakuliev.
Come puoi vedere, è stata una grande epoca che ci ha regalato molti maestri insuperabili. I dipinti del periodo sovietico hanno preso il posto che spettano loro in molte collezioni.
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